Miniseries di riscoperta di se stessi e honjok: “Check Out the Event” e “The Happy Loner”

Ci sono serie piccole e molto curate, concepite come un unico film e quasi lette come un libro in una serata di solitudine. Vi vogliamo presentare qui di seguito due miniseries di pochi episodi, che, in effetti, ci hanno comunicato questa sensazione e che portano a riscoprire se stessi, anche (e proprio) in quella dimensione in solitaria tipica dell’honjok, come viaggiare da soli o comprare un biglietto per un cinema notturno. Ecco le nostre recensioni. Buona lettura!

= Check Out the Event (Miniserie di 4 episodi – 2021) =

“Check Out the Event” è una miniserie del 2021 costituita da quattro episodi di un’ora circa ciascuno.

Due fidanzati vincono un viaggio di coppia in una lotteria alla quale avevano partecipato prima di lasciarsi.

Per poter andare in viaggio sull’isola di Jeju fingono di stare ancora insieme, ma ricordi e malinconia prendono il sopravvento della situazione ed entrambi dovranno fare i conti con le proprie scelte per capire se stessi e comprendere davvero i propri sentimenti.

Ha Song -yi (Bang Min-ah, “Delivery Man”) è una ragazza sicura dei suoi sentimenti che cerca di mostrare apertamente. Son-yi lavora come coordinatrice di un giardino botanico e il suo amore per le piante la proietta verso un modo di vivere semplice, ha fatto proprie le parole di sua madre, secondo cui le persone sono capaci di tradire, ma le piante no.  Da quando, però, il fidanzato l’ha lasciata, Song-yi si sente tradita, nei suoi sentimenti, nelle sue speranze per un futuro felice.

Park Do-kyum (Kwon Hwa-woon, “Mouse”) è il cantante e leader di una band indie. Do-kyun sembra sempre altezzoso e schivo e da subito comunica insofferenza per il modo di fare della sua fidanzata, Song-yi che viene lasciata in un modo molto freddo e distaccato. In realtà Do-kyun agisce in questo modo secondo dei suoi piani, ma nessuno lo sa.

In questo viaggio vinto, i due ragazzi conosceranno altre coppie, una diversa dall’altra, ma l’interazione con loro li farà ripensare a momenti che hanno trascorso insieme.

A Jeju sarà presente anche uno scrittore di manuali da viaggio, Seo Ji-gang (An Woo-yeon, “Mad for Each Other”) che farà loro da Cicerone e che nei giorni trascorsi con le coppie vincitrici del  concorso, inizierà a provare dei sentimenti verso Song-yi, provocando la gelosia di  Do-kyum.

“Check Out the Event” è una riflessione sull’amore, su quali siano le basi importanti per tenere salda una relazione e sulla fragilità dei sentimenti. I tre protagonisti sono molto bravi a far percepire allo spettatore la loro mutevolezza d’animo.

Miniserie molto carina, ben recitata e paesaggi meravigliosi. Per chi è appassionato di piante e del significato dei fiori, come me, la apprezzerà ancora di più.

= The Happy Loner – Individualist Miss Ji-young -(miniserie di 2 episodi) =

Ji-young è un’individualista e ama esserlo. Ama stare da sola, in perfetta e silenziosa solitudine, sia nella vita lavorativa che nei momenti di vita privata. Si circonda di spazi di vuoto che fagocitano tutto il rumore della gente e fa deserto intorno a sé costantemente. Conduce una vitapriva di emozioni, imponendo a se stessa di essere anaffettiva per non creare legami con nessuno, perché ogni singolo legame relazionale può portare a riempire il cuore, ma può anche spezzarlo e l’unico obiettivo veramente felice per Ji-young è allontanare la sofferenza. Così, Ji-young non socializza con le colleghe, non ha amici, va al cinema da sola di notte a guardare horror per non incontrare nessuno, non si concede divertimenti in luoghi affollati, preferendo le mura domestiche, e, non appena un rapporto sembra diventare serio, lo allontana.

Un giorno, si trasferisce nell’appartamento di fianco al suo, Byuk-soo, che non sa concepire la sua vita senza legami e senza persone. Anzi, ricrea intorno a sé quel frastuono crescente della vita che scorre attraverso amici, incontri, socialità. Byuk-soo è così dipendente dalle opinioni altrui e così bisognoso di cercare approvazione e affetto da mettere in secondo piano se stesso e dedicarsi totalmente agli altri, salvo, poi, soffrire irrimediabilmente ogni volta che questi si allontanano da lui.

Ji-young e Byuk-soo sono agli antipodi: lei introversa, scorbutica, priva di sorriso, contraria alle emozioni; lui estroverso, solare, sorridente e romantico. I loro due mondi differenti si scontrano e collidono in quell’uscio comune di casa e quell’incontro improbabile diventa una linea di congiunzione e una salvezza. Entrambi, infatti, hanno avuto simili esperienze di abbandono durante l’infanzia e non si sentono accettati dalle proprie famiglie d’origine ed entrambi, in qualche modo, devono cercare di trovare un equilibrio nelle proprie vite.

Un piccolo drama che è una perla rara, mirata a ricostruzione in chiave psicologica le emozioni sopite, la riscoperta di se stessi, sia attraverso la solitudine dell’honjok che attraverso i rapporti con gli altri, dando importanza anche alla sofferenza, a quel pianto liberatorio, che spesso si vuole evitare.

Grazia (Check Out the Event) & Laura (The Happy Loner)

Demon Slayer – Hashira Training Arc

L’attesa è stata lunga, ma la quarta stagione di Demon Slayer, nonostante le lamentele per la brevità e per alcune scene filler (non presenti nel manga e considerate dai fan quasi un “riempitivo”), è riuscita a conquistare ugualmente il pubblico, con un ritmo sospeso, lento, a tratti macchinoso, una lunga attesa di preparazione prima dello scoppio, la guerra che si sta impostando contro il terribile Muzan, signore dei demoni e del Male, anticipata anche dal film Demon Slayer – Towards Hashira Training Arc (eccezionalmente proiettato al cinema per un evento di quasi una settimana). Uno dei grandi meriti di questa breve stagione, inoltre, è la narrazione dei fatti a partire dai Pilastri, dando la possibilità di conoscerli meglio nelle interazioni fra di loro, ma anche con i propri allievi e con Tanjiro stesso, ripercorrendo in flashback il loro passato e aprendoci l’orizzonte sulle loro aspirazioni future. Aleggia sempre un’aura di effimero (per cui la brevitas della stagione si adatta benissimo): tutti si stanno preparando alla guerra, ma non alla vittoria, alla sofferenza per ottenere il successo, ma non per salvare la vita. Questo è un tratto fondamentale che, nonostante il caratteristico mix di humour ed action tipico di questo anime/manga, si percepisce benissimo, lasciando quel fondo di nostalgia e di agrodolce, che, poi, è il tratto fondamentale che contraddistingue quest’opera. Più conosciamo i personaggi e siamo attirati dalle loro qualità, dal loro carattere e dalla loro umanità, più ci rendiamo conto di come potremmo perderli nella terribile guerra finale.

Come sempre, lascio di seguito una recensione episodio per episodio, facendo attenzione a non incorrere in spoiler determinanti sulla stagione stessa e rammentando ai lettori che le recensioni sono state scritte in corso di visione, stato emotivo a caldo compreso. Vi ricordo che, prima di continuare a leggere quest’articolo, potete recuperare gli articoli Demon Slayer (prima stagione), Demon Slayer – Mugen Train Arc, Demon Slayer – Entertainment District Arc e Demon Slayer – The Swordsmith Village Arc.

4×01: Per sconfiggere Kibutsuji Muzan (鬼舞辻󠄀無惨を倒すために – Kibutsuji Muzan o taosu tame ni

Abbiamo modo finalmente di conoscere tutti (ma proprio tutti) i Pilastri, richiamati da Kagaya Ubayashiki per trovare una strategia comune per sconfiggere il terribile Muzan e per preparare un addestramento immane alla guerra contro i demoni, coinvolgendo tutti i cacciatori e anche gli ex Pilastri (sì, Uzui, avremo il piacere di rivederti con il tuo harem di mogli guerriere).

Plus: abbiamo modo anche di conoscere la storia del passato di Muzan o, meglio, come è diventato signore dei demoni ed è una storia che affonda le sue radici nel Periodo Sengoku (1467-1615).

4×02: La sofferenza del Pilastro dell’Acqua Tomioka Giyu (水柱・冨岡義勇の痛み – Mizu hashira・Tomioka Giyū no itami)

Tomioka Giyu, Pilastro dell’Acqua, rifiuta di prendere parte agli allenamenti per motivi ignoti e solo Tanjiro Kamado (che, tra l’altro, non si è ancora preso del tutto dalle battaglie precedenti) con la sua persistenza e la sua tenacia può convincerlo a riprendere la spada in mano. Ma il passato di Tomioka Giyu è triste e sconfortante, dominato dal senso di colpa e dall’idea di sentirsi inadeguato verso il ruolo che ricopre immeritatamente.

4×03: Tanjiro di nuovo in forma! Si partecipa agli allenamenti! (炭治郎全快‼ 柱稽古大参加 – Tanjirō zenkai‼ Hashira geiko dai sanka)

Ammettiamolo: Tengen Uzui, Pilastro del Suono, ci mancava e ritrovare la sua presenza così sgargiante e chiassosa ci ha un po’ confortato, con tanto di smalto bicolore nell’unica mano rimasta e gemma preziosa nella benda sull’occhio perso in battaglia. Presenza un po’ meno confortante per i poveri malcapitati cacciatori di demoni, costretti a sottostare ai suoi allenamenti massacranti, che hanno il compito di testare la resistenza (soprattutto fisica). Ma Tanjiro ha ripreso le forze e si fionda immediatamente negli allenamenti di Uzui con tanto entusiasmo, successo allarmante per i suoi compagni di addestramento e pure un po’ di affetto, visto il legame che ormai unisce questi due, maestro e allievo, e la loro avventura contro la Sesta Luna Crescente demoniaca (composta dai fratelli Gyutaro e Daki).

4×04: Possiamo ritrovare il sorriso (笑顔になれる – Egao ni Nareru)

Dopo aver superato brillantemente gli allenamenti di Tengen Uzui, Tanjiro prosegue il suo cammino e la seconda fase di allenamento per testare la rapidità di movimento con la spada, gestita da Muichiro Tokito, il Pilastro della Nebbia, altra presenza nota, uno dei protagonisti dello scorso arco narrativo. Nonostante Tokito, che ormai ha recuperato appieno la memoria, sia felice di re-incontrare Tanjiro, la sua attitudine rimane sempre fredda e priva di empatia, così come i suoi insegnamenti tecnici, severi e senza sorriso. Ma Tanjiro sa come contagiare il suo maestro con il suo ottimismo. Da non perdere la scena degli aeroplanini di carta che volano, che un po’ mi ha ricordato il film “L’attimo fuggente” e che rappresenta quell’afflato di libertà e di coesione che solo Tanjiro sa dare ai propri compagni.

Transizione: di notte il Pilastro della Nebbia incontra il Pilastro del Vento e il Pilastro del Serpente per allenamenti speciali riservati solo ai Pilastri e che somigliano più a duelli mortali. Credo che i prossimi allenamenti di Tanjiro con il Pilastro del Vento e il Pilastro del Serpente saranno molto più duri del previsto.

4×05 – Finché non mangerai i demoni (鬼を喰ってまで – Oni o kutte made)

Lasciato il test sulla rapidità, a Tanjiro tocca affrontare ora gli allenamenti più duri, sia fisicamente che psicologicamente. Si parte con l’allenamento sulla flessibilità, gestito dall’adorabile Mitsuri Kanroji, il Pilastro dell’Amore, una dei salvatori del villaggio dei forgiatori di katana nell’arco narrativo precedente. Nonostante la dolcezza e la gioiosità di questa spadaccina dai capelli rosa, che è adorata da tutti, e nonostante le pause del tè con dolci di ogni tipo (tutti denominati in inglese perché Mitsuri studia la lingua e ci tiene a farlo sapere), il suo addestramento è bizzarro e massacrante: gli allievi sono costretti ad indossare tutù rosa e ad imparare i fondamentali della danza classica, spaccata compresa, con tanto di aiuto di Mitsuri che interviene per stendere le gambe (non dimentichiamo che la leggiadra fanciulla è dotata di una super forza).

Ma Mitsuri ha un cuore d’oro e, anche se il suo allenamento spezza le ossa, Tanjiro viene promosso gradevolmente e con tanti elogi, mettendosi immediatamente in cattiva luce nei confronti di Obanai Iguro, il Pilastro del Serpente, che deve testare l’arte della spada e che non gradisce molto questa grande confidenza tra Tanjiro e Mitsuri. Tra l’altro, Obanai è un soggetto strano e alquanto inquietante, visto che nasconde una parte del viso con una sciarpa e si avvolge intorno al collo il suo serpente domestico. Come se non bastasse i suoi allenamento sarebbero una violazione dei diritti umani in qualsiasi parte del pianeta, con gli allievi legati e imbavagliati a pali, mentre l’allievo da testare deve combattere contro di lui in mezzo agli “ostacoli umani”. Il suo passato rimane ancora piuttosto vago, per cui mi aspetto di scoprire di più su questo guerriero con l’eterocromia oculare (due occhi di colore diverso) più avanti.

L’episodio è denso di allenamenti e si conclude nel modo peggiore, perché Tanjiro passa, poi, al test sulla resilienza, gestito da Sanemi Shinazugawa, il Pilastro del Vento, che sono disumani fino al limite di qualsiasi sopportazione, visto che prevedono percosse e umiliazioni continue. Qui Tanjiro ritrova (finalmente!) uno dei suoi migliori amici, Zenti’su Agatsuma, il ragazzo “fulminato” con i capelli biondi, ma anche Genya Shinazugawa, che lo aveva aiutato nel villaggio dei forgiatori di katana, ma che ha la grande sventura di essere il fratello minore di Sanemi. Genya rivela di non essere in grado di compiere nessuna delle respirazioni, nonostante i continui allenamenti e la superiorità fisica nei confronti degli altri, e di essere stato ripudiato dal fratello proprio per questo motivo, per cui ha cercato di diventare forte cibandosi di demoni. Tanjiro, che raramente riesce a farsi gli affari propri, prende le parti di Genya in questa faida familiare (anche perché Sanemi è anche colui che, all’inizio dell’avventura, ha tentato di uccidere Nezuko e, soprattutto, non è che sia proprio il massimo della simpatia).

4×06: Il più forte tra i cacciatori (鬼殺隊最強 – Kisatsutai saikyō)

Con reprimende varie e un ordine restrittivo di tenersi lontani da Sanemi, Tanjiro e Zenit’su passano all’addestramento sulla concentrazione, gestito da Gyomei Himejima, il Pilastro della Roccia, considerato il più forte tra i cacciatori, un ragazzo non vedente alto e robusto, che riesce ad astrarsi da ghiaccio e fuoco e a rimanere indifferente al mondo intorno, ripetendo in continuazione il suo mantra. In teoria, l’allenamento sembra semplice e, soprattutto, non prevede trattamenti disumani: la prima prova consiste nel rimanere in concentrazione a pregare sotto la cascata gelata, la seconda prova implica il sollevamento di tronchi pesanti e la terza prova lo spostamento di un masso enorme. In realtà, si rivelano prove impossibili, perché non serve solo la forza fisica, ma anche e soprattutto la forza mentale. Tanjiro, che ritrova qui il ragazzo-cinghiale Inosuke Hashibira e, nuovamente, Genya Shinazugawa, ha bisogno di fare ricorso a tutti i suoi ricordi e ai suoi pensieri per ritrovare la forza necessaria.

Transizione: c’è un occhio che spia in continuazione i movimenti dei cacciatori di demoni per conto del malefico Muzan e appartiene alla Quarta Luna Crescente demoniaca.

4×07: Il Pilastro della Roccia, Himejima Gyomei (岩柱・悲鳴嶼行冥 – Iwa Bashira・Himejima Gyōmei)

Impariamo a conoscere Gyomei, che è uno dei personaggi più straordinari creati da Koyoharu Gotōge, l’autrice di Demon Slayer, spirituale ed empatico, ma anche depositario di un passato doloroso, condannato ingiustamente per fatti mai commessi, in colpa per essersi sentito debole nel difendere i più piccoli. Gyomei racconta la sua storia passata a Tanjiro ed è la prima volta che accade qualcosa di simile in modo così aperto e palese (qualcosa di simile è accaduto nell’episodio dedicato a Gyu Tomioka, all’inizio di quest’arco narrativo, che mostra, dunque, tutta la sua circolarità). Inoltre, Gyomei è il primo a rivelare a Tanjiro i suoi dubbi iniziali nei suoi confronti, ma anche come e perché essi sono cambiati e si sono trasformati in certezza su quello che Tanjiro farà nella sua vita, perché mette sempre davanti ad ogni cosa il bene degli altri e non quello di se stesso. Gyomei riesce a rimanere nel cuore, già solo con questi due episodi, controbilanciando la rudezza e l’antipatia di Sanemi.

Transizione: lunghissimo piano sequenza con musica, cambio di inquadratura sottosopra, quasi steadycam per seguire i passi di Muzan che si avvicinano inesorabilmente a Kagaya Ubayashiki, il capofamiglia dei cacciatori di demoni… Sale la tensione, scendono i brividi lungo le braccia. La lunga attesa si sta concretizzando in una deflagrazione lenta e pericolosa, come un proiettile con il silenziatore, destinato a colpire in modo selettivo e implacabile.

4×08: I Pilastri riuniti (柱・結集 – Hashira kesshū)

Un finale migliore non era possibile, perché c’è tutta quell’intensità e quell’esplosione che una stagione in apparenza di attesa e di preparazione lasciava intendere, uno scontro tra Bene e Male che deflagra come una bomba atomica nel silenzio della notte (con immagini esplicative, che sembrano derivare dal secondo conflitto mondiale in Giappone), una voce sussurrata, ferma e flemmatica, quella del capofamiglia Kagaya Ubayashiki, che incontra quella voce metallica e suadente, ma che sa dare i brividi di Muzan.

ATTENZIONE! QUEST’ULTIMA PARTE DELLA RECENSIONE CONTIENE SPOILER!

Muzan incontra il capofamiglia dei cacciatori di demoni, mentre si trova a letto, malato e impotente, reso cieco e infermo da una malattia che lo consuma da anni e con pochi giorni di vita di prospettiva davanti a sé. Eppure, nonostante il terrore che Muzan emana e la sua aura negativa che aleggia e ingloba di colpo tutta la residenza del capofamiglia, è proprio il signore dei demoni a trovarsi in difficoltà di fronte ad un nemico che non può usare altro se non la propria voce sicura, senza alcuna inclinazione di timore, circondata dalla moglie e dalle due figlie gemelle (queste due bambine, in un’immagine evocativa mentre giocano a palla sotto i fiocchi di neve e sotto la luna nel cielo notturno, sembrano già prefigurare il proprio destino e provenire da un’altra dimensione, leggere e impalpabili come dei fantasmi). Kagaya Ubayashiki rivela a Muzan la loro lontana parentela, motivo per cui tutti i discendenti maschi della sua famiglia sono stati colpiti da una malattia, che era una vera e propria maledizione divina, un modo per punire la decisione di uno di loro di votarsi al Male più assoluto. Per questo motivo, tutti i discendenti maschi muoiono presto, spesso già da bambini, ma, in ogni caso, prima dei trent’anni, e sono continuamente afflitti da dolori e piaghe che rendono loro impossibile una vita normale. La loro esistenza è migliorata relativamente quando hanno deciso di sposare solo sacerdotesse, che, con le loro inclinazioni spirituali, hanno allungato le prospettive di vita della famiglia. Nonostante tutto Kagaya sa che sta per morire e accetta il suo destino inevitabile anche nell’essere ucciso da Muzan, perché è consapevole che la sua morte non farà altro che compattare su un fronte comune tutti i cacciatori di demoni. Muzan sa pure che la morte di Kagaya può attirare su di sé le ire dei cacciatori, ma è consapevole del fatto che è l’unico modo per avvicinarsi a Nezuko, l’unico demone in grado di non essere abbattuto dalla luce del sole.

Mentre Muzan si prepara a colpire Kagaya, l’intera dimora del capofamiglia scoppia come una bomba: Kagaya, la moglie e le figlie hanno accettano di farsi morire nell’esplosione, attirando Muzan fino al proprio territorio e incastrandolo ad affrontare la battaglia contro i cacciatori. Infatti, mentre Muzan impiega le proprie energie a rigenerarsi a causa dell’esplosione, arriva Tamayo (che avevamo lasciato intenta a studiare una potente medicina per rendere umani – e, quindi, vulnerabili – i demoni, sulla base di un campione di sangue di Nezuko). Tamayo è un personaggio che abbiamo adorato dalla prima stagione, triste e malinconica per il suo destino di demone, sofferente e continuamente in colpa per aver sterminato in modo inconsapevole la propria famiglia, ma anche estremamente intelligente e determinata che un mondo nuovo e migliore sia possibile, la prima a riconoscere le potenzialità di questo nuovo mondo in quel rapporto fraterno unico che unisce Tanjiro e Nezuko.

Mentre Tamayo blocca con un’abilità vampiresca Muzan e gli inietta la medicina, i Pilastri irrompono nella dimora del capofamiglia, richiamati dall’esplosione che ne ha causato la morte e agguerriti per uccidere Muzan o, perlomeno, per combattere con lui fino al sorgere del sole, i cui raggi possono determinarne la morte. Tutti i Pilastri, ignari del piano del capofamiglia (con l’eccezione di Himejima Gyomei), sono finalmente riuniti in un fronte comune. Tra loro, anche Tanjiro Kamado, Zenitsu Agatsuma, Inosuke Hashibira e Genya Shinazugawa. Muzan risponde e li fa sprofondare nel suo dominio: è iniziata la guerra.

Post-scriptum: dopo i titoli di coda c’è una sorpresa e, per tutti i nostalgici di Rengoku, è la sua voce che ci guiderà nella lotta finale.

Laura

Come suona la recensione?

The Parades – Il suono delle onde e una spiaggia vuota

Le persone che hanno dei rimpianti nel mondo dei vivi si ritrovano qui.

Una donna si sveglia su una spiaggia, cammina da sola, attorno a lei solo un cumulo di macerie e di devastazione, a causa di un gravissimo terremoto e del conseguente tsunami. La donna è una giornalista di cronaca e si chiama Kawakami Minako (Masami Nagasawa, “Little Sister”, “Mother”, “Dragon Sakura”), cerca di attirare l’attenzione dei soccorsi, ma nessuno la ascolta, sembra invisibile, mentre lei, disperata, si sforza di capire dove possa essere finito suo figlio. Al passaggio di un furgoncino, Minako cerca di fermarlo e questa volta il guidatore la vede, accosta e scende dal mezzo rivolgendosi a lei. Minako prova a spiegare la situazione e chiede aiuto, ma il guidatore le dice di seguirla per potersi ristorare e calmare dalla paura e dal panico. Minako sale sul furgoncino e il guidatore che si chiama Akira (Kentaro Sakaguchi, “Only Just Married”, “The Last Ten Years”) la accompagna presso un’area abbandonata, un ex luna park, con una vecchia ruota panoramica, dei bungalow e un bancone del bar, illuminato, dove, attorno al tavolo vicino, sono sedute altre persone.

Minako, una volta scesa del mezzo, si avvicina alle persone sedute accanto al bar e, solo in quel momento, quando inizia a confrontarsi con loro e a far loro domande, capisce di essere morta, così come anche tutte quelle persone, compreso lo stesso Akira che l’ha condotta lì, avendo visto negli occhi di Minako la disperazione dovuta alla ricerca del figlio che non trova da nessuna parte e di cui non ha più notizia. Minako, quindi, è rimasta sospesa in un limbo tra vita e morte, in un Altrove così vicino alla vita da poterne sentire il calore del cuore e la voce dei vivi, ma così lontano da non riuscire a manifestarsi, a farsi vedere, a toccare gli oggetti, Minako e gli altri sono lì perché hanno qualcosa in sospeso, un dolore, un’incomprensione, qualcosa di incompiuto nella propria vita che non permette loro di fare il passo per varcare l’altro mondo.

Minako decide, quindi, di restare lì e di cogliere questa opportunità per avere il tempo di continuare con le ricerche per scoprire dove possa essere finito il figlio e se è ancora vivo; conosce così pian piano i suoi compagni di viaggio ultraterreno, Michael ( Lily Franky, “Un affare di famiglia”, “Father and Son”) regista cinematografico che è morto con il sogno di raccontare un’ultima storia, quella di un amore lontano ai tempi delle scioperi e delle dimostrazioni studentesche degli anni Sessanta, forse una storia autobiografica che non è riuscito a completare, Shori (Ryusei Yokohama, “The Village”, “Kimino mega toikaketeiru”), figlio di un boss della yakuza, ha perso la vita durante un conflitto a fuoco lasciando sola la moglie ed è questo il suo rimpianto che lo tiene lì da sette anni e ogni anniversario della sua morte va a trovare il padre che lo piange ogni anno più anziano, Kaori (Shinobu Terajima, “The Journalist”) una barista dispiaciuta per aver lasciato troppo presto la sua famiglia nel momento in cui i figli avevano più bisogno di lei e in cui la figlia stava affrontando la prima gravidanza, il signor Tanaka (Tetsushi Tanako, “Outrage Beyond”), un ex direttore di banca che legge sempre un quotidiano datato 1990 con le notizie della crisi economica  ed infine il timido Akira, giovane scrittore che ha trascorso la sua vita costretto a letto per una malattia, vive nel suo bungalow pieno di libri, mentre cerca di raccogliere le storie di tutti per testimoniare che esiste una vita dopo.

In un secondo momento terrà loro compagnia anche la giovanissima studentessa Nana (Nana Mori, “Makanai”) arrivata per ultima nel campo, confusa, ma piena di rabbia contro la società scolastica nella quale ha subito maltrattamenti e bullismo. 

Queste anime che hanno lasciato il mondo dei vivi, ma con molti rimpianti, vivono lì, si fanno compagnia, attendono di passare oltre, magari riuscendo a risolvere quel qualcosa che li tiene ancora in questa dimensione onirica, le loro conversazioni sono normali come quelle degli esseri umani, la sera si riuniscono attorno al bar dove Kaori prepara la cena e del buon sakè e l’atmosfera è accogliente e illuminata dalle tenui lucine del luna park e della ruota panoramica.

Una volta al mese, però, nella notte di novilunio, si riuniscono a cercare le persone che vogliono incontrare, vive e morte, e così si danno appuntamento con tutti gli altri spiriti per le strade della città in una vera e propria parata, è questa l’occasione migliore per la stessa Minako di cercare di venire in contatto, in qualche modo, con il figlio.

“The Parades” non è solo un bel film, è una carezza nell’anima, una storia che, pur parlando di un argomento importante come quello della morte, riesce a trasmettere speranza e desiderio di vivere, perché, in fondo, anche coloro che non hanno trovato in vita il senso della propria esistenza umana, un desiderio non colmato, la possibilità di vedere un’ultima volta una persona cara, attendono di poter trovare quella possibilità negata o non trovata durante l’esistenza.  

 Le atmosfere sospese, una fotografia meravigliosa e la giovane regia di Michihito Fujii, già autore di alcune opere importanti come, “The Last Ten Years”, “The Journalist”, “The Village”, “A Family”, “Hard Days”, rendono questo film una piccola perla, una storia intrisa di sentimenti e di emozioni, dallo stile quasi fiabesco, onirico, mai banale, né grave nell’affrontare la tematica del dolore e del lutto, bensì un crescendo di commozione, ma anche di speranza che cura i cuori feriti.

“The Parades” è anche un omaggio personale del regista al Cinema stesso, lo è proprio nella figura di Michael e nel suo sforzo ad andare avanti e completare il suo film, anche da spirito che, con l’aiuto di tutti gli altri, farà rivivere l’emozione che solo il cinema può donare, quasi un film nel film, dove non esistono tempi e dimensioni, ma emozioni e ricordi che diventano patrimonio universale.

“I programmi tv vanno e vengono, ma i film sono indimenticabili!” – esclama Michael mentre riguarda il canovaccio del suo film “Alla ricerca del tempo perduto”.

Molti i riferimenti e le immagini evocative, la spiaggia come luogo di transito che lega la terra e l’Oltre, il suono delle onde che accarezza i cuori tristi di chi vive un dolore o di chi deve abbandonare la vita terrestre, la ruota panoramica che si eleva in cielo come l’anima, il cibo caldo come conforto, i legami affettivi, quasi ogni personaggio riesce a tornare un momento a casa propria per stare qualche minuto con i propri affetti e infine, le pellicole e il vecchio cinema abbandonato dove tutti insieme recuperano i film di Michael.

Piccole particolarità da segnalare: la colonna sonora meravigliosa, che impreziosisce la storia, curata da Yōjirō Noda, leader del gruppo Radwimps; in una sequenza vicino ad ogni personaggio si vedono delle luci, come quelle che illuminano ogni mese la parata, nel linguaggio dei sogni, infatti, le luci significano il raggiungimento di consapevolezza ed equilibrio che è quello ricercato dall’essere umano in qualsiasi condizione, ultima nota da segnalare è la citazione non  a caso della teoria di Lisa Randall durante la lezione di scienze nella classe di Nana, quando la ragazza torna nella sua scuola per cercare di vendicarsi. Lisa Randall è una fisica statunitense, specializzata in fisica delle particelle e cosmologia.

“The Parades”, per me è un’opera preziosa, un atto di affetto e di consolazione e una riflessione sull’esistenza, sulla vita e la morte, un viaggio emotivo nell’aldilà per accettare la vita davanti a noi, cercando di accumulare meno rimpianti possibili, ma facendo tesoro di ogni emozione, dalla tristezza al dolore, dalla gioia alla fiducia.

“E’ strano, siamo morti, ma siamo qui. Noi esistiamo davvero in questo mondo”.  (Akira)

“Non volevo morire prima che mia figlia avesse un figlio. Così ho sfidato il destino ed eccomi qui. Questo mondo è piuttosto indulgente, no? Guardare i miei figli per tutto il tempo mi ha fatto capire che sono molto forti”. (Kaori)

“Vivi la tua vita al massimo!” (Shori rivolto a Nana)

“Voglio testimoniare che esiste un mondo così dopo la morte. Mi piace scrivere, ma non so come sarà il finale”. (Akira)

“Tieni una traccia dettagliata di questo mondo”. (Michael rivolto ad Akira)

 “Com’era questo mondo per te? Se potessi tornare indietro, cosa vorresti fare?” (Akira a Minako)

“Lo stare qui con voi è come il cinema, un lavoro di squadra”. (Michael rivolto a tutti)

“Nel mondo in cui mi trovo ora, tutti aiutano gli altri a trovare i propri cari. Come una parata”.  (Minako al figlio)

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Dedicato a tutti i nostri cari che non possiamo più vedere, ma che cerchiamo tutti i giorni nel nostro cuore.

Grazia

Come suona la recensione?

Storia di un giugno coreano e della democrazia

“I have lived, and continue to live, in the belief that God is always with me. I know this from experience”. (Kim Dae-jung)

La strada per la democrazia sudcoreana non è stata semplice ed è transitata da decenni di instabilità politico-istituzionale che ha alternato periodi brevi di democrazia a periodi intermittenti di regimi autoritari e di stati di emergenza gestiti dai militari, fino a culminare all’asprezza del regime di Chun Do-hwan che estese la legge marziale a tutto il territorio sudcoreano, causando un numero innumerevole di morti e di privazioni dei diritti umani (ne abbiamo già parlato a proposito del massacro di Gwangju nel maggio 1980).

Il 1987, però, segnò l’anno della svolta, raccogliendo il testimone di quei magnifici e ribelli anni ’80 sudcoreani e di tutti quei movimenti studenteschi e lavoratori che, per primi, sfidarono il regime. Il fermento dei giovani e l’aspirazione alla democrazia prese avvio da un fatto drammatico accaduto nel gennaio di quello stesso anno, quando Park Jong-chul, giovane attivista per i diritti umani e presidente del consiglio studentesco della Facoltà di Lingue presso la Seoul National University venne arrestato, picchiato e torturato nel tentativo di estorcergli una confessione che condannasse i suoi collaboratori. Park Jong-chul morì durante le torture estreme per asfissia (il regime era solito usare la tecnica, vietata secondo tutte le convenzioni internazionali, del waterboarding ovvero della simulazione di annegamento con acqua e un panno che ricopriva testa e vie aeree). Alla morte del giovane, i movimenti di opposizione si organizzarono con una serie di marce e di manifestazioni contro il governo, trovando base e appoggio presso il tempio buddista di Jogyesa a Seoul, dove fu preparata una cerimonia di commemorazione per la reincarnazione di Park Jong-chul. Con l’arrivo della primavera, tornò vivo anche il ricordo del massacro perpetrato a Gwangju, pur non conoscendo ancora il numero di vittime, grazie anche all’Associazione per la Giustizia dei preti cattolici, testimoni della violenza orribile del maggio 1980.

Con l’opinione pubblica sollevata contro il regime, fu organizzata una grande manifestazione di massa per il 10 giugno di quello stesso 1987, con l’intenzione di chiedere al presidente Chun Do-hwan le dimissioni e la convocazione di elezioni libere, oltre che la riforma della Costituzione in modo da garantire la democrazia. Alla vigilia della manifestazione, però, mentre gli studenti della Yonsei University avevano occupato i locali del campus universitario per organizzare la protesta, uno di loro, Lee Han-yeol, fu colpito da una granata in testa e rimase in coma (la morte avvenne un mese dopo, senza che il giovane riprese mai conoscenza). Quel 10 giugno, la manifestazione programmata iniziò in modo diverso da come i giovani si erano prospettati, con il lutto, il dolore e la rabbia nel cuore per la perdita ingiusta di tante vite umane: nonostante le dimissioni del presidente Chun Do-hwan (alla scadenza del suo mandato di sette anni) e la nomina ad interim di Roh Tae-woo, la ribellione esplose senza arrestarsi.

In tutto il paese, persone di ogni età scesero nelle piazze, i giovani si asserragliarono presso i campus universitari e presso la Cattedrale di Myeongdong, vista come il centro per tutti i ribelli, dove lo stesso cardinale Stephen Kim Su-hwan lanciò la lotta degli attivisti contro il regime, dichiarando che erano disponibili a scendere in piazza anche i religiosi per domandare la democrazia e il ripristino dei diritti umani, coadiuvato anche dalla presa di posizione dei monaci buddisti, a fianco ai movimenti per la democrazia.

Le manifestazioni e le lotte durarono dal 10 al 29 giugno: ogni giorno venivano arrestate migliaia di persone, ma ogni giorno ne scendevano in piazza il doppio e il triplo del giorno precedente (la manifestazione del 18 giugno contò un milione e mezzo di manifestanti) e, più il regime inaspriva le sanzioni e le violazioni nei confronti delle persone, più le morti e le torture minacciate davano nuova linfa agli oppositori. Il 29 giugno, il presidente in carica Roh Tae-woo si arrese di fronte alle continue proteste e con la Dichiarazione Speciale per la Grande Armonia Nazionale e la Trasformazione in una grande nazione del 29 giugno (6.29 선언) promise la revisione della Costituzione, garantendo elezioni libere e dirette del Presidente della Repubblica, il ripristino del pluralismo politico e dei diritti fondamentali, inclusi l’habeas corpus e la libertà di opinione e di manifestazione anche a mezzo stampa, e garantendo l’amnistia ai prigionieri politici, tra cui Kim Dae-jung, con le cui parole abbiamo aperto questo articolo, che, all’epoca dei fatti era agli arresti domiciliari dal 1985, ovvero dal rientro in patria dopo l’esilio.

I fatti sono narrati meravigliosamente nel film “1987: When the Day Comes“, diretto da Jang Joon-hwan e interpretato da Kim Yoon-seok (“Tazza“), Ha Jung-woo (“Narcosaints“), Yoo Hae-jin (“Exhuma“), Kim Tae-ri (“Mr. Sunshine” e “25 21“), Park Hee-soon (“My Name” e “Moving“) e Lee Hee-joon (“Mouse” e “A Killer Paradox“), che ricostruisce le vicende della morte durante le torture di Park Jong-chul (interpretato da un giovanissimo Yeo Jin-goo, poi protagonista di “Hotel Del Luna” e di tanti altri drama), come una vera e propria indagine di polizia. Il film, che nel 2017 fu campione di incassi e vinse innumerevoli premi (tra cui i Beaksang come migliore attore protagonista per Kim Yoon-seok e come migliore attore non protagonista per Park Hee-soon e il Daesang al film), vede anche la partecipazione amichevole dell’attore Woo Hyun, caratterista di eccezione in molti drama (tra cui “Sweet Home“), ma soprattutto ex attivista per la democrazia e vera memoria storica dei fatti qui narrati. Pertanto, vi lasciamo qui di seguito la colonna sonora del film, composta dal giovane musicista sudcoreano Kim Tae-seong, che, anni dopo, ha ripercorso lo stesso periodo storico e i fatti concitati di quel giugno 1987, componendo la colonna sonora del drama “Snowdrop“.

Laura

Trillion Game – Strategie da business, puntando alle stelle

Non est ad astra mollis e terris via.

(“Non esiste una via semplice dalla terra alle stelle” – Lucio Anneo Seneca)

Avete presente quei grandi film d’azione dove la mente, l’arguzia e l’intelligenza sono i veri protagonisti? Vi sono piaciuti film come “Un colpo all’italiana” o “Ocean’s Eleven”, macchinosi, stravaganti e cerebrali?

Se questo genere di film è di vostro gradimento, vi consiglio, allora di recuperare “Trillion Game”, dove, mentre nei film citati, la preparazione della mossa decisiva coinvolge da subito molte persone, qui il tutto nasce in una cameretta, con una postazione discreta da otaku informatico autodidatta e con una sedia da gamer che vale quanto il sogno della storia che vi sto per raccontare.

E’ bene sottolineare da subito che la storia segue due linee temporali, quella del passato, dove si svolgono i fatti più importanti, la conoscenza dei due protagonisti, la fondazione della Trillion Game e l’ascesa dell’azienda, e quella del presente, dove vediamo solo uno dei due protagonisti che racconta come ha fatto ad arrivare fino a quel successo. Il drama, inoltre, spazia nella vita dei personaggi avvalendosi della tecnica del flashback che ci fa conoscere meglio i caratteri e le attitudini dei personaggi della storia.

Nella linea temporale del presente troviamo solo uno dei due protagonisti, Manabu Taira (Hayato Sano), detto “Gaku”, il vero narratore della maggior parte della storia che con Haru Tennoji (Meguro Ren, “Silent”) ha fondato la Trillion Game, ma che ora ricopre da solo il ruolo di presidente della società.

Gaku è una persona timida, goffa, solitaria, ma geniale, costante e volitivo nel suo lavoro, riesce a stare davanti al pc per giornate intere senza fermarsi o stancarsi, senza accorgersi del tempo che passa e senza nemmeno ricordarsi di mangiare, un genio dell’informatica che da autodidatta è riuscito ad entrare nel server della Dragon Bank scoprendo il guasto nel sistema di sicurezza dell’azienda e ammettendolo, involontariamente, durante il colloquio di lavoro per entrare in banca.

Gaku e Haru si sono già conosciuti ai tempi della scuola quando Gaku era stato salvato da Haru da un attacco di bulli, poi entrambi i ragazzi si sono rivisti durante i colloqui per entrare a lavorare alla Dragon Bank.

Haru, completamente diverso da Gaku, è carismatico e dotato di elevate capacità comunicative, intelligente e risoluto, non si arrende mai ed è disposto ad usare qualsiasi mezzo per raggiungere ciò che vuole, i propri obiettivi. Haru si proclama da subito “l’uomo più egoista del mondo” perché tutto il suo lavoro è concentrato a mirare ad un sistema che possa permettere di guadagnare trilioni di dollari che lo possano rendere ricco per il resto della propria vita. La sua attività in qualità di co-fondatore di Trillion Game è quella di rappresentante di vendita e decisore aziendale e, vista la sua natura sociopatica e una innata capacità a bluffare, riesce da subito a coinvolgere più persone e ad essere convincente a fare affidamento su di lui. Haru, che ha superato il colloquio di lavoro per entrare a far parte della Dragon Bank, si licenzia il giorno seguente e, dopo aver riconosciuto Gaku tra la folla di persone che si sono presentate al colloquio, insieme all’amico, decide di fondare un’azienda, la “Trillion Game”. Haru apprezza le capacità ingegneristiche di Gaku e cerca di supportarlo in qualsiasi momento, ha piena fiducia nell’amico e, a modo suo, cerca di essere presente ad ogni esigenza per garantire il successo dell’azienda.

L’azienda di Haru e Gaku nasce nella camera del piccolo appartamento di Gaku, dove il ragazzo non fa altro che studiare e lavorare al computer, ma il segno distintivo dell’inizio della loro collaborazione è una sedia da 200.000 Yen che Haru regala a Gaku con il fondo iniziale e che anche nella linea temporale del presente è ancora vicina alla scrivania di Gaku nel suo ufficio, ormai in un grande palazzo.

Antagonista dei due giovani imprenditori è la già citata Dragon Bank, il cui presidente Kazuma Kokuryū (Jun Kunimura) è una persona cinica, egoista che non vuole rivali, anzi, è pronto a schiacciare qualsiasi tentativo di business da parte di altri che possa interferire con il suo. La figlia del presidente, invece, è uno dei personaggi più significativi del drama, si chiama Kirika Kokuryū (Mio Imada), ma viene soprannominata “Kirihime” o “principessa Kirihime” tanto per sottolineare il suo atteggiamento distaccato da tutto e da tutti, persona brillante e arrogante, come suo padre, pensa agli affari e al business, ma ha un debole per l’impresa di Haru e Gaku, ne apprezza l’intelligenza, il coraggio e l’irriverenza, oltre ad essere attratta da Haru (la chimica tra i due personaggi è molto ben rappresentata e i due attori, che hanno già recitato insieme nel film “Il mio matrimonio felice”, sono stati molto bravi a rendere questa caratteristica).

Tanti personaggi meritano di essere ricordati, a partire da Rinrin Takahashi(Riko Fukumoto), studentessa universitaria in cerca di lavoro, dalla personalità rigida, ma grande lavoratrice, timida e sensibile ai piccoli dettagli, viene assunta da Gaku e Haru che la nominano presidente della Trillion Game. Rinrin, che fino ad allora aveva lavorato part time in un negozio di fiori, sfrutta la sua conoscenza dei fiori per dare consulenza on line alle persone che vogliono comporre dei bouquet particolari e si affidano al “falso sistema di intelligenza artificiale” della Trillion Game, uno dei primi escamotage di Haru per farsi conoscere nel mondo del business nazionale.

Altro personaggio indimenticabile è il primo investitore dei due ragazzi, nonché loro consigliere economico, Kazuki Kedōin (Kōji Kikkawa), che lavorava come manager presso l’agenzia di talenti God Production, ma che è stato inghiottito da uno scandalo industriale che gli ha reso la vita difficile. Kazuki Kedoin è lo strambo manager che indossa un cappello da cowboy, occhiali da sole e scarpe di pelle con accessori stravaganti.

“Trillion Game” è una serie ispirata al manga omonimo scritto da Riichiro Inagaki e illustrato da Ryoichi Ikegami che nel 2024 ha vinto il prestigioso Shogakukan Manga Award. Personalmente non immaginavo nemmeno io potesse piacermi così tanto, ma ho trovato molti punti di forza in questa storia che mi ha entusiasmata e mi ha fatto riflettere, primo fra tutti il valore dell’amicizia rappresentato da Haru e Gaku, così diversi di mentalità e carattere, tanto estroverso, intraprendente e dal sorriso contagioso il primo, quanto riservato, introverso e ipersensibile il secondo. Il carisma comunicativo di Haru e l’abilità tecnologica di Gaku applicati ad un piano strategico per costruire un’azienda da zero con un brivido del rischio che incuriosisce lo spettatore fin dall’inizio perché ci si chiede da subito come faranno i due ragazzi ad andare avanti e ad arrivare al successo.

Costruire il successo partendo dalla diversità che arricchisce le competenze e regala immenso valore allo scopo dell’impresa; se dovessimo considerare, infatti, tutte le persone che vengono coinvolte in Trillion Game, ci troveremmo di fronte a caratteri diversi, esperienze, preparazioni e abilità diversificate, ma che servono tutte ad uno scopo comune, far avverare il proprio sogno.

Costruire il successo attraverso le avversità, nutrire una fiducia incrollabile anche di fronte alle difficoltà e all’incertezza dell’esistenza, mettendosi in gioco quotidianamente e resistere, nonostante tutto: questa è un’altra delle tematiche che più mi ha colpito nel drama.

Raggiungere il trilione di dollari è il sogno di Haru e di Gaku, è la tematica centrale della storia, ma non è altro che il potere di fissare degli obiettivi sognati e anche ambiziosi perché l’ambizione non deve per forza avere una connotazione negativa, ma serve anche a ricaricarci mentalmente, a lottare per qualcosa che può sembrare impossibile, per superare i limiti, per sbalordire noi stessi e per sognare in grande, perché ne abbiamo bisogno, soprattutto nei momenti bui, quando è importante fissare degli obiettivi, anche se sembrano lontani come le stelle del cielo.

Riguardo, invece, la sparizione di Haru nella linea temporale del presente, vi lascerò con la curiosità e anche con una certa ansia, perché lo stesso Haru vorrebbe così!

Grazia

Come suona la recensione?

La leggenda di Urashima Tarō

Dopo la visione al cinema dell’anime “The Tunnel to Summer: the Exit of Goodbyes”, l’ispirazione alla leggenda di Urashima Tarō ci ha coinvolto totalmente, perché, come nella storia dell’anime citato, il trascorrere del tempo è il vero protagonista di tutto.

Secondo un’antica fiaba giapponese Urashima Tarō era un abile pescatore che amava il suo lavoro ereditato dal padre e dal nonno, ma il giovane nel villaggio non era famoso solo per la sua bravura in mare, ma per la sua bontà d’animo e ogni giorno ne dava dimostrazione.

Una sera d’estate, mentre stava per rincasare dopo una giornata trascorsa in barca, vide dei ragazzini che maltrattavano una tartaruga, si avvicinò e li sgridò convincendoli a lasciargli la tartaruga che avrebbe riportato in mare. Il pescatore riuscì, quindi, a salvare e liberare la tartaruga in acqua dove l’animale scomparve tra le onde.

Il giorno dopo, Urashima si preparò, come sempre, a uscire in barca e, mentre si godeva la giornata mite estiva, sdraiato nella sua imbarcazione ferma in mezzo alle onde blu del mare, sentì qualcuno che pronunciava il suo nome. Quando si sporse dalla barca, vide la tartaruga che era stata salvata il giorno prima, l’animale parlava e lo chiamava ringraziandolo per avergli salvato la vita. Il pescatore, forse, un po’ confuso, cercò di capire come mai quella tartaruga parlasse, fino a quando non venne invitato dalla stessa tartaruga a visitare il palazzo del Re Dragone del mare. Urashima aveva sentito parlare del palazzo reale, ma nessuno lo aveva mai visto prima d’ora, per cui decise di seguire la tartaruga che lo portò sulla sua schiena direttamente alla meta.

Il palazzo era stupendo, lussuoso, Urashima Taro non aveva mai visto nulla di più bello in vita sua. Una volta raggiunto il palazzo, gli vennero incontro dei pesci che erano dei valletti reali e che condussero il pescatore impacciato all’interno della casa reale dove fu raggiunto da una bellissima principessa che gli diede il benvenuto nel regno del Mare.

La principessa si chiamava Otohime e non era altro che la tartaruga salvata il giorno prima. Il pescatore ne rimase affascinato e per ringraziamento la principessa gli chiese di diventare il suo sposo. La cerimonia si celebrò con grande entusiasmo di tutti gli abitanti del mare, la festa fu grande e regale e Urashima fu grato a tutti per essere stato trattato come un principe e per aver trovato felicità e gentilezza in quel regno lontano.

Un giorno, però, la malinconia riempì il cuore del ragazzo che aveva voglia di tornare nel suo paese natale per visitare i parenti e gli amici, la principessa non era d’accordo e avvertì Urashima che la sua scelta poteva essere pericolosa, poi, addolorata, rese al marinaio, come pegno d’amore, una scatola elegante chiusa con corda e fiocchi di seta e gli disse non aprirla per nessuna ragione al mondo; la scatola, infatti, conteneva qualcosa di prezioso, ma qualora il ragazzo l’avesse aperta, qualcosa di tremendo gli sarebbe accaduto.

Una tartaruga riportò il pescatore fino alla spiaggia da cui era partito, il ragazzo si diresse verso la sua casa, ma la vide cambiata, dentro abitava gente che non erano suoi parenti, iniziò a camminare confuso per il paese fino a quando apprese che dal giorno in cui era partito erano trascorsi trecento anni. Nel regno del mare, invece, erano passati solo pochi giorni che equivalevano a trecento anni terrestri.

Urashima, sconvolto e disorientato, si recò presso la spiaggia e, non avendo più nessuno, non sapendo nemmeno come tornare nel regno del mare, si ricordò di avere con sé la scatola, la guardò e, disperato, pensò di trovare la soluzione all’interno del dono della principessa, ma, quando sollevò il coperchio, da dentro la scatola uscì una nuvola che lo avvolse e la sua gioventù diventò presto vecchiaia. All’interno della scatola, infatti, erano conservati i suoi anni di vita e ora era il momento di lasciare per sempre il mondo.

La leggenda di Urashima Tarō è stata di ispirazione per l’anime “The Tunnel to Summer: the Exit of Goodbyes” e ci lascia riflettere sul valore del tempo e della vita, di come programmiamo le nostre giornate che possono sembrare brevi o infinite e di come riusciamo a percepire il mondo e la nostra stessa esistenza. Nel 1918 in Giappone venne girato un cortometraggio anime diretto da Seitaro Kitayama e ispirato al personaggio di Urashima Tarō. In Italia, purtroppo, il cortometraggio è inedito, mentre è possibile recuperare il corto del 2017 di Pauline Defachelles.

Grazia

Queenmaker (ovvero della teoria politica, ma declinata al femminile)

“La giustizia senza il potere è inutile, ma il potere senza giustizia è solo violenza”.

E’ un mondo di teilleur femminili e di spille appuntate sul bavero del cappotto, di completi maschili in giacca e cravatta e di pochette abbinate che escono dal taschino. E’ un mondo elegante, colto, che falsamente si preoccupa di democrazia, per gestirla a proprio piacere. E’ un mondo che aspira a raggiungere il potere, ma che parte al tempo stesso da esso, sbriciola e sciorina i dettagli della realtà alla luce e per conto di quel potere fondamentale per cui si diventa vincenti in politica, un mondo che si costruisce sugli ideali, ma che ha solide fondamenta reali. E, come ogni teoria politica che si rispetti, servono menti forti e machiavelliche, quelle eminenze grigie in grado di gestire alle spalle i propri campioni, ovvero in grado di far eleggere re e regine.

A questo mondo appartiene Hwang Do-hee (interpretata da una meravigliosa Kim Hee-ae di “The World of the Married” e “The Whirlwind“), un genio della comunicazione politica e della pianificazione strategica, capo dell’ufficio strategico della Eunsung Company, un conglomerato potentissimo che gestisce affari in tutto il paese e controlla numerosi politici nazionali. Conosciamo Do-hee già impegnata a “pulire” le malefatte della famiglia che controlla la Eunsung e a lottare contro un’insistente avvocata per i diritti umani, Oh Kyung-sook (interpretata da Moon So-ri), che ha fatto causa alla Eunsung per ingiusto licenziamento collettivo nei confronti di decine di lavoratrici donne e si è accampata con un sit-in sul tetto del loro centro commerciale. A Do-hee non importa da quale parte sia la giustizia e, pur stimando personalmente molto il lavoro di Kyung-sook, considera l’unico bene fondamentale solo preservare gli interessi del conglomerato per cui lavora, compreso la preparazione della campagna elettorale a sindaco di Seoul di Baek Jae-min (interpretato da Ryu Soo-young di “Bloodhounds“), genero della matriarca a capo della Eunsung, Son Young-sim (interpretata da Seo Yi-sook, vista anche in “Hotel Del Luna“, “Start Up” e “Do Do Sol Sol La La Sol“).

Solo che, ad un certo punto, qualcosa cambia nella vita di Do-hee, portandola a riflettere su se stessa e sulle conseguenze delle proprie azioni.

Una lavoratrice del suo ufficio, che ha lamentato di aver subito molestie sessuali da Baek Jae-min ed è stata richiamata e sospesa con l’accusa di essersi inventata tutto, si suicida, buttandosi dal tetto del palazzo. Mentre Do-hee si sente in colpa per non aver creduto alla ragazza e non aver compreso la sua angoscia, la Eunsung provvede immediatamente a “pulire” la vergogna del gesto, facendo passare la suicida per una ricattatrice con un oscuro passato compromettente e cercando di ottenere il massimo vantaggio dalla sua morte. Indagando sui fatti, però, Do-hee capisce che esiste una verità nelle parole della ragazza e che il conglomerato per cui ha lavorato a lungo, tacitando qualsiasi sua aspirazione futura e mandando a monte la sua vita privata, si è macchiato di tanti orribili crimini.

“ Lo distruggerò. Quel vostro mondo, costruito sul sangue e sulle ossa delle persone che avete seppellito. Renderò polvere davanti ai vostri occhi ogni cosa che amate”.

La vendetta di Do-hee è, in effetti, terribile, anche perché parte dalle sue competenze e dalle sue abilità prestate per tanto tempo alla Eunsung, conscia che è capace di creare monarchi, ma anche di affossare potenti. grazie alla sua intelligenza tattica e alle sue strategie. Ed è così che Do-hee si rivolge alla sua storica rivale, l’avvocata idealista che tanto aveva combattuto, Oh Kyung-sook, convincendola ad un patto di alleanza unico, che potrà vedere realizzata la sua vendetta personale, ma anche l’ansia di giustizia sociale e le aspirazioni per migliorare il futuro di Kyung-sook. Nella corsa a sindaco di Seoul di Baek Jae-min, contro i classici candidati supportati dai partiti, si inserisce ora una nuova regina, Oh Kyung-sook, una che sa come far saltare la scacchiera della politica.

“Come un leone che non si tira indietro davanti ai rumori molesti, come un vento che non può essere intrappolato da una rete, come un fiore di loto che non viene contaminato nemmeno dal fango. Supererò l’avidità e l’odio e continuerò il mio cammino senza timore, come il corno di un rinoceronte”.

Oh Kyung-sook è quel rinoceronte, forte e resistente, fermo nei suoi valori e nelle sue convinzioni, che Do-hee da tempo cercava e che concretizza effettivamente il suo sogno ideale: una politica empatica e di prossimità, che si avvicina agli altri, dialoga senza intransigenze e radicalismi, ma senza farsi prevaricare nei valori fondamentali, che sa distinguere potere e giustizia, tenendo lontano la bieca violenza e l’avidità. Il progetto iniziato come una mera vendetta e quasi un’esibizione di potenzialità diventa una riscoperta della politica nel senso più puro e ancestrale del termine, in quella dimensione che sta al servizio dei cittadini e del bene comune e che cerca di costruire una società più retta. Do-hee inizia per un piano determinato, ma va avanti perché viene coinvolta a livello personale, ma soprattutto a livello ideale.

Naturalmente, non solo la Eunsung non è un gigante facile da abbattere, sostenuto nella sua strategia da un genio della politica come Carl Yoon (Lee Geung-young, abituato a questi ruoli “scomodi” e deliranti, come in “Stranger“, “Vagabond” e altri) e anche dall’ex collaboratrice di Do-hee, Guk Ji-yeon, che si mette in gioco personalmente (Ok Ja-yeon, vista anche in “Gyeongseong Creature“), ma le vie delle politica sono infinite e molto più oscure di quanto non si possa immaginare, popolate da politici ben navigati e senza scrupoli, come la candidata Seo Min-jeong (Jin Kyung di “Avvocata Woo” e altri) o il leader del partito progressista Yang Sun-dong (Kim Byeong-ok di “Il suono del tuo cuore” e “Because This is My First Life“), simbolo della politica che usa il popolo per raggiungere il potere, e gestite da abili specialisti di strategia come l’ex marito di Do-hee, Ma Joon-seok (Kim Tae-hoon, visto in numerosi drama, tra cui “Navillera“, “Chicken Nugget” e “My Dearest“). Ma Do-hee, per quanto aspiri al bene e alla giustizia, non è esente da colpi di scena plateali e scenici, inversioni di rotta, ridefinizioni politiche e vere e proprie tattiche belliche, utilizzando una classica strategia machiavellica, con il discrimine che, se non è necessario che il machiavellico creda nella bontà dei propri fini, ma solo nella loro realizzazione, Do-hee ha investito tutti i suoi mezzi sulla certezza di un futuro migliore.

Si parla poco di “Queenmaker” (퀸메이커) ed è un peccato perché, personalmente, l’ho ritenuta una delle serie politiche più belle degli ultimi anni, che (finalmente!) si allontana dagli oscuri disegni in stile “House of Cards“, ipotecando sul fatto che un futuro migliore è possibile e che esistono anche donne e uomini capaci di fare la differenza, retti e onesti, con ideali incontaminati. Perché, purtroppo, la politica è talmente bistrattata e demonizzata da una certa antologia di film e serie tv americane, da risultare falsa, fittizia e avida, mostrando quell’aspetto di puro odio sociale, che tende ad allontanare popolo e istituzioni.

Che la politica nasconda insidie è indubbio e, del resto, come ogni cosa umana, vive della sua imperfezione. Che, però, tutta la politica debba essere ritratta come qualcosa di oscuro e di malvagio è un concetto che dovremmo tentare di allontanare e/o, perlomeno, di ribaltare, tornando a valorizzare quella che dovrebbe essere la vera politica aristotelica, ovvero la “politèia“, il governo del popolo, in cui ognuno ha la possibilità e la capacità di perseguire il raggiungimento della virtù. Ché, poi, la maggiore virtù umana risiede proprio nella “giustizia”  perché, sempre secondo le parole di Aristotele nell’Etica Nicomachea, “chi la possiede è in grado di usare la virtù anche verso gli altri e non soltanto verso se stesso“.

Laura

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The Rational Life – Storia di una donna moderna

Ogni sera Shen Ruo Xin (Qin Lan, “Story of Yanxi Palace”) torna a casa, si affaccia dalla sua finestra dove le luci di Shangai riflettono la stanchezza di una giornata piena di lavoro, di corse e di fatiche, ma la giovane abbandona il suo sguardo al cielo e non alla terra, alla quale ha già affidato il tempo della sua giornata, vivendo tutti i giorni con stress ogni minuto della sua esistenza. Tutto il tepore che serve a scaldare il suo cuore è immerso nelle stelle che osserva a telescopio, quelle stesse stelle che raccoglie nelle foto astronomiche che colleziona da sempre e che coprono le pareti del suo salotto, perché il riposo di Ruo Xin è una sala planetario dove abbandonare lo stress e il peso di una vita dove indossa la maschera di donna in carriera, razionale e capace di affrontare e risolvere ogni tipologia di problemi e difficoltà lavorative.

Ruo Xin lavora nell’ufficio legale di una grande multinazionale, ma il suo sogno sarebbe stato quello di laurearsi in astronomia, per questo motivo ritaglia quel piccolo spazio serale tutto per sè dove poter nutrire il suo desiderio di evadere dalla solita routine di tutti i giorni. Ruo Xin ha trentacinque anni, è stata appena lasciata dal fidanzato che non provava grande affetto per lei e, da quando è stata lasciata, la sua vita a lavoro è diventata più difficile, perché per una donna gli ostacoli sono sempre interminabili e vanno dal campo lavorativo a quello personale, al doversi scusare o dover motivare ogni azione, come quella di scegliere di attendere di sposarsi che ha da sempre causato malumore nel rapporto con sua madre che la vorrebbe vedere sistemata con accanto un marito. Guadagnarsi da vivere da sola e portare avanti con orgoglio la propria intelligenza è una scelta che spesso si ripercuote nella serenità d’animo di una donna e Ruo Xin lo vede ogni giorno, non potendo far trasparire neanche il proprio dolore, ma dando agli altri la visione di una persona intransigente e fiera.

Quando nella vita di Ruo Xin entra per caso il giovane assistente Qi Xiao (Dylan Wang, “Love Between Fairy and Devil”) qualcosa cambia, forse quella spalla, quel supporto necessario per affrontare un momento e una situazione molto critica nell’ambiente lavorativo dovuta ad un complotto interno per bloccare la sua carriera e costringerla alle dimissioni. Superata in qualche modo la crisi, la ragazza viene, però, trasferita al dipartimento amministrativo quasi per punizione, Ruo Xin, con orgoglio e senso di responsabilità, accetta il trasferimento, anche se a malincuore, e, con suo stupore, si trova accanto ancora una volta Qi Xiao che, in qualità di suo assistente, si fa trasferire nello stesso reparto.

Nel nuovo reparto si presenteranno altre difficoltà compreso la responsabile del settore dello stesso livello lavorativo di Ruo Xin che, a causa della grande invidia che prova per la ragazza, le renderà la vita difficile anche sottoponendola a dei lavori più umili come piegare le brochure, imbustare o far allestire il salone per il meeting, nessuna solidarietà femminile, anzi, è anche questo uno degli aspetti più realistici del drama.

Un giorno, dalla filiale di Pechino, arriva in azienda Xu Ming Jie (Calvin Li), nuovo responsabile che porta con sé delle novità aziendali per attuare delle modifiche importanti nel campo lavorativo. Xu Ming Jie, immediatamente, riconosce le capacità e il potenziale di Ruo Xin, provando per lei stima e anche un sentimento di affetto.

E’ importante nella storia di questo drama riconoscere la vera tematica di fondo che è quella femminile, il ruolo della donna nel luogo di lavoro, nella vita sociale, in quella di tutti i giorni e nella vita domestica, in questo caso come la donna possa dedicare del tempo a se stessa, ai propri interessi, alle attività che più la possano rilassare, come nel caso della protagonista, l’amore per l’astronomia.

Ruo Xin è una donna moderna che affronta ogni giorno le difficoltà che la società le pone davanti, la sua battaglia per emergere, rispettando se stessa e la propria intelligenza, la rende libera, ma non per questo la sua vita è facile, anzi, spesso è agitata da correnti che la rimbalzano e dalle quali deve riuscire a sopravvivere. In una delle conversazioni più significative che Ruo Xin ha con la sua migliore amica, la ragazza rivela che metaforicamente la loro esistenza è come quella delle anatre che nuotano: alcune persone vedono solo la superficie dell’acqua, l’apparente tranquillità, ma nessuno sa cosa succede sott’acqua, come i loro piedi disperatamente faticano a remare.

Non importa, però, la difficoltà, perché Ruo Xin, insieme ad altre donne protagoniste e secondarie del drama, rispecchiano la resistenza, la tenacia, la costanza e la forza femminile di andare avanti, nonostante tutto. L’amica di Ruo Xin che incastrata in un matrimonio dove l’apparente felicità di coppia è osteggiata dalla continua insistenza da parte della famiglia del marito ad avere presto un figlio, come se la maternità dovesse essere qualcosa di imposto. Una delle assistenti di Ruo Xin che, avendo iniziato a lavorare come stage presso l’azienda, trova nel suo fidanzato un atteggiamento di imbarazzo perché si sente in inferiorità per non aver trovato un lavoro in contemporanea a lei, anche questo caso mi ha fatto riflettere molto, perché la ragazza fatica a far accettare il suo successo lavorativo in un ordine di pensiero per cui non deve essere per forza l’uomo a trovare per prima il lavoro.

La madre di Ruo Xin che è rimasta sola a crescere la figlia, a dedicarsi a lei e alla sua istruzione, così come la madre di Qi Xiao che da sola si è caricata del peso di una famiglia, a tutte queste donne è dedicato un pensiero speciale nella storia di questo drama.

Infine, la figura di Qi Xiao che personalmente ho apprezzato per il suo modo entusiastico di percepire la vita, di dedicarsi al suo tempo libero, alla sua passione di creare gioielli e alla speranza di aprire un giorno un’attività tutta sua. Qi Xiao non si arrende mai nella storia, neanche per la differenza d’età con Ruo Xin che all’inizio limita molto la protagonista, ma che la vicinanza del giovane assistente le regalerà un vento nuovo di fiducia e di entusiasmo. Con la compagnia di Qi Xiao, infatti, Ruo Xin si rende conto che l’amore non è uno scambio di debiti e di doveri, ma la scelta di vivere e di appoggiare vicendevolmente i sogni dell’altro.

“The Rational Life” è un drama dalla fotografia sofisticata ed elegante, dalle recitazioni coinvolgenti e ha la capacità di descrivere uno spaccato di vita moderna dal punto di vista femminile che potrebbe avvicinarsi a quella di ognuno di noi, ma per questo vi auguro anche di trovare nella vostra vita la compagnia di una persona come Qi Xiao!

Grazia

Come suona la recensione?

The Tunnel to Summer, The Exit of Goodbyes

“Anche un mondo incolore non è male”.

Esistono quelle piccole storie che da sempre ci fanno ripensare, nei giorni seguenti la visione, ai momenti più significativi, e anche questa volta abbiamo avuto la percezione di essere entrate in un vortice di emozioni che un anime formativo ci ha lasciato.

“The Tunnel to Summer, The Exit of Goodbyes”( 夏へのトンネル、さよならの出口 – Natsu e no Tonneru, Sayonara no Deguchi) appartiene a quegli anime dove ci si affeziona immediatamente ai personaggi principali con i quali si entra da subito in sintonia e si vive con loro tutta la storia.

L’anime prende ispirazione dall’omonimo manga del 2020 che a sua volta è tratto dalla light novel omonima di Mei Hachimoku.

Cosa ci ha attratto maggiormente di questa storia ricca di significati e dai tratti delicati? Scopritelo nella nostra intervista doppia.

=TRAMA=

Secondo una antica leggenda il tunnel di Urashima permette a chi lo attraversa di ritrovare ciò che è stato perso o di esaudire un desiderio, ma all’interno del tunnel il tempo passa molto più lentamente rispetto al mondo fuori. Kaoru Tono è uno studente del liceo di una piccola cittadina rurale in Giappone dove ogni giorno torna a casa sulla linea ferroviaria Oosara- Sugimori, famosa per avere sempre dei ritardi causati da qualche incidente con cervi di montagna. Un giorno piovoso, Kaoru incontra Anzu Hanashito alla stazione del treno, cerca di darle il suo ombrello vedendo che la ragazza è bagnata e non riesce a  ripararsi in nessun modo, Anzu accetta l’ombrello e i due si scambiano i numeri di telefono.

Il giorno successivo nella classe di Kaoru viene presentata una nuova compagna di classe che si rivela essere proprio Anzu, trasferitasi da Tokyo.

Anzu è una ragazza schiva, appassionata di manga, non fa altro che leggere vecchie edizioni, ma non condivide mai con gli altri le sue emozioni e passioni. Una sera, dopo aver litigato con il padre ubriaco, Kaoru scappa di casa, vicino alla stazione cade da un dirupo e si ritrova davanti a un tunnel che sembra magico a vedere le luci che riflette. Un po’ incuriosito, ma anche dubbioso, vi entra, percorre qualche tratto e poi esce, solo che mentre per lui sono passati pochi minuti all’interno del tunnel, per il mondo è passata una settimana, per cui Kaoru è scomparso da una settimana.  Il giorno seguente si reca nuovamente presso il tunnel, ma qui viene seguito da Anzu che lo scopre e decide di dargli una mano, prima per capire come passa il tempo all’interno del tunnel e con quale cadenza e, poi, pian piano, tra i due ragazzi inizia un rapporto di complicità che li porta a scambiarsi consigli e a raccontarsi le proprie vite. Kaoru, dopo aver scoperto il tunnel, ha deciso che lo percorrerà fino a ritrovare e a riportare indietro la sua sorellina Karen, morta in un incidente qualche anno prima. Kaoru si sente responsabile e in colpa per la morte della sorella, perché prima dell’incidente avevano litigato per ragioni banali. Anzu, invece, vuole percorrere il tunnel per trovare quel talento che le manca e che vorrebbe far vedere al mondo, quel talento che la collega al suo amato nonno, disegnatore di manga. Anche Anzu vorrebbe diventare una disegnatrice, farsi conoscere e portare alla luce anche i lavori del nonno spesso ignorato proprio dalla sua stessa famiglia.

Riusciranno i due ragazzi a percorrere il tunnel e ritrovare quello che cercano?

=CHE SENSAZIONE TI HA TRASMESSO QUESTO FILM?=

GRAZIA: Si tratta di un film anime che, abbracciando il genere scifi romance, lo avvicina al filone delle narrazioni di Makoto Shinkai e per prima cosa ho apprezzato molto questa caratteristica. In secondo luogo, una delle particolarità della storia sono proprio i due protagonisti, due ragazzi che si sentono incompleti nella loro stessa vita, nelle loro esistenze. Kaoru si sente svuotato dopo la morte della sorella, la separazione dei suoi genitori e l’eterno clima di fragilità che si ripercuote giorno dopo giorno nella propria vita, Kaoru vorrebbe perdersi in quel tunnel, vorrebbe ritrovare la sua amata sorella e vivere nascosto dal mondo perché tutto il suo affetto è lì. Anzu, invece, vive il suo clima di abbandono e di fragilità perché, dopo la morte del nonno, i genitori, che nei suoi confronti sembrano quasi anaffettivi, l’hanno lasciata sola ad affrontare le difficoltà di ogni giorno. Anzu crede di somigliare al nonno e si prepara per riuscire anche lei a ritrovare ciò che ha smarrito o che forse non ha mai avuto, il talento, affinché suo nonno e chiunque tenga a lei possa apprezzarla per le sue capacità, perché per volersi bene si cerca costantemente anche la fiducia degli altri.

LAURA: Lento, malinconico viaggio nella notte del tempo, dove il tempo è il nostro inconscio e il futuro consiste nel passato dei ricordi, nella loro riesumazione, nella loro rivitalizzazione in speranze per il futuro. Ecco come mi sono sentita al termine della visione e come sono uscita dalla sala del cinema. Concordo con il fatto che Makoto Shinkai abbia fatto scuola, legando finemente una storia romance e una trama fondamentalmente sci-fi (o, perlomeno, con elementi e innesti fantastici e fantascientifici) con l’evoluzione e la formazione anche psicologica dei personaggi, un vero e proprio romanzo incentrato sui singoli protagonisti, su ciò che desidera e su ciò che vogliono diventare, dove la fantascienza è solo un pretesto per farli “scoprire” e narrare i loro animi, costruendo quei legami che sono unici e indistruttibili. Anzu e Kaoru mi sono sembrati Mitsuha e Taki (protagonisti di Your Name) o Suzume e Souta (protagonisti del film Suzume). Si esce sempre un po’ sospesi nel vuoto, camminando sul filo dell’acqua dove si riflettono le foglie rosse autunnali, nonostante il clima immoto di un’estate piovosa.

=L’ELEMENTO O L’EMOZIONE RICORRENTE NEL FILM?=

GRAZIA: Sicuramente ciò che ricorre spesso nell’anime è il tentativo di superare il lutto che è quello che Kaoru vorrebbe fare, entrando nel tunnel, perché in realtà è un’anima sensibile che non si è mai ripresa dalla scomparsa della sorella, fonte di gioia e voglia di vita, il suo netto contrario che invece vive la vita chiuso in casa a crogiolarsi nella sua malinconia con addosso le immancabili cuffie. La tematica del lutto e del superamento del dolore è molto importante e serve a capire anche l’altra protagonista, Anzu che vive l’angoscia di Kaoru e cerca di proteggerlo facendosi coinvolgere nell’avventura del tunnel. Anzu è una ragazza che teme di non riuscire perché è sempre stata interrotta in ogni occasione che poteva essere quella sua, quella importante.

GRAZIA: Elementi significativi, le luci nel tunnel, l’uso della tecnologia solo come supporto, i messaggi e le mail scambiate dai due protagonisti per valutare lo scorrere del tempo dentro e fuori il tunnel ed infine la vegetazione e i luoghi attorno al tunnel che cercano di offrire la prima separazione tra il mondo terreno e quello soprannaturale, tra il mondo emotivo e introspettivo dei due protagonisti e quello reale.

LAURA: Il film è come una fiaba, perché elementi tipici fiabeschi o, meglio ancora, onirici, appartenenti alla dimensione inconscia sono inseriti all’interno della storia di formazione dei due protagonisti. Il tunnel, con il suo buio e la progressione continua, senza uscite, è chiaramente simbolo del perdersi all’interno di se stessi, in una dimensione dove il tempo non esiste o è quasi sospeso, scorrendo con una velocità diversa rispetto al mondo “di fuori”, quello esterno al tunnel. Mentre fuori il tempo corre senza pietà, nel tunnel trascorrono solo una manciata di secondi: è quel tempo che ci sembra sempre insufficiente per maturare i nostri ricordi e superare i nostri dolori, infinitesimale, mentre il mondo divora attimi come se fossero anni, senza dare modo di chiudersi in se stessi e nel silenzio.

LAURA: Si comunica in questo tunnel con messaggi, mail e rare telefonate (perché l’immediatezza della voce non è pari alla riflessione della corrispondenza epistolare), perché la comunicazione verbale e non si riflette nei sentimenti e nelle emozioni e riesce a trascendere sempre gli eventi e il tempo stesso (espediente utilizzato anche in Steins; Gate e mi è piaciuto particolarmente).

=FORMAZIONE, MAGIA O RICORDO?=

GRAZIA: Tutte e tre le caratteristiche sono fondamentali e arricchiscono molto la storia. “The Tunnel to Summer, the Exit of Goodbyes” è principalmente un racconto di formazione, un “coming of age” che si avvale dell’uso della magia per introdurre il valore del ricordo (il tempo passato) e la costruzione del ricordo (il tempo che sta passando e quello che passerà). I due ragazzi sanno di essere diversi dagli altri, è come se il loro mondo fosse incolore e percepito solo da se stessi, poi capiscono di comprendersi l’un l’altra e da qui il valore accresce, perché, insieme al ricordo, si rendono conto di essere cari ad un’altra persona, di non essere soli e accettano la propria unicità e si supportano. Meravigliose le scene dell’ombrello e del girasole.

LAURA: Credo che i tre siano indissolubilmente legati in questa storia, senza che uno possa fare a meno dell’altro. Come più volte evidenziato, si tratta anzitutto di un romanzo di formazione per entrambi i protagonisti che vivono nel ricordo di ciò che sarebbe potuto accadere (la non morte della sorella per Kaoru, che lo avrebbe portato ad una vita differente, e il successo anche tardivo del nonno fumettista per Anzu, che l’avrebbe supportata a credere nel proprio sogno e a convincere la propria famiglia). E, infine, la magia, che non è altro che il modo personale di percepire la realtà, filtrandola nel ricordo, unire le imposizioni del mondo adulto incolore a quel mondo proprio, unicamente colorato e custodito nelle proprie emozioni.

P.S. La leggenda del tunnel di Urashima è ispirata ad una fiaba popolare. Urashima Taro era il protagonista di una fiaba giapponese che in una versione moderna era un pescatore ricompensato per aver salvato una tartaruga e averla portata al Palazzo del Drago. Al Palazzo trascorse del tempo in compagnia della principessa Otohime, ma quelli che credeva fossero pochi giorni in realtà erano molti di più e quando tornò nel suo villaggio natale scoprì che era scomparso da almeno 100 anni.

Grazia & Laura

Come suona la recensione?

Honjok – L’arte di vivere da soli con se stessi

“Essere single non è un gioco di attesa, ma è uno stile di vita“: così recita la frase di presentazione del film “Single in Seoul“, presente in tutte le locandine internazionali, e quasi potrebbe trarre in inganno con quella che può sembrare la solita trattazione brillante e comica della vita da scapoli refrattari alla coppia e portati unicamente al godimento dei sensi di tante pellicole americane. Nulla di più sbagliato, visto che a correggere interviene già quel titolo scritto in hangul, ma letto in inglese, che campeggia in grande sopra l’immagine dei protagonisti e fa confondere la mente. “싱글 인 서울” non è una traduzione coreana, ma è letteralmente la trasposizione, con i caratteri dell’alfabeto coreano, del corrispondente inglese “Single in Seoul”, traslitterato pari pari, senza rispetto della grammatica coreana. Se non fosse che quel carattere lì nel mezzo, cerchiato dalla grafica della locandina, è 인, che leggiamo come “in” e che sembra introdurre il complemento di stato in luogo, non è altro che la trasposizione in hangul dell’hanja 人, che indica la persona nella sua unità singola e nella sua unicità e interezza, nel proprio intimo di essere se stessi. La persona come monade, come complementarietà di corpo e anima, come individuo.

Quella persona che si staglia da sola nel centro rende l’idea dello stile di vita da single annunciato, ovvero di saper vivere da soli, o, meglio, in solitaria, facendo silenzio attorno e richiamando se stessi in mezzo all’affollato rumore del mondo, un’accortezza riflessiva che in Corea del Sud esiste da tempo e che è diventato quello stile di vita dell’Honjok (혼족), ovvero la consapevolezza di stare da soli, di fare attività da soli e di ricaricarsi riscoprendo se stessi.

Secondo le statistiche, questo movimento silenzioso è andato per la maggiore a partire dal 2010, ma ha trovato grande respiro e affermazione nel periodo post-COVID, coinvolgendo soprattutto la generazione dei Millennials e degli Z, ma anche di molte frange della X, rileggendo il mondo e il tempo libero in chiave introversa e solitaria, ma più concentrata sulla propria salute mentale. 혼족 indica una “tribù di un solo componente”, per cui vuol dire “fare attività volontariamente da soli”, con consapevolezza, lucidità e autodeterminazione e si pone in contrasto con la società “di gruppo”, formata sull’affermazione della validità della regola “dei più” e dell’autorità di una sociologia tribale.

Spesso, infatti, la società tende a condannare chi è solo, quasi a demonizzare i comportamenti degli individui che non sono legati in coppia e/o che non si riconoscono in gruppi specifici e determinati, relegandoli ad una forma esasperata di narcisismo egoista o, addirittura, ad una colpa data dal cattivo carattere e dalla mal sopportazione. E ciò rischia di costringere le persone ad entrare mutamente in branchi, perdendo se stessi e la propria unicità, per, poi, precipitare completamente quando ci si ritrova negati dalla società.

L’honjok contesta questo tribalismo e sostituisce il comportamento di gruppo a quello dell’individualità, non per escludersi dalla società (coloro che seguono la filosofia honjok non sono degli hikikomori), ma per comprenderla meglio senza farsi cannibalizzare. L’honjok vive perfettamente in società, dialoga, sa interagire con colleghi, amici e conoscenti, può anche legarsi in una relazione, ma antepone se stesso e la propria salute alle imposizioni esterne. Nasce single, non perché attende l’anima gemella, ma perché sa che la prima anima che deve amare appartiene a sé e, come tale, impara a darsi un appuntamento con se stessa/o.

Per quale motivo molte attività vengono precluse se non si è in coppia o in gruppo?

Ad esempio, spesso si esce di casa per andare a mangiare fuori, perché il pranzo o la cena implicano un incontro con altri. L’honjok è anche honbap (혼밥), ovvero la bellezza di scoprire che si può uscire di casa per andare a mangiare da soli, come se si avesse un impegno per pranzo/cena. Ed è così che i giovani coreani escono e vanno a mangiare da soli nei convenience store (a qualsiasi ora, anche di notte, credetemi), nelle caffetterie e nei bar (spesso con l’immancabile smartphone davanti agli occhi per non incrociare nessuno con lo sguardo o, ancora meglio, con un buon libro per rimanere in silenzio con se stessi), nei fastfood (meta generica di famiglie e di comitive chiassose) o anche nei ristoranti e nei grill (livello di honjok piuttosto alto).

Oppure è normale pensare che si esca di casa per andare a bere con amici, ma l’honjok è anche honsul (혼술), ovvero la bellezza di bere da soli, con tanto di sbornia in solitaria (come vediamo spesso nei drama), o ancora è difficile pensare di uscire per andare al cinema o al karaoke o in un locale a divertirsi senza qualcuno al fianco, ma l’honjok è anche honnol (혼놀), cioè la capacità di divertirsi da soli, magari cantando in un coin-nurebang (i karaoke coreani a gettone) per un tempo predeterminato.

Stare bene con noi stessi vuol dire imparare a conoscerci e ci si conosce col tempo, piano piano, frequentandoci nel nostro tempo libero, senza la restrizione di sentirsi limitati a cosa dire o non dire in società. Conoscersi, allietarsi e calmarsi: rivendicare il diritto di stare da soli, comprendendo la solitudine e accogliendola, quasi analizzandola in ogni suo piccolo aspetto per capirla e per lasciarsi cullare da essa. Nessuno ama la solitudine, ma chi entra in sintonia con essa ha una marcia in più, perché la pratica e non si fa intimorire, la frequenta a tratti e sa quando cercarla e quando allontanarla.

Il fenomeno honjok è stato indagato e messo su carta dalla giornalista italiana Silvia Lazzaris e dall’autrice sudcoreana Jade Jeongso An nel saggio “HONJOK: Il metodo coreano per vivere felici con se stessi” (edito da Vivida), una di quelle lettura che bisognerebbe sempre tenere in libreria e tornarci di volta in volta per scoprire noi stessi e praticare la solitudine senza timore. Perché saper stare da soli ci libera dai ruoli imposti dalla società e ci rende più consapevoli di riuscire ad affrontarla, a viverci senza farci inglobare e senza farci spersonalizzare, un diritto al tempo libero da vivere da sé.

E, voi, avete mai provato ad uscire di casa, andare a mangiare da soli, organizzarvi una serata al cinema e, magari, programmare un viaggio in solitaria da soli con voi stessi? Posso garantire che è un’esperienza unica, ci si sente più forti e più carichi. Più se stessi, insomma.

Laura