My Lovely Boxer – La vita non è vincere, è rialzarsi per ricominciare

“Non mi è mai piaciuta la boxe nemmeno per un momento. Non l’ho chiesto io, ma avevo un talento, inoltre ho continuato ad allenarmi senza pause, ma non ero affatto felice. Quindi sono scappata tre anni fa”.

Titolo originale: 순정복서, Sunjeong bokseo, Pure Boxer

Regia di: Hong Eun-mi, Choi Sang-yeol

Scritto da: Kim Min-joo

Cast: Lee Sang-yeob, Kim So-hye, Park Ji-hwan, Kim Hyung-mook, Kim Jin-woo, Ha Seung-ri, Chae Won-bin, Kim Hee-chan.

Genere: Sport/Drammatico

Corea del Sud, 2023, kdrama (12 episodi)

Mi sono avvicinata a questa storia in modo molto cauto, temendo di dover soffrire e stare male, visto l’argomento e lo sport trattato e considerando il fatto che dopo la visione di “A Million Dollar Baby” di qualche anno fa non avrei voluto versare nuovamente tutte le lacrime del mondo per un’altra storia straziante oppure rimanere delusa per una trama banale.

“My Lovely Boxer”, invece, è stata una vera e propria sorpresa perché, pur affrontando in modo profondo e razionale delle tematiche drammatiche dove lo sport è protagonista, riesce anche a coinvolgere lo spettatore puntando soprattutto su delle superbe interpretazioni, emozionanti incontri sul ring, allenamenti senza sosta e personaggi principali e secondari che sono il cuore pulsante della narrazione stessa.

“My Lovely Boxer” è un drama ricco di umanità e rappresentante di valori positivi universali quali l’amicizia, la lealtà, la fiducia, ma anche dei meandri più squallidi dell’animo umano, il tradimento, l’inganno, il tutto intriso della malinconia delle vite dei protagonisti e della gentilezza dei piccoli gesti che solo coloro che sono stati a contatto con uno sport possono percepire.

La giovane Lee Kwon-sook (interpretata da una meravigliosa Kim So-hye, “The Best Chicken”) è una boxer di talento che a soli diciassette anni era diventata già un fenomeno, ma, prima del suo grande slam, è improvvisamente scomparsa dal mondo del pugilato e nessuno più l’ha vista. Tre anni dopo, la ragazza, che lavora presso un asilo e che ha cambiato completamente stile di vita, viene contattata da Kim Tae-young (un coinvolgente Lee Sang-yeob, “Love Affairs in the Afternoon”, “Once Again”), l’unico ad essere riuscito a rintracciarla.

Tae-young è un freddo e calcolatore agente sportivo noto anche per le sue doti infallibili nel riuscire a mettere in luce gli atleti, sfruttarne la fama del momento, per poi esaurirli e costringerli al ritiro anticipato. Tae-young, che anche lui ha fatto parte del mondo dello sport, ha un lato debole, il suo amico Kim Hee-won che per lui è stato come un fratello, nonché compagno di squadra. Hee-won, lanciatore di baseball, è rimasto coinvolto in partite truccate per poter pagare le spese sanitarie di un familiare. A capo dell’organizzazione malavitosa, che ora minaccia Hee-won, c’è Kim Oh-bok (Park Ji-hwan, “Our Blues”), operatore di gioco d’azzardo sportivo illegale.

Kim Tae-young, quindi, decide di aiutare l’amico nei guai e, per poter risolvere la situazione drammatica in cui è coinvolto, cerca di giocare la carta vincente del ritorno sul ring della giovane boxer sparita per tre anni. L’eventuale ritorno nel pugilato da parte della ragazza raccoglierebbe un notevole interesse pubblico.

Inizia così ogni tentativo di persuasione insistente da parte dell’agente nei confronti della giovane pugile per riuscire a riportarla sul ring e accompagnarla dopo tutto il campionato ad un ritiro anticipato dalla sua carriera sportiva, sfruttando proprio la scarsa volontà della ragazza di continuare con la boxe.

In qualche modo, infatti, Kwon-sook, facendo capire all’agente di non fidarsi pienamente di lui, decide di ritornare in quel mondo lasciato tre anni prima.

Il personaggio di Kwon-sook è molto complesso, si tratta infatti di una giovane ragazza che è consapevole di essere una fuoriclasse e di avere un talento innato per qualcosa che lei odia completamente, la boxe. Alla boxe, infatti, la ragazza non perdona il fatto che è stata causa di rovina per la sua famiglia, del cattivo rapporto con il padre, suo primo allenatore dai metodi bruschi che ha sempre preteso da lei l’impossibile, e delle negazioni e privazioni che l’hanno allontanata dal mondo esterno.

Kwon-sook odia la boxe e forse anche il suo talento che vorrebbe rinnegare, ma sa anche che la boxe è entrata nella sua vita fin da piccola e ha in sospeso con questo sport qualcosa da cui si è voluta allontanare tre anni prima.

“Nella boxe vince chi rimane in piedi fino alla fine”.

Kwon-sook non ha dimenticato il suo talento, solamente lo ha voluto nascondere per cercare un mondo diverso, la normalità che hanno molte persone, ma sa che adesso è arrivato il momento di intraprendere il suo viaggio verso la redenzione, il perdono di se stessa, ora deve affrontare i fantasmi del passato e ha capito che accanto alla sua tenacia e al suo talento sportivo ha qualcosa di più prezioso, la forza della resilienza che le insegna giorno per giorno a sfidare le avversità della vita con costanza e impegno.

“Non si tratta di vincere o perdere, voglio fare del mio meglio. Ho bisogno di dare tutto quello che ho”.

Si può avere talento, ma si può anche non desiderare per niente quel talento e questo è quello che accade nell’animo di Kwon-sook che, però decide di rimettersi in gioco perché la cosa più importante è dare il massimo, è quella la vera vittoria, anche quando si perde.

Per Tae-young, invece, aiutare l’amico a togliersi dai debiti sfruttando il talento della giovane boxer sembra l’unico mezzo per risolvere la situazione in modo impellente, in realtà la strada che troverà sarà irta di difficoltà e complicazioni, ma capirà presto che farsi compromettere dallo squallore del gioco d’azzardo significherà contaminare quel nuovo modo di vivere e quel sentimento che nascerà piano piano con la vicinanza di Kwon-sook. Tae-young troverà dentro di sé un’umanità che sembrava sopita.

Sia Tae-young che Kwon-sook intraprendono un viaggio interiore, un viaggio che è una catarsi, un liberare se stessi dagli spettri del passato per trovare la purezza della semplicità della vita.

“My Lovely Boxer” è per questo un kdrama che merita di essere scoperto e visto, una storia gentile, una storia che insegna a rialzarsi quando la vita ci abbatte.

Qualche riflessione sulle scene che ho apprezzato maggiormente nel drama, la preparazione agli incontri, le corse sul lungomare o in città (immagini che da “Rocky” in avanti hanno ispirato diverse produzioni cinematografiche e televisive, ma che hanno sempre un effetto universale!), lo studio della dieta con i sacrifici della giovane Kwon-sook che per rientrare tra i pesi gallo deve ritrovare la forma giusta, gli allenamenti con il simpatico istruttore Choi Ho-joong (Kim Hee-chan), con il quale la protagonista instaura un rapporto cameratesco. Infine, tanti altri personaggi che meritano di essere ricordati, il padre di Kwon-sook, Kim Hyung-Mook; il giovane Han Jae-min (Kim Jin-woo), primo amore della protagonista, l’agente sportiva Jeon Sooyeon (Ha Seung-ri, “All of Us Are Dead”) e l’avversaria Han Ah-reun (Chae Won-been, “Doubt”).

Altra tematica è il ruolo femminile in uno sport che è ancora concepito come secondario, soprattutto per le donne che fanno ancora più fatica per occupare un proprio posto in questo piccolo universo sportivo.

Infine, i due protagonisti: Lee Sang-yeob nei panni di Tae-young ci regala un’interpretazione intensa, mentre Kim So-hye offre un’interpretazione fisica ed emotiva perfetta, la sua Kwon-sook è una ragazza che irradia dolcezza e calore, tenacia e volontà.

Ispirato al romanzo “Pure Boxer” di Choo Jong Nam, “My Little Boxer” è una piccola gemma da scoprire, così come la sua ost molto bella, a partire dal brano di Swan, “The End”.

“Voglio vivere una vita tranquilla, non la vita di un pugile. Odio ancora la boxe, ma sono felice di essere tornata. Grazie ad uno sport che odio ho conosciuto persone che mi sono molto care. Me lo hanno spiegato: la boxe non è vincere o perdere, è avere la volontà di dare il massimo e provare ad andare avanti”.

“La vita ci mette al tappeto troppo spesso, ma non è un grosso problema, puoi semplicemente rialzarti di nuovo. Alzare nuovamente la guardia”.

Grazia

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Fight for My Way (ovvero dei perdenti chiamati a vincere)

“Se diventare adulti significa fare a meno dei propri sogni, allora farò a meno di crescere”.

Titolo originale: 쌈, 마이웨이, Ssam, ma-i we-i

Regia: Lee Na-jeong

Sceneggiatura: Lim Sang-choon

Cast: Park Seo-joon, Kim Ji-won, Ahn Jae-hong, Song Ha-yoon, Kim Sung-oh, Jin Hee-kyung, Lee Elijah, Son Byong-ho, Kim Ye-ryeong, Jo Eun-yoo, Jeon Bae-soo, Kang Ki-doong, Pyo Ye-jin, Choi Woo-shik, Lee Jung-eun

Corea del Sud, 2017 – 16 episodi

Genere: drama, slice-of-life, comedy, sport

Avere trent’anni è un’età critica. La società crede che tu sia improvvisamente diventato adulto e inizia a chiederti il conto della vita: ciò che hai fatto, ciò che sei diventato, come appari, tutto viene messo sotto la lente d’ingrandimento e analizzato nel minimo dettaglio per essere valutato in modo spietato. Il giudizio di solito arriva in modo implacabile e quasi nessuno riesce e a salvarsi del tutto. Avere trent’anni per la società rappresenta il raggiungimento dell’età matura e, quindi, automaticamente essere diventati in pieno la persona che si voleva diventare, realizzati in tutti i campi, capaci di dimostrare di essere qualcuno.

Questo, perlomeno, è l’assunto che è sempre stato accettato per tutte le generazioni negli anni e il fatto che le cose siano cambiate radicalmente a partire dalla cosiddetta generazione dei “millennials” ancora destabilizza una prassi riconosciuta e cristallizzata. Perché i millennials sono stati i primi a non avere alcuna stabilità e alcuna certezza a trent’anni, spesso privi di un lavoro certo, non sempre indipendenti dal punto di visto finanziario e alla deriva nella sicurezza emotiva e relazionale. E la constatazione di essere giudicati dal resto della società perché si appare irrealizzati a trent’anni è ancora più amara per una generazione che si è dovuta adattare a vivere nella precarietà.

“Fight for My Way” è un drama che, per la prima volta, mette in luce i problemi lavorativi, sociali e sentimentali di una generazione costretta a crescere subito, eppure mai considerata del tutto cresciuta, e lo fa in modo chiaro e nitido, tracciando una storia che solo in apparenza ha le caratteristiche di una commedia, ma che sa intrecciare l’introspezione psicologica, il dramma sociale, il romanzo di formazione e lo slice-of-life. E parte dallo sport, visto come metafora della sfida per la realizzazione e della lotta continua per essere accettati nella società.

Questa commistione di genere nel ritrarre uno spaccato di vita ordinaria di una generazione è stata una vera formula vincente che, all’epoca della trasmissione del drama, ha procurato il favore del pubblico e della critica (basti pensare che tutti gli attori sono stati candidati per le loro interpretazioni al Baeksang Arts Awards e che il drama si è aggiudicato numerosi riconoscimenti, tra cui il Korea Producer Award come Best Drama, il Seoul International Drama Award, il KBS Drama Award, oltre ai numerosi premi vinti da entrambe le coppie nella categoria Best Couple). Il drama è ispirato al manhwa omonimo prodotto dallo Studio JEMI, scritto da Lim Sang-choon (anche alla sceneggiatura del drama) e illustrato da Jyuni e ChocoLatte.

Go Dong-man (Park Seo-joon di “Gyeongseong Creature 1 e 2” e “Dream“) è un ex atleta di taekwondo che a diciotto anni aveva davanti un futuro promettente nello sport, tanto da aver vinto una borsa di studio per una scuola esclusiva di Seoul, ma a trent’anni si ritrova allo sbando, segnato dall’ignominia di essersi venduto un incontro e cacciato per sempre dall’unica cosa che era in grado di fare. Costretto a mettere da parte i propri sogni e con una sorella malata da aiutare, abbandonato dall’ex fidanzato, che lo ha visto come un perdente e lo ha ripetutamente tradito, l’unico obiettivo della sua vita ormai è quello di guadagnare soldi da inviare alla propria famiglia, ma, non avendo alcun titolo di studio adeguato, si adatta a fare lavori a cui gli altri si rifiutano, come la disinfestazione dagli scarafaggi.

“Non è figo atteggiarsi da duro per non piangere, è figo piangere quando vuoi tu”.

La sua migliore amica Choi Ae-ra (Kim Ji-won di “My Liberation Notes” e “Queen of Tears“), con cui è cresciuto insieme e che lo ha sempre sostenuto, anche facendo un tifo forsennato all’epoca della sua gloria sportiva, ha studiato per diventare annunciatrice alla radio, ma non ha conoscenze, né appoggi e si è dovuta adattare ad impiegare la sua voce radiofonica agli annunci dei grandi magazzini, trattata spesso come la responsabile con cui i clienti se la prendono per le varie carenze del negozio. Un tempo combattiva, piena di sogni e di grinta, la sua vita è declinata sempre di più, rinchiusa in un’aspirazione diventata un sogno irrealizzabile, in un curriculum vitae destinato ad affossarsi e nell’incapacità di trovare una relazione stabile.

“Scommetto che le persone hanno davvero bisogno di fare ciò che amano”.

La loro amica d’infanzia Baek Sol-hee (Song Ha-yoon di “Marry My Husband“), al contrario, può dimostrare di essere stabile e sicura dal punto di vista affettivo. O, meglio, il mondo crede così, anche perché, mentre Ae-ra da piccola voleva conquistare tutto e Dong-man voleva diventare uno sportivo affermato, l’unica aspirazione di Sol-hee sembrava quella di trovare un marito e costruire una bella famiglia. Solo che a trent’anni si trova incastrata in una relazione decennale con Kim Joo-man (Ahn Jae-hong di “Chicken Nugget“) che sembra diventata una routine opprimente destinata ad evolversi in un vicolo cieco. Entrambi si sono trovati a lavorare per la medesima compagnia, ma, secondo una tacito accordo fra di loro, hanno deciso di non rivelare la loro relazione per non mettere in difficoltà le proprie posizioni lavorativa, soprattutto la carriera in ascesa di Joo-man. Col tempo, Joo-man ha assunto un ruolo importante in azienda, considerato oltretutto come un promettente partito da sposare, mentre Sol-hee si è trovata sempre collocata nella sua posizione di centralinista priva di opportunità di crescere e affossata nel ruolo della fidanzata segreta, quasi un’amante non riconosciuta. Anche la famiglia di Joo-man la valuta male, quasi come una fidanzata di transizione, convinta che non sia all’altezza delle aspirazioni e della posizione del figlio, senza notare la crisi reale che Joo-man vive su se stesso, incapace di reggere il passo con quello che il mondo gli chiede e di indossare ogni giorno la maschera della realizzazione.

“Devi essere la regina della tua stessa vita”.

I quattro amici, che da dieci anni vivono gli uni di fianco agli altri, separati solo da una scala che taglia in mezzo la strada, sono arrivati ad un punto di rottura, incapaci di distinguere il proprio sé da quello che la società ha loro imposto e da ciò che sono diventati, frustrati da una vita che sembra loro scorrere addosso senza lasciare alcun appiglio, eppure resisi anche conto di poter vedere l’ombra dei propri sogni e, quindi, di essere ancora in grado di prenderli, prima che svaniscano del tutto.

“Anche se ci svegliamo prima degli altri, anche se andiamo a dormire dopo degli altri, non abbiamo mai tempo. Lavoriamo più intensamente degli altri, ma i nostri curricula che non hanno incamerato alcuna esperienza mostrano davvero quello che siamo. Mi sento così arrabbiata, mi sento frustrata”.

Qui, però, inaspettatamente si inserisce la parabola sportiva. Dong-man aveva abbandonato per sempre lo sport, colpevole di aver commesso qualcosa a cui le contingenze lo avevo costretto e, quindi, ora condannato a scontare una vita al margine, senza possibilità di rientrarvi. Lo sport è di per sé una lotta per l’affermazione, una competizione continua più contro se stessi che contro gli altri, un’ansia costante di andare oltre i propri limiti e raggiungere un traguardo. Lo sport torna nella vita di Dong-man sotto le sembianze del suo ex allenatore di taekwondo, Hwang Jang-ho (Kim Sung-oh di “A Korean Odyssey“), che lo convince a tornare ad allenarsi e a declinare le sue abilità di lotta nelle arti marziali miste. Il cammino intrapreso non è facile, fatto di fatica, preoccupazioni e sofferenze, ma, se all’inizio Dong-man decide di optare per le arti marziali miste per un fattore economico, più passa il tempo e più comprende che la sua è una scalata per tentare di afferrare ancora i propri sogni, sfidare se stesso ad andare avanti e a lottare nella vita per conquistare il proprio angolo e urlare al mondo la propria presenza.

“Invece dei soldi, dovresti iniziare a pensare ai tuoi sogni e al tuo cuore. E dare la migliore opportunità alla tua vita”.

Quella voglia di rimettersi in gioco di Dong-man, quel “rifiuto” di crescere, letto come il rifiuto di adattarsi alle imposizioni del mondo, quel desiderio di essere se stesso, senza la necessità di dimostrare il proprio valore contagiano poco per volta anche i suoi amici: Ae-ra prende consapevolezza di sé e decide di tentare di mettere in luce le proprie abilità, al di là di un curriculum vitae scarso e piatto; Sol-hee comprende di non essere la fidanzata di qualcuno, ma di essere una persona straordinaria, senza la necessità di adattarsi ad un ruolo stereotipato; Joo-man capisce che il successo non è negazione di responsabilità e gratitudine e che è necessario preservare la propria autenticità senza essere ingoiati e annullati dal sistema.

E, poi, c’è Hwang Bok-hee (Jin Hui-gyeong di “I’ll go to you when the weather is fine” e “The Killer Shopping List“), presenza improvvisa e misteriosa, nuova padrona di casa degli appartamenti dove i quattro amici vivono e abitante dell’appartamento collocato all’ultimo piano con una terrazza da cui si domina la zona e che serve come angolo di quiete e di ristoro per i quattro trentenni. Bok-hee sembra comprendere le loro ragioni e le loro frustrazioni meglio di chiunque altro, con una consapevolezza materna che il mondo quasi le ha voluto negare, a causa di un passato doloroso, che l’ha collocata come una pariah della società.

Il fatto è che ci hanno insegnato che sogni e cuore prendono una strada diversa rispetto a carriera e soldi ed è così che ci troviamo bloccati in lavori che odiamo e prendiamo le relazioni come un obbligo temporaneo. Nessuno dà alla propria vita una chance e, in questa spirale, è automatico diventare delle persone svuotate all’interno, condannate come automi a condurre le proprie esistenza, senza alcuna ragione, e vittime dei giudizi di una società senza volto, pronta ad erigere ai più alti gradi, ma pronta anche ad annullare e a schiacciare le anime. Si diventa perdenti in un attimo agli occhi della società, ma in qualsiasi sconfitta ci sono i semi della vittoria. Non importa se il mondo faticherà sempre a riconoscerla o se i risultati in apparenza possono sembrare scarsi o addirittura nulli. La strada per la vittoria inizia quando ci si sveglia al mattino con la voglia di alzare la testa e guardare in faccia la società senza timore, con il desiderio di essere se stessi a prescindere senza essere costretti a dimostrare e a giustificare la propria presenza e con quella giusta dose di non-curanza nel percepire i giudizi altrui. Anche perché, in fondo, l’etichetta del “perdente” è solo qualcosa che gli altri affibbiano per non essere costretti a leggersela addosso, un’ignominia inconsistente che può diventare una gravosa macchia da scrollarsi, perché tende ad annullare le opportunità.

Per parafrasare una frase del film “Little Miss Sunshine“, nessuno è per davvero un perdente: i veri perdenti sono solo coloro che hanno così paura di vincere da non provarci affatto. Nello stesso modo, Dong-man, quasi sul finale del drama, afferma: “Se non possiamo vincere, proviamoci ugualmente. Vivere la nostra vita è già una vittoria. Che importa di quello che dicono gli altri?“.

Dedicato a tutti noi, che ci sentiamo sempre costantemente in difetto e perdenti, perché non sappiamo di aver già vinto in principio, vivendo la nostra vita.

Laura

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Una giornata di mezza estate – On /Off e The Colours of Our Time

Esistono quelle piccole storie o ancora meglio quei drama brevi di pochi episodi che colpiscono per la loro profondità e per le tematiche affrontate, seppur senza troppe pretese o senza risultare pesanti agli occhi e alla resistenza di uno spettatore che nelle giornate più calde di mezza estate si accinge a scegliere cosa guardare.

Per questo, il web ci stupisce spesso con alcune gemme da scoprire che portano via poco tempo, ma che fanno immergere in una atmosfera piacevole da vivere.

Nel mio caso ho trovato due web series coreane che mi hanno emozionata perché in entrambi ci sono quasi solo due personaggi principali a reggere storia e dialoghi ed è questa la loro particolarità principale.

=== ON/OFF ==

“Sono nata in un mondo senza suoni. Non è stata colpa o errore di nessuno”.

Titolo originale: 온앤오프 ; On and Off

Cast:So Joo-yeon; Seo Ji-hoon

Genere: Romance, Drammatico

2 episodi

Corea del Sud, 2024

Questa mini serie del 2024 è composta due brevi episodi, ma la nota distintiva è che un episodio è visto dagli occhi del protagonista, mentre l’altro dagli occhi della protagonista.

Lee Jung A (So Joo Yeon) è una ragazza solitaria che non parla mai quasi con nessuno, ma che ha l’abitudine di sedersi sempre nello stesso posto in una caffetteria, soffiandosi con un piccolo ventilatore portatile bianco. Jang Jun Chul (Seo Ji Hoon) va spesso a trovare l’amico, proprietario della caffetteria, dove nota Lee Jung A, che come lui ha un piccolo ventilatore portatile dello stesso colore.

In realtà i due ragazzi abitano vicini e un giorno Jun Chul trova un pacco destinato alla ragazza, ma consegnato per errore a lui. Per sbaglio apre il pacco e trova un apparecchio cocleare, capisce, quindi, che è importante andare subito a casa della ragazza per consegnarle il pacco. Il problema sarà farsi sentire da Jung A che non risponde al campanello, ma dopo una paziente attesa, Jung A esce di casa e trova Jun Chul che sta cercando di lasciarle un biglietto per avvisarle del pacco. Quando la ragazza comprende la situazione ringrazia Jun Chul. Tra i due nasce pian piano una amicizia preziosa, entrambi compassati, riflessivi, introversi, ma con la voglia di apprezzare le piccole cose e, anche se il mondo di Jung A è un mondo senza suoni, ora la sua vita inizia a cambiare.

In questo mini drama si va a ricreare la coppia del bellissimo kdrama “Seasons of Blossom” che già mi aveva rubato il cuore, soprattutto per la loro storia struggente e drammatica. Qui invece, la storia è più breve, ma l’intensità dell’interpretazione di entrambi e una chimica di sguardi ed emozioni che non passa inosservata, sono delle particolarità che arricchiscono il valore della storia.

== THE COLORS OF OUR TIME ==

“Perché sei venuto a Tongyeong?” – “Ho sentito che il tramonto di Tongyeong è più bello che in altri posti. Quindi ho voluto verificare di persona”.

Titolo originale: 마침내 물들다 , Finally Stained

Cast: Lee Hyun-Joo; Mun Sang Min

Genere: Slice of Life

4 episodi

Corea del Sud, 2020

Questa mini web series coreana del 2020 ci propone una storia ambientata a Tongyeong, una città costiera, tra le mete turistiche più famose della Corea del Sud, dove la vista sul mare e le numerose isole vicine fanno apprezzare ancora di più il paesaggio. Tongyeong si trova nella provincia del Gyeongsang Meridionale.

La storia intrepretata da soli due protagonisti si apre con Yu Ra (Lee Hyun Joo) che conduce una piccola pensione a Tongyeong, ma che è anche una scrittrice di romance, spesso, infatti, la ragazza fabbrica storie ad occhi aperti e fantastica un po’, prendendo ispirazione dalle persone che incontra e dalle emozioni che prova.

Un giorno, in una delle sue camminate, nota in libreria un ragazzo di bell’aspetto che legge con attenzione dei libri esposti tra gi scaffali del negozio. Yu Ra segna nel suo taccuino dello scrittore la situazione che sta vivendo, compreso i modi di fare del ragazzo, il suo modo di leggere, assorto a tal punto da non rendersi conto delle persone accanto, con la macchina fotografica appesa al collo.

Subito dopo, il ragazzo trova per strada il taccuino di Yu Ra e inizia a leggerlo, ma in quel momento la giovane Yu Ra che aveva perso il suo quaderno gli strappa dalle mani il taccuino. Il giovane che si chiama Jung U (Mun Sang Min) si scusa, così entrambi si presentano e iniziano insieme una camminata che li porterà ad affrontare diversi dialoghi relativi al futuro e ai sogni. Scoprono a fine giornata, inoltre che Jung U ha prenotato un alloggio nella pensione condotta da Yu Ra.

Nei giorni seguenti si vedono spesso, parlano, intraprendono delle meravigliose passeggiata in angoli incantati della città o al museo nazionale. Yu Ra svela quanto sia importante per lei osservare le persone per scrivere i propri romanzi, mentre Jung U, appassionato di fotografia, lascia parlare l’obiettivo per carpire i momenti più belli della giornata. Anche Yu Ra chiede lezione a Jung U per migliorare nella fotografia.

Nessuno lo sa, ma, Jung U, in realtà, soffre di ambliopia cromatica. L’ambliopia è un tipo di deficit visivo che si verifica solo su un lato dell’occhio, causato da una disfunzione dei muscoli oculari e dei nervi cerebrali, ma, se non trattata, l’ambliopia può avere una certa gravità, per questo il ragazzo cerca di tenerla nascosta.

Piccola particolarità da sottolineare: la difficoltà di Jung U per la sua diversa acuità visiva che viene fatta comprendere da piccole condizioni, come il prendere la tazza o la cannuccia sbagliata o indossare i calzini spaiati di colore diverso e per questo il regista è stato molto abile.

Nelle passeggiate dei due giovani, dove Yu Ra fa da guida, anche lo spettatore riesce un po’ a visitare la splendida Tongyeong a partire dal “Museo d’Arte Jeon Hyuk-Lim”, un tempo residenza del pittore Jeon Hyuk-Lim. Il museo si trova nelle vicinanze del tempio di Yonghwasa sul Monte Mireuksan

Molto bello anche il Parco di Seopirang da dove si può ammirare la città portuale e ci si rilassa magari guardando i diversi murales distribuiti nella zona.

Tra i luoghi del drama anche il suggestivo villaggio di Manjido dove si trova un ponte sospeso inaugurato nel 2015, lungo 98 metri che collega le due isole: Yeondaedo e Manjido.

Infine, la Tongyeong Music Hall (Fondazione del Festival Internazionale di Musica di Tongyeong). Tongyeong è registrata dall’UNESCO come città della musica e per alcuni è anche la piccola Venezia della Corea del Sud.

La storia presentata in “The Colours of Our Time” è molto intimista e riesce ad affrontare i timori giovanili sul futuro, sulle proprie ispirazioni, oltre ad essere sorprendente nella propria unicità anche grazie alle splendide interpretazioni dei due protagonisti.

Spero di avervi suggerito due minidrama piacevoli da recuperare presto in queste giornate calde di mezza estate! Grazie a tutti voi che avete letto questo articolo!
Grazia

The Potato Lab

“Le patate che sono state coltivate quotidianamente con affetto sono diverse da quelle che sono state appena piantate e spruzzate con pesticidi”.

Titolo originale: 감자연구소 , Potato Research Center

Regia di: Kang Il-soo

Sceneggiatura di: Kim Ho-soo

Cast: Lee Sun-bin, Kang Tae-ho, Lee Hak-joo, Kim Ga-eun, Shin Hyun-seung, Jung Shin-hye

Genere: Commedia/Slice of Life

Corea del Sud, 2025, kdrama, 12 episodi

Cesto di patate. Natura morta con patate e tegame. Scodella con patate. I mangiatori di patate – Vincent Van Gogh

Al raccolto delle patate – Johann Fredrich Voltz

La scoperta delle patate andate a male – Daniel MacDonald

I piantatori di patate – Jean-François Millet

Donne di Scheveningen che ripuliscono un campo di patate – Philip Lodewijk Jacob Frederik Sadée

Bambini con patate sul fuoco – Friedrich Hiddemann

La raccolta delle patate, Pontoise – Camille Pissarro

La piccola sbucciatrice di patate – Albrecht Anker

Raccolta delle patate – Ludwig Knaus

Le raccoglitrici di patate – Guy Rose

La raccolta delle patate – Adolfo Tommasi

Raccolta delle patate – Josef Kinzel

Raccoglitori di patate – Ralph Hedley

Ragazza che pela le patate – Anders Zorn

Interno rustico con donna che pela le patate – Amelie Ruths

Potremmo ancora andare avanti per molto tempo nell’elencazione dei titoli di alcune opere d’arte dove le patate sono i soggetti principali, dalla coltivazione alle nature morte, ma questo serve solo per comprendere l’importanza della coltivazione delle patate nella storia dell’uomo.

La civiltà umana ha incrociato il proprio cammino con l’esistenza della patata nel 1537, quando i conquistadores spagnoli del Perù portarono questa pianta per la prima volta in Europa, ma, in realtà, la patata, originaria delle Ande, era uno degli alimenti principali degli Inca che ne svilupparono molte tipologie differenti per adattarla ai diversi habitat.

Il valore più prezioso della patata è, in effetti, l’adattabilità a climi, temperature, terreni, condizioni differenti e distinte. La patata è simbolo della resilienza e la sua storia si intreccia con quella dell’umanità, diventando presto un alimento base globale e primario per milioni di persone nel mondo, caratterizzando l’unione tra natura e società umana.

Questo preambolo ci introduce alla trama del drama che vi presento, “The Potato Lab”, perché la storia narrata è una storia di resilienza e, come detto prima, la patata è simbolo di resilienza.

Kim Mi-kyung (Lee Sun-bin, “Boyhood”, “Madame Antoine”) ha trascorso molti anni a lavorare in un centro di ricerca sulle patate, in una tranquilla valle di montagna. Kim Mi-kyung è una persona caparbia e dedita al lavoro, anche nei suoi momenti di riposo, da infaticabile lavoratrice e appassionata alla sua professione, si dedica alla coltivazione e creazione della patata perfetta alla quale dare il suo nome. Nella sua eccentricità e stravaganza si aggira per ogni dove per studiare il terreno, le differenti possibilità di coltura e resistenza, creando una piccola serra tutta per sé, dove andarsi a rifugiare curando le sue patate nei momenti di solitudine. Una vita dedita al lavoro, ma anche l’unico scopo di vita che resta alla ragazza per dimenticare un triste e doloroso avvenimento del suo passato, quando era stata costretta a lasciare il lavoro precedente, in modo spiacevole, per uscire da una situazione dove era diventata il capro espiatorio, per via della relazione con un collega e amico, Park Ki-se (Lee Hak-joo, “Memories of Alambra”) che l’aveva poi lasciata per fidanzarsi con la figlia dei direttori dell’azienda.

In quel periodo, Kim Mi-kyung sapeva di essere stata considerata una “zavorra” per l’azienda dove lavorava e, dopo vari tentativi di spingerla a dimettersi, aveva lasciato la professione e si era rifugiata nella valle di montagna dove aveva ereditato una casa insieme al fratello e dove aveva iniziato con passione e caparbietà una nuova vita. La coltivazione e lo studio delle patate per la giovane erano diventate metafora della sua stessa esistenza.

Un giorno, la vita della ragazza viene nuovamente sconvolta non appena viene a sapere che il laboratorio di ricerca presso il quale lavora è stato rilevato dalla Wonhon, la multinazionale dove lavorava anni prima e subito l’incubo dal quale era fuggita si ripresenta a chiedere i conti. Con gli altri colleghi del team si reca presso la sede centrale della Wonhon per cercare di capire quale sarà il loro destino e se l’azienda ha intenzione di portare avanti l’attività del laboratorio, ma, dopo una giornata, tornano con le idee confuse e la stessa Mi-kyung con l’ansia e il timore di rivedere l’ex fidanzato, che ora si è sposato.

Qualche giorno dopo, presso il laboratorio di ricerca, si presenta So Baek-ho (Kang Tae-oh, “Avvocata Woo”, “Run On”, “My First First Love”), un direttore aziendale incaricato da parte della multinazionale di supervisionare il centro, nel tentativo di modernizzarne le attività e fare tagli sulle spese ritenute superflue e forse anche sul personale.

Le personalità differenti di So Baek-ho e di Kim Mi-kyung fan sì che quasi da subito lo scontro sarà diretto, ma la vita spesso sorprende e, anche una persona fredda e pragmatica come Baek-ho, può cambiare a contatto con un contesto diverso da quello da lui conosciuto, oltre, per qualche motivo, a non riuscire ad ignorare per nulla Mi-kyung.

Baek-ho e Mi-kyung intraprendono un viaggio interiore di crescita e di formazione. La ragazza cercherà di recuperare quel doloroso tempo passato in cui ha sotterrato da qualche parte la stima in se stessa, dopo essere stata vittima di ostracismo sul luogo di lavoro e a curare le proprie ferite dell’anima. Mentre per Baek-ho cambiare ambiente lavorativo, più piccolo, ma più umano rispetto alla multinazionale nella quale ha lavorato fino a quel momento, gli servirà per far emergere in lui l’empatia e la sensibilità dimenticate o mai educate. La loro crescita corrisponderà a quella della coltivazione delle patate nei campi della valle, anche la pazienza va, infatti, coltivata ed entrambi impareranno a relazionarsi con gli altri e con se stessi.

“Le patate che sono state coltivate quotidianamente con affetto sono diverse da quelle che sono state appena piantate e spruzzate con pesticidi”.

Questa frase, pronunciata da Mi-kyung, è secondo me il fulcro della storia. Kim Mi-kyung, pur fuggendo da un’esperienza umiliante, ha una famiglia e degli amici che le sono vicini, a partire dal fratello Hwan-gyeong (Shin Hyun-Seung, “Adamas”, “Secret Playlist”) che ha impiantato un’attività di bed and breakfast, affittando appartamenti nella casa ereditata con la sorella, l’amica Lee Ong-ju (Kim Ga-eun, “King The Land”, “Because this is My First Life”, “I Order You”), scrittrice di romance che si è rifugiata nella valle, a casa con Mi-kyung per cercare ispirazione per la scrittura e per stare accanto alla sua amica dopo che l’ha vista soffrire, tutto il simpatico team del laboratorio con il quale Mi-kyung si interfaccia ogni giorno e che l’ha accolta da subito inglobandola in un progetto per il quale la giovane non aveva ancora abbastanza esperienza.

Dall’altra parte, invece, Baek-ho, pur godendo di una posizione lavorativa importante, è più povero di sentimenti perché non ha mai avuto il calore di una famiglia. La vita di Baek-ho non è come quella delle patate “coltivate quotidianamente con affetto”, l’unico rapporto più stretto è quello con la famiglia Wonhan e si sente in debito con loro per avergli permesso di crescere professionalmente dopo aver finanziato i suoi studi. La famiglia Wonhan, però, lo ha sempre sfruttato per le incombenze più pesanti, come i licenziamenti scomodi, la chiusura di reparti e molto altro.

Molti i punti di forza del drama, principalmente una storia che non è banale, ma pur recitata in modo brillante, riesce a dare in contemporanea il tocco umoristico alternato a momenti di riflessione; la chimica tra i due bravissimi protagonisti è apprezzata in tutta la storia, dalla conflittualità iniziale, al rendersi conto dei propri sentimenti, al combattimento con se stessi nel prendere delle decisioni importanti.

Infine, un cast corale in cui ogni personaggio contribuisce ad arricchire la narrazione e un’ambientazione rurale meravigliosa che scalda il cuore.

Grazia

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My Happy Marriage – Il mio matrimonio felice

“Se questo è amore, allora l’amore è la cosa più complicata che esista”.

Nel 2019 è iniziato un fenomeno in Giappone che è riuscito a convogliare pubblico di drama e di anime, a mettere d’accordo lettori di manga e di romanzi, genere shojo e genere shonen, ma anche sottogeneri fantastico, storico, romantico e d’azione. Un fenomeno che si chiama “My Happy Marriage – Il mio matrimonio felice” (わたしの幸せな結婚, Watashi no Shiawase na Kekkon) e che è un bellissimo universo alternativo e ucronico, descritto con la delicatezza di un romanzo di formazione, con il tocco introspettivo di un diario personale e con la luminosità del realismo magico. Un fenomeno che è iniziato con una serie di light novel online scritti da Akumi Agitogi e pubblicati per la piattaforma web di self-publishing Shōsetsuka ni Narō, una piattaforma lanciata nel 2004 per diffondere romanzi, racconti e graphic novel senza costi di pubblicazione. Nel 2018, i lettori di “My Happy Marriage” erano diventati così tanti che la casa editrice Fujimi Shobo ne acquisì i diritti per finanziare la pubblicazione cartacea della serie e adattarla in un manga (con le illustrazioni di Rito Kohsaka e Tsukiho Tsukioka).

Tutto il Giappone, abituato a leggere manga in modo forsennato sui mezzi e in metropolitana, attendendo l’attesa di numero in numero delle storie serializzate, si è innamorato immediatamente di questa versione alternativa dell’epoca Taisho, di Miyo Saimori, la sua protagonista timida e riservata, condannata all’oscurità di una famiglia che l’ha sempre maltrattata e rifiutata, e di Kiyoka Kudou, il freddo e glaciale promesso sposo, che nasconde un’empatia incredibile, unico in grado di capire le sofferenze di Miyo. E, poi, siccome siamo sempre nel mondo dell’historical fantasy e la narrativa manga giapponese impazzisce per i poteri sovrannaturali, tutti si sono trovati immersi in questo mondo fatto di intrighi e di esseri umani dotati di enormi poteri, di tentativi di conquistare il trono imperiale e di gruppi segreti pronti all’operazione, che costellano l’incantevole storia d’amore tra Miyo e Kiyoka.

In quest’articolo, si vuole comparare la trama e le sensazioni trasmesse da due versioni di questa storia diffuse in Giappone e non solo: la pellicola live-action (termine tecnico per designare film tratti da manga e anime, ma interpretati da attori veri, in carne e ossa), conosciuta anche con il titolo “As Long As We Both Shall Live“, uscita al cinema nel 2023 per la regia di Ayuko Tsukahara (la stessa regista di lavori di grandi successo, come “La Grande Maison Tokyo“) e la sceneggiatura di Tomoe Kanno, interpretato da Ren Meguro (l’istrionico protagonista di “Trillion Game“, ma anche il sofferente protagonista di “Silent“) e da Mio Imada (anche lei nel cast di “Trillion Game“), che si è rivelato uno dei maggiori incassi cinematografici dell’anno, regalando a Ren Meguro anche la sua prima nomination ai Blue Ribbon Award; la serie d’animazione prodotta dallo Studio Kinema Citrus e trasmessa da Crunchyroll (ma anche da Netflix e in Cina da Bilibili), che ha avuto una prima stagione nel 2023, diretta da Takehiro Kubota, con la supervisione e gli storyboards di Takao Abo, la sceneggiatura di Ami Satō, Takahito Ōnishi e Momoka Toyoda, e il design dei personaggi di Shōko Yasuda, e una seconda stagione nel 2025, co-diretta da Maseyuki Kojima (lo stesso di “Made in Abyss“) e Takehiro Kubota e la sceneggiatura di Ami Satō, assistita da Minori Hashiba, Fūka Ishii, e Momoka Toyoda – ma continuerà con le prossime stagioni – e un’unica grandissima colonna sonora composta da Evan Call (lo stesso della OST di “Violet Evergarden“).

Titolo originale: わたしの幸せな結婚, Watashi no Shiawase na Kekkon

Regia: Takehiro Kubota e Maseyuki Kojima

Sceneggiatura: Ami Satō, Takahito Ōnishi, Momoka Toyoda, Minori Hashiba, Fūka Ishii

Disegni: Studio Kineda Citrus

Colonna sonora: Evan Call

Genere: fantasy, romance, historical fantasy, period drama

Serie anime, 26 episodi + OAV – in corso

Giappone, 2023 – in corso

Titolo originale: わたしの幸せな結婚, Watashi no Shiawase na Kekkon

Regia: Ayuko Tsukahara

Sceneggiatura: Akumi Agitogi, Tomoe Kanno, Tsukiho Tsukioka

Cast: Ren Meguro, Mio Imada, Sato Arata, Manabu Hamada, Shohei Hino, Yusuke Hirayama, Renji Ishibaschi, Ryoko Kobayashi, Oshiro Maeda, Shota Matsushima, Sho Nishigaki, Yuki Ogoe, Hiroto Takahashi, Ukon Onoe, Tsutomu Takahashi, Akari Takaishi, Ryo Tamaki, Tao Tsuchiya

Genere: fantasy, romance, period drama

Film – Giappone, 2023

La storia di fondo è la medesima per entrambi i prodotti e segue passo passo la linea storica tracciata nelle light novel. In un’epoca Taisho (che corrisponde al periodo dell’imperatore Yoshihito, detto Taisho, dal 30 luglio 1912 al 25 dicembre 1926) alternativa e anche un po’ steampunk, dove la maggior parte dei membri delle casate nobili possiede poteri paranormali, che fanno acquisire uno status d’importanza ulteriore nella vita sociale, vive la giovane Miyo Saimori, erede di due grandi famiglie nobili, quella dei Saimori e quella degli Usuba, ma priva di qualsiasi potere sovrannaturale.

Alla morte della madre, il padre Shinichi Saimori sposa l’amante ufficiale, Kanoko, da cui ha avuto la figlia Kaya, e inizia a rinnegare sempre di più Miyo, fino a renderla la serva di casa, condannata a pulire e a fare tutti i lavori più umili, mal vestita e relegata in una piccola stanzetta insieme ai servitori, sottoposta a tutte le angherie da parte della matrigna e della sorellastra. Visto che Shinichi pensa di far diventare Kaya l’erede ufficiale della casata Saimori, decide di fidanzarla ufficialmente con Kouji Tatsuishi, secondogenito della potente famiglia Tatsuishi, ma anche vicino di casa gentile e premuroso, di cui Miyo è sempre stata innamorata segretamente. Per favorire il matrimonio, però, è obbligato ad “impegnare” la figlia maggiore Miyo, così che nulla possa ostare i suoi progetti di unire le due famiglia Saimori e Tatsuishi. Decide, così, di arrangiare un fidanzamento tra Miyo e Kiyoka Kudou, un condottiero fiero e abile, braccio destro dell’imperatore e a capo del dicastero sui poteri sovrannaturali, ma anche un uomo dal carattere arcigno e impassibile, freddo e duro come la pietra, impossibile da amare, tanto che su di lui si è diffusa una leggenda: tutte le sue promesse fidanzate, dopo averlo conosciuto, hanno inaspettatamente desistito del matrimonio e sono fuggite o sono state ripudiate. Per Shinichi è la soluzione ottimale per togliersi momentaneamente la figlia maggiore, consentire il matrimonio della figlia minore e, poi, una volta che Miyo fosse tornata con l’ignominia di un fallito matrimonio, arrangiare un matrimonio senza spese e senza celebrazioni con Kazushi Tatsuishi, il maggiore della casata Tatsuishi, ottenendo con poco il suo sogno di unire le due famiglie e diventando un nobile potente alla corte di Taisho.

Miyo parte, così, verso il nord e arriva alla magione di Kiyoka Kudou, pronta per ricevere l’umiliazione che la sua famiglia ha pianificato, ma, nella realtà, parte anche con la consapevolezza di essere sola e di assaporare finalmente quella libertà e quella consapevolezza di sé che in famiglia le è sempre stata negata. Ed è con questo atteggiamento e con tutto il desiderio di mostrare quell’animo candido e riservato che in casa non hanno mai saputo capire che Miyo approda in quell’angolo sperduto del Giappone e conosce il futuro marito Kiyoka, la vecchia serva Yurie, che lo ha cresciuto come un figlio, e la battagliera sorella Hazuki.

Le leggende sul brutto carattere di Kiyoka non corrispondono a realtà o, perlomeno, non corrispondono alla realtà che Miyo incontra nel freddo nord, visto che Kiyoka rimane immediatamente incantato da Miyo, dalla sua gentilezza e dalla sua empatia, da quegli occhi che nascondono sofferenza, dalla timidezza di chi è sempre stato abituato a soffrire e, soprattutto, da quella forza costante e resiliente, capace di resistere silenziosa e caparbia a qualsiasi avversità, riuscendo a coprire e a proteggere le persone amate. Lentamente Kiyoka si innamora di quella fidanzata che sembrano avergli imposto per scherno e si lascia avvicinare dalla sua dolcezza, capace di scongelare la sua apparenza algida e tenebrosa. Lentamente anche Miyo si innamora di quel fidanzato che sembra esserle stato affibbiato come punizione e inizia ad aprirsi e a far percepire tutto quel dolore che gli abusi domestici le hanno lasciato impresso nel suo animo. Mentre Kiyoka comprende che può essere se stesso anche nella compassione e nella dolcezza, Miyo comprende di essere qualcuno, non un volto nascosto e una figlia rinnegata, e acquisisce la stima in se stessa, nonostante la carenza di poteri l’avesse sempre fatta apparire come una reietta.

“La felicità era percepita come una crudeltà sempre troppo lontana e impossibile da raggiungere. Qualsiasi breve speranza svaniva davanti ai miei occhi”.

Solo che Miyo non è priva di poteri, ma semplicemente possiede poteri che il padre non è mai riuscito a percepire, nascosti e sottili, eppure terribili e potenti. Come vera erede da parte materna della famiglia Usuba, famosa per possedere poteri che il governo ha sempre voluto sigillare, pericolosi per la stabilità politica dello Stato, in grado di far tremare il trono imperiale (e non solo). La famiglia Usuba, infatti, è in grado di intervenire sulla mente delle persone, alterandone le percezioni, lo stato d’animo e la comprensione e influenzandone le decisioni. Miyo possiede la rara capacità di controllare i sogni, entrando in quelli altrui, ma anche creandone di nuovi, modificandoli e alterandoli, comunicando con altri attraverso i sogni, o percependo le intenzioni altrui tramite sogni premonitori o, addirittura, rinchiudendo i propri avversari in cerchi onirici in cui combatterli. Ed è con questa capacità che, col tempo, inizia anche a rivelarsi un aiuto potente e salvifico per il lavoro del Kiyoka nel dicastero sui poteri sovrannaturali, in grado di infiltrarsi nelle menti di una cospirazione pericolosa – con una dimensione fanta-politica che entra prepotentemente in quella romantica, aggiungendo mistero durante la lenta percezione di Miyo di se stessa e delle proprie potenzialità.

I personaggi della storia sono molti e le loro azioni – talvolta, inaspettate e terribili – generano un continuo svolgersi di eventi in una serie di causa-effetto senza sosta, che riesce a creare suspence, facendo rimanere intatta la delicatezza con cui è stata concepita la storia d’amore. La scoperta del potere degli Usuba, il contatto attraverso i sogni con la madre morta, le congiure continue nei confronti dell’imperatore – in piena coerenza con le rivolte degli shogun e dei nobili a causa della restaurazione Meiji, ma anche in perfetta linea con la nascita di una classe oligarchica e autoritaria giapponese, che adombra ciò che si è creato nel periodo tra le due guerre mondiali – l’incontro con nemici storici di Kiyoka si inseriscono pure nella sottotrama degli abusi familiari subiti da Miyo, culminanti nel suo rapimento da parte della sorellastra.

“My Happy Marriage – Il mio matrimonio felice” è costruito come una fiaba lenta e dall’incedere elegante, che, come “La Bella e la Bestia” narra l’incontro, casto e delicato, tra due anime che il mondo ha sempre posto ai limiti, vestite di maschere forzatamente affibbiate dalla società, costrette a ruoli stereotipati e rinnegati, che, però, riescono a vedere l’una l’altra il risplendere reciproco della proprio bellezza interiore e a sentire il rumore che i loro cuori fanno all’unisono, riuscendo a silenziare il mondo. Ed per questo fascino perfetto di una fiaba intramontabile che la storia di Miyo e Kiyoka rimane unica e intatta, come sotto le stelle luminose di una notte di Tanabata.

Laura

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The Door into Summer

“The past, like the future, is indefinite and exists only as a spectrum of possibilities“.

(Stephen Hawking)

Titolo originale: 夏への扉: キミのいる未来へ, Natsu e no Tobira: Kimi no Iru Mirai e

Regia di: Takahiro Miki

Sceneggiatura di: Tomoe Kanno

Cast: Kento Yamazaki, Kaya Kiyohara, Naohito Fujiki, Natsuna, Hidekazu Mashima, Kenta Hamano, Tomorowo Taguchi, Taizo Harada, Rin Takanashi, con la partecipazione di Pasta e Bacon nel ruolo del gatto

Musiche originali di: Yuki Hayashi

Genere: sci-fi/drama

Giappone 2021 – film

Passato, presente e futuro non esistono. O, meglio, esistono, ma non nella percezione e nella consapevolezza umane, confinate a concetti standardizzati e fissi, che risultano limitanti delle infinite possibilità racchiuse nella nozione di passato e in quella di futuro. Infatti, secondo il fisico britannico Stephen Hawking, la nostra comprensione di entrambe queste dimensioni temporali non è adeguata alle loro reali implicazioni, che dipendono piuttosto da un calcolo delle probabilità. E queste ultime sono come le combinazioni numeriche o gli accostamenti musicali: molteplici e infinite, narranti una moltitudine irripetibile di storie, ognuna delle quali veritiera al verificarsi di determinate condizioni che la rendono plausibile, probabile ad accadere, pur nella sua incertezza. In questa storia infinita e indescrivibile dell’universo, che diventa un complesso di storie infinite e non numerabili perché contenute in una collezione di possibili passati e di probabilità future, sta una nuova osservazione umana, che fuoriesce dalla linea tradizione – appunto, “storica” – di osservazione dei fenomeni come di eventi fissi per abbracciare una visione composita e in continuo divenire.

Questa frase, ripresa spesso e quasi “romanticizzata” da diversa letteratura, ma che è in realtà alla base della teoria della meccanica quantistica di Hawking e, quindi, anche dell’osservazione di sistemi che collassano nelle loro funzioni, è, al tempo stesso, il punto di partenza di “The Door into Summer“, un film giapponese di fantascienza pulito e classico, senza quegli effetti speciali e quell’utilizzo impositivo del green screen a cui gli standard hollywoodiani ci hanno abituato, che sa narrare di altre prospettive, di viaggi temporali, di ripetizioni di eventi e di probabilità, rimanendo nell’alveo del cinema indipendente.

Da subito occorre dire che la pellicola giapponese, programmata per il 2020, ma slittata nelle riprese e nella distribuzione al 2021 (causa pandemia), si ispira all’omonimo romanzo americano di Robert A. Heinlein, pubblicato in patria tra il 1956 e il 1957 (prima serializzato e, poi, in volume unico) e tradotto nel giro di poco tempo in diverse lingue, diventando immediatamente un evergreen del genere, anche perché sapeva distinguersi dalla letteratura fantascientifica “marziana” dell’epoca, introducendo la chiave dell’elemento di destrutturazione sociale, dell’introspezione psicologica e dell’errore infinitesimale e ripetuto nell’esistenza umana, con dubbi che restano validi sempre.

La trama del film giapponese segue sostanzialmente quella del romanzo americano, restando intatta anche la componente robotica, ma la trasporta in terra nipponica e in un altro periodo storico: è la voce stessa del protagonista, Soichiro Takakura (interpretato da Kento Yamazaki di “Alice in Borderland“, “Golden Kamuy” e “Rikuoh“) ad introdurci nel suo mondo e nella sua triste storia, iniziata negli anni ’60 del XX secolo. Soichiro rimane presto orfano di entrambi i genitori per essere adottato, poi, dal Dr. Matsushita, inventore e fondatore della Future Works Enterprises (FWE), una società di robotica e di meccanica futuristica. Ed è così che, col passare degli anni, Soichiro prende dal padre adottivo l’amore per l’ingegneria e le invenzioni e, dopo la laurea, ne diventa collaboratore e suo continuatore.

Siamo nel 1995, Soichiro è una brillante promessa della robotica, ma la morte improvvisa del Dr. Matsushita sovverte tutte le regole. Trovatosi solo con la sorella adottiva, Riko Matsushita (interpretata da Kaya Kiyohara di “Bushido” e “In the Wake“), ancora minorenne, e il gatto Pete, diminutivo di Petronius Arbiter, come l’autore del “Satyricon“, che odia il freddo e la neve e ha fatto nascere una teoria casalinga su quale porta sarà quella che annuncerà l’estate, Soichiro non sa più come gestire la società e ripone la sua fiducia in Rin Shiraishi (la cantante e attrice Natsuna), segretaria della compagnia, diventata presto sua fidanzata. Rin lo convince a cedere le sue azioni della società allo zio, nonché altro socio di maggioranza, Kazuhito Matsushita (Hidekazu Mashima), spogliandolo di qualsiasi ricchezza.

Le clausole della cessione, però, impongono anche che Soichiro si sottoponga “volontariamente” ad un esperimento di criogenesi attraverso un macchinario da lui inventato, denominato Credeus, ma questo lascerebbe sola la giovane Riko, che possiede ancora una parte dell’azienda, ma non può rivendicarne i diritti, perché minorenne. Percependo il pericolo anche per la vita della sorella, oltre alla truffa messa in atto dallo zio e dalla fidanzata, Soichiro si oppone all’ibernazione, ma viene colpito e rinchiuso forzatamente in una macchina di criogenesi della concorrenza, la Mannix Enterprises, ancora in fase di prova e, quindi, assolutamente poco sicura.

Trent’anni dopo, nel 2025, Soichiro si sveglia dall’ibernazione in una sorta di clinica bianca e gelida. Molte cose sono successe da quando è stato obbligato ad entrare in quel macchinario: anzitutto, non ci sono più le società di robotica che conosceva e, dopo le diverse fusioni è sorta la Guardian Manifacturing e la Aladdin Industries, che hanno monopolizzato il mercato; in secondo luogo, il mondo della robotica è dominato da PETE, un prototipo umanoidi concepito per servire ed essere il perfetto maggiordomo e guardiano, basato sulla batteria al plasma che aveva inventato trent’anni prima (e di cui non possiede più i diritti) e sul nome del suo gatto che gli aveva ispirato l’idea; infine, la tecnologia e la scienza sono andate talmente avanti da iniziare a sperimentare il viaggio nel tempo – peraltro, basato, ancora una volta, sulla batteria al plasma. La cosa più traumatica che Soichiro scopre, però, è che, in quel 1995 in cui ha perso tutto ed è stato obbligato ad entrare in criogenesi, l’amata sorellastra Riko e il gatto Pete sono morti nell’esplosione dolosa della casa.

Ed è così che, in compagnia dell’umanoide PETE-13 (interpretato da Naohito Fujiki di “Antihero” e “Glass Heart“), Soichiro decide di partire nuovamente per un viaggio, questa volta nella direzione opposta rispetto a quella del suo sonno, nel passato del 1995, seppur di passato vero e proprio si può parlare per una persona che ha visto il futuro, senza passare dal presente, per salvare la sorella e ritrovare il se stesso, perduto in una probabilità di eventi che non sarebbero mai dovuti accadere.

L’autore del romanzo, Robert A. Heinlein, un giorno raccontò che l’idea per la sua storia proveniva da un piccolo aneddoto familiare relativo al suo gatto. Quando vivevano in Colorado, infatti, faceva molto freddo e nevicava parecchio durante l’inverno, ma il gatto miagolava sempre perché voleva uscire di casa, come da sua abitudine. Solo che, ogni volta che si apriva la porta per consentirgli di uscire, il gatto subodorava l’arrivo della neve, ancor prima che cadesse, e si rifiutava di muovere un solo passo fuori. Quando faceva nuovamente capire che voleva uscire, allora in famiglia aprivano una porta diversa perché potesse recarsi fuori, ma, per quante porte venivano aperte, il gatto continuava a rifiutarsi di uscire se la neve era in arrivo, nella sua muta e costante ricerca di una porta che, una volta spalancata, lo introducesse finalmente nell’estate. “Oh, he’s looking for a door into summer“, ripeteva spesso la moglie.

E, in effetti, era così per il gatto dell’autore, come lo è per Pete, il gatto del protagonista e per il protagonista stesso, per cui “inverno” ed “estate” non sono solo stagioni dell’anno e/o della vita, ma anche due momenti completamente agli antipodi tra loro, due eventi nella “storia” composita delle probabilità, che vanno a determinare tutte le infinitesimali possibilità. L’inverno, con il ghiaccio e il freddo immobile e statico, come la macchina della criogenesi, dove Soichiro è stato condannato a trascorrere trent’anni, è anche la stagione del tradimento, delle asperità, dell’incomprensione e della solitudine: è quel passato a cui talvolta rimaniamo quasi incatenati, incapaci di uscirne, come incapaci di trovare il sentiero in mezzo ad una tempesta di neve, senza osservare il concatenarsi degli eventi e il suo dipanarsi nella vita. L’estate, al contrario, è la speranza del futuro, ma anche l’incomprensione e la mancanza di consapevolezza, come una scommessa vana su un desiderio, che può rivelarsi amaro e doloroso, diventando ancora più solitario dell’inverno. Eppure, la componente della luce che determina l’estate rende la speranza in quell’attesa stessa, che è, poi, la ricerca folle e continua di tornare indietro all’inverno per rideterminare una nuova estate, rientrare in casa e chiudersi la porta alle spalle per aprirne un’altra, nella speranza che sia quella giusta, la porta sull’estate vera e felice, il varco verso l’appagamento totale e, quindi, dal punto di vista matematico, quella serie concatenata di calcoli ed eventi che determina quell’unica combinazione di futuro che si vuole accettare.

Perché, alla fine, l’essere umano ha una sua caratteristica meravigliosa, che pare distinguerlo da tutto: quella di non perdere mai la speranza, nonostante le avversità e i tempi difficili, perché “non c’è un modo per essere sicuri“, visto che “essere vivi è già così mortalmente pericoloso e fatale fino alla fine“. Ed è per questo motivo che concepisce e accoglie uno spettro di eventi, determinato ad entrarvi, nonostante tutto, e – per parafrasare Galileo – a provare e riprovare, in vista anche solo di un piccolo frammento di momento futuro, che possa rivelarsi felice e pieno, come un secondo di estate.

“I have spent too much time of my life opening doors… I was looking for the Door into Summer”.

Laura

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The 100th Love with You

“Ti proteggerò, non importa quante volte dovrò tornare indietro nel tempo”.

Titolo originale: 君と100回目の恋 – Kimi to 100 Kaime no Koi

Regia: Sho Tsukikawa

Scritto da: Satomi Oshima

Cast: Miwa, Kentaro Sakaguchi, Erina Mano, Ryusei Ryo, Yuki Izumisawa, Seiichi Tanabe

Genere: Fantasy/Drammatico

Giappone, 2017, film

Se solo potessimo viaggiare nel tempo cambieremmo molte situazioni, anche il nostro destino e quello delle persone a noi care, faremmo in modo da non far accadere alcuni imprevisti o incidenti e cercheremmo di giocare d’anticipo.

Se solo potessimo…

“The 100th Love with You” è un film che fa riflettere e ci pone davanti proprio questi interrogativi esistenziali.  

Il film che vanta la regia di Sho Tsukikawa, che abbiamo apprezzato anche per la serie “Yu Yu Hakusho”, arricchito della sceneggiatura della bravissima Satomi Oshima, che ritroveremo nella versione giapponese del drama coreano “Marry My Husband”, ha una trama fantasy impreziosita da una colonna sonora molto bella.

Il film inizia con la giovane Aoi Hinata (interpretata dalla cantante Miwa) che è seduta su una panchina, triste e amareggiata per aver rotto il disco preferito del padre. All’improvviso le appare il suo amico d’infanzia Riku (Kentaro Sakaguchi, “What Comes After Love”, “Beyond Goodbye”, “The Parades”) che le promette che il disco può essere aggiustato.

Aoi e Riku si conoscono da tanti anni e frequentano la stessa università, inoltre la ragazza insieme alla sua migliore amica Rina (Erina Mano), a Naoya (Ryusei Ryo) e a Tetsudai (Yuki Izumisawa)ha formato una band, “The Stroboscorp” e hanno deciso di esibirsi al festival estivo del 31 luglio con delle canzoni proprie. Siamo all’estate prima della partenza di Aoi per andare a studiare a Londra.

Il giorno del festival estivo, però, le cose non vanno per il verso giusto. Inoltre, Aoi sente molto il distacco e la freddezza ingiustificata di Riku. Così, dopo non aver fatto un fallimento nell’esibizione, Aoi scappa del locale e, mentre cammina, sconvolta e concentrata solo a recuperare lo spartito che le è volato via, non vede un camion che le viene incontro e resta coinvolta in un incidente stradale.

Quando si risveglia si ritrova nella stessa aula universitaria e tutto sembra ripetersi.

Il suo amico Riku le confida di avere un segreto: può tornare indietro nel tempo. Il giorno in cui il disco del padre di Aoi si ruppe, era anche il compleanno di Aoi e la ragazza si era recata nel negozio di dischi dello zio di Riku per capire se fosse possibile aggiustarlo, ma vedendo che non era possibile, andò via demoralizzata. Riku, che aveva origliato la conversazione, aveva chiesto allo zio di insegnargli la chitarra, tornando indietro nel tempo più volte fino ad essere in grado di suonare la canzone sul disco per Aoi. Avrebbe fatto questo per festeggiare il compleanno di Aoi 100 volte.

Aoi e Riku sono innamorati anche se fino al momento della rivelazione di Riku non si erano mai confessati i propri sentimenti.

Aoi sarà destinata a rivivere quel giorno o riuscirà a uscire dal loop temporale in cui sembra essere intrappolata? Riku riuscirà a viaggiare nel tempo ogni volta per salvare Aoi?

La vita è come un disco che gira, sembra di risentire la stessa melodia, eppure ogni volta con un’intensità diversa.

Questo è quello che capita alla giovane Aoi ogni volta che muore e rivive 100 compleanni, uno diverso dall’altro come una melodia suonata in diversi cento modi e, difatti, la musica è una parte importante della trama del film, il negozio di dischi, le prove musicali della band, la chitarra di Riku e delle performance musicali da riascoltare più volte e rivedere sul web, come questa live:

Il film è come un puzzle in cui vanno cercati tutti i piccoli pezzi per dare una logica temporale a tutta la trama.

La voce meravigliosa di Miwa e l’interpretazione espressiva di Kentaro Sakaguchi impreziosiscono la storia narrata in questo film dove il soggetto principale è l’importanza dei sentimenti, il valore della propria esistenza, come unica ed essenziale, perché una gemma rara nel mondo, da registrare come la voce in un disco.

Una panchina vuota di fronte all’oceano, poi tutto sfuma nel nero, forse ricomincia da capo, forse resta impresso nella memoria, ma di sicuro il tempo è un concetto complesso, armonico che si vive unicamente nella propria fragile esistenza.

Grazia

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StrangerBookClub – L’attesa

“Tra tutti i luoghi possibili, mi sono trasferita sull’isola di Ganghwa. Il posto più vicino al 38° parallelo, proprio di fronte alla Corea del Nord. Quando mia madre verrà a trovarmi, la porterò a visitare l’Osservatorio della Pace”.

Titolo originale: 기다림, Kidarim)

Autore: Keum Suk Gendry-Kim

Edito da Bao Publishing

Corea del Sud, 2020

Genere: graphic novel

Sono queste le parole finali, che riprendono in qualche modo quelle iniziali, della graphic novel “L’attesa” (기다림), pubblicata nel 2020 dall’illustratrice e fumettista Keum Suk Gendry-Kim ed inserito immediatamente dal Washington Post tra le migliori graphic novel dell’anno 2021, confermando la linea e l’apprezzamento critico nei confronti di un’artista, che fa con la china, la matita e il carboncino la stessa cosa che Han Kang riesce a fare con la penna e il portatile: delinea anime attraverso le loro storie, che diventano storie narrate e raccontate, come un’eco lontana di ricordo, eppure così tangibile e vera nel far comprendere come le vicende di piccoli e insignificanti umani siano inseriti in un contesto molto più ampio, quello della Storia, che travolge con sé e schiaccia tutto, corpi e vite, lasciando intatte solo le loro memorie.

La storia inizia sull’isola di Ganghwa, un’isola che si trova quasi al confine tra le due Coree sull’estuario del fiume Han, avamposto ultimo della Corea del Sud e parte della città metropolitana di Incheon, eppure separata solo da uno strettissimo braccio di mare dalla Corea del Nord, più volte invasa, continuamente rivendicata, al centro dei conflitti continui, ma anche sede dell’Osservatorio della Pace, come un faro che riesce a guardare su entrambi i territori coreani e ad abbracciarli con lo sguardo. Ed è su quest’isola che la protagonista e narratrice della storia, Jina, modellata in modo autobiografico sulla stessa autrice, si è trasferita, perché a causa della riqualificazione di Seoul e dell’aumento dei prezzi non riesce più a pagare un affitto troppo salato. Si sente in colpa, come se avesse abbandonato sua madre, Gwija, che si è rifiutata di abbandonare la sua vecchia casa nella capitale e di trasferirsi con lei per non vivere nuovamente uno sradicamento e non perdere le coordinate domestiche, come è sempre stata costretta a fare nella vita, per mantenere quella perenne linea d’attesa su cui ormai si è abituata a vivere.

In effetti, Gwija non è originaria del territorio sudcoreano. La sua patria si trova a nord, nella provincia dello Hamgyong meridionale, nella contea di Kapsan. Jina ha appreso tardi che i suoi genitori fossero profughi nordcoreani, quando nel 1983, in quinta elementare, era tornata tardi da scuola per essersi fermata a giocare e trovò la madre in lacrime davanti alla TV. La rete televisiva KBS stava trasmettendo una trasmissione intitolata “Alla ricerca delle famiglie separate”, che, storicamente, andò in onda in diretta per ben 138 giorni quell’anno, dal 30 giugno al 14 novembre senza interruzione. La trasmissione intervistava persone che avevano perso parenti e amici dall’altra parte del confine coreano, in quella Corea del Nord considerata ancora nemica, e si proponeva, così, di ricongiungere le famiglie e di mettere in contatto tra loro coloro che erano rimasti separati. Nella realtà, solo 10,189 persone riuscirono nel loro intento, una cifra esigua se si considera che ben 100,952 avevano presentato domanda e che erano innumerevoli coloro che contavano almeno un parente nel Nord. La madre di Jina – e la madre dell’autrice – era una di coloro che attendevano di rivedere frange della propria famiglia, perdute nel tempo di un attimo, sotto lo scoppio della guerra, e, purtroppo, era anche una di coloro destinata a rimanere senza risposta.

Questa è la miccia che fa scaturire la ricerca di Jina, ma anche la consapevolezza di essere nata da persone fuggite durante la guerra e con un passato drammatico alle spalle. I ricordi della madre si inseriscono all’interno come cuore della storia, circondati da una tripla cornice (quella della figlia adulta, che nel 2020 si è trasferita al confine con la Corea del Nord, quella del programma di congiunzione familiare del 2018 e quella dell’infanzia dell’autrice, quando ha narrato per la prima volta la sua storia).

Gwija è originaria dello Hamgyong meridionale, nella contea di Kapsan, nel territorio settentrionale della penisola coreana e proviene da una famiglia povera e legata alle tradizioni. La guerra arriva come un’ennesima sciagura dopo la fame più nera e l’occupazione giapponese. Quando nel 1944, le sorti della guerra sembrano peggiorare, tanto da intaccare la sua famiglia, i genitori decidono di farla sposare con un uomo di un altro villaggio, certi che fosse l’unico modo non solo per assicurarle un futuro migliore, ma anche per proteggerla dalla sorte di molto ragazze coreane, rapite o vendute ai soldati giapponesi come donne di conforto o sottoposte alle violenze dei contingenti militari di volta in volta occupanti.

Ed è così che, nonostante tutto, Gwija ha vissuto brevi tempi felici, fatti di attimi di quotidianità, della regolarità di ogni giorno, di un matrimonio costruito passo passo e di due figli arrivati come una benedizione di una famiglia unita. Fino a quando, in una mattina di fine giugno del 1950, arrivò di nuovo la guerra, questa volta vestita come un evento improvviso e inspiegabile, da cui era necessario trovare scampo, senza sapere come. Gli eventi costringono Gwija a mettersi in marcia verso sud con il marito e i bambini, in cerca di un futuro migliore, lontano dalle tragedie e dalle violenze del conflitto, ma nella lunga marcia di persone in fuga, costrette a dormire ammassate e a trovare riparo sotto le stelle, durante un bombardamento la folla di separa e Gwija e la figlia si trovano divise dal marito e dal figlio. E’ un attimo e le loro esistenze non si incroceranno più, circondati dal fumo della polvere da sparo e da una massa scomposta di umanità in fuga.

Gwija è finita al Sud con la figlia minore, senza trovare più il resto della sua famiglia, e, dopo la guerra si è adattata a fare innumerevoli lavori per sopravvivere e aiutare sua figlia, senza mai perdere la speranza di trovare il figlio minore. Poi, con gli anni, ha visto che quel destino non era solo suo, ma apparteneva a tante famiglie separate dalla guerra e dalla divisione della penisola coreana. Così Gwija ha incontrato un uomo con il suo stesso passato e, insieme, hanno deciso di formare una famiglia, quella in cui è nata Jina.

La storia è basata veramente su quanto accaduto alla madre dell’autrice rimasta separata dalla sorella allo scoppio della guerra di Corea.

Tra il 20 e il 22 agosto 2018, sul monte Kumgang, è avvenuto il 21esimo ricongiungimento familiare intercoreano, una prassi complessa regolata dalle norme internazionali e da accordi bilaterali tra le due Coree con il supporto della Croce Rossa con l’obiettivo di far incontrare dopo tanto tempo le famiglie separate, anche se per pochi attimi. Nei 21 ricongiungimenti tenuti fino a quel momento, solo 2000 membri di famiglie separate sono riusciti ad incontrare i propri parenti nel Nord, a fronte di 132.124 domande.

La madre dell’autrice non era tra le persone selezionate per l’incontro. Rimane ancora in quella paziente e calma attesa, che ha caratterizzato la sua esistenza, senza sapere se i suoi parenti siano vivi o morti, senza ricevere notizie o fotografie, solo nella speranza che, prima o poi, la sorella si palesi dal Nord, anche per pochi lunghissimi minuti, per rivedersi e sussurrare quella frase rimasta a fior di labbra per decenni:

“Grazie di essere sopravvissuta”.

Laura

Luci in poesia – Haiku d’estate

L’estate è una stagione piena di luci da mattina a sera, dai raggi del sole che riempiono la giornata alle luci della sera, cieli stellati, lucciole, fuochi d’artificio, lanterne colorate.

In giapponese “estate” si dice “natsu” (夏) e il Kanji che lo identifica sembra rappresentare un uomo con una maschera che agita le braccia e i piedi quasi per identificare le celebrazioni che si svolgono in estate, le danze, le festività. In effetti i “matsuri”, le feste tradizionali giapponesi, che si svolgono in estate sono molte e sono davvero incantevoli.

Come sempre anche la poesia testimonia lo stato d’animo che rilascia ogni stagione e ho scelto alcuni haiku che secondo me riescono a comunicare direttamente al cuore alcune emozioni universali che l’estate regala.

Il primo haiku di Ishida Hakyō ci presenta uno dei simboli dell’estate, il frinire di cicale che, a mio avviso, un po’ ci fa rivivere la poetica di Pascoli. Chiudiamo gli occhi e pensiamo ad un campo estivo, a quei pomeriggi caldi e assolati interminabili, quando tutto sembra sospeso e racchiuso in una bolla e dove l’unico modo per scandire il tempo è ascoltare il frinire delle cicale. Emozioni che già da bambini custodiamo nella nostra memoria.

Frinir di cicale stamani

tornano a me

Tutti gli amori  

e odi

(Ishida Hakyō)

Il secondo haiku che ho scelto ha la stessa capacità di una fotografia di cristallizzare l’immagine, il momento. Sembra di vedere la scena descritta da Matsuo Basho, che ormai abbiamo citato spesso nell’ambito della poesia giapponese. L’immediatezza di questo haiku è davvero affascinante.

Il mio cavallo cammina per la pianura d’estate 

io in una pittura

(Matsuo Basho)

Nel prossimo haiku, Kobayashi Issa decanta la bellezza delle ipomee, conosciute anche come “campanelle”, che fioriscono tra giugno e settembre. Anche le ipomee scandiscono la stagione. Le ipomee simboleggiano la speranza e la perseveranza e, in effetti, l’estate è una paziente resistenza.

Dalle ipomee
ecco che ha inizio
la mezza estate

(Kobayashi Issa)

In questo haiku il poeta volge il suo sguardo al cielo di mezza estate, nemmeno una nuvola, tutto calmo, tranquillo, sembra quasi di toccare la bellezza della Natura.

che bellezza:
nemmeno una nuvola
nel cielo di mezza estate

(Kobayashi Issa)

L’ultimo haiku che ho scelto sembra una melodia per la sua delicatezza di immagine. Scende la notte, ma la peonia bianca cattura i raggi di luna, nel cielo incantevole d’estate. La peonia è, infatti, un fiore estivo e il suo candore riflette la luce lunare, un collegamento tra i due mondi, in un tempo sospeso, magico.

Tra i fiori che si scuriscono

la bianca peonia

cattura la luna

(Kato Gyodai)

Grazia

Come suona questo articolo:

Nausicaa della valle del vento

“Gli alberi della giungla assorbivano dall’atmosfera l’inquinamento che l’uomo continuava a creare con le sue troppe macchine. Gli alberi assorbivano tutto il veleno e morivano, e poi si trasformavano in pietra, e la pietra diveniva sabbia. È così che hanno avuto origine queste enormi caverne. E le piante al di sopra sono diventate giungla tossica”.

Titolo originale: 風の谷のナウシカ, Kaze no tani no Naushika

Diretto da Hayao Miyazaki

Soggetto di Hayao Miyazaki

Sceneggiatura di Hayao Miyazaki e Kanunori Ito

Prodotto da Isao Takahata

Film anime (Giappone 1984)

Genere: Avventura, drammatico, fantastico

Sì, lo so, “Nausicaa della valle del vento” non è Studio Ghibli. O, meglio, è necessario precisare alcune date: la pellicola, disegnata a partire dall’omonimo manga, filmata e prodotta solo poco tempo prima della nascita del famoso studio d’animazione, quando Hayao Miyazaki e Isao Takahata, seppur già in sodalizio, lavoravano ancora per altri studi di animazione, uscì nelle sale cinematografiche giapponesi l’11 marzo 1984, oltre un anno prima della fondazione Ghibli (il 15 giugno 1985). Eppure, in qualche modo, tutto è iniziato a partire da Nausicaa, questa piccola e idealista eroina, che anticipa il candore, la purezza, ma anche il coraggio e la determinazione delle eroine dei successivi film Ghibli. Anzi, per essere corretti, forse dovremmo dire che tutto è iniziato a causa di Nausicaa, principessa volitiva di un regno distrutto da un disastro ambientale e post-apocalittico, uscita, quasi per caso, dalla matita di Miyazaki e serializzata in un manga per volontà di Toshio Suzuki, prima ancora di trovare sbocchi in una pellicola.

Chi conosce le dinamiche Ghibli non può prescindere da alcuni grandi nomi, come Hayao Miyazaki e Isao Takahata di certo, ma anche come Toshio Suzuki e Joe Hisahishi, senza i quali quel regno di sogni e di follia non avrebbe preso il vento nel 1985. Ed è merito di questa principessa che parla con la natura e ne è la sua guardiana se tutti quanti si incontrarono per la prima volta.

Nel 1979, Hayao Miyazaki, già disegnatore, animatore e, negli anni, fedele collaboratore di Isao Takahata, aveva diretto il suo primo lungometraggio per il cinema, “Lupin III – Il castello di Cagliostro“, che gli aveva fatto guadagnare un ottimo riscontro di pubblico e critica, seppur con uno stile fantasioso e surreale, discostante dalle storie di Lupin III. In questo periodo favorevole, onorato dalla stampa e in procinto di trasformare altri lavori in pellicole d’animazione, all’inizio degli anni ’80 Miyazaki venne contattato dalla rivista Animage, specializzata nella serializzazione di manga, ma anche nel diffondere le notizie sui più grandi animatori, per un’intervista speciale. Ideatore dell’intervista e dell’articolo Toshio Suzuki, all’epoca redattore della rivista, già ammiratore dei lavori di Miyazaki e Takahata, come della serializzazione anime di “Heidi” e di “Anna dai capelli rossi“. Quell’intervista si trasformò in un confronto di idee, durante il quale Miyazaki mostrò i bozzetti di alcune sue opere in divenire e Suzuki lo convinse a proporle all’editore per trasformarle in un manga. L’idea di un mondo immaginario, di un’immane distruzione causata da un cataclisma della società industriale e di una principessa che, da sola, lotta per prendersi sulle spalle la sorte del suo popolo sembrò completamente diversa rispetto al materiale in circolazione all’epoca e, dopo un certo periodo di trattative, prese forma in un vero e proprio manga, diviso in capitoli e pubblicato su Animage a partire dal 1982.

[Piccola curiosità: la serializzazione del manga verrà ripresa e conclusa solo nel 1992 con un finale differente rispetto a quello del film, perché prosegue le avventure di Nausicaa, centralizzando la sua profezia e avvicinando la tematica a quella de “Il viaggio di Shuna“].

Il successo fu inaspettato e immediato e, di fronte a come i numeri di Animage contenenti l’opera di Miyazaki andassero a ruba, venne proposto all’autore di trarne una pellicola di animazione, cosa che Miyazaki accettò, ponendo condizioni draconiane e non negoziabili: 1) si preservava il diritto di lavorare sul film, sospendendo la serializzazione del manga fino a tempo da definirsi; 2) chiedeva di essere regista e sceneggiatore della pellicola, senza alcuna modifica o sostituzione (pena il ritiro del progetto); 3) domandava l’uscita nelle sale cinematografiche per aprile 1984 (con una lavorazione iniziata a febbraio 1983, ciò significava tempi e scadenze ristrettissime); 4) voleva alla produzione, con pieni poteri artistici e di scelte economiche, solo Isao Takahata. La casa editrice dell’Animage, Tokuma Shoten, con l’intercessione di Toshio Suzuki, accettò tutte le condizioni e, non avendo un proprio studio d’animazione, si rivolse allo Studio Topcraft, molto apprezzato da Miyazaki e Takahata, che ad agosto del 1983 fornì solo 20 animatori, pagati “a cottimo” per i singoli fotogrammi animati (tra di essi, anche Hideaki Anno, che, negli anni successivi, diventerà il regista di “Neon Genesis Evangelion“).

A questo punto, restava solo il problema – non piccolo – della musica, per cui Isao Takahata decise di fare una scelta considerata impopolare, puntando su un giovane musicista sperimentale, noto per la sua linea pulita e minimalista, agli antipodi rispetto agli altri compositori in voga all’epoca: Joe Hisahishi.

Nel 1984, quando uscì nelle sale cinematografiche, distribuito dalla Toei Animation, il film divenne immediatamente un successo, conquistando un pubblico che cercava di approcciarsi all’animazione in modo diverso con tematiche nuove, più attente alle trasformazioni del mondo e più sensibile nei confronti di problematiche di cui ancora si iniziava solo a parlare, come l’ambiente, l’industrializzazione violenta, lo straniamento umano, la guerra e i suoi disastri, ma anche la narrazione simbolica e psicologica, che mette in una connessione empatica le anime dei diversi personaggi tra di loro e con lo stesso spettatore, andando a delineare quello che, solo un anno dopo, diventerà lo stile unico dello Studio Ghibli.

“Dopo che la civiltà industriale, un tempo prospera e gloriosa, finì inghiottita dalle tenebre del tempo, la superficie terrestre fu invasa da una gigantesca foresta fungifera che emetteva miasmi velenosi: il Mare della Putrefazione”.

Prologo di un disastro annunciato. Quasi tutta la terra è stata distrutta da una rovinosa guerra termonucleare, ricordata come i “Sette Giorni di Fuoco”, che ha ridotto drasticamente la popolazione umana, alterando per sempre l’ecosistema naturale. Mille anni dopo, circondati da esseri che somigliano ad insetti enormi e spaventosi e da una fitta giungla tossica, denominata Mar Marcio o Mare della Putrefazione, che ogni giorno avanza sempre di più a scapito degli umani, vivono due nazioni in eterna guerra, Tolmieka e Pejite. In questo mondo, dove la tecnologia è regredita e gli umani lottano ogni giorno per sopravvivere alla Putrefazione, nella Valle del Vento vive Nausicaa, figlia del re Jhil ed erede unica del suo piccolo regno. La Valle del Vento è un luogo speciale che, grazie al fatto di essere sopravvento, non viene raggiunto dalle spore venefiche portate dalle piante della foresta. Qui Nausicaa riesce a muoversi, munita di maschera su un piccolo aliante, anche in mezzo a quella giungla tossica che è il Mare della Putrefazione, in perfetta connessione con la natura che la circonda e risoluta a cercare un modo per affrontare il continuo cataclisma che sembra non abbandonare la terra.

“Un altro villaggio che è morto. Andiamo, anche questo luogo a breve affonderà nel Mare della Putrefazione”.

Nausicaa, in realtà, nasconde un segreto: in un suo laboratorio è riuscita a coltivare piante non velenose, nutrendole con acqua pura, e ha capito che esse diventano velenose a causa dei miasmi dell’inquinamento nucleare lasciato dagli uomini e continuamente alimentato. Il che renderebbe in potenza inoffensiva quella foresta del Mare della Putrefazione e, soprattutto, finirebbe di demonizzare gli insetti giganteschi che sono custodi di quella foresta.

Inoltre, Nausicaa sa che la guerra continua tra Tolmieka e Pejite si sta rivelando, di giorno in giorno, più disastrosa, destinata a portare alla rovina l’umanità. In effetti, la principessa Kushana di Tolmieka ha pianificato la distruzione tramite incendio della foresta, mentre la vittoria potrà essere garantita solo quando le sue forze militari riusciranno ad impossessarsi di un ordigno che sembra vivente e che può garantire l’eliminazione di tutti i nemici, come la costruzione del leggendario guerriero-titano, un automa biologico letale, pare a quegli automi costruiti dagli uomini durante la guerra termonucleare e in grado di garantire la supremazia sugli altri, così come la distruzione della foresta.

Ma distruggere ciò che è vivente e corrompere la natura stessa di chi è diventato vivente fanno parte di quel peccato primigenio e terribile che ha causato la rovina dell’essere umano, condannandolo a vivere nella sofferenza.

Ed è così che Nausicaa, aiutata dal nobile pilota Asbel, unica in grado di comprendere il segreto che le viscere della terra vogliono comunicare e unica capace di vedere il beneficio della pace su un’eterna e dolorosa guerra, di cui non si rammentano nemmeno le popolazioni, decide di fermare la follia del regno di Tolmieka e di convincere il popolo di Pejite e comprendere l’importanza dei valori universali, rinunciando alla guerra e alla creazione di un’arma di distruzione di massa e imparando a vivere nella ricerca della pace. Però, per riportare la pace e l’armonia tra gli esseri umani e tra questi e la terra, è necessario discendere fin nelle viscere del veleno della Putrefazione e caricarsi dei mali dell’umanità, sacrificarci, morire per, poi, risorgere, toccare il limite estremo della vita per riuscire e riprenderla, volare con il vento per fermarlo e purificare di tutta la rabbia e la collera accumulate l’atmosfera umana. Riportare l’umanità a se stessa è il vero compito di cui Nausicaa sa di essere investita.

“Io non voglio soffrire, né far soffrire”.

La tematica ambientalista della natura è per la prima volta menzionata nel lavoro di Miyazaki, insieme ad altre tematiche che diventeranno centrali, come il rispetto per sé stessi e l’umanità, il rifiuto della guerra e della violenza, la critica profonda nei confronti degli avanzamenti tecnologici e dei suoi possibili effetti deleteri (in nome del fatto che, per parafrasare Manzoni, non tutto quello che è progresso indica un futuro benefico). Inoltre, per la prima volta, sono introdotti mezzi e strumenti di reazione che non sono sempre ed esclusivamente di percezione bellica – al contrario di altra animazione fantastica e avventurosa dell’epoca. Lo strumento principale che serve a Nausicaa e ai suoi compagni per agire e riportare la pace tra gli uomini, ma anche tra questi ultimi e la natura deriva dalla gentilezza d’animo, dalla capacità di cogliere lo splendore nascosto dentro ogni creatura e di farlo brillare per costruire sopra un mondo diverso, potenzialmente capace di dimorare nei cuori umani.

“Perdonateci per aver turbato il vostro nido, però, comprendete, noi non siamo vostri nemici”.

Nausicaa, eroina dal nome omerico, che, come tale, ha il valore dell’ospitalità e dell’empatia nei confronti del prossimo, è antesignana di Mononoke, di Kiki, di Sheeta, delle sorelline in cerca di Totoro e di tutte le altre eroine create da Miyazaki per lo Studio Ghibli. Ha in sé tutte le caratteristiche dell’ἀρετή, il valore spirituale e morale, la capacità di assolvere i propri compiti e di sacrificarsi per il bene altrui, la comprensione del linguaggio nascosto con cui è stato scritto il mondo, la comunicazione non verbale per entrare in contatto con tutte le creature viventi e non, l’intima conoscenza della bellezza e della purezza del mondo e dell’umanità, nonostante tutte le cattiverie esistenti. Nausicaa non è solo risoluta e determinata nel suo intento: ha la compassione nei confronti del creato, recettiva a quel messaggio di armonia che lega tutte le cose, e, in un afflato quasi messianico, è capace di annullare sé stessa per compiere un destino superiore (la concretizzazione della profezia), in cui si identifica il bene di tutta l’umanità e della natura. Una purificazione che, anche se non potrà mai annullare totalmente il dolore, può portare con sé il suo contrario in grado di rompere le tenebre: la luce della gioia.

“La sofferenza, la tragedia e la follia non scompariranno in un mondo purificato. Fanno parte dell’umanità. Ecco perché anche in un mondo di sofferenza può esserci gioia e luce splendente”.

Laura

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