Post in evidenza

Mr. Plankton (ovvero di quei piccoli insignificanti e meravigliosi bagliori dell’anima)

“Spero con tutta l’anima che quando morirò qualcuno avrà tanto buonsenso da scaraventarmi nel fiume o qualcosa del genere. Qualunque cosa, piuttosto che ficcarmi in un dannato cimitero. La gente che la domenica viene a mettervi un mazzo di fiori sulla pancia e tutte quelle cretinate. Chi li vuole i fiori, quando sei morto? Nessuno.”

(J.D. Salinger, “Il giovane Holden”)

Titolo originale: Mr. 플랑크톤 (Mr. peullangkeuton); Mr. Plankton

Regia: Hong Jong-chan

Sceneggiatura: Jo-young

Cast: Woo Do-hwan, Lee Yoo-mi, Oh Jung-se, Lee El, Kim Min-seok, Kim Hae-sook, Lee Hae-young, Alex Landi

Genere: drama /dark comedy /crime /on the road

Corea del Sud, 2024 – k-drama, 10 episodi

Certe volte, immagino di risentire nella mia testa parti di libri letti con le voci che ho immagazzinato nel mio archivio uditivo della vita, magari solo in piccoli determinati momenti, spesso associati a frazioni di immagini infinitesimali. Ebbene, io, questa frase di Salinger, me la immagino letta dalla voce calda e, al tempo stesso, squillante, calma nel suo delirio interiore, del protagonista del drama “Mr. Plankton“, mentre è seduto in riva al mare e dice che forse, in fondo, un po’ gli dispiace lasciare questa vita proprio nel momento in cui stava iniziando a divertirsi, e aggiunge quasi un sottile raschio di fondo, che non fa capire se sta dicendo sul serio o se scherza perché la sua verità sarebbe troppo dolorosa. E lo vedo progettare la sua sepoltura come uno scherno per l’umanità, quando, in realtà, riesco a percepire i suoi pensieri e quella rabbia sorda che urla da sola nel vuoto, ma che nessuno si ostina a sentire.

Scrivere di questo drama non mi è facile, perché ogni frammento di quelle immagini sparse, ogni singola nota di quella voce rassegnata e sardonica mi suscitano un dolore profondo, quasi una ferita sulla carne, che si ripete e affonda sempre di più. E non è solo per il finale, perché quell’urlo sospeso nel vuoto di una distesa nevosa e ghiacciata, desolata nel suo isolamento esterno come specchio della solitudine interiore, concentra tutto il dolore del protagonista, ma anche per tutto quello che sta nel mezzo, per quegli attimi di vita esagerata che si sono susseguiti senza tregua, come una corsa fino all’ultimo respiro per cercare la vita originaria e, al tempo stesso, per negare la morte incombente.

“Immaginavo ogni notte come sarebbe stato morire. Sarebbe stato esaltante, come saltare un ostacolo? O sarebbe stato liberatorio come togliersi dei vestiti bagnati fradici? Forse come passare da un vagone della metropolitana all’altro, o qualcos’altro di banale. No, ora che è arrivato, non è niente di tutto questo”.

Hae-joo (Woo Do-hwan di “The King Eternal Monarch“) ha una strana azienda di tuttofare quasi investigativo in cui, aiutato dall’amico Yoo Gi-ho (Kim Min-seok di “Typhoon Family” e “Lovestruck in the City“), si occupa praticamente di ogni cosa, che sia interrompere un matrimonio, inseguire una persona o ricavare informazioni scandalose, al limite tra la legalità e l’illegalità, sul filo continuo del pericolo e della temerarietà, tranne ritrovare persone perdute. La sua vita non è semplice, bloccato in una continua corsa senza fiato, fatta di rabbia, inespressa, rancore e abbandono, ragazzo randagio nell’animo, raccolto quasi per caso da Bongsuk (Lee El di “A Korean Odyssey” e “Goblin“), proprietaria di un host club e di una casa da gioco, solitario nella sua stessa marginalità.

Un giorno, Hae-joo, che ha sempre vantato una salute di ferro, sviene dopo un attacco improvviso. Il controllo medico gli diagnostica una rara malformazione genetica al cervello per cui non ci sono cure, né sono possibili operazioni. In pratica, come afferma Hae-joo, vive con una bomba ad orologeria nella testa, che la sua vita sbandata e frenetica ha accelerato. Non gli resta che poco tempo da vivere, una manciata di giorni o di mesi, per congedarsi definitivamente dal mondo.

L’unica cosa che potrebbe fare Hae-joo è quella di avere maggiori informazioni sulla sua patologia, visto che è un’eredità dei geni che gli hanno fornito i suoi antenati, ma il destino è stato beffardo con lui, crescendolo solo e sconfitto, un esule alla deriva nel mondo. Solo i suoi ricordi della sua prima infanzia sono stati lieti, ma talmente esigui da lasciare spazio alla tristezza, dovuta alla depressione continua e alla scomparsa della madre, e al baratro dell’abbandono, quando ha scoperto di essere nato da un’inseminazione artificiale errata, che ha portato il padre Chae Yeong-jo (Lee hae-young di “Bloodhounds“) a disaffezionarsi di lui, fino a lasciarlo andare.

Non sapendo chi sia il vero padre biologico, che ha contribuito silenziosamente alla sua nascita, donando il suo seme, con una condanna a morte sulla testa a causa della malattia e inseguito dalla malavita per essersi intromesso negli affari privati di un boss mafioso, Hae-joo decide che non ha più nulla da perdere e che, come è sempre stato viaggiatore nella vita, vuole continuare ad esserlo anche nella sua fine. Così, si mette a viaggiare per il Paese in cerca del vero o presunto padre.

Come quando si lascia la casa in caso di incendio, Hae-joo inizia a chiedersi cosa portare con sé e cosa abbandonare, trovando l’unico appiglio sincero nel ricordo della storia d’amore con Jo Jae-mi (Lee Yoo-mi di “Strong Girl Nam-soon“), l’unica persona che l’ha sempre considerato come tale, senza richiedere spiegazioni o giustificazioni, accettando ogni più piccolo tratto della sua personalità e donandogli la freschezza e la brillantezza della sua luce.

Jae-mi ha fatto di tutto per cercare di dimenticare la delusione che Hae-joo le ha dato e ha accettato di sposare Eo Heung (Oh Jeong-se di “It’s Okay To Not Be Okay” e “When the Camellia Blooms“), uno specialista di medicina orientale erede di una nobile e antica famiglia, dominata dalla matriarca Beom Hoja (Kim Hae-sook di “Start Up” e “Hospital Playlist“), anche a costo di essere umiliata costantemente per il suo stato di orfana e di nascondere la sua precoce menopausa che le impedirà di avere figli.

“Mi sembra di aver corso come una matta verso il traguardo. Era proprio davanti a me, ma è scomparso. Lo slancio mi spinge ad andare avanti, ma non so davvero dove andare adesso. Sono già esausta”.

Hae-joo rivede Jae-mi bardata nei suoi paramenti matrimoniali tradizionali e ne percepisce l’infelicità repressa da quel falso entusiasmo di essere finalmente accettata da una famiglia. Rivede nel suo sguardo la sua perenne ricerca di affetto, quel desiderio di essere amata per non essere abbandonata, di essere vista come una persona e di poter ricoprire un proprio posto nel mondo. Rivede il suo stesso randagismo e la sente naufraga nello stesso infinito mare del mondo. E, in un attimo, la rapisce da quel matrimonio e la porta dietro con sé nel suo viaggio alla ricerca del padre mai conosciuto, ma soprattutto alla ricerca di stesso, verso quel confine della vita di cui non si sa nulla, se non che non si vorrebbe mai arrivare.

“Vedi quei bagliori? Sai cosa sono? Guarda attentamente e vedrai che in realtà si tratta di plancton che galleggia. Emette la luce che cattura dal sole. Quello che vedi è il plancton che luccica”.

Hae-joo e Jae-mi sono come plancton: galleggiano piccoli e insignificanti nel mare della vita, esseri strani di cui nessuno si cura, senza riuscire a definirsi né animali né vegetali, talmente minuscoli dal risultare superflui e quasi inesistenti nel vortice delle onde. Eppure, è il plancton che nutre il mare e le sue creature, che cattura la luce solare e la filtra negli abissi marini, dove nessun raggio potrebbe mai arrivare, donando il proprio bagliore senza chiedere nulla in cambio, vestendosi di brillantezza nella loro effimera e anonima esistenza. Due naufraghi che galleggiano in mezzo alle amarezze della vita, che non sanno chi sono e non possono ottenere risposte, che inventano se stessi giorno dopo giorno, amando e odiando ogni singolo istante, urlando a gran voce contro un destino ingrato che non li ha voluti considerare, aggrappandosi l’un l’altra, proprio come corpuscoli di plancton, arrabbiati con il mondo, ma decisi ad illuminarlo con la propria luce.

Il viaggio, che è da sempre metafora di ricerca del significato della propria esistenza, è perfettamente calzante in questa loro scapigliata storia d’amore, che accelera il ritmo del percorso per decelerare quello della vita, come soffermandosi ad incastrare ricordi e pensieri dietro il finestrino di un auto. Si cercano e si perdono, tentano di separarsi e si ricongiungono, si amano e si feriscono, senza mezze misure, con tutta la loro più spigolosa e acre autenticità, consci di non dover dimostrare qualcosa che non sono, pronti a spogliarsi delle maschere sociali per essere se stessi. Si tratta di un viaggio spaziale e temporale: girano il territorio, ma passano anche da un mese all’altro, dall’afa della stagione estiva al freddo della neve invernale, dalle località più affollate e abitate al deserto di ghiaccio che accoglie il loro abbraccio finale.

“D’ora in poi, non fissare più alcun tipo di obiettivo nella tua vita. Se perdi la strada mentre corri verso un obiettivo, questo ti allontana da tutto il resto”.

E, come il viaggio è metafora della ricerca di Hae-joo e Jae-mi, lo stesso viaggio ritrova in qualche modo anche gli altri personaggi di questo dramma unico, sospeso a metà tra la dark comedy e la tragedia, mai banale e mai prevedibile, come non sono banali e imprevedibili gli esseri umani con tutte le loro meravigliose e incongruenti sfaccettature: Eo Heung ritrova la fiducia in se stesso, il coraggio che deriva dalla comprensione, la forza che trascende dalla mitezza; Gi-ho e Bongsuk ritrovano il valore delle piccolezze della vita e l’importanza dei ricordi e degli affetti; Chae Yeong-jo ritrova la bellezza di perdonare nella sofferenza condivisa. Ma, soprattutto, capiscono tutti che amare incondizionatamente è sempre una buona scelta, al di là di qualsiasi punto finale la vita possa imporre.

Perché, alla fine della vita, non ci sarà chiesto se abbiamo raggiunto tutte le mete, ma di colore è il cielo nella meta finale.

“Questo è il mio sogno. Disteso per strada, a guardare il cielo blu abbagliante mentre esalo il mio ultimo respiro. Sarebbe fantastico”.

Laura

Come suona la recensione?

Post in evidenza

Snow Flower

“Dovresti andare in Finlandia un giorno, Miyuki. Dopotutto è il posto in cui io e tua madre ci siamo incontrati. E’ un posto bellissimo! Babbo Natale vive lì in una casa e poi in inverno si può vedere un’aurora dai sette colori. La più sorprendente è un’aurora rossa, anche quella verde è davvero fantastica, ma quella rossa è più rara. Poiché è così rara da vedere, quando la vedrai, ti porterà fortuna”.

Titolo originale: Snow Flower, Yuki no Hana, 雪の華

Regia: Kojiro Hashimoto

Sceneggiatura: Yoshikazu Okada

Cast: Ayami Nakajo, Hiroomi Tosaka, Saki Takaoka, Seiichi Tanabe, Kenta Hamano, Yumena Yanai, Masahiro Ezaki, So Yamanaka

Genere: Drammatico, Romance

Giappone, 2019 – film

Miyuki Hirai (Ayami Nakajo, “Love You as the World Ends”) fin da bambina ha avuto una salute molto cagionevole a causa di una malattia degenerativa, ha sempre cercato di andare avanti come meglio poteva, aggrappandosi all’affetto dei genitori e ai racconti della loro giovinezza quando si erano incontrati per la prima volta in Finlandia davanti ad un’aurora boreale. Per questo, Miyuki, ormai adulta, vorrebbe recarsi in Finlandia e catturare quell’aurora boreale rossa, tanto rara, quanto simbolo di una fortuna che nella vita della ragazza non è mai stata presente.

“Probabilmente non ho alcun dono in questa vita. Inoltre, non sono mai stata fortunata nella mia vita. Il mio corpo è sempre stato debole, era debole oltre ogni immaginazione”.

Dopo una ennesima analisi, nel corso di una terapia medica che va avanti da sempre, il dottor Wakamura che, con grande sensibilità e competenza, si è costantemente preso cura della salute della ragazza, è costretto a comunicare una prognosi non positiva: a Miyuki resta quasi solo un anno di vita. Wakamura la sostiene e le comunica che farà di tutto per capire se è possibile provare una nuova terapia, ma la notizia stordisce la giovane Miyuki che esce dall’ospedale annegando ogni pensiero nella propria disperazione, dovendo ammettere che la sua esistenza è sempre stata piena di intoppi e di tristezze, passando inosservata lungo una via di dolore dove in poche persone si sono accorte della sua presenza.

Così, in una Tokyo invernale, mentre il cielo è carico di nuvole e piccole gocce ghiacciate iniziano timidamente a farsi sempre più largo, Miyuki vaga senza guardarsi intorno, sola in una strada piena di gente, ma resta vittima di uno scippo. Le portano via anche la borsa e la ragazza, stanca e disarmata, si siede sul marciapiede, ormai vinta da quella giornata dove ogni cosa le è stata portata via.

Poco più avanti di lei, sullo stesso marciapiede, il giovane Yusuke Watahiki (Hiroomi Tosaka, “Hot Road”), che ha in braccio un abete appena acquistato, è testimone della scena e inizia ad inseguire il ladro, lo atterra e riprende la borsa della ragazza. Quando Yusuke si avvicina a Miyuki per riportarle la borsa appena recuperata, la ragazza è rimasta ancora seduta a terra, nella stessa posizione, come se fosse stata attraversata da una tormenta e non fosse riuscita a ridestarsi. Lo stesso Yusuke si meraviglia di quell’atteggiamento che gli sembra così passivo, troppo arrendevole e, rivolgendosi a Miyuki, cerca di farla ridestare da quel momento di catatonia che sembra sospeso e infinito, la ammonisce che deve riguardarsi, difendersi e soprattutto deve urlare, gridare, farsi sentire, perché tutti hanno il diritto di farsi sentire, a voce alta: “Quando devi dire qualcosa, dilla!”.

A quelle parole, Miyuki si sveglia da quel torpore, da quell’incantesimo che l’aveva costretta a ritirarsi, a subire passivamente ogni cosa, ogni azione degli altri e della vita, ringrazia quel ragazzo gentile che l’ha aiutata e guarda in alto il cielo, sta iniziando a nevicare, l’aria è gelida, ma è successo qualcosa nel suo cuore.

“Quelle parole mi hanno toccato come la neve che cade su di me. Doveva fare freddo, ma ho sentito come se il mio cuore si fosse scaldato un po’ di più”.

Sei mesi dopo, Miyuki incrocia per strada lo stesso ragazzo, lo segue e scopre che gestisce una caffetteria, poco frequentata, perché in un angolo abbastanza sperduto della città. Ascolta involontariamente la conversazione del ragazzo con un altro collega e capisce che la caffetteria ha un disperato bisogno di un aiuto finanziario, un prestito, per non chiudere definitivamente. Yusuke è disperato e non sa dove trovare i soldi per pagare le spese dell’attività, per di più i suoi due fratelli più piccoli contano su di lui, sulla sua assistenza. E’ in quel preciso momento che Miyuki trova il coraggio di farsi avanti, di presentarsi a Yusuke e di proporre un accordo: essere il suo fidanzato per un mese in cambio di un milione di yen per coprire le spese del bar.

Yusuke è un po’ intimorito dall’offerta, all’inizio non riconosce nemmeno la ragazza che aveva aiutato sei mesi prima, ed esita perché non gli sembra una proposta normale, poi, però, ripensando ai suoi fratellini e al lavoro, accetta la proposta di Miyuki.

Inizia così la loro finta storia d’amore, dove sono ricostruiti tutti i momenti più caratteristici di una giovane coppia innamorata, il primo appuntamento, i messaggi della buonanotte e del buongiorno, il pranzo al sacco, la gita in battello, con quelle accortezze a cui Miyuki tiene tanto perché non ha mai vissuto una vera storia d’amore, mentre Yusuke, inizialmente sconcertato dalla finzione in cui si è immersa completamente la ragazza, cerca pian piano di impegnarsi per rendere credibile e il più possibile realistica quella finta storia.

Ogni momento, però, per Miyuki diventa un ricordo importante, prezioso, fa tesoro delle parole del medico: “Non avere rimpianti e goditi il tempo che ti resta!”.

La storia inizia a Tokyo, ma va avanti in Finlandia dove la ragazza vuole andare perché il suo ultimo desiderio o la sua ultima speranza è quella di vedere l’aurora boreale rossa.

In quel procedere della storia, all’inizio quasi insensata, poi misteriosa, fragile, riflessiva e dolorosa, Yusuke scopre, per caso, della malattia di Miyuki, ma il suo animo sensibile si è già legato alla ragazza e scopre di non poter ormai fare a meno di lei.

Le sequenze finali dell’aurora boreale rossa sono meravigliose e lasciano allo spettatore quella magia e quell’attesa di un cambiamento grazie anche ad un finale aperto che potrebbe ancora arroccarsi ad una speranza, visto che l’aurora rossa, per la sua rarità, è simbolo di fortuna, quella che Miyuki nella sua vita non ha mai trovato.

“Snow Flower” è un film intenso, intimista, ma anche un omaggio alla canzone omonima di Mika Nakashima, canzone del 2003 che fa da colonna sonora al film, ma molto famosa in tutto il mondo.

“Yuki no Hana” o “Snow Flower”, la canzone che ha dato ispirazione al film, ha un testo molto poetico e fa riferimento ai fiori di neve come momenti felici, ricordi preziosi condivisi tra innamorati nel periodo più freddo dell’anno. La canzone, tradotta in molte lingue e cantata da diversi interpreti, tra cui Park Hyo-shin, è stata inserita nel drama coreano del 2004, “I’m Sorry, I Love You” con So Ji-sub e Im So-jung.

Della stessa canzone esiste una versione in mandarino, in cantonese, in vietnamita e in inglese, cantata per la prima volta da Eric Martin. Il 24 dicembre 2018, Jisoo delle Blackpink ha cantato una versione solista di “Yuki no Hana – Snow Flower” nell’ultima serata di tour al Kyocera Dome di Osaka.

Piccola curiosità sul film: le scene in Finlandia sono state girate dal regista Kojiro Hashimoto (“A Forest of Sheep and Steel”) e dalla sua troupe ad Helsinki, ma soprattutto nella Lapponia Artica per catturare la bellezza dei paesaggi e delle aurore boreali invernali, le scene sono state girate in diversi momenti della giornata con temperature fino ai meno 15 gradi, a Levi, nella Finlandia settentrionale, situato nel comune di Kittilä in Lapponia. La scena in cui Miyuki da sola aspetta l’aurora è stata girata nell’Helves Hideaway Village.

Inoltre, Yusuke è anche un artista del vetro e all’interno del film in alcune scene vengono fatte vedere molte delle sue creazioni, non per caso in Finlandia la tradizione vetraria ha oltre trecento anni di storia e anche questa è una caratteristica molto incisiva nella trama della storia.

“Snow Flower” è un film del 2019, sceneggiato da Yoshikazu Okada, che conosciamo per “Beyond Goodbye” e “Romantici anonimi”.

“Vedere un’aurora rossa era l’unica cosa che desideravo davvero fin da bambina. Questa è stata la scommessa più grande che abbia mai fatto nella mia vita”.

Grazia

Come suona la recensione?

Post in evidenza

A man and a woman

“Alcune domeniche iniziano bene e finiscono male. È difficile da credere… È folle rifiutare la felicità. Se dovessi rivivere tutto questo, cosa farei? C’è qualcos’altro che potrei fare? Vederla per mesi e mesi come un’amica. Cosa succede? Si finisce per diventare amici, forse. Lei mi ha scritto: “Ti amo”. Ammettilo, ragazzo, semplicemente non capisci le donne”.

(Claude Lelouch, “Un homme et une femme”)

Titolo originale: 남과 여, Namgwa yeo

Regia: Lee Yoon-ki

Sceneggiatura: Lee Yoon-ki, Sin Eun-yeong

Cast: Jeon Do-hyeon, Gong Yoo, Park Byeong-eun, Yoon Se-ah, Kim Young-sun, Park Min-ji

Genere: melo / drama

Corea del Sud, 2016 – film

Quando nel 1966 venne presentata a Cannes la pellicola “Un homme et une femme” di Claude Lelouch, il cinema era pronto per passare da uno scenario esteriore ad un livello introspettivo e intimista, dove viene messo al centro il rapporto di una coppia, intrepretata da Anouk Aimée e Jean-Louis Trintignant, che si ritrova per caso lungo la strada e che cerca nella fisicità e nella vicinanza un modo per comprendere la tristezza e il dolore. Una storia apparentemente comune, di persone abituate a nascondere la propria fragilità in un mondo, che non le comprenderebbe mai, e che, ad un certo punto, nel mezzo della solitudine del nulla, trovano modo di esternare tutte le proprie sofferenze in un rapporto intimo ed esclusivo, un unico abbraccio avvolgente nel gelo generale.

Il film vinse il Grand Prix della giuria a Cannes nel 1966, rimanendo per sempre nella storia della rassegna cinematografica per la sua fotografia e per la sua colonna sonora, l’Oscar come miglior film in lingua originale e numerosi altri premi, andando ad influenzare per sempre la narrativa dei melodrammi sentimentali , fino al 2016 quando la pellicola sudcoreana “A man and a woman” ne omaggiò la lirica del dolore in quella ricerca disperata del conforto fisico, che non ha la presunzione di superare, quanto di anestetizzare momentaneamente le sofferenze.

Lo scenario della pellicola inizia in Finlandia, in un territorio ostile e ghiacciato, ma anche estraneo e lontano ai protagonisti. Sang-min (Jeon Do-yeon di “Crash Course in Romance“) e Ki-hong (Gong Yoo di “Goblin“) sono due coreani trapiantati temporaneamente per lavoro in territorio finlandese. Nel loro isolamento in una terra dove non conoscono né la lingua né la società, fingono di vivere una normalità standard, portando a termine le proprie incombenze lavorative e mandando i figli in una scuola internazionale. Nella realtà, Sang-min, che lavora nel campo della moda, nasconde una malattia grave del figlio, chiuso nello spettro autistico, ma anche condizionato da momenti di schizofrenia che ne hanno compromesso il fisico, mentre il marito sembra ormai sempre più anaffettivo e distante, costretta a mantenere le apparenze di un matrimonio felice solo per forma. Nel frattempo, Ki-hong, che si trova in Finlandia come architetto per la costruzione di uno spazio espositivo di arte moderna, è un padre amorevole per una figlia timida e perennemente intimorita, mentre la moglie, instabile mentalmente, entra ed esce da cliniche psichiatriche, coinvolgendo la famiglia in tutte le sue manifestazioni ossessivo-depressive.

In una giornata nevosa, la scuola dei figli di Sang-min e Ki-hoong organizza una gita per gli studenti. Sang-min è riluttante e apprensiva a mandare suo figlio in gita, mentre Ki-hong è contento che la figlia possa evadere all’oppressione casalinga. I due si trovano alla fermata del bus e, per giustificare la comune apprensione, decidono di seguire per un tratto l’autobus della scuola.

Entrambi coreani in un paese straniero, iniziano immediatamente a confidarsi le preoccupazioni e i timori che li coinvolgono in quella permanenza finlandese, fino a quando, durante il viaggio, la natura ostile di quel posto ignoto dove risiedono controvoglia si fa sentire, bloccandoli per le condizioni meteo e costringendoli a rifugiarsi in una sauna. Ed è qui che la disperazione assume i connotati della ricerca spasmodica della vicinanza fisica, aggrappandosi l’uno all’altra in un unico momento che possa far dimenticare tutte le sofferenze del presente.

Dopo quella notte di passione, Sang-min abbandona Ki-hong senza neppure dirgli il nome e lascia il gelo scandinavo e quell’apparente finzione per fare ritorno in Corea. Passano diversi mesi prima che Ki-hong riesca a ritrovare Sang-min per cercare di riprendere quel dialogo che era mancato nel loro primo incontro in Finlandia.

Sang-min vuole riprendere la relazione, ma solo per la fisicità cercata spasmodicamente che le può permettere di evadere per piccoli momenti dalla vita in cui si trova incastrata, costretta sempre a lottare contro la malattia incurabile del figlio. Al contrario, Ki-hong cerca di arrivare all’anima di Sang-min, trascendendo la relazione fisica, per trovare nell’amante anche una compagna e una confidente o, meglio, per sostituire la sua immagine a quella della moglie instabile. Se Ki-hong cerca di affrontare le sue sofferenze e di superarle, pur sapendo che non potrà mai lasciare la moglie e dovrà sempre essere l’unico genitore responsabile della figlia, Sang-min si è costruita da sola un guscio da cui non vuole venire fuori, per cui il suo incontro con Ki-hong deve rimanere solo un’evasione momentanea. Mentre Ki-hong è rimasto al calore trovato nelle case di legno finlandesi e a quella parvenza di momentanea felicità, Sang.min si è portata con sé l’inverno e l’isolamento della neve, anonima nel suo urlo interiore che rifiuta di esternare, volontariamente scissa in due differenti apparenze dal suo dolore.

Ma l’inverno che li aveva fatti avvicinare è destinato a separarli, in una incomprensione che nessuna fisicità senza parole può riuscire a colmare.

Diversamente dal suo illustre antecedente francese, dove i protagonisti cercano di superare un lutto subito, i due amanti della pellicola coreana vivono all’interno di un profondo dolore che sanno di non poter superare, perché fa parte delle loro stesse vite. Nonostante il dolore non riguardi la morte di un familiare o di un coniuge, la sofferenza diventa ancora più grande se si pensa che non esiste alcuna luce di speranza o, meglio, che questa speranza viene continuamente e volutamente negata dalla percezione che non è possibile uscire dalla tristezza perdurante, perché non esiste una soluzione per migliorare le proprie vite. Quei momenti intensi vissuti insieme non sono altro che il grido di aiuto di qualcuno che rischia di annegare, ma che, al tempo stesso, non può alzare la voce, la ricerca di aggrapparsi l’uno al corpo dell’altra, una fisicità silenziosa che vuol dire presenza.

Il paesaggio iniziale costituito da neve e ghiaccio circoscrive la sofferenza da cui entrambi non riescono ad emergere, nella desolazione di un mondo esterno freddo e non comprensivo, dove la neve che cade non è un conforto, ma una rappresentazione del gelo entrato nel cuore.

La sentenza posta nella pellicola francese dal personaggio di Anouk Aimée (“E’ folle rifiutare la felicità“), è incisa nel cuore di Sang-min e Ki-hon, che sanno di essere costretti a rifiutare qualsiasi lieto fine, perché per loro non è mai stata confezionata alcuna felicità.

Laura

Come suona la recensione?

Post in evidenza

Golden Kamuy (ovvero della neve, dei misteri di Hokkaido e della fame dell’oro)

“Verrà quest’anno la neve

che insieme a te

contemplai?”

(Matsuo Basho)

Titolo originale: ゴールデンカムイ (Golden Kamuy)

Regia: Shigeaki Kubo

Sceneggiatura: Satoru Noda, Tsutomu Kurowa

Cast: Kento Yamazaki, Anna Yamada, Gordon Maeda, Yuma, Yamoto, Hiroshi Tachi, Asuka Kudo, Shuntaro Yanagi, Ryohei Otani, Arata Iura, Hiroyuki Ikeuchi, Hiroshi Tamaki, Taishi Nakagawa, Katsuya

Genere: storico, azione, avventura, western

Giappone 2024 – film + serie tv (9 episodi)

Neve. Neve bianca, brillante, abbacinante sotto il sole. Un manto ghiacciato e silenzioso che copre ogni cosa, umani, animali e segreti, in una terra misteriosa e quasi magica collocata in uno di quei confini del mondo che sembrano portali con altre dimensioni, così immobili in un tempo ignoto.

Fine periodo Meiji, l’era dei grandi cambiamenti, della modernizzazione e del nuovo impero giapponese, decadenza di una vecchia grandezza storica, apertura di un’altra non più sicura e quasi comandata egemonia sul suolo asiatico, costellata da innumerevoli guerre, che partono dall’intero del territorio nazionale per espandersi a centri concentrici sempre di più verso l’esterno, rompendo i confini e anche le certezze umane.

Ed è proprio questo il paesaggio – geografico e storico – che appare arcano, affascinante e, al tempo stesso, pericoloso – a fare da sfondo a “Golden Kamuy“, una delle saghe anime/manga più interessanti della recente produzione giapponese, di recente tradotta in film e serie live action, che sembra una semplice caccia al tesoro, ma che è una ricostruzione impeccabile del periodo e anche dell’animo del reduce giapponese dalle guerre imperialiste, un racconto che riesce a mescolare storia giapponese, dramma psicologico, studio geografico e antropologico con i toni del western leoniano (o, se si vuole, del tarantiniano “The Hateful Eight“, vista la presenza costante della neve), calibrando bene violenza, ironia e una pletora enorme di personaggi.

La recensione di seguito si riferisce, soprattutto, al live-action costituito dal film “Golden Kamuy” e dalla serie televisiva “Golden Kamuy: The Hunt of Prisoners in Hokkaido“, senza tralasciare l’anime basato sul manga di Satoru Noda, serializzato dal 2014 al 2022.

Le vicende si aprono all’indomani dell’esito della guerra russo-giapponese datata 1904-1905, che ha opposte le ambizioni di egemonia dell’impero zarista russo a quelle del rinnovato impero giapponese per il controllo della Manciuria, della Corea e del libero passaggio commerciale tra l’Oceano Pacifico e l’Artico, gestito dalla cittadina portuale di Port Arthur (oggi Lushunkou). L’assedio di Port Arthur fu una delle battaglie più lunghe e sanguinose della storia, iniziata il primo agosto 1904 e terminata il 2 gennaio 1905 con decine di migliaia di morti e di feriti e l’utilizzo di alcune armi ancora quasi sperimentali, che fecero, poi, la loro triste comparsa durante la Prima Guerra Mondiale (gas, cannoni di lunga gittata e bombe a mano, alternati a guerra di trincea e sanguinosi corpo a corpo). Tra gli episodi si distinse in particolare la battaglia per Quota 203, ovvero l’assedio giapponese per conquistare la fortezza russa collocata su una collina a doppio picco che dominava il porto, che è tuttora ricordata come uno dei momenti bellici più cruenti in assoluto, contando pochi sopravvissuti, numerosissimi feriti e mutilati a vita e ancora più numerosi soldati con traumi mentali e psicologici permanenti.

Saichi Sugimoto (interpretato da Kento Yamazaki di “Alice in Borderland 1, 2, 3“, “Theatre: A Love Story” e “The Door into Summer“) è un soldato semplice proveniente da famiglia poverissima e decaduta, ma tutti lo ricordano come “Sugimoto l’Immortale” per la sua particolare attitudine di sopravvivere sempre, in qualsiasi momento e in qualsiasi condizione, persino agli eventi più drammatici della guerra russo-giapponese e dell’assedio di Port Arthur, uscito feroce e fisicamente indenne dalla crudeltà di Quota 203. Forse per via della leggenda che tutti hanno inconsapevolmente ricamato su di lui o forse è per via che il ritorno dalla guerra gli ha lasciato traumi ben celati nella sua mente, ma, in definitiva, anche Sugimoto crede di essere immortale, convinto che nessun pericolo può ucciderlo e totalmente sprezzante della morte.

“Mi rifiuto di gettarmi a terra e morire. Sopravviverò, non importa come” – “C’è un solo modo di non morire che ho imparato in guerra: non essere ucciso”.

Con la sua esperienza da reduce, le urla degli amici morti in battaglia ancora nella mente, la promessa di provvedere alla vedova di un suo commilitone e amico d’infanzia, rimasta cieca, e una vecchia divisa logora, parte per il freddo inverno di Hokkaido con l’intenzione di dragare i fiumi per trovare l’oro, fino a quando non sente una leggenda inquietante su un uomo che aveva rubato l’antico tesoro degli Ainu, tonnellate di oro che gli indigeni di Hokkaido avevano messo da parte per scacciare i giapponesi dall’isola. Dopo aver rubato il tesoro Ainu, il ladro aveva provveduto a nasconderlo in un luogo segretissimo, che non aveva rivelato a nessuno, nonostante gli interrogatori e le torture da parte dell’esercito giapponese che lo aveva catturato, salvo costruire segretamente una mappa per ritrovare il suo segreto. Ma, come in tutte le leggende con un fondo di crudeltà, anche la mappa non è certamente di facile reperibilità: l’uomo, rinchiuso nella prigione di massima sicurezza di Abashiri, quella dove i giapponesi detenevano i criminali più pericolosi, ma anche gli oppositori politici più temuti, aveva provveduto a tatuare la mappa sulla pelle di 24 altri detenuti, riuscendo, infine, a farli evadere in massa dalla prigione. Solo chi possiede tutti i disegni e sa come metterli insieme può trovare il tesoro.

L’impresa sembra perfetta per la logica di Sugimoto, che, del resto, si crede sempre immortale, anche quando deve affrontare senza armi un orso enorme e viene salvato, quasi per caso, dalla giovane Ainu con gli occhi azzurri Asirpa (Anna Yamada di “Faceless“). Asirpa è legatissima alle sue radici Ainu, convinta praticante delle tradizioni del suo popolo, profondamente connessa alla natura e a tutto ciò che la circonda. Quando ascolta da Sugimoto la storia del tesoro Ainu e capisce che il padre (Arata Iura, attore feticcio di Hirokazu Kore’eda, apparso anche in “After Life” e “Makanai“) è morto proprio per questo, tradito da un amico che lo ha privato dell’oro e lo ha consegnato ai giapponesi, decide di unirsi a Sugimoto alla ricerca della mappa che li porterà al tesoro, a patto che nessuno degli evasi tatuati venga ucciso per questo motivo. E, lentamente, con tutte le incomprensioni e insofferenze iniziali, Sugimoto e Asirpa iniziano a collaborare in squadra, affezionandosi l’uno all’altra con un sentimento di amicizia e di complicità reciproca e leale.

“Quando penso che nel mondo che Asirpa si aspetta di vedere ci sono anch’io, mi sembra di essere perdonato da tutto e mi sento salvato”.

Lungo la strada questa coppia stranamente assortita s’imbatte in Yoshitake Shiraishi (Yuma Yamoto), uno degli evasi tatuati, criminale, truffatore, ma soprattutto maestro della fuga e dedito al patteggiamento, che promette di aiutare in cambio di una quota sul tesoro, scovando gli altri evasi tatuati per ricostruire la mappa. Del resto, tutti gli evasi possono essere disponibili a collaborare con Sugimoto e Asirpa, che si limitano semplicemente a riportare i disegni dei loro tatuaggi su carta, e sfuggire al tempo stesso ad altri cercatori, che vogliono la loro morte.

“Quid non mortalia pectora cogis, auri sacra fames” / “A cosa tu non spingi i cuori mortali, esecranda fame dell’oro”

(Virgilio, Eneide, libro III)

Non c’è nulla che può contaminare la bellezza e la purezza della neve di Hokkaido se non l’oro, che genera quella fame ansiosa e spasmodica, che fa perdere qualsiasi umanità e qualsiasi sensibilità. Tutt’al più se si tratta di un oro maledetto, guadagnato sul sangue dell’indipendenza Ainu e rincorso sul sangue di altre vittime.

Infatti, la notizia del tesoro Ainu si è diffusa rapidamente tra gli sfollati di un esercito giapponese indebitato e bramoso di ricchezze. Su tutti, Tokushiro Tsurumi (un irriconoscibile Hiroshi Tamaki di “Water Boys“), primo tenente, capo di plotone e comandante della Settima Divisione, veterano della guerra russo-giapponese a cui è sopravvissuto malamente e con ferite irreparabili (ha una piastra sulla testa per riparargli il cervello, visto che una parte della scatola cranica è saltata) e nessuno sa come faccia a vivere, nonostante abbia ormai un livello di psicosi e di schizofrenia di difficile rappresentazione. Ufficialmente, Tsurumi vuole portare i soldi al governo giapponese indebitato, fedele all’ideologia della nuova classe oligarchica generatasi dopo Meiji. In realtà, è irrimediabilmente offeso dal mancato mantenimento delle promesse del governo nei confronti dei veterani e vuole per sé tutto l’oro, con l’obiettivo di condurre una guerra civile. Nei suoi progetti è assistito da: Genjiro Tanigaki (Ryohei Otani di “Miss Sherlock“), un cacciatore matagi, che, però, col tempo rinsavisce dalla follia di Tsurumi; Hajime Tsukishima (Asuka Kudo di “Burn the House Down“), stoico e freddo esecutore, ma manipolato mentalmente da Tsurumi; Otonoshin Koito (Taishi Nakagawa di “Burn the House Down” e “Eye Love You“), viziato e di ricca famiglia, ma eccellente nel combattimento e nella spada; Kohei Nikaido (Shuntarō Yanagi di “Alice in Borderland 1” e “Zombie 100“), completamente pazzo e nemico giurato di Sugimoto, anche a costo di perdere continuamente parti del suo corpo; e, infine, Hyakunosuke Ogata (Gordon Maeda di “366 Days“), cecchino lucido e impeccabile, battitore libero scettico e per nulla dedito alla lealtà, disponibile ad allearsi con chiunque, pur di ottenere una quota dell’oro.

La fame dell’oro getta bramosie e fondamenta di progetti di ricchezza anche in alcuni ex detenuti tatuati, che, decisi a sopravvivere agli intenti criminosi di Tsurumi, cercano di allearsi intorno alla figura ieratica dell’anziano e carismatico Toshizō Hijikata (Hiroshi Taichi di “The Parades“), che appare come un samurai di un’altra epoca, ma che è, in realtà, un prigioniero politico detenuto a vita ad Abashiri e che riesce a convogliare a sé alcuni pericolosi detenuti per far fronte ad un unico progetto, pur rimanendo nei confronti di Sugimoto con un doppio legame di avversario con stima.

L’utilizzo di questa figura è una delle intuizioni più felici dell’intera saga e anche uno dei rimandi storici nascosti più saggi: Toshizō Hijikata non è un nome a caso nella storia giapponese, ma identifica lo spadaccino del periodo Bakumatsu (gli anni finali dello Shogunato, poco prima dello splendore Meiji) e vice-comandante dell’organizzazione Shinsengumi, le forze speciali di polizia di Kyoto nei complicati anni della transizione e della modernizzazione, anche noto come il “comandante del demonio”, autore del colpo di Stato dell’agosto 1863 e anima della Guerra Boshin, che segnò la fine dello Shogunato e il ritorno del potere centralizzato nelle mani dell’Imperatore, ma anche l’inizio della trasformazione dell’arcaico Giappone dei samurai contro la nuova élite giapponese, fondata su una cerchia aristocratica rinnovata, fortemente ideologizzata e con mire egemoniche nei confronti dei territori circostanti.

“Non so molto di Dio. L’unico mondo a cui sono interessato è questo”.

Nella figura di Hijikata, così come in quella di Tsurumi sono racchiuse due anime di un nascosto decadentismo giapponese destinato al fallimento, legato ad una vecchia epoca o al travisamento di quella contemporanea, due anime che, in qualche modo, si ribellano e non accettano il cambiamento, cercando di contrapporsi in modo anarcoide al un nuovo potere, che si è stabilito su una ideologia amorale e sulla costruzione di una società capitalista, utilizzando le medesime armi pericolose derivanti da ideologie e soldi e venendo, dunque, ingoiate da queste.

Anche Sugimoto rappresenta un Giappone decadente che non si riconosce più in nulla, ma, al contrario dei suoi avversari, si radica unicamente nel potere dei ricordi e della memoria, rimettendosi a quanto di buono può essere rimasto del passato e reinventandosi giorno dopo giorno nel presente e nel futuro. Forse proprio per le sue esperienze traumatiche di un’infanzia povera e da reietto e di una giovinezza stritolata dalla guerra, Sugimoto non ha tributi nei confronti della vecchia epoca, né rancori per essere stato tradito dalla nuova, ma vive solo per se stesso e per coloro che gli mostrano, di volta in volta, lealtà, fiducia e umanità, sentendosi senza patria e senza famiglia. Per Sugimoto, vivere è incontrare storie e culture diverse, senza opposizione, comprendendo racconti altrui e assumendoli nella memoria. Ed è in questo modo che riesce ad entrare in contatto con gli usi e i costumi Ainu (ritratti davvero in modo magistrale) con semplicità e senza alcun senso di superiorità, libero, nonostante il suo passato bellico, da istanze e rivendicazioni nazionaliste e politiche.

P.S.: per avvicinarsi alla cultura Ainu, vi invitiamo a leggere l’approfondimento “L’antologia di Yukie Chiri e la cultura Ainu“.

Laura

Come suona la recensione?

Post in evidenza

Viaggiatori nella neve

L’inverno è la stagione che più spinge l’essere umano all’introspezione, alla riflessione sulla condizione esistenziale, sulla solitudine e sull’essenza dell’effimero. In poesia, in letteratura e in arte, così come anche in epoca moderna nel cinema e in televisione, l’inverno è rappresentativo dell’animo umano che riflette la propria inquietudine interiore, ma necessario per trovare una consapevolezza del mondo che ci circonda e una consolazione nel fermarsi e riprendere le forze per continuare.

Uno degli archetipi più caratteristici dell’inverno in cui mi soffermo in questo articolo è quello del “viaggiatore nella neve”.

Se per Jung l’archetipo del viandante o viaggiatore (“Wanderer”) è il cercatore che vaga, intraprendendo un percorso al di là della vita e della morte, per trovare il midollo dell’esistenza stessa, la neve è insieme purezza del mondo, ma anche solitudine o senso di sfida alla resistenza umana.

Anche nella poesia e nell’arte giapponese il viaggiatore nella neve è una figura che attraversa un percorso, un viaggio: metafora della propria condizione interiore.

Proprio per questo motivo ho scelto, per un confronto artistico-letterario, un haiku di Matsuo Basho e un’opera di Katsushika Hokusai che meglio riflettono la sensazione e il mondo introspettivo del viaggiatore, per una presa di coscienza di una esperienza di trasformazione.

pioggia di primo inverno: sarò forse chiamato anch’io “viaggiatore”

(Matsuo Basho)

Matsuo Basho, uno dei più importanti esponenti giapponesi della poesia haiku, ci trasporta in un percorso invernale, tra la pioggia e la neve, in un vagare silenzioso, tra le meraviglie della Natura che solo un poeta più cogliere.

L’essere viaggiatore è un percorso di accettazione della propria esistenza umana, nelle fatiche del mondo, nella percezione della bellezza effimera, ma anche nella quiete e nella riservatezza di un rifugio contemplativo che solo la stagione invernale può donare.

Il poeta, che sarà forse chiamato anche lui “viaggiatore”, sottolinea il suo destino che è quello del pellegrino alla scoperta di una goccia di eternità, così difficile da carpire per l’essere umano, così transitoria e sfuggente alla vista umana.

“Il viaggiatore nella neve” di Katsushika Hokusai è una stampa ukiyo-e che raffigura un cavaliere sul suo cavallo, con alle spalle un accompagnatore, che si immergono nel bianco di un percorso innevato. Il cavaliere sembra essersi per un attimo fermato a contemplare i fiocchi di neve che scendono piano, armoniosi. Sembra che la stampa appartenga alla serie “Riflessi veritieri di poemi cinesi e giapponesi” e rappresenta il poeta cinese Su Shi (conosciuto in Giappone anche come Toba), famoso per i suoi componimenti dedicati alla neve e alla contemplazione della natura.

La bellezza che emana quest’opera è pura serenità, una connessione con la Natura e le sensazioni che l’uomo prova a contatto con essa. Gli alberi carichi di neve, le sfumature del colore del cielo, i dettagli del paesaggio e le tecniche di intaglio regalano all’opera un’armonia senza tempo. Agli occhi dello spettatore, il cavaliere è sempre in cammino. Torna anche qui la tematica del poeta eterno pellegrino che riflette nel viaggio il suo animo interiore.

Nell’opera di Hokusai il viaggiatore è simbolo di resilienza che affronta la stagione fredda per abituare l’animo umano alla perseveranza e alla costanza.

Hokusai in quest’opera riesce a fondere poesia e arte visiva rendendola un capolavoro senza tempo.

Paesaggio innevato e stato animo interiore rappresentano un connubio poetico e armonioso e l’espressione giapponese “Yukimi – 雪見”, ovvero “osservare la neve,” dimostra come la cultura giapponese si rapporta con l’esperienza di contemplazione della Natura, nel silenzio della neve che cade, estetica e poetica insieme.

La figura del viaggiatore nella neve, poi, è stata spesso di ispirazione a racconti, poesie, opere, film e anime.

Nel film del 1995 “Love Letter”, l’ambientazione è Hokkaido e la neve che accompagna la maggior parte delle scene del lungometraggio, è al centro della storia e trasmette con immagini indimenticabili l’estetica poetica della storia, raccontando di amore e perdita, di sogni e di futuro. Memorabile è la scena in montagna e del famoso urlo nel silenzio della neve.

Nel recente film del 2017, “Takara – La notte che ho nuotato” di Damien Manivel e Kohei Igarashi, in una notte d’inverno il piccolo Takara si alza e decide di saltare la scuola per recarsi in città a trovare il padre che lavora al mercato del pesce e che il bambino non vede mai a causa dei turni notturni. Durante la sua traversata notturna, nel rigido clima invernale, Takara affronterà, con la purezza e la spontaneità dell’infanzia, il percorso esistenziale della sua giovanissima vita, camminando da solo, riparandosi al meglio da una tormenta di neve.

Nel film anime del 2004, “Naruto: la Primavera nel Paese della Neve”, il Team 7 deve scortare un’attrice nel Paese della Neve, un paese con ninja esperti di tecniche di manipolazione del ghiaccio. Il film narra la storia di Yukie Kazahana, principessa del Paese.

Infine, uno dei romanzi più famosi della letteratura giapponese che ha ispirato molte opere, racconti, canzoni e film, “Il Paese delle Nevi” di Yasunari Kawabata, scritto a metà degli anni Trenta del Novecento e pubblicato nel 1947 e che valse il Nobel per la letteratura all’autore. Protagonista del romanzo è l’intellettuale Shimamura che da Tokyo intraprende un viaggio in treno verso il paese delle nevi, un remoto villaggio termale tra le montagne giapponesi, per trovare riposo e serenità. Il romanzo ha uno degli incipit più famosi della storia della letteratura e ha ispirato ambientazioni e storie:

“Usciti dalla lunga galleria di confine, si era già nel paese delle nevi. Il fondo della notte si tinse di bianco”.

Grazia

Post in evidenza

Amidst a Snowstorm of Love

In quel momento volevo aprire la porta e dirti: “Va tutto bene. Non c’è niente di cui preoccuparsi. Supereremo la tempesta di neve”.

Titolo originale: 在暴雪时分, Zài bàoxuě shífēn

Regia: Huang Tianren, Yu Bo

Sceneggiatura: Mo Bao Fei Bao

Cast: Leo Wu, Zhao Jinmai, Pan Yiqi, Wang Xingyue, Luo Yixin, Shi Yu, Alan Luo

Genere: Romance, healing drama, sport

Cina, 2024, c-drama, 30 episodi

L’inverno è quel periodo dell’anno dove possiamo riflettere sulla nostra esistenza e sul mondo che ci circonda e, grazie al silenzio che accompagna le giornate malinconiche, trasportiamo il nostro pensiero ad una riflessione universale che va oltre la condizione personale. Si tratta di una solitudine consapevole che richiama la nostra interiorità e che risveglia i ricordi, le emozioni sopite, che delicatamente riemergono come piccole tormente di neve nello spazio più nascosto del cuore.

Proprio per questo motivo ho scelto, per la nostra linea tematica di “Storie di neve e d’inverno”, di parlarvi del drama cinese “Amidst a Snowstorm of Love”, una storia intimista che è come la ricerca di un abbraccio caldo nell’inverno più gelido.

La neve è metafora della vita e dello scorrere del tempo, in modo naturale, dove i rumori pian piano si disperdono per lasciare spazio alla propria interiorità, come le stagioni della nostra esistenza.

“Sui campi e su le strade

Silenziosa e lieve,

Volteggiando, la neve

Cade.

Danza la falda bianca

Ne l’ampio ciel scherzosa,

Poi sul terren si posa

Stanca”.

“Nevicata” – Ada Negri – “Fatalità”, 1895

La neve, nella storia raccontata in questo drama, ricorda un po’ la neve della poesia di Ada Negri. Neve che cade “silenziosa e lieve” e che è simbolo della condizione esistenziale della crescita dell’essere umano nel tempo. Con andamento leggero la vita va avanti, lascia alle spalle l’età tumultuosa, ma si trasforma in riflessione “cadenzata”. La neve si posa sul terreno, “stanca”, ma non è momento di chiusura, bensì di mutamento, di riconnettersi a se stessi e il mondo attorno a noi tace e ci lascia in una solitudine che sprona ad essere autonomi nella nostra comprensione interiore.

Il cuore torna ai ricordi, ad un amore sopito, mai dimenticato e che resta nell’attesa, nella calma della maturità. La neve che sposta l’attenzione da un’armonia esterna ad una cognizione di sé.

Lin Yiyang (Leo Wu, “Upcoming Summer”), protagonista di “Amidst a Snowstorm of Love”, è un ex giocatore professionista di biliardo che è andato via dal suo Paese per allontanarsi dalle false accuse di truffa sportiva e si è recato nella fredda Finlandia, lontano da tutto e da tutti.

Schivo e introverso ha deciso di immergere la sua indole solitaria nel clima rigido e nevoso della Finlandia, per far perdere le sue tracce e il suo ricordo e, come la neve che cade silenziosa, anche Lin Yiyang ha deciso di vivere in “silenzio”, per non sentire alcun rumore che possa urtare il suo bisogno di solitudine e far riaprire quelle ferite che sta cercando di guarire. Non vuole conoscere nessuno, non vuole vedere nessuno o sentir parlare di qualsiasi avvenimento o persona riguardante il suo passato.

L’animo calmo e contemplativo di Lin Yiyang nasconde, però, un tumultuoso malessere interiore che la ricerca del clima invernale ha cercato di sopire, ma che emerge quando torna qualche ricordo del suo passato. Eppure, in una fredda serata, nel bel mezzo di una tormenta di neve, incontra Yin Guo (Zhao Jinmai, “Reset”), una giovane connazionale anche lei impegnata nel mondo del biliardo, come la sua famiglia.

Lin Yiyang si accorge pian piano di essere travolto da quella tormenta e non sa come interagire con i suoi stessi sentimenti e le sue stesse emozioni. Inizia a provare dei sentimenti per Yin Guo, ma non è capace di manifestarli a parole, è una sensazione che lo attanaglia.

Il moto dell’animo è difficile da far trasparire, ma Lin Yiyang adotta un modo tutto suo, piccoli gesti, sguardi rubati, un corteggiamento lento e silenzioso che lo avvicina al cuore di Yin Guo e così la sua corazza di ghiaccio si scongela pian piano e anche il suo sogno di tornare nel biliardo professionistico, che credeva di aver sotterrato per sempre, emerge come possibilità di ritornare a vivere.

La neve cade silenziosa e lascia spazio all’interiorità, come la memoria che non si rifugia nel passato in questa storia delicata e intimista, ma trova posto nella quiete di un’esperienza di sentimenti profondi e autentici.

“Amidst a Snowstorm of Love” è ispirato al romanzo omonimo di Mo Bao Fei Bao, le atmosfere nevose e sognanti delle immagini invernali in Finlandia accompagnano lo sguardo dello spettatore in una dimensione quasi onirica, infine la colonna sonora regala magia ad ogni scena del drama.

Grazia

Come suona la recensione?

https://open.spotify.com/playlist/0F3o0GwNgCgQPltYSP8IYf?si=afade80e790c4dc1
Post in evidenza

Ski into Love

“La felicità: le prime tracce sulla neve fresca”.

Titolo originale: 嘘，国王在冬眠 , Xu, Guo Wang Zai Dong Mian

Regia: Gia Lee

Sceneggiatura: Qing Mei

Cast: Yu Shuxin o Esther Yu, Lin Yi, Zeng You Zhen, Fei Qi Ming

Genere: Romance, Healing drama, Sport

Cina, 2025, c-drama, 23 episodi

Il tempo dell’inverno è un tempo meditativo, intimo, di raccolta e di riflessione. La neve che cade in inverno ci trasmette quella pace e quel senso di quiete di cui necessita la nostra mente.

L’inverno è una stagione piena di inattese opportunità e differisce proprio in questo dalle altre tre stagioni; l’inverno è, infatti, una coperta che ci lascia riposare per recuperare le energie.

Proprio per questo motivo ho scelto, per la nostra linea tematica di “Storie di neve e d’inverno”, di parlarvi del drama cinese “Ski into Love”, un healing drama che nella sua semplicità riesce a raccogliere come fiocchi di neve dei momenti e delle immagini che sono un dono per la vista e il cuore dello spettatore che segue la storia dei due protagonisti e dei secondari che illuminano con grazia la pista da sci che simboleggia il nuovo giorno con le possibili opportunità e con una felicità raccolta, timida e intima come le prime tracce sulla neve fresca, un’esperienza personale prima di essere condivisa con il mondo.

“Ski into Love” è un drama che nasce dal bisogno di raccontare le opportunità che possono presentarsi dopo un periodo di stacco, di rallentamento volontario dal mondo e dalle sue esigenze, una pausa rigenerante dallo sforzo mentale, dalla stanchezza fisica, una pausa che corrisponde al recupero di energia, di forza, ma soprattutto un recupero di sicurezza in se stessi.

“Neve che turbini in alto ed avvolgi

le cose di un tacito manto,

una creatura di pianto

vedo per te sorridere (…)”

“Neve” – Umberto Saba – “Canzoniere”, 1961

La neve, nella storia raccontata in questo drama, ricorda un po’ la neve della poesia di Saba, diventando, infatti, immagine e simbolo di benessere interiore, un sollievo istantaneo dalla sofferenza umana, aspirando ad un futuro di gioia.

“Ski into Love” si ispira alla web novel “Xu Guo Wang Zai Dong Mian” di Qing Mei ed è diretto da Gia Lee (conosciuta per molti drama noti e meritevoli di visione come “Hidden Love”, “Everyone Loves Me” e “Mr. Bad“).

Wei Zhi (Yu Shuxin, anche conosciuta come Esther Yu, di “Love Between Fairy and Devil”) è una ragazza piena di sogni e aspettative future, è una disegnatrice di fumetti e vorrebbe fare questo lavoro per sempre perché è passione e creatività, anche se la sua famiglia non è molto d’accordo. Accade, però, qualcosa che la trascina in un vortice di accuse e di dispiaceri, sconvolgendo tutta la sua vita. Criticata e accusata per un uso di intelligenza artificiale nelle sue opere, perde il lavoro, lo pseudonimo di artista e anche il fumetto sul quale stava lavorando. Cosa potrebbe andare più storto di così? Riacquistare fiducia in se stessa e riconquistare credibilità negli altri è una strada irta di ostacoli e di difficoltà e spesso anche l’ambiente in cui si vive diventa testimone del proprio fallimento, serve, infatti, cambiare ambiente per poter recuperare se stessi e rientrare in possesso delle proprie capacità a cui è stato inflitto un duro colpo.

Wei Zhi, scossa e investita dallo scandalo e turbata per come potrà andare avanti il suo futuro, decide di andare via, sparire e, dopo aver visto un video di snowboard, attratta da un paesaggio diverso da quello che vede ogni giorno, da un contesto differente e dalla neve che sembra coprire ogni cosa come una coperta, si reca in montagna presso la stazione sciistica di Beishan, con la scusa di imparare lo snowboard.

L’istruttore di snowboard è Shan Chong (Lin Yi di “Everyone Loves Me” e “Angels Fall Sometimes”), protagonista del video di snowboard che aveva visualizzato in rete Wei Zhi.

Shan Chong è un ex medaglia di bronzo, ora diventato allenatore di snowboard, dopo un grave infortunio. Il ragazzo serba nel cuore una grande tristezza dopo l’infortunio che ha bloccato la sua carriera sportiva e il tragico incidente di sua sorella minore Shan Shan (Zeng You Zhen) che ha perso l’uso delle gambe.

L’incontro tra Wei Zhi e Shan Chong non decolla da subito e, anzi, il ragazzo sembra all’inizio infastidito dal comportamento di Wei Zhi, poi, pian piano, l’incomprensione viene chiarita e la chimica tra i due protagonisti diventa una caratteristica molto importante per l’andamento della storia perché entrambi si faranno coraggio e riusciranno a imparare come supportarsi, per crescere, per ricominciare e riprendere in mano i propri sogni.

Personalmente, poi, mi ha toccato anche il rapporto d’affetto e di sostegno tra fratelli (Shan Chong e Shan Shan) che hanno già perso molto durante la propria vita, ma che si proteggono per non sentirsi soli.

Infine, la neve, che fa da sfondo alla storia, diventa, come avevo premesso, elemento simbolico di rinascita e rende armoniosa l’intesa, la sintonia e l’affinità tra i due protagonisti, regalando momenti toccanti e poetici.

Le atmosfere suggestive, una ost che ho apprezzato molto e una fotografia meravigliosa impreziosiscono con delicatezza gli episodi del drama.

Grazia

Come suona la recensione?

Post in evidenza

No Other Choice – Non c’è altra scelta

“Il neoliberismo ha modellato, a partire dall’operaio oppresso, un libero imprenditore – un imprenditore di se stesso. Oggi, ciascuno è un operaio che si sfrutta da solo, un dipendente di se stesso. Ciascuno è al contempo servo e padrone, per cui la lotta di classe si è trasformata in una lotta interiore. Chi oggi fallisce si dà la colpa e si vergogna: individuiamo il problema in noi stessi, piuttosto che nella società. (…) Oggi ci denudiamo volontariamente. (…) Questo denudamento, questo volontario passarsi ai raggi x, segue la medesima logica di efficacia dell’autosfruttamento. (…)I l regime neoliberista è stabile proprio perché si immunizza contro qualsiasi resistenza e usa la libertà invece di opprimerla”.

(Byung-chul Han, “Perché oggi non è possibile una rivoluzione”)

Titolo originale: 어쩔 수가 없다, Eojjeol suga eopda (lett. “Non posso farci niente”)

Regia: Park Chan-wook

Sceneggiatura: Park Chan-wook, Don McKellar, Lee Kyoung-mi, Lee Ja-hye

Cast: Lee Byung-hun, Son Ye-jin, Park Hee-soon, Lee Sung-min, Yeom Hye-ran, Cha Seung-won, Yoo Yeon-seok

Genere: drammatico / noir / thriller / commedia nera

Corea del Sud, 2025 – film

Molto si è detto ultimamente sul neo-liberismo o, meglio, sulla nuova società capitalista che assorbe informazioni e nozioni per massimizzarle nella formazione di un nuovo essere umano, estremamente libero, ma, al tempo stesso, incatenato da un paradigma di auto-oppressione. Una delle analisi più lucide in merito proviene di certo dalla riflessione del filosofo coreano (naturalizzato tedesco) Byung-chul Han, che, nel saggio “Perché oggi non è possibile una rivoluzione” (pubblicato in Italia da Nottetempo, traduzione di Simone Aglan-Buttazzi), che raccoglie una serie di interviste, dialoghi e interventi in seminari e lectio magistralis, ha delineato la sua visione del capitalismo e i suoi effetti devastanti, che pongono in connessione una sfrenata produttività con una intrinseca (e non solo) capacità distruttiva ambientale, ma anche sociale e mentale, tanto da relegare l’uomo moderno in una spirale crescente di autodistruzione, dove si disumanizza, perde qualsiasi capacità di connessione armonica con gli altri esseri umani per diventare liberamente e senza alcuna opposizione un ingranaggio perfetto di una macchina molto più grande e complessa.

Ed è in questo modo che si presenta l’uomo libero e, al tempo stesso, oppresso dalla società capitalista, protagonista di “No Other Choice – Non c’è altra scelta” di Park Chan-wook, presentato in anteprima alla Mostra Internazionale di Venezia nel 2025 e in lizza per i maggiori premi in tutto il mondo, tracciando una piccola storia di periferia, che potrebbe sembrare una storia universale, di un uomo qualsiasi, mite e anonimo nella sua vita ordinaria, che diventa carnefice quasi per caso o, meglio, per sopravvivere in una società che lo distrugge sottilmente in una competitività impossibile. Il piccolo uomo ordinario della pellicola di Park Chan-wook, infatti, porta alle conseguenze estreme il concetto di resilienza neo-liberista, simboleggiata dall’anguilla (non a caso protagonista della grigliata con cui si apre il film e oggetto di dono da parte dell’azienda), una nuova ideologia plasmata su una falsa capacità di adattamento individuale che, con l’obiettivo di emergere a qualsiasi costo, annulla sia il dolore personale che l’esistenza di ostacoli umani e che sposta la responsabilità dalle strutture sociali all’individuo. E’ un potere smart, invisibile, che sfrutta la libertà e neutralizza qualsiasi resistenza, riuscendo a far adattare chiunque al nuovo credo sociale ed economico.

Yoo Man-su (magistralmente interpretato da Lee Byung-hun di “Mr. Sunshine“, “Squid Game” e molto altro) è un professionista della carta. Da 25 anni lavora per l’azienda Solar Paper, che lo ha visto crescere lavorativamente e umanamente dal suo ingresso come giovane operaio subito dopo il diploma fino alla sua laurea, presa a distanza durante il lavoro, in chimica, specialista di tutte le paste per la carta. L’acquisizione da parte di una grossa azienda americana porta, però, a redistribuire le competenze lavorative presso la cartiera, inserendo il supporto di nuovi macchinari e di una produzione robotica e tagliando posti di lavoro (di cui viene usata l’espressione derivante dal parlato coreano di “tagliare teste”, come ad indicare un’equivalenza tra la vita e il lavoro, per cui chi porta via il lavoro, determina anche la fine della vita).

Man-su rientra nella redistribuzione del lavoro in cartiera e perde il posto di lavoro, senza alcuna agevolazione, se non una piccola liquidazione, mentre viene inserito in corsi di formazione e di ri-collocazione lavorativa, che, nel tentativo di assicurare supporto psicologico, lo alienano ancora di più. Passano i giorni e si accumulano i mesi e, mentre Man-su non riesce più a trovare una nuova posizione lavorativa adeguata alla sua esperienza e ai suoi studi, la moglie, Mi-ri (meravigliosa e dolente Son Ye-jin di “Something in the Rain” e “Crash Landing on You“) torna a lavorare come igienista dentale presso lo studio del dottor Oh Jin-ho (Yoo Yeon-seok di “Hospital Playlist” e “When the Phone Rings“) e inizia a tagliare una serie di spese considerate superflue per il budget familiare: i due cani vengono ceduti ai nonni, perché considerati due bocche in più da sfamare, le due auto vengono ridotte in una sola utilitaria da condividere, tutti gli abbonamenti a canali streaming vengono disdetti, così come i corsi e gli hobby del tempo libero, mentre la casa, che Man-su aveva acquistato a fatica con il suo lavoro, con tutto quello che contiene viene messa in vendita.

Unica spesa a rimanere intatta e intoccabile è costituita dalle lezioni di violoncello della figlia minore, la piccola Ri-one, che è nello spettro dell’autismo e si esprime raramente, ripetendo le parole altrui, ma che è anche un genio musicale, anche se si rifiuta di esibirsi per i suoi familiari.

Un giorno, mentre Man-su sta guardando a random i video caricati nei canali social da Choi Seon-chul (Park Hee-soo di “My Name“), un manager della Moon Paper che, tempo prima, lo aveva umiliato durante la ricerca del lavoro, Mi-ri esclama: “Se solo venisse fulminato! In una giornata di pioggia, usando un ombrello a punta“.

Nella vecchia casa della sua infanzia, guadagnata e, poi, persa dal padre, che si è suicidato dopo un tracollo economico, ma che ha lasciato all’interno i suoi cimeli, la pistola portata dalla Guerra del Vietnam ed esposta in vetrina inizia a guardare Man-su, quasi a suggerirgli, impalpabile, una soluzione, un piano di sopravvivenza basato su quella massima di “sparare prima a chi ha intenzione di spararti“, che Man-su cerca di spiegare in continuazione al figlio maggiore, Si-one.

Man-su inizia a pedinare Seon-chul per cercare il momento più opportuno per eliminarlo fisicamente, in modo che il suo posto di lavoro possa diventare disponibile per una sua candidatura. Poi, però, memore delle tante candidature nel settore e dei molteplici rifiuti, il suo piano si allarga, perché non basta eliminare la persona che ricopre attualmente quel posto di lavoro, ma anche tutti i potenziali candidati o, meglio, tutti quei candidati che, rimasti senza lavoro, possono vantare un curriculum più prestigioso e competitivo del suo.

Dopo un’attenta valutazione quasi scientifica e l’apposizione di un falso annuncio di lavoro, sono due i candidati che attirano di più l’attenzione di Man-su: uno è l’ingegnere Koo Beom-mo (Lee Sung-min di “Misaeng – Incomplete Life“), disoccupato, depresso e alcoolista, che vive in una casa isolata in mezzo al bosco con A-ra (Yeom Hye-ran di “The Glory” e “When Life Gives You Tangerines“), una moglie eccentrica e fedifraga, che lo disprezza per la sua inazione; l’altro è Go Si-jo (Cha Seung-won di “A Korean Odyssey“), esperto di tutti i tipi di carta, dalle banconote alle cartine per le sigarette, che cerca di affrontare la perdita del lavoro, adattandosi ad un impiego di commesso per un negozio di scarpe, mantenendo la propria dignità, ma anche la propria umanità in un mondo che va a rotoli.

Per Man-su nasce una nuova routine, fatta di azioni crudeli e orrende, che aborre, ma che, al tempo stesso, reputa necessarie, definendole come veri e propri “colloqui di lavoro” e che culminano in una nuova ammissione in quella società che lo aveva rifiutato ed escluso, come John Smith in mezzo ai pellerossa, dando nuove radici non espugnabili alla sua famiglia.

“Fino a qui ho solo scavato. Adesso devo piantare un albero”.

Il film è un ritorno acclamato di uno dei più grandi registi contemporanei, Park Chan-wook, che ha reinventato l’etica e l’estetica della vendetta (con la cosiddetta trilogia della vendetta, costituita dai film “Mr. Vendetta” del 2002, “Old Boy” del 2003 e “Lady Vendetta” del 2005), autore di opere che ci ha abituato ad uno stile unico, graffiante e quasi parossistico (vedi “Joint Security Area” del 2000 e “Thirst” del 2009), ma anche ad una narrativa dolente e malinconica che nasconde la disumanizzazione (vedi “Mademoiselle” del 2016 e “Decision to Leave” del 2022).

Vagamente ispirato al romanzo del 1997 “The Ax – Cacciatore di teste” di Donald E. Westlake, autore americano che è riuscito a fondere humour nero, hardcore e temi distopici, usando ben tre pseudonimi diversi, “No Other Choice” mantiene alcune delle tematiche care a Park Chan-wook, tra cui la feroce critica sociale e l’abbruttimento dell’animo umano di fronte al mancato adattamento al mondo, ma si erge nella sua unicità anche all’interno dell’opera stessa di Park, tributario di una scuola cinematografica coreana già collaudata (vedi il capolavoro “Parasite“, che omaggia chiaramente nella scena della colluttazione), con un’arte che fonde umorismo e orrore, in una commedia nera che riesce a trattare la verità nascondendola dietro false e grottesche esagerazioni. Ed è per questo motivo che, sono convinta, questo film rimarrà una pietra miliare nella storia del cinema, un’opera di altissimo livello, condotta con la maestria di un direttore d’orchestra, che sembra quasi seguire la melodia dell’Adagio Concerto per Piano No. 23 di Mozart, senza alcuna sbavatura.

Nulla nella storia è stato lasciato al caso, dalla simbologia usata nella narrazione alle metafore volute e ricercate, fino al nome dei personaggi. E, in effetti, sono numerosi i riferimenti alla simbologia di derivazione biblica, a cominciare dalla presenza del serpente (o dei serpenti), più volte temuti e annunciati dal personaggio di A-ra che cerca di scacciarli col bastone dal bosco, fino al morso che Man-su subisce da un serpente, di cui non si conosce il potenziale velenoso, prima di iniziare a mettere in atto i suoi propositi criminosi, e all’apparizione vera e propria del serpente davanti alla casa proprio quando deve avvenire il delitto. La connessione con il simbolo della tentazione e del peccato biblico e la caduta dall’Eden è ribadita dalla scelta di piantare un albero di mele sulla buca che nasconde gli smartphone rubati, ma anche il cadavere del secondo delitto, non un frutto a caso, ma proprio quello per cui gli umani hanno iniziato a discernere il Bene e il Male (e a preferire quest’ultimo). L’intento di richiamare questa simbologia è palese anche in altre scelte prettamente artistiche, come l’incontro tra Man-su e Beom-mo nella tavernetta domestica di quest’ultimo, con le loro mani che si uniscono esattamente come quelle della creazione dell’uomo nella Cappella Sistina di Michelangelo.

Inoltre, si è fatto ricorso anche ad altri simboli, alcuni derivanti dal substrato culturale buddista e confuciano tipicamente coreano (come il riferimento al maiale, richiamato in diverse occasioni, di solito simbolo di fortuna e di prosperità, o alle piante, le cui radici prosperano anche nella spazzatura ad indicare una nuova vita), altri connessi alla letteratura occidentale (lo Schiaccianoci protagonista del racconto di Hoffmann e dell’opera di Čajkovskij, che lotta contro l’oppressione del Re Topo per salvaguardare il suo regno, ovvero, nel caso di Man-su, la sua quiete familiare e domestica), fino a simboli più universali e archetipici: così il ricorso alla musica, vista come unica metafora di conforto per alleviare il male, che risplende in particolare nella bellissima scena finale con Mi-ri intenta ad ascoltare la musica della figlia e a liberare i suoi pensieri, ma anche l’utilizzo della plastica e della gomma – stivali di gomma, pantaloni di plastica, carta pellicola che avvolge la pistola, l’imbuto di plastica per forzare l’alimentazione – ad indicare la società odierna, che decide cosa è utile e cosa di scarto.

Infine, per quanto riguarda la scelta di alcuni nomi, mentre il nome del protagonista maschile è Man-su, a prima vista un comunissimo nome coreano, che sottintende in sé il significato buddista della longevità, ma racchiude anche l’assonanza con il latino “maneo” (di cui “mansus” è il supino) che indica l’azione di rimanere e, infine, suona drammaticamente bene nel gioco di parole tra “perdere il lavoro” e “perdere la testa”, la protagonista femminile si chiama Mi-ri, che in coreano indica qualcuno che vede le cose “in anticipo”, ma nasconde in sé un riferimento al significato ebraico del nome, connesso all’amorevolezza, ma anche all’amarezza e alla forza silenziosa e resiliente (nell’Esodo Miri è la sorella di Mosè e di Aronne).

C’è un’ulteriore minaccia velata e solo vagamente accennata in tutto il film, che diventa prepotente sul finale, quando Man-su sembra aver ottenuto la tranquillità che cercava: si tratta dell’intelligenza artificiale, vera dominatrice del cambiamento attuale della società neo-liberista, deus ex machina di un nuovo ordine che, prima, ha sfruttato le libertà individuali, per, poi, essere pronto a schiacciarle senza alcuna opposizione. “Ci serve solo qualcuno che accenda e spenga il macchinario e le luci e che controlli tutto“, dicono a Man-su durante l’ultimo controllo di lavoro. Ed è così che, nell’estremizzazione del suo adattamento libero e resiliente che mirava all’omologazione ai canoni di una nuova società gestita dal calcolo delle macchine e della produttività, Man-su trova la sua liberazione.

Laura

Come suona la recensione?

Post in evidenza

When the Camellia Blooms (ovvero del meraviglioso miracolo umano e della ricerca della felicità)

I miracoli non esistono. Sono i piccoli eroi nascosti dentro di noi che lavorano insieme. […] I piccoli atti di gentilezza fatti da persone semplici: è il risultato di tutte le buone azioni che hai fatto. Solo questo è già un miracolo. […] Si può diventare il miracolo di qualcuno?

Titolo originale: 동백꽃 필 무렵; Dongbaek-kkot pil muryeop

Regia: Cha Yeong-hoon

Sceneggiatura: Lim Sang-choon

Cast: Gong Hyo-jin, Kang Ha-neul, Kim Ji-seok, Ji Yi-soo, Oh Jung-se, Yeom Hye-ran, Son Dan-bi, Kim Kang-hoon, Lee Jung-eun

Genere: drama / romance / slice-of-life / thriller

Corea del Sud, 2019 – k-drama, 40 episodi

Tempo fa, sono stata attirata da questo drama per diversi motivi: l’ondata di premi di cui aveva fatto incetta in Corea del Sud (compreso i prestigiosi Baeksang), quel breve teaser un po’ onirico e quasi un po’ fumettistico che Netflix aveva caricato come presentazione, la sicurezza interpretativa di Kang Ha-neul, Gong Hyo-jin e Oh Jung-se (di cui ero già certa) e, infine, il fatto che lo script fosse di Lim Sang-choon, di cui avevo apprezzato l’abilità in It’s Okay to Not Be Okay. Tuttavia, avevo quasi sottovalutato il potenziale e la finezza di questo prodotto, che si presenta falsamente come una commedia romantica, ma che è molto (ma molto) di più.

Infatti, anzitutto, When the Camellia Blooms è fondamentalmente un thriller, con una serie di casi che si dipanano nelle investigazioni per scoprire un unico colpevole, il serial killer che funesta da anni il piccolo e lieto paesino di Ongsan, fittizia cittadina dove comandano solo le ajumma, che sgranocchiano snack e spettegolano davanti alla porta di casa, con il fazzoletto in testa e i pantaloni fiorati. In secondo luogo, è una grande e complessa commedia umana (per prendere in prestito i termini di Balzac), ovvero una rappresentazione di tanti piccoli esseri umani e delle loro complesse e minuscole realtà, talvolta interiormente ricche, talvolta meschine e grette, ma tutte così semplicemente e splendidamente umane da divenire uniche e speciali di per sé, così vicine a noi stessi e ai nostri pensieri.

Inoltre, il drama è una grande parabola di crescita, caduta, ri-crescita e speranza, una ricerca di se stessi per superare le proprie debolezze e ritrovare le proprie forze e le proprie sicurezze, per fermarsi, puntare i piedi e porre finalmente fine al vortice di disperazione e di depressione in cui, talvolta, ci si sente avvolti ed iniziare ad afferrare la propria felicità.

Infine, naturalmente, When the Camellia Blooms è una delicata e avvolgente storia d’amore, senza i grandi cliché di cena notturne a base di ramyeon e fiocchi slacciati e senza atti enormi di personaggi di straordinaria bellezza e/o ricchezza: è una storia semplice, quasi quotidiana, di quelle che ti fanno venire voglia di sentire gridare alla porta di casa “Dong-baek-shi”, addobbando il balcone di luci fuori stagione, solo per avere la sicurezza di essere compreso da qualcuno vicino a te.

Oh Dong-baek (interpretata dalla bravissima Gong Hyo-jin di Pasta e It’s Okay That’s Love), il cui nome significa “camelia”, una madre single e apparentemente senza nessuno al mondo, si trasferisce con il figlio a Ongsan, cittadina in qualche modo significativa per lei, e decide di aprire un bar, a cui dà il nome, appunto, di “Camelia”. La vita non è semplice per Dong-baek, che, dopo anni di residenza ad Ongsan, ha accumulato solo invidie e maldicenze: la sua condizione di donna non sposata e senza un uomo accanto, ma con un figlio a carico, viene ritenuta quasi come segno di un passato depravato e di un presente molto compromettente, che porta le donne di Ongsan ad ostracizzarla e a parlarle male, isolandola e deridendola. D’altro canto, gli uomini di Ongsan, oppressi da queste feroci mogli-drago, iniziano a frequentare di sera il bar di Dong-baek, dove possono bere superalcolici, godere di un po’ di pace dalle liti familiari, ma anche della bellezza e del sorriso genuino di Dong-baek, su cui nessun uomo veglia e che, quindi, è considerata la bellezza locale da custodire e rimirare in segreto, incapace, del resto, di crearsi una vita indipendente. In questa dialettica, Dong-baek è schiacciata e soffocata dalle donne che la ritengono un’incantatrice e dagli uomini che la svalutano e, pur mantenendo un atteggiamento serio e privo di scandali, viene mortificata nella sua intelligenza e nella sua sicurezza, in primis dallo stesso padrone di casa, il signor No Gyu-tae (interpretato da Oh Jung-se, il fratello autistico del protagonista di It’s Okay to Not Be Okay, attore di eccezionale bravura), mentre il figlio fatica ad ambientarsi e si sente responsabile a proteggere sua madre. Nessuno la chiama “signorina” (o, meglio, nessuno aggiunge al suo nome il classico suffisso onorifico “shi”) e nessuno la menziona per cognome: quasi come se fosse inesistente il suo nome è diventato ormai lo stesso del locale che gestisce, Camelia.

Naturalmente, nessuno, fino a quando un giorno non torna da Seoul l’agente Hwang Yong-sik (signore e signori, il premio Baeksang Kang Ha-neul, che non solo ha vinto tutti i premi esistenti in Corea del Sud per questo ruolo, ma che ha fatto innamorare tutte le donne già solo per il suo sorriso tutto denti e il suo grido gioioso “Dong-baek-shi”). Yong-sik è burrascoso, parla ad altissimo volume, non è particolarmente bello, né particolarmente intelligente, ma ha un elevato senso della giustizia e della distinzione tra bene e male. Inoltre, ha un sesto senso quasi cieco per scoprire i criminali: a dir la verità, nemmeno lui sa come procedere, ma, in qualche modo, riesce sempre a prendere il malvagio di turno e a far trionfare la giustizia. Imbranato ed empatico come il Mr. Deeds di Gary Cooper, torna a casa per unirsi al corpo di polizia locale e sogna di trovare la donna della sua vita, una vera principessa come Lady Diana. Con quest’idea in testa, entra in una libreria e vede Dong-baek tra i libri di inglese e lì rimane folgorato dalla visione della donna che amerà per sempre in uno degli incontri più teneri e goffi mai visti, che conquista il cuore dello spettatore da subito. Dong-baek non sa l’inglese (sta comprando un libro di Harry Potter per il figlio) e fa inconsapevolmente la parte dell’intellettuale, mentre Yong-sik tenta di comunicare con lei in un inglese stentato, nascondendosi dietro libri sulla maternità tenuti al contrario. Ma, soprattutto, Yong-sik inizia a chiamarla “signorina” e a parlarle con rispetto, apprezza l’educazione e la gentilezza di Dong-baek, si arrabbia contro tutti coloro che la considerano una poco di buono e allontana chiunque tenti avances pesanti nei suoi confronti. Inoltre, quando Dong-baek dice che vorrebbe lavorare ad un banco degli oggetti smarriti, perché i clienti, alla fine, ringraziano ogni volta che ritrovano il proprio oggetto, Yong-sik si commuove con una tenerezza e un’umanità uniche, che ci fanno capire quanto sia prezioso un uomo che sta al proprio fianco, commuovendosi e capendo le proprie emozioni.

E Dong-baek, con l’affetto di Yong-sik, che, all’inizio tenta di allontanare quasi come se non meritasse la felicità, si fortifica, perché non ha bisogno di crescere, ma di ritrovare l’amore per se stessa che non aveva mai avuto, perso in un’infanzia vissuta da orfana e in una giovinezza in cui si è sentita inadeguata. Si fortifica e acquisisce la capacità di credere in se stessa e nel proprio valore, di rispondere e di rovesciare gli eventi, di sorridere e di aspirare alla felicità: “Quello che è strano è che sorrido tanto in questi giorni. Non importa la situazione. Suppongo che dipenda dalle persone che ti circondano“. Inoltre, Dong-baek ha la resilienza della camelia che fiorisce d’inverno, sfidando le temperature più impervie e il ghiaccio, e la forza dell’ippopotamo: è rimasta apparentemente silente in tutti quegli anni di soprusi e di prevaricazioni come sotto il fango limaccioso di un fiume, ma ha segnato tutto in quaderni datati e vergati anno per anno, mese per mese e giorno per giorno. Per cui è difficile che qualcosa, nel frattempo, sia sfuggito al suo sguardo e al suo sorriso, fresco e genuino anche nelle avversità, qualità che nota anche lo psicopatico serial killer che inizia a perseguitare Dong-baek e le persone a lei vicino, quasi nel timore di essere giudicato da tanta nobile umanità.

Ci sarebbero ancora tante cose da scrivere su questo drama, sull’intrico thriller, che non delude e non inquieta, portato avanti con una sensibilità e una pacatezza da vecchio giallo di Agatha Christie, e sulla varietà dei personaggi (dalla meravigliosa coralità delle donne di Ongsan, che mi ha ricordato quella del villaggio nordcoreano in Crash Landing on You, alle diatribe coniugali tra No Gyu-tae e la moglie avvocata in carriera, Hong Ja-young, interpretata da Yeom Hye-ram di Chocolate e The Glory, al rapporto con il figlio, interpretato dal piccolo prodigio Kim Kang-hoon, già visto in Kingdom e in Mouse, al second lead proveniente dal passato, interpretato da Kim Ji-seok di Kiss Sixth Sense).

Però, mi voglio soffermare sulla figura di Jo Jung-sook (interpretata dalla bravissima Lee Jung-eun di Parasite e Our Blues), che entra sul palcoscenico, silente e impositiva al tempo stesso, con una dolcezza caparbia come solo una madre che ha sofferto può dare e che porta avanti il vero messaggio di speranza del drama. C’è un limite alle sofferenze e sta in noi, piccoli e testardi eroi di noi stessi, afferrare quello scampolo di speranza e trasformarlo in qualcosa di diverso, come un seme di camelia che fiorisce in pieno inverno, nonostante qualsiasi cattiva condizione sia stato sottoposto. La speranza e la coesione fanno nascere il miracolo, perché ognuno è il miracolo di se stesso e di altri e perché nessuno è un fallito quando si ritrova al proprio fianco amici che credono fortemente nelle proprie potenzialità (come avrebbe fatto dire Frank Capra ai propri personaggi nel film La vita è meravigliosa, film che viene in mente allo spettatore in una delle scene più significative del drama, quella della corsa in ospedale la notte di Natale, accompagnata dalle preghiere e dalle richieste di miracolo).

When the Camellia Blooms è un drama profondo che tocca l’animo e che ci fa diventare tutti un po’ più umili e un po’ più forti allo stesso tempo, fragili e splendenti nel nostro piccolo miracolo umano dell’esistenza. Come conclude il drama, in epigrafe: Un saluto a tutti voi, che siete i più forti, i più duri, i più splendidi e i più lodevoli del mondo e che fate ogni giorno i vostri miracoli superando gli ostacoli della vita.

Consigliato: a tutti coloro che cercano un miracolo natalizio e che forse lo hanno anche già trovato.

Laura

Come suona la recensione?

Post in evidenza

I corti animati di Hayao Miyazaki

Nel vasto mondo immaginifico di Hayao Miyazaki trovano spazio anche alcuni corti animati realizzati dal Maestro durante la sua carriera artistica.

Molti dei corti sono destinati al Museo Ghibli e, se si ha la fortuna di poterlo visitare, si riusciranno anche a recuperare molte delle storie e dei personaggi a cui ci siamo affezionati negli anni, come la piccola Mei, protagonista del meraviglioso film “Il mio vicino Totoro”.

Per il compleanno di Hayao Miyazaki ho voluto ricordare alcuni corti animati realizzati dal Maestro, non tutti facilmente recuperabili, ma molto preziosi soprattutto per gli appassionati dello Studio Ghibli.

Il primo corto animato che voglio ricordare è, uno dei più antichi, si tratta, infatti, di “Yuki’s Sun – il sole di Yuki” del 1972.

In questo corto di animazione, la protagonista è una bambina di dieci anni di nome Yuki che vive in orfanotrofio, ma che si mette alla ricerca dei genitori a Hokkaido. La storia è ispirata al manga del 1963 di Tetsuya Chiba. Il corto doveva essere l’episodio pilota di una serie di animazione più lunga, ma il progetto fu presto abbandonato dai produttori televisivi. Questo corto è molto importante perché è stato il debutto alla regia di Hayao Miyazaki che in precedenza aveva co-diretto alcuni episodi di “Lupin III” con Isao Takahata.

“Sora iro no tane – Il seme color del cielo” è il secondo cortometraggio animato di cui desidero parlarvi. Ispirato al romanzo per l’infanzia di Reiko Nakagawa, pubblicato nel 1967, ma prima serializzato nel 1964 sulla rivista “Kodomo no Tomo”, nel 1992 il Maestro Miyazaki fu il regista del corto diviso in tre parti e animato da Yoshifumi Kondo che ricordiamo per il film anime dello Studio Ghibli “I sospiri del mio cuore”.

La storia narra di un ragazzo di nome Yujii che riceve da una volpe un prezioso seme. Questo seme, una volta piantato, farà crescere in modo spropositato una casa color celeste, che ospita moltissimi animali tutti desiderosi di diventarne proprietari. La casa continuando a crescere e a ingigantirsi finirà per esplodere.

“Kujiratori” (ovvero “La cattura della balena”) è un corto animato del 2001 dove i protagonisti sono alcuni bambini che, mentre si trovano insieme a scuola, giocano a costruire una barca. La fantasia, però, anima la giornata dei bambini che si troveranno in mare aperto a cercare le balene. Improvvisamente una balena gigante viene verso di loro e li riporta a terra, giocando con i bambini. Al risveglio dal sogno, i piccoli protagonisti si ritrovano in classe.

“Koro’s Big Day Out”, è un corto animato del 2002 dove il cagnolino Koro si allontana dalla casa della sua piccola padrona e inizia a vagare per le strade della città, poi, a seguito di diverse peripezie, riuscirà a tornare a casa.

Sempre del 2002 è il corto animato “Mei to Konekobasu” spin-off del film “Il mio vicino Totoro” del 1988, sempre diretto da Hayao Miyazaki.

Ritroviamo in questo cortometraggio, la piccola Mei che è diventata amica di un cucciolo di Gattobus, che nel film “Il mio vicino Totoro” era l’autobus a forma di gatto.

In questa storia, il piccolo Gattobus insieme a Mei vivono una straordinaria avventura notturna nella foresta dove incontrano moltissimi essere fantastici

Il corto del 2002, “Kūsō no sora tobu kikaitachi”, cioè “Le macchine volanti immaginarie” è stato prodotto proprio solo per il Museo dello Studio Ghibli. In questo corto animato la voce narrante è quella dello stesso Miyazaki che si rivela con le sembianze del maiale antropomorfo che tanto somiglia al Marco Pagot di “Porco Rosso”. La storia del volo e delle macchine immaginarie sono le tematiche principali di questo corto animato.

Nel corto animato del 2006, “Yadosagashi”, Fuki, dopo aver preparato zaino con cibo e vestiti, parte dalla sua capanna in cerca di una nuova casa e lungo il viaggio incontra delle creature fantastiche.

L’ultimo corto animato che vi presento è “Kemushi no Boro”, “Boro, il bruco” del 2018, scritto e diretto da Miyazaki per il Museo dello Studio Ghibli. La storia narra le vicende di Boro, un piccolo bruco, appena nato, che compie i suoi primi passi nel mondo. Sono originari del 1995 i primi bozzetti di questo corto perché era intenzione d Miyazaki dirigere un film lungo.

Primo e unico lavoro interamente realizzato in computer-grafica dal Maestro, secondo suggerimento del produttore Toshio Suzuki.

Grazia

Post in evidenza

A Year-End Medley

Titolo originale: 해피 뉴 이어, Happy New Year

Regia: Kwak Jae-yong

Sceneggiatura: Yoo Seung-hee

Cast: Han Ji-min, Lee Dong-wook, Kang Ha-neul, Im Yoon-ah, Won Jin-ah, Lee Hye-young, Jung Jin-young, Kim Young-kwang, Seo Kang-joon, Lee Kwang-soo, Lee Jin-wook, Lee Kwang-soo, Won Ji-an

Genere: Romance, Commedia, Slice of Life

Corea del Sud, 2021 – film

Esistono molti film natalizi, ma pochi ambientati a Capodanno, per cui nel vasto panorama di film da vedere in questo periodo, ho scelto “A Year-End Medley”.

“A Year-End Medley” è un film ambientato nel periodo tra Natale e Capodanno ed è un intreccio di storie, un vero e proprio film corale e romantico, una boccata d’aria fresca da respirare come segno augurante per iniziare l’anno nuovo con un po’ di speranza e, perché no, anche con qualche sorriso che non guasta mai.

Nell’Hotel Emross si svolgono le vicende principali dei protagonisti. So-jin (interpretata da Han Ji-min, “One Spring Night”, “Our Bues”, “Two Lights”, “Rooftop Prince”) è la direttrice dell’albergo che deve organizzare per Capodanno il matrimonio del suo miglior amico, Seung-hyo (interpretato da Kim Young-kwang di “Trigger“), ma che solo da poco ha capito di provare un sentimento d’affetto per lui e vive le giornate di preparazione al matrimonio con grande rimpianto per non esser stata capace di rivelare i propri sentimenti al suo amico .

Anche il fratello minore di So-jin ha una cotta per una sua compagna di classe, ma è troppo timido e impacciato per farsi avanti, fino a quando qualcosa o qualcuno lo spingerà a parlarle.

Nel frattempo, il proprietario dell’albergo Emross , Yon-jin (interpretato da Lee Dong-wook, “Bad & Crazy”, “Goblin”, “Scent of a Woman”) è una persona sola che vive di lavoro e di stress, ma, che in un momento inaspettato, conosce la giovane I-yeong (interpretata da Won Jin-ah, “Just Between Lovers”, “Hellbound”), una ragazza timida e sognatrice, impiegata a tempo determinato come donna delle pulizie nell’hotel. I due scopriranno molte affinità tra di loro, ma i loro mondi sono molto lontani e una eventuale relazione potrebbe essere difficile e contrastata da diverse persone. Potranno mai trovare una certa serenità?

Una delle mie storie preferite, poi, è quella di Jae-yong (interpretato da Kang Ha-neul, “Moon Lovers”, “Pirates”, “When the Camellia Blooms”) che, lasciato dalla fidanzata e depresso per una vita piena di fallimenti, decide di farla finita e di suicidarsi lanciandosi dall’ ultimo piano dell’hotel. Jae-yong rappresenta un po’ quei sentimenti malinconici e tristi della fine dell’anno e dell’inizio di un nuovo anno, un salto nel buio che potrebbe far rivivere le solite delusioni abituali. Improvvisamente, però, per lui arriva qualcosa di imprevedibile, anzi, per essere precisi, una voce, quella del servizio sveglia mattutina, una voce pacata, serena che gli infonde coraggio e buonumore. La voce è quella dell’addetta al servizio sveglia, Soo-yeon (interpretata da Yoona). Davvero un piccolo gioiellino questa storia!

Altre storie si incastrano nel frattempo nella vita del nostro Hotel Emross, come quella della madre della sposa di Seung-hyo che riconosce nel portiere dell’albergo una sua vecchia fiamma di gioventù o il chirurgo Jin-ho (interpretato da Lee Jin-wook, “Sweet Home”, “Bulgasal”) che colleziona mille appuntamenti al buio dove viene puntualmente scaricato. Ci chiederemo, infatti, come mai faccia di tutto per rendersi impacciato agli appuntamenti oppure, forse, nasconde qualche segreto. Chissà!

Infine, ospiti dell’albergo anche il cantante I-kang (interpretato da Seo Kang-joon, “When the Weather is fine”) e il suo manager Sang-hoon (interpretato da Lee Kwang-soo, “Hwarang”, ”It’s Okay, That’s Love”, “Il suono del tuo cuore”) che è preoccupato di perdere il contratto con I-kang per via della proposta lavorativa di un’agenzia più famosa. Non perdetevi le canzoni interpretate da Seo Kang-joon, mi raccomando.

Dal regista di “My Sassy Girl”, Kwak Jae-yong, un film divertente, incantevole e romantico che riuscirà a regalarvi un paio di ore di svago e di serenità in attesa del nuovo anno.

Grazia

Come suona la recensione?

Post in evidenza

If it Snows on Christmas – Ogni stella ha la propria storia

Titolo originale: 크리스마스에 눈이 내리면, Keuriseumaseue Noonyi Naerimyeon, If It Snows on Christmas

Regia: Jang Dong-hong

Sceneggiatura: Kong Su-chang, Shim Hye-weon

Cast: Kim Hyun-joo, Park Yong-ha, Kim Ji-young, Kwon Oh-jung, Kim Min-sang, Lee Eun-ju, Kim Ka-yeon, Kim Seon-hwa, Park Ga-ryeong

Genere: drama /romance /comedy

Corea del Sud, 1998 – film

“If it snows on Christmas” è un film sudcoreano del 1998 ed è il tipico film di Natale da guardare in una atmosfera tranquilla e pacata, seduti sul divano, con una tazza di tè caldo e una copertina. E’ una storia molto delicata di sentimenti coltivati fin dall’infanzia e che restano tali e quali per dodici anni, in attesa che l’altra persona si accorga di provare le stesse emozioni.

Lee Song-hee (interpretata da Kim Hyun-joo, vista in “Hellbound”) fin da piccola è stata cresciuta dal padre, un violinista che le ha lasciato in eredità un costosissimo e rarissimo Stradivari. Son-hee è da sempre stata innamorata del suo compagno di infanzia, Soo-an (interpretato dal compianto Park Yong-ha) e quando erano piccoli nutrivano una passione per l’osservazione delle stelle e raccoglievano informazioni sulla storia di ogni stella e costellazione.

Dopo il trasferimento di Soo-an, i due ragazzi si perdono di vista, ma il ricordo del compagno di infanzia è rimasto indelebile in Son-hee che desidererebbe incontrarlo nuovamente dopo dodici anni, visto che, come dodici anni prima, Giove raggiunge i Gemelli il 24 dicembre e in questa occasione di solito i desideri vengono realizzati.

Un giorno, Song-hee, che nel frattempo è diventata insegnante d’asilo, si reca al centro commerciale vicino casa per alcuni acquisti e mentre è pensierosa sulle scale mobili, improvvisamente, sulla scala parallela alla sua, intravede Soo-an. La ragazza corre per fermarlo e non appena lo raggiunge i due si salutano affettuosamente come se non fosse trascorso tanto tempo; c’è, però, qualcosa di diverso in Soo-an, non è più quel ragazzino spensierato e sorridente che ricordava Song-hee, è diventato un giovane avvocato in carriera, sempre impegnato e dall’aria snob. Mentre Song-hee cerca di ricordare al suo vecchio compagno di infanzia i tempi passati, si presenta loro una ragazza che abbraccia Soo-an e che non è altro che la sua fidanzata, Yu Jeong. Soo-an, dopo le presentazioni formali, rivela a Song-hee che in realtà, insieme alla sua fidanzata, la stavano cercando perché sapevano dello Stradivari lasciatole in eredità e volevano chiederle se fosse possibile acquistarlo a qualsiasi prezzo perché sarebbe stato un regalo di fidanzamento che Soo-an avrebbe fatto a Yu jeong che è una violinista, ex studentessa del padre di Song-hee.

In un primo momento, Song-hee, presa dal rancore e dalla delusione, rifiuta la proposta, poi accetta solamente se Soo-an le dedicherà una settimana solo per lei, come ai vecchi tempi. Il ragazzo è colpito dalla strana e imbarazzante proposta di Song-hee, ma per cercare di accontentare la fidanzata che desidera assolutamente quello Stradivari, accetta.

Song-hee e Soo-an avranno una settimana da dedicare a loro stessi, ogni giorno organizzeranno un appuntamento, all’inizio impacciati, soprattutto lei, poi diventano improvvisamente quei due ragazzini che dodici anni prima si erano confidati i loro sogni e le loro aspettative mentre Giove raggiungeva i Gemelli la sera della Vigilia di Natale. Molto romantica la scena dell’appuntamento all’Osservatorio, vero e proprio punto focale della storia, quando Song-hee racconta la storia di ogni stella così come Sun-an la ricordava. Per il nostro protagonista la settimana diventa piena di dubbi e domande in merito alla sua vita, alle scelte fatte e ad un sentimento che sta scoprendo piano piano e che forse era da sempre stato nascosto nel suo cuore.  Soo-an, però, è prossimo alle nozze…

Cosa accadrà ai due ragazzi alla fine della settimana? Sarà complice la neve o saranno protagoniste le stelle, ma l’infanzia, soprattutto quella vissuta felicemente, non si dimentica in un battito di ciglia.

Vi consiglio questo film perché è stato il mio primo film sudcoreano visto tanti anni fa, perché la storia è romantica, perché le ambientazioni di fine anni Novanta vi riporteranno malinconicamente indietro nel tempo e perché ognuno di noi ha bisogno di sognare, perlomeno a Natale, e se poi è l’anno in cui Giove incontra i Gemelli possiamo esprimere anche un desiderio!

Grazia

Come suona la recensione?

Post in evidenza

Typhoon Family – Una storia di resilienza

“Ricorda. Le persone sono più importanti dei risultati. Siamo più profumati dei fiori e preziosi del denaro.”

(Kang Jin-young)

Titolo originale: 태풍상사 , Taepungsangsa

Regia: Lee Na-jeong, Kim Dong-hwi

Sceneggiatura: Jang Hyun-sook

Cast: Lee Jun-ho, Kim Min-ha, Kim Min-seok, Han Sol-kwon, Lee Chang-hoon, Kim Jae-hwa, Kim Song-il, Lee Sang-jin, Moo-Jin-sung, Kim Sang-ho, Park Sung-yeon, Kim Young-ok, Sung Dong-il, Kim Ji-young, Kim Hye-eun

Genere: Slice of Life, Drama, Business

Corea del Sud, 2025, 16 episodi

Il titolo di questo drama è esplicativo e rende davvero il significato intrinseco che gli sceneggiatori volevano dare alla storia. “Typhoon” significa infatti “tifone”, indica il ciclone tropicale dell’Oceano Pacifico e del sud-est asiatico ed in effetti la storia inizia con un vero e proprio tifone, ovvero la crisi finanziaria asiatica che sconvolse la Corea del Sud nel 1997.

Contro un tifone solamente un altro tifone può combattere per riemergere da una situazione difficile e questo tifone è rappresentato dal protagonista Kang Tae-poong, il cui nome ha una assonanza e una pronuncia simile alla parola coreana “taepung” che significa, appunto, tifone. Un destino nel nome del protagonista del drama, un nome che evidentemente aveva scelto il padre a capo della Typhoon Trading per due decenni.

Per chi ama la sociologia come me, “Typhoon Family” è un vero e proprio manuale rappresentativo di un periodo storico che non è troppo lontano, ma che è stato un crocevia per una svolta epocale tra la fine di un millennio e l’inizio di un nuovo millennio che, per coloro che c’erano e ricordano, ha avuto una risonanza mondiale importante.

Per immergerci direttamente nelle atmosfere del drama basta farci incantare dalla meticolosità dei particolari e delle ambientazioni di fine anni Novanta e siamo già lì a conoscere pian piano i personaggi di questa storia, un viaggio nella resilienza dei protagonisti, rappresentanti del popolo coreano che in quel frangente, con sacrifici e lavori, lottò per riemergere da quella situazione economica drammatica che spinse centinaia di aziende al fallimento e alla chiusura.

La storia ha inizio nell’autunno del 1997, mentre la Corea del Sud è sull’orlo del collasso economico, la Typhoon Trading, una piccola impresa di Euljiro, a Seoul, fa di tutto per rimanere a galla e continuare a lavorare. L’amministratore delegato Kang Jin-young (Sung Dong-il, “Miss Hammurabi”, “Hwarang” e molti altri importanti drama e film), che ha fondato e guidato l’azienda per oltre due decenni, cerca in ogni modo di continuare l’attività supportando i suoi dipendenti a continuare come meglio possibile, nonostante le crescenti pressioni finanziarie.

Kang Jin-young ha da sempre guidato la sua azienda con correttezza, integrità e comprensione, dimostrando empatia nei confronti dei lavoratori e collaboratori che lo hanno sempre stimato contribuendo attivamente alla crescita dell’azienda.

Il figlio di Kang Jin-young, Kang Tae-poong (Lee Jun-ho, “Just Between Lovers”, “King the Land”) sembra un ragazzo agli antipodi della compostezza del padre. Tae-poong è spensierato, alla moda, vive godendo l’agiatezza e ricchezza come membro degli stravaganti “Abstreet Boys” di Apgujeong. Piccola parentesi informativa: negli anni Novanta i giovani facoltosi, figli di famiglie benestanti, in particolare della zona di Apgujeong, appartenevano alla “orenji-jok”, “tribù arancione”, eredi della nuova ricchezza sudcoreana che amavano articoli di lusso e vita agiata. L’aggettivo “arancione” faceva riferimento alle arance, frutto d’importazione, quasi per distinguere l’influenza della cultura occidentale e il corrispondente consumismo.

Tae-poong, magistralmente interpretato da Lee Jun-ho, entra nel vivo della scena proprio come rappresentante di questa gioventù e della sottocultura che meglio la definisce.

Padre e figlio spesso hanno dei rapporti tesi, anche se, in realtà piccoli gesti silenziosi nascondono l’affetto tra di loro, Jin-young ha la massima fiducia nelle capacità e nell’umanità del figlio, Tae-poong, invece, innesta una rosa per il padre o gli lucida le scarpe ogni mattina. Piccoli gesti nascosti perché incapaci di riconoscere apertamente l’un l’altro di essere rimasti quel padre e quel figlio di molti anni prima, legati da un sentimento d’affetto.

La vita, però, stravolge spesso l’esistenza umana, così Jin-young fa di tutto per tenere saldo il lavoro mentre attorno a lui l’economia vacilla, le voci di una possibile bancarotta si diffondono e, nell’ennesimo tentativo di proteggere l’azienda, Jin-young prende una decisione rischiosa, quindi la disperazione e la forte pressione lo travolgono e l’uomo muore per un infarto.

Tae-poong realizza così di essere rimasto solo, con la madre (interpretata da Kim Hye-eun), che non ha mai lavorato e non si è mai occupata degli affari o anche solo del pagamento delle tasse e che ora dovrà mettersi in gioco nel mondo del lavoro tra fatiche e stanchezze.

E’ proprio in questo momento che avviene in Tae-poong una vera e propria trasformazione interiore. Il ragazzo, nel nome degli ideali di suo padre, pur vedendo crollare la fortuna di famiglia, lascia da parte gli abiti stravaganti e alla moda, le passioni per la musica, i locali e il giardinaggio e pian piano cerca di immergersi in un lavoro che non ha mai capito o che non ha mai voluto capire, quello di suo padre. Da un giorno all’altro viene catapultato ad essere presidente della Typhoon Trading, un’azienda quasi al collasso, che i dipendenti stessi abbandonano per trovare altro lavoro, in piena crisi finanziaria asiatica, senza né denaro né nulla da vendere.

Eppure, è solo in questo contesto che Tae-poong cambia atteggiamento, affronta decisamente la dura realtà con orgoglio e coraggio, ma se Tae-poong è un tifone che affronta un altro tifone esterno rappresentato dalla crisi economica e da quella sua personale della famiglia, la giovane Oh Mi-seon (la straordinaria e intensa Kim Min-ha, “Pachinko”, “Way Back Love”), una contabile tenace e risoluta dell’azienda, è il vento di bonaccia che serve allo stesso Tae-poong per trovare equilibrio e sicurezza nelle decisioni da prendere e nelle difficoltà del lavoro da affrontare.

Tae-poong trova in Mi-seon una alleata, una persona di cui fidarsi e si innamora di lei, partendo proprio dalla stima e dalla bellezza interiore che la ragazza mostra nel coraggio di ogni giorno, apprezzando e stimolando il sogno di lei a realizzarsi, quello di diventare una venditrice senior.

Mi-seon, è una persona razionale e, al contrario di Tae-poong, è riflessiva, ponderata, attenta, ma anche lei si accorge pian piano di tenere a Tae-poong che è sempre una sorpresa nel suo modo di sfidare gli ostacoli e le difficoltà con ingegno, creatività e nei limiti dell’azzardo. Mi-seon proviene da famiglia povera e ha dovuto interrompere gli studi e rinunciare all’università, pensando subito a lavorare per mantenere la famiglia formata dalla sorella minore Mi-ho (Han Sol-kwon, “I am a Running Mate”) che lavora come commessa presso un centro commerciale, il fratellino più piccolo che va a scuola e la nonna, interpretata dalla meravigliosa Kim Young-ok.

Ogni episodio ci fa calare nella realtà della Corea del Sud di fine anni Novanta, l’odissea di Tae-poong, giovane amministratore delegato inesperto, ma ricco di aspettative e voglia di non arrendersi, nonostante le apparenti difficoltà, della costante e perseverante Mi-seon, venditrice senior e così, pian piano, la squadra della Typhoon Trading si arricchisce dei membri che erano andati via dopo la morte del padre di Tae-poong: il direttore delle vendite Go Ma-jin (Lee Chang-hoon), l’esperta contabile Cha Seon-taek (Kim Jae-hwa, “Why Her?”), il direttore senior Koo Myung-kwan (Kim Song-il), Bae Song-joong (Lee Sang-jin di “Boyhood“), simpatico vicedirettore.

Il messaggio della serie è relativo proprio all’importanza di una squadra che condivide gli stessi valori, si supporta. La Typhoon Trading diventa, infatti, una famiglia. Non esiste rassegnazione, ma resilienza, non esiste rinuncia, ma resistenza e questa è stata la realtà di molte piccole aziende che alla fine degli anni Novanta hanno cercato di sopravvivere e di diventare parte integrante dell’economia del Paese. Un messaggio relativo alla solidarietà da trovare nel periodo storico in cui è ambientato il drama, ma anche in qualunque altro periodo.

Anche la sensazione di ripetitività di alcuni episodi (nella lotta per venire a capo di qualcosa, nelle sciagure che interrompono i lavori) è una caratteristica tipica del bildungsroman, ovvero delle storie di formazione e serve per far crescere i personaggi in coraggio e ricchezza interiore, così come succede a Tae-poong.

“Typhoon Family” è, quindi, prima di tutto una storia di resilienza, una forza interiore silenziosa, ma potente che riesce a comunicare un messaggio universale basato sulla lealtà, sul sostegno e su un grande senso di umanità.

“Quando ti senti veramente al buio e senti di non andare avanti, se ti guardi intorno c’è sempre almeno una luce fioca… non sei solo”.

Molti i personaggi da ricordare, a partire da Wang Nam-mo (Kim Min-seok, “Because this is My First Life” e “Lovestruck in the City“), amico del protagonista e cantautore che desidera sfondare nel mondo della musica, innamorato della sorella minore di Mi-seon, avrà di sicuro un piccolo spazio nel cuore dello spettatore che apprezzerà le sue canzoni e la sua voce, gli antagonisti Pyo Hyeon-jun (Moo-Jin-sung) e Pyo Bak-ho (Kim Sang-ho), rispettivamente padre e figlio che metteranno a dura prova la pazienza dei protagonisti e Kim Eul-nyeo ( Park Sung-yeon, “Behind Your Touch”), madre di Nam-mo che affronterà con il figlio una grave crisi familiare.

Infine, le intense interpretazioni di Lee Jun-ho e Kim Min-ha che portano lo spettatore a vivere la storia regalando emozioni e sentimenti infiniti.

La ost del drama è meravigliosa e vi consiglio di recuperarla, così come alcuni dei brani cantati dagli attori.

“L’unica cosa di cui avevamo bisogno era un qualche segno, per quanto piccolo, che ci facesse capire che il domani sarebbe arrivato e che non eravamo soli.”

(Kang Tae-poong)

Grazia

Come suona la recensione?

Post in evidenza

The Dream Life of Mr. Kim (ovvero della difficoltà di essere ordinari)

“Quando c’è una bella notte stellata, il signor Palomar dice: ‘Devo andare a guardare le stelle’. Dice proprio ‘Devo’, perché odia gli sprechi e pensa che non sia giusto sprecare tutta quella quantità di stelle che gli viene messa a disposizione“.

(Italo Calvino, “Palomar”)

Titolo originale: 서울 자가에 대기업 다니는 김 부장 이야기; Seoul Jagae Daekieob Danineun Kim Bujang Yiyaki; trad. “The Story of Manager Kim, Who Owns His Home and Works for a Large Company in Seoul”

Regia: Jo Hyun-tak

Sceneggiatura: Kim Hong-Ki, Yoon Hye-Seong

Cast: Ryu Seung-ryong, Myung Se-bin, Cha Kang-yoon, Yoo Seung-mok, Lee Shin-ki, Lee Seo-hwan, Jung Soon-won, Ha Seo-yoon, Shin Dong-won, Lee Hyun-kyun, Jung Eun-chae, Lee Jini, Lee Se-hee, Lee Kang-wook, Ko Chang-seok, Park Soo-young, Heo Nam-jun

Genere: drama / comedy / office / slice-of-life

Corea del Sud, 2025 – 12 episodi

Io a Mr. Kim ho voluto così tanto bene, che me lo sono immaginata alla fine, mentre cammina a piedi nudi sul sentiero sabbioso del parco insieme alla moglie, come il signor Palomar, uscito dalla penna di Italo Calvino per andare ad ammirare le stelle: un uomo medio, apparentemente mite, che d’un tratto incrocia il tuo percorso per uscire dalla sua vita monotona e ordinaria per scoprire la meraviglia. E, mentre passa, anonimo in mezzo al popoloso nulla, ti ritrovi a pensare che forse quel volto lo hai già visto o, perlomeno, hai già visto qualcosa di simile, riflesso in innumerevoli volti e sembianze che fatichi a riconoscere, perché si confondono con quelle di tutta l’umanità.

Ecco, è così che mi è rimasto nel cuore Kim Nak-su, in quel parco buio a parlare con se stesso e a rassicurarsi da solo per essere felice, in quel campo abbandonato sul retro di una fabbrica ad urlare al cielo la sua disperazione, in quel cortile assolato e stretto tra la folla a chiedere di non morire. E mi è sembrato di riconoscerlo in tutti, forse anche un po’ in me stessa, in quel marasma quotidiano in cui ci affatichiamo a non sprofondare, nella difficoltà di sopravvivere, giorno dopo giorno, in tutti i più piccoli avvenimenti della vita, tra le gioie minuscole e quotidiane, che non riusciamo a godere appieno perché troppo di fretta, e la tristezza crescente dei colpi ciechi che ci si ritrova a subite.

Ma, visto che, per prendere ancora una volta in prestito le parole di Calvino, “la vita d’una persona consiste in un insieme d’avvenimenti di cui l’ultimo potrebbe anche cambiare il senso di tutto l’insieme“, è proprio dalla fine che voglio cominciare, da quel momento finale che ci porta a sentire la voce di Kim Nak-su narrare come sia la sua vita oggi, superati i 50 anni, che non somiglia per nulla al suo progetto iniziale, a quel sogno di diventare dirigente di una grossa azienda, facendo vivere nel lusso la sua famiglia e provvedere ai migliori studi per suo figlio, ma che gli consente di concedersi una passeggiata serale con la moglie, in quell’importanza della felicità delle piccole cose, che gli affanni dell’esistenza lo avevano portato a dimenticare, in quell’ordinarietà pacata e quasi trasandata, che permette di cogliere la meraviglia delle stelle.

“Non hai idea di quanto sia difficile essere ordinari”.

“The Dream Life of Mr. Kim” (che, in originale, suona di più come “The Story of Manager Kim, Who Owns His Home and Works for a Large Company in Seoul“, descrivendo con un’unica frase l’intenzione sottesa al drama) è una delle scoperte più interessanti dell’anno 2025, magistralmente interpretata da tutti gli attori del cast (non uno escluso, perché tutti sono stati in grado di rendere lo spettro emotivo che caratterizzava il proprio personaggio) e sostenuta con una bravura incredibile da Ryu Seung-ryong, che, talvolta, dà veramente l’idea di essere da solo, al centro del palcoscenico, a recitare davanti al suo pubblico in sala. La storia è una parabola moderna e attualissima di un uomo di mezza età davanti alle difficoltà e ai problemi della vita e della società odierna ed è ispirata al romanzo online di Song Hee-gu, poi riadattato e serializzato nel webtoon di Myoung rang (testi) & Kim Byung-kwan (illustrazioni).

Banalmente, si potrebbe riassumere tutta la storia con un “come Mr. Kim, che sentiva di essere arrivato in tutto e stava per diventare dirigente, ha perso il lavoro”, sintetizzando così, con un’unica frase, il dramma di una vita, rinchiusa nella sua ordinarietà fino ad essere prevaricata, descrizione della situazione attuale che vivono molti cinquantenni, che, dopo tanti anni in azienda, vengono licenziati e non riescono più a ricollocarsi in un mercato che li considera troppo vecchi e inutile. Ma, come tutte le meravigliose vite ordinarie, percorse da piccoli eventi insignificanti e da piccole persone inutili, anche “The Dream Life of Mr. Kim” nasconde molto di più di questo.

Kim Nak-su (meravigliosamente interpretato da Ryu Seung-ryong di “Chicken Nugget” e “Moving“) era un manager di successo della compagnia di telefonia e internet ACT, direttore del team vendite 2 ed ex brillante venditore del settore. La sua vita, praticamente, coincide con il suo lavoro presso la ACT, visto che ci vive stabilmente da 25 anni, perseguendo il sogno di avanzare nella carriera fino a ricoprire la posizione di dirigente. Tutto per lui è così connesso al lavoro, che non vede nulla di più importante. Ed è per questo motivo che spinge il figlio Kim Su-gyeom (interpretato da Cha Kang-yoon) a studiare nella migliore delle università e a candidarsi per un tirocinio all’ACT e la moglie Park Ha-jin (interpretata da Myung Se-bin) a vivere da perfetta moglie di un dirigente, non prendendo in considerazione le sue aspirazioni di lavoro come agente immobiliare.

La sua vita si è appiattita nell’ordinarietà lavorativa, di cui avverte solo aspetti di straordinarietà, cercando, come in un transfer psicologico, di negare qualsiasi aspetto sfavorevole e lottando per emergere dal senso di inferiorità e dall’invidia che lo attanagliano tutti i giorni nel confronto con i colleghi. Nutre una profonda avversione per il collega e direttore del team vendite 1, il segalino e arrivista Do Jin-woo (Lee Shin-ki), col quale vive una silenziosa guerra di emulazione e di predominio, ma è convinto della fiducia che ha riposto in lui l’amministratore delegato – nonché suo ex mentore – Baek Jeong-tae (Yoo Seung-mok di “Designated Survivor: 60 Days“), senza notarne l’opportunismo e la sua sotterranea alleanza con Do Jin-woo. Apparentemente tratta in modo burbero e paternalistico i suoi impiegati, Jung Sung-gu (Jung Soo-won di “The Winning Try“), Kwon Song-hee (Ha Seo-yoon) e Song Ik-hyeon (Shin Dong-won), educandoli al risparmio e allo spirito di sacrificio che lo hanno portato fino a lì, ma finisce per proteggerli dalle malsane manovre aziendali.

Poi, improvvisamente un giorno, un evento inizia a mandare in tilt il suo tran-tran quotidiano (per citare Mr. Banks di “Mary Poppins“, che Mr. Kim mi ha rammentato molto): il vice-direttore del reparto vendite Heo Tae-hwan (interpretato da Lee Seo-hwan di “Squid Game 2“), viene retrocesso e riassegnato al controllo delle fibre ottiche impiantate sotto il manto stradale. La nuova mansione, l’umiliazione di essere costretto a calarsi nei tombini per i sopralluoghi e la mancata considerazione di tutto il lavoro fatto in azienda portano Tae-hwan al burnout e al tentativo di suicidio nel parcheggio dell’azienda, scoperchiando un vaso di Pandora, di cui tutti già sapevano, ma che nessuno aveva il coraggio di ammettere.

In economia e nella gestione aziendale, la chiamano riorganizzazione e si ammanta di efficienza, innovazione e qualità. In realtà, è uno dei soliti giri periodici del mondo lavorativo odierno, che manca di memoria e di riconoscenza e preferisce rinnovare il sistema sradicando l’umanità. Le riorganizzazioni aziendali di solito implicano assunzioni, ma anche licenziamenti e demansionamenti nei confronti di chi è considerato poco adatto, non conforme o troppo vetusto per le nuove politiche aziendali. Come Kim Nak-su, uno degli artefici della fortuna della ACT nel momento del boom di internet e delle ADSL, ma oramai solo un dinosauro ingombrante e patetico, incapace di adattarsi alla modernità e al progresso e, soprattutto, una pedina inutile nella nuova costruzione, come gli altri cinquantenni, retaggio di una generazione che non trova più una rispondenza con i nuovi obiettivi di una società in crescita.

Kim Nak-su viene umiliato e vessato in continuazione, senza dare la percezione di tale strategia, viene costretto a reinventarsi più volte, a tornare nel campo delle vendite, a far fronte a problemi ed emergenze, sottoposto ad uno stress continuo, giustificato con l’illusione di potersi distinguere per diventare dirigente. Poi, quando tutto sembra portare Kim Nak-su a credere di avercela fatta, viene degradato, demansionato e spostato, assegnato alla fabbrica di Asan per il controllo della sicurezza dei macchinari, un ruolo che chiaramente non è preparato ad affrontare e per cui non mai stato formato.

Alla fabbrica di Asan, Kim Nak-su soffre la disperazione e la solitudine: si trova da solo, in periferia, costretto a vivere negli alloggi assegnati agli operai dietro la fabbrica, in un lavoro umiliante che non comprende, condannato alla noia e alle corse per arrivare in mensa, schiacciato tra un ambiente di lavoro che non lo vuole e una mansione che odia, ai margini pure della sua famiglia, dove il figlio si è buttato in rischiosi affari con amici arrivisti e la moglie si prepara per gli esami di abilitazione ad agente immobiliare. Eppure, è proprio in fabbrica e nel suo minuscolo nuovo ufficio sovrastato dal magazzino e smosso dal grido della sovrintendente Lee Ju-young (eccezionale Jung Eun-chae di “The King: Eternal Monarch” e “Jeong-nyeon: The Star is Born“), che Kim Nak-su riprende lentamente a vivere e a realizzare l’umanità che anni di grigio lavoro e di corsa continua non gli avevano fatto visualizzare, empatizzando gradualmente con altri lavoratori che l’azienda ha destinato alla riorganizzazione, ovvero al licenziamento. Forse sarà solo un piccolo umano incastrato negli ingranaggi di un macchinario molto più grande, ma Kim Nak-su è anche un piccolo ingranaggio che improvvisamente decide di fuoriuscire e, pur conscio di non poter fare la differenza, è consapevole della necessità di recuperare il proprio senso di umanità.

Perde il lavoro e si ritrova disoccupato ad oltre 50 anni, senza alcuna prospettiva di essere assunto. Crede di potersi reinventare venditore, lavorando per la start-up del cognato, e si trova ad occupare solo una sedia, perché tutte le scrivanie erano già state assegnate. Pensa di investire la liquidazione nel mercato immobiliare e acquista per il doppio del suo valore un negozio che nessuno vuole affittare. Sa di avere una salute di ferro e inizia a soffrire di attacchi d’ansia che lo lasciano svuotato e tremante a terra.

Nulla sembra andargli bene, destinato alla sconfitta in ogni caso, fino a quando non s’imbatte nell’officina del fratello Kim Chang-Su (Ko Chang-seok di “Glitch“), un uomo che è stato già sconfitto anni prima di lui e che è l’unico in grado di comprendere, pur rimanendo in silenzio, le sofferenze del fratello, generate da un mondo e da una società che lo hanno sempre buttato nella competizione per, poi, sprofondarlo totalmente. E da lì, lentamente, Kim Nak-su riemerge ed incontra se stesso, quella persona che ha cercato di nascondere per anni dietro giacca e cravatta, quella persona che cercava una vita perfetta, un posto di lavoro sicuro, una casa di proprietà e una bella auto, ma che non aveva mai cercato la felicità.

Perché, poi, in fondo, la felicità è il termine più frainteso di questo mondo e, forse, è anche quello per cui si trovano innumerevoli spiegazioni contraddittorie che si incrociano e si annullano: tende a perdere sostanza quando lascia la dimensione delle idee per avvicinarsi al mondo materiale delle cose, fondendosi nel senso di appagamento e nella soddisfazione umana, nella volontà apparente di dimostrare un valore, di cui nessuno ci ha domandato spiegazioni, nel desiderio di mostrarsi quello che non si è, ma perfettamente riusciti nella vita, senza mai domandarsi cosa si è diventati in verità. Era forse più felice quando poteva mostrare il suo lavoro perfetto alla ACT, la sua famiglia a cui non mancava nulla, la sua prossima promozione, che tardava ad arrivare, ma in cui tutti erano fermamente convinti di credere? O è più felice adesso, consapevole di non aver agito per far licenziare persone incolpevoli, di non aver svenduto i suoi contatti e la sua intelligenza per un illecito, consapevole anche di sbagliare sempre e in continuazione, di essere fragile e di mentire a se stesso, di essere convinto di proteggere la sua famiglia, quando è il primo ad essere bisognoso di protezione, di essere rimasto integro, nonostante una lunga strategia di anni per fare affossare la sua personalità? Era più felice un tempo, quando andava a giocare a golf con i dirigenti e non si rendeva conto di essere deriso, convinto che era meglio sopportare per poter arrivare in alto, o è più felice adesso che si è reso conto di come “in alto” sia un posto scomodo e scivoloso e riesce a guardare tutti come un viaggiatore dal finestrino del treno?

Forse nessuno riesce alla fine a comprendere cos’è la felicità e ci affanniamo costantemente solo per carpirne un piccolo frammento, che, poi, si rivela un’illusione, come quella della fortuna e del successo. Forse aspettiamo tutti di sentire gli applausi scroscianti e non ci rendiamo conto di come gli uni gli altri sprechiamo tempo ed energia a prevaricarci tra di noi, e, poi, crolliamo e ci affossiamo, quando la vita sembra prendersela con noi, come il protagonista di questo drama, che, probabilmente, mentre passeggia la sera con la moglie a piedi nudi, continua a domandarsi se è questa la vera felicità, senza ancora comprendere come andrà il resto della sua vita.

Ma, per quello che può valere, in ogni caso: “Sii felice, Kim Nak-su. Sii felice“.

Laura

Come suona la recensione?

Post in evidenza

Squid Game 3 (ovvero dell’umanità e di tutte le sue declinazioni)

“Homo sum et quod humanum mihi non alienum est”.

Terenzio

Titolo originale: 오징어 게임 3; Ojingeo Game 3

Scritto, diretto e prodotto da: Hwang Dong-hyuk

Cast: Lee Jung-jae, Lee Byung-hun, Wi Ha-joon, Yim Si-wan, Kang Ha-neul, Park Gyu-young, Park Sung-hoon, Yang Dong-geun, Kang Ae-shim, Jo Yu-ri, Lee David, Roh Jae-won, Lee Jin-wook, Song Young-chang, Chae Gook-hee, Park Hae-soon, Jun Suk-ho, Oh Dal-su

Genere: drama / thriller / survival /dystopian

Corea del Sud, 2025 – k-drama – 6 episodi

Quando ero al liceo, avevamo scritto questa frase di Terenzio in grande su un foglio attaccato alla parete come un poster, non per grande profondità del suo significato intrinseco o per puro amore nei confronti di uno dei più grandi commediografi della commedia antica latina: semplicemente perché la professoressa di latino e greco continuava sempre a chiedere questa citazione durante le interrogazioni, in contrapposizione alla più nota “Homo homini lupus” di Plauto per tracciare una linea netta tra i due grandi autori. Solo che la frase di Plauto era più automatica da ricordare, quasi derivante da un ragionamento normale su cos’è l’umanità (e, del resto, anche Thomas Hobbes sembrava darci ragione in merito). Al contrario, quella frase di Terenzio nascondeva un trabocchetto che a sedici anni non puoi comprendere del tutto, ma che inizi solo a scoprire crescendo e accumulando lividi sull’anima. L’umanità, quella vera, quella che non è da demonizzare, pur non avendo buone qualità, quella che integra il male più profondo, ma è capace di grande gentilezza e di atti umanamente eroici, quella imperfetta e debole, eppure sempre l’umanità che ci contraddistingue tutti, senza esitazioni né dubbi.

Per questo motivo, anche se siete qui, perché sopravvissuti alla visione di “Squid Game 1” e “Squid Game 2“, non scriverò alcuna recensione dettagliata degli avvenimenti accaduti nel drama, non tanto per preservare dall’incubo degli spoiler (perché, con serie televisive simili, gli spoiler iniziano già un minuto dopo la messa in onda), ma perché, a raccontare dettagli di trama, si rischia di perdersi in mezzo ai giochi e di non comprendere la riflessione sottostante. Pertanto, mi sia concessa una recensione/non-recensione, più un commentario sulla condizione umana ritratta.

“Noi non siamo cavalli. Siamo umani, e gli esseri umani…”

In questo modo, con una frase volutamente monca, che apre ad un ragionamento molto più profondo e complesso, Hwang Dong-hyuk, showrunner di “Squid Game” dal 2021, ha voluto concludere una saga televisiva, che ha alimentato in questi ultimi quattro anni tanti e innumerevoli dibattiti (dalla necessità della violenza, ai bambini che ne riproducevano i giochi, dalla critica sociale, all’indagine su eventuali punti scaturenti del dramma nella storia coreana), ha fortificato il predominio di Netflix e ha fatto conoscere l’abilità di registi e sceneggiatori coreani tra le serie televisive del mondo (spoiler: come avvertimento nei confronti di chi si è avvicinato così ai k-drama e non riconosce un vero raffronto con altri prodotti, anche in Corea “Squid Game” è stato un caso a sé e la modalità di condurre un k-drama NON è quella presente in questo show). “Squid Game” è stato sicuramente epocale, sin dal primo istante, da quel teaser ansiogeno caricato a settembre del 2021 su Netflix e da quello shock provato da milioni di spettatori, ignari del fatto che i giocatori venissero uccisi durante un banale “Un, due, tre, stella” contato da una gigantesca bambola meccanica (perché, con gli anni, tutti sapevamo cosa si nascondeva nella serie, ma, fidatevi da chi l’ha vista tra i primi, è stato traumatico all’inizio). Tra il 2024 e il 2025, poi, l’apoteosi di questa serie ha raggiunti molti più spettatori del previsto, anche grazie ad un’abilissima manovra di marketing che l’ha portata ovunque, dalle installazioni in alcune città nel mondo (così, ad esempio, a Venezia), ai giochi inaugurati a suo nome, alla presenza del cast ad eventi e a fiere del fumetto, ad ulteriori show creati appositamente da Netflix.

Ed è forse per questo motivo che, più mi avvicinavo alla fase finale, più in me saliva un’ansia e un malessere senza pari, diviso tra l’amore che ho avuto subito per la prima stagione e l’aspettativa per le altre due e condito dalla consapevolezza che avrei assistito ad una totale rovina dell’intento antropologico e sociale celato all’interno. In effetti, questa mia ansia è continuata per tutta la visione della seconda stagione e per quella della terza, fino agli ultimi minuti, a quella frase e a quel finale tragico che solo un antieroe come Seong Gi-hun (il numero 456) poteva meritare, riportando al centro il concetto di umanità e spingendo lo spettatore a riflettere su tutto quello che ha visto in precedenza.

Perché Seong Gi-hun (interpretato da Lee Jung-jae di “Chief of Staff” e altro) è assolutamente e banalmente umano, come potremmo esserlo chiunque e la terza stagione è stata volutamente scritta per farci prendere le distanza da una sua raffigurazione idealizzata di eroe e, al tempo stesso, avvicinarci di più alla sua empatia. Gi-hun è un perdente all’interno della società, non ha saputo costruirsi un futuro, né trattenere soldi o famiglia, ma ha sempre dimostrato di comprendere le sofferenze dei deboli, perché lui stesso ne fa parte. Ed è per questo motivo che trascende facilmente da quello che deve o non deve fare: razionalmente, sarei voluta essere lì con lui per dirgli che l’assalto alla dirigenza era qualcosa di inutile e di impossibile e che, proprio perché armati, avrebbe condotto alla strage di tante persone; avrei voluto avvisarlo che, prima di prendere una decisione simile, bisogna contare le forze e, quindi, anche i voti, perché, accettando la perdita di molte vite, sarebbe il caso di non soffrirne solo nel proprio schieramento; lo avrei rassicurato che esistevano altri modi per far saltare il banco e vincere, nonostante non fossero meno crudeli. Ma, forse, alla fine, anch’io in quel frangente avrei potuto prendere le sue stesse decisioni, trascinato dall’ira furiosa nei confronti degli organizzatori, dalla collera cieca per chi ha tradito il piano, nonostante il piano in sé fosse già un fallimento, dalla mancata accettazione della sconfitta e dal senso di colpa, dalla sorda depressione che isola dal mondo e, infine, dal sentimento di compassione ed empatia nei confronti di chi deve proteggere. Tutto questo è Seong Gi-hun e in questo coacervo non stanno solo le azioni positive, che più ci hanno fatto avvicinare a lui, ma anche le azioni negative e le crudeltà (spoiler: la morte di Kang Dae-ho ne è un esempio lampante), perché Seong Gi-hun non è un eroe perfetto da romanzo, ma è solo un essere umano con tutti i suoi difetti, che si arrabatta per risolvere una situazione più grande di lui, fino a sprofondarne.

Ma è umano anche Lee Myung-gi, il numero 333 (interpretato da Im Si-wan di “Boyhood“, “Summer Strike“, “Run On“, “Misaeng” e “Strangers from Hell“), un personaggio che divide sin dal suo primo ingresso tra la voglia di proteggerlo, quando è costantemente minacciato dal bullismo imperante all’interno del gioco, e il senso di fastidio che riesce a causare nello spettatore già dal primo sguardo, un altro pezzo di umanità, pur nelle sue angolazioni più sottilmente atroci e opportuniste, l’umanità che vuole sopravvivere ad ogni costo e che, per questo motivo, travolge gli altri, anche coloro che dovrebbe amare, racchiusa in un bozzolo di egoismo salvifico, perché convinta che nessuno potrà mai aiutarli.

Ed è umano pure Kang Sae-ho, il numero 388 (interpretato da Kang ha-neul di “Misaeng” e “When the Camellia Blooms“), che è in conflitto con se stesso, prima ancora che con il mondo, diviso tra ciò che vorrebbe essere (il suo falso tatuaggio della marina ne è una prova) e che vorrebbe dimostrare al mondo e ciò che nella realtà è, tra il desiderio di eroismo e coraggio e il timore di vivere, la falsa estroversione che lo inserisce perfetto e ridente in società e il suo ragionamento introflesso che lo porta a nascondere la sua vera identità. Personalmente, è uno dei personaggi che, col tempo, sono riuscita ad amare di più e che avrei avuto voglia di abbracciare per rassicurarlo e aiutarlo.

Sono umane le meravigliose Cho Hyun-ju, il numero 120 (interpretata da Park Sung-hoon di “The Glory” e “Queen of Tears“, che credo abbia fatto qui il lavoro più eccellente della sua carriera) e Kim Jun-hee, il numero 222 (interpretata da Jo Yu-ri), due ragazze che si trovano già ai margini di una società che non le capisce e che si rifiuta di accettarle, aborrendo la prima per la sua transizione di genere e la seconda per la sua completa solitudine e la sua voglia di dare la vita ad un bambino, due donne che sono riuscite a far valersi proprio nelle peculiarità per cui la società le metteva al bando e che maturano nel piccolo gruppo di affetti che riescono a crearsi all’interno del gioco (una forza istantanea, che, però, nella crudeltà in cui siamo immersi, si rivela anche una debolezza). Raramente si piange così tanto nell’assistere ad un’amicizia vera e incontaminata come la loro, rari casi di persone che, pur nelle brutture a cui si trovano ad assistere, ne riemergono con un’anima pura, mantenendo intatto il vero senso di umanità, costituito dalla comprensione e dalla protezione reciproca.

Sono drammaticamente umani Park Yong-sik, il numero 007 (interpretato da yang Dong-geun), e Jang Geum-ja, il numero 149 (interpretata dalla meravigliosa Kang Ae-shin, i cui riferimenti ad altri lavori non si contano nemmeno), figlio ultraquarantenne, che ha sempre vissuto come un perdente e un inetto, e madre afflitta da un senso interiore di sconfitta e di umiliazione, che cela con la sua capacità di comprendere il prossimo e di aiutarlo (capacità che le viene riconosciuta da tutti, anche da Seong Gi-hun). La loro parentesi è una delle più tragiche all’interno del drama (e, in particolare, della terza stagione), iniziata quasi con toni da commedia e conclusasi come su un teatro shakespeariano nell’espiazione di un dolore di cui il mondo li ha condannati ancora prima di agire. Il monologo di Jang Geum-ja è una delle parti recitative più belle in assoluto, non solo del drama, ma in generale di tutte le produzioni televisive.

Ed è tremendamente umana anche Kang No-eul (interpretata da Park Gyu-young di “Sweet Home” e “It’s Okay to Not be Okay“), la guardia rosa crudele e spietata, che anestetizza il suo dolore e il senso di colpa per aver abbandonato il figlio con un suo concetto travisato di umanità; così come è umano Park Gyeong-seok, il numero 246 (interpretato da Lee Jin-wook di “Beyond the Bar” e “Welcome to Wedding Hells“), padre disperato, solitario e sofferente, che, forse perché proprio vissuto sempre in estrema povertà, cerca di trascendere le divisioni e di richiamarsi ad una condivisione umana; così come sono umani Im Jeong-dae, il numero 100 (interpretato da Song Yong-chang), forse uno dei personaggi più odiati, opportunista e cinico anche nella fase implorante, Seon-nyeo anche nota come la Sciamana, il numero 044 (interpretata da Chae Gook-hee), manipolatrice delle fedi e delle credenze altrui per la propria sopravvivenza, ma vittima del un sistema che ha perso la fede, Nam-gyu, il numero 124 (interpretato da Roh Jae-won di “Daily Dose of Sunshine“), perfetto nella sua schizofrenica sociopatia e umano nella cattiveria più allucinante, Min-su (interpretato da David Lee di “Start-up“), caduto nel baratro di un senso di colpa costante.

Sono umani nella loro barca alla ricerca dell’isola introvabile anche Hwang Jun-ho (interpretato da Wi Ha-joon di “Romance is a Bonus Book” e “Bad and Crazy“), ostinato e determinato nel portare avanti la sua missione, ma così ciecamente testardo nel negare un’evidenza lampante che colpirebbe i suoi ricordi e i suoi affetti, e Choi Woo-seok (interpretato da Jun Suk-ho di “Misaeng” e “Strong Woman Do Bong-soon“), testimone del fatto che un criminale può avere i più grandi slanci di generosità e di altruismo e una gradazione di valori superiore a quella di coloro che sono valutati onesti dalla società. Ed è umano anche il capitano Park Yeong-gil (interpretato da Oh Dal-su), che porta avanti una concezione distorta di gratitudine, annegando con essa persino il valore della vita umana.

Infine, è così drammaticamente umano il Front Man (interpretato in modo imperioso da Lee Byung-hun di “Mr. Sunshine“, “Our Blues“, “Concrete Utopia“, etc), nella sua perfetta scissione di personalità, che lo ha reso capace di un bipolarismo assoluto, vestitosi volontariamente della maschera del cattivo per punire una società che ha fatto soffrire i suoi familiari, accettando il male perché convinto che il bene lo avrebbe annientato.

Nessuno di loro è un eroe: non era intenzione dello showrunner costruire eroi o dividere l’umanità in buoni e cattivi e, qualsiasi interpretazione sia stata data in tutti questi anni di conduzione di “Squid Game“, il suo scopo non è mai stato quello di costruire un percorso ad ostacoli per punire i cattivi e far emergere solo i buoni. Forse perché la società non è così. Tutt’altro. La società è capace di grandi slanci generosi, di altruismi e di bontà interiore, ma è anche crudele, cupa e cinica sotto ogni aspetto e, forse, per parafrasare una frase utilizzata da Mikasa Ackerman in “Attack on Giant“, la bellezza dell’umanità sta proprio in questa dimidiatezza, in questa impossibilità di essere totalmente buoni e totalmente cattivi, nella grandezza di trovare l’umanità in un mondo crudele.

Qualsiasi cosa si possa dire su “Squid Game” e qualsiasi conclusione di voglia dare per aprire eventuali capitoli a parte (che siano prequel, sequel o sidequel o che sia l’inizio di un franchise mondiale che tempo e di cui non avrò voglia di occuparmi) e nonostante forse ci si aspettava qualcosa di più dal suo finale (perché le nostre aspettative, dopo tutti questi anni, erano alte e pretenziose e sei episodi di conclusione non sembravano abbastanza), la sua crudeltà ci ha messo di fronte alla domanda più angosciante che l’uomo possa porsi, quella di essere messi davanti al baratro del proprio inconscio, un pozzo nero di emozioni, che si liberano talvolta casualmente, come reazione agli stimoli del mondo, e comprendere la propria brutalità interiore. Allora, già solo di questo bisogna ringraziare Hwang Dong-hyuk: siamo finiti nel sottosuolo dostoevskjiano e ne siamo riemersi, consci di aver contezza di cosa ogni umano è capace, ma anche consci del fatto che nessuno è dissimile da quei personaggi visti nel drama.

Perché gli esseri umani sono così: un baratro di cattiveria, ma, in fondo a quel baratro, è possibile trovare la luce.

Laura

Come suona la recensione?

Post in evidenza

Romantici anonimi

“Se posso offrire anche solo un po’ di salvezza a qualcuno che sta attraversando una vita difficile sotto forma di dolcezza, non desidero di meglio.”

(Chef Kenji)

Titolo originale: 匿名の恋人たち , Romanchikku Anonimasu, Romantic Anonymous, Tokumei no Koibitotachi

Regia: Sho Tsukikawa

Scritto da: Kim Ji Hyun, Okada Yoshikazu

Cast: Han Hyo Joo, Shun Oguri, Yuri Nakanura, Jin Akanishi, Narita Ryo, Ito Ayumi, Sato Koichi, Okuda Eiji

Genere: Slice of Life, Cooking, Drama, Psicologico

Giappone/Corea del Sud, 2025 – 8 episodi

C’è una frase del poeta portoghese Fernando Pessoa che secondo me identifica bene il valore che attribuiamo al cioccolato e quanto il cioccolato stesso possa rappresentare il portale con un’altra dimensione oltre l’esperienza sensibile e il mondo fisico, quasi un piccolo segno divino nel mondo terrestre a cui l’essere umano riesce a tendere: “Non c’è così tanta metafisica sulla terra come in un cioccolatino”. (Fernando Pessoa)

“Romantici anonimi” è una storia curativa e tocca qualcosa di profondo in ognuno di noi, una storia di insicurezze, di ferite interiori, di cicatrici che restano aperte quando si ripresenta un ricordo doloroso o un trauma da cui non siamo venuti mai a capo e, come dice la protagonista Hana, in uno dei passaggi più toccanti della serie: “Tutti abbiamo dei segreti. Cose che preferiremmo nascondere o, se possibile, cose che non vorremmo mai che nessuno scoprisse“.

“Romantici anonimi” è una serie che si ispira al bel film francese del 2010, “Emotivi anonimi” di Jean-Pierre Améris, ma cambia ambientazione e sensibilità, approfondendo soprattutto l’aspetto psicologico relativo alla fragilità umana, nell’imperfezione delle relazioni sociali e nel riconoscimento del senso di inadeguatezza con il mondo.

Lee Hana e Fujiwara Sosuke sono i due protagonisti della storia, ma non sanno di esserlo, entrambi si nascondono dietro una maschera, così come anche altri personaggi del drama e questo è uno dei punti di forza della serie.

La trama si apre con la triste scomparsa dello chef Kenji che da molti decenni ha guidato la storica cioccolateria “Le Sauveur” e che era l’unico a conoscenza dell’esistenza di Hana (interpretata da una bravissima e toccante Han Hyo Joo, “Happiness”) una ragazza coreana residente in Giappone che da tempo collabora con lo chef nella preparazione di cioccolatini di alta qualità e prelibatezza. Hana è, difatti, una cioccolatiera dal talento incredibile, lavora con il cioccolato e lega le sue emozioni stesse al cioccolato, ma Hana è la cioccolatiera invisibile e anonima, tutti sanno che esiste perché ogni mattina, quando Le Sauveur è ancora chiusa consegna i suoi cioccolatini, tra i più amati dai clienti, ma nessuno l’ha mai vista e l’unico che conosce il suo segreto è lo chef Kenji.

Hana soffre di scopofobia, ovvero la paura patologica nell’essere osservati e quindi uno stato di ansia e insicurezza nel ritrovarsi in situazioni sociali particolari, Hana non riesce, di conseguenza, ad inserirsi in un contesto lavorativo con altre persone perché si sentirebbe osservata e giudicata in ogni momento e questo per lei è sempre stato invalidante anche per potersi far notare nel panorama nazionale e internazionale per eventuali concorsi a tema creazioni di cioccolato.

La triste notizia della morte dello chef Kenji la coglie impreparata e la lascia in uno stato di abbandono e di ansia.

Nel frattempo, “Le Sauveur” viene acquisita da una importante azienda dolciaria e il nuovo presidente della cioccolateria, Sosuke Fujiwara (Shun Oguri, “Japan Sinks”), si reca in sito per presentarsi e per conoscere tutto il personale. Il personale della storica cioccolateria, però, non reagisce inizialmente molto bene a questo cambio, ma Sosuke cerca in qualche modo di impegnarsi da subito per portare avanti il lavoro e i risultati costanti del negozio.

Per Sosuke è una impresa e una scommessa con se stesso lavorare in un ambiente con persone diverse e costituito da contatti costanti perché Sosuke soffre di germofobia, paura irrazionale dei germi e dello sporco, e di afefobia, ovvero la paura del contatto fisico. Due forme gravi di fobie sociali, causate da un trauma che risale alla sua infanzia, ma che limitano pesantemente l’equilibrio del suo lavoro.

Hana, che nel frattempo è stata chiamata a presentarsi al negozio, si reca a “Le Sauveur”, ma, per una serie di fraintendimenti, non riesce a dichiararsi come la cioccolatiera anonima e viene assunta, invece, come impiegata per servire ai tavoli.

L’incontro tra Sosuke e Hana è fortuito, ma succede qualcosa di inspiegabile per entrambi. Sosuke riesce a toccare Hana e Hana riesce a guardare negli occhi Sosuke. Non comprendono il motivo, ma riescono a trovare un punto in comune, una sorta di esenzione o immunità, da cui partire, principalmente per focalizzarsi sui propri problemi e poi per affrontarli insieme, tra esitazioni, incertezze e piccoli gesti di coraggio, tifano l’uno per l’altra e, pur capendo di non poter “guarire” completamente dalle loro imperfezioni e fragilità, le accettano, per migliorarsi.

Hana, dalla spiccata sensibilità e delicatezza che vive in un mondo solitario, in punta di piedi, senza far rumore e Sosuke, rigoroso, critico, all’apparenza freddo e distaccato, ma con una profonda insicurezza anche dovuta alle aspettative familiari in quanto erede di una azienda importante: due persone che camminano sul filo sottile del disagio emotivo e sociale, ma che trovano una comunicazione alternativa, personale, costituita da piccoli segni che diventano dei totem, piccole sicurezze a cui aggrapparsi. Nella preparazione del cioccolato, Hana trova quella connessione, quell’empatia con il mondo che di solito nasconde nella sua riservatezza assoluta, mentre Sosuke, nel suo nuovo ruolo di presidente della storica cioccolateria, riesce a scoprire un mondo che può essere costituito da affetti e comprensioni che temeva di non provare.

Sullo sfondo, ma in realtà protagonista di ogni episodio a cui è dedicato un titolo a tema, il cioccolato, proprio con quella caratteristica ricordata nella citazione di Pessoa, quel portale di percezione aptica e sensoriale che libera le emozioni, le lacrime represse ed eleva l’anima ad una dimensione metafisica.

La storia di Sosuke e Hana è la storia del ricco mondo interiore di due anime timide che si barcamenano nel mondo.

In contemporanea alla storia dei due protagonisti, altri due personaggi molto importanti per la trama e le tematiche affrontate nella serie.

La dottoressa Irene, la terapeuta di entrambi i protagonisti, psicologa e scrittrice, interpretata dalla brava Yuri Nakanura (“Beyond Goodbye”) che presenta un personaggio complesso per le sue fragilità emotive e che, dietro la maschera di una professionista di successo, si nascondono insicurezze relazionali e sentimentali, dipendenza dall’alcol e una profonda solitudine. Irene cura i pazienti, ma a sua volta nel suo lavoro cerca di curare se stessa da uno stato di insicurezza perenne.

Hiro Takada (Jin Akanishi) è, invece, la persona in contatto con tutti i protagonisti, proprietario del bar “Brush”, dove l’atmosfera intima e rilassante viene accompagnata dalla musica jazz. Hiro convoglia a sé tutte le fragilità emotive degli altri, ma anche lui rappresenta una persona che soffre per un amore non corrisposto e per dei sentimenti non compresi.

“Romantici anonimi”, drama nippo-coreano, si pregia della regia di Sho Tsukikawa (“Yu Yu Hakusho”, “The 100th Love with You”) e di Lee Ha-jun (nominato agli Oscar per il film “Parasite”) alla scenografia, Dalpalan alla musica, oltre a due camei inaspettati agli ultimi minuti dalla fine.

————————————————————–

“Probabilmente ho mangiato circa 10.000 cioccolatini qui. Ogni volta che il mio cuore soffriva, i cioccolatini di questo negozio mi portavano conforto. Grazie a loro, riuscivo a sentirmi un po’ felice.”

(Lee Hana)

“Un giorno, mio fratello mi diede di nascosto il cioccolato che aveva conservato. Per me, allora, fu la sensazione più bella che avessi mai provato”.

(Fujiwara Sosuke)

“Sono una persona che è stata salvata dal cioccolato. Solo quando preparavo il cioccolato mi sentivo veramente felice. Mi dava la forza di vivere”.

(Lee Hana)

“Non posso toccare le persone. Ma tu sei l’unica che posso. Per qualche ragione, ci sei solo tu”.

(Sosuke Fujiwara)

“Non sono gli ingredienti che contano, ma il cuore di chi li crea”.

(Chef Kenji)

Grazia

Come suona la recensione?

Post in evidenza

Comfort&Magic – Storie di sorrisi e di magia (Our Chocolate Moments & Handmade Love)

“Il mondo è pieno di cose magiche, pazientemente in attesa che i nostri sensi si acuiscano“.
(William Butler Yeats)

Ci sono dei momenti dell’anno in cui abbiamo particolarmente bisogno di magia, come di una nuvola che ci circonda per rassicurarci che, in fondo, va bene così, che possiamo superare quella determinata difficoltà, che possiamo riprenderci e vedere tutto illuminato da mille luci colorate. Si pensa che la magia sia un elemento importante solo quando si è bambini. Poi, invece, più passano gli anni e più si comprende che la bellezza sta tutta lì, assicurata dal credere fino alla fine che le cose belle, se si desiderano, possono accadere con un piccolo tocco di magia.

Ed è per questo motivo che abbiamo deciso di dedicare questo articolo/recensione a due piccoli mini-drama che sono stati un conforto e una carezza in determinati momenti della vita, perché ci hanno aperto gli occhi su un mondo magico e fantastico, pronto ad aiutarmi. Due mini-drama che sono piccole fiabe e che ci fanno sognare come quando eravamo bambine.

== OUR CHOCOLATE MOMENTS ==

“Mi piace questo suono. Mi piace molto lo schiocco del cioccolato. E’ la routine che dà inizio alla mia giornata e determina anche l’andamento della giornata stessa”.

Titolo originale: 우리들의 초콜릿 순간

Cast: So Joo-yeon, Gong Sung-ha, Song Ji-ho, Choi Won-young, Son Hyun-joo, Nam Myeong-ryeol

Genere: Slice of Life, Healing Drama

2 episodi

Corea del Sud, 2025

A volte il titolo può facilitare la scelta di cosa guardare e per me questo è stato il caso di “Our chocolate moments“, miniserie di due episodi di un’ora, un piccolo gioiellino che si è rivelato ancora più bello delle mie aspettative.

La storia parla di Seul Gi (So Joo-yeon, “Season of Blossom”, “A Love So Beautiful”, “Lovestruck in the City”, “On/Off”), Hyeon Nam (Gong Sung-ha, “Doctor Slump”, “Daily Dose of Sunshine”) e Sun Tae (Song Ji-ho, “Lovely Runner”, “Stranger”), tre persone che lavorano in un’azienda che produce cioccolato e che per San Valentino dovrebbero riuscire a trovare l’ispirazione per un nuovo progetto.

Seul-gi è una ragazza entusiasta, ogni mattina scarta il suo cioccolato, in attesa di prendere l’autobus per recarsi a lavoro dove si impegna molto, ma spesso il suo entusiasmo è talmente euforico che non riesce a moderare il comportamento relazionale con i colleghi. Hyeon Nam, invece, è il contrario di Seul-gi, pondera ogni scelta con riflessione e spesso è critica con gli altri e con se stessa. Sun Tae, invece, è un influencer che gestisce un account dal nome “Sweet Jeremy che lavora in un’azienda di cioccolato”.

I tre, che dovrebbero collaborare insieme, hanno diversi intoppi sul lavoro, proprio a causa del loro carattere così diverso, ma, dopo che le loro vite s’ intrecceranno con quella di un orologiaio, qualcosa cambierà. Attraverso i conflitti e le successive riconciliazioni supereranno, infatti, qualsiasi ostacolo.

Hong Sa-jang (Choi Won-young, “Hwarang”, “Mystic Pop-Up Bar”) è il proprietario di un misterioso negozio di orologi che produce e vende cioccolatini artigianali, abbinandoli ad ogni genere di cose e il suo negozio sembra uscito dalla dimensione onirica di una fiaba. La sua vita solitaria e malinconica si imbatte in quella dei tre giovani, insieme troveranno, infatti, dei momenti preziosi che daranno a tutti loro un angolo di calma, di serenità e uno stimolo per credere in se stessi.

Le vite e il destino di queste quattro persone si intrecciano.

“Our Chocolate Moments” è un drama che parla di solitudine dei sentimenti umani e lo fa con un tocco delicato e con una magia intrinseca che lo rende unico nel genere. Una storia che è insieme terapeutica e commovente. Una visione che scalda il cuore per chi è amante del cioccolato come me, ma anche per chi non lo è. Bravissimi tutti gli interpreti.

Un drama che è come un abbraccio in una giornata fredda d’inverno, come bere una cioccolata calda in tranquillità, ripensando ai momenti della propria giornata e superando ogni ostacolo interiore.

==HANDMADE LOVE==

“Conoscete la storia della fata e del boscaiolo? Un boscaiolo si innamorò di una fata e così le rubò il suo abito celestiale per impedirle di lasciarlo per tornare in paradiso. (…) La storia, però, non è vera. La ragione per cui il boscaiolo aveva rubato l’abito alla fata non era perché l’amava. Il boscaiolo aveva rubato quella veste perché era bellissima“.

Titolo originale: 핸드메이드 러브

Cast: Lee Soo-hyuk, Lee Soo-ji, Park Seung-ji, Lee Young-jin, Moon Ji-hoo, Seo Jung-yeon, Yeon Je-hyung, Choi Baek-gu

Genere: Romance, Fantasy, Healing

8 episodi

Corea del Sud, 2020

Ogni leggenda ha un fondo di verità e le storie della buonanotte che vengono raccontate ai bambini affondano le proprie radici in un mondo fantastico e ignoto, popolato da spiriti, fate, creature magiche e divinità, che vivono quasi parallelamente a noi e che, talvolta, incrociano con noi il loro cammino.

Woven (Lee Soo-hyuk di “Doom at Your Service“, “Tomorrow” e “S-Line“) proviene da questo mondo fantastico di cui lui stesso narra all’inizio del drama, un mondo fiabesco e soprannaturale, immoto nella sua dimensione eterna e percorso dalla magia. Anche Woven, come le altre creature di quel mondo, è una divinità, ma il suo senso dell’empatia e della compassione sembrano essere annebbiati dalla ricerca della bellezza ad ogni costo, come se la contemplazione della bellezza fosse l’unica verità. Così, commette un errore nei confronti delle creature celesti, che decidono di condannarlo ad una terribile punizione: l’Assoluto (Lee Young-jin di “Here’s My Plan“), usando la sua speciale carabina, lo scaccia dal paradiso per esiliarlo in eterno sulla terra dei mortali, dove albergano il dolore e la sofferenza e dove l’unico modo per comprendere le altre creature è la compassione.

Ed è sulla terra che un Woven malinconico e mesto approda. Avvertendo tutto il dolore di chi lo circonda, decide di aprire una sartoria, che confeziona abiti per una persona alla volta. Ogni abito, infatti, è intessuto e adornato con le emozioni e i sentimenti del cliente che lo ha chiesto, donando conforto con la sua bellezza, caricando il suo aspetto di perfezione effimera dell’umana compassione di cui gli umani hanno bisogno con i propri dolori.

Un giorno, nella sartoria entra anche Han Sa-rang (Lee Soo-ji), che, dopo sette anni di relazione e alle soglie del matrimonio, è stata tradita e abbandonata dal fidanzato (Moon Ji-hoo), deciso a sposare la donna di cui si è improvvisamente innamorato. Han Sa-rang è un concentrato di emozioni: rabbia, collera, desiderio di vendetta, ma anche frustrazione, tristezza, autocommiserazione, depressione, e, infine, dolcezza, desiderio di sognare, comprensione, empatia. Quando fa il suo ingresso nella sartoria, Woven viene travolto immediatamente da tutte le emozioni e i sentimenti che porta con sé quella ragazza, che, al tempo stesso, progetta di uccidere il fidanzato, ma sogna anche l’amore romantico.

Giacché è arduo creare un abito per Sa-rang, ma la ragazza sembra avere un’innata predisposizione per comprendere gli esseri umani, portando i clienti a parlare di sé per ricavare i fili e i tessuti di emozioni di cui sono composti gli abiti, Woven e il suo servitore Joey (Park Seung-ji) le propongono di rimanere nel team e di diventare apprendista della sartoria.

Ed è così che la storia si dipana per 8 brevi episodi (di 20 minuti circa), con Sa-rang unica umana in un luogo incantato che fa da interprete delle emozioni umane e Woven che inizia a comprendere sempre di più gli esseri umani e, lentamente, perde la sua rigida patina da divinità esiliata per abbracciare in toto l’empatia umana.

Più passa il tempo, più clienti incontrano Woven e Sa-rang (ogni episodio è dedicato ad uno specifico caso e ad un cliente da ascoltare e da consolare con un meraviglioso abito), più i due si avvicinano e si supportano, riuscendo a comunicare le proprie emozioni e le proprie sofferenze e superando le difficoltà. Ma, anche se Sa-rang impara a conoscere il mondo fantastico di Woven e ad accoglierlo senza timore, mentre Woven impara a ridere e a piangere, comprendendo che emozionarsi non è una debolezza, possono stare insieme un’umana e una divinità?

Questo piccolo breve drama incanta e porta in un mondo fatto di magie che si dischiudono a mezzanotte, in un’atmosfera così rarefatta e sospesa, che sembra uscita da un vecchio musical, per dirci che va bene anche essere tristi e depressi e che la vera magia è quando riusciamo a credere in noi stessi.

Grazia (Our Chocolate Moments) & Laura (Handmade Love)

Post in evidenza

Theatre : A Love Story

“Sentivo il cuore che mi batteva. Sentivo il battito del cuore di ognuno. Sentivo il rumore umano che producevamo tutti, lì seduti, senza muoverci, nemmeno quando la stanza diventò tutta buia”.

(Raymond Carver, “Di cosa parliamo quando parliamo d’amore”)

Titolo originale: 劇場, Gekjiiou

Diretto da: Yukisada Isao

Scritto da: Horai Yuta

Cast: Kento Yamazaki, Matsuoka Mayu, Sato Kanichiro, Ito Sairi, Asaka Kodai, Iguchi Satoru

Genere: drama, romance, life, indie, theatrical

Corea del Sud – 2020 (film)

Ci sono immagini che si collegano ad esperienze passate e a memorie di letture, ci sono pellicole che sembrano riferirsi a libri con cui non hanno nulla a che fare, scrittura inconsapevole di romanzieri che li hanno ignorati, eppure in tutto e per tutto così rispondenti, quando si piegano al filtro della nostra percezione. Così è accaduto a me, durante la visione del film giapponese “Theatre: A Love Story“, con quella chiara e netta sensazione di guardare non tanto un’opera nuova, quanto qualcosa che avevo già avuto modo di leggere, in uno spazio misto tra prosa e poesia, senza alcuna vera identificazione, fino all’ultima scena, quando il buio scende sui protagonisti della storia e la scenografia di una Tokyo fredda e notturna sfuma per concretizzarsi con quella di un palco teatrale, dove i protagonisti stanno lì, muti e silenziosi al centro della scena, immersi solo nel rumore dei propri passi sul legno, mentre gli spettatori tentano di scrutarne i volti nel buio. Solo in quegli ultimi minuti in cui la finzione scenica di frantumava improvvisamente – e, con essa, anche la quarta parete teatrale – mi è tornato alla mente Carver, come se fosse l’autore anonimo e casuale di quell’opera appena vista, come se quei personaggi fossero usciti dalla sua penna, vivendo tra le sue pagine la sofferenza di cosa vuol dire amare e non amare, con tutta la loro solitudine silenziosa immersa nel rumore del mondo. Ed è per questo motivo che la recensione seguente è accompagnata e spezzata dalle parole di Carver, come se fosse narratore di questa storia non-scritta.

Con essa, un’unica grande domanda, destinata a rimanere senza una vera risposta, nascosta in frammenti di diversa grandezza tra le sue variazioni: di cosa parliamo realmente quando parliamo d’amore? E, quindi, che cos’è per davvero l’amore? Forse è uno spirito errante e mitico o è qualcosa di così drammaticamente reale e concreto, da non essere compreso nella sua limitatezza, cercandone una dimensione idealizzata e irrealistica in una continua aspirazione alle cose belle, che racchiude in un circolo di sofferenza?

Nagata (interpretato da Kento Yamazaki di “Alice in Borderland” e “Rikuoh“) e Saki (interpretata da Matsuoka Mayo di “Makanai” e “The Greatest Teacher“) vagano in un mondo dove la realtà dura di tutti i giorni si scontra con i loro sogni e le loro aspirazioni, alla ricerca della parola “amore”, innamorati del suo stesso concetto, senza capirne il motivo. Vagano e si incontrano, si innamorano e si scontrano, si fanno del male, si perdono, si cercano, si trovano e, poi, si fanno nuovamente del male, intrappolati da un concetto che hanno idealizzato, ma che non sono mai riusciti a comprendere.

In una calda giornata d’estate a Tokyo, la studentessa di recitazione Saki si vede seguita da un ragazzo mal vestito, con la barba sfatta di tre giorni e i capelli arruffati, capitato nel suo percorso come se ne fosse un guardiano. Questo ragazzo dice di chiamarsi Nagata, un aspirante sceneggiatore e regista teatrale, un talento naturale della scrittura, che, però, non sa come far fruttare il proprio carisma. Non si conoscono, ma i loro riflessi sulle finestre delle vetrine sembrano fondersi in un’unica ombra e, così, i due iniziano a conoscersi e a parlare di sé, perché, in fondo, sanno già che sono destinati ad innamorarsi.

“Avevano riso. Appoggiati l’uno all’altra, avevano riso fino alle lacrime, mentre tutto il resto – il freddo e dove lui era andato in quel freddo – restava di fuori, almeno per un po’”.

Saki ama la mente brillante di Nagata e la sua sensibilità artistica e culturale, il suo estro creativo fatto di genialità improvvisa e di lunga perdurante malinconia, il suo volto nostalgico e ombreggiato, che nasconde un temperamento ribelle e una profonda sofferenza. Nagata, d’altro canto, ama la vitalità di Saki e tutto il mondo racchiuso nel suo sorriso, la sua voglia di vivere, la sua positività solare, che non si abbatte nemmeno in mezzo alle tempeste e che si interseca con la sua umanità.

Ed è così che, dopo quel primo incontro estivo che li ha avvicinati, quando arriva l’autunno prendono la decisione di andare a vivere insieme, soli, ma uniti per affrontare la società circostante con tutte le sue amarezze. Vivere insieme non è semplice: Saki inizia immediatamente a lavorare per guadagnare soldi con cui pagare la casa, il cibo e le bollette e nel suo sorriso inizia ad incastrarsi la preoccupazione di sopravvivere nella vita di tutti i giorni; Nagata, invece, si dedica esclusivamente a sé stesso e a quelle sceneggiature, che tardano ad arrivare, consapevole delle difficoltà di Saki, ma autoesclusosi volontariamente da qualsiasi preoccupazione. Mentre Saki inizia a rinunciare al sogno di diventare attrice, chiusa in un routine fatta da un doppio lavoro e dalla fatica di lottare con ogni centesimo, Nagata trascorre le giornate ad odiare sé stesso e la sua mancata realizzazione, fatta di pièce teatrali che non prendono il volo e di sceneggiature che faticano ad essere scritte, di crisi d’ispirazione e menzogne, di invidia verso artisti apprezzati e di consapevolezza di essere privo di talento.

“Ho perso il controllo. Ho perso l’amor proprio. Ero una piena di amore proprio, io”.

Saki è convinta che Nagata sia sempre impegnato a scrivere sceneggiature, ma Nagata finge di tenersi occupato per non sentire le preoccupazioni materiali di Saki e non contribuire alla vita di tutti i giorni: si odia e, al tempo stesso, si assolve per questo, consapevole di essere nel torto e di continuare a fare del male alla sua compagna, ma deciso nel continuare le sue menzogne per non perderla.

Nagata si infastidisce per la presenza di Saki, per la sua continua gentilezza e la sua cura, che lo mettono con le spalle al muro, e per quell’eterno rumore che produce la sua presenza, che gli offusca le idee creative perché tenta di squarciare il suo alone di solitudine; al tempo stesso, sa di avere bisogno di Saki e di quella forza proveniente dal suo sorriso e dalla sua risata libera, una ricarica onnipresente di buonumore alla sua finta e caricata malinconia. Così, prende la decisione di trovare un piccolo lavoro, scrivendo recensioni, e di vivere da solo, ma di tornare sempre da lei ogni sera, mantenendo le distanze per preservare il suo isolamento creativo, ma cercando il suo sostegno per non perdere la sua energia, mostrando dolcezza solo quando finge di non essere sobrio, costruendo ogni giorno trincee, che, col tempo, si accumulano per diventare insormontabili.

Più Nagata traccia trincee, più mette distanza da Saki; più lui cela la purezza del suo primo innamoramento dietro recriminazioni e cupezza, più lei si allontana; più lui la cerca per assicurarsi la sua energia, più lei perde tutta la forza vitale che la caratterizzava fino a perdere anche sé stessa.

Perché Nagata e Saki erano destinati ad innamorarsi, ma a continuare ad amarsi e forse lo hanno sempre saputo da quel primo incontro in una città abbandonata dai suoi abitanti in ferie per approdare ad una rigida notte invernale in cui la loro separazione si concretizza nella promessa di un incontro d’addio, che, di fatto, non avverrà mai. L’amore sfuma nella sua mancanza. Nagata cerca Saki, che si è eclissata dalla sua vita, e, così, le dà una veste teatrale, l’unica che è riuscito finalmente a concretizzare: la loro mancata discussione prosegue in un teatro, su quello spazio aperto del palcoscenico, che per Nagata aveva rappresentato la vita vera. Incapace di ammettere i propri errori durante nella vita ordinaria di tutti i giorni, Nagata trasforma sé stesso e Saki nei protagonisti del suo dramma per continuare a vivere quell’amore mancato e terminarlo, chiedendo un perdono che non è mai riuscito a pronunciare.

“Mi sa che è ancora più triste vivere così, soli, ma insieme agli altri, invece che per conto proprio”.

“Theatre : A Love Story” non è un film di facile visione: al di là della lunghezza abbastanza impegnativa (quasi due ore e mezza), la pellicola indipendente è costruita per metà come un film d’essai francese degli anni ’70, realista e lirico, al tempo stesso, e per metà come un Dogma 95 scandinavo, con la vita di tutti i giorni come scusa per aprire il coperchio dei tormenti dell’animo. Dopo i primi attimi di luce e di giorno, il resto della storia è quasi totalmente ambientato di notte, con una graduale discesa nella notte più profonda e nel freddo più rigido, dove il buio corrisponde al senso di solitudine dei protagonisti, come un silenzio che inghiotte qualsiasi rumore e lo annulla. Al tempo stesso, un’altra quasi assenza della pellicola è quella della musica, con una colonna sonora rarefatta e minimalista, in molte scene mai presente per lasciare posto ai rumori della vita di ogni giorno, quelli provenienti dalla casa e dai suoi attrezzi, ma anche quelli della strada, talvolta così forti e assordanti da rischiare di coprire il suono dei pensieri e delle parole dei protagonisti. Inoltre, la tecnica narrativa è affidata ad una voce narrante imparziale, quella del protagonista Nagata che parla di sé in terza persona, narrando con lucidità tutti i suoi errori e le sue colpe.

Il film, che è diretto da Yukisada Isao, uno specialista di piccole storie drammatiche dai tempi di “Love Letter” (1995), è stato particolarmente elogiato dalla critica sia per le interpretazioni degli attori (in primis, Kento Yamazaki, che, all’epoca, passava da drama televisivi di genere romantico o slice-of-life a cinema più impegnato e che si è trasformato anche fisicamente per assumere l’aspetto trasandato ed emaciato del suo personaggio), sia soprattutto per il suo inaspettato finale meta-teatrale, dove realtà e finzione teatrale si confondono, senza dare più punti di riferimento nel racconto del protagonista e nel tempo, mostrando i personaggi giovani recitare sul palco, come in un dramma di Nagata, e, al tempo stesso, in una versione più adulta, seduti tra il pubblico degli spettatori, come a ri-guardare sé stessi e il loro perduto amore.

“E tutto questo, tutto questo amore di cui parliamo, diventerebbe solo un ricordo. Forse neanche quello”.

Laura

Come suona la recensione?

Post in evidenza

Kyū Sakamoto – Ue o muite arukō (Alzo lo sguardo mentre cammino)

“Alzo lo sguardo mentre cammino

In modo che le lacrime non cadano

Ricordando quei giorni di primavera

Ma stasera sono completamente solo (…)”

(“Ue o Muite Arukou”, 1961 – testo originale di Rokusuke Ei)

Quando ho visto per la prima volta “La collina dei papaveri” di Goro Miyazaki, altro capolavoro dello Studio Ghibli, ho pensato che fosse uno dei migliori film di animazione che riuscisse a ritrarre quel periodo di inizio anni Sessanta in Giappone, visto dagli occhi di studenti, adolescenti, a un passo dalla voglia di riscattarsi nel passaggio di un dopoguerra molto difficile, nella ricostruzione e nella riconquista della fiducia. Il film di Miyazaki è, infatti, ambientato nel 1963, un anno prima delle Olimpiadi, svoltesi a Tokyo nel 1964, dove l’ultimo tedoforo fu Yoshinori Sakai, nato a Hiroshima il 6 agosto 1945, un’ora dopo l’esplosione della prima bomba atomica, che diventò simbolo della ricostruzione giapponese (ne abbiamo parlato qui). Si tratta di una generazione nata pochi anni prima della guerra o nel dopoguerra e che in Giappone visse un passaggio storico e politico-sociale molto delicato.

Quasi dieci anni dopo il “Trattato di Sicurezza tra Stati Uniti e Giappone” e il “Trattato di Pace di San Francisco”, nel 1959 si parlò di un nuovo “Trattato di Mutua Cooperazione e Sicurezza” tra i due Paesi, il cosiddetto “Trattato di Anpo”, che scatenò manifestazioni e proteste studentesche in Giappone e proprio in questo frangente, il compositore Rokusuke Ei scrisse la famosa “Ue o Muite Arukou” che esprimeva il dolore e la malinconia per quel periodo pieno di tristezza e di sofferenza.

La canzone “Ue o Muite Arukou” fu cantata da Kyū Sakamoto nel 1961 e diventò subito famosa in tutta l’Asia, ma anche in Occidente. Goro Miyazaki l’ha inserita all’interno della ost de “La collina dei papaveri” e ha fermato, così, il tempo perché tutti noi ci immergiamo direttamente in quell’atmosfera.

Kyū Sakamoto (pseudonimo di Hisashi Oshima) nacque a Kawasaki il 10 dicembre del 1941, nel 1961 aveva vent’anni e la sua carriera musicale era iniziata da qualche anno, per questo Sakamoto può essere considerato il primo idol giapponese della Storia.

La voce dolce e carezzevole di Sakamoto donò alla canzone scritta da Rokusuke Ei un tocco personale, a tratti malinconico e nostalgico così come il suo stesso accompagnamento fischiato all’interno del motivo musicale.

Kyū Sakamoto, fin da giovanissimo, aveva iniziato ad esibirsi nei club jazz di Tokyo, già alla fine degli anni Cinquanta; diventò uno degli artisti idolatrati dai giovani perché riusciva a fare da tramite tra le musiche tradizionali e il nuovo sound cha arrivava da oltreoceano, il rock and roll.

In pochi anni diventò una star nazionale e si cimentò anche nell’esperienza cinematografica e, in poco tempo, fu conosciuto anche in Occidente. Un produttore inglese nel 1963 ascoltò “Ue o Muite Arukou”, ne curò la versione inglese con il titolo “Sukiyaki”, che poco aveva a che fare con il titolo originale perché “sukiyaki” è il nome di un piatto giapponese. Il brano nella versione inglese fu interpretato da Kenny Ball, ma tutto questo agevolò l’immissione sul mercato musicale della versione originale.

Kyū Sakamoto vendette milioni di dischi in tutto il mondo, piazzandosi al primo posto nella classifica Billboard Hot 100 e ancora oggi è uno dei singoli più venduti al mondo, con le sue 13 milioni di copie.

Altra hit di successo nel 1963 fu “Miagete Goran Yoru no Hoshi wo” (“Guarda le stelle nella notte”), il cui testo fu sempre scritto da Rokusuke Ei, mentre la musica da Taku Izumi, che vinse il Japan Record Award. Il motivo allegro della canzone fu ripreso da altri artisti, tra cui negli ultimi decenni dai Begin per la sigla dell’anime “Futatsu no Spica” (“Twin Spica”). La canzone fu riscoperta durante il terremoto e lo tsunami del 2011.

Personalmente, una delle mie canzoni preferite di Kyū Sakamoto è “Kokoro no hitomi” (“Occhi del cuore”), dove la sua voce pacata accompagna un testo dal significato profondo e pieno di speranza.

Il destino di Kyū Sakamoto, però, fu molto triste, il cantante scomparve troppo presto, non aveva ancora compiuto 44 anni, rimase, infatti, vittima dell’incidente aereo del 12 agosto 1985 che coinvolse il volo Airlines 123, un volo di linea tra Tokyo e Osaka che precipitò sul monte Takamagahara. Il secondo incidente aereo più grave di sempre che contò 520 vittime.

Kyū Sakamoto era tra le vittime più illustri, anche se all’inizio fu scambiato per il compositore e artista Ryuichi Sakamoto, per via del cognome. In quei giorni, infatti, Ryuichi Sakamoto dovette apparire ai notiziari per dimostrare di essere vivo.

“Ue o muite arukō” di Kyū Sakamoto fu la prima canzone asiatica a raggiungere il numero uno nella classifica mondiale alla Billboard Hot 100 e detenne questo record fino al 2020 con i BTS e la loro “Dynamite”.

A quarant’anni dalla sua scomparsa volevo dedicare queste righe ad un artista che sfortunatamente ci ha lasciati troppo presto e che avrebbe ancora arricchito il panorama musicale con la sua sensibilità.

“La felicità sta oltre le nuvole.

La felicità giace sopra il cielo.

Alzo lo sguardo mentre cammino

In modo che le lacrime non cadano

Ma le lacrime sgorgano mentre cammino

Sono tutto solo”

(video ufficiale rimasterizzato)

Grazia

Come suona la recensione?

Post in evidenza

Love in Time – Incontrarsi nel tempo

“Non ho rimpianti nella mia vita perché ti ho incontrata. (…)

Dovremmo amare il tempo rimanente e non lasciare rimpianti”.

Titolo originale: Love in Time, 我的秘密室友, Wo De Mi Mi Shi You, Meet Me @ 1006, My Secret Roommate

Diretto da: Zhao Jin Tao

Cast: Yang Xu Wen, Xiang Han Zhi, Wang Meng Li, Dai Gao Zheng, Caro Zheng, Chen Guan Yu, Wang Hai Di, Xu Kai Xin, Yu Xin Tong

Genere: fantasy, scifi, romantic

Cina, 2022 – cdrama 24 episodi

Quando ho scelto di guardare “Love in Time”, drama cinese del 2022, ho capito da subito che mi sarei trovata di fronte ad una storia sospesa nel tempo. Lo consiglio, infatti, a tutti coloro che sono appassionati come me di storie che si perdono tra spazio e tempo come il film coreano “Il mare” con Jun Ji-hyun e Lee Jung-jae e il suo remake americano “La casa sul lago del tempo”, con Sandra Bullock e Keanu Reeves.

Credetemi, nonostante l’apparente lentezza dei primi episodi, la storia rappresentata in questo drama è davvero piacevole da guardare e pian piano prende a tal punto da vivere insieme ai due protagonisti le vicende e i cambiamenti del destino che conseguono ad ogni loro azione. Ogni azione ha una conseguenza nel tempo e ad ogni cambiamento e turbamento umano consegue una vicendevole mutevolezza di sentimenti e un’armonizzazione di emozioni e pensieri.

“Love in Time” è un cdrama ispirato a sua volta ad un drama taiwanese, “Meet Me@1006” con Lego Lee, Nikki Hsieh e Greg Hsu (“18X2 Beyond Youthful Days”, “Someday or One day”).

2022.

He Zheng Yu (Yang Xu Wen, “Crossroad Bistro”) è un avvocato freddo, irreprensibile e dall’aria un po’ arrogante che vive nel 2022 e che non ha mai perso nemmeno una causa, un fiore all’occhiello per lo studio legale Feng Yu.

Il suo destino, però, cambia quando inizia ad occuparsi del divorzio dell’amica Wu Ji Rong (Wang Meng Li), famosa attrice da poco sposata con Jiang Cheng Hao (Dai Gao Zheng). La giovane chiede il divorzio a causa dei frequenti tradimenti del marito, ma poi ritratta e improvvisamente ritira le accuse.

He Zheng Yu viene accusato ingiustamente di aver fabbricato delle prove false e così la sua reputazione ineccepibile viene macchiata da questo increscioso avvenimento e, anche quando cerca di rintracciare l’amica, la giovane sembra essere sparita.

Caduto in disgrazia, perde il lavoro, viene estromesso da socio dello studio legale e perde anche il grande appartamento che l’azienda gli aveva concesso, inizia ad essere guardato male dalle persone e il suo atteggiamento franco e risoluto lascia spazio ad uno triste e malinconico.

Così, il famoso avvocato He Zheng Yu esce di scena, si ritira per studiare meglio il caso in cui è stato implicato e si trasferisce in un vecchio complesso di appartamenti, per strada trova una gru di carta, la raccoglie e la porta con sé.

La prima sera nella sua nuova casa, alle h. 22.06, appare improvvisamente nel suo appartamento una donna. He Zheng Yu è stupefatto e anche impaurito, teme addirittura che possa trattarsi di un fantasma, alle 22.52 la donna sparisce.

2021.

La giovane Chen Jia Lan (Xiang Han Zhi, “Young Babylon”) è una giornalista che lavora per INEWS, ottimista di natura e appassionata di arti marziali, che pratica insieme all’amico Jiang Cheng Hao, crede fermamente nella verità e cerca nel suo lavoro di essere corretta e onesta per garantire equilibrio e chiarezza di informazione.

Chen Jia Lan trascorre molte ore a migliorare se stessa e a dedicarsi alla carriera giornalistica alla quale crede fermamente, ha poi degli hobby e delle passioni anche naif e alquanto simpatiche, come la sua affezione per Doraemon. Veste spesso a casa con una felpa con l’effige di Doraemon, famoso gatto blu che vola nel passato e nel futuro e protagonista di anime e manga giapponesi (Non è a caso la sua affezione per Doraemon, viaggiatore nel tempo, che ci predispone ad una tematica affrontata proprio nel drama!).

Una sera, mentre sta cercando di rilassarsi un po’ nel suo appartamento, alle h. 22.06 appare un ragazzo. La giovane si spaventa, urla e teme possa trattarsi di un fantasma, poi quel ragazzo sparisce alle h. 22.52.

———–

Chen Jia Lan e He Zheng Yu, in realtà, vivono nello stesso appartamento, ma in due momenti diversi. Tra loro ci sono quattro mesi di distanza, Jia Lan vive nel 2021 e Zheng Yu nel 2022, ma, per qualche strano motivo o qualche inspiegabile magia ogni sera, allo scoccare delle h. 22.06, diventano coinquilini involontari in una sovrapposizione temporale per soli 46 minuti.

Dopo gli scontri e i fraintendimenti iniziali, i due ragazzi iniziano a parlare e a conoscersi e capiscono di avere qualcosa in comune, forse uno scopo ed è questo il vero motivo del loro incontro quotidiano serale che va oltre le regole spazio-temporali.

Il caso dell’attrice Wu Ji Rong e del marito Jiang Cheng Hao, amico di Jia Lan è forse il fulcro della questione. Bisognerà cercare di mettersi in contatto con i due, evitare il matrimonio oppure cercare di modificare qualcosa che possa scagionare Zheng Yu dalle false accuse.

Zheng Yu, pian piano inizia a cambiare, da avvocato arrogante e freddo diventa una persona che, nell’affrontare amarezza e dispiaceri, ha aperto il suo cuore all’empatia e alla sensibilità, mentre Jia Lan inizia a fidarsi del suo coinquilino involontario e si impegna ad aiutarlo.

I due giovani iniziano a collaborare ogni sera, nel loro breve incontro di 46 minuti, per alterare gli eventi del 2021, cambiare il futuro, sfruttando “l’effetto farfalla”, ovvero la correlazione tra le azioni del presente e quelle che si riscontreranno nel futuro.

Mentre lavorano sulle prove raccolte e sulle azioni da evitare o cercare di cambiare, Chen Jia Lan e He Zheng Yu capiscono di essersi innamorati, ma come possono stare insieme se appartengono a due tempi diversi? Come possono incontrarsi in una stessa dimensione temporale?

Zheng Yu del 2021, per di più, è ancora un avvocato arrogante e calcolatore che non è facile da avvicinare, mentre Jia Lan del 2022 è irrintracciabile. Cosa è successo alla Jia Lan del 2022? Come mai la ragazza nel 2022 non vive in quell’appartamento, affittato infatti da Zheng Yu?

Anche quando sembra che i due ragazzi siano riusciti a cambiare degli eventi, accade qualcosa che riporta alla stessa situazione iniziale o che non lascia sistemare e trasformare in meglio il futuro. Come mai? Cosa succede davvero in questa sovrapposizione spazio-temporale?

Tante domande che tengono con il fiato sospeso lo spettatore, un segreto da scoprire, delle morti da evitare e una storia coinvolgente e recitata molto bene da parte dei due protagonisti e dei secondari.

L’ambientazione serale, infine, aiuta maggiormente a immergersi nell’atmosfera della storia, l’edera rampicante fuori dalla finestra, la luce che filtra dalla sala dove i due ragazzi confabulano tutte le sere, mangiando un pasto caldo, l’arredamento così sereno, tutto questo diventa familiare per i 24 episodi del drama e quando arriverete alla fine, vi sembrerà di dover davvero lasciare un amico.

La sintonia tra i due protagonisti, una fotografia molto bella e curata e una colonna sonora che sembra accompagnare i sogni, sono i punti di forza di questo drama. La tematica della sovrapposizione temporale lascia riflettere sulle scelte importanti, su ciò che avremmo potuto fare e che non abbiamo fatto in alcuni momenti della nostra vita e sulla speranza di poterli cambiare o solo sul desiderio umano di tornare indietro nel tempo per fare meglio.

Perché i viaggi nel tempo sono degli archetipi, simboli del tentativo umano di rimediare a quei rimpianti mai risolti e nella letteratura e nel cinema sono simboli di speranza!

Grazia

Come suona la recensione?

Post in evidenza

Love in the Big City

“Questa è la storia di un lui e di una lei. Ma che sia giusto chiarirlo sin da subito: questa non è una storia d’amore”.

(dal film “500 giorni insieme”)

Titolo originale: 대도시의 사랑법 – Daedosiui sarangbeop (lett.: How To Love in the Big City, Come si ama nella grande città)

Regia: E.oni

Sceneggiatura: Kim Na-deul

Cast: Kim Go-eun, Noh Sang-hyun, Jeong Whee, Oh Dong-min, Lee Sang-yi, Jang Hye-jin

Genere: comedy / drama / life

Film – Corea del Sud, 2024

Esistono anime che non si cercano, ma si trovano, capendosi reciprocamente già al primo sguardo. Esistono persone che sanno amarsi alla follia in tutte le loro caratteristiche, anche quelle peggiori, eppure non hanno bisogno di ufficializzare nulla in una relazione. Esistono ragazzi sperduti, che crescono vicini e si supportano a vicenda, accettando la bellezza di essere completamente imperfetti, incasinati, incoerenti e fuorvianti, e che sanno costruire tra di loro una fortezza in quelle che il mondo chiama fragilità. Esistono anime che sanno essere diverse e non uguali a nessuno, libere, indipendenti e se stesse, coese contro le etichette della società.

Ed è così che ho visto e ammirato Jae-hee e Heung-soo, protagonisti del film “Love in the Big City“, con la loro unica e speciale amicizia, che supera qualsiasi legame affettivo e amoroso, anime gemelle che si sono scelte con uno sguardo, consapevoli di essere diverse da tutto e da tutti, due romantici ribelli, che non sanno ancora chi sono e cosa vogliono, ma che cercano di costruire la propria strada lentamente ogni giorno, un pezzetto alla volta. Jae-hee e Heung-soo non hanno paura di mettersi in discussione, di sbagliare, cadere e ferirsi, per, poi, rialzarsi, cercando non solo di sopravvivere nella giungla quotidiana di una società ipocrita e perbenista, ma di mantenere intatto il proprio spirito senza che nessuno possa annullarlo e sopprimerlo, rimanendo se stessi, anche nelle loro caotiche esistenze non ordinarie e, soprattutto, nella loro folle e scapigliata quasi storia d’amore, dove non c’è alcuna storia, ma c’è molto più amore che in qualsiasi altra relazione.

“Le persone si sentono meglio quando pensano che qualcuno diverso è inferiore. Non sanno che è solo complesso di inferiorità”.

Heung-soo (Noh Sang-hyun di “Pachinko“) ha vent’anni, crede di avere tutto il mondo davanti e va a vivere a Seoul per frequentare l’università con il sogno di specializzarsi in lingua francese. Vuole essere se stesso, libero nei suoi desideri e nelle sue passioni, vivendo in piena indipendenza la sua omosessualità. Tuttavia, non vuole essere visibile, convinto che non farsi notare è il modo migliore per non essere giudicato e condannato da una società che non riuscirebbe a capirlo.

Del resto, tutte le attenzioni in ambiente universitario sembrano catalizzate su Jae-hee (Kim Go-eun di “Goblin“, “The King: Eternal Monarch“, “Exhuma” e “Little Women“), una ragazza indipendente e disinibita, che, avendo vissuto in Francia per diversi anni, reca inconsapevolmente addosso la lettera scarlatta della diversità e del difficile adattamento in una società conservatrice. Tutti sembrano avere sempre l’obiettivo di seguire Jae-hee per, poi, parlare male di lei alle spalle: gli uomini convinti di poterci provare con lei, in quanto la reputazione da “europea” la rende immediatamente una conquista facile, le donne convinte di misurarsi con lei per far risaltare la sua immoralità e la loro purezza.

Poi, un giorno, in un locale di Itaewon, gli sguardi di Jae-hee e di Heung-soo si incrociano casualmente e in un attimo comprendono tutto l’una dell’altro, compreso quei segreti più nascosti che cercano di nascondere al mondo intero. Quando nella chat universitaria inizia a diffondersi la voce che il professore di letteratura francese frequenta un giovane allievo molto somigliante a Heung-soo, Jae-hee s’inventa di avere una relazione d’amore con Heung-soo, salvandolo dal giudizio sociale. Ed è così che, dopo quel primo sguardo casuale, inizia a crearsi tra loro una reciproca alleanza, quasi fossero una squadra di “diversi” e “disadattati”, per affrontare il mondo fuori.

Passano gli anni e trascorre l’età degli studi, Jae-hee inizia a lavorare in una corporation e sembra essersi sistemata nella sua vaghezza affettiva, ma, in realtà, ha semplicemente deciso di annullare se stessa per conformarsi a quello che la società impone: una brava ragazza anonima, con un posto di lavoro fisso e un fidanzato abusivo, che decide per lei e le impone la sua presenza e il suo volere. Heung-soo, nel frattempo, non ha ancora capito cosa vuole diventare, sentendosi errante in un mondo in cui vive come un fantasma: non ha terminato gli studi e fa lavori saltuari, ma ha una naturale disposizione per la scrittura, continua a vivere intensamente relazioni che il mondo bollerebbe come proibite, ma non riesce a legare con nessuno, autocondannandosi all’anonimato.

Se Jae-hee e Heung-soo non si fossero conosciuti e alleati all’università, forse sarebbero due continenti alla deriva sul magma in attesa di scontrarsi con altri continenti per provocare una scossa sismica, soli e isolati in un mondo caotico e rumoroso che non riesce a percepire il loro silenzio e il loro dolore. La loro alleanza, col tempo, è diventata un’amicizia unica ed esclusiva, un rapporto di fratellanza molto più solido ed empatico di qualsiasi altra relazione, non sottoposto a sotterfugi e a bugie. Jae-hee cerca di conformarsi alla società, Heung-soo prova, invece, a nascondersi: entrambi sanno, però, che possono essere se stessi solo insieme senza pregiudizi e senza condanne.

Jae-hee può ubriacarsi, tornare a casa di notte senza timore, andare a ballare da sola senza uomini, sentendosi libera come una donna che cresce e sbaglia, ma impara cosa vuol dire amare. Heung-soo può camminare a testa alta per strada, baciare altri uomini, urlare al mondo che non c’è nulla di strano ad essere differenti, sentendosi libero come un uomo che cresce e sbaglia, ma impara cosa vuol dire amare. Ed è, così, che, col tempo, realizzano che annullarsi è solo una sconfitta interiore, perché essere se stessi vuol dire non tenere in conto cosa dicono gli altri, ma agire secondo il cuore.

“L’amore è troppo astratto e difficile, ma la frase ‘voglio vederti’ è molto chiara”.

Il film è ispirato all’omonimo romanzo di Sang Young Park (tradotto in Italia come “Amore, Marlboro e mirtilli” ed edito da Rizzoli. Tuttavia, la regista E.oni, già fan del libro, ha deciso un adattamento cinematografico che si basasse solo sul racconto “Jae-hee“, preferendo concentrarsi di più sulla crescita dei protagonisti, su quell’età fatta di desiderio e confusione, in cui si sbaglia con entusiasmo “prima di dimenticarsi cosa vuol dire essere giovani”. La scelta particolare di E.oni ha portato una rilettura del romanzo quasi in chiave più intimista e indipendente (che ho particolarmente apprezzato), senza nulla togliere alle problematiche sociali sottese e alle difficoltà dei protagonisti nel far emergere se stessi in un contesto conservatore. Per questa ragione, non solo si è deciso di dare ancora più spazio ai dialoghi, scritti e recitati come in una commedia brillante, e brevi scene senza conversazioni a due, girate con una sensibilità incredibile e un tocco partecipe, ma sono stati inseriti anche elementi nuovi, non presenti nel romanzo. Un esempio proviene dalla scena in cui la madre di Heung-soo va a vedere al cinema il film “Chiamami col tuo nome” di Luca Guadagnino (tratto dall’omonimo romanzo di André Aciman) e inizia a comprendere, per la prima volta, l’animo tormentato del figlio e la sua sessualità.

Il film, che è stato presentato in anteprima al Toronto Indipendente Film Festival, ha ricevuto il plauso della critica e del pubblico, soprattutto per il gradimento nei confronti delle interpretazioni dei due attori protagonisti, Kim Go-eun e Noh Sang-hyun, candidati a numerosi premi tra il 2024 e il 2025 (tra gli altri, i prestigiosi Baeksang Arts Awards e Blue Dragon Film Awards) e vincitori di diversi riconoscimenti (Noh Sang-hyun ha vinto il premio come Best New Actor ai Blue Dragon Film Awards, mentre Kim Go-eun ha vinto come migliore interprete femminile al Buil Film Festival di Busan).

Diversamente, esiste anche una serie dal titolo “Love in the Big City“, interpretata da Nam Yoon-su e Lee Soo-kyung, che è basata interamente e fedelmente su tutto il contenuto del romanzo di Sang Young Park (che l’ha co-scritta e co-diretta) e che mostra una visione più centrata sul protagonista maschile – qui chiamato Go Young, mentre nel libro è Park Young -, concentrandosi sulla sua continua sofferenza nel percorso di auto-accettazione e affermazione.

Laura

Come suona la recensione?

Post in evidenza

Stranger Book Club: Lettere d’Autunno

Titolo originale: Popura no Aki, ポプラの秋

Autore: Yumoto Kazumi

Prima pubblicazione:1997

Casa editrice italiana: Atmosphere Libri – Asiasphere – traduz. di Maria Elena Tisi

Esistono delle storie che riescono ad unire sentimenti ed emozioni e a renderli universali. “Lettere d’autunno” è un romanzo di Yumoto Kazumi, autrice di molti romanzi e script radiofonici e televisivi.

La protagonista di “Lettere d’autunno” è Chiaki, un’infermiera, che, in un momento difficile della propria vita da adulta, ricorda alcuni attimi della sua infanzia, soprattutto dopo la telefonata della madre che la informa della morte della proprietaria della casa dove avevano trascorso alcuni anni durante l’infanzia di Chiaki.

La ragazza intraprende il viaggio per raggiungere la casa dell’anziana signora Yanagi, proprietaria della “Residenza del Pioppo”, per darle l’ultimo saluto. Durante il viaggio, Chiaki ripensa al tempo in cui con la sua mamma si erano trasferite in quella casa, lontana dalla sua memoria, ma ora vicina al suo cuore.

In seguito alla morte del padre, Chiaki e la madre si erano trasferite alla “Residenza del Pioppo”, una vecchia casa composta da quattro appartamenti con giardino davanti. La bambina, però, che non era ancora riuscita a superare l’idea della mancanza del padre e che viveva ogni giornata e ogni cambiamento, dalla nuova scuola alla nuova città, con forti ansie e stress, si era presto ammalata.

La madre di Chiaki aveva chiesto un congedo per occuparsi della figlia, ma in seguito, dovendo riprendere il lavoro, ormai rimasto l’unica fonte di guadagno, aveva lasciato la bambina nella casa della vicina, l’anziana proprietaria. Qui Chiaki, dopo un momento di tensione e di timore, era riuscita a socializzare con la signora e ad apprendere il suo segreto.

La signora le aveva raccontato, durante le loro conversazioni sull’esistenza umana e sul mondo, che la sua vita era legata ad un cassetto delle lettere. Quando il cassetto delle lettere della credenza di legno si sarebbe riempito, allora sarebbe stato il suo ultimo giorno di vita. Le lettere erano destinate alle persone defunte ed erano scritte da persone diverse che avevano perso un familiare o un amico e che, nonostante la perdita, non potevano fare a meno di rivolgere loro una propria parola, un pensiero, un’ultima lettera di addio.

La signora aveva il compito di custodire queste lettere e di portarle con sé nell’aldilà.

La bambina, inizialmente scettica, aveva dubitato della storia delle lettere, ma poi, attratta dal desiderio anche lei di poter scrivere al suo papà, aveva iniziato a consegnare alla signora le proprie lettere destinate al padre, quelle parole, quei pensieri che non era mai riuscita a dirgli durante la vita, ma che avrebbe voluto confidargli, se solo avesse avuto più tempo.

La piccola Chiaki sapeva che la signora aveva una grande responsabilità e che morire non significava sparire per sempre, perché anche nell’aldilà la signora avrebbe lavorato a rintracciare tutte le persone a cui erano destinate le lettere, così anche il suo papà aveva cambiato solamente mondo, ma non era sparito per sempre.

Chiaki, da adulta, è, invece, una giovane donna che ha ancora molte fragilità e paure e che si trova ad un bivio della sua vita dove dover decidere come andare avanti e cambiare. Motivata sempre di più a raggiungere la “Residenza del Pioppo”, una volta arrivata, riesce a immergersi nuovamente in quella atmosfera magica che l’aveva aiutata in un periodo difficile durante la sua infanzia e che ora certamente l’aiuterà a resistere e a trovare un motivo per riemergere.

In quella casa della sua infanzia trova moltissime persone, amici, parenti e tutte quelle persone che avevano condiviso con la signora Yanagi quel segreto, quelle lettere che le avevano affidato durante la vita e che ora lei avrebbe potuto consegnare ai destinatari nella sua nuova casa.

Quanto il ricordo di una persona cara può essere importante per la nostra esistenza? Quanto una lettera può essere un segno di speranza, un affidare una parola, un pensiero, un sogno?

Un viaggio indietro nel tempo, nei ricordi che sono stati una carezza, una cura in un periodo della propria vita e che possono essere ancora speranza e terapia per qualsiasi altro periodo di conflittualità e crisi, perché i dolci ricordi non hanno tempo, ma hanno il dono di curare le ferite dell’anima e Chiaki lo realizza proprio in età adulta.

E poi c’è quel pioppo nel giardino. Il pioppo che in ogni cultura del mondo ha un significato molto importante, un albero legato alla protezione, ma anche alla morte e alla vita nella morte, un collegamento all’altra dimensione, il confine tra la terra e il cielo, come quelle lettere affidate alla signora Yanagi.

Un romanzo molto intenso, scritto con grazia e sensibilità da un’autrice giapponese conosciuta per la sua delicatezza nell’affrontare tematiche difficili ed emotivamente incisive, come il bullismo nel suo “Amici”, il dolore e il lutto nel suo “Viaggio verso la riva”, che ha ispirato il regista Kiyoshi Kurosawa per il film, “Journey To the Shore”.

«Mi infilai nel letto e chiusi gli occhi con serenità. In quel momento alle mie orecchie giunse il fruscio delle foglie del pioppo che mi invitavano: “Parla con noi…parla con noi…”. Capii subito che quello era il suono dell’autunno, piacevolmente secco, e che naturalmente non era qualcosa che veniva dall’esterno».

Grazia

Post in evidenza

Trigger (ovvero del bene, del male, della scelta)

“I preti dissero che potevamo diventare poliziotti o criminali. Quando hai davanti una pistola carica, qual è la differenza?”

(dal film “The Departed – Il bene e il male”)

Titolo originale: 트리거, Teurigeo (conosciuto anche come “The Other Side of the Gun”)

Scritto e diretto da: Kwon Oh-seung

Cast: Kim Nam-gil, Kim Young-kwang, Park Hoon, Gil Hae-yeon, Kim Won-hae, Won Ji-hyun, Jang Dong-ju, Jo Han-chul

Genere: drama/ crime/ thriller

Corea del Sud, 2025 – kdrama 10 episodi

Esiste un termine nel dizionario inglese che, attualmente, assume tanti e complicati significati e definizioni, che variano dal campo tecnologico di base a quello medico, fino ad assumere aspetti di rilevanza psicologica. Il termine in questione è “trigger”, che, nato per definire semplicemente il grilletto di un’arma da sparo o qualsiasi altro mezzo che identifichi la levetta d’azione di tale arma, rappresenta, in modo generale, qualsiasi segnale di comando e/o di scatto di un meccanismo, materiale o meno, identificabile anche, in senso figurato, come uno stimolo qualsiasi – interno o anche esterno – capace di attivare una “leva” dell’organismo e/o della sua emotività, tale da far “scattare” una reazione conseguente e immediata, spesso intenso proprio dal punto di vista emotivo, perché fa capo ad un malessere psicologico accumulato e sedimentato nel tempo e spesso a condizioni traumatiche vissute nel passato dal soggetto, destinate ad esplodere e a deflagrare al verificarsi di uno stimolo che ne richiami la memoria.

Se ognuno può avere un ipotetico “trigger” diversificato, che può portare a far emergere le ansie e i traumi sepolti nel profondo dell’inconscio, esiste un “trigger” comune e condiviso, che, possibilmente diffuso tra diversi soggetti distanti, può far scattare una reazione simile, intensa e terribile nel suo parossismo di dolore?

Questa è la domanda di fondo a cui la serie tv coreana “Trigger” cerca di dare una risposta, creando una costruzione di fondo semi-ucronica, dove distopie letterarie e realtà attuale si intersecano sul piano psicologico, mettendo a confronto due grandissimi protagonisti, che sembrano quasi agli antipodi tra loro, ma la cui esistenza è frutto di un comune dolore, che ha preso vie separate di fronte a stimoli emotivi simili, eppure così distanti: entrambi di fronte ad una pistola carica come soluzione delle proprie sofferenze, ma ognuno calato in un contesto umano talmente diverso da diventare la vera variabile che ne condiziona le conseguenze.

Perché “la vera domanda non è come si spara, ma chi ha scelto di prendere la pistola“.

Lee Do (Kim Nam-gil di “The Fiery Priest” e “Song of the Bandits“) è un ex cecchino delle forze speciali dell’esercito. Dopo una serie di missioni pericolose su scenari di guerra e di terrorismo, che lo hanno visto costretto a premere più volte il grilletto nei confronti di persone ignote sulla base di una vaga presunzione di pericolosità, ha lasciato l’esercito per arruolarsi in polizia, seguendo le orme del suo vecchio mentore Jo Hyeon-sik (Kim Won-hae di “Youth of May“, “Strong Woman Do Bong-soon” e molti altri), l’unico che conosce la sua dolorosa infanzia e che lo ha salvato dal baratro del dolore.

Lee Do è un agente di polizia modello, responsabile, umano e compassionevole, che, però, evita di utilizzare armi, considerate da lui come il vero male della società, il mezzo in grado di corrompere l’umanità e di trascinarla verso azioni sconsiderate. Del resto, anche l’ordinamento sudcoreano sembra dargli ragione, prevedendo delle disposizioni molto restrittive per regolamentare l’utilizzo e la diffusione delle armi da fuoco.

Moon Baek (Kim Young-kwang di “Evilline” e “Hello Me“) è un uomo strano e, in apparenza esuberante, che nasconde un continuo dolore nel fisico e nell’anima. Nato senza un nome e senza genitori, abbandonato per strada e destinato al mercato nero degli organi, la sua esistenza è sempre stata segnata dall’oblio e dall’oscurità, fino a diventare un trafficante di armi con il fisico segnato da un cancro all’ultimo stadio. Ed è così che è riemerso, figlio dell’odio, in un mondo segnato da un male irreparabile, che, col tempo, si è visto deciso a far sprofondare nella stessa oscurità che gli umani hanno creato.

Per Moon Baek, gli esseri umani sono nati nel male e condannati al male, parte di un vortice di violenza che continuano a creare con le loro stesse mani, senza alcuna risoluzione. Nella sua condanna verso il mondo e la società che lo hanno distrutto, decide di provare cosa la natura corruttibile dell’animo umano può fare e di liberare chi ha sofferto dall’ingiustizia per creare un mondo più giusto, fatto di risposte automatiche e violente in grado di anestetizzare il dolore. Moon Baek, infatti, nel suo ragionamento contorto, si chiede cosa potrebbe accadere se tutti avessero un’arma per rispondere ai soprusi subiti e potessero premere, prima o poi, quel grilletto in grado di liberare il proprio animo dall’oppressione e dall’angoscia dei dolori e dei traumi accumulati.

Improvvisamente, però, un uomo entra in un goshiwon (gli stabili che affittano mini appartamenti a basso costo e senza caparra cauzionale) e apre il fuoco su persone ignote, colpevoli di avergli causato fastidio e oppressione in diversi momenti della sua vita. L’uomo si presenta come Yoo Jung-tae (Won Ji-hyun di “Mouse“), un ragazzo che da anni studiava senza successo per il concorso pubblico e che, abitando in quel goshiwon da tempo, aveva avuto poco prima una discussione con il vicino di casa. Yoo Jung-tae sembra inoffensivo in apparenza, eppure è stato capace di una violenza folle e sconsiderata, che non ha fatto distinzioni tra le vittime incontrate e crivellate di colpi, in un evidente perdita di lucidità e di stabilità emotiva e psicologica. Quello che la polizia non si spiega è come sia stato possibile per un comune cittadino venire in possesso facilmente di armi e munizioni, ma la spiegazione di Jung-tae sembra nebulosa: qualcuno gli ha inviato le armi gratuitamente, dopo avergli domandato se ne avesse bisogno.

Mentre la pista delle armi conduce Lee Do da uno scenario di strage ad un altro, con una moltiplicazione di casi di sparatorie, Lee Do e Moon Baek si incrociano inevitabilmente nei loro destini che varcano il confine tra il buio e la luce.

Ma qual è la differenza tra l’uomo che cerca di espiare il dolore del suo passato, rincorrendo le armi e l’uomo che cerca di diffondere il dolore provato, distribuendo armi?

Lee Do e Moon Baek sono entrambi prodotto della stessa società di dolore e di paura. Solo che, mentre il primo ha scelto l’umanità e la luce, il secondo non è riuscito ad uscire da quel baratro di violenza a cui continua ogni giorno a condannarsi, entrambi affetti da un’empatia orientata in modo diverso, introflessa quella di Lee Do, che comprende le sofferenze altrui e se ne fa carico attraverso il dono della compassione, che lo ha aiutato a superare i traumi passati, estroflessa quella di Moon Baek, che, nel comprendere la natura del dolore altrui, trasla su di esso anche la rabbia proveniente dal proprio dolore, dimostrando un trauma mai superato e travisando il concetto stesso di compassione. “Cum patire” non vuol dire dispiacersi per il dolore degli altri, ma entrare in stretta connessione emotiva, vivendo insieme lo stesso dolore per cercare di superarlo e trovando un comune sentire e una corrispondenza di emozioni. Lee Do isola gli aspetti positivi del dolore per “patirlo” nuovamente insieme a coloro che vede soffrire, entrando in relazione emotiva e psicologica con loro, senza lasciarli soli e senza farli sprofondare nel baratro dell’odio. Al contrario, Moon Baek cerca di travolgere gli altri con la sua onda di odio, non per liberare dal dolore, ma per portare gli altri a soffrire la sua stessa sofferenza, incastrandoli in una trappola psicologica, da cui non riesce a fuoriuscire.

Accanto alla storia principale, che sembra riecheggiare “Heat – La sfida” nello scontro titanico tra i due protagonisti, sussistono una serie di storie collaterali ad incastro, che forniscono la vera base su cui si muovono Lee Do e Moon Baek: storie piccole, fatte di dolore e di ingiustizia, ma anche di tanta umanità, interpretate in modo straordinario. Si va dalla storia della figlia del capitano Jo Hyeon-sik, vittima di truffa e spinta al suicidio, alla commovente vicenda di Oh Kyung-sook (Gil Hae-yeon di “Something in the Rain” e “One Spring Night“), una madre che chiede giustizia per il figlio, morto in un incidente di lavoro, dai due adolescenti vittime di bullismo che meditano di vendicarsi punendo i propri aguzzini (Park Yoon-ho e Son Bo-seung), all’infermiera che subisce soprusi al lavoro dalle colleghe (Kang Chae-young di “Jeongnyeon: The Star is Born“), fino ad addentrarsi anche nella storia di faide tra gruppi della criminalità organizzata (su cui spiccano le interpretazioni di Park Hoon, Ahn Se-ho e Park Kwang-jae).

“Trigger” scatena numerose disquisizioni su cos’è il male e come gestire le reazioni al dolore, ponendo lo spettatore di fronte ad un’annosa domanda sull’origine del bene e del male e sul perché la violenza sembra determinare il mondo, attraverso una critica sociale che va a toccare anche questioni metafisiche e morali. Per questo motivo, la serie, nonostante il ban ai minori di 18 anni (rating dovuto all’utilizzo delle armi) si è rivelata uno dei prodotti più interessanti del 2025, solo falsamente costruita come un webtoon thriller, ma, nella realtà, nata dalla creatività produttiva di Kwon Oh-seung, che aveva già creato il film thriller “Midnight” (2021), con un inedito Wi Ha-joon e Jin Ki-joo.

Avverto: non è un prodotto di semplice visione, considerato l’utilizzo di armi, la violenza, ma soprattutto le situazioni di sofferenza emotiva ritratte, che travolgono totalmente lo spettatore. Si rimane quasi trafitti dalle urla silenziose dei protagonisti, assordati dal rumore dei fischi successivi agli spari, intorpiditi dalla nebbia e dalla polvere delle esplosioni e svuotati dalle emozioni altrui. E si piange molto.

Laura

Come suona la recensione?

Post in evidenza

The Witch’s Diner

“E se potessimo prevedere tutto? Se le persone potessero fermare i loro sentimenti a piacimento, se potessero controllare i loro sentimenti, sarebbe il paradiso o il tormento?”

Titolo originale: The Witch’s Diner, 마녀식당으로 오세요, Come to the Witch’s Restaurant, Manyeosigdangeulo Oseyo

Regia: So Jae-hyun, Lee Soo-hyun

Sceneggiatura: Lee Young Sook

Cast: Song Ji-hyo, Nam Ji-hyun, Chae Jong-hyeop, So Hee-jung, Kim Yong-goo, Yoon Da- young, Lee Joo-sil, Kang Ki-dong, Ahn Eun-jin, Han Ji-eun, Baek Sung-chul, Shin Joo-hyup, Choi Sung-jae, Yoon Ji-on, Im Won-hee

Genere: Fantasy, Mystery, Supernatural

kdrama, 2021- 8 episodi

“Ci sono cose che esistono, ma non si vedono. Sono anche cose visibili che si presume non esistano”.

Con questa frase si presenta la strega Jo Hee-ra alla protagonista Jeong Jin e con questa affermazione ci immergiamo nell’atmosfera fantasy con tocchi horror e gotici della serie “The Witch’s Diner”.

Ispirato all’omonimo romanzo di Go Sang-hee, “The Witch’s Diner” tratta tematiche quali la vendetta, il bullismo, la vanità, l’orgoglio e il perdono in chiave fantasy, ma è anche un invito alla riflessione in ognuno degli otto episodi.

La storia ha inizio con Jeong Jin (Nam Ji-hyun, “Suspicious Partner”, “Little Women”) che vive con la madre Seo Ae-sook (So Hee-jung,”Twenty-Five Twenty-One”), mentre il padre è ricoverato in una casa di cura per problemi di salute.

Ae-sook gestisce un ristorante con tanta cura e dedizione, ma ad un certo punto il suo lavoro inizia a diradare, anche il suo chef chiede un periodo di congedo e la donna pensa di prendere qualche giorno per recarsi dal marito. Qualche giorno dopo Jeong Jin, insieme alla madre Ae-sook, scoprono che un’amica di Ae-sook ha aperto un altro ristorante di fronte al loro che prepara gli stessi piatti e ha anche assunto i dipendenti del loro ristorante, compreso lo chef.

In un tentativo disperato di entrare nel nuovo ristorante per chiedere il motivo di questo comportamento di concorrenza sleale, viene chiamata la polizia e Jeong Jin si reca al distretto per denunciare invano questo atto spiacevole. Qui vede che sono stati fermati alcuni giovani, per pestaggio e atti di violenza, tra loro c’è Lee Gil-yong (Chae Jong-hyeop, “Eye Love You”, “Sisyphus: the Myth”, “Serendipity’s Embrace”) che ha tentato di difendere un compagno di scuola da un grave pestaggio, ma che è stato ingiustamente vittima di una incomprensione, mentre chi ha iniziato la rissa è stato liberato. Jeong Jin, che in quel momento è presa da un attimo di rabbia, vedendo attorno a sé l’ennesima ingiustizia, cerca di difendere il ragazzo.

Il giorno dopo, Jin e la madre mettono in vendita il ristorante e, mentre nel silenzio della sera la ragazza è seduta da sola nel locale, si presenta un’acquirente per il ristorante, Jo Hee-ra (interpretata da una magnifica Song Ji-hyo, “Was it Love?”), ovvero una strega che cucina dei piatti magici che esaudiscono dei desideri.

Jin è confusa all’inizio, poi la strega la invita a metterla alla prova, e a scegliere un desiderio da far avverare, cucinerà per lei un pasto che, una volta consumato, porterà alla realizzazione di quel desiderio.

Jin accetta la proposta della strega, firma un contratto con lei e decide di restare come co-proprietaria del locale, ma, nel momento in cui esprime un desiderio e consuma il pasto cucinato dalla strega, si rende conto della gravità della azione, di quanto la sua rabbia e sete di vendetta abbia contribuito a delle scelte dai risvolti drammatici che non immaginava nemmeno lei, perché nella vita tutto ha un prezzo e la strega esaudisce i desideri in cambio di qualcosa.

“Alcune decisioni cambiano totalmente le nostre vite. Non ci accorgiamo fino a quel momento che tutte le decisioni di questo mondo hanno un prezzo”.

Il “Witch’s Diner”, però, prende vita, soprattutto la sera e il locale ospita ogni volta una persona che ha bisogno di esprimere un desiderio. La strega, accompagnata dal suo collaboratore Ceo Oh (Kim Yong-goo, “Tale of the Nine Taled”) invita l’ospite ad esprimere un desiderio mentre lei cucina una pietanza che, una volta consumata, darà vita alla realizzazione del desiderio e al conseguente effetto.

Nel frattempo, le vite di Jeong Jin e di Lee Gil-yong si incrociano nuovamente. Il ragazzo, aspirante stella della atletica leggera, dopo un infortunio grave e dopo l’ultima esperienza drammatica per aver difeso il compagno di classe vittima di bullismo, si ritira da scuola e si propone come aiutante part time alla locanda della strega. Qui, insieme a Jin, vivrà pienamente ogni evento e ogni storia dei clienti del locale.

Molte guest star e camei d’eccezione che interpretano i clienti del Witch’s Diner, tra i più importanti, Kang Ki-dong (“The King: Eternal Monarch”, “Romance is a Bonus Book”, “It’s Okay to Not Be Okay”) nel ruolo di Bae Yoon-ki, un disoccupato laureato e disperato perché ogni suo colloquio lavorativo è un fallimento, non riesce a trovare nemmeno un lavoro part time e fa fatica a mantenersi. Personalmente è uno dei personaggi che mi ha più colpito, bravissimo nel suo ruolo e nella drammaticità della sua storia.

Ahn Eun-jin (“A Good Bad Mother”) che interpreta Jin Sun-mi, una attrice di musical che sta avendo successo, ma che teme di perdere l’affetto del suo fidanzato Ahn Seong-ho (Yoon Ji-on, “Love Next Door”) soprattutto quando lo vede in compagnia di un’altra donna.

La compianta Lee Joo-sil (“Squid Game 2”) che interpreta Lee Bok-nan, una madre che preferisce sacrificare la propria salute per la felicità del figlio Goo Hyo-sik (Im Won-hee, “Wok of Love”) che è solo e senza affetti.

Han Ji-eun (“Bad and Crazy”, “Lovestruck in the City”), nel ruolo di una scrittrice disperata in crisi di ispirazione.

Infine, il rapporto tra la strega Jo Hee-ra, interpretata da una intensa e misteriosa Song Ji-hyo, e la giovane Jeong Jin, una sempre brava Nam Ji-hyun. Entrambe hanno in comune più di quanto lo spettatore possa immaginare all’inizio, qualcosa che ha a che fare con una maledizione generazionale.

“The Witch’s Diner” è una serie quasi priva di humour, ma ben fatta perché fa riflettere su diverse tematiche e su come le maledizioni e le vendette possano rovinare e cambiare la vita delle persone, su come ogni azione abbia una conseguenza, ma sopra ogni cosa, c’è la libertà decisionale delle persone.

Ci sono diverse strade in ogni percorso della vita. La vita è sempre un processo di creazioni che possono essere decisioni semplici o banali oppure importanti.

—————————————————————————–

“Più ci credi e desideri, più è probabile che si avveri. Tale magia esiste, La tua vita non fa eccezione. Quindi, se sei per strada e ti imbatti in una trattoria di streghe, entra senza esitazione. Un ristorante dove ogni desiderio si avvera”.

Grazia

Come suona la recensione?

Post in evidenza

Demon Slayer – Infinity Castle (part 1)

“Ciò che resta alla fine è solo il vuoto”.

Titolo originale: Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba – The Movie: Infinity Castle, 劇場版「鬼滅の刃」無限城編, Gekijō-ban Kimetsu no Yaiba: Mugen Jō-hen

Regia: Haruo Sotozaki

Scritto e prodotto da: Ufotable

Basato sul manga “Demon Slayer – Kimetsu no Yaiba” di Koyoharu Gotouge

Genere: dark fantasy, mystery, action

Film anime, Giappone, 2025

Se siete qui, è perché, tempo fa (non importa quando), avete iniziato la visione (e/o la lettura) di quello che, inaspettatamente, in poco tempo, è diventato uno degli anime/manga più amati in assoluto dagli appassionati del genere (e non solo).

Se siete qui, è perché avete seguito Tanjiro e sorella Nezuko nelle loro vicende dolorose e avete amato il loro legame fraterno; avete sofferto con loro, quando la famiglia è stata sterminata dai demoni e avete sempre saputo che Nezuko era in grado di conservare la sua umanità, pur nella trasformazione demoniaca, con il supporto costante del fratello Tanjiro; avete viaggiato e combattuto con loro, vi siete allenati per diventare cacciatori di demoni e avete conosciuto tanti personaggi, che, col tempo, sono diventati amici e compagni fidati, come Inosuke e Zenitsu, maestri di vita, come i pilastri Kyojuro Rengoku e Tengen Uzui, modelli da seguire, come Gyu Tomioka; avete incontrato alleati importanti, siete stati addestrati dai Pilastri e avete affrontato nemici terribili.

Se siete qui, è perché avete vissuto tutti gli archi temporali della prima stagione di “Demon Slayer“, avete affrontato il mondo dei sogni in “Demon Slayer – Mugen Train Arc” e i rancori di un doloroso passato in “Demon Slayer – Entertainment Distric Arc“, avete salvato un villaggio di forgiatori di spade in “Demon Slayer – The Swordsmith Village Arc” e siete sopravvissuti al terribile allenamento dei pilastri per la battaglia finale in “Demon Slayer – Hashira Training Arc“.

Ma, soprattutto, se siete qui, è perché non temete né il fatto che il capitolo finale della saga, “Infinity Castle Arc” (in traduzione italiana, “Il castello dell’infinito“), non avrà una sere animata, ma sarà illustrato in una trilogia di film cinematografici, che si concluderanno nel 2029, né quella frase di avvertimento che ha messo tutti sulla difensiva: “Alla fine, moriranno tutti“.

Benvenuti nel primo film cinematografico che vede i nostri sprofondare nel catello dell’infinito (modellato sulla base visiva de “La città incantata” di Hayao Miyazaki), dominio di Muzan Kibutsuji e della sua popolazione di demoni, tra cui le terribili Lune Crescenti. Il film anime, che è stato ricostruito in modo eccezionale, con al Ufotable che è riuscita ad unire disegni a mano, animazione in 2D ed effetti in CGI senza alcuna sbavatura tecnica, è anche stato un successo incredibile al botteghino in tutto il mondo: solo in Giappone ha incassato più di 237 milioni di yen (uno degli incassi più alti di sempre per una pellicola d’animazione), mentre in tutto il mondo ha guadagnato più di 600 milioni di dollari, diventando il primo film giapponese a superare la soglia e il film anime con il migliore incasso di sempre.

ATTENZIONE! Ogni spoiler presente di seguito è stato ritenuto necessario.

“Continua a stare dritto e orgoglioso, non importa quanto tu ti senta debole e poco degno. Accendi il tuo cuore, stringi i denti e vai avanti”.

Con queste parole del compianto Kyojuro Rengoku, il Pilastro del Fuoco, assente, eppure mai così presente nei ricordi e nella memoria, immaginiamo che Tanjiro discenda nel dominio di Muzan insieme ai Pilastri e a tutti gli altri cacciatori di demoni richiamati appositamente dal capofamiglia Kagaya Ubuyashiki, morto nell’esplosione della sua dimora insieme alla moglie, Amane, e alle figlie, Hinaki e Nichika. Una volta toccato il terreno, i nostri iniziano a dividersi in diverse direzioni per cacciare quanti più demoni possibile, ma anche per tracciare una mappa del castello dell’infinito da comunicare all’erede della famiglia Ubuyashiki, Kiriya – coadiuvato dai corvi della famiglia Ubuyashiki e dalle sorelle superstiti. Mentre Inosuke e alcuni giovani cacciatori capitano subito ad affrontare schiere di demoni, e Mitsuri Kanroji, il Pilastro dell’Amore, e Obani Iguro, il Pilastro del Serpente, capitano ad affrontare altre schiere di demoni, la storia segue tre linee narrative parallele.

===================

La prima linea narrativa vede Shinobu Kocho, il Pilastro dell’Insetto, in un luogo del castello che sembra sospeso nel tempo, come un giardino circondato da fiori di loto, avvelenato dalla presenza tossica di Doma, la demoniaca Seconda Luna Crescente. Doma è mellifluo, nichilista ed egocentrico, ha un concetto di compassione completamente travisato e mancante di qualsiasi umanità empatica. Cresciuto come un bellissimo bambino con la luce dell’arcobaleno degli occhi, come se fosse un dono delle divinità, Doma è sempre stato convinto da tutti di essere speciale e di avere un legame speciale con la dimensione divina; per questo motivo, i suoi genitori fondarono un culto misterico intorno alla sua luminosa ed inquietante presenza, convinti dei messaggi divini ricevuti da Doma, che, nella realtà, erano messaggi demoniaci. Alla morte dei genitori, Doma ha preso le redini del proprio culto e, trasformato da Muzan in un demone, ha iniziato a nutrirsi dei suoi adepti, convincendoli di premiarli con la vita eterna all’interno del suo corpo.

Doma è molto più pericoloso rispetto a quanto il suo aspetto magico e perfetto possa fare immaginare e Shinobu lo sa bene, visto che lo riconosce immediatamente come il responsabile della morte della sorella maggiore, Kanae, il Pilastro dei Fiori. Shinobu non ha fisicamente la resistenza della sorella, ma, nel suo aspetto esile e minuto, nasconde una grandissima e cocciuta forza di resilienza, oltre ad un incredibile abilità di mescolare veleni. La sua spada sottile non è in grado di decapitare demoni, ma si carica dei veleni che Shinobu mesce immediatamente nella sua fodera, in modo da avvelenare gli avversari, rendendoli vulnerabili e lenti, per riuscire a sopraffarli. Per Doma i veleni sembrano inutili, visto che il suo organismo si rigenera velocemente, ma, al tempo stesso, la sua malvagità rimane incantata ad ammirare una guerriera veloce e determinata come Shinobu, tanto da considerare un grave crimine ucciderla. Shinobu sa che i suoi momenti sono contati, ferita gravemente dal duello, con i polmoni ghiacciati dall’ambiente creato dal demone e priva di forze per sconfiggerlo, ma sa anche che deve resistere fino all’arrivo della sua allieva Kanao Tsuyuri. Allora, si avvelena e si lascia assorbire da Doma.

===========

La seconda linea narrativa segue Zenitsu Agatsuma, che, trovatosi da solo nel castello dell’infinito, separato dagli altri compagni, s’imbatte in Kaigaku, nuova Sesta Luna Crescente, dopo la morte dei gemelli Daki e Gyutaro. Kaigaku, in realtà, è un giovane demone con un passato da cacciatore di demoni e da allievo del nonno di Zenitsu, Jigoro. Non si trattava di un allievo qualsiasi, ma del migliore allievo della tradizione del fulmine, l’unico ad avere appreso tutte le respirazioni del fulmine, tranne la prima. Però, quando Jigoro lo aveva nominato suo erede, aveva imposto la presenza del nipote Zenitsu sullo stesso grado, anche se, di fatto, Zenitsu aveva appreso solo la prima respirazione del fulmine, non riuscendo nella pratica delle altre. Da quel momento, il carattere scontroso e cupo di Kaigaku aveva conosciuto l’ira più profonda: convinto di essere più meritevole e di dover eccellere su tutti, non solo non riusciva a capacitarsi del motivo per cui gli era stato richiesto di condividere il potere con Zenitsu, ma si era lasciato consumare completamente dall’invidia. Così, la sua strada si è divisa da quella dei cacciatori di demoni nel momento in cui Kaigaku ha deciso di tradire il suo dojo e la sua famiglia e di farsi trasformare in demone di Kokushibo, la Prima Luna Crescente.

Zenitsu è giudicato debole, pigro, pauroso e impacciato e, pertanto, sottovalutato da Kaigaku, che vede il loro confronto più come una sfida personale che come un episodio della grande battaglia tra demoni e cacciatori. Ed è forse proprio questo suo atteggiamento e questa sua boria, che continua a brillare nell’invidia, che non gli permettono di vedere la crescita reale di Zenitsu. Perché, se è vero che la paura è un super potere, Zenitsu ha imparato da tempo a comprenderla e ad indirizzarla per proteggere coloro che gli sono cari. Inoltre, la forza di Kaigaku è pura e bruta, spesso incontrollata, anche se gestita sulla base di tutte le tecniche di combattimento che ha appreso, ma manca totalmente della lealtà che caratterizza Zenitsu e che va al di là del mondo reale, coprendo anche la memoria di coloro che non ci sono più (come il nonno). Per cui avere appreso solo la prima respirazione del fulmine e saperla applicare bene, come avrebbe voluto suo nonno, si rivela fondamentale per usarla con costanza, parare i colpi dell’avversario e, poi, finirlo con la settima respirazione, una tecnica inventata personalmente.

======

La terza linea narrativa segue Tanjiro Kamado e Gyu Tomioka, il Pilastro dell’Acqua, insieme nella corsa all’interno del castello dell’infinito, i quali si trovano davanti il temibile Akaza, la Terza Luna Crescente, colui che ha sconfitto e ucciso Kyojuro Rengoku al termine del “Mugen Train Arc”. Ed è la linea narrativa più intensa e più inaspettata, non solo perché vedere Tanjiro a fianco di Gyu Tomioka ricorda sempre gli inizi della saga e l’inizio del cammino di Tanjiro per diventare un cacciatore di demoni, ma anche perché Akaza è un nemico terribile, potente nei suoi colpi ben assestati, strategico e intelligente, praticamente quasi impossibile da uccidere. Inoltre, la storia si addentra nel rivelare le origini di Akaza, che, nella vita, si chiamava Hakuji ed era stato marchiato già da ragazzino come un ladro.

Hakuji è cresciuto in un mondo terribile, duro e violento, che vedeva la povertà come una colpa e lasciava morire i più deboli, come suo padre, affetto da una grave malattia, per cui nessuno in famiglia era in grado di comprare le medicine e il cibo necessari. Solo Hakuji tentava di provvedere ai bisogni della famiglia, compiendo furti, per i quali veniva ripetutamente punito (da qui i suoi tatuaggi ai polsi) dai magistrati locali, incapaci di interessarsi al suo dramma umano. Morto il padre, suicidatosi per la vergogna di un figlio ladro, e bandito dalla città, Hakuji era stato accolto da Keizo, un maestro di arti marziali con un dojo sguarnito di allievi. Keizo gli aveva offerto una dimora e del lavoro, badando alla figlia malata, Koyuki, e alla sua casa e imparando ogni giorno la sua nuova arte marziale, in grado di superare quelle conosciute finora, ma non in grado di diffondersi, a causa dell’opposizione di un dojo di spadaccini attiguo. Col passare degli anni, la salute di Koyuki migliorava, così come l’animo agitato di Hakuji, che iniziava a comprendere la bellezza della vita e a liberarsi dal dolore e dalla tristezza, avvicinandosi sempre di più a Koyuki. Keizo, che aveva notato i sentimenti dei due giovani e considerava già Hakuji come un figlio, aveva, dunque, deciso di permettere loro il matrimonio, consolidando la nuova famiglia in nuovo clima di speranza per il futuro. Alla vigilia delle nozze, però, approfittando di un allontanamento momentaneo di Hakuji, gli spadaccini del dojo rivale avevano avvelenato il pozzo, uccidendo Keizo e Koyuki e, con loro, tutti i sentimenti e i ricordi positivi di Hakuji.

La sua trasformazione in demone risale, infatti, a quel momento, ovvero a quando, Hakuji, accecato dal dolore e dalla voglia di vendetta, aveva sterminato i colpevoli del doppio omicidio a mani nude, in una carneficina terribile che aveva annientato per sempre il dojo rivale, ma anche se stesso: è da quel terribile dolore che Hakuji si priva del tutto della sua umanità e dei suoi ricordi, accettando di diventare Akaza e di trasformarsi in un demone, il cui obiettivo è essere potente e terribile, ottenere sempre più forza e migliorare nella lotta, in modo da diventare quasi immortale, impossibile da uccidere, perché disgustato dalla debolezza in cui era vissuto.

La sua mente, in realtà, è rimasta incastrata sempre in quel giro di dolore e di ingiustizia che lo ha ossessionato, per cui nessun umano ha mai provato compassione ed empatia per lui e per la sua famiglia e, quindi, tutti gli umani devono essere annientati. Akaza non accetta di essere stato un umano, perché riflette sull’umanità solo gli aspetti negativi della sua esistenza mortale, sopprimendo volontariamente tutti quei momenti unici di gioia e serenità che lo avevano salvato dal baratro. Akaza sa di essere tornato nel baratro più oscuro del suo inconscio, ma vuole costantemente viverci e si attacca alla sua nuova esistenza demoniaca e alla sua accettazione del Male, per non permettersi più di soffrire, anestetizzando il dolore con la crudeltà e la malvagità imposta, non riconoscendo il vecchio se stesso se non come un debole soggetto dell’oppressione altrui.

La battaglia con Tanjiro si svolge su due diversi piani: uno, quello reale della dimensione fisica, in cui le forze dei contendenti si confrontano e di affrontano a suon di colpi di mani e di fendenti di spada; un altro, quello della dimensione psicologica, in cui entrambi ricorrono al recupero – volente o nolente – della memoria emotiva di se stessi. Se questo secondo piano è sempre stato deliberatamente la vera arma vincente di Tanjiro, capace di risalire ai ricordi passati per fortificarsi nel presente, ma anche capace di indurre nei suoi contendenti questa ricerca emozionale di se stessi, mettendoli di fronte alla propria coscienza, per Akaza si rivela essere il suo volontario epilogo e la sua nuova accettazione del dolore, perché in esso non solo trova la sua umanità perduta, ma anche le emozioni e i sentimenti che ha deciso di cancellare e, con essi, i ricordi delle persone amate.

Akaza non è destinato ad essere ucciso come un demone qualsiasi, ma non è nemmeno destinato ad eseguire il piano di demoni superiori di cui ha accettato solo il dono della potenza: è un personaggio a sé, fuori dal comune, tragicamente shakespeariano, che si trova ripercorre la sua vita come se riavvolgesse una pellicola, si guarda, si giudica e si libera nella sua auto-punizione finale. Condannato a rigenerarsi nell’oblio della memoria, sceglie l’oblio della sua fisicità e della sua vita nel recupero della sua memoria.

E, in questo, si rivela essere uno dei personaggi più drammatici e più incredibile dell’universo dell’animazione, oltre che il vero grande responsabile dei fiumi di lacrime versati dagli spettatori in sala.

“Non sei nato come un mostro”.

Laura

Come suona la recensione?

Post in evidenza

Alice in Borderland 3 (ovvero del confine della vita)

“Una volta che superi quella linea, non c’è più possibilità di tornare indietro”.

Titolo originale: 今際の国のアリス, Imawa no kuni no Arisu

Regia: Shinsuke Sato

Sceneggiatura: Yoshiki Watabe, Yasuko Kuramitsu, Shinsuke Sato

Soggetto: Haro Aso

Cast: Kento Yamazaki, Tao Tsuchiya, Kento Kaku, Tina Tamashiro, Hayato Isomura, Ayaka Miyoshi, Koji Ohkura, Riisa Sudou, Hiroyuki Ikeuchi, Kotaro Daigo, Hyunri, Sakura Kiryu, Akana Ikeda

Genere: sci-fi, action, thriller, distopico

J-drama, 2025 – 6 episodi

Se siete qui, è perché avete visto – e quasi divorato – gli episodi della prima e della seconda stagione di “Alice in Borderland” e sapevate già che quella carta da Joker lasciata intravedere nel finale aveva preparato il terreno per una terza stagione e, magari, nell’attesa avete cercato tutte le teorie plausibili sul Borderland, recuperando il manga e temendo tutti i possibili sviluppi che un sequel prodotto da Netflix avrebbe potuto generare, ma, alla fine, fidandovi, fino in fondo, come Arisu con i suoi compagni di un viaggio ignoto nella psiche, in quel mondo che va al di là della vita e che sembra sorgere dall’interno di noi stessi, eppure con la speranza che un futuro sia sempre possibile. Oppure, se siete qui, potete anche essere semplicemente incuriositi da una saga che, partita in sordina, è riuscita a mantenere sempre la sua originalità e i suoi caratteri tipicamente nipponici, senza cedere nemmeno a troppe divulgazioni pubblicitarie e non sapete ancora se intraprendere o meno una visione che considerate impegnativa. Però, siete arrivati fino a qui e, chiudendo il capitolo di tutti gli avvenimenti che hanno portato i personaggi delle prime due stagioni a ritrovarsi e, poi, ad evadere dal Borderland, superando i primi due livelli di game (quello delle carte e dei semi da gioco e quello delle figure), siete pronti per addentrarvi in un nuovo mondo sospeso nel tempo e nello spazio di una Tokyo abbandonata, un posto dove mi accingerò a portarvi senza elargire alcuno spoiler.

Solo due cose devono sempre rimanere impresse nella mente: 1) “Alice in Borderland” è una serie giapponese di genere distopico/sci-fi, che si incastra perfettamente nel filone dei game e dei dungeon catastrofici, dove i personaggi si ritrovano intrappolati con un corpo “virtuale” (ma perfettamente senziente) all’interno di un’altra dimensione per superare giochi, insidie e livelli come un vero e proprio gamer (ciò implica la presenza di ognuno con il proprio corpo fisico nel mondo reale, seppur in stato incosciente e comatoso, mentre mente e anima sono intrappolate in un mondo onirico); 2) “Alice in Borderland” non è la versione giapponese di “Squid Game” (il leit-motiv survival non deve far confondere sui presupposti di fondo) e non deve essere visto come suo sostituto o succedaneo, per cui non si sopravvive ad esaurimento per raggiungere un guadagno economico, ma si impara la bellezza di scommettere sulla vita, sopravvivendo a se stessi.

“Ogni ferita può diventare la ragione per vivere”.

Il finale della seconda stagione ha convinto dell’esistenza del Borderland come di una dimensione collocata al di là della vita come anticamera della morte: vi accedono solo le persone che non sono né morte né vive o, meglio, che, essendo state colpite mortalmente, si ritrovano a vivere un’esperienza pre-morte, distaccandosi, seppur per un periodo brevissimo (che diventa lungo nel Borderland), dal proprio corpo fisico e approdando in una coscienza collettiva e condivisa, creata dagli elementi del nostro subconscio come un vero e proprio limbo. Lì si incontrano tutte quelle anime che non sanno ancora se continuare a vivere o se proseguire oltre e morire e i game si propongono come una vera e propria prova che la loro anima affronta per lottare per la sopravvivenza.

Il professore universitario Ryuji Matsuyama (interpretato da Kento Kaku di “House of Ninjas“) è sempre stato affascinato dall’aldilà, tanto da condurre da diversi anni studi sulle esperienze di pre-morte, arrivando persino a compiere esperimenti pericolosi per analizzare quale parte del cervello si attiva in queste situazioni di incoscienza. Al limite tra le infrazioni etiche e il perseguimento penale, i suoi esperimenti hanno avuto anche conseguenze deleterie per una sua assistente (mai più risvegliatasi da un’esperienza di pre-morte) e per se stesso, costretto da un incidente sulla sedia a rotelle. Per questo motivo, decide di incontrare alcuni sopravvissuti del cd. “incidente di Shibuya” accaduto anni prima, quando un meteorite collasso sul popolare quartiere di Tokyo, uccidendo molte persone. I sopravvissuti al cataclisma raccontano tutti che, durante il loro stato di coma, si sono trovati a sognare di vivere in uno strano posto, dove sono stati accolti da fuochi d’artificio, ma sono stati costretti ad affrontare pericolosi game. Tra gli intervistati di Ryuji c’è anche Ryohei Arisu (sempre interpretato da Kento Yamazaki di “Rikuoh” e “The Door into Summer“), il protagonista delle prime due stagioni e anche colui che, con la sua decisione di non diventare “cittadino” del Borderland, ha superato i livelli, riuscendo a liberare tutti i suoi compagni di viaggio. Solo che Arisu non ricorda nulla del Borderland, se non piccoli frammenti sparsi di un sogno misterioso vissuto durante la sua remissioni in ospedale, esattamente come gli altri sopravvissuti.

Anche Yuzuha Usagi (sempre interpretata da Tao Tsuchiya di “Orange“), nel frattempo diventata sua moglie, non riesce a ricordare nulla di quello che è successo nel Borderland, di cui ha solo una vaga memoria di sopravvivenza. Ciò che tortura di più Usagi, in realtà, è il mistero che avvolge il presunto suicidio del padre e il senso di colpa per non essere intervenuta in tempo e non averlo supportato, ferite che le lacerano l’animo da molto tempo, tanto da non riuscirne a parlare nemmeno con Arisu. Solo Ryuji, che vive il medesimo senso di colpa per non avere impedito la morte della sua assistente, sembra capirla e la convince a cercare quel posto al di là della vita e della morte per trovare le risposte giuste e incontrare suo padre.

In realtà, Ryuji è riuscito ad entrare nel circuito dei cosiddetti “seminari”, esperienze assurde di giochi pericolosi, a cui le persone partecipano volontariamente per avvicinarsi alla morte. In uno di questi “seminari”, Ryuji vince il pass per il Borderland, venendo in contatto con Banda (sempre interpretato da Hayato Isomura di “Tokyo Revengers“), apparso nel terribile game del Fante di Cuori nella seconda stagione di “Alice in Borderland” e ora diventato “cittadino”. Ed è proprio Banda che lo convince a portare Usagi nel Borderland, in modo da far tornare Arisu, per il quale nutre una strana e maligna attrazione, consapevole che Arisu non avrebbe mai lasciato morire la moglie, disponibile a mettere a rischio anche la sua stessa vita per salvarla.

Con Ryuji e Usagi in coma, Arisu chiede l’aiuto di Ann (ancora una volta interpretata da Ayaka Miyoshi, protagonista del film “Dance With Me“), frequentatrice del consultorio dove lavora e unica che sembra conservare intatti i ricordi della sua esperienza nel Borderland.

“Non importa che posso morire. Se c’è anche una sola possibilità di salvare Usagi, andrò lì”.

Arisu torna nel Borderland e inizia lentamente a ricordare quel mondo strano con la sua attrazione magnetica, che porta a vedere la vita in un modo diverso. Con lui diverse persone, volti ignoti per Arisu (e per lo spettatore), ma già abitanti del Borderland in momenti diversi delle loro vite. Tutti accomunati dalla volontà di tornare in quel limbo di quasi morte per qualche motivo e tutti destinati ad affrontare un nuovo livello di game, quello del Joker, che mette insieme le difficoltà di fiori (game di collaborazione), cuori (game di tensione psicologica), picche (game di forza) e quadri (game di intelligenza), mescolandole per creare nuove esperienze letali.

Con Arisu: l’ex tossicodipendente Tetsu (Koji Ohkura), che cerca di riprendere in mano la vita; la casalinga frustrata Sachiko (Riisa Sudou), che vuole lasciare il marito violento; il boss della malavita Kazuya (Hiroyuki Ikeuchi), la cui lealtà rimedia ad un passato buio; il giovane Nobu (Kotaro Daigo), vittima di bullismo scolastico e incapace di vivere; l’elegante Shion (Hyunri), abile donna in carriera che è sopravvissuta all’aggressione di uno stalker; la giovane Natsu (Sakura Kiryu), ballerina contemporanea con notevole forza fisica; i fratelli Yuna (Akana Ikeda) e Itsuki (Joey Iwanaga), rimasti orfani ancora giovani e in simbiosi protettiva tra loro; la sociopatica Rei (Tina Tamashiro), che cerca di diventare magaka e che, nonostante le apparenze del suo carattere particolare, si rivela l’alleata inaspettata di strategie.

Poi, ovviamente Usagi e Ryuji, riunitisi con Arisu alla ricerca di chi o cosa sia il Joker che gestisce i game in questo limbo, che somiglia più ad un inferno dantesco.

“Alla fine, tutti prendono il sentiero della morte”.

Ed è questa la convinzione contro cui Arisu si trova a lottare. Perché, se è vero che ogni esistenza è destinata a concludersi e a trovare la morte in fondo al proprio percorso, è anche vero che bisogna sempre scegliere la vita e la speranza di un futuro, nonostante tutto, accettando anche le amarezze e le delusioni, visto che la vita è un comprensivo di male e bene, di momenti gioiosi e lieti e di momenti tristi e dolorosi. Non è possibile eliminare il dolore dalla vita, ma bisogna inglobarlo e includerlo all’interno di tutti gli attimi dell’esistenza umana, che sono incompleti nella loro finitezza, eppure pieni e ricchi di tutti gli aspetti dell’umanità. La vita è tante piccole cose ed è soprattutto altruismo, come quello dimostrato continuamente da Arisu non solo nell’accettare di entrare nei game per salvare la moglie, ma anche nello svolgimento di tutte le sfide, è creare corrispondenze e rapporti umani sani, è spirito di sacrificio e lealtà, è proteggere le persone amate e le persone più deboli ed accettare se stessi, nonostante le incomprensioni e le proprie debolezze ed è saper amare, anche nel rischio che ciò comporta.

La vita è sempre una scelta valida, che deve rimanere presente anche di fronte al gorgo della morte, dentro cui ci si vorrebbe gettare nella disperazione. E penso che questo sia uno degli insegnamenti più belli che “Alice in Borderland” riesce a dare costantemente, sapendo mantenere quel mix di suspence, adrenalina ed emozione, al tempo stesso, senza mai dimenticare l’elemento umano (esplorato non solo nel lato di Arisu, di Usagi e di Ryuji, ma anche nei flashback continui di ogni personaggio, che aiutano a comprendere il loro animo con pochi cenni).

Senza fare spoiler, negli ultimi episodi, compare un personaggio ignoto, non il Joker – che non è una persona, quanto una casualità di scelta e di opportunità -, ma più uno psicopompo (lo chiameremo “il guardiano” ed è interpretato da un grandissimo attore, di cui mantengo celata l’identità), una figura misteriosa che vive in quella linea di confine tra vita e morte, cercando di orientare le anime nella scelta.

Per i veri nostalgici negli ultimi frammenti tornano i personaggi a cui siamo rimasti affezionati nella prima e nella seconda stagione (Kuina, Niragi, Aguni, Heiya e, quello che ci mancava più di tutti, Chishiya), in conversazione sulla vita e su cosa fa capire che vale la pena viverla. Ed è con l’ultimo scambio di battute tra Arisu e Chishiya davanti al suo immancabile tè che voglio concludere questa recensione.

Arisu: “Quand’è che senti che la vita è degna di essere vissuta?“

Chishiya: “Degna di essere vissuta? Bella domanda. Anche se non conosci la risposta, alla fine non è così male, vero? La vita, intendo“.

Arisu: “E’ vero“.

Chishiya: “E tu, invece? Quand’è che senti che la vita è degna di essere vissuta?“

Laura

Come suona la recensione?

Post in evidenza

The Amazing Journey of the Letters

“Sai che i tramonti sono differenti in ogni località delle Filippine?”

“Come differenti?”

“Sì, nei colori”

Titolo originale: Sakaling Hindi Makarating, The Amazing Journey of the Letters, In Case They Don’t Arrive

Regia: Ice Idanan

Sceneggiatura: Ice Idanan

Cast: Alessandra De Rossi, Pepe Herrera, Jay Gonzaga, J C Santos, Therese Malvar, Leslie Lina, Hiraya Plata, Elijah Canlas e Irma Adlawan

Genere: drammatico, slice of life

Filippine, 2016, film

Le storie di viaggio di solito ci proiettano verso noi stessi, sono un percorso interiore che fa bene al cuore, al nostro bisogno vitale di staccare e di voltare pagina o solamente di fermarsi e di trovarsi, anche solo con il pensiero, in altri luoghi alternativi che non siano quelli di ogni giorno.

Ogni storia di viaggio ha una funzione escapista, una fuga interiore dalla propria realtà per ricercare una situazione o un luogo che possa portare ad un equilibrio mentale di cui beneficiare. Perché il viaggio ha questa importanza psicologica? Cosa si attende da un viaggio?

In questo film indipendente filippino, un piccolo gioiello nel panorama Netflix, la protagonista intraprende un viaggio alla ricerca di qualcuno che le sta inviando delle lettere, alla ricerca, quindi, di trovare una persona o delle persone con le quali legare, socializzare, ma durante il viaggio si accorge che il contatto con le persone è importante sempre in relazione con se stessi, con la propria parte interiore, il proprio benessere e, infatti, ogni luogo visitato le lascerà un dono per capire che si può stare bene anche da soli e, solo dopo questa consapevolezza, si può cercare l’equilibrio nella relazione con gli altri.

“The Amazing Journey of the Letters”, il cui titolo, in lingua originale è “Sakaling Hindi Makarating“, letteralmente “Nel caso in cui non arrivino” è rivolto proprio all’importanza delle lettere che hanno ancora il fascino antico del richiamo verso una dimensione intimista.

La protagonista, Cielo (interpretata da Alessandra De Rossi) è una ragazza che, nonostante sia sempre stata una brava lavoratrice, viene improvvisamente licenziata e in contemporanea viene lasciata anche dal suo fidanzato con il quale da tanti anni coltivava speranze future per una vita insieme. L’incomprensione, i problemi finanziari e personali non li fanno più ricongiungere sulla stessa linea di condotta. Il fidanzato Mark (Jay Gonzaga) vorrebbe trasferirsi negli Stati Uniti e ricominciare da capo, mentre Cielo è contraria.

La ragazza si ritrova così sola e triste in un appartamento quasi vuoto a guardare il soffitto e ad attendere che la vita possa scorrere in qualche modo. Dopo qualche giorno, il suo vicino di casa, Paul (Pepe Herrera) le consegna alcune cartoline che erano state lasciate nella cassetta della posta. Queste misteriose cartoline disegnate raffigurano diverse province del Paese, ma non si conosce la provenienza. Il mittente si nasconde dietro lo pseudonimo M.

Dopo avere chiacchierato con il vicino Paul, che è segretamente innamorato di lei, Cielo decide di intraprendere un viaggio con lo scopo di visitare ciascuno dei luoghi raffigurati nelle cartoline, con la speranza, quindi, di scoprire l’identità del mittente anonimo M.

Il film ha una fotografia spettacolare, i luoghi visitati da Cielo nel film sono incantevoli, a tratti pittoreschi e fanno davvero venire voglia di viaggiare. I colori, la vegetazione, le case, il mare, la storia di ogni località, la lentezza e la pacatezza delle riprese regalano un tocco magico alla narrazione e riescono ad esprimere i sentimenti e le emozioni provate dalla protagonista mentre viaggia e cammina e, passo dopo passo, matura un nuovo concetto di vita, di esistenza, una nuova consapevolezza di sé.

La prima tappa è Zamboanga, nel sud, la sesta città più popolosa delle Filippine e anche una delle più antiche, oltre ad essere la più ispanizzata del paese. Gli abitanti parlano una lingua creola mista allo spagnolo che si chiama chabakana. Qui Cielo fa amicizia con Aisha (Hiraya Plata) una bambina alla quale chiede di insegnarle a nuotare.

Nella tappa successiva, Cielo si trova a Siquijor, una meravigliosa isola corallina di sabbia bianca, anche chiamata “l’isola della magia” per la presenza di sciamani e guaritori. A Siquijor conosce altre persone che le insegnano a guidare una moto, mentre la splendida vegetazione dell’isola incornicia ogni scena. Nel frattempo, mantiene i contatti con il vicino di casa Paul al quale invia lettere nelle quali descrive ogni suo viaggio.

A bordo del traghetto per Marinduque, Cielo conosce Manuel (JC Santos) che con il suo fascino attira la ragazza. Cielo, per una coincidenza di cose, crede che Manuel sia il mittente delle lettere, il misterioso M., ma in realtà non lo è, anzi, nella mente della ragazza riemergono i ricordi con Mark, i giorni felici, piccoli momenti rimasti nella sua memoria. Forse potrebbe ritrovare un affetto tra le braccia di Manuel, ma poi qualcosa accade nel cuore di Cielo, un bisogno di cercare una serenità che non si trova lì, in quel momento.

Marinduque è una bellissima isola, con paesaggi mozzafiato, acque turchesi e una riserva naturale che attira molti turisti appassionati di trekking, ma per Cielo non è la destinazione finale e così riprende il viaggio che diventa una raccolta di colori e ricordi e torna a nord, a Quezon City. Al terminal degli autobus, però, vede un bus diretto ancora più a nord e decide di completare le tappe del suo viaggio seguendo le cartoline.

Sulle isole Ilocos lascia andare tutta la sua stanchezza e malinconia abbandonando i suoi pensieri al vento e così nella sua ultima tappa si ritrova a Batanes, nella parte forse più bella del film.

Cielo incontra la piccola Sol (Therese Malvar) e sua madre Camila (Leslie Lina), un incontro che segna la vita della protagonista, ormai alla fine del suo viaggio. Ascolta i racconti di Camila, del suo amore lontano che non è più tornato, il padre della piccola Sol e, coinvolta dal vento dell’isola, dai paesaggi meravigliosi e da una consapevolezza che ormai è diventata il suo bagaglio di tutto un percorso di viaggio, Cielo comprende di essere riuscita a guarire, di aver preso coscienza della sua esistenza, di avere finalmente la forza di andare avanti.

Il suo rapporto con la bambina è, poi, molto toccante. Cielo che incontra Sol. Cielo e Sole che si incontrano e danno vita ad una splendida amicizia.

“The Amazing Journey of the Letters” è quel film inaspettato che non immaginavi di vedere, quel viaggio che non è altro che una scoperta del proprio mondo interiore, quella ricerca infinita di felicità che si conquista solo con l’accettazione di sé.

Fotografia e colonna sonora molto belle e il debutto alla regia della giovane e promettente Ice Idanan, al suo primo film, datato 2016, che è stato premiato in alcune rassegne di festival del cinema, completano il successo di questa storia.

“C, avevi ragione, è più facile viaggiare leggeri. Ora ho capito quali sono le cose che dovrei davvero tenere con me”.

Grazia

Come suona la recensione?

Post in evidenza

Yu Mongin. Racconti dal “paese di mezzo”

“Nell’anno V del Bufalo Rosso [1577] a Cheongchuk apparve una cometa di colore giallo che lasciò una lunga striscia nel cielo. Apparve fin dall’autunno e non scomparve neanche all’arrivo dell’inverno, e quell’anno la nebbia fitta si spandeva ogni giorno e il cielo era scuro. Qualcuno disse: ‘La cometa è diventata nebbia e si è diffusa’”.

Per tutti gli appassionati di storia e cultura coreana, non è facile ricavare notizie del paese del lento mattino in altre epoche, quando ancora sembrava la tigre nascosta, quasi la bella addormentata d’Oriente, così difficilmente accessibile agli occidentali, ma anche isolata agli stessi orientali. Tuttavia, esiste un modo per immergersi ed entrare a fondo nel mondo coreano, accompagnati da un mecenate d’eccezione come Yu Mongin (in hanja 柳夢寅; in hangul 유몽인), narratore, storico, filosofo, calligrafo, figura di corte e raccoglitore di leggende, grazie alle cui opere è stato possibile ricostruire l’epoca Joseon con i suoi racconti, ma anche con le sue regolari ritualità.

Nato nel 1559 da una famiglia di nobili e letterati (pur senza vantare grandi avi illustri) e dimostrando già un’enorme passione per le lettere e la filosofia, oltre che una profonda conoscenza dei canoni confuciani, Yu Mongin si preparò da autodidatta per l’esame di Stato nel 1582, riuscendo ad arrivare al massimo grado di funzionario civile nel 1589, a soli 31 anni (per l’epoca, inaspettatamente presto, considerato la difficoltà di tali esami), durante il regno di Seonjo (1567-1608). Per questo motivo, venne accolto a corte con tutte le lodi dei più alti funzionari, finendo per studiare con il maestro Seong Hon, filosofo confuciano e poeta di altissimo livello, e per servire come Ministro dei Riti (anche detto Yejo Panseo). Ma il suo nome divenne noto soprattutto durante la prima invasione giapponese (cd. guerra Imjin del 1592-1596), quando Yu Mongin riuscì a dimostrare anche doti di eloquenza e di diplomazia, distinguendosi come ambasciatore presso l’impero cinese Ming, e durante la seconda invasione giapponese (cd. guerra Jeongyu del 1597-1598), quando tornò alla corte Joseon, servendo come censore.

Nonostante fosse all’apice della sua carriera, diversi problemi familiari e di salute lo richiamarono a casa, convincendolo ad autoritirarsi in isolamento, studiando, insegnando e scrivendo. Probabilmente, questa decisione è stata maturata anche in seguito ad una crisi interiore nello stesso Yu Mongin, fondamentalmente uno spirito libero, riflessivo e solitario, che spesso mal si conciliava con le abitudini simulate e affettate della corte Joseon e che il più delle volte contestava la politica di diversi ministri. Quasi certamente è a questo periodo che risalgono le prime parti delle sue monumentali opere, riprese, poi, in mano, quando, dopo un breve periodo di ritorno a corte come segretario reale, Yu Mongin decise di ritirarsi totalmente a vita privata in un monastero buddista sul monte Geumgang, in pieno e irrecuperabile dissenso con il regime di Joseon. Tale dissenso sarà particolarmente evidente nel 1622, quando, in seguito a un colpo di Stato, prese il potere Re Injo e Yu Mongin cadde vittima delle sue purghe e del suo terrore: accusato di aver preso parte alla congiura di re Gwanghaegun (deposto nel 1623 e mandato in esilio) e, quindi, di alto tradimento, fu condannato a morte nel 1623.

Nel periodo del suo isolamento, nacquero “Eoudupyeong“, una raccolta di poesie, ad imitazione dello stile lirico della poesia cinese di Du Fu, e “Pirwonbeopcheop”, una raccolta di storie edificanti che riprendono le massime antiche – opere andate perdute -, ma soprattutto nacquero due delle più grandi opere della letteratura coreana, “Eoujip” e “Eouyadam“, meglio nota come “Ou yadam“. La prima opera , originariamente concepita come un libro di 50 capitoli di prosa e 30 capitoli di poesia, è stata pubblicata dai monaci del santuario di Yeongun, presso cui si era ritirato Yu Mongin, in 40 capitoli totali, suddivisi in due parti, contenenti sia componimenti poetici che brani di prosa, tutti senza titoli specifici, perché rubricati solo sotto nomi dei luoghi dove le composizioni sono nate.

“Ou yadam” (어우 야담), in traduzione italiana “I racconti di Ou”, è ritenuta oggi il suo capolavoro indiscusso, oltre che uno dei capolavori assoluti della letteratura coreana, sia per lo stile, che per il contenuto, entrambi di un’originalità incredibile. Il libro, infatti, si propone come uno “yadam“, ovvero una storia o una raccolta di storie non ufficiali, utilizzando un termine che è tipico più della narrazione storica orale, che della storiografia codificata. In questo modo, Yu Mongin riprende un genere già diffuso da secoli in Cina – ed esportato altrove in Asia orientale -, ovvero quello dello “yaram/yadam“, che, seguendo il flusso della narrazione orale e, quindi, corale e multifocale, si sviluppa come una miscellanea di testi diversi, che possono comprendere il racconto classico, la cronaca, la fiaba, la leggenda, ma anche l’aneddoto, gli stralci biografici, fino a feroci pamphlet critici di natura politica e morale. L’autore, così, si sente libero sia nel contenuto che nei generi e nello stile adoperati per narrare di storia comune (o, meglio, di storie comuni), di piccoli frammenti in grado di ricostruire una storia molto più generale ed ignorata dalle cronache di corte: quella del suo popolo o, come ama definirlo lo stesso Yu Mongin, del popolo del “Paese di Mezzo”, dando voce ad una polifonia di sentimenti e di emozioni. L’obiettivo di Yu Mongin è ricostruire, attraverso la storia (o le storie), il comune sentire del suo popolo, andando a testare mano a mano la sua cultura più profonda e la sua tradizione più atavica, che ha origine in radici che si perdono nel tempo, ma che hanno la capacità di illuminare quelle caratteristiche proprie del suo popolo e della sua resilienza di fronte alla Storia, quella nota meravigliosa che nessun sovrano di Joseon può, in qualche modo, cambiare. La libertà dovuta alla mescolanza di generi e la traccia scorrevole tipica dell’oralità influiscono anche la lingua usata dallo stesso autore, che passa agevolmente da un registro più altisonante e quasi epico, a quello tipico dei canti e delle ballate popolare, dal cinese degli hanja utilizzato per i documenti ufficiali, al coreano puro scritto in semplice hangul della gente comune. Una caoticità ordinata e voluta che risalta ancor meglio nell’intento dell’autore: laddove i governanti falliscono e creano solo regimi dispotici e di terrore, rimanendo distanti dai reali problemi della popolazione, Yu Mongin compie un passo decisivo, stando con la povera gente, cogliendo la bellezza e la genuinità delle loro storie, ma portando anche le proprie riflessioni maturate dopo una vita a corte.

Il libro è diviso in una parte “sugli affari umani”, una parte “sulle religioni”, una parte “sull’accademia”, una parte “sulla società”, una parte “sugli animali” e, infine, una parte “miscellanea”. Le divisioni, tuttavia, sono solo dei grandissimi campi semantici, visto che in ogni gruppo trovano posto prose, poesie, racconti e aneddotiche allo stesso modo.

Il libro inizia con il racconto di quando il fratello dell’autore, Yu Mongung, salvò la madre da morte certa, così continua con esempi di uomini e donne di elevato valore e virtù (così i coraggiosi fratelli Song o la gisaeng Kim Unha che uccise gli invasori giapponesi), ricorrendo allo stratagemma della testimonianza diretta e indiretta (cosa che nella storiografia dell’antica Grecia era stata la caratteristica di Erodoto): i fatti sono stati visti dall’autore stesso o sono stati uditi per tramite di una testimonianza di persone che li hanno visti o li hanno uditi da altri testimoni, e via dicendo, in una sottile rete umana di narrazione orale, che mette sullo stesso piano fatti presumibilmente veri con fatti leggendari che la narrazione ha fatto diventare quasi veri sulla base del criterio della verosimiglianza.

Attraverso questa miscellanea di brani diversi, Yu Mongin ricostruisce a sua volta la sua vita, il suo operato come funzionario reale e la sua personalità, che si staglia chiarissima nei commenti, disseminati ovunque per il testo (ma anche in alcuni fatti personali narrati, come quando racconta il suo successo letterario e poetico in Cina) e che, nonostante il tempo trascorso, sembra sempre attuale. Ne emerge uno Yu Mongin, che, come uomo del suo periodo e funzionario di Joseon, è un profondo conoscitore del suo paese, ma anche un aspro critico di quelle rigidità che limitavano l’umanità delle persone e portavano ad inutili autocelebrazioni di una classe corrotta (si veda la parte sui fantasmi e sulla nuova classe di arricchiti, con tratteggi di macchiette degne da teatro dell’arte) e alla miseria sempre più pregnante della popolazione (efficacissimi sono i racconti della popolazione ridotta allo stremo a causa delle guerre col Giappone e condannata anche ad atti di cannibalismo).

La condanna subita dall’autore ha portato con sé anche l’oblio e la damnatio memoriae, che ha colpito il suo consistente lascito letterario, fino al ripristino del suo nome nel 1795 per merito di re Jeongjo (1752-1800), per intenderci il re ritratto da Lee Jun-ho nel k-drama “The Red Sleeve“, che lo nominò ministro postumo e ordinò il recupero di tutte le sue opere, tra cui l’enorme patrimonio lasciato nel suo “Ou yadam“, visto non solo come raccolta di storie, ma anche come base per ricostruire le tradizioni e la cultura del popolo coreano.

Ad oggi, si ritiene che la raccolta più completa e più vicina all’originale “Ou yadam” sia la Raccolta di Manjongjaebon, pubblicata nel 1964 da Yu Chehan, un discendente di Yu Mongin. Sulla base di quest’ultima, si è svolto il lavoro minuzioso e accurato della prof.ssa Antonetta Lo Russo, che ha ricostruito e tradotto in italiano i testi che compongono “Ou yadam“, restituendo l’originalità della composizione di Yu Mongin, ma anche quella voce corale del popolo coreano, che l’autore ha inteso raccogliere.

Laura

Note bibliografiche:

– Yu Mongin, “I racconti di Ou”, a cura di Antonetta L. Bruno, Carocci editore, Roma 2019

– Voce “Yu Mongin” presso la Digital Library of Korean Literature al link https://library.ltikorea.or.kr/writer/201037

Post in evidenza

Yosa Buson. Viaggio nella poesia d’autunno

Yosa Buson (1716 – 1784), poeta e pittore giapponese, è considerato uno dei maggiori esponenti dell’haiku insieme a Matsuo Basho, Kobayashi Issa e Masaoka Shiki.

Tanuguchi Buson, questo il suo vero nome, nacque a Kema, un villaggio della provincia di Settsu, figlio illegittimo di un capo villaggio e di una serva. Si trasferì ancora giovane a Edo (oggi Tokyo) per studiare poesia haikai con il maestro Hayano Hajin.

Alla morte del maestro seguì il suo idolo Basho nel nord dell’isola di Honshu e raccolse degli appunti di viaggio, pubblicandoli in seguito, vera ispirazione per le sue opere artistiche.

A quarantadue anni si trasferì a Kyoto dove iniziò a usare il cognome Yosa, forse il nome del paese natale della madre.

Non si spostò più da Kyoto, dove si sposò ed ebbe una figlia e dove si avvicinò in seguito alla scuola Nan-p’in, una scuola di pittura fiorita a Nagasaki. Il nome della scuola era ispirato a Nanpin, nome d’arte del pittore cinese Shen Quan, artista che dipingeva nello stile accademico Ming.

Le pitture di Yosa Buson seguirono, quindi, lo stile e i dettami della scuola Nan-p’in, dipingendo animali e natura, ma anche grandi paraventi.

Nella poesia Yosa Busan riuscì a captare le emozioni dell’esistenza umana in armonia con la natura, creando uno stile tutto suo, malinconico e nostalgico.

Gli haiku che ho scelto sono un vero e proprio viaggio, un immergersi nella lirica della poesia autunnale, dove colori, simboli ed emozioni rappresentano il cuore dell’anima del poeta.

La tematica della solitudine è spesso rappresentata nella poesia di Yosa Buson. La solitudine che è simbolo dell’autunno, di una stagione malinconica, dove il fruscio delle foglie che cadono dagli alberi simboleggiano la caducità dell’esistenza umana, dove si percepisce lo scorrere del tempo da una solitudine all’altra, da un autunno all’altro:

Sera d’autunno:

la solitudine è più grande

dell’anno scorso

La forza descrittiva e le immagini che sono poesia diventano simboli delle liriche di Yosa Buson. La montagna che in autunno cambia colore è in simbiosi con le foglie rosse degli alberi, entrambi si mischiano e si perdono nel rosso della stagione:

Si oscura la montagna,

e ruba il rosso

alle foglie dell’autunno

L’autunno è una stagione mite che sembra immobile, dove tutto è compassato, lento, malinconico, ma, poi, un improvviso soffio di vento scuote quella quiete e dona vita a quello spaventapasseri che sembra inerte come il ritmo della stagione. Vita che attraversa e anima ogni forma e veloce va via, scorre, quasi senza avvertire e lascia il vuoto, il silenzio, la placidezza, quello stato di quiete che assorbe la calma esterna e la proietta nell’interiorità dell’essere umano:

Vento d’autunno

scuote lo spaventapasseri

e va

E poi ancora la solitudine, la forza motrice di una stagione che riflette la propria interiorità, il tempo che passa, quel crepuscolo che, accanto all’autunno, è simbolo di una fase della vita che ogni essere umano è destinato ad attendere:

crepuscolo autunnale:

da solo faccio visita

a un’altra solitudine

Grazia

Note Bibiografiche:

– Haiku. Il fiore della poesia giapponese da Basho all’Ottocento. A cura di Elena Dal Pra. Mondadori, 2005

– Haiku. Autori vari, BUR 1995

Post in evidenza

Il rifugio di Lion – Light of My Lion

“La nostra vita quotidiana come fratelli è calma come il mare senza vento. Non ci sono onde quando fai le stesse cose ogni giorno, nello stesso ordine, andando avanti con costanza.

Abbiamo vissuto tranquilli ripetendo gli stessi giorni per anni.

Poi il bambino che si faceva chiamare Lion, improvvisamente, portò il caos nelle nostre vite tranquille, come una tempesta improvvisa”.

Titolo originale: ライオンの隠れ家, Lion no Kakurega , Lion’s Den, Raion no Kakurega, Light of My Lion

Regia: Tsuboi Toshio

Sceneggiato da: Tokuo Koji

Cast: Yuya Yagira, Ryota Bando, Tasuku Sato Asuka Saito, Machiko Ono, Taiiku Okazaki, Takumi Ozaki, Hayato Kakizawa, Masaaki Hirai, Yuki Sakurai, Osamu Mukai, Amane Okayama, Yu Miyazaki, Noriko Iriyama, Yusaku Mori e Denden

Genere: drama, mistery, life, family, thriller

Giappone, 2024, jdrama, 11 episodi

Esistono quelle storie che entrano subito nel cuore, ti emozionano, ti commuovono fino alle lacrime ed esistono quei drama da dieci e lode e “Il rifugio di Lion”, anche conosciuto come “Light Of My Lion”, è uno di questi.

Definito come uno dei drama giapponesi più belli del 2024, “Il rifugio di Lion” presenta delle tematiche molto complesse, l’autismo e gli abusi sui minori, tematiche che vengono affrontate con delicatezza e sensibilità e, attraverso gli occhi dei protagonisti, ci immergeremo nel cuore di una storia che ha il dono di entrare da subito in sintonia con lo spettatore.

Ambientato nella città di Urao, nella prefettura di Ibaraki, la storia ha inizio in una delle giornate ordinarie dei due fratelli Komori. Hiroto, il fratello maggiore (interpretato dall’intenso Yuya Yagira che ricordiamo per il famoso film di Hirokazu Kore-eda, “Nessuno lo sa”, che gli valse la statuetta di miglior attore al Festival di Cannes, nonché fino ad adesso il più giovane mai premiato) divide il suo tempo tra il lavoro in Comune e la cura del fratello minore, affetto da disturbo dello spettro autistico.

Il fratello minore, Michito (interpretato magistralmente da Bando Ryota, già visto in “Dream Pony”), affetto da disturbo dello spettro autistico, lavora come artista alla “Planet Eleven”, un laboratorio artistico per persone con disabilità dello sviluppo.

Dalla morte dei genitori, Hiroto si è sempre preso cura del fratello minore, le loro giornate sono scandite sempre nello stesso modo, dove l’ordinarietà diventa sicurezza, dalla colazione nella medesima disposizione mattutina alle scarpe allineate pronte per essere indossate prima di uscire, dai colori disposti per gradazione al numero dei passi da casa al bus, tutto semplicemente costante, nel ritmo e nella pacatezza, come una stessa sinfonia suonata ogni giorno.

Una routine che sa di pace e di serenità anche se negli occhi di Hiroto appare spesso un velo di malinconia perché, pur provando un grande affetto per il fratello minore e proteggendolo in ogni modo, pensa alla sua vita, a quel sentimento timido di voglia di evadere ogni tanto per cambiare scenario, come i gabbiani codanera che i due fratelli vedono nel loro cammino serale sulla strada del ritorno a casa, scandendo i passi o fermandosi il giovedì a fare la spesa.

“Un gabbiano codanera è libero di volare dove vuole. A volte i gabbiani codanera vogliono vedere nuovi paesaggi”, così gli spiega spesso Michito, mentre Hiroto si perde con lo sguardo verso l’infinito del tramonto.

In un giorno ordinario della vita dei due fratelli qualcosa stravolge la tranquillità e l’immutabilità delle loro esistenze. Al ritorno a casa, i due fratelli trovano nel giardino un bambino che si nasconde tra i fili d’erba e l’ombra della tettoia. Hiroto si stupisce della presenza del bambino che non ha mai visto in vita sua, mentre Michito va in confusione, inizia ad agitarsi, a nascondersi e a urlare per la presenza di un estraneo alla porta di casa.

Hiroto cerca come può di tranquillizzare il fratello, ma nel frattempo si rivolge al bambino per capire chi sia e come mai si trova lì.

Il bambino, che stringe forte al petto un peluche con le sembianze di un leoncino, afferma di chiamarsi Lion (interpretato dal piccolo Tasuku Sato) e di dover vivere da loro. Hiroto un po’ confuso, mentre Michito scappa in casa, chiudendosi in camera e coprendosi con una coperta, cerca di indagare meglio su chi mai possa essere questo bambino, ma intorno a lui non vede nessuno. Forse è un bambino scappato di casa o si è perso mentre tornava a casa?

Quella sera, tra il panico di Michito, corse repentine per tutta la casa da parte di Lion e preoccupazioni aggiunte per Hiroto, i tre giungono ad un placido accordo, quello del riposo notturno, così l’indomani mattina si potrà capire meglio come gestire la situazione.

Il cambiamento nella vita dei fratelli Komori arriva come una folata improvvisa di vento ed è rappresentato proprio da Lion che da quel momento in poi sconvolgerà le loro esistenze, sradicherà la loro immobile sicurezza e porterà nel loro cuore dubbi e paure.

Perché un bambino così piccolo si è presentato a casa loro? E’ stato abbandonato? Chi sono i suoi genitori? E se avesse subito abusi e stesse scappando da qualcuno? Questo bambino ha qualcosa in comune con loro?

La convivenza tra i tre è da subito turbolenta. Michito non accetta la presenza di Lion che non fa parte della famiglia; Hiroto pensa di riportare il bambino a casa, ma si scontra nel frattempo con diversi problemi e con il mistero legato alla presenza di Lion a casa sua e con tutti i suoi tentativi di scoprire l’identità del bambino che vengono ostacolati da qualcosa; Lion che, ancora piccolo, non riesce a capire le esigenze di sicurezza e ordinarietà di Michito.

“Cosa sono le routine?”, chiede il piccolo Lion. “Sono delle cose stabilite”, risponde Hiroto.

Presto le azioni abitudinarie e meccaniche a cui erano abituati i due fratelli si estendono anche a Lion che verrà pian piano inglobato nel loro gruppo, anzi, come un giorno lo stesso Michito rivela a suo fratello, “il piccolo leoncino ha lasciato il suo branco per unirsi al loro”. Perché se Hiroto fa di tutto per rintracciare e recuperare il passato di Lion, nel mondo interiore di Michito c’è già una spiegazione alla presenza del bambino: se Lion ha abbandonato il branco e si è unito al loro è per trovare un luogo sicuro, un rifugio.

Anche le opere di Michito iniziano a ritrarre il terzo leone del loro gruppo e la convivenza, seppur, rispetto a prima, è diventata più chiassosa e rumorosa, inizia a diventare una piacevole abitudine, ma la vita dei tre verrà presto sconvolta dal passato di Lion e il buio da cui sta sfuggendo il bambino inghiottirà anche i due fratelli Komori, a cui verranno richiesti sacrifici, nuovi adattamenti e la fuga da qualcosa di indefinibile, forse mostruoso agli occhi di un bambino o il male della società agli occhi degli adulti o una nuvola nera agli occhi di Michito.

“Il rifugio di Lion” è un drama meraviglioso, dove il talento dei tre protagonisti riempie tutta la storia ed è il punto di forza della serie, i tre attori coinvolgono con le loro interpretazioni, ti trasportano nel loro mondo interiore e nel loro piccolo rifugio dove cercano di proteggersi dal mondo e dal buio che li circonda, ma da dove potranno anche ritrovare se stessi e la loro strada futura.

Tutti e tre i protagonisti sono tre anime ferite da una dolorosa storia di famiglia, ma legati da un filo robusto messo alla prova dal passato misterioso ed enigmatico di Lion, ma rinsaldato dalla forza emotiva di Hiroto (un immenso Yuya Yagira che mostra il lato malinconico del personaggio, nella sua risolutezza, nella protezione verso gli altri, ma anche nella sua riservatezza, nella quale conserva speranze e ispirazioni future, senza mai rivelarle all’esterno) e nella sensibilità di Michito (uno straordinario Bando Ryota), sensibilità rinchiusa nel suo mondo che sembra inespressivo all’esterno, ma che è ricco di profonde emozioni, che le pennellate delle sue opere cercano di rivelare.

La storia e le tematiche trattate nel drama sono tratteggiate con tocchi di delicatezza e di umanità a cui non rimanere assolutamente indifferenti. Per quanto riguarda, invece, la parte thriller della storia, i colpi di scena, la suspence, una visita inaspettata, i flashback e i ricordi di famiglia riescono a tenere incollati allo schermo anche gli appassionati del genere, riuscendo comunque a incastrarsi con la visione intimista del drama.

La resilienza dei personaggi è la forza silenziosa di questa serie che scuote gli animi e resta impressa anche dopo averne finito la visione.

Piccola chicca: i dipinti e le opere di Michito sono stati creati da Kosuke Ota, un pittore e artista affetto da autismo e disabilità intellettiva.

Grazia

Come suona la recensione?

Post in evidenza

What’s Wrong With Secretary Kim? (ovvero dell’amore caotico, delle maschere fisse e di una commedia brillante)

“Voglio quel tipo di relazione in cui poter sentire che la stanchezza di ogni giorno viene lavata via tutta in una volta da un abbraccio, anche se non mi fai balzare il cuore in petto ad ogni secondo. Puoi anche considerarmi infantile, ma è questo il tipo di amore che sogno”.

Titolo originale: 김비서가 왜 그럴까; Gimbiseoga wae geureolkka; What’s Wrong, Secretary Kim?

Regia: Park Joon-hwa

Scritto da: Jung Eun-young sulla base del webtoon “Why Secretary Kim?” di Jung Kyung-yoon

Cast: Park Min-young, Park Seo-joon, Lee Tae-hwan, Kang ki-young, Hwang Chan-sung, Pyo Ye-jin, Kim Ye-won, Hwang Bo-ra, Lee Yoo-joon, Lee Jung-min, Kim Jung-woon, Kang Hong-seok, Kim Byeong-ok, Kim Hye-ok, Baek Eun-hye, Heo Sun-mi, Jo Deok-hyun

Genere: rom-com, comedy, romance, business, thriller

Corea del Sud, 2018 – 16 episodi k-drama

Si può dire tanto sulle rom-com: che si amano, che si odiano, che si fuggono, che si guardano solo come passaggio tra un prodotto più “serio” e l’altro o che si guardano così intensamente da lasciarsi andare, poi, a confronti troppo netti e chirurgici nella valutazione. A dir la verità, il genere rom-com non è solo il genere più cercato, ma anche il più bistrattato in assoluto, perché ci si aspetta sempre molto (e forse anche troppo) da quella che dovrebbe essere costruita come una lineare storia di conoscenza e di lento innamoramento tra due persone, tanto che quasi ci si dimentica che l’elemento fondamentale risiede in una sceneggiatura brillante e svelta (quasi “sharp”, come avrebbero detto un tempo a Hollywood), tale da rendere credibili anche situazioni assurde, da seguire l’innamoramento in un botta-e-risposta rapido e risoluto tra i protagonisti e da inserire abilmente elementi negativi e passati tristi e traumatici come ostacoli mentali che possono essere superati solo dalla forza dell’amore.

Ebbene, se valutiamo tutti gli elementi classici della commedia romantica, validi a livello letterario e cinematografico da imperitura memoria, ci aggiungiamo i cliché che hanno coinvolto nel mondo dei k-drama (il CEO ricco e affascinante, il rallenty con l’ombrello sotto la pioggia, la sbornia rivelatrice della cotta) e inseriamo lievemente un sottotesto drammatico a tinte cupe da thriller, ma trattato con la loquela svelta e le macchiette caratteristiche alla Billy Wilder, avremo ottenuto probabilmente quella che è reputata una delle rom-com coreane perfette, “What’s Wrong With Secretary Kim?“, diventata così famosa da essere valutata una delle fonti di ispirazione per molte altre rom-com (in alcuni casi, addirittura campionata in diverse scene e situazioni).

Poi, c’è un’altra cosa che va a favore di questo k-drama: è universalmente riconosciuto che possa essere gradito e, anzi, amato anche da parte di chi normalmente non ricerca il genere romantico.

La storia inizia a trama già cominciata o, meglio, inizia direttamente con un colpo di scena: la segretaria Kim Mi-so (Park Min-young di “Marry My Husband“, “Healer“, “When the Weather is Nice” e molti altri), ritenuta da tutti non solo un’ottima impiegata, ma una segretaria perfetta, stacanovista e costante nel suo lavoro, presente in ogni minimo dettaglio, attenta, professionale e apparentemente sorridente, rassegna all’improvviso le sue dimissioni. E non lo fa in un modo tutto suo e per nulla consueto: dopo essere andata a prendere in auto il suo capo, il narcisista ed egocentrico Lee Young-joon (Park Seo-joon di “Itaewon Class“, “She Was Pretty“, “Fight for My Way” e molti altri), una creatura distante, fredda e piena di sé, che ama contemplarsi allo specchio mentre emana la sua “Aura!“, e dopo averlo portato ad una celebrazione, già meticolosamente preparata in ogni dettaglio, gli rende la sua lettera di dimissioni, dando il tempo di cercare una sostituta che possa istruire per sostituirla in tutte le sue mansioni.

Alla Yumyung Group è immediatamente il panico, anche perché la segretaria Kim in nove anni non ha mai saltato un giorno di lavoro, è sempre stata presente in ogni campo, non ha mai fatto errori e, del resto, non ha nemmeno offerto una spiegazione plausibile al suo licenziamento, continuando a vestire la sua perfetta maschera sorridente da impiegata dell’anno. Mentre al lavoro le sue colleghe (Sul Ma-eum, interpretata da Kim Ye-won, e Bong Se-ra, interpretata da Hwang Bo-ra) vanno in crisi, anche perché si chiedono a chi verrà affidata quella mole di lavoro, e i colleghi (tra cui Jung Chi-in, interpretato da Lee Yoo-joon, e Park Joon-hwan, interpretato da Kim Jung-woon) iniziano a sentire la pressione dei vertici, senza la segretaria Kim che faceva da filtro, quello più distrutto dalla notizia è proprio Lee Young-joon, che non si capacita del perché un’impiegato con una competenza così assodata possa pensare di andarsene, dopo tutti i privilegi ottenuti in quegli anni. Così, con l’aiuto del suo chauffeur e tuttofare Yang Cheol (Kang Hong-suk di “The King: Eternal Monarch“) e, soprattutto, del collega e amico Park Yoo-sik (Kang Ki-young di “Avvocata Woo“), inizia ad indagare sui motivi che possano aver portato la segretaria Kim alla decisione finale, interrogandola costantemente e offrendole posizioni lavorative migliori, bonus e incentivi di stipendio, auto e casa, di tutto, affinché non lo abbandoni. Perché il problema è che Lee Yoo-joon per nove anni non è mai stato indipendente in nulla, dalla sveglia alle 5 del mattino alla preparazione della giornata, dalla scelta dei vestiti al nodo alla cravatta al controllo degli orari per i pasti: la segretaria Kim organizzava ogni minimo aspetto della sua vita, conoscendo tutte le sue fisime e le sue idiosincrasie (un ventaglio così ampio che è impossibile da elencare), i suoi tick, il suo nervosismo, la sua poca affettività e la sua superbia, l’insonnia continua e le debolezze.

Praticamente, senza di lei, Yoo-joon non sa nemmeno più come allacciarsi le scarpe da solo, per cui è disposto a fare di tutto per riprenderla al lavoro e non consentire che se ne vada, fino a corteggiarla, come non ha mai fatto con nessuna altra donna. Ed è qui che si creano i siparietti più divertenti della serie. Infatti, Kim Mi-so fa valere le proprie ragioni e dice al capo che per nove anni non ha avuto una propria vita e che adesso, saldato l’enorme debito di famiglia che le gravava sulla testa e pagate le spese per gli studi delle sorelle diventate dottoresse, vuole tornare ad essere se stessa, senza essere la segretaria perfetta, per prendere del tempo e riposare; al contrario, però, Lee Young-joon interpreta che forse la segretaria Kim è sempre stata innamorata di lui e che non ha mai avuto il coraggio di dichiararsi, per cui le propone un matrimonio, che viene rifiutato (insieme ad appuntamenti, fiori e regali vari, che la segretaria continua a non accettare). Fino a quando non arriva a realizzare che effettivamente non può fare a meno di lei, non tanto dal punto di vista lavorativo, ma come amica, confidente, unica persona in grado di comprenderlo e di supportarlo ogni minuto, e si scopre innamorato, senza nemmeno aver mai capito cos’è l’amore.

Del resto, Mi-so nasconde effettivamente un segreto di cui non vuole parlare: all’età di cinque anni è stata rapita e tenuta sequestrata da una donna, che aveva intenzione di ucciderla. L’unico suo conforto è stato un altro bambino, di quattro anni più grande, anch’egli sotto sequestro della medesima donna, che si è presentato a lei come un fratello maggiore e l’ha protetta dal trauma e dalla violenza del sequestro fino alla fuga. Mi-so non ricorda il nome del bambino, ma solo un vago aspetto fisico che aveva registrato in vecchi e pasticciati disegni e quella sensazione di sentirsi protetta e completa grazie alla sua presenza. Con gli anni, ha accumulato sempre più indizi in merito, cercando di ricostruire il caso e di arrivare a capire chi fosse la colpevole dei sequestri per desumere, a sua volta, la vera identità di questo fantomatico “fratello maggiore” che l’ha protetta e intende dedicare il tempo libero dopo le dimissioni proprio per trovare una soluzione.

Solo che la questione è più intricata del previsto e sembra far avvicinare Mi-so ad un tale Morpheus, identità di un autore famoso di libri thriller, dietro cui si cela Lee Sung-yeon (interpretato da Lee Tae-hwan), fratello maggiore di Lee Young-joon, e forse a Lee Young-joon stesso, di cui si sa che, da bambino reputato un piccolo genio in grado di saltare le classi, ha vissuto un’esperienza terribile che ha dato origine ad un disordine da stress post-traumatico, di cui non ricorda nulla. E, forse, c’è di più, visto che tutti e tre sembrano legati da una comune coscienza collettiva traumatica, che ha segnato il loro passato durante l’infanzia e ne ha determinato le vite, un evento da cui, in qualche modo, nessuno di loro è riuscito mai ad uscirne, ma che richiede il coraggio di essere affrontato insieme.

Ma, soprattutto, è stato davvero mai risolto il caso in cui Mi-so intende indagare?

“La serendipità ci ha portato fino a qui insieme, ma forse i nostri sentieri dovevano proprio incrociarsi”.

Sono tanti gli elementi che hanno reso questo drama una delle presenza immortali nelle to-watch-list dei dramisti, ma anche uno dei prodotti più apprezzati dal pubblico (con punte altissime di share) e dalla critica (con premiazioni e candidature ai Korea Drama Awards, agli APAN Star Awards e ai Soompi Awards), sia in patria che all’estero (a giudicare dai remake proposti in Giappone, nelle Filippine, in Thailandia e, da ultimo, in Cina). Sicuramente, ha giocato a favore una sceneggiatura brillante, che, ispirandosi al webtoon omonimo prodotto da KakaoPage e scritto da Jung Kyung-yoon (anche come romanzo), è partita da una trama già nota a gran parte del pubblico e ha saputo ricamare e costruire sopra scambi di batture e situazioni comiche che non lasciano mai scontenti, giocando con i costrutti di parole e con i colpi di scena, ma anche soprattutto con la mimica degli interpreti, in primis i due protagonisti, che, perfettamente affiatati e in sintonia, hanno saputo indossare perfettamente le loro maschere e condurre i loro personaggi con tutte le caratteristiche positive e negative del caso (dal sorriso volutamente forzato di Park Min-young al nervosismo costante di Park Seo-joon – provate a guardare la scena della gelosia repressa durante i giochi aziendali per farvi un’idea). Inoltre, la struttura comico-romantica sembrerebbe non lasciare spazio all’elemento thriller-crime, che, invece, avanza inesorabilmente e con piccoli impercettibili passi fino a diventare centrale negli episodi 11 e 12, dando una svolta improvvisa alla commedia romantica, ma riuscendo anche a tornare nei binari romance per una conclusione giustamente attesa. Questo cambio di registro e di genere è costruito lentamente e non risulta affatto improvviso, né fuori nota, dando uno sviluppo naturale, che riempie quei vuoti che potrebbe lasciare la rom-com e riuscendo a contribuire, al tempo stesso, allo sviluppo psicologico dei personaggi, che affrontano e superano gli incubi del passato per costruire un futuro insieme. In questo modo, partendo dai crismi fissi della commedia, si esce per seguire un’evoluzione più introspettiva, pur senza mai abbandonare la brillantezza tipica della rom-com.

Non sono da dimenticare le storyline secondarie che intrecciano quella (o quelle) principale/i, a cominciare dalla storia relativa alla famiglia Lee e, quindi, al rapporto tra i due fratelli e tra loro e i genitori, interpretati da Kim Byeong-ok e Kim Hye-ok, per continuare con la storia della famiglia Kim e, quindi, del rapporto tra la protagonista e le sue sorelle medico, interpretate da Baek Eun-hye e Heo Sun-mi, ma anche con il padre musicista, interpretato da Jo Deok-hyun, per finire con le storie degli impiegati all’interno dello Yumyung Group. Tra loro, risaltano in particolare la giovane segretaria Kim Ji-a (interpretata da Pyo Ye-jin di “Taxi Driver” e “Fight for My Way“), assunta per sostituire la segretaria Kim Mi-so e particolarmente impacciata e latrice di guai, e Go Gwi-nam (interpretato da Hwang Chan-sung di “Bora! Deborah – True to Love“), impiegato modello e di bell’aspetto, ma estremamente frugale al limite dell’avarizia. I due sanno regalare siparietti unici, che non annoiano mai.

Inoltre, ci sono tanti piccoli dettagli e camei che hanno impreziosito la trama e che sono stati riconosciuti da numerosi fan come una cura in più. All’episodio 10, in un flashback, compaiono gli attori Lee Min-ki e Jung So-min nel ruolo dei genitori della protagonista, ma, a loro volta, i due attori sono stati gli interpreti principali del drama “Because This is My First Life“, che il pubblico coreano (e non solo) aveva già amato molto. All’episodio 9, compare nelle vesti di se stesso Mihail Ashminov, chef bulgaro stellato, che in Corea del Sud è diventato una vera e propria celebrità in diversi programmi di cucina. Nei primi episodi, così come nell’ultimo, compare Hong Ji-yoon nel ruolo della presunta falsa fidanzata del protagonista, che, da lì a poco, è stata attrice principale del drama “My First First Love“. Al terzo episodio nel ruolo del giornalista investigativo che conduce le indagini per la protagonista troviamo l’attore Park Byung-eun, anche lui nel cast di “Because This is My First Life“, mentre all’episodio 14 nel ruolo di una compagna di classe del protagonista compare Jung Yu-mi, protagonista del drama “Love Your Enemy“, che, peraltro, mantiene il suo nome. Inoltre, protagonista indiscussa di tutta la serie è la Maserati, seppur nei diversi modelli guidati dal protagonista, da suo fratello e dal gruppo Yumyoung (nello specifico, la Ghibli, la Levante, la GranCabrio, la Quattroporte), la cui casa di produzione ha fornito direttamente le autovetture usate, finanziando il film.

Ci sono tante buone motivazioni per guardare una buona rom-com e non sempre si tratta di spegnere il cervello e rilassarsi oppure occupare il tempo, ma di saper unire intelligenza e senso dell’umorismo. D’altronde, come diceva Billy Wilder: “Inizio a fare un film, senza dire alle persone se sarà una commedia o una tragedia. Facciamo il film, raccontiamo la storia. Se è divertente, allora avremo fatto una commedia“.

Laura

Come suona la recensione?

Post in evidenza

She Was Pretty

“Un giorno, la realtà si sgretola senza preavviso rispetto alle nostre aspettative. A volte le cose non vanno come speravamo e a volte vanno molto meglio del previsto”.

Titolo originale: She Was Pretty, Geunyeoneun yeppeotda, 그녀는 예뻤다

Regia: Jung Dae-yoon

Sceneggiatura: Jo Sung-hee

Cast: Hwang Jung-eum, Park Seo-joon, Go Joon-hee, Choi Si-won, Park Yu-Hwan, Shin Hye-sun, Hwang Seok-jeong

Genere: rom-com, comedy, slice of life

Corea del Sud, 2015, kdrama, 16 episodi

Cosa rende una romcom indimenticabile? La storia e le interpretazioni. Perché non è assolutamente semplice riuscire a coinvolgere il pubblico in una trama che può sembrare semplice, arricchita dai tocchi della commedia.

I dialoghi brillanti e l’espressività degli attori riescono, infine, a dare un valore aggiunto alla commedia stessa.

Il drama di cui vi voglio parlare oggi riesce a raccogliere tutti questi elementi che lo rendono davvero speciale e, pur essendo trascorsi dieci anni da quando è stato trasmesso per la prima volta, la storia riesce ad entrare nel cuore dello spettatore che, a distanza di tempo, ricorda scene, dialoghi e battute, oltre ad una colonna sonora molto bella.

Io, personalmente, associo questo kdrama all’estate perché l’ho visto la prima volta in estate, ma in realtà fu trasmesso a settembre 2015, proprio dieci anni fa.

“She Was Pretty” racconta la storia di Kim Hye-jin (interpretata dalla bravissima Hwang Jung-eum, “Kill Me, Heal Me”, “Mystic Pop-Up Bar”) che da bambina era molto bella e popolare, gentile, dall’animo nobile e da tutti apprezzata. Il suo migliore amico, invece, Ji Sung-joon (interpretato dall’affascinante Park Seo-joon, “What’s Wrong with Secretary Kim?”, “Kill Me, Heal Me”, “Itaewon Class”, “Gyeongseong Creature”) da piccolo era un bambino sovrappeso, insicuro, sempre molto timoroso e timido.

I due bambini hanno trascorso insieme delle indimenticabili ore di gioco, hanno condiviso gioie e tristezze, come quella della perdita della madre di Sung-joon; poi, d’improvviso, la famiglia del bambino si trasferisce, ma i due si ripromettono di continuare l’amicizia anche a distanza e di sentirsi tramite lettere.

Da grandi le vite di Hye-jin e Sung-joon hanno preso strade diverse così come anche il loro aspetto fisico. Da bambina popolare e apprezzata, Hye-jin nell’adolescenza ha visto venire meno la sua bellezza compromessa da una massa di capelli ricci, gonfi e incolti e una persistente rosacea sulle guance, caratteristiche che ha preso dalla linea paterna.

Sung-joon, invece, è diventato un ragazzo attraente, sicuro di sé e non più grasso e goffo come da bambino.

Dopo molti anni, i due amici d’infanzia decidono di ritrovarsi perché non hanno mai smesso di comunicare tramite lettere ed e-mail, ma nel momento dell’incontro il ragazzo non riconosce l’amica che non si fa avanti e non si mostra a lui, credendo chiaramente che il suo aspetto fisico, peggiorato rispetto a quello che il suo amico ricordava di lei, possa destabilizzare Sung-joon.

Una volta tornata a casa chiede alla sua migliore amica con la quale divide l’appartamento, Min Ha-ri (Go Joon-hee) di farle un favore, di spacciarsi per lei con il suo amico di infanzia. Min-Ha-ri, dopo un certo timore iniziale, promette all’amica di aiutarla e di mostrarsi al posto suo. Ji Sung-joon, quindi, inizia ad uscire con Min Ha-ri, credendo che si tratti della sua amica d’infanzia, Hye-jin.

Il destino, però, ha dei piani che non sono prevedibili e un giorno Hye-jin viene assunta da una grossa compagnia e trasferita per tre mesi alla rivista “Most”, dove il capo redattore, proprio per uno scherzo del fato, è Ji Sung-joon.

Da qui nasceranno diverse incomprensioni e difficoltà, perché, da subito, la ragazza non si sente a proprio agio a lavorare alla rivista, per di più sembra che lo stesso Sung-joon la prenda di mira e la rimproveri spesso per il lavoro impreciso. Si sente sopraffatta da un senso di tristezza e amarezza, ma nel frattempo l’amica Ha-ri, che sta uscendo con Sung-joon, le riporta racconti molto positivi sul suo amico. E’ la stessa persona, eppure con lei è così diverso.

Mentre Hye-jin cerca di adattarsi al nuovo lavoro e a sopravvivere all’ambiente e allo stesso Sung-joon, c’è una persona che le rende lievi le giornate, anzi, riesce spesso a strapparle un sorriso, si tratta del collega, Kim Shin-hyuk, (interpretato da Choi Si-won, membro del gruppo musicale Super Junior), persona carismatica e spiritosa.

Shin-hyuk le dà sostegno, la conforta anche quando sembra che il suo lavoro non venga valutato abbastanza e la ragazza pian piano acquisisce più sicurezza di sé fino a farsi notare dal caporedattore Sung-joon.

Non è solo un cambio di look quello che avviene in Hye-jin, che nel frattempo inizia a curare maggiormente il suo aspetto, ma un nuovo modo di approcciarsi al lavoro, di far capire la sua importanza e il suo valore, diventa un punto di riferimento anche per i colleghi e Sung-joon inizia a guardarla con altri occhi, capendo di aver sbagliato a valutarla e di avere accanto a sé, invece, un aiuto prezioso.

Riesce così ad emergere la vera Hye-jin, non la ragazza che vuole nascondersi, ma il talento innato che è nel suo cuore, nella sua generosità, nel suo impegno.

Sung-joon si innamora di Hye-jin, ma si trova ad un bivio perché non sa come fare con la sua amica d’infanzia che, però, è Ha-ri, che nel frattempo si è davvero innamorata di Sung-joon, ma non riesce a comunicarlo all’amica. Un gioco di ruoli e di parti, un gioco di equivoci che fanno tanto bene alla commedia, con i suoi cliché anche perché, come diceva Eco: “Due cliché ci fanno ridere. Cento cliché ci commuovono”.

Questo è un punto di forza di “She Was Pretty”, i suoi cliché impreziosiscono la storia, dove i personaggi hanno bisogno di far capo a degli equivoci per capirsi, per capire cosa devono fare, per riuscire a superare i propri disagi e le proprie difficoltà emotive, a partire da Sung-Joon, che, dall’atteggiamento distaccato a lavoro, ha in sé una parte interiore che non vuole mostrare, ma che è eternamente ferita e sola come il bambino timoroso, che conosceva Hye-jin.

Ha-ri, che è sempre stata apprezzata, ma che lei stessa non ha mai provato un sentimento per qualcuno e, solo una volta investita del ruolo dell’amica, riesce a capire se stessa.

Hye-jin, che deve superare le prima vera difficoltà, accettarsi, capire di essere importante e per molte persone insostituibile. Il suo impegno, la sua voglia di imparare e di catapultarsi in una nuova realtà sono la sua vera vittoria.

Infine, c’è il second lead per eccellenza di questa rom-com, Kim Shin-hyuk, credetemi, lo apprezzerete e il suo personaggio sarà una sorpresa fino alla fine.

Da ricordare anche altri personaggi secondari, la famiglia di Hye-ri con la quale si trova come a casa anche lo stesso Sung-joon e gli impiegati di “Most” interpretati da bravi attori come Park Yu-Hwan, Shin Hye-sun, Hwang Seok-jeong e molti altri.

“She Was Pretty” è un piccolo gioiellino nel mondo delle rom-com e, se non lo avete ancora visto, vi consiglio di recuperarlo. La storia ha avuto talmente successo che anche in altri Paesi sono state girate delle versioni ispirate al drama originale.

Grazia

Come suona la recensione?

Post in evidenza

My Lovely Journey – Perdersi per ritrovarsi

“Finché trovi il faro non ti perderai”

Titolo originale: 여행을 대신해 드립니다 ‧ , “I will travel for you”, “I Will Take the Trip for You”, Yeohaengeul Daesinhae Deuribnida

Regia: Kang Sol

Ispirato al romanzo di Mahiro Harada, “Welcome Back, Traveler”

Cast: Gong Seung-yeon, Yoo Joon Sang, Hong Soo Hyun, Oh Hyun Joong, Kim Jae Young, Yoo Ji Yeon

Genere: Slice of Life, Healing Drama, Traveling

Corea del Sud, 2025, kdrama – 10 episodi

Ci sono delle storie che arrivano nel momento giusto e proprio in quel momento le accogliamo come un familiare.

“My Lovely Journey” è stato così per me, nel mese afoso di agosto, tra una giornata e l’altra di lavoro, quando avevo bisogno di staccare un po’ e di riposare, mentre attorno tutto era sospeso, questa storia mi ha trasportata in una dimensione di vacanza personale, quasi un universo parallelo.

E’ il merito di una storia apparentemente semplice, ma in realtà di una profondità incredibile, un healing drama dal potere curativo perché parla di viaggi, ma non quelli soliti a cui siamo abituati, bensì di viaggi per colmare alcuni vuoti della propria vita o delle perdite e ritrovamenti o per ricercare qualcuno che ci ha lasciato un messaggio tanto tempo fa e che siamo sicuri ritroveremo in quel luogo preciso lasciato scritto in una mappa scolorita.

“My Lovely Journey” affronta una tematica molto particolare, quella dei “viaggi sostitutivi” o “su procura” ovvero viaggi fatti dalla protagonista su commissione di altre persone che, per impossibilità o altro, non riescono direttamente ad intraprendere una qualsiasi peregrinazione.

“Chi è sempre felice in viaggio è un vero viaggiatore”

Kang Yeo-reum (Gong Seung-yeon, “My Only Love Song” e “Karma“) è un ex membro di un gruppo idol che, dopo lo scioglimento della sua band, non riuscendo ad andare avanti con la propria carriera musicale, per potersi reinventare nel mondo dello spettacolo, ha iniziato a lavorare come reporter di viaggi per un programma televisivo. Da cinque anni gira il Paese nei luoghi più diversi e caratteristici, diventando lei stessa un volto sorridente e amato dal pubblico fino a quando, nonostante i responsi positivi da parte degli spettatori e dello share, l’emittente televisiva decide di cancellare il programma in cui lavora.

Yeo-reum è disperata e non sa come affrontare il problema. Durante il suo training come idol si è sempre esercitata per migliorare se stessa, ma ora ogni suo tentativo di miglioramento non porta a dei risultati precisi, ovvero tornare a riprendere il suo lavoro. Ora, infatti, si sente abbandonata e deve cercare assolutamente un metodo per recuperare i cocci della sua esistenza.

“La vita è tutta una questione di sopportare quanto il tuo cuore ti permette”

Oh Sang-sik (Yoo Joon Sang, “Alchemy of Souls”) è il CEO di OGU Entertainment, l’agenzia che rappresenta Yeo-reum, fin dagli esordi. E’ stato proprio Sang-sik a scoprire il talento della ragazza, ai tempi molto giovane, e con lei si è sempre comportato quasi come un padre. Nonostante Sang-sik cerchi invano una soluzione e un accordo con l’emittente televisiva, per Yeo-reum non c’è futuro e tutte le porte le vengono chiuse in faccia. Le resta solo tornare nel suo paese di nascita e ammettere la “sconfitta” di non essere riuscita a diventare qualcuno, ma solo a farsi estromettere da una trasmissione tv.

Sang-sik, che è molto affezionato a Yeo-reum, cerca di organizzarsi insieme al resto del team: Yoo Ha-na (Hong Soo Hyun, “Red Balloon”), direttore finanziario della OGU, Hyun-poong (Oh Hyun Joong, “Happy End”), direttore della pianificazione e agente di Yeo-reum e il nuovo arrivato Lee Yeon-seok (Kim Jae Young, “The Judge from Hell”), laureato in ingegneria, ma che ha lasciato il suo lavoro per inseguire il suo sogno di diventare regista. Quest’ultimo ha seguito i viaggi di Yeo-reum da diverso tempo perché si occupava del montaggio dei reportage per il programma televisivo, ma ora ha deciso di cambiare ed entra a far parte del team di OGU, nutrendo in cuor suo un timido sentimento per Yeo-reum già da molto tempo.

Un giorno nella sede di Ogu Entertaiment arriva una richiesta specifica per Yeo-reum, si tratta di una signora che vive negli Stati Uniti, ma che ha necessita che qualcuno si rechi nei luoghi da dove è partita ancora bambina per capire se il braccialetto che le è rimasto sia in qualche modo legato a qualche persona, forse alla madre biologica.

All’inizio Yeo-reum non è molto contenta di dover viaggiare per conto di qualcun altro perché ritiene che il viaggio abbia un significato e un approccio personale e il doverlo affidare ad un’altra persona, andrebbe a scadere in un banalissimo viaggio senza senso.

Poi, però, si ricrede e, dopo il primo caso della donna residente negli Stati Uniti, altre richieste di viaggi sostitutivi, ognuno per un proprio motivo diverso, giungono alla agenzia che viene trasformata in una agenzia di “viaggi sostitutivi”.

“La vita è tutta una questione di prospettiva”

Così, da un giorno all’altro la vita di Yeo-reum cambia e la ragazza, viaggio dopo viaggio, avrà la possibilità di vivere le storie di altre persone, un’umanità che forse non avrebbe neanche immaginato. Le piccole cose che per le persone possono sembrare banali per qualcuno rappresentano tutto il proprio mondo.

Un viaggio per cambiare la vita di un essere umano che affida le proprie speranze a qualcun altro, qualcuno che possa viaggiare al posto suo e crescere in quel viaggio, cambiare prospettiva e arrivare a quella meta che è linfa di vita.

Yeo-reum comprende la solitudine, le difficoltà, la malattia, i rimorsi e i rimpianti e con grande forza d’animo e molta empatia entra in sintonia con la vita della gente, vivendo ogni viaggio come se fosse un libro, una storia aperta a cui dare un titolo.

“La gente pensa di poter nascondere le proprie espressioni e così via. Forse è per questo che viaggiano, perché in un posto diverso da qui possono sopportare la vita con le proprie espressioni”.

Viaggiare per comprendere se stessi perché affidare un viaggio è un passo per un cammino lungo, ma necessario e lo capirà anche la stessa Yeo-reum, quando dovrà affrontare un suo viaggio personale verso il paese che le ha dato i natali e qui riuscirà ad avvalersi di quella ricchezza che i viaggi della sua vita le hanno donato, a partire dalle persone incontrate, coloro che le hanno lasciato un sorriso, una parola gentile, uno sguardo di approvazione, quella sicurezza necessaria che fa da traino alla nostra esistenza.

“Finalmente mi sono detta le parole gentili che le persone che ho incontrato sulla strada una volta mi hanno detto”.

“My Lovely Journey” è un kdrama che mi ha stupito, ha superato le mie aspettative e lo consiglio vivamente perché è come un luogo dove umanità e gentilezza riempiono il vuoto dell’anima. Mi ha ricordato per alcuni aspetti un altro kdrama recente che ho adorato, “One Day Off” e che è una vera e propria chicca nel panorama dei drama.

“My Lovely Journey” vanta un cast di attori molto bravi con delle storie presentate in ogni episodio che scaldano il cuore e in aggiunta una colonna sonora e dei paesaggi meravigliosi che vi terranno compagnia e vi ispireranno per futuri viaggi.

Ispirato al romanzo di Mahiro Harada, “Welcome Back, Traveler”, spero che presto questo kdrama possa arrivare una seconda stagione per comprendere meglio alcune storie rimaste in sospeso e altre accennate.

Ricordatevi che viaggiare è vivere, ma è sempre meglio avere un faro da tenere sott’occhio per non perdersi.

“Finché trovi il faro non ti perderai.

Se non trovi il faro tutto ciò che devi fare è attendere che l’acqua si ritiri, come la marea”.

Grazia

Come suona la recensione?

Post in evidenza

Mercy for None (ovvero della misericordia e della famiglia)

“Sono tornato indietro per seppellire il mio passato”.

Titolo originale: 광장 (Gwangjang); anche noto con il titolo originale “Plaza Wars“

Regia: Choi Sung-Eun

Sceneggiatura: Yoo Ki-Sung

Dal webcomic “Plaza Wars” di: Oh Se-Hyeong, Kim Kyun-Tae

Cast: So Ji-sub, Heo Jun-ho, Jo Han-chul, Lee Jun-hyuk, Jung Gun-joo, Ahn Kil-kang, Gong Myung, Ahn Se-ho, Kang Shin-hyo, Lee Dong-ha, Choo Young-woo, Lee Beom-soo, Lee Sang-hee & Cha Seung-won

Genere: thriller/action/crime/drama

Corea del Sud, 2025 – kdrama 7 episodi

Il genere “hard-boiled” ha origini nelle detective stories americane di inizio ‘900, quando un torvo investigatore americano, presumibilmente in bianco e nero e carico di risentimenti nei confronti della vita, alzava per sbaglio la cornetta di un vecchio telefono e, alla luce fioca di una sigaretta, apprendeva dettagli di un cruento delitto. In Estremo Oriente, l’hard-boiled è diventato un genere a sé, aprendo un nuovo capitolo dell’arte cinematografica e televisiva, che mischia crime, thriller, storie di vendetta e di criminalità organizzata, eroi depressi e killer stanchi della vita, personaggi depravati e lirici al tempo stesso, violenza estrema e grande compassione, e lo fa con pennellate ad olio, macchie indistinte di colore spento e cupo e chiaroscuri che sembrano usciti da Rubens.

“Mercy for None” ha l’etica e l’estetica del miglior hard-boiled prodotto in Estremo Oriente, cupo e violento quanto basta per beccarsi una censura per i minori, gore e pulp a tratti come un fumetto grottesco, ma anche nostalgico e malinconico con i suoi personaggi disperati e contraddittori, amareggiati dalla vita, eppure ancora così attaccati al ricordo delle emozioni dei propri affetti. Una visione cruda, terribile, incisiva, che alterna bianco e neri a schizzi rossi di sangue, ma che io ho trovato meravigliosa. E, pertanto, cercherò di parlarne di seguito, senza fare spoiler.

AVVERTENZA! Per chi è impressionabile, c’è veramente tanta – ma tanta – violenza nelle scene di questo drama, ma è anche quasi impossibile mandarle avanti velocemente, perché ogni scena violenta è funzionale a comprendere la trama e, soprattutto, la psicologia dei personaggi. E, poi, sono così ben coreografate da farle sembrare sequenze di una danza della morte.

Bianco e nero marcato. Due uomini in auto. Uno inforca gli occhiali, augurando buona fortuna all’altro, che, indossato il tirapugni sui guanti di pelle, esce dall’auto e si getta in una mischia di enorme violenza, dove le gang rivali si affrontano per ottenere l’egemonia sul territorio e pioggia e fango si mischiano al sangue delle ferite aperte.

I due uomini sono i fratelli: Nam Gi-jun (interpretato da So Ji-sub di “Oh My Venus” e “Doctor Lawyer“), il maggiore, la macchina letale in grado di uccidere a mani nude gli avversari, lo spietato esecutore dei capi dell’organizzazione criminale, colui a cui è affidato il compito di risolvere definitivamente le questioni; e Nam Gi-seok (interpretato da Lee Joon-hyuk di “Love Scout“, “Dong-jae: The Good or the Bastard” e “Stranger“), il minore, l’intellettuale e il burocrate, colui che salvaguarda le spalle economiche e legali dell’organizzazione criminale, una figura a metà tra il legale e il contabile, super partes su ogni cosa.

Sono trascorsi molti anni da quando i due fratelli erano in auto insieme, supportandosi a vicenda nella loro strada criminale. Ne sono trascorsi undici, da quando il maggiore dei due, Nam Gi-jun, ha abbandonato quella vita, decidendo di ritirarsi per sempre dal mondo criminale, dopo aver riportato una pace apparente tra le diverse gang, finite nel baratro della guerra per un grave incidente che ha colpito il figlio del boss. Nam Gi-jun è diventato eroe e colpevole, al tempo stesso, di quel nuovo clima, che ha contribuito a creare, pagando personalmente il suo ritiro con la recisione del tendine d’Achille (un topos tipico del genere hard-boiled come del genere western, insieme alla perdita di una mano, perché indica una menomazione non tanto del fisico, quanto del percorso, l’impossibilità di continuare quella strada intrapresa).

Per undici anni, Gi-jun vive ritirato e in solitaria nella sua roulotte ai margini della città, dove vende abbigliamento e materiale da pesca e da trekking, mentre l’associazione a delinquere per cui lavorava si è scissa in due rami rivali in apparente stasi tra loro: “Joowon”, gestita da Lee Joo-won (Huh Joon-ho di “Designated Survivor – 60 Days” e “Why Her?“), il cui figlio, Lee Geum-son (Choo Young-woo di “Once Upon a Small Town – L’amore lontano dalla città“), è ora un giovane procuratore in carriera; e “Bongsan”, gestita da Gu Bong-san (Ahn Gil-kang di “A Shop for Killers” e “Tale of a Nine-Tailed“), il cui figlio, Gu Jun-mo (Gong Myung di “Way Back Love” e “Individualist Miss Ji-young“), è uno scansafatiche viziato e crudele, abituato ad ottenere tutto.

Per undici anni, tutti hanno mantenuto la pace garantita da Gi-jun e hanno aziendalizzato le loro organizzazioni, passando dalla criminalità da strada ai colletti bianchi. Nel nuovo ordine, il fratello minore, Gi-seok, ha trovato la sua naturale posizione, investito del ruolo di trasformare e ripulire l’onta criminale dalla Joowon e divenendo ufficiosamente il suo erede dopo il ritiro di Lee Joo-won. Fino a quando, un malvivente non lo uccide inaspettatamente nel parcheggio sotterraneo della sua abitazione.

Nessuno sa chi possa essere il colpevole dell’omicidio, eppure tutti sanno chi e quante persone nutrivano motivi di astio nei suoi confronti e/o nei confronti del vecchio Joowon. Ma, mentre Joowon, coadiuvato dal suo direttore generale Choi Sung-cheol (Jo Han-chul di “Healer” e “Vincenzo“) cerca i responsabili della morte del suo delfino, e Bongsan, con l’auto del suo assistente Kim Chun-seok (Ahn Se-ho di “Trigger“), cerca di scagionare il figlio dall’accusa, Gi-jun si sveglia come un leone in quiescenza per cercare vendetta per la morte del fratello.

E, come direbbe il Rigoletto, sarà una terribile, tremenda e soave vendetta, una di quelle vendette che non risparmierà nessuno per qualsiasi minima colpa e azione, scavando nel passato di quanto accaduto sia a lui e al fratello, che a tutte le organizzazioni malavitose coinvolte, indagando nelle complessità presenti, nei tradimenti celati e pianificati, nelle prese di potere di subordinati e nei cambi di potere, nei rapporti tra la malavita e il mondo dell’economia, ma anche della politica, della giustizia e, infine, della polizia, che vanta il più temibile e terribile amico/nemico di qualsiasi organizzazione, il Deus ex machina Cha Yeong-do (interpretato da Cha Seung-won di “A Korean Odyssey” e “You’re all surrounded“), anche noto come Mr. Kim, sovrintendente della polizia metropolitana di Seoul, ma anche garante dell’esistenza di Joowon e Bongsan, nonché loro intermediario.

Gi-jun si aggira in questo modo in un tempo e in un luogo immoto, che potrebbe benissimo coincidere con una notte così come con una vita intera, stanco, muto e amareggiato, trascinando la sua gamba zoppa e un po’ anche se stesso, con le occhiaie insonni di anni di sofferenze e di isolamento, ma la volontà cristallina di mantenere intatti i bei ricordi e i valori, quelli dell’affetto e della fratellanza, che hanno sempre caratterizzato la sua eterna protezione nei confronti del fratello minore. Perché Gi-jun insegna che ci sono valori e sentimenti che vanno al di là di qualsiasi logica e di qualsiasi tattica e che diventano assoluti nella loro negazione di bene e male. Insegna la parabola nostalgica di un killer, che ha perso la purezza e l’ingenuità del mondo e, forse, col tempo, ha anche un po’ perso se stesso, ma non ha mai perso quel barlume di luce annidato nel fondo della sua anima e che è racchiuso nell’affetto per il fratello minore. E, nella sua ballata romantica e autodistruttiva verso l’annientamento e la morte, insegna che tutti, alla fine, siamo umani, anche nelle nostre bassezze, nei tentativi di annullarsi e in quelli di portarci alla gloria, nelle rabbie, nelle vendette, nelle paure e nelle follie, nelle emozioni e nelle innumerevoli contraddizioni che, strada facendo, si delineano in ogni personaggio incontrato durante il cammino di distruzione di Gi-jun, mentre attraversa non solo i propri ricordi, ma anche i ricordi di coloro in cui si imbatte.

Menzione speciale: c’è una società, di nome N-Clean, che serve a “ripulire” i delitti, creando diversivi ugualmente criminali, oppure è utilizzata per “socializzare” un crimine, attraverso una vera e propria gara d’appalto per la commissione (di solito, offerta a piccoli criminali e malavitosi da strada o a semplici tossici disponibili al delitto); non so come sia venuta un’idea simile, ma le interpretazioni di Lee Beom-soo (della serie di film “The Roundup“) nei panni del direttore generale Sim Seong-won, e di Lee Sang-hee (di “My Name is Loh Kiwan) nei panni dell’avvocatessa Yoon sono talmente perfette da meritare una serie spin-off a sé.

Altra menzione speciale per Jung Gun-joo che interpreta l’unico personaggio coerente e senza chiaroscuri della serie, ma soprattutto l’unico vero alleato di Gi-jun, l’assistente di Gi-seok, Cheon Hae-Beom.

Laura

Come suona la recensione?

Post in evidenza

House of Ninjas (ovvero del senso di colpa e del riscatto)

“Ricorda, non combattere mai, a meno che tu non sia sicuro di vincere”.

Titolo originale: 忍びの家, Shinobi no ie; lett. The House of Shinobi

Regia: Takimoto Tomoyuki, Dave Boyle e Kento Kaku

Sceneggiatura: Yamahura Masahiro e Kento Kaku

Da un’idea di: Dave Boyle e Kento Kaku, con Imai Takafumi e Murao Yoshiaki

Cast: Kento Kaku, Yosuke Eguchi, Tae Kimura, Kengo Kora, Aju Makita, Nobuko Miyamoto, Riho Yoshioka, Tomorowo Taguchi, Pierre Taki, Takayuki Yamada, Tenta Banka, Tokio Emoto, Mariko Tasuitsui

Genere: action/ drama /thriller/ crime

Giappone, 2024 – j-drama, 8 episodi

Se Tarantino ha utilizzato indebitamente il nome di Hattori Hanzo nella sua duologia di “Kill Bill” per creare la figura di un leggendario maestro spadaio, anche noto come “l’uomo di Okinawa”, che fornisce armi e addestramento alla Sposa, Dave Boyle e Kento Kaku hanno ripreso la sua eredità ancestrale originaria, rendendo questa figura di guerriero così decisiva per la costruzione dello shogunato giapponese come capostipite della famiglia protagonista di questo drama giapponese, che, tra atti eroici e crisi familiari, riescono ad essere così vicini all’ordinarietà umana, pur nella loro leggenda.

Li conosciamo con ninja (忍者), anche se la pronuncia kon dei kanji che ne compongono il nome sarebbe più correttamente shinobi e suona come “coloro che si nascondono nell’ombra”. La loro nascita in Giappone è molto più recondita e misteriosa di quello che un semplice nome può significare, avvolta nella leggenda dei tempi passati che si perdono nella storia. Durante il feudalesimo giapponese, erano spie, specialisti di infiltrazione e sabotaggio, assassini, dediti ad atti criminali e di guerriglia su commissione, dalle abilità belliche e di combattimento incredibili, con grande disprezzo per la propria vita e per il rischio delle vite altrui, ma troppo “disonorevoli” per essere samurai (e, quindi, spesso loro braccio armato e oscuro). Furono determinanti nel periodo Sengoku, anche noto come il periodo degli “Stati combattenti” tra il 1467 e il 1603, utilizzati come mercenari prezzolati dalle figure di spicco di quella che è stata una delle più grandi e importanti crisi politiche del Giappone e che ha visto affrontarsi, con qualsiasi mezzo, diversi signori della guerra e nobili feudatari, per cui sono stati condannati all’oblio e alla sparizione forzata durante lo Shogunato, quando fu ripristinata la normalità sulle isole giapponesi, salvo costituire un gruppo di spie specializzato e segreto agli ordini proprio dello Shogun.

Forse è proprio per questo motivo che questa caduta nell’ombra li ha resi leggendari nella loro oscurità e clandestinità: pur non esistendo ufficialmente, nei secoli successivi, uscirono numerosi manuali ninja, che insegnavano le tecniche di lotta, di guerriglia, di spionaggio e anche di guerra psicologica utilizzati dai “guerrieri-ombra”, mentre i ninja rimasti di diffusero nel territorio, dividendosi in corporazioni e in clan familiari gerarchizzati e prendendo ordini dai vertici istituzionali che li reclutavano.

Con tali premesse, inizia anche la storia di “House of Ninjas“, dove i guerrieri-ombra per secoli hanno dominato nell’oscurità la storia giapponese, prima al servizio di diversi signori e dello Shogun, poi al servizio dell’imperatore giapponese.

In questo modo, ha sempre vissuto per secoli la famiglia shinobu Tawara, composta dall’anziana matriarca, Taki (Nobuko Miyamoto), dal figlio Soichi (Yosuke Eguchi di “Rurouni Kenshin“), dalla moglie Yoko (Tae Kimura), dai figli maggiori Gaku (Kengo Kōra di “Norwegian Wood“) e Haru (Kento Kaku di “Like a Dragon: Yakuza” ed “Alice in Borderland 3“, qui anche regista e sceneggiatore) e dalla figlia minore Nagi (Aju Nakita).

Quando lo spettatore fa la conoscenza di questa leggendaria famiglia di ninja, però, è successo qualcosa che ha spezzato la loro sicurezza e il loro coraggio, costringendoli a ritirarsi dal mondo dello spionaggio e delle missioni speciali e gettandoli anche in un baratro di depressione. Sei anni prima, infatti, durante una missione per salvare un politico da un rapimento, il figlio maggiore, Gaku, è rimasto ucciso e il suo corpo è finito disperso, lasciando nello sconforto e nel senso di colpa tutti i suoi familiari, a cominciare dal padre, che lo aveva inviato in missione, per continuare con la madre, che crede di non averlo protetto abbastanza, per finire, soprattutto, col fratello Haru, che si trovava sul luogo insieme a Gaku e che ha avuto un attimo di esitazione nell’intervenire per uccidere il contendente del fratello, non riuscendo, così, a salvargli la vita.

Sei anni dopo, Soichi e Yoko sono diventati produttori di birra artigianale, rifiutano qualsiasi mezzo del passato ninja e curano con dedizione la loro casa di periferia, allietata dall’arrivo di un altro figlio, Riku (Tenta Banka). Intanto, Taki è diventata una nonna a tempo pieno, anche se molto stramba e tra le nuvole, mentre la giovane Nagi, ormai cresciuta, è un’adolescente disadattata e otaku che ha iniziato l’università. Haru, invece, continua a convivere con il senso di colpa e la vergogna ed è diventato un adulto triste e solitario, negandosi qualsiasi piacere della vita e nascondendosi quasi dalla società, mentre vive in una piccola stanza in città, da cui si allontana solo per il lavoro come addetto ai distributori automatici.

“La prima priorità di un ninja è vincere senza combattere“. – Masaaki Hatsumi

Tuttavia, non si possono nascondere sempre le abilità ninja, soprattutto non quando sono così radicate nel DNA. All’insaputa di Soichi, la figlia Nagi mantiene una doppia vita, dividendosi tra la grigia studentessa universitaria che interpreta ogni giorno e la ladra di cimeli nei musei che si muove nell’ombra con le sue abilità. Così, anche la madre, Yoko, che finge di aiutare il marito nel suo birrificio e si scopre una casalinga perfetta, è rimasta sempre in contatto con polizia e servizi segreti per qualche piccola missione nell’anonimato, mentre l’anziana Taki si è messa ad insegnare al giovane nipote Riku i principi del codice shinobu, senza tralasciare dei veri e propri workshop pratici per addestrare il bambino come un ninja.

Anche Haru, che sembra mantenere salvaguardato il giuramento paterno e che soffre ogni giorno per la scomparsa del fratello, non riesce sempre a nascondere le sue abilità e si trova più volte costretto ad usarla per piccoli e banali interventi, che, però, possono determinare la salvezza della vita di coloro che gli sono accanto. Nonostante la sua prudenza costante e l’essersi quasi ritirato dal mondo, questi suoi atti altruisti e disinteressati richiamano l’attenzione di Karen Ito (Riho Yoshioka), una giornalista in cui si imbatte quasi ogni giorno in un piccolo ristorante di manzo vicino casa e che inizia a seguire il suo caso.

Il fatto è che i Tawara sono pur sempre degli shinobi e non solo faticano a nascondere le proprie abilità, ma faticano anche a nascondersi da chi li sta cercando, che siano istituzioni e agenzie governative per cui hanno lavorato o giornalisti a caccia dello scoop, che, poi, diventano amici, confidenti o qualcosa di più, o, infine, nemici acerrimi, come il clan Fuma, comandato da Yosuke Tsujioka (Takayuki Yamada di “Gridare amore al centro del mondo“), da sempre ostile ai Tawara, considerato responsabile della morte di Gaku e a capo del culto Gentenkai, una sorta di filosofia delirante che mira a costruire un nuovo ordine del mondo. Sollecitati dalla polizia, tra cui il detective Zensuke Omi (Pierre Taki di “Tokyo Swindlers“) e dal Bureau of Ninja Management, gestito da Majin Hamashima (Tomorowo Taguchi, attore feticcio di Takashi Miike), coadiuvato da Masamitsu Oki (Tokio Emoto di “Perfect Days“), i Tawara devono tornare in azione in modo silente e oscuro, per impedire che i Fuma destabilizzino la società e per fermare il loro culto, ma anche per ottenere finalmente quella vendetta e quel riscatto cercati sin dalla morte di Gaku. Fino a quando, però, non torna improvvisamente Gaku, che tutti credevano morto.

“La tua gentilezza è diventata la tua debolezza”.

“House of Ninjas” è un poema romantico e decadente su un mondo nascosto e tradizionale che sta tramontando, ma che lascia dietro di sé ancora quella scia di memorie mai perdute. Azione e dramma psicologico di mescolano insieme, in una trama che sembra riprendere i vecchi film di arti marziali e il gore pulp alla Tarantino, per mescolarli con il western alla Sergio Leone e con la commedia di crisi psicologica alla Woody Allen, passando da momenti di silenzi cupi a dialoghi brillanti, da personaggi volutamente solitari e tutti diversamente introversi e disturbati alla scoperta di se stessi, fino alla lirica di una storia d’amore inaspettata, sbocciata nel mezzo del pericolo. Sarà anche per questa commistione di generi, per la sceneggiatura incredibile di Kento Kaku, che sembra ritrarre le personalità dei protagonisti con inchiostro di china, sconvolgendo totalmente gli stereotipi sul genere e ripristinando l’originalità culturale giapponese, per la fermezza della doppia regia di Dave Boyle e Kento Kaku (abbiamo già detto che questo ragazzo, proveniente dal mondo del doppiaggio degli anime, sa fare praticamente tutto?), per le interpretazioni perfette e per la particolarità e l’incisività con cui è affrontata la materia che il j-drama ha avuto un successo inaspettato in tutto il mondo, entrando nella classifica dei prodotti più visti su Netflix al momento dell’uscita e ricevendo innumerevoli apprezzamenti e critiche positive.

Ma, soprattutto, “House of Ninjas” è l’apologia della caduta e della risalita, partendo dal senso di colpa che annichilisce l’animo e che attraversa tutte le fasi del dolore e del lutto fino ad arrivare all’accettazione, alla rassegnazione e all’azzeramento delle preoccupazioni per ripartire, dove l’obiettivo fondamentale della vendetta a lungo termine nei confronti di chi ha cagionato del male alla propria famiglia, coincide con il riscatto di se stessi e dei propri ricordi per consentire di rivivere il passato senza più provare dolore e scagionarsi dalle colpe in cui ci si è incastrati per tutta la vita.

Non serve essere ninja per comprendere la sofferenza e la depressione a cui sono legati tutti i componenti della famiglia Tawara, uniti solo dal lutto e da un’antica tradizione, ma, di fatto, disuniti proprio nel dolore. La loro condizione è quanto di più umano possa esistere e avere particolari abilità e doti fuori dal comune non rende esenti dal soffrire. Il loro dolore, che ognuno cerca di provare in solitaria, è la loro ricchezza e debolezza, al tempo stesso, ciò che li rende unici rispetto all’immagine cristallizzata di un ninja, umani e fragili, eppure così invincibili nelle risorse che solo la lunga sofferenza attraversata, elaborata e compresa, in tutte le sue fasi, sa fornire. Perché non bisogna demonizzare il dolore, la tristezza e la paura: sono gli unici veri super poteri che possono rendere grandi gli esseri umani.

Laura

Come suona la recensione?

Post in evidenza

The Package

“Se preparerai le valigie imparerai chi sei. Non si tratta solo di mettere in valigia dei vestiti, realizzerai ciò che ti piace di più. Ti renderai anche conto a cosa dovrai rinunciare e imparerai a cosa non devi rinunciare. Compra una nuova borsa e prepara le tue cose, se lo farai imparerai chi sei e capirai anche dove vuoi andare”.

Titolo originale: 더 패키지, Deo Paekiji

Regia di: Kim Jin-won, Jun Chang-geun

Scritto da: Chun Sung Il

Cast: Lee Yon-hee, Sung Dong-il, Jung Yong-hwa, Jung Kyoo-so, Lee Ji-hyun, Choi Woo-shik, Ha Si Eun, Ryu Seung-soo, Yoon Park

Genere: commedia, romance, viaggio, vita

Corea del Sud, 2017, kdrama, 12 episodi

Si viaggia per dimenticare un po’ se stessi. Si viaggia per recuperare quella parte di se stessi che è andata smarrita per via della fretta e della fatica di tutti i giorni. Si viaggia per fuggire dall’ordinarietà e per tornarci dopo aver apprezzato quello che manca dell’ordinarietà stessa.

Viaggiare è sperimentare una nuova vita, per un breve periodo, ma è terapeutico per la nostra esistenza.

“The Package” è un k-drama del 2017 a dir poco sorprendente per la trama originale e per i dialoghi brillanti, ma anche per il valore aggiunto di essere un drama corale dove i personaggi sono da scoprire pian piano, ognuno in viaggio per riflettere sulla propria vita attuale e per aprire un nuovo capitolo.

La storia parla di un viaggio organizzato di un gruppo di sette turisti coreani in Francia, la cui guida, di nome Yo So-so (Lee Yon-hee, “Welcome to Wedding Hell”, ”New Year Blues”), li attende all’aeroporto di Parigi. Lee So-so è una ragazza coreana che da qualche anno abita in Francia dove si è stabilita, contrariamente al volere della famiglia, per seguire un amore che poi l’ha abbandonata, lasciandole una profonda e cocente delusione. La ragazza ha continuato la sua vita in Francia lavorando per una agenzia di viaggi condotta da un suo connazionale alquanto strambo e bizzarro, interpretato dal bravissimo Sung Dong-il (“Miss Hammurabi”, “Hwarang”, “My Girlfriend is a Gumiho“, “Jirisan” e molti altri).

Lee So-so cerca di dedicare con passione tutto il suo tempo al lavoro come guida turistica, impegnandosi a migliorare sempre di più le proprie competenze e il pacchetto Premium che viene arricchito da nuove proposte turistiche e visite nei luoghi più affascinanti della capitale francese. Insieme ai suoi visitatori passeggia per le strade di Parigi, li accompagna nei posti più ambiti e più richiesti, dedicandosi anima e corpo a farli rilassare e a far scoprire loro il meraviglioso patrimonio artistico e culturale francese.

Questa volta, però, il gruppo di turisti che la ragazza deve accogliere in aeroporto è alquanto particolare, è composto solamente da sette persone che, però, da subito si rivelano problematiche perché molto diverse tra loro, soprattutto come carattere e personalità.

La coppia più anziana composta da Oh Gab-soo (Jung Kyoo-so, “Healer”), un uomo molto testardo e attaccabrighe che continua a lamentarsi di tutto, dell’attesa in aeroporto, del servizio e del cibo completamente differente da quello tipico coreano e dalla moglie, la dolce e paziente Han Bok-ja (Lee Ji-hyun, “Dream”) che invece si scusa per i comportamenti del marito.

La coppia più giovane composta da Kim Kyung-jae (Choi Woo-shik, “Parasite”, “Our Beloved Summer”) e Han So-ran (Ha Si Eun, “A Place in the Sun”) sono due fidanzati che festeggiano il settimo anno insieme, ma stanno intraprendendo questo viaggio per superare i problemi di coppia. Kim Kyung-jae è sempre a telefono con il suo investitore per avere aggiornamenti e spesso è nervoso per questo motivo, mentre Han So-ran, con costanti problemi intestinali e di digestione, sente che la sua relazione sta sfiorendo e vorrebbe fare qualcosa per impedire la separazione. Le piace fare shopping, ma viene spesso interrotta dal suo fidanzato che ritiene questa attività una perdita di tempo e di soldi.

La terza coppia è formata da Jung Yun-sung (Ryu Seung-soo, “Forest”) e Jung Na-hyun (Park Yoo-na, “Sky Castle”), una coppia particolare perché sarebbero padre e figlia, ma non lo chiariscono esplicitamente con gli altri lasciando intorno a sé un alone di mistero. In realtà, Yun-sung ha perso la moglie molto giovane e ha cresciuto da solo la bambina, con la quale, ora, adolescente, non riesce a trovare un dialogo come quello che avevano una volta. Na-hyun non vuole nemmeno che si sappia che sia in vacanza con il padre. Yun-sung, invece, ha deciso di intraprendere questa vacanza con lei per trascorrere del tempo insieme, per avere dei ricordi e per far accettare alla figlia la presenza della sua fidanzata che lo ha atteso per diverso tempo, ma che sa di non essere ben voluta dalla ragazza. Na-hyun è sempre immersa nel suo mondo composto da video che pubblica sui canali social e non sarà facile farla interessare alla vacanza.

Infine, l’ultimo del gruppo è San Ma-roo (interpretato da Jung Yong-hwa dei CNBLUE) che è partito da solo dopo essere stato lasciato dalla fidanzata, così ha deciso di prendersi una pausa dal lavoro e di intraprendere il viaggio che avrebbe dovuto fare con la fidanzata stessa. Da subito San Ma-roo si rivela un pasticcione e con la testa fra nuvole, fa ritardare tutti al momento dell’arrivo in Francia perché viene bloccato ai controlli per un caso di omonimia e per la valigia sospetta.

Il pacchetto turistico è molto ricco e la guida So-so cerca di valorizzare ogni momento, scontrandosi spesso, però, con le differenti personalità dei suoi viaggiatori e dei loro pregiudizi verso stili di vita diversi, una cucina a cui non sono abituati e molte difficoltà di adattamento.

Nei suoi dodici episodi “The Package” riesce a non essere mai banale e a portare avanti, attraverso flashback o con diverse linee narrative coinvolgenti, le vite dei sette turisti, conosceremo, infatti, pian piano il motivo per cui hanno optato per questo pacchetto vacanze e anche il nostro giudizio su di loro cambierà lungo la narrazione.

Comprenderemo meglio il carattere del brontolone Oh Gab-soo, che all’inizio sembrerà la persona più irruente del gruppo, mentre in seguito capiremo che ha un istinto protettivo innato e che si affeziona facilmente alle persone, cerca di proteggere la moglie e sa che senza di lei non riuscirebbe a sopportare le giornate. Han Bok-ja, moglie di Gab-soo, che, nonostante possa sembrare una persona compassata e dall’aspetto fragile, ha una forza interiore e una resilienza che sono la vera potenza della sua famiglia e che ha voluto intraprendere questo viaggio perché di fronte ad un momento importante della sua vita.

La giovane coppia di fidanzati composta da Kim Kyung-jae e Han So-ran dovrà, invece, riuscire a recuperare la propria relazione, solo dopo aver recuperato se stessi e aver superato la paura del fallimento, il vero e proprio cruccio di entrambi.

Jung Yun-sung e Jung Na-hyun, che impareremo a conoscere durante il viaggio, saranno due personaggi molto importanti e alla ragazza verrà affidato il compito di trarre il significato del viaggio che accomunerà ognuno di loro.

Infine, San Ma-roo. A lui vengono affidate le parti più esilaranti della storia, anche per via del suo candore e del suo modo di fare quasi svagato, pur avendo alle spalle una storia delicata sul lavoro dove ha scoperto alcuni fatti illeciti e averli denunciati.

Tra le scene più divertenti da ricordare con lui proprio quella ambientata a Mont Saint-Michel dove Ma-roo provoca un incidente imbarazzante e, dopo le scuse pubbliche, il sindaco della città promette di aprire per un giorno il passaggio che porta fino alla statua dell’angelo Michele in cima a Mont Saint-Michel.

Ai piedi dell’angelo, So-so e Ma-roo si incontrano faccia a faccia e iniziano a legare e a confidarsi. A So-so era stato predetto che avrebbe incontrato il vero amore solo ai piedi di un angelo, ma la ragazza, dopo il fallimento del suo fidanzamento, fatica a credere a questo segno del destino, anche se, in realtà, i due giovani riescono a farsi compagnia e a scrollare dalle proprie spalle il macigno di insicurezze e di incomprensioni.

Da ricordare, prima di concludere, un altro personaggio a cui vengono affidate tra le scene più memorabili e esilaranti del drama, Yoon Soo-soo, interpretato da Yoon Park (“Doctor Slump”), che esce dal carcere e si reca a Parigi in cerca di So-so, provocando una serie di simpatici malintesi.

“The Package” è una serie che riesce a coinvolgere da subito e che ha il dono di passare da momenti di pura leggerezza e comicità a momenti di profonda riflessione e commozione e questo perché pian piano lo spettatore analizzerà la psicologia di tutti i viaggiatori, senza nemmeno accorgersene. Un viaggio, infatti, può cambiare la propria concezione di vita, incoraggiarti ad affrontare situazioni in sospeso, trasportarti quasi in un’altra dimensione.

Alla fine del viaggio ognuno di loro tornerà nella vecchia vita, più ricco di esperienze, di ricordi, di coraggio e anche di profonda malinconia per aver terminato un percorso importante e così anche per la guida So-so che lascia un pezzetto di cuore per questo gruppo particolare al quale si è affezionata e, dopo averli accompagnati in aeroporto per la partenza, torna sul pullman che la riporta a Parigi e scorge i posti vuoti che fino a qualche ora prima erano occupati dai suoi turisti, le sembra ancora di vederli seduti lì, ognuno con la propria tipica espressione.

Perché il viaggio è anche questo, l’andata e il ritorno, la speranza e l’illusione, la fatica e l’adattamento, la bellezza e lo stupore, l’attaccamento e la voglia di evadere.

Le persone vanno in vacanza per diventare felici o forse per avvicinarci il più possibile al significato astratto di felicità!

Grazia

Come suona la recensione?

Post in evidenza

Stray Kids a Roma – dominATE Tour

Buondì a tutti voi!!! Alla tastiera ci sono io Alessandra!!!!!

Lo so lo so è passato un mese dal concerto degli Stray Kids a Roma, ma, fanciulli miei, per la mente di tutti noi Stay che eravamo lì è come se il concerto fosse successo ieri, ma coooooomunque, bando alle ciance – ciancio alle bande, inizio a raccontarvi la mia esperienza.

La giornata è partita con la partenza da Milano, io e le mie compagne di avventura durante il viaggio in treno abbiamo intrecciato qualche braccialettino da poter poi regalare e scambiare con le altre Stay.

Una volta arrivate alla stanza e cambiate, ci siamo avviate per raggiungere l’Olimpico; ci abbiamo messo un pochino perché gli autobus erano veramente stra-pieni, una volta riuscite a salire si sentivano Stay provenienti anche da altri paesi e questo devo dire che mi rende molto felice.

Finalmente arrivate allo stadio, si poteva sentire l’adrenalina salire, il merch (preso d’assalto già dal giorno prima), con una lunga coda, ma la parte migliore era davanti ai cancelli, in questa piccola piazzetta si era creata l’area freebies, tutte noi Stay che ci scambiavamo braccialetti, collane, anelli, orecchini, phone strap, card, biglietti e tantissimi altri oggetti che rappresentavano le canzoni, il gruppo o il singolo membro, tutto fatto a mano.

Davanti ad una parte di venditori ambulanti (che riproducevano musica dei ragazzi), si era creata anche una random dance con musiche di altri artisti.

Ovviamente, mentre io e le mie amiche eravamo fuori a scambiare e prendere tutti i freebies, gli Stay che avevano pagato il soundcheck erano dentro.

Quando finalmente è giunto il mio momento di entrare, stavo iniziando a rendermi conto che era tutto vero, trovato il mio posto, mi sono seduta e…ragazzi miei, la visuale era WOW.  Sono riuscita a godermi lo spettacolo pienamente, e a riprendere il tutto (certo alcuni pezzi mi perdevo con l’inquadratura perché non guardavo lo schermo ma loro), ma tutte le riprese le ho fatte senza dare fastidio alle persone dietro con il telefono.

Lo spettacolo è iniziato e boato di urla, finalmente la consapevolezza di essere lì con loro davanti a cantare e ballare davanti a noi, quando gli SKZ si sono presentati parlando in italiano, non sapevo se ridere o piangere, era un mix tra emozione e divertimento.

Per tutto lo spettacolo i ragazzi hanno inserito nei loro discorsi parole in italiano, abbiamo partecipato a interazioni e siamo riusciti a realizzare la bandiera italiana con i flash e ne sono stati veramente colpiti, ma quello che li ha lasciati  senza parole è stato il momento del fan project, perché nella parte finale del video abbiamo cantato un verso di Cover Me, e vedere gli occhi lucidi e commossi dei ragazzi con noi fan che cantavamo è stata una sensazione indescrivibile.

Non sto qui a descrivervi tutte le canzoni, ma vi posso mostrare delle brevi parti delle varie esibizioni, mi scuso se sentite me stonare come una campana o fare dei versi ma in quel momento la mia sanità mentale non era molto presente.

Essendo l’ultimo concerto di questo dominATE tour durato un anno, i ragazzi erano molto emotivi e onestamente anche noi, abbiamo tutti concluso il concerto con dei sentimenti di gratitudine, non solo per gli Stray Kids e gli Stay di tutto il mondo ma anche per i ballerini, la band e per tutto lo staff che ha partecipato a rendere tutto ciò possibile.

Ovviamente, dopo che le luci si sono realmente accese e quindi il concerto è davvero finito, c’erano Stay che come me erano ancora sconvolte da quello che avevamo visto e Stay più sensibili che piangevano. Di una cosa però sono certa: tutti noi eravamo senza voce e con ancora più amore nei loro confronti.

Detto ciò, grazie alle due Admin per avermi dato anche questa volta l’opportunità di poter condividere questa esperienza con voi, grazie a voi lettori, grazie a tutte le Stay che erano presenti al concerto con cui ho scambiato parole, freebies e fatto foto al mio lightstick, ma soprattutto…

GRAZIE, STRAY KIDS.

Alessandra

(video con pezzi del concerto alla pagina IG di @strangerclubofseries)

Post in evidenza

Good Luck

“Sai io credo che se esistesse un qualsiasi Dio, non sarebbe in nessuno di noi. Né in te, né in me. Ma solo in questo piccolo spazio nel mezzo. Se c’è una qualsiasi magia in questo mondo, deve essere nel tentativo di capire qualcuno condividendo qualcosa. Lo so, è quasi impossibile riuscirci, ma che importa in fondo? La risposta deve essere nel tentativo”.

Titolo originale: グッドラック, Good Luck

Scritto e diretto da: Adachi Shin

Cast: Sano Hiroki, Amano Hana, Kato Saki, Ayame Goriki, Yuka Itaya

Genere: indie/comedy/road movie/intimista

Giappone, 2025 – film

Avete mai provato a trascorrere una giornata, partita come deprimente e demotivante, in modo diverso, magari camminando a zonzo per strade ignote, guardando bellezze naturali e artistiche di cui si disconosceva l’esistenza e discorrendo piacevolmente con qualcuno incontrato solo una decina di minuti prima e di cui ha la sensazione che rimarrà sempre uno sconosciuto?

Noi romantici, cresciuti a pane e film del Sundance Festival, abbiamo acquisito una percezione di storia d’amore inaspettata e particolare, intimista e riflessiva, chiusa in un road movie, che non è commedia né dramma né sentimentale, ma che ti porta immediatamente a costruire film mentali sui protagonisti, isolando la loro sensibilità e la loro affinità reciproca dal resto del mondo e tifando fino alla fine che possano ritrovarsi insieme. Avete presente quelle storie d’amore in stile “Before Sunrise – Prima dell’alba” di Richard Linklater, quando un giovane Ethan Hwake, sognatore e un po’ scapestrato, scendeva a Vienna dal suo interail per convincere Julie Delpy a fargli compagnia fino al prossimo treno, l’alba successiva, girovagando a caso per le strade della capitale austriaca e parlando di se stessi? Ebbene, quelle storie d’amore tra due sconosciuti, che, alla fine, si rivelano anime gemelle, perché sanno come riempire i vuoti fra loro e il mondo, sono diventate lo stereotipo del cinema indipendente e, forse, un po’ anche del nostro ideale di storie in assolto. Ed è per questo motivo che, guardando anche solo qualche immagine di questo film, possiamo immediatamente pensare a “Prima dell’alba“, ma, tanto vale chiarirlo subito già dal principio, nonostante sia un film romantico, questa non è una storia d’amore.

“Ci rivedremo, vero? Facciamo un po’ come in quel film… quello con Ethan Hawke… Come si chiama?”. “Prima del tramonto”. “No, aspetta, quello era il secondo, ambientato anni dopo. Intendo dire il primo”. “Ah, Prima dell’alba”. “Ecco, esatto”.

Taro (Sano Hiroki) è un giovane regista indipendente, abituato a collezionare delusioni e ancora non in grado di trovare un proprio stile che possa caratterizzarlo e definirlo. Sembra che la cosa più importante che abbia girato sia una specie di docu-film dal titolo “Yuki“, dedicato alla sua fidanzata Yuki (Kato Saki), che è molto più matura e concreta di lui, pratica, testarda e per nulla sognatrice. Taro la considera la sua musa ispiratrice e decide di ritrarla in tutti i suoi momenti della giornata, mentre lei lo sprona ad essere meno idealista e meno sulle nuvole e a dedicarsi a qualcosa di più materiale.

La perfetta e antitetica discordia porta Taro ad un riconoscimento nel mondo del cinema indipendente, che decide di omaggiarlo con una menzione speciale alla rassegna cinematografica di Beppo, nella prefettura di Oita. Tuttavia, non appena il suo film viene proiettato e Taro è pronto per essere intervistato sul palco dall’organizzatrice del festival e, quindi, ritirare il suo premio, viene umiliato pubblicamente dalla sua intervistatrice, che enuclea tutti i punti deboli della sua esperienza cinematografica, si mostra in disaccordo con la sua menzione speciale e ne attribuisce il merito solo al personaggio protagonista del suo film. Bocciato su tutta la linea, Taro decide di saltare deliberatamente il party serale del festival e di prendersi una vacanza dalla pressione stressante che vive.

Ed è così che incontra Miki (Amano Hara), una ragazza libera e stravagante, che già di per sé è una forza della natura. Miki, che era presente all’umiliazione pubblica di Taro, ritrova ingiuste le critiche dell’organizzatrice del festival e, anzi, mostra apprezzamento per la sua opera. Poi, gli propone di farle compagnia come turista casuale in quella sperduta prefettura del Giappone, alla ricerca di posti nuovi da visitare, di persone da incontrare e di esperienze da maturare nei ricordi.

Infatti, Miki vive in questo modo: sin da piccola, si è resa conto di non amare scuola, impegni e occupazioni sedentarie, ma anche di apprezzare la società quel tanto che basta per venire a contatto in piccoli frammenti disseminati. Così, mentre lavora sempre in smart working online, si concede ogni tanto delle giornate di vacanza, prendendo il primo autobus che la possa portare in qualche ignoto angolo del Giappone per scoprirne i luoghi, le tradizioni e le persone. A Miki piace dialogare con gente sconosciuta, così come adora inventare storie su come andranno le vite di coloro in cui si imbatte per caso, ma, al tempo stesso, non cerca amicizie durature né relazioni, solo piccoli scambi umani di parole al vento perché “si riesce ad essere se stessi solo con gli sconosciuti“.

Mentre Miki presenta il suo mondo attivo e solare dove non esistono le scadenze e i legami sono solo sorrisi pacati, ma si raccolgono biglietti di mezzi che la porteranno da qualche parte, Taro trova modo di aprire se stesso, parlando della sua continua passività, della sua aura di negatività che lo segue come un mostro ovunque e del senso di inadeguatezza con cui vive, per cui teme di perdere chi gli è più caro. E, mentre Taro e Miki si scambiano le proprie opinioni sui propri mondi, aprendo un piccolo spiraglio per rendersi visibili tra di loro, visitano luoghi dispersi nella natura, dove le cascate si alternano a campeggi hippy e a sauna costruite sugli alberi, fantasticano su coppie che litigano sull’autobus e costruiscono uno scenario horror ideale per la proprietaria della pensione.

Soprattutto, non hanno timore a far vedere se stessi, senza alcuna pressione e senza alcun desiderio di apparire, perché hanno stabilito da subito, ognuno silenziosamente con se stesso, che non hanno bisogno di amore, ma solo di una tranquilla e sincera conversazione per un breve tratto di tempo. Perché si può essere intimi senza essere amanti e si può aprire meglio se stessi con chi si condivide momentaneamente il cammino, come due pellegrini sullo stesso percorso.

Il fatto è che questa strana e strampalata non-storia d’amore, questa commedia lo-fi, è una connessione perfetta e delicata, leggera come una brezza primaverile e spensierata come una giornata di fine estate senza compiti per le vacanze ed è anche così realistica nei suoi piccoli ritratti ordinari e nei suoi discorsi semplici e profondi, senza mai risultare enfatici o filosofici, da risultare quanto di più vero e vicino alla vita normale possa esistere, con due personaggi che potrebbero essere due comuni ragazzi trentenni che scambiano due parole su un autobus e rivelano le ansie e le preoccupazioni che li attanagliano, in questa generazione sospesa a metà tra un presente che non comprendono e un futuro che non sanno se vale la pena raggiungere, né come.

E non c’è bisogno di scoprire se Taro e Miki si rincontreranno prima o poi, come sembra abbiano promesso, pur senza averne alcuna intenzione, perché tra loro già un’affinità di anime e di discorsi che va al di là di qualsiasi afflato sentimentale, anzi lo prescinde del tutto, senza avvertire l’esigenza di creare un simile rapporto, perché le loro chiacchiere e il loro girovagare serve solo per farli sentire un po’ più umani e un po’ più comuni con le loro piccole quotidiane tragedie da affrontare in ogni singolo momento della vita.

In “Good Luck“, presentato in anteprima mondiale al Far East Film Festival di Udine nel 2025, Adachi Shin, che nel 2014 ha già creato un film cult come “100 Yen Love“, commedia sportiva e slice-of-life sulla boxe femminile, che ha ispirato il film cinese “YOLO: You Only Live Once” di Jia Ling e, in parte, il drama coreano “My Lovely Boxer“, con pochi mezzi, pochissimi attori e quasi solo una steady-cam, ha realizzato un film indipendente che, al tempo stesso, riesce a parodiare e a scardinare i crismi a cui il cinema indipendente ci ha abituato negli ultimi decenni, compreso le storie d’amore tra sconosciuti in viaggio, l’afflato incredibile di discorrere sopra i massimi sistemi o di innamorarsi della luna piena e delle stelle in cielo, prendendo in giro l’intellettualismo di certo cinema con la sfida delle piccole cose quotidiane, di quella vita che sembra sempre piatta e noiosa, ma che è quanto di più meraviglioso possa esistere.

Ed è per questo motivo che la domanda “Ma, alla fine, perché fai cinema?” rivolta a Taro deve necessariamente rimanere senza risposta.

Laura

Post in evidenza

Hear Me: Our Summer

“Incontrarti è stata la cosa migliore della mia vita”.

Titolo originale: 청설, Cheongseol, Hear Me!

Regia: Cho Sun-ho

Sceneggiatura: Na Jae-won, Kwak Kyung-yoon

Cast: Hong Kyung, Roh Yoon-seo, Kim Min-ju, Hyung Bong-sik, Jung Hye-young, Jung Yong-joo

Genere: comedy/drama/ romance/youth/coming-of-age

Corea del Sud, 2024 – film

Ci sono quelle estati di stasi e di passaggio, quelle che accadono in alcune fasi della nostra vita che sembrano ere geologiche, perché fungono da spartiacque tra due periodi importanti, come quello in cui si finiscono gli studi e si inizia a cercare un lavoro, quell’estate in cui la società ti richiama all’età adulta e con nostalgia si sa che si sta per abbandonare la prima giovinezza e la sua spensieratezza per fare un passaggio che sarà irrecuperabile.

Ed è così che Lee Yong-jun (Hong Kyung di “Weak Hero Class 1“) vive la sua ultima estate di giovinezza. Appena laureato in filosofia, seppur non in modo troppo brillante, e in cerca di lavoro, senza trovarne il minimo spiraglio, ma soprattutto ancora incapace di capire davvero cosa vuole fare nella vita, trascorre l’estate ad annoiarsi, a girare per le strade della città con una vecchia Vespa, ad aiutare senza impegno il suo amico meccanico Jo Jae-jin (Jung Yong-joo) a sistemare moto e a dare una mano ai suoi genitori (Hyun Bong-sik e Jung Hye-young), che gestiscono un piccolo ristorante di pollo, per le consegne d’asporto. Il fatto è che Yong-jun non sa proprio cosa fare con in mano una laurea che non gli offre grandi possibilità, consapevole anche di averla presa solo perché indeciso su cosa studiare e su quale carriera tentare di costruire nel futuro. Forse l’unica cosa in cui è bravo è aiutare a tempo perso chi gli sta accanto e imparare i piatti del ristorante dei genitori. O, forse, sa eccellere, del tutto casualmente, solo nel linguaggio dei segni, imparato durante gli anni universitari per ottenere crediti extra per la laurea, qualcosa di cui tutti gli fanno notare l’inutilità.

Un giorno, capita presso la vicina piscina per una consegna d’asporto per conto del ristorante dei genitori. Quello che percepisce appena arriva è l’assenza di suono, o, meglio, nessuno di coloro che sono presenti per i corsi utilizza la propria voce, ma comunicano solo con il linguaggio dei segni, l’unica cosa in cui Yong-jun sa eccellere. Così, non solo comunica tranquillamente con tutti, ma ne sono tutti talmente lieti da continuare a chiedere l’asporto del ristorante dei suoi genitori, proprio per la capacità di Yong-jun di farli sentire a proprio agio.

In effetti, anche Yong-jun si sente quasi in una piccola lieta oasi priva di frastuono, senza che nessuno gli faccia pressioni per il futuro, e lì conosce Seo Ga-eul (Kim Min-ju di “The Forbidden Marriage“), il cui nome significa “autunno”, una giovane campionessa di nuoto, che sogna di gareggiare contro i normodotati, e la sorella maggiore, Seo Yeo-reum (Roh Yoon-seo di “Our Blues” e “Corso accelerato sull’amore“), il cui nome significa “estate” e che monitora continuamente i progressi della sorella e studia intensamente inglese e il linguaggio dei segni internazionale, così da farle da manager, una volta che potrà accedere alle competizioni paralimpiche. Yong-jun stringe immediatamente amicizia con le due ragazze, innamorandosi a prima vista di Yeo-reum, della sua sensibilità d’animo e della brillantezza della sua intelligenza, ed entrando in un sodalizio fraterno con Ga-eul, che lo sostiene strenuamente come “futuro cognato”.

I tre si incontrano puntualmente in piscina; poi, per piccole uscite al di fuori dell’ambiente sportivo, mentre Ga-eul lentamente s’inventa piccoli impegni che la possano escludere dal trio per lasciare sola la sorella maggiore e il ragazzo, come la migliore sorellanza vorrebbe. Soprattutto, i tre iniziano a vivere insieme quell’ultima estate giovane di spensieratezza, che li vorrebbe vedere presto adulti e responsabili, ma che ancora concede loro una certa pausa. E comunicare con il linguaggio dei segni, a cui le ragazze sono abituate da una vita, dà loro la possibilità di costruire un piccolo mondo a parte, lontano dal frastuono chiassoso della società, con un loro alfabeto unico ed esclusivo che permette di comunicare segretamente anche a distanza (bellissima la scena sull’autobus, quando i tre sono seduti in posti lontani, ma riescono ugualmente a dialogare e a ridere insieme, in silenzio e in segreto).

Mentre i sentimenti dei ragazzi si sviluppano sempre di più e Yong-jun e Yeo-reum sembrano effettivamente provare qualcosa l’uno per l’altra, il loro linguaggio che li ha fatti conoscere ha anche creato un grande fraintendimento: da una parte, Yong-jun non è un non-udente, ma così pare alle ragazze, che non hanno mai comunicato con lui in modo diverso; dall’altra parte, Yeo-reum è una CODA, ovvero una persona udente figlia di non-udenti, l’unica componente di una famiglia non-udente a riuscire a sentire e a parlare, ma, per un eccesso di delicatezza dei confronti di Yong-jun, che credeva sordomuto, non lo ha mai detto.

“Hear Me: Our Summer” è un piccolo film indipendente sudcoreano, che ha conquistato sia il pubblico che la critica: presentato alla 29esima edizione del Busan International Film Festival del 2024, ha ottenuto buoni incassi al botteghino, con un apprezzamento generale degli utenti al cinema, ma anche un ottimo riscontro in termini di premiazioni, visto che Roh Yoon-seo si è aggiudicata il Baeksang Arts Awards come Best New Actress (Cinema) ed è stata candidata anche al Buil Film Awards del 2025.

La pellicola si ispira, a sua volta, al film taiwanese “Hear Me“, scritto e diretto da Cheng Fen-fen e interpretato da Eddie Peng, Ivy Chen e Michelle Chen, che fu presentato il 28 agosto 2009, in concomitanza con i giochi paralimpici dei non udenti, tenutisi proprio quell’anno a Taipei. Lo svolgimento degli eventi, così come la caratterizzazione dei personaggi e il lento evolversi dell’amicizia tra loro è del tutto simile in entrambe le pellicole, con i medesimi espedienti narrativi usati, la delicatezza delle immagini e della fotografia, che incanta nel far conoscere poco per volta i protagonisti, e con la stessa ferrea convinzione di perseguire i propri sogni.

L’unica differenza sta nel motto centrale del film, che, mentre nella pellicola taiwanese prende la schermata finale, con una scritta che campeggia su sfondo nero, dopo le riprese dell’ultima gara, nella pellicola coreana trova la voce, il sorriso storto e le espressioni di Hyun Bong-sik, interprete del padre del protagonista (e amatissimo attore caratterista di tanti film e drama):

“L’amore e i sogni sono dei fenomeni strani. Non hanno bisogno di essere ascoltati, di essere detti a parole o di essere tradotti per essere compresi”.

Laura

Come suona la recensione?

Post in evidenza

18X2 Beyond Youthful Days

“Perché hai deciso di viaggiare?”

“Volevo riconsiderare la mia vita”.

Titolo originale: Qing chun 18×2 tong wang you ni de lü cheng; 青春18×2 君へと続く道, Kimi e to Tsudzuku Michi

Regia: Michihito Fuji

Scritto da: Michihito Fuji, Hirokawa Hayashida

Cast: Greg Hsu, Kaya Kiyohara, Shunsuke Michieda, Joseph Chang, Haru Kuroki, Hitomi Kuroki, Buffy Chen, Yutaka Matsushige, Figaro Cheng, Jane Liao, Toyoharu Kitamura, Liu Chu-Ping

Genere: Drammatico, Coming of Age, Youth

Giappone, Taiwan (2024)

Esistono quei momenti in cui arriviamo ad una tappa della vita in cui vorremmo scendere dal treno di tutti i giorni e riconsiderare tutto ciò che stiamo facendo. Non sempre siamo pronti. I condizionamenti, i contesti diversi, il carattere, le necessità ci tengono ancorati a determinate quotidianità, ma alle volte capita che la vita ci presenti alcune situazioni più grandi di noi, irrimediabili, oppure solamente una pausa forzata che ci pone di fronte ad un distacco dalla nostra routine abituale.

Questo è che quello che avviene al protagonista di “18X2 Beyond Youthful Days”, film diretto dal regista Michihito Fuji che abbiamo apprezzato in “The Journalist”, “Faceless”, “The Last 10 Years”, “The Parades” e molti altri. Il film è una coproduzione tra Giappone e Taiwan e il regista, che ha iniziato a girare il film a trentasei anni, la stessa età del personaggio principale della storia, ha realizzato il suo desiderio di coinvolgere, tramite il cinema, culture e lingue diverse e di girare molte parti del film a Tainan (Taiwan), città natale di suo nonno taiwanese.

La sceneggiatura, sempre di Michihito Fuji, iniziata già nel 2019, è ispirata al diario di viaggio pubblicato in Internet nel 2014 dallo sviluppatore di videogiochi taiwanese Jimmy Lai: “Wandering Journey on S Slow Train in Japan” che racconta il suo viaggio in Giappone dopo aver lasciato il lavoro, un viaggio che lo ha portato sulla linea ferroviaria per ritrovare il paese di origine di una amica (e suo primo amore) conosciuta diciotto anni prima a Taiwan.

Il film si apre con una scena molto incisiva in cui il protagonista Jimmy (Greg Hsu, anche conosciuto come Hsu Kuang-han, “Someday or One Day”), sviluppatore di videogiochi, viene licenziato dalla sua stessa azienda durante la riunione del consiglio di amministrazione. Jimmy, all’inizio arrabbiato, poi devastato e amareggiato, torna nella sua città natale di Tainan, a casa dei suoi genitori.

“Sono passati 18 anni da quando ho lasciato questa città. Sono rimasto concentrato, cercando di realizzare il mio sogno. Ho dato tutto me stesso, ma ho perso tutto. Dove ho sbagliato? O forse, ho sbagliato fin dall’inizio? “.

Mentre entra nella sua camera, piena di ricordi, dove il tempo sembra essere rimasto uguale a quando era adolescente, Jimmy ritrova sulla scrivania una cartolina ricevuta diciotto anni prima da Ami (Kaya Kiyohara, “The Door into Summer”), una ragazza giapponese in viaggio per Taiwan e che era rimasta a lavorare per tutta l’estate presso il karaoke Kobe dove Jimmy lavorava part time qualche mese prima di iniziare l’università.

La cartolina fa riemergere nel protagonista i dolci ricordi di quella estate, di quel suo primo amore e della promessa dei due ragazzi di rivedersi dopo aver realizzato i propri sogni.

“Dimmi qual è il tuo sogno quando lo scoprirai!”, gli aveva detto Ami ed era partita alla fine di quella estate.

Alla telefonata del collega co-fondatore dello studio, che lo invita ad un ultimo viaggio di lavoro in Giappone, Jimmy accetta perché sente dentro di sé il richiamo a ritrovare se stesso, ad intraprendere un viaggio da solo senza una vera destinazione, l’unica certezza è il Giappone, nel paese da dove era venuta Ami, perché adesso la vera necessità è quella di riposare, tirare il fiato per capire cosa è veramente importante nella vita.

“Il riposo prepara alla lunga strada”.

Liberatosi in fretta dall’ultima riunione di lavoro, Jimmy inizia a girovagare seguendo la linea ferroviaria, scende dal treno e visita luoghi e posti senza una vera e precisa destinazione.

Scende alla fermata del liceo di Kamakura, l’iconico set del mitico manga “Slam Dunk”, che leggeva già da adolescente e che lo aveva avvicinato allo studio della lingua giapponese e così gli risuonano le parole di Ami: “Viaggiare è divertente perché non sai mai cosa potrebbe accadere”.

Nell’estate di diciotto anni prima, Ami aveva coagulato attorno a sé tutti i lavoratori del karaoke Kobe che si erano affezionati alla ragazza e ai suoi modi gentili, parlando in giapponese, ma imparando molte parole cinesi grazie a Jimmy, per poter comunicare con gli altri. Si era occupata del grande murales da rifare sulla facciata del karaoke. Ami era un’artista, aveva con sé sempre un blocco dove teneva i bozzetti dei disegni che raffiguravano persone e luoghi che incontrava nel suo viaggio. Era il suo modo di fotografare i ricordi e di tenerli sempre con sé e tutti ne erano affascinati.

Diciotto anni dopo, Jimmy, che si ritrova incastrato in una vita che non gli appartiene più, dove gli anni sono sfumati nel lavoro e nella velocità, decide di farsi ispirare ancora una volta da Ami per dare un valore al suo viaggio.

In una passeggiata notturna a Matsumoto, Jimmy incontra Liu (Joseph Chang, “Nowhere Man”), uno chef originario della sua stessa città, Tainan, e con lui condivide la nostalgia dei suoi ricordi, decidendo di recarsi nel paese natale di Ami.

Inizia così il viaggio in direzione Tadami, cittadina della prefettura di Fukushima e paese natale di Ami. Durante il viaggio, sulla linea ferroviaria Iiyama incontra diverse persone, ma tra tutti risalta Koji (Shunsuke Michieda, “News Anchor”, “Il mio secondo Aoharu”), un diciottenne che gli ricorda moltissimo se stesso a quella età. Koji è un giovane entusiasta del futuro, della vita, alla ricerca costante di luoghi e scorci “instagrammabili” dal treno e da subito vuole fare amicizia con Jimmy. E’ lui che gli consiglia di scendere e fare tappa a Nagaoka.

“Il treno uscì dal lungo tunnel ed entrò nel paese della neve”.

Ispirato dall’incipit del romanzo di Yasunari Kawabata, “Il paese delle nevi”, Koji presenta così la splendida città di Nagaoka e gli occhi di Jimmy si riempiono del nevoso candore del paesaggio attorno. Si fermano a Nagaoka e camminano nella neve.

Sembra di essere all’interno del meraviglioso film “Love Letter” (omaggio del regista Michihito Fuji al film del 1995). Jimmy ripensa all’estate di diciotto anni fa quando aveva invitato Ami alla proiezione di “Love Letter” in uno dei cinema in città e, dopo averla vista turbata e rattristata dalla visione della storia, aveva appreso qualche tempo più tardi che Ami sarebbe tornata in Giappone.

Tornato al presente e lasciatasi alle spalle Nagaoka, dopo aver salutato il suo compagno di viaggio Koji, Jimmy riprende il cammino e per riposarsi entra in un net cafè dove incontra una ragazza di nome Yukiko (Haru Kuroki, “The Last 10 Years”) che gioca con uno dei videogiochi ideati da lui. Quando Jimmy, incuriosito dopo aver visto il suo videogioco si presenta come l’ideatore, all’inizio Yukiko non gli crede, ma, dopo aver fatto una breve ricerca in Internet e aver trovato la sua biografia con foto, la ragazza è contenta di conoscerlo e si offre di accompagnarlo al festival delle lanterne volanti, uno dei luoghi preferiti di Ami.

Il pensiero ritorna a diciotto anni prima, quando a pochi giorni dalla partenza di Ami, Jimmy le aveva chiesto, come ultimo appuntamento, quello di recarsi ad un festival delle lanterne volanti dove i due ragazzi avevano affidato alle lanterne il messaggio per il loro futuro, quello di perseguire e realizzare i propri sogni e quindi, in seguito, di rincontrarsi di nuovo.

E’ solo qui, in questo suo viaggio interiore, mentre scorrono dal finestrino del treno i paesaggi meravigliosi di un Giappone innevato che Jimmy realizza di essersi sempre ispirato ad Ami, di aver continuato a lavorare per il suo sogno, solo per merito della ragazza.

“Ho trovato il mio sogno grazie a lei”.

Una volta arrivato a Tadami chiede indicazioni per la casa di Ami dove conoscerà sua madre Yuko (interpretata da Hitomi Kuroki).

Jimmy sa che questo viaggio ha fatto scoperchiare tutta la sua insicurezza e la sua fragilità, ma nello stesso tempo ha curato le sue ferite, i rimpianti che ha accumulato nella sua vita e per questo “18×2 – Beyond Youthful Days” è un gioiello intimista ed emozionante, un viaggio nell’inconscio del protagonista che rappresenta ognuno di noi.

I viaggi servono per migliorare se stessi, per riconsiderare la propria vita, per perdersi in ricordi lontani. Il viaggio è una rinascita, una riscoperta di se stessi, un continuo affrontare il dolore e cercare di superarlo, alla scoperta di quel filo che alle volte può sembrare trasparente, ma che non è altro che la Vita.

“Amici che non vediamo più. Panorami che non visiteremo di nuovo. Ma non dimenticherò mai il tempo passato insieme.

Le persone che incontriamo nei nostri viaggi lasciano qualcosa nei nostri cuori. Mi domando se sono stato in grado di lasciare qualcosa nel cuore di Ami”.

I due attori protagonisti della storia interpretati da Greg Hsu e Kaya Kiyohara sono bravissimi a far immergere lo spettatore nel loro mondo interiore. Personalmente credo che le loro allegre corse in scooter per Tainan, il ponte da dove osservano la vista sulla città, le confidenze tra amici, gli scambi di sguardi, le ore trascorse insieme al karaoke Kobe ad imparare la lingua l’uno dell’altra, rendono la loro storia così delicata e sospesa da creare una magia indimenticabile.

La fotografia, inoltre, è bellissima così come il colore della pellicola che sfuma e caratterizza i ricordi e il presente del protagonista e della sua anima.

Piccola nota sulla colonna sonora curata dal compositore giapponese Takashi Ohmama: all’interno vi sono alcuni brani della band giapponese Mr. Chicken e il brano “Peter and Mary” della band taiwanese Mayday.

“Ami, questa è la mia prima lettera per te. Sono passati 18 lunghi anni dal giorno in cui abbiamo fatto volare la lanterna insieme. Dopo che te ne sei andata, sono andato all’università di Taipei.

Taipei era piena di tutti i tipi di cose, era fresca e abbagliante ed ero un po’ sopraffatto, ma volevo essere come te: il tipo di persona che ispira gli altri. Così ho vissuto ogni giorno con fermezza, sono entrato nella programmazione di giochi in quel periodo e mi ci sono dedicato anima e corpo. Non mi sono laureato per questo. Mi aveva preso così tanto che non avevo tempo per crogiolarmi nel passato. (…)

La nostra compagnia cresceva e cresceva, ma gradualmente perdevo tutte le emozioni. L’ultima cosa che ricordo è che ero solo. E’ stato allora che la tua cartolina mi ha ispirato a viaggiare. Ricordo quando dicesti: «Mi chiedo come saremo quando diventeremo più grandi».

Ti ho conosciuta, mi sono innamorato, sto dicendo addio a quel momento della mia giovinezza. Quello, da solo, rende questo viaggio ricco di significato.

Come hai detto, non deve esserci uno scopo finale. Continuerò a viaggiare. Mi dispiace di averci impiegato tanto, Ami. Grazie”.

—————————————————————————————

Possa il mio viaggio non finire mai!

Possa il tuo viaggio continuare!

Grazia

Come suona la recensione?

Post in evidenza

Pure Love – Unforgettable

“Il cuore che si spezzò quel giorno non ci appartiene più.

Non me ne resi conto, ma l’avevo perso”.

Titolo originale: 순정 ; Sunjeong

Regia: Lee Eun-hee

Scritto da: Lee Eun-hee; Han Chang-hoon

Cast: Doh Kyung-soo; Kim So-hyun; Yeon Joon-seok; Lee David, Park Yong-woo, Lee Beom-soo; Joo Da-young

Genere: drammatico, Coming of Age, Youth, Heartfelt

Corea del Sud, 2016

I close my eyes

Only for a moment and the moment’s gone

All my dreams

Pass before my eyes with curiosity

Dust in the wind All they are is dust in the wind

(Dust in the Wind – Kansas, 1977)

Le prime strofe della canzone dei Kansas, “Dust in the Wind” ci fanno immergere nell’atmosfera di questo film malinconico, a tratti struggente, un viaggio emotivo dove affondare i pensieri, i rimpianti e i sogni di gioventù e dove questa canzone, che spicca nella colonna sonora del film, rispecchia l’andamento della storia e apre le pagine di un diario.

Nel 2015, in una emittente radiofonica, un conduttore di una trasmissione, sensibile e nostalgico, interpretato da Park Yong-woo, riceve una lettera scritta molti anni prima da una ragazza e, subito, in uno “stream of consciousness”, la sua memoria viaggia nei ricordi, in un tempo lontano.

La scena si sposta all’estate del 1991 a Goheung, in un paese sulla costa. Beom Sil (Do Kyung-soo, anche conosciuto come D.O., membro degli Exo e interprete di “The Moon”, “Secret: Untold Melody” ), giovane timido e riservato, trascorre le giornate in compagnia dei suoi amici San Dol (Yeon Joon-seok, “Choco Bank”), Gae Deok (Lee David, “Squid Game 2 e 3”) e Jil Gia (Joo Da-young, “Today”), ma il cuore pulsante del loro gruppo è la giovane e bella Soo-ok (interpretata da una brava Kim So-hyun, “Love Alarm”, “Serendipity’s Embrace”), della quale è innamorato Beom Sil.

Soo-ok è una ragazza che ha una disabilità e che, nonostante le sue problematiche di salute, ha tanta voglia di riuscire ad andare avanti e ha il dono di infondere coraggio agli altri e di essere una costante ispirazione. La ragazza si chiede spesso come saranno le loro vite tra venti o trenta anni, ne è curiosa e, anche se sa in prima persona che la vita è dolorosa, cerca sempre di trovare fiducia e forza nella compagnia dei suoi amici.

“Unforgettable – Pure Love” è un film che è costituito da moltissimi flashback e, mentre la storia va avanti, ci ritroviamo in alcuni momenti topici a guardare il presente, 23 anni dopo, con gli occhi dei protagonisti quarantenni, nella loro gioventù sfiorita, nei sogni rimasti sepolti nella sabbia di quell’estate del 1991, così incisiva nelle loro vite.

Il viso malinconico di Beom Sil adulto, ora conduttore radiofonico, che viaggia in un dolore passato, mentre legge quella lettera recapitata, ci fa dedurre che la storia è un crescendo di emozioni e in quell’estate del 1991 è accaduto qualcosa che ha segnato il passato dei protagonisti.

Tra passeggiate lungo la spiaggia, battiti del cuore per il candore di un primo amore, canzoni cantate a squarciagola e attimi di complicità e di divertimento, la storia riesce a presentare anche momenti drammatici e toccanti, affrontando tematiche profonde come la disabilità, il suicidio, le crisi adolescenziali e l’età adulta con i rimpianti e i ricordi passati che non si sono mai riusciti a superare.

Le interpretazioni di tutti i protagonisti sono state meravigliose, ma Do Kyung-soo (che ha vinto per questo film il “Baeksang Arts Awards”), con il suo sorriso disarmante e timido nel ruolo di Beom Sil, trasmette tutta la nostalgia rappresentata in questa storia e Kim So-hyun, nel ruolo di Soo-ok, riesce a diffondere un messaggio potente e coraggioso, legando a sé il valore puro dell’amicizia, riscoperto ad ogni età. Entrambi riescono a donare un incanto e una limpidezza alla storia d’amore che resta in sospeso in una dimensione eterea e senza tempo.

“Unforgettable – Pure Love” è un viaggio di formazione che continua anche nel presente dei protagonisti e nel cuore dello spettatore che si sentirà trascinato nei ricordi del passato, straziato dalle prove della vita, ma confortato dal valore dell’amicizia.

Tenete pronti i fazzoletti perché la storia è davvero commovente.

Piccola nota da sottolineare, la scelta dei brani musicali che impreziosiscono il film, da “Dust in the Wind” dei Kansas, come ho accennato all’inizio, “Take on Me” degli A-ah, “Summer Story” di Shin Hae-chul e “Purple Fragrance” di Kang Soo-ji, cantata all’interno anche da Kim So-hyun.

“Unforgettable – Pure Love” è ispirato al racconto di Han Changhoon che a sua volta si è ispirato ad una storia vera.

Grazia

Come suona la recensione?

Post in evidenza

Where Stars Land (ovvero delle coincidenze, delle piccole ragioni umane e del vagar tra le stelle)

“Non esistono le coincidenze nella vita. Tutto accade per una ragione”.

Titolo originale: 여우각시별, Yeo-ugaksibyeol (lett. “La stella della sposa volpe”)

Regia: Kang Eun-kyung

Scritto da: Shin Woo-chul

Cast: Lee Je-hoon, Chae Soo-bin, Lee Dong-gun, Kim Ji-soo, Jang Hyun-sung, Ahn Sang-woo, Lee Sung-wook, Kim Kyung-nam, Lee Soo-kyung, Rowoon, Kim Won-hae, Park Hyuk-kwon, Kim Yeon-jin, Choi Won-young

Genere: drama, romance, melo, sci-fi

Corea del Sud, 2018, kdrama, 32 episodi

Potrei iniziare questa recensione in due modi: narrando gli strani eventi che portarono il Dottor Coppelius del racconto di Hoffman, un po’ mago, un po’ fabbricante di giocattoli, un po’ scienziato e meccanico a costruire un gioiello della robotica ante litteram e a reinventare un certo filone sci-fi; oppure intonando ad alta voce, con un po’ di enfasi e sotto una notte stellata, i versi di “Vaghe stelle dell’Orsa…” di Leopardi. E, in entrambi i casi, non sarebbe sbagliato, perché “Where Stars Land” (in italiano anche “Dove atterrano le stelle” è un mix perfetto di melo e azione, di sfumature poetiche e di tinte sci-fi, che riescono ad incastrarsi perfettamente per diramare le vite inaspettatamente intrecciate di due sconosciuti che si trovano sotto lo stesso cielo, come predestinati da coincidenze non previste, anime che riescono a rispecchiarsi l’una nell’altra, come nelle migliori fiabe.

Le fiabe iniziano sempre dal bosco, un luogo immaginario e immaginifico in cui i percorsi di vita di esseri diversi si incontrano e si scontrano, si incrociano in piccole frazioni di secondo e si perdono nei meandri dell’inconscio. E il bosco viene attraversato da un viaggio, un percorso indefinito da un punto a un altro punto, un movimento metodico che porta a percorrere anche se stessi, a crescere, comprendere il passato e costruirsi un futuro.

Però, giacché i tempi moderni hanno dato una forma diversa ad ogni luogo, il bosco è ora diventato un aeroporto, affollato, caotico, rumoroso, costituito in sé da quel continuo frastuono che aiuta ad essere soli in mezzo a tutti, che costruisce il nulla e porta a perdersi in se stessi, anche se circondati da persone. E l’aeroporto è il luogo del viaggio per eccellenza, quello delle partenze, dei saluti, delle confessioni, delle speranze e dei ritorni a casa, perché nulla è più bello di tornare a casa dopo aver attraversato il bosco della vita con un lungo viaggio.

“Partire, tornare, incontrarsi, lasciarsi, aspettare, soffrire per la mancanza di qualcuno. Molti momenti memorabili del viaggio della nostra hanno luogo presso l’aeroporto di Incheon”.

Così esordisce la voce fuori campo che presenta il drama (mettendo già in crisi quel momento enfatico del ritorno dal viaggio presso l’aeroporto di Heathrow nel film inglese “Love Actually“) e che coincide con la voce della protagonista, Han Yeo-reum (Chae Soo-bin di “When the Phone Rings” e “A piece of your mind“), una ragazza che ha sempre sognato lavorare all’aeroporto di Incheon, ma che, quando ci è riuscita, è diventata una vera e propria mina vagante. In realtà, nessuno sa per quale motivo – forse per il troppo perfezionismo portato avanti male o per il fatto che le sue emozioni scorrono in modo troppo intenso -, ma Yeo-reum è considerata un vero e proprio danno, visto il lungo curriculum di disastri che la accompagna in qualsiasi ufficio. Per cercare di contenerla, viene riassegnata al servizio passeggeri, forse il reparto più complicato o anche più solerte dell’aeroporto, e, in particolare, al team gestito da Yang Seo-koon (Kim Ji-soo di “Hwarang” e “Romance in the House“), una leader calma, inflessibile ed esigente su tutti gli aspetti lavorativi.

Seo-koon comprende che Yeo-reum ha tante potenzialità, ma che il suo livello di empatia deve essere contenuto e incanalato, affinché possa diventare effettivamente un’ottima impiegata. Così, inizia a farla lavorare con l’impiegato di cui si fida di più e che considera quasi come un fratello, il freddo e serio Lee Soo-yeon (Lee Je-hoon di “Taxi Driver” e “Move to Heaven“). Soo-yeon si è unito alla squadra da appena un anno, ma sembra essere molto più competente e preparato di tutti i suoi colleghi, nonostante non faccia mai nulla per mettersi al centro dell’attenzione e, anzi, preferisca evitare i riflettori della fama, anche quando sarebbe meritata. Al contrario delle sue abilità lavorative, però, Soo-yeon dimostra di avere delle scarsissime doti sociali, preferendo di gran lunga la solitudine della sua estrema introversione alla cordialità di un ambiente lavorativo amichevole ed evitando di stringere legami personali con chiunque. Forse è proprio per questo motivo che aleggia su di lui una leggenda che lo vuole un uomo affascinante e misterioso, ma forse anche un criminale latitante o un supereroe nascosto nella vita da impiegato modello.

Anche Yeo-reum si fa cogliere inizialmente da queste prime impressioni sul collega, notando la sua distanza e la sua freddezza e, al tempo stesso, un nube leggera che sembra oscurargli sempre il volto, come per celare una sofferenza di cui nessuno può essere partecipe. Il dolore nascosto di Soo-yeon sembra richiamare come un magnete la capacità empatica di Yeo-reum e, più Soo-yeon tenti di evitarla, più Yeo-reum si imbatte continuamente in lui, quasi con l’impressione di averlo già incontrato nel passato e di essergli in qualche modo legata.

Poi, un giorno, un incidente in aeroporto inizia a scoperchiare la verità e, mentre Yeo-reum sta per rimanere travolta da un pesante carrello d’acciaio lanciatole contro, il braccio di Soo-yeon interviene in tempo, allontanando il pericolo e deformando completamente il carrello. Solo, allora, Yeo-reum ricorda quella giornata di fretta e di pioggia e quella fermata d’autobus, dove un mezzo aveva sbandato, rischiando di ucciderla, quando un uomo strano e col cappuccio era intervenuto in tempo, salvandola e spingendo il bus con una forza disumana.

“No, noi ci siamo incontrati già, prima di adesso, il giorno in cui dovevo andare al colloquio in aeroporto. Eri tu. Eri sicuramente tu”.

Soo-yeon ha studiato per diventare pilota, ma un tragico incidente lo ha reso disabile, facendogli perdere l’uso di entrambe le gambe, paralizzando tutto il lato destro del corpo e rendendo inerte il braccio destro. Costretto su una sedia a rotelle, depresso e umiliato dalla vita, senza alcuna possibilità di riprendere i propri sogni, si è imbattuto tempo prima nello strano scienziato e medico Mister Zhang (Park Hyuk-kwon di “Light Shop” e “Behind Your Touch“), che gestisce il locale “Fox Bride“, un posto dove sembrano prendere realtà i desideri e dove il tempo è sempre sospeso. Con le sue conoscenze mediche e robotiche, Mister Zhang ha costruito a Soo-yeon delle protesi meccaniche per braccia e gambe, fatte di un metallo ultra resistente e direttamente connesse alle sinapsi nervose dei suoi arti.

La vita ordinaria di Soo-yeon, però, è sottoposta a numerose rinunce e condizioni, come il mantenimento di un basso profilo, così da non diventare un fenomeno da baraccone e da mantenere il segreto sulle sue protesi robotiche, ma anche l’esigenza di far riposare periodicamente il suo corpo, rimuovendo le protesi e curando le ferite e le infezioni in breve tempo, affinché la sua salute non peggiori.

Solo che le emozioni del cuore sono incurabili e, quando Yeo-reum e Soo-yeon si conoscono e si riconoscono, le loro anime diventano così connesse da non riuscirsi a separare, nonostante Soo-yeon faccia di tutto per allontanare Yeo-reum da una vita complicata al suo fianco, convinto che debba meritare di più, ma incapace di staccare il suo pensiero da lei.

“Una persona può impiegare tre settimane, un’altra tre secondi e un’altra tre anni per accorgersi improvvisamente di essere innamorata di qualcuno”.

In realtà, tornando alla dimensione da fiaba moderna in cui è effettivamente immerso questo drama, Yeo-reum è un po’ come Belle che cerca a tutti i costi di salvare la Bestia e di riportarla alla sua condizione umana, curando le sue ferite e facendola accettare dalla società. Non esistono boschi, castelli o notti tormentate che possano fermarla da questo proposito. Nel drama, accadranno una serie di cose, tra cui uno spazio sostanziale dedicata ai cosiddetti cattivi della fiaba, che si concretizzano qui in personale corrotto e in diverse figure criminali, ma anche in un rapporto irrisolto tra fratelli che vede contrapporsi Soo-yeon con il fratellastro maggiore Seo In-woo (Lee Dong-gun di “Angel’s Last Mission: Love“).

E, come tutte le fiabe, ci sono sempre quegli innumerevoli personaggi aiutanti, il cui supporto è prezioso per la storia dei protagonisti, ma che, nella tradizione dello slice-of-life coreano, sviluppano tante piccole storyline che è bellissimo seguire anche separatamente: oltre a Yang Seo-koon, la team manager del servizio passeggeri, c’è il migliore amico di sempre, Ko Eun-sub (Rowoon di “Destined with You” e “The King’s Affection“), che è segretamente innamorato della protagonista e che sogna di diventare pilota; ci sono il determinato e timido Oh Dae-ki (Kim Kyung-nam di “The King: Eternal Monarch“) e la campionessa di judo Na Young-joo (Lee Soo-kyung di “Mystic Pop-up Bar“) del servizio di sicurezza, che, col tempo, si rendono conto di non essere solo colleghi; c’è Choi Moo-ja (Lee Sung-wook di “The Silent Sea“), manager del servizio di sicurezza che è stato sposato con Yang Seo-koon.

Infine, come in tutte le fiabe, passato e presente si confondono talvolta nella mente dei protagonisti, con un passato dominato da dolori, ma anche da bellissimi ricordi da custodire e un presente in cui ci si è persi, inconsapevoli di se stessi, insicuri e sofferenti di andare avanti per affrontare la vita, ancorati solo dalle negatività che ci si trascina dietro come un marchio. E, siccome è sempre la principessa che salva il principe (e mai il contrario, qualsiasi messaggio sia stato tramandato falsamente) e, in fin dei conti, è Belle che libera dall’incantesimo la Bestia e risveglia il suo palazzo addormentato con tutti i suoi abitanti, è ancora una volta Yeo-reum a portare con sé la carica di ottimistica speranza che la porta a vedere il futuro in un modo diverso, non con un cammino predestinato, ma illuminato dalle stelle, affinché non sia troppo buio. Ed è la sua forza d’animo, la sua bellezza interiore ed emotiva che donano l’armatura e la perseveranza a Soo-yeon.

“Non lasciare che il tuo passato dica cosa sei, ma lascia che diventi parte di ciò che diventerai”.

Note a margine del testo (ma molto importanti): “Where Stars Land” è uno dei rari prodotti a parlare di disabilità e lo fa con una chiarezza unica e con un’atmosfera quasi fiabesca, che, però, non lascia nulla al caso, né dà soluzioni imprevedibili e fantasiose; il desiderio del protagonista di condurre una vita ordinaria e di non essere guardato come una persona “anormale” e le sue sfide di ogni giorno, quando si trova ad affrontare la cattiverie di gente che non capisce, le difficoltà derivanti da barriere architettoniche e da un mondo concepito per una falsa normalità, che non ha nulla dell’umanità sono una forte denuncia allo stigma sociale che colpisce chi ha sofferto o soffre di malattie e di limitazioni fisiche. Già solo per questo motivo, credo che sia un drama che tutti dovrebbero recuperare.

Laura

Come suona la recensione?

Post in evidenza

Lovestruck in the City

“Nella città delle luci e della solitudine, le storie d’amore si svolgono nei luoghi più inaspettati”.

Titolo originale: 도시남녀의 사랑법 , Dosinamnyeoui sarangbeop

Regia di: Park Shin-woo

Scritto da: Jung Hyun-jung; Jung Da-yun

Cast: Ji Chang-wook, Kim Ji-won, Soo Joo-yeon, Kim Min-seok, Ryu Kyung-soo, Han Ji-eun.

Genere: Commedia, Sentimentale, docu-film

Corea del Sud, 2020-2021, kdrama, 17 episodi

Definire “Lovestruck in the City” un drama romantico non è del tutto corretto, si tratta infatti di un drama che ha in sé gli elementi tipici del romance, ma con un intreccio narrativo differente, ovvero la scelta di mischiare la trama narrata nel presente con l’aggiunta di diversi flashback, ma il tutto girato come se fosse un documentario caratterizzato da interviste strutturate e da interviste libere, come a farlo sembrare quasi un reality.

Mi sono chiesta da subito come mai questa scelta particolare e mentre guardavo ogni episodio, che dura quasi trenta minuti e, anche questo serve a contraddistinguere lo stile del drama, ho pensato che per le tematiche trattate e per focalizzarsi meglio sulle reazioni istintive e sulle emozioni dei personaggi, la tecnica del “finto documentario” potesse essere una scelta che all’inizio può sembrare quasi “azzardata”, ma che poi riesce a dare un’impronta personale alla storia o meglio alle storie narrate.

Questa tecnica sperimentale di narrazione televisiva è un po’ particolare da trovare in un drama e personalmente, pur avendo all’inizio delle riserve e pur non stravedendo per questa scelta narrativa, ho apprezzato l’abilità, soprattutto degli attori, di rendere quanto più realistica e attendibile la storia dei propri personaggi.

La trama è incentrata in modo particolare sulle vite di sei persone che sono collegate tra di loro, da un rapporto di parentela, di amicizia o sentimentale.

Il focus delle interviste si sofferma sull’amore, su come si frequentano le persone al giorno d’oggi, in una grande città dai ritmi frenetici. Cosa ci si aspetta dall’amore? Esiste l’amore eterno? Esiste il sentimento in ogni relazione oppure le relazioni occasionali sono quelle che hanno rovinato l’amore stesso? In una grande città si fa fatica a conoscere e a frequentare persone?

Queste sono le domande che vengono poste agli intervistati e che sono anche i protagonisti del nostro drama.

Park Jae-won (Ji Chang-wook, “Healer”, “Suspicious Partner”, “Benvenuti a Samdal-ri”), un architetto in carriera, molto abile e preparato nel suo lavoro, decide di prendersi una vacanza, sente la necessità di prendere delle ferie che possano farlo staccare dai ritmi di lavoro degli ultimi tempi, così da potersi dedicare ai propri hobby, la pittura, le passeggiate e impararne di nuovi, per esempio il surf.

Durante la sua vacanza conosce Yoon Sun-ah (Kim Ji-won, “My Liberation Notes”, “Fight for My Way”, “Queen of Tears”), una ragazza dallo spirito libero, che vuole vivere una intensa storia d’amore con Jae-won, il quale si innamora all’istante del carattere strambo, ma simpatico della ragazza, dei suoi modi di fare, della sua personalità forte, ma anche un po’ bizzarra. I due ragazzi trascorrono così delle vacanze da sogno, la loro storia travolgente è ogni tanto intervallata dai momenti di stranezza di Sun-ah e da quelli di paranoia di Jae-won, ma, tutto sommato, il contesto marino, i colori, il tempo libero per dedicarsi allo sport e agli hobby, li portano a estraniarsi in una dimensione personale, libera dai pregiudizi degli altri, dai legami, dalle aspettative del mondo, fingono un matrimonio hippy con degli anelli che possano sugellare il loro amore, una dimensione come una ampolla, un piccolo scrigno di felicità tutto per loro.

Poi, però accade qualcosa e Sun-ah va via, portandosi con sé anche la macchina fotografica di Jae-won e con essa i ricordi della loro estate.

Una volta tornata a Seoul, Sun-ah riprende la sua vita come Lee Eun-oh (sempre interpretata da Kim Ji-won) e la sua personalità è diametralmente opposta rispetto a quella della ragazza dell’estate conosciuta da Jae-won. Eun-oh è una ragazza timorosa, che lavora nel commercio e che è sempre piena di angosce e di ansie. La sua personalità ottimista, stramba e iperattiva è rimasta chiusa nella dimensione estiva.

La vita, però, è piena di sorprese e le persone si reincontrano anche in una grande città e così è il caso di Sun-ah/Eun-ho e Jae-won che si ritrovano, si lasciano, fuggono, si inseguono e cercano di incrociare le loro vite nella confusione e nel frastuono della città.

“Forse il destino non è una questione di fato. Forse è una questione di scelte che facciamo.” (Park Jae-won)

Nella stessa città, Suh Rin-yi (Soo Joo-yeon, “Seasons of Blossom”, “A Love so Beautiful”, “On/Off”), impiegata part time è fidanzata da molti anni con Choi Kyung-joon (Kim Min-seok, “Because this is My First Life”), cugino di Jae-won, anche lui architetto. I due giovani sembrano felici, ma la loro relazione che dura da tempo andrà avanti per sempre oppure vacillerà?

Infine, i due single, Kang Geon (Ryu Kyung-soo, “Itaewon Class”), romanziere che non crede all’amore e che ha scelto di vivere per sempre da solo e Oh Sun-young (Han Ji-eun, “Bad and Crazy”), insegnante di educazione fisica alle scuole superiori, cinica e decisa a sfruttare solo gli aspetti positivi di una relazione sentimentale che non sarà mai duratura. Entrambi vivono una storia, all’inizio senza prevedere eventuali legami, poi, però qualcosa di inaspettato cambierà le loro esistenze.

Come si combatte la solitudine in una grande città? I sentimenti possono sorprendere le proprie vite?

Queste domande agli intervistati, quasi alla chiusura della serie, lasceranno anche gli spettori a riflettere su quanto i ritmi di vita della società odierna possono compromettere relazioni, tempo per se stessi e sentimenti.

L’ultimo episodio della serie è a se stante, mentre tra i camei importanti spicca sicuramente Choi Min-ho.

Grazia

Come suona la recensione?

Post in evidenza

Kim Gu, un “uomo ordinario” e l’esercito coreano per la liberazione

“Il mio unico rimorso è quello di non aver potuto fare di più se non dedicare la mia vita al mio Paese”.

Sono molte le figure ispiratrici di valori e ideali connessi all’indipendenza coreana e, storicamente, gli oltre trent’anni di occupazione subita e di lotta fiera per ottenere la propria autonomia sono costellati davvero da tante donne e uomini che hanno sacrificato la propria vita per la causa nazionale.

Una delle figure più interessanti – e, forse, anche una di quelle di cui stranamente se ne parla di meno – è Kim Gu, politico, attivista e rivoluzionario coreano, che fu Capo di Stato coreano del Governo provvisorio e in esilio tra il 1926 e il 1927, uno degli artefici più strenui dell’indipendenza coreana, figura oggi ammirata e rispettata in entrambe le repubbliche coreane, che ci ha lasciato un “Diario” in più volumi, contenente le sue memorie, le sue attività rivoluzionarie e gli eventi storici dell’occupazione della penisola coreana. E, in effetti, la sua vita sembra proprio un romanzo, ribelle, rivoluzionario e tragico, dove le sue vicende personali sono diventate parti della storia stessa coreana, fino alla sua morte, assassinato nel 1949, dopo l’indipendenza, mentre cercava di trovare un compromesso tra il Nord comunista e il Sud nazionalista per scongiurare la separazione e la guerra fratricida.

Noto semplicemente come “paekpom“, la cui traduzione corrisponde più o meno al significato di “uomo ordinario” o “uomo qualunque”, per la sua volontà di paragonarsi al resto della popolazione coreana oppressa dalla dominazione, senza alcun particolarismo, Kim Gu nacque come Kim Changam nel 1876 in un villaggio nei pressi di Haeju (oggi nel territorio nordcoreano) da un’ex famiglia nobile. Il padre, infatti, apparteneva all’antica nobiltà di Joseon (nella classe degli yangban) del clan dei Kim di Andong, caduta in disgrazia nel XVII secolo, dopo la condanna del consigliere di Stato Kim Chajom.

La sua infanzia fu segnata dalla povertà estrema, dalle difficoltà finanziarie della famiglia e dalla malattia (un’epidemia di vaiolo a due anni e una paralisi a dodici anni), ma anche dalla crescente convinzione che la situazione geopolitica internazionale continuava a mutare in sfavore del regno di Joseon, la cui autonomia veniva continuamente compromessa dalle infiltrazioni giapponesi e occidentali. Per questo motivo, a soli 16 anni, Kim Gu si unì al gruppo Donghak (o Tonghak), da cui ricavò gli insegnamenti confuciani alla base anche della sua teoria politica, e nel 1894, a 17 anni comandò una fazione di rivoltosi nella Rivoluzione contadina di Donghak (la stessa che fa da sfondo al k-drama storico “Nokdu Flower“), da cui defezionò l’anno successivo, per fuggire in Manciuria e unirsi all’Esercito dei Giusti. L’assassinio da parte di sicari giapponesi dell’imperatrice Myeongseong, lo spinse ad addentrarsi all’interno di gruppi rivoluzionari che tentavano di liberarsi della presenza giapponese attraverso atti terroristici, che lo coinvolsero nell’uccisione del mercante giapponese Tsushida Josuke, sospettato di essere dietro l’esecuzione dell’imperatrice, per cui Kim Gu fu condannato e incarcerato.

Tuttavia, nel 1898, riuscì ad evadere dalla prigione di Incheon, insieme ad altri detenuti coreani ribelli. Dopo essersi nascosto per un anno in un monastero buddista, tornò nella casa paterna quasi nell’anonimato e si convertì al cristianesimo, accogliendo la cultura occidentale all’interno dei rinnovati principi confuciani già propugnati per cercare di costruire un’identità al popolo coreano. In questo periodo, studiò e lesse molto, con una voglia di migliorare e portare avanti la propria cultura che non ha pari, fece tanti disparati lavori (dal fattore all’insegnante) e iniziò a preparare la sua attività indipendentista, che si intensificò dopo il Trattato di Eulsa del 1905, secondo cui la Corea diventava un protettorato giapponese, e il Trattato di Taft-Katsura, che legittimava il dominio giapponese in Estremo Oriente anche a seguito della vittoria nella guerra contro la Russia.

Sono gli anni della fondazione dell’Associazione della Nuova Popolazione da parte di Ahn Chang-ho a Los Angeles, dell’assassinio di Ito Hirobumi da parte di An Jung-geun (su cui il film “Hero” e il film “Harbin“) e del progettato attentato contro il governatore generale di Joseon Terauchi Masatake. Kim Gu venne arrestato di nuovo e condannato ai lavori forzati per 15 anni. Dopo torture e percosse che lo sfigurarono permanentemente (perso l’uso dell’orecchio sinistro), Kim Gu fu rilasciato prima di finire di scontare la condanna, ma, dopo aver partecipato al Movimento per l’Indipendenza del Primo Marzo, partì in esilio a Shangai.

Ed è qui che forse iniziò la fase più “politica” della sua lotta per l’indipendenza, che mise in contatto con gli altri leader rivoluzionari del periodo, Synghman Rhee, che, poi, divenne il primo Presidente della Corea del Sud, e Kim Il Sung, poi leader nordcoreano, diventando parte del governo provvisorio in esilio dal 1919 al 1926, ma anche fautore di campagne per raccogliere il consenso e i finanziamenti esteri per la causa coreana, dagli Stati Uniti, alla Francia, al Regno Unito, fino ad incassare anche la collaborazione del Kuomintang cinese. Al tempo stesso, fu anche la più rivoluzionaria e pericolosa della sua attività, fondatore dell’Organizzazione patriottica coreana, responsabile di assassinii illustri di politici e funzionari imperiali giapponesi e di diversi attentati dinamitardi, che lo resero inviso ad una parte della popolazione cinese – anche per le sue idee anti-comuniste, ma che, comunque, non lo fecero desistere dai suoi propositi indipendentisti. Nel 1935, fondò il Partito Rivoluzionario Nazionale Coreano, che confluì, poi, nel Partito Nazionale Coreano (한국국민당).

Furono tanti gli sforzi e i compromessi che Kim Gu cercò per riunificare il fronte per la liberazione e molteplici pure i fallimenti, ma non rinunciò mai alla causa a cui aveva votato la vita e che lo portò anche ad offrire supporto militare agli Stati Uniti durante la Seconda Guerra Mondiale, con il cosiddetto Eagle Project.

Il suo ritorno in patria coincise con il ritorno dell’indipendenza coreana per cui si era adoperato tanto ed iniziò una nuova fase della lotta e della strategia di Kim Gu, quella della mediazione che aveva tentato di mettere in campo già da un decennio per ricompattare il fronte per l’indipendenza, cercando di superare tutti i contrasti e le diversità politiche presenti in Corea, ma anche cercando di salvare la sua patria da una separazione, che temeva avrebbe potuto compromettere per sempre la pace del suo popolo.

Dopo una vita di lotte, anche molto gravose e pericolose, e dopo aver assistito di prima persona a tanta violenza, l’ultimo messaggio di Kim Gu fu per la vera chiave interpretativa per la costruzione di una nuova pace, che doveva consistere nella cultura.

“Ho sentito la sofferenza di essere stati invasi da un’altra nazione e non voglio che la mia nazione ne invada altre. Credo che sia sufficiente che le nostre vite sia in salute e prosperino nel benessere e che la nostra forza sia in grado di prevenire invasioni esterne. L’unica cosa che desidero in quantità infinita è il potere di una nobile cultura. Perché il potere della cultura ci rende felice e, al tempo stesso, dà la felicità agli altri. Le persone ragionevoli oggi sono infelici perché mancano l’umanità, la giustizia, la compassione e l’amore. Se questi valori potessero radicarsi nei nostri cuori, il benessere che l’umanità sta vivendo sarebbe sufficiente per rendere possibile che tutti i due miliardi di popolazione mondiale vivano bene. E solo il potere della cultura può illuminare le persone sull’importanza di questi valori. Non vorrei che la mia nazione imitasse le altre, ma piuttosto che vorrei che fosse una nazione che possa dare origine ad una nobile cultura. Desidero una vera pace nel mondo e desidero che sia realizzata attraverso il potere della cultura della mia nazione”.

Laura

Post in evidenza

In questo angolo di mondo

“Le persone scompaiono molto facilmente, e una volta che non sono più visibili la nostra voce non li raggiunge più”.

Titolo originale: この世界の片隅に; Kono sekai no katasumi ni; In this Corner of the World

Diretto da: Sunao Katabuchi

Ispirato al manga di: Fumiyo Kono

Film Anime (Giappone, 2016)

Prodotto da Studio Mappa

Genere: drammatico, storico

La storia inizia negli anni Trenta a Hiroshima dove la famiglia Urano trascorre la propria vita ordinaria e serena, i venti di guerra sembrano lontani, ma in realtà la società sta cambiando e il mondo si avvia ad intraprendere un percorso di morte. La giovane Suzu, però, è una bambina sognatrice che vive nel proprio mondo colorato, spalanca gli occhi meravigliandosi delle bellezze della natura, di un cielo limpido, delle bianche e soffici nuvole, di foglie d’erba bagnate dalla pioggia e poi le ritrae, nei suoi disegni, nel suo mondo immaginifico che racchiude una vasta e immensa fantasia.

“Anche se ci sono alti e bassi, essere una bambina non è poi così male. Ho la sensazione di riuscire a vedere molte cose”.

Suzu ha la capacità di affrontare le giornate, cercando di focalizzarsi su ciò che va bene, abbandonando i pensieri negativi, ma esercitando ogni giorno la propria tenacia e resilienza, il suo è un dono e le sarà utile per il resto della propria esistenza, quel candore che la contraddistinguerà durante gli eventi più tragici.

A soli diciotto anni si ritrova sposata con Shusaku Hojo, impiegato del Ministero della Difesa, e la sua vita inizia a cambiare, si ritrova sradicata dalla famiglia perché secondo le convenzioni sociali è il momento di crescere e di andare via, così cerca di abituarsi e di adattarsi alla nuova vita a Kure, cittadina sulla costa della prefettura di Hiroshima, alla famiglia del marito e alle nuove dinamiche sociali da affrontare con perseveranza e costanza, dotata sempre di gentilezza e di sensibilità, ma rivolgendosi spesso, come piccolo momento di fuga, alla fantasia e al disegno.

E’ il 1944, il mondo è già in guerra da qualche anno e anche i bombardamenti iniziano ad essere sempre più incessanti, sembra un’onda che fluttua, ma che può anche non arrivare a riva, così prova a immaginare Suzu nella sua innocente speranza.

“Anche se siamo in guerra le cicale friniscono e le farfalle volano. Dopo l’incursione aerea di giugno pensavamo che la guerra stesse ormai per mostrarsi ai nostri occhi: ma dove la combattono, e quando arriverà?”.

Poi i bombardamenti diventano realtà sempre più drammatica, le bombe colpiscono anche i luoghi preferiti da Suzu, le persone conosciute. Spariscono case, esseri umani, affetti, natura e la nostra giovane protagonista cerca di reinventare la realtà attorno a sé, affondando il tutto in una tavolozza di acquerelli. Le esplosioni nel cielo sfumano in una notte stellata, la sostanza di ogni cosa viene rielaborata e invece di sparire ogni cosa diventa colore.

Suzu trascende la realtà e si rifugia nel proprio angolo di mondo per riprendere il coraggio e affrontare la tragedia che diventa sempre più drammatica, i bombardamenti, le case distrutte, le famiglie che spariscono sotto le macerie e anche la sua vita che cambia sempre di più condizionata dalle scelte degli altri, ma Suzu ha una luce speciale, un dono che le permette di andare avanti, nonostante tutto e che la libera dalle tenebre, un filtro di colori con i quali combattere la cupezza del mondo.

L’abilità del regista, Sunao Katabuchi, già assistente alla regia di Miyazaki, è quella di riuscire a scardinare i cliché di un racconto di guerra, avvalendosi di una tecnica e di una scelta stilistica particolari, il disegno tradizionale è ancora una volta protagonista, ma l’uso dell’acquerello nei fondali e i disegni limpidi, delicati, equilibrano la crudezza della storia e della tragedia umana visti attraverso lo sguardo candido di Suzo.

Sunao Katabuchi riprende la drammaticità di Isao Takahata, soprattutto nel suo capolavoro “Una tomba per le lucciole” e la fantasia del maestro Miyazaki per completare un’opera tutta sua originale che nel 2016 ha vinto il prestigioso premio “Film d’animazione dell’anno” alla quarantesima edizione del Japan Academy Prizes.

L’anime “In questo angolo di mondo” è ispirato al manga omonimo di Fumiyo Kono, scrittrice e illustratrice, nata a Hiroshima nel 1968 e già vincitrice di molti premi, oltre al suo meraviglioso “Hiroshima – Nel paese dei fiori di ciliegio”, pubblicato in Italia da Kappalab edizioni.

“In questo angolo di mondo” è un film che non si dimentica facilmente così come Suzu che è uno dei personaggi che riesce a cogliere meglio la meraviglia, pur vivendo gli orrori e i drammi, pur venendo a contatto con la disperazione, sa che, oltre a tutto questo, esiste un piccolo angolo di mondo incontaminato dalla cattiveria umana, un angolo in cui tutto potrebbe andare meglio, forse dove la fantasia potrebbe regnare e fare da scudo al mondo di fuori.

Grazia

Come suona la recensione?

Post in evidenza

StrangerBookClub: Hiroshima – Il racconto di sei sopravvissuti

Titolo originale: Hiroshima

Autore: John Hershey

Prima pubblicazione: USA, 1946

Casa editrice italiana: UTET

Se la drammatica e struggente fotografia del bambino in piedi al crematorio scattata a Nagasaki dal fotografo americano Joe O’Donnell, è un documento realistico dell’immane tragedia del bombardamento atomico, il libro dello scrittore e giornalista americano John Hersey, “Hiroshima. Il racconto di sei sopravvissuti” è un documento altrettanto grave e doloroso, ma necessario.

Nella fotografia di Joe O’Donnell il bambino in piedi sull’attenti con il corpo morto di un bambino più piccolo (forse il fratellino) legato alla schiena, in attesa della cremazione, è una delle immagini più drammatiche della guerra ed è una testimonianza dell’immenso dolore manifestato con dignità nel mezzo di un orrore ingiustificato.

Così anche nel libro di John Hersey le testimonianze delle persone sopravvissute, riportate dall’autore nel suo reportage giornalistico, diventano espressione scritta di una tragedia raccontata nei particolari da chi l’ha vissuta minuto per minuto dalle otto e quindici minuti del mattino del 6 agosto 1945 in avanti.

John Hersey (1914 – 1993) crebbe in Cina fino all’età di undici anni, studiò, poi, all’Università di Yale e iniziò a lavorare come giornalista nel 1937. Fu corrispondente di guerra per le più importanti riviste americane di allora e nel 1944 vinse il premio Pulitzer per il romanzo, “Una campana per Adano”.

Il suo reportage giornalistico più famoso fu, però, quello di Hiroshima, perché a meno di un anno dal bombardamento atomico, John Hersey si recò a Hiroshima, corrispondente del “New Yorker” per capire che ne era stato di quella città giapponese distrutta l’anno prima dall’atomica.

Hersey si aggirò tra le macerie, tra le disperazioni e le sofferenze delle persone rimaste in vita, nella loro tragedia umana in un orrore indescrivibile. Raccolse le storie e i racconti dei superstiti soprattutto di sei persone.

La storia di Toshiko Sasaki, una giovane ragazza impiegata in una fonderia; Kiyoshi Tanimoto, pastore di una chiesa metodista; Masakazu Fujii, medico di una clinica privata; padre Wilhelm Kleinsorge, un prete tedesco della Compagnia di Gesù, che al momento del bombardamento si trovava nell’edificio della sua missione; Terufumi Sasaki, giovane chirurgo venticinquenne che lavorava nell’ospedale della Croce Rossa di Hiroshima; Hatsuyo Nakamura, una sarta, già vedova di guerra, che era alla finestra della sua cucina al momento del bombardamento e che, dopo qualche minuto, liberava i figli vivi tra le macerie.

I racconti di sei persone normalissime che vivevano la propria vita ordinaria, ma che in quella mattina del 6 agosto del 1945 si ritrovarono a lottare per la propria esistenza e a chiedersi come mai fossero rimasti vivi.

John Hersey ha il merito di fotografare le sei testimonianze in ogni momento di quella drammatica giornata e nei giorni che seguirono il bombardamento. Un reportage giornalistico toccante e drammatico, ma mai retorico.

“Hiroshima. Il racconto di sei sopravvissuti” diventa una testimonianza importante per la Storia e per le generazioni future e riesce a restituire alle vittime la parola. Il racconto che è eredità e memoria.

Quarant’anni dopo, nel 1985, John Hersey si recò nuovamente a trovare i sei sopravvissuti e aggiunse al suo reportage una seconda parte molto importante soprattutto nel ruolo sociale che i sopravvissuti ai bombardamenti atomici avevano avuto in quei quarant’anni, la loro categoria definita “hibakusha”, cioè “persone colpite dalla bomba”, le loro difficoltà incontrate e le discriminazioni subite.

Una rara perla di giornalismo e di storia, una testimonianza che a ottant’anni dai bombardamenti atomici riesce a farci pensare, riflettere e a commuoverci.

Grazia

Post in evidenza

Gli Hibakusha: storie di sopravvissuti – 80 anni dai bombardamenti atomici

“Vorrei far sapere a tutti

come era blu quel cielo

verso cui un milione di sguardi opachi erano alzati

sferzati dalla pioggia

arsi dal sole”.

Kiyoko Horiba, Quel cielo (1962) *

*traduzione di Yukari Saito

Quest’anno si ricordano gli ottant’anni dai bombardamenti di Hiroshima e Nagasaki. L’anno scorso, nel 2024, l’associazione “Nihon Hidankyo”, fondata dagli “hibakusha”, è stata insignita del premio Nobel per la Pace “per i suoi sforzi a favore di un mondo libero dalle armi nucleari”.

Chi sono gli “hibakusha” e perché il loro ruolo è stato fondamentale nel costante e quotidiano ricordo dei bombardamenti atomici e di conseguenza nella sensibilizzazione per la prevenzione della guerra nucleare e l’eliminazione delle armi nucleari?

Secondo Kenzaburo Oe, premio Nobel giapponese per la letteratura nel 1994, gli hibakusha sono “coloro che non si suicidarono nonostante avessero tutte le ragioni per farlo; che hanno salvato la dignità umana in mezzo alle più orrende condizioni mai sofferte dall’umanità”.

Una descrizione davvero molto sentita perché per lo scrittore solo coloro che hanno vissuto un’umanità negata possono essere un faro di speranza e di coraggio per gli altri.

Ho deciso di ricordare il triste anniversario dei bombardamenti atomici attraverso gli occhi, le memorie, i nomi, le emozioni che solo i sopravvissuti di una grande tragedia possono raccontare, anche solo attraverso un’immagine descritta.

Mille sfaccettature di come gli esseri umani vivono il dolore e la sofferenza, la loro fatica di comunicarla agli altri, di non essere giudicati, di non sentirsi in colpa per essere sopravvissuti. Di solito non esiste un grido che descrive il dolore perché il dolore è silenzioso e si ripete per chi lo attraversa ogni giorno con i propri pensieri, i propri ricordi, come spine aggrovigliate in un pugno chiuso.

Hibakusha (被爆者) è un termine giapponese che letteralmente significa “coloro che sono stati colpiti dal bombardamento” ed è il termine usato per indicare coloro che sono scampati al bombardamento e che hanno subito le radiazioni. Fu evitato di scegliere la parola “sopravvissuto” per rispetto nei confronti dei defunti e per eventuali sensi di colpa da parte di coloro che rimasero in vita, ma che persero familiari e amici.

La vita degli hibakusha, dopo la fine della guerra, fu appesantita da sofferenze fisiche e psicologiche e, a causa della paura per le conseguenze delle radiazioni atomiche, furono vittime di gravissimi atteggiamenti e comportamenti discriminatori soprattutto nel trovare un lavoro per via della salute precaria o nel contrarre matrimonio, perché si temeva che le radiazioni stesse potessero determinare malattie ereditarie.

Solo nel 1957 il Parlamento giapponese approvò finalmente una legge che disponeva cure mediche gratuite ai cittadini giapponesi hibakusha. L’anno prima, nel 1956, venne fondata la “Nihon Hidankyo” che raccoglieva sopravvissuti e famiglie delle vittime dei bombardamenti. L’organizzazione nacque dopo l’episodio dei test con armi termonucleari condotti dagli Stati Uniti nell’atollo di Bikini nel 1954 che aveva causato sindrome da radiazioni acute nei residenti degli atolli vicini e in 23 membri dell’equipaggio del peschereccio giapponese Daigo Fukuryu Maru. Nonostante l’immane tragedia del 1945, purtroppo, si continuavano a testare ancora nuove armi.

La Nihon Hidankyo, fondata il 10 agosto del 1956 in occasione della seconda conferenza annuale del Consiglio giapponese contro le bombe atomiche a Hiroshima, è l’unica associazione di sopravvissuti a livello nazionale ed è presente in ognuna delle 47 prefetture del Paese in cui tutti i suoi funzionari sono dei sopravvissuti e continua a lavorare per raggiungere obiettivi importanti a livello nazionale e internazionale, per sensibilizzare le generazioni ad una visione del mondo libero da armi nucleari, affinché il ricordo delle conseguenze delle tragedie dei bombardamenti atomici sia vivo e presente.

La poetessa Kurihara Sadako (1913 – 2005), nata e vissuta a Hiroshima, sopravvisse allo scoppio della bomba atomica e fu tra i primi intellettuali hibakusha a raccontare della tragedia, la sua è una delle testimonianze letterarie più toccanti.

Toshiko Tanaka era una bambina di poco più di sei anni al momento del bombardamento atomico, è sopravvissuta ed è diventata un’artista. Nelle sue opere testimonia il ricordo. Nel 1981, durante la visita in Giappone di Papa Giovanni Paolo II, Toshiko Tanaka ha fatto omaggio al pontefice di una delle sue opere.

Terumi Tanaka, classe 1932, sopravvissuto al bombardamento di Nagasaki, è il segretario generale della Nihon Hidankyo, aveva 13 anni e la sua casa si trovava a pochi chilometri dal punto dell’impatto. Terumi Tanaka ricorda di essere stato scaraventato contro diversi pannelli di vetro, ma nonostante tutto di essere sopravvissuto. Si rese conto, però, di aver perso molti dei suoi cari familiari, i nonni, due zii, un cugino e una zia che dovette cremare personalmente in un terreno vicino, dopo la sua morte, a pochi giorni dal bombardamento.

Keiji Nakazawa (1939–2012), è stato un fumettista giapponese, sopravvissuto al bombardamento atomico di Hiroshima. Nella sua opera autobiografica “Hadashi no Gen”, conosciuta in Italia con il titolo di “Gen d’ Hiroshima”, racconta la storia del giovane Gen, sopravvissuto al bombardamento atomico di Hiroshima. Il manga è stato tradotto in tutto il mondo in moltissime lingue. La bomba atomica portò via a Kenji Nakazawa il padre, il fratellino e la sorella maggiore e dieci anni dopo la madre per le conseguenze delle radiazioni nucleari.

Sadako Sasaki (1943 – 1955) era una bambina di due anni quando sopravvisse al bombardamento di Hiroshima. Nel novembre del 1954 si ammalò di leucemia a seguito delle radiazioni della bomba atomica. La bambina iniziò a piegare degli orizuru (gru di carta) perché, secondo una leggenda, solo piegandone 1000, il proprio desiderio poteva essere avverato. La aiutarono anche altri amici e familiari. La piccola si spense, però, a seguito di un aggravamento della malattia, ma dopo la sua morte, amici e compagni di scuola pubblicarono una raccolta di lettere per raccogliere fondi per costruire il “Monumento alla pace dei bambini” in memoria sua e di tutti i bambini di Hiroshima morti in seguito alla bomba atomica. Nel 1958 fu collocata al Parco del Memoriale della Pace una statua raffigurante Sadako mentre tende una gru di carta verso il cielo. La storia di Sadako ha ispirato il romanzo, “Il gran fuoco di Hiroshima” di Karl Bruckner.

Tsutomu Yamaguchi (1916 – 2010) era un ingegnere di Nagasaki che si trovava ad Hiroshima per lavoro. Dopo il bombardamento tornò sconvolto a Nagasaki, ma qui fu testimone di un secondo bombardamento. Tsutomu Yamaguchi è uno dei pochi sopravvissuti ad entrambi i bombardamenti atomici di Hiroshima e Nagasaki. Ha sofferto per tutta la sua vita a causa degli effetti delle radiazioni atomiche. A ottant’anni ha scritto una autobiografia e nel 2006 è stato invitato a partecipare a un documentario sulle 165 persone ufficialmente vittime di entrambe le bombe atomiche giapponesi. Queste persone venivano chiamate “nijū hibakusha”. Nel 2009 anche il regista James Cameron si è interessato alla sua storia.

Takashi Nagai (1908 – 1951), medico e scrittore, sopravvisse al bombardamento di Nagasaki del 1945. Takashi Nagai, dopo il matrimonio, si convertì al cattolicesimo (Nagasaki ha da sempre ospitato una delle comunità cattoliche più grandi di tutto il Giappone) e fu battezzato con il nome di Paolo. Come medico radiologo contribuì allo studio degli effetti delle radiazioni della bomba sul corpo umano dando il proprio contributo come assistenza ai malati e ai più poveri. Il suo libro “Le campane di Nagasaki” è una delle testimonianze più toccanti mai scritte. Takashi Nagai venne anche soprannominato come il “santo di Urakami”. Insieme alla moglie Midori, morta nel bombardamento, è considerato servo di Dio della Chiesa cattolica.

Durante gli anni ’70 gli hibakusha di nazionalità non giapponese fecero richiesta per ottenere lo stesso diritto alle cure mediche gratuite e solamente nel 1978 la Corte Suprema del Giappone riconobbe loro il diritto alle cure mediche e alle agevolazioni economiche. La maggior parte degli hibakusha di nazionalità non giapponese erano coreani che lavoravano in Giappone, moltissimi a Hiroshima.

Lee Jong-keun nacque a Hiroshima nel 1928 da genitori coreani residenti in Giappone. Lee Jong-keun ha trascorso gran parte della sua vita celando la sua identità e per decine d’anni ha nascosto il fatto di essere sia coreano che hibakusha. Da sopravvissuto del bombardamento di Hiroshima, negli ultimi anni della sua vita, ha viaggiato per il mondo raccontando le sue esperienze. La testimonianza di Lee Jong-keun è come quelle di moltissimi hibakusha coreani che hanno penato per farsi riconoscere come vittime.

Nei giorni dei bombardamenti nucleari ad Hiroshima e Nagasaki erano presenti anche moltissimi giovani e bambini nippo-americani, figli di emigrati giapponesi, ma nati negli Stati Uniti, di seconda o terza generazione, tornati a trascorrere un periodo dai propri parenti o per studio. Si stima che al momento del bombardamento solamente ad Hiroshima fossero circa 11.000.

Le storie e i racconti degli hibakusha sono una testimonianza preziosa per l’intera umanità, perché il valore della memoria, del ricordo, è fondamentale e la conoscenza del passato fa acquisire consapevolezza nel presente. Come diceva Cicerone: “La memoria è tesoro e custode di tutte le cose”.

Accanto alla statua di Sadako, la bambina delle mille gru di carta, c’è una targa con incisa una frase, speranza e monito per le generazioni future: “Questo è il nostro grido. La nostra preghiera. Pace nel mondo”.

Bibliografia:

– Hiroshima il racconto di sei sopravvissuti di John Hersey (1946) – Ediz. Utet

– Il gran sole di Hiroshima di Karl Bruckner (1961)

– La pioggia nera di Masuji Ibuse (1965)

– Gen di Hiroshima serie manga di Keji Nakazawa (1973)

– Le campane di Nagasaki di Takashi Nagai (1949)

– Note su Hiroshima di Kenzaburō Ōe (1965)

– La voce di Kurihara Sadako, Ciliegi di Hiroshima e la poetica della bomba atomica di Daniela Travaglini – Aracne Editrice

– Hiroshima. Nel paese dei fiori di ciliegio.

– Diario di Hiroshima di Michihiko Hachiya

Grazia

Post in evidenza

Twenty-Five Twenty-One (ovvero della crescita, dell’amore, dell’imperfezione della vita)

“Qualche volta, dire che possiamo fare qualcosa può non essere incoraggiante. Non abbiamo ancora imparato a conoscere un mondo in cui non è necessario avere successo e si può anche fallire. Per cui facciamo quello che possiamo. Facciamo il nostro meglio. Ma spero ancora che, anche se dovessimo fallire, saremo abbastanza forti da rialzarci di nuovo”.

Titolo originale: 스물다섯 스물하나, Seumuldaseot seumulhana

Regia: Jung Ji-hyun

Sceneggiatura: Kwon Do-eun

Cast: Kim Tae-ri, Nam Joo-hyuk, Kim Ji-yeon (Bona), Choi Hyun-wook, Lee Ju-myung, Seo Jae-hee, Kim Hye-eun, Choi Myung-bin, Choi Min-young, Choi Tae-joon

Corea del Sud – drama, 2022 / 16 episodi

Genere: drama, slice-of-life, sport, romance, youth, coming-of-age

Ci sono prodotti (drama, anime, film, etc) che sono difficilmente catalogabili, perché rappresentano tante complesse sfaccettature di esistenze umane così normali, tanti piccoli spiragli di anima, che si lascia leggere senza opposizione alcuna all’introspezione, tanti momenti di riflessione condivisa e automatica, da creare immediatamente un doppio riconoscimento con lo spettatore: ci si riconosce nei personaggi, nei loro atti, nelle scelte e nelle non scelte, nelle parole, nelle risate, nelle tristezze e nelle emozioni, ma sono soprattutto i personaggi che si riconoscono in noi e si rimodellano e si riadattano ad ogni visione, seguendo i nostri pensieri e le nostre percezioni, come una parola che può suonare in un modo in un certo momento, per renderci conto di una sua inflessione diversa in un secondo momento e in un terzo ancora. Se si ha la felice fortuna di imbattersi in uno di quei rari prodotti, che riescono a leggerci dentro, prima di qualsiasi nostra interpretazione, conviene fermarsi, prendersi tempo, tenere in mano un taccuino e iniziare a segnare le frasi e i momenti, dandosi la libertà di commuoversi, sorridere e lasciarsi andare al ritmo dei battiti di quei personaggi, perché si sa già che si entrerà all’interno delle loro esistenze, si troveranno amici e anime complementari in quelli che sembravano personaggi fittizi e loro troveranno in noi le loro espressioni quotidiane.

Personalmente, questo scambio reciproco di esistenza, come se si vivesse insieme, almeno una volta, una delle vicende descritte, mi è capitato solo da ragazzina, quando mi avvicinai per la prima volta alla lettura dei testi di Daniel Pennac (all’epoca, quella lettura fu il romanzo “Kamo“, dove il personaggio aveva pressappoco la mia età e le sue avventure erano afflitte da un certo bovarismo letterario, tanto da corrispondere lettere con Catherine di “Cime tempestose“). Pur avendo amato molti testi letterari e molti prodotti fittizi, questa sensazione mi è ricapitata una seconda volta, molto più tardi, ormai da adulta, guardando il drama coreano “Twenty-Five Twenty-One” (anche noto come “25 21” a numero), perché è come se Na Hee-do, Baek Yi-jin, Moon Ji-woong, Ko Yu-rim e Ji Seung-wan fossero cresciuti con me, capaci di comunicare i loro sogni, la lotta per l’affermazione e per sopravvivere nella società, la smodata volontà di crescere, commisurata dall’altrettanto smodato desiderio di fermare il tempo in un attimo, i legami che vanno oltre qualsiasi cosa e che rimangono tali, con la dolcezza del ricordo, anche dopo diversi anni, e quel sorriso involontario che diventa reciproco, come per far capire che non si è mai soli, quando si comprendono e si empatizzano le difficoltà.

“Il mio diario di quei giorni è pieno di amore e amicizia. Un periodo in cui l’amore e l’amicizia significavano molto nella mia vita. Un periodo come quello dura solo un momento”.

In epoca COVID, la giovane Kim Min-chae sembra non eccellere nel percorso di danza che ha deciso di intraprendere e si sente perduta, quasi perdente in un confronto impari con la madre, che si è affermata da giovane nel mondo sportivo come schermitrice. Decide, così, di trascorrere l’estate in casa della nonna, ma, più tenta di rinnegare la presenza materna, più si imbatte in tutti quei ricordi che saltano fuori dagli anni ’90 e che urlano il nome di sua madre più di qualsiasi altra cosa. Ed è così che, dai ricordi che le si affollano davanti, si staglia subito un vecchio diario, una sorta di cronistoria segreta delle memorie di sua madre, scritto dalle sue ansie da adolescente, eppure intriso di quella determinazione per la vittoria che ne ha caratterizzato l’esistenza. Desiderosa di comprendere di più sua madre (e forse anche se stessa), Min-chae si ferma a leggere il diario e si ritrova catapultata nell’adolescenza di Na Hee-do (interpretata da una meravigliosa Kim Tae-ri di “Jeong-nyeon – The Star is Born” e “Little Forest“), in quei 18 anni compiuti sul finire del secolo XX, nel periodo caratterizzato dalla grande crisi economica del Fondo Monetario Internazionale, che ha colpito severamente la Corea.

1998. Na Hee-do è una ragazza vivace e solare con un unico desiderio: diventare campionessa di scherma, anche se la madre giornalista (interpretata da Shin Jae-kyung) le ha fatto mancare il suo sostegno da tempo, la scuola ha deciso di chiudere il club della scherma e tutti le rimproverano di non avere alcuna abilità e alcuna predisposizione. La sua icona è Ko Yu-rim (interpretata da Bona), che, ancora giovanissima, si è già affermata a livello internazionale, vincendo una medaglia d’oro. Hee-do spera di conoscerla e di allenarsi con lei e, per questo motivo, fa di tutto per cambiare scuola e per farsi ammettere dallo stesso liceo, oltre che dalla stessa allenatrice di Yu-rim, la terribile Yang Chan-mi (interpretata da Kim Hye-eun), che il mondo dello sport considera una leggenda della scherma, ma che ha metodi di allenamento particolari e arcigni.

Sembra che non ci sia spazio per altro nella vita di Hee-do, a parte la sua passione per i fumetti, primo fra tutti “Full House“, di cui attende con ansia ogni uscita e che preferisce leggere rispetto ai libri di scuola. Nel negozio dove va ad affittare i manhwa, lavora Baek Yi-jin (interpretato da Nam Joo-hyuk di “Start-Up“), che ha 22 anni, ma si porta addosso il peso del fallimento di una famiglia e, mentre il padre si nasconde dai creditori che lo cercano per chiedere il pagamento della sua azienda crollata, si è abituato a crescere troppo in fretta per guadagnare i soldi per riunire e rimettere in piedi la famiglia.

“Abbiamo la forza di rialzarci. Quindi, quando le cose si mettono male, possiamo sentirci frustrati quanto vogliamo. E tristi quanto vogliamo. Poi, però, rialziamoci insieme.”

Na Hee-do entra come un vortice nella vita di Baek Yi-ji: più lui è solitario e pensieroso, dedito al lavoro e abbattuto dalla tristezza della vita, più lei è una forza della natura, caparbia e resiliente quanto basta per non abbattersi nelle sconfitte, in grado di donare il sorriso a chi le sta intorno. I due si incontrano e si scontrano in fumetteria; poi, si re-incontrano e si scontrano di nuovo e, poi, di nuovo ancora. Lui cerca di evitarla, lei lo va a cercare appositamente. Lei non lo nota per strada, lui si palesa costantemente. Le loro anime si riconoscono e iniziano a dialogare e a confidarsi, ad aprirsi ai loro sogni e alle loro preoccupazioni. Poi, Baek Yi-jin improvvisamente parte, senza lasciare alcun messaggio, per raggiungere i suoi familiari nel Sud, lasciando a Na Hee-do il ricordo della sua costante dolcezza e del suo sostegno, perché, anche se è stato costretto a rinunciare ai suoi sogni, non è disposto a rinunciare ai sogni di Na Hee-do (“perché tu mi hai dato la speranza ed io voglio il meglio per te).

Na Hee-do ha solo la sua voce, da registrare in continuazione nella segreteria di un vecchio cercapersone, per far sentire costantemente la sua presenza e fargli capire che sarà sempre dalla sua parte, qualsiasi cosa possa accadere.

“D’ora in poi, quando esci con me, potrai essere felice senza che nessuno lo sappia. (…) Proprio come mi hai sostenuto senza motivo… ora tocca a me sostenerti. Ovunque tu sia, farò in modo che il mio sostegno ti raggiunga. Verrò a raggiungerti”.

Passa un po’ di tempo. Na Hee-do ha stretto nuove amicizie, tra cui la studiosa e brillante Ji Seung-wan (Lee Ju-myung di “Like Flowers in Sand“), che gestisce una radio pirata dove critica il sistema scolastico sudcoreano, che ammette ancora le pene corporali, e parla dei problemi della sua generazione, e Moon Ji-woong (Choi Hyun-wook di “Weak Hero Class” e “Twinkling Watermelon“), che ha un rendimento scolastico bassissimo, ma è il migliore amico che tutti si meriterebbero di trovare almeno una volta nella vita. Inoltre, è entrata nella nazionale di scherma e la sua competizione con Ko Yu-rim è diventata aspra e accesa, tanto luogo ad un clima costante di conflitto. Infatti, più aumenta la bravura di Na Hee-do, più Ko Yu-rim diventa scostante e preoccupata del risultato, anche perché vessata da una serie di problemi economici della sua famiglia.

Ma il tempo che passa riporta davanti ai suoi occhi Baek Yi-jin, ora diventato stagista al giornale, dove segue la rubrica sportiva, ed è come se i due non si fossero mai allontanati: Hee-do persegue ancora il suo obiettivo di far sorridere Yi-jin e di portarlo alla felicità e Yi-jin, d’altro canto, non ha mai smesso di fare il tifo per lei, che gli ha donato la speranza, ed è pronto da porgerle tutto il suo sostegno nelle difficoltà che Hee-do è destinata a vivere nel mondo dello sport, nonostante la sua vecchia conoscenza con Ko Yu-rim.

Quell’antica complicità che si era creata dal nulla e quei caratteri quasi agli antipodi diventano presto un’affinità e un’amicizia che non hanno eguali, perché insieme Hee-do e Yi-jin sono in grado di costruire un mondo tutto loro, che non ha bisogno di arcobaleni per brillare e dove la tragedia può essere trasformata in commedia e l’estate può durare in eterno, portando il loro effetto benefico su coloro che sono loro accanto. Crescono insieme e imparano in ogni singolo momento, litigano, discutono e si riconciliano, mentre comprendono l’una dall’altro cosa vuol dire vivere e affrontare nello stesso modo la felicità e la tristezza. Si supportano e si amano senza egoismi e senza pretese con un amore che è nato da subito e che è cresciuto lentamente, maturando come le loro stesse vite.

“La vita è preziosa. Amiamoci senza rimpianti finché siamo vivi”.

L’amore e l’amicizia si fondono insieme e li circondano, mentre trascorre il tempo, Baek Yi-jin lotta per affermarsi nel mondo del giornalismo, passando dallo sport alla cronaca cittadina, e Hee-do scopre che odio e stima nel suo mondo hanno la stessa intensità e che deve cercare di essere sempre più forte per rialzarsi dalle intemperie. Continuano ad amarsi mentre finisce il millennio e si teme che il triplo zero possa annullare tutta la tecnologia esistente.

“Che cosa vorresti fare prima che il mondo finisca?“

Quando il mondo continua ed entra ufficialmente nel nuovo millennio, Hee-do compie 21 anni e si sente capace e determinata nel rincorrere i suoi sogni e le sue prospettive, pronta a respirare la sua libertà e il successo, conscia di essere se stessa, a prescindere da qualsiasi cosa. Quando il mondo continua ed entra ufficialmente nel nuovo millennio, Yi-jin è un giovane uomo di 25 anni, che è cresciuto troppo in fretta rispetto ai suoi coetanei e che cerca di fermarsi per recuperare la sua età e la felicità negata per troppo tempo, ma che sente svanire via, mentre le sue insicurezze e i suoi dolori interiore riaffiorano prepotenti nelle sue angosce. Hee-do ha 21 anni e Yi-jin ne ha 25, quando il mondo sembra finire di nuovo l’11 settembre 2001, mentre due aerei tranciano a metà le torri del World Trade Center ed Yi-jin si trova catapultato a New York a raccogliere il dolore degli altri per darne dimora nel suo cuore.

“Quell’autunno, cercarono di lasciarsi, senza nemmeno sapere come farlo. Sarà per via della frattura che si è formata quando si sono rotti? Tutto ha iniziato a cambiare lentamente”.

Non sempre coloro che sono destinati ad amarsi sono anche destinati a stare insieme e la storia tra Hee-do e Yi-jin ne è un esempio, un frammento di diamante perduto negli anni e rimasto incastrato lì, nel suo splendore e nella sua purezza, senza bisogno che venga raccolto e che venga inserito in un gioiello, perché è perfetto così, nella sua grezza imperfezione, come è la vita stessa, un insieme di fatti e di persone incontrate, di gesti e di ricordi, da cui tutti tentano di trarre quella componente di lieta nostalgia, che fa ri-guardare il passato con occhi diversi e l’età della crescita come quell’estate gratuita dei primi vent’anni.

Forse, indipendentemente dall’età dello spettatore, una delle componenti del successo di questo drama (che ha fatto incetta di candidature e di premi in Corea del Sud come il Baeksang per la migliore attrice protagonista per Kim Tae-ri) sta proprio in quella meravigliosa e imperfetta crescita di questi personaggi: in Hee-do, che vuole diventare un’atleta e, per raggiungere il suo sogno, cerca anche di farsi espellere da scuola; in Yu-rim, che, prima, odia con tutta se stessa Hee-do, salvo, poi, trovare nell’altra atleta una parte della sua anima in un’amicizia che riesce a superare la rivalità e le cattiverie sportive; in Ji-woong, che non fa mai mancare il suo sostegno, perché la lealtà di esplica anche nella presenza silenziosa e costante e non deriva da grandi voli intellettuali; in Seung-wan e in sua madre, che l’ha educata ad essere se stessa e a cercare la giustizia, anche a costo della ribellione; e, infine, in Yi-jin, che non si conosce fino alla fine e che vive per riunire la sua famiglia e superare la tristezza.

Secondo le prolusioni dei sociologi, potrebbe trattarsi di quella piccola fascia intergenerazionale, chiamata “X-ennials”, che raccoglie gli ultimi componenti nati nella generazione X (fine anni ’70) e i primi componenti nati nella generazione Y o Millennials (inizi anni ’80). Secondo me, parafrasando le parole di Yi-jin, sono la prima generazione che hanno assistito, come testimoni, alla fine del mondo e, forse proprio per questo, riescono ad interpretare così bene le emozioni che tutti quanti abbiamo provato nella vita, in quel desiderio di determinazione e forza della giovane età che va a scontrarsi contro quel senso di impotenza che il mondo ci presenta quando percepiamo il senso effimero dell’esistenza, eppure continuiamo ad andare avanti, sostenuti dai ricordi di un frammento di felicità.

“La vita è lunga e i fuochi d’artificio sono brevi”

Laura

Come suona la recensione?

Post in evidenza

Si sente il mare

“Da lì in avanti, dentro di me il posto in cui si trovava Matsuno è sempre stato un po’ diverso rispetto a tutti gli altri”.

Titolo originale: 海がきこえる , Umi ga kikoeru, Ocean Waves

Diretto da: Tomomi Mochizuki

Ispirato al romanzo di: Saeko Himuro

Prodotto da Isao Takahata (Studio Ghibli)

Film Anime (Giappone, 1993)

Genere: Coming of Age, Formazione, Slice of Life, Romance

“Si sente il mare” è un film del 1993 prodotto dallo Studio Ghibli, ma è il primo film del famoso studio di animazione giapponese non diretto da Miyazaki e Takahata. Si tratta, infatti, di un progetto curato dai collaboratori più giovani con alla regia, Tomomi Mochizuki, classe 1958, che ai tempi aveva lavorato per la Nippon Animation e per lo Studio Pierrot dove aveva diretto molti episodi de “L’incantevole Creamy”, poi dell’anime, “La leggenda di Hikari” e negli anni a seguire “Orange Road” e “Ranma ½”.

“Si sente il mare” è ispirato all’omonimo romanzo della scrittrice Saeko Himuro ed è una storia di formazione, un coming of age che negli ultimi anni è stato riscoperto, anche se ad oggi non è ancora uno dei lungometraggi più famosi dello Studio Ghibli.

La storia alterna momenti di flashback con scene ambientate nel presente e questa è una particolarità narrativa che aiuta lo spettatore ad entrare nel cuore dei sentimenti dei protagonisti, con le loro emozioni e i contrasti interiori e con il mondo che li circonda, un espediente narrativo che rappresenta meglio l’età dell’adolescenza.

I tre protagonisti della storia sono legati da un triangolo di sentimenti che si ripercuote sulle loro scelte future e sui legami con la vita e con le proprie aspirazioni.

La storia è ambientata a Kochi, nell’isola di Shikoku dove Taku Morisaki e Yutaka Matsuno sono due liceali, amici dai tempi dell’infanzia, mentre Rikako Muto è una ragazza compagna di scuola che giunge da Tokyo ad anno avviato.

Rikako è brava sia nelle materie scolastiche che in quelle sportive, ma non riesce molto bene ad integrarsi con le sue compagne di scuola.

Matsuno si innamora quasi subito di Rikako, ma non riesce ad esprimere i suoi sentimenti. Durante una gita scolastica alle Hawaii la ragazza chiede a Taku di prestargli dei soldi e il ragazzo accetta.

Una volta tornati a Kochi, dopo un po’ di tempo, Rikako si accorda con un’amica di andare ad un concerto per poi svelarle il suo piano segreto di prendere un aereo e di andare a Tokyo. L’amica si impaurisce e chiede a Taku un aiuto, che arriva in aeroporto, liberando l’amica da questa incombenza e prendendone il posto. I soldi che Mikako aveva chiesto in prestito al compagno di scuola servivano, infatti, per il biglietto aereo.

In realtà Rikako si vuole recare dal padre e Taku, riuscendo a comprendere meglio la situazione, la accompagna. Il padre di Rikako risarcisce Taku dei soldi che la figlia gli aveva chiesto per il viaggio, ma l’incontro tra padre e figlia non si conclude molto bene, perché il padre rivela la sua decisione drastica di chiudere con la propria famiglia. Rikako, triste e desolata, si confida con Taku e i due ragazzi approfondiscono la propria conoscenza e comprendono di provare l’un l’altra un sentimento.

Una volta tornati a Kochi, Rikako comincia, però, ad ignorare Taku, anche se i compagni iniziano a diffondere voci su una loro presunta relazione e lo stesso Matsuno chiede con insistenza all’amico dei chiarimenti.

L’incomprensione, la voglia di tacitare qualsiasi situazione ingarbugliata come una matassa e la giovane età dei ragazzi li porterà ad allontanarsi, a litigare e a non voler cercare una via di comprensione.

Finita la scuola superiore, ognuno di loro prenderà strade differenti, frequentando diverse università. Taku andrà a Tokyo, mentre Rikako resterà a Kochi e non rimarrà in contatto con nessuno.

Nei cuori dei ragazzi, però, resta sempre qualcosa di incompleto, ma la vita presenta spesso degli imprevisti, così, un giorno, a Tokyo, Taku incrocia con lo sguardo Rikako, entrambi fermi in una stazione ferroviaria. E’ lì per lui? Prenderà quel treno o lo aspetterà?

“Si sente il mare” è una storia molto realistica che riesce in modo perfetto a rappresentare quella che è l’età dell’adolescenza con i propri contrasti, insicurezze, emozioni ed è in contemporanea una storia di formazione e di crescita, il tempo che passa e la comprensione dei propri sentimenti, prima nell’estremizzazione tipica dell’adolescenza e poi nella riflessione intimista della giovinezza, il tutto scandito dalla malinconia che proprio la giovinezza riesce a cogliere, un’immersione nel passato per guarire le mancanze del presente.

Molto significativo e ben rappresentato il rapporto d’amicizia tra i due ragazzi, Taku e Matsuno, ben descritta la loro affinità che li ha legati ad una amicizia che dura da molti anni, per poi essere travolti dall’amore per la stessa ragazza. Allontanarsi per poi comprendersi e riuscire a ritrovare un equilibrio che va oltre il tempo e le scelte di vita.

La scena molto bella che dà il titolo al film è rilevante e definisce la storia di entrambi, quella stima e fiducia che li ha avvicinati fin da piccoli nella comune amicizia e che ora li riconcilia con la propria esistenza.

Gli ultimi istanti del film, invece, sono di un raro splendore, come gli sguardi tra Taku e Rikako, quel raggio di luce che illumina le loro due anime, lì, in piedi, fermi in una stazione, tra tante persone, comprendono la propria unicità e forse anche il bisogno di esserci l’uno per l’altra, in un giorno qualunque che potrebbe cambiare la loro vita.

Grazia

Come suona la recensione?

Post in evidenza

D.P. – Deserter Pursuit

“Every lesson comes with pain. Us, humans, can’t get anything without sacrifice”.

D.P. non è una serie semplice e per nostro consiglio sarebbe meglio guardarla tutta di seguito, sebbene sia composta da una prima parte di sei episodi e da una seconda parte sempre di sei episodi. Un pugno allo stomaco che ti frastorna e ti butta a terra e da cui ti rialzi con un sapore amaro in bocca. Eppure, è una delle serie drammatiche più belle mai create (non solo nell’universo dei drama), dura e fredda come piombo, ma con una celata e dirompente umanità che ti arriva dritto al cuore e risale fino agli occhi in pianto. Non è una visione leggera, ma è una visione doverosa, che stimola a pensare e a denunciare i mali della società – in generale – e della vita militare, sottoposta ad abusi e oppressioni – nel particolare.

Protagonista della storia è il soldato Ahn Jun-ho (interpretato da Jung Hae-in, Something in the Rain, One Spring Night, Connect, Snowdrop, A Piece of Your Mind), il cui nome, soprattutto nella prima parte della serie, verrà ripetuto talmente così tante volte, che non potremo dimenticarlo (“Soldato/ Ahn/ Jun/ Ho” – scandito dalla risposta all’ordine militare). Capiamo da subito che Ahn Jun-ho non è entusiasta di arruolarsi, proviene da una famiglia difficile dove ha dovuto lottare fin da piccolo e ha già vissuto condizioni disagevoli e prove ai margini della società, facendo i conti con ogni centesimo per sopravvivere. L’ambiente che trova in caserma sembra una continuazione della sua vita dura e priva di felicità, anzi, da subito, capisce che dovrà lottare per non farsi calpestare e per riuscire a uscire vivo dal periodo di arruolamento.

Le sue abilità, la sua tenacia e la capacità di osservazione vengono, però, notate dal sergente Park (Kim Sung-kyun, Weak Hero Class) che, con l’assenso del capitano Lim Ji-sup (Son Seok-ku, My Liberation Notes, Designated Servivor: 60 Days), lo sceglie per unirsi al dipartimento D.P. (Deserter Pursuit), specializzato nel rintracciare i disertori dell’esercito. Per la recluta Ahn Jun-ho unirsi al dipartimento D.P. sarà una svolta nella sua vita e lo porterà a prendere contatto con un mondo che non conosceva e ad “empatizzare” con i soldati che avrà il compito di ricercare per riportare nell’esercito. Nella ricerca sarà affiancato dal caporale Han (interpretato dal bravissimo Koo Kyo-hwan, Avvocata Woo, One Day Off, Escape from Mogadiscu), un ragazzo stralunato e intuitivo che sembra comunicare perfettamente il suo linguaggio astratto ad Ahn Jun-ho, ed entrambi saranno coinvolti in un vortice emotivo che li condurrà a scoprire il lato oscuro dell’esercito e a capire quali motivazioni spingono i soldati a disertare. Ad impreziosire il cast anche Go Kyung-pyo (Connect, Chicago Typewriter), Shin Seung-ho (Alchemy of Souls, Weak Hero Class), Won Jin-a (Heartbeat), Cho Hyun-chul (giustamente premiato al Baeksang per la sua interpretazione nella prima stagione), Lee Sul (One Ordinary Day) e nella seconda stagione Kim Ji-hyun (39) e Ji Jin-hee (Designated Survivor: 60 Days, Move to Heaven).

Giacché è difficile parlare di una serie che intreccia discussioni di critica sociale e politica (soprattutto, nell’arringa del capitano Lim nella seconda stagione), commiati tristi e paternali (lo sguardo del sergente Park non si dimentica facilmente), oppressioni che rimescolano l’animo, piccole storie di dolore, a prima vista divisa tra loro, incastrate, come in una tela, all’interno di una storia ancora più grande e dolorosa, ma anche siparietti ironici e una solida e vera fratellanza tra i due protagonisti (e tra i loro due superiori), abbiamo deciso di dare spazio ad un’intervista doppia, confrontando le opinioni delle due spettatrici, Grazia e Laura, senza, però, rivelare troppi spoiler. Perché D.P., che è tratta dal webtoon “D.P Gaeui Nal” di Kim Bo-tong, il cui titolo inglese letteralmente è “D.P Dog Day“, è una lunga giornata vissuta intensamente e affannosamente (come diceva un vecchio film, è quasi “un pomeriggio di un giorno da cani”), dove il verde militare della divisa e il blu della notte buia e priva di stelle si mischiano con la luce di un fuoco acceso per caso e il rosso della disperazione.

=Grazia=

SOTTOTITOLO: “Da quando sono arrivato qui ho conosciuto tantissime persone. Anch’io ho detto addio a molte persone. Si ricorderanno di me? Me li ricorderò?” – Soldato An Junho e “C’erano così tante cose che volevo fare dopo essere stato dimesso. Allora perché non riesco a ricordarne nemmeno una?” – Caporale Han Ho Yeon. Per me queste due frasi, pronunciate dai due protagonisti all’interno della serie, caratterizzano e sintetizzano il viaggio emotivo e interiore che i personaggi di questa storia vivono nel loro percorso formativo nell’esperienza di arruolamento militare, che non è solo un periodo della propria vita, ma uno sconvolgimento che porterà a dei cambiamenti della loro persona, del loro approcciarsi con l’esterno, con gli altri e soprattutto con se stessi.

IMPRESSIONI A CALDO: D.P. non è solo una serie drammatica che parla della vita militare, ma esplora gli aspetti più bui e delicati della vita dei soldati nei due anni di arruolamento, riuscendo a trasmettere allo spettatore ogni loro sensazione, ogni titubanza, paura, timore, così che lo spettatore stesso vive il dolore e l’angoscia provata non solo dai protagonisti, ma da ogni personaggio, anche di comparsa, che ogni episodio propone. D.P. è un continuo equilibrio tra azione e dramma, si tratta di una serie che denuncia le sopraffazioni e le violenze subite da alcuni soldati durante la vita militare che dovrebbe essere un’esperienza comune, ma che in realtà si trasforma in un incubo per via degli atti di bullismo e di terrore, atti che vengono tacitati e nascosti, ma che sono molto più frequenti di quanto si possa immaginare. Questa serie ha il merito di scoperchiare un vero e proprio vaso di Pandora e, così facendo, di affrontare la tematica della salute mentale perché per me D.P. è in primo luogo un drama che parla di salute mentale e tratta questo argomento con profonda umanità e sensibilità pur non tralasciando scene e immagini crude che, però, comunicano maggiormente il messaggio. Quasi ogni episodio è un pugno allo stomaco, ma allo stesso tempo un grumo di lacrime e amarezze, è un prendere coscienza dell’ingiustizia, della paura e, come viene affermato all’interno del drama, è un “cercare di rispondere ad una domanda senza risposta”.

PERSONAGGIO PREFERITO: Sono molti i personaggi che ho apprezzato in questo drama, a partire dai protagonisti: il soldato Ahn Jun-ho (Jung Hae-in, che non sorride mai in tutta la serie, ma ci regala una interpretazione matura e profonda), proviene da una condizione familiare disagiata, all’interno della storia spiega di aver imparato a tirare di boxe per difendersi da un padre violento. Il soldato Ahn Jun-ho passa da scatti di collera, che cerca di inghiottire in molte occasioni durante il servizio militare, a momenti di immensa empatia. Far parte del reparto D.P. è per lui un’esperienza che lo aiuta ad accettare e ad affrontare i propri mostri interiori, tentando di percepire le paure dei disertori e capendo cosa li spinge a prendere determinate decisioni. Il caporale Han Ho-yeol (Koo Kyo-hwan), collega e mentore del soldato Ahn Jun-ho, ho adorato il suo personaggio, un finto sociopatico che mostra esuberanza e stramberia quasi come autodifesa, ma che in realtà è il primo che si lascia coinvolgere dall’esperienza drammatica dei disertori e dei soldati sofferenti attorno a lui, vive intensamente ogni emozione che percepisce a tal punto da andare in profonda crisi dopo un evento molto drammatico che lo trascina in un baratro di angosce, isolandosi dal mondo, anche perdendo per dei momenti l’uso della parola. Moltissimi altri personaggi da ricordare e che caratterizzano il meraviglioso cast di questa serie, dal sergente Park Beom-gu (Kim Sung-kyun) al capitano Im Ji-sup (Son Seok-koo) che, soprattutto nella seconda stagione della serie, emergono maggiormente e che riusciremo ad apprezzare nel gioco di squadra e nella coerenza del loro comportamento.

PERSONAGGIO PIU’ ODIATO: Due personaggi che ho odiato per di più nella prima stagione, il soldato Hwang Jang-soo (interpretato da Shin Seung-ho) che capeggia atti di nonnismo in caserma ai danni dei nuovi commilitoni e il caporale Park Sung-woo (interpretato da Go Kyung-pyo), primo mentore del protagonista Ahn Jun-ho, personaggio menefreghista che si disinteressa delle sofferenze attorno a lui, completamente diverso dal caporale Han. Più sono andata avanti con la visione del drama, però, più ho capito che la vera antagonista è la frase ripetuta più volte all’interno della storia: “Ogni lezione arriva con dolore”, una frase che cerca di giustificare ogni atto aggressivo presente o futuro, ogni comportamento violento e ogni atteggiamento o tortura mentale oltre ogni limite che possa, però, “addestrare disumanamente” le persone all’apparenza più forti e spazzare via le persone che si trovano catapultate in un ambiente frustrante e nel quale la loro sofferenza può trasformarsi rapidamente in follia.

COMMENTI SPARSI: Non avrei mai immaginato di recuperare questa serie, temevo, infatti, che la violenza descritta potesse farmi scombussolare e farmi bloccare la visione da un momento all’altro,  invece, pur mal digerendo alcune scene, in particolare nella prima stagione, mi ha fatto piangere moltissimo, sono rimasta coinvolta emotivamente in ogni situazione descritta, per ogni vita sofferente, per ogni madre o sorella che chiedeva giustizia, devastata dalle solitudini descritte e dalle reazioni umane che ogni persona, in un particolar momento della propria vita, può inaspettatamente  avere nei confronti della società e di se stesso.

=Laura=

SOTTOTITOLO: “E’ giusto che un uomo uccida qualcuno perché ha subito abusi brutali? No, non credo. Ma un uomo merita di morire perché ha commesso qualcosa di simile? Di certo, no, non lo merita. (…) Eppure, è successo e i responsabili siamo noi come Stato, noi che non siamo riusciti a proteggere i nostri figli. Ce li hanno affidati e li abbiamo fatti morire” – Captain Lim Ji Seop e “Se le nostre mani sono legate, chi può trattare queste cose?” – Soldato Ah jun-ho. Sarebbero tantissime le frasi e i momenti da citare all’interno di questo drama, ma vorrei evidenziare queste due frasi: la riflessione meditativa del Soldato An Jun-ho, quella ferita profonda che porta dentro l’anima e che si allarga sempre di più, tanto da trasparire in ogni momento nel suo sguardo (emblematico, quando si allontana dalla base militare); il j’accuse del Capitano Lim Ji-seop in tribunale nei confronti di uno Stato che non si cura dei propri figli e che li lascia morire in preda all’indifferenza e alla mortificazione e, poi, li colpevolizza, per riprendere un’immagine de “I Miserabili” di Victor Hugo, caricando di responsabilità il colpo di fulmine, senza chiedersi chi ha ammassato le nubi.

IMPRESSIONI A CALDO: Si sale e si scende, in un vortice di sentimenti e di emozioni che svuotano e che spremono via qualsiasi sensazione del momento. Si rimane attoniti, catalizzati, carichi di lacrime e di angoscia, ma privi di parola, quasi in religioso silenzio alla fine della serie, sia nello stacco della prima stagione (che proprio stacco non è), sia al termine della seconda stagione. Si vive con loro, con il soldato An, la sua empatia, il suo dolore, la sua profonda comprensione, e il caporale Han, con la sua visione del mondo e degli umani e la sua falsa e pacata tranquillità, e con tutti i soldati della caserma (o delle caserme) con cui i protagonisti vengono a contatto, quasi dei pezzi di carne in attesa di essere macellati, perché vengono negate loro le emozioni. Si vive e ci si ferisce con loro, si sanguina internamente, si cade e ci si rialza in storie crude, dure, possenti nel loro valore, amare e umane al tempo stesso. Si è lì nel mezzo durante l’appello, la guardia notturna e le esercitazioni all’aperto e si fa fatica ad uscire, come faticano i soldati disertori, di cui vengono narrate le storie, perché, ogni volta che fuggono dalla propria caserma, rimangono imprigionati lì dentro nel proprio dolore, incapaci di superarlo e di andare avanti, come degli animali feriti.

PERSONAGGIO PREFERITO: Difficile scegliere un personaggio in assoluto, perché sono tanti i personaggi che meriterebbero una narrazione a sé, sia tra i protagonisti del drama, che tra i soldati di cui vengono narrate le storie. Tuttavia, non ho dubbi ad affermare che questa è la migliore interpretazione in assoluto di Jung Hae-in, nei panni di uno dei personaggi più belli di sempre, il Soldato An. “Se nessuno agisce, non cambierà mai nulla. (…) Se voglio che le cose cambino, dovrei fare qualcosa“, afferma il Soldato An nella seconda stagione, quando si sviluppa intensamente il suo dramma e la sua parabola quasi messianica. L’empatia del Soldato An si staglia altissima in un mondo grigio, rancoroso e tendente a celare il dolore altrui per il funzionamento della macchina perfetta. An è la liberazione, colui che comprende per davvero quali motivazioni spingono i soldati a disertare, perché nessuno vorrebbe vivere per davvero nell’ombra, ma, se si vede costretto a percorre il primo passo, è perché è stato lasciato perennemente nell’ombra della disperazione, come Jo Suk-bong nella prima (e anche nella seconda) stagione, presenza che, ad un certo punto, con il suo atto estremo, condiziona le scelte del Soldato An. Altra grandissima interpretazione è quella di Koo Kyo-hwan nei panni del Caporale Han, una mente libera e al di sopra di qualsiasi condizionamento, o, meglio, uno che si finge strano, perché la stranezza è il suo scudo, ma che sa di essere nato per entrare nel corpo D.P., perché capisce i pensieri, le ossessioni, i timori e le sofferenze dei soldati spinti a disertare. E, proprio per questo, è l’unico capace di comprendere veramente il Soldato An e la sua empatia. “Sono i tuoi pensieri che sono diventati pericolosi“, afferma, guardando i pensieri aleggiare negli occhi di An. Oltre al Sergente Park e al Capitano Lim (a cui ho dedicato la parte iniziale della mia intervista), due “vecchi” del settore militare, uno che si porta addosso la sofferenza del passato come un abito fatto su misura e che, per questo motivo, riesce a comprendere i suoi soldati, l’altro una testa calda che sempre in precario equilibrio nella ricerca di giustizia, una parola a parte per il personaggio di Jang Sung-min, detto Jang Nina, per la protagonista del dramma di Chechov, condannato alla derisione e alla violenza, perché reputato “diverso”, un uomo dall’anima femminile, e che ha regalato una delle interpretazioni più intense della seconda stagione (per cui vi lascio il link).

PERSONAGGIO PIU’ ODIATO: Domanda difficile perché i personaggi odiosi sono tanti, ad iniziare dai bulli che rendono difficile la vita di Jo Suk-bong. Ma vorrei soffermarmi sul personaggio del generale Gu Ja-hoon (interpretato da Ji Jin-hee), che, con il suo gattopardismo e la sua politica, è il rappresentante di quella società che non vuole cambiare, o, meglio, finge di regolare le difformità per lasciare tutto intatto, e che è il vero male del sistema militare qui ritratto.

COMMENTI SPARSI: Vero che sono abituata a visioni dure e anche violente, ma D.P. è una pietra miliare, che mi ha sconvolto ad ogni visione e che mi è rimasta impressa come un tatuaggio forgiato a fuoco. Non cambierei niente di questa serie, né direi altro in più, perché va vissuta insieme ai soldati protagonisti attimo per attimo.

Grazia & Laura

Come suona la nostra recensione?