In ricordo di Hiroshima e Nagasaki

6 agosto 1945, ore 8:15, Hiroshima

9 agosto 1945, ore 11:02, Nagasaki

L’esplosione della bomba atomica di Hiroshima fu registrata alle 8.15 della mattina del 6 agosto 1945. In un orologio da polso ritrovato tra le rovine della città, la lancetta dei minuti fu bruciata dall’esplosione, lasciando un’ombra sul quadrante che la fa sembrare la lancetta delle ore.

Tre giorni dopo (9 Agosto 1945), alle 11.02, una seconda bomba fu sganciata su Nagasaki. Si contarono più di 220.000 morti e. 150.000 feriti a causa delle due.

Alla fine del 1945, ulteriori migliaia di persone morirono per via della malattia acuta causata dalle radiazioni ionizzanti.

Ad Hiroshima il Parco del Memoriale della Pace ricorda l’evento del 1945. Nel parco si trovano le rovine del Genbaku Dome, uno dei pochi edifici rimasti in piedi vicino all’epicentro. A Nagasaki, invece, il Parco della Pace ricorda la tragedia del 9 agosto insieme al Museo della bomba atomica e al Peace Memorial Hall.

Takashi Paolo Nagai, medico e scrittore giapponese sopravvisse al bombardamento atomico di Nagasaki, di cui abbiamo parlato anche nell’articolo dedicato al libro “Le campane di Nagasaki“. La sua vita di preghiera e la diffusione dei suoi scritti che portarono speranza e messaggio di pace gli hanno fatto ottenere il soprannome “Il Santo di Urakami”.

Le parole degli scritti di Nagai restano come memoria, quella che deve sempre restare accesa nei cuori dell’umanità, ma sono anche quelle parole lasciate alle generazioni future, il coraggio, la speranza, la vita:

“La cenere brillava al sole, bianca e senza volto. (…) Si strofinò gli occhi insonni più e più volte, chiedendosi se la città che c’era fino a ieri fosse stata solo un sogno o se piuttosto il sogno fosse la landa deserta che gli si parava dinanzi agli occhi quella mattina (…)

Non poteva sopportare una vita senza senso! Doveva trovare ciò che non perisce. Doveva aggrapparsi a ciò che non muore mai. Il tempo passa, lo spazio svanisce, gli esseri viventi muoiono, ma noi dobbiamo vivere la vita in modo che rimanga ciò che non perisce, ciò che non muore.”

(Takashi Paolo Nagai, “Ciò che non muore mai”).

Vogliamo ricordare questa triste pagina di Storia, perché gli esseri umani non devono dimenticare gli errori, non possono nascondere gli orrori passati, ma il loro compito è quello di far in modo che non si ripetano più. Dalla distruzione, dalla devastazione e dalla morte nasce la vita, la consapevolezza dell’esistenza e la possibilità di un futuro diverso.

Come nei versi di una poesia di Kurihara Sadako: “Il futuro inizia da qui” e il “qui” sono Hiroshima e Nagasaki.

Grazia

Yeolnyeo, ovvero le virtuose vedove Joseon

“Un suddito leale non serve mai due re e una moglie virtuosa non serve mai due mariti”.

C’è un antico detto, derivante dalla cultura confuciana, che è stato acquisito in pieno dalla società coreana a partire dal XV secolo ed è diventato una linea guida per gestire e limitare la vita femminile, contribuendo alla costruzione di un sistema tipicamente patriarcale, basato sulla figura maschile più anziana come depositaria della saggezza e del potere di tutta la famiglia, a cui tutti dovevano prestare obbedienza, lealtà e amore filiale (uno dei valori più elevati per rispettare l’armonia sociale confuciana, in quanto specchio del rapporto tra sudditi e istituzioni, monarca compreso). Il maschio più anziano era anche l’unico in grado di gestire l’autorità e anche di esprimersi sulle condizioni di vita dei componenti della famiglia, perché detentore dell’hoju or hojuje (호주 or 호주제), il cosiddetto registro familiare, di fatto un libro in cui erano inseriti tutti i nomi e i comportamenti di tutti i membri della famiglia, compreso le eventuali condanne comminate dal padre.

Durante la visione di “Knight Flower” mi ha particolarmente impressionato il fatto che la società Joseon considerasse la condizione della vedovanza come una macchia, quasi un oltraggio peccaminoso che la donna, perso il marito, commetteva nei confronti dell’armonia sociale e come, pertanto, la sua intera esistenza dovesse essere votata ad espiare le proprie “colpe” (inesistenti, visto che non era stata causa della morte del marito), sono rimasta impressionata dalla quantità di regole a cui una donna virtuosa doveva sottostare, che aumentavano a dismisura nei confronti della vedova che voleva essere considerata virtuosa.

Tuttavia, il drama non ha affatto esagerato sulle condizioni della vita femminile (e delle vedove, in particolare), visto che tali comportamenti erano codificati dalle leggi di Joseon, che ne stabilivano anche le eventuali sanzioni in caso di violazione. La revisione normativa del 1485 portò il consiglio del re a codificare ed approvare il Gyeongguk Daejeon (경국대전), un codice che comprendeva tutte le normative di Goryeo ancora valide e le norme di Joseon approvate e che stabiliva i comportamenti e i costumi da seguire per il suddito virtuoso e, di riflesso, quali fossero le violazioni che andavano punite perché crimini contro la struttura stessa dello stato. Tale corpus di leggi, interpretando antichi costumi e ammonizioni dottrinarie, comprese anche il divieto per le vedove di risposarsi, specificando quali punizioni dovessero esse subire in caso di violazione, che includevano la pena di morte per le vedove ree di un nuovo matrimonio, ma anche il divieto per figli, nipoti e familiari di ricoprire qualsiasi incarico pubblico e di sostenere l’esame a funzionario di Stato, oltre che di prendere servizio nell’esercito per la vecchia credenza che le colpe di un componente della famiglia dovessero ricadere su tutti.

La legge non si limitava solo a stabilire un divieto simile, ma rinviava anche ad un codice comportamentale da seguire per poter incarnare il ruolo di Yeolnyeo (열녀), donna virtuosa, che diventava ancora più oneroso per donne coniugate, in quanto qualsiasi comportamento avrebbe avuto un riflesso sulla vita politica e pubblica del coniuge, e per le donne vedove, in quanto qualsiasi violazione avrebbe costituito una frattura nell’ordine statale. La virtuosità era valutata, anzitutto, sulla base della castità e della fedeltà al marito, per cui arrivava a livelli di purezza unica se una donna, rimasta vedova, decideva di suicidarsi o di lasciarsi morire di fame per seguire il marito nella tomba (talvolta, per un ordine o una macchinazione vera e propria della famiglia come si vede nel “The Park’s Marriage Contract“). E, naturalmente, prevedeva il divieto assoluto di non sposarsi e di avere figli, divieto che era possibile superare solo in caso di nozze riparatrici per rapimento della vedova (rapimenti che, col tempo, furono gestiti dalle vedove stesse per by-passare la legge, come si può vedere nel drama “Bossam: Steal the Fate“).

La virtuosità era determinata anche da tanti altri piccoli atteggiamenti che la donna era tenuta a seguire, come: l’uso di determinati colori nell’abbigliamento, se coniugata, del bianco come lutto, se vedova, la copertura del capo, se fuori dalle mura domestiche, di una parte del viso, se vedova, i passi cadenzati senza sporcare l’orlo delle vesti, indice di purezza e di eleganza, la voce bassa e gli occhi umili, la bravura nelle arti, il costante digiuno e la privazione di cibo e bevande superflue (perché, secondo un’antica credenza, la donna può vivere anche senza acqua), le movenze impercettibili e le preghiere continue a qualsiasi ora, la pietà nell’aiutare i più poveri e i più umili, oltre all’isolamento e alla solitudine, una condizione in cui la vedova finiva per abituarsi, vivendo quasi in eremitaggio.

Come esistevano sanzioni, esisteva anche una premiazione per le vedove più virtuose, che erano riuscite a vivere in modo impeccabile la propria vedovanza: il cosiddetto “portale della castità”, elargito di solito dalla regina madre (o, in mancanza, dalla regina consorte). Così come nel drama “Knight Flower”, la questione del portale della castità è al centro anche di uno dei più famosi film storici sudcoreani degli anni ’60, intitolato “The Memorial Gate for Virtuous Women” o “Bound by Chastity Rules“, diritto da Shin Sang-ok e interpretato dalla divina attrice Choi Eun-hee, la coppia d’oro del cinema coreano, che fu al centro di un affaire molto particolare con la Corea del Nord (e di cui parleremo un’altra volta). Il film è stato ritenuto una delle opere migliori del cinema sudcoreano a tema storico e presentato, a suo tempo, al Festival di Cannes e al Berlinale.

Il codice normativo Joseon che imponeva la segregazione delle vedove perse efficacia alla fine del XIX secolo, quando venne riformato e sostituito dalle cosiddette riforme Kabo, ispirate dalla contemporanea modernizzazione e liberalizzazione giapponese con le riforme Meiji. Con la nuova normativa, decadde qualsiasi imposizione per le vedove, compreso le sanzioni in caso di nuovo matrimonio, e soprattutto si aprirono nuove prospettive per la partecipazione in società. Sull’onda di una nuova fiducia e della richiesta di un trattamento giuridico che potesse essere eguale a quello delle donne occidentali, le vedove dei ricchi nobili yangban (la classe più elevata di Joseon, comprensiva dei funzionari di Stati e dell’esercito), che erano riuscite a liberarsi dall’isolamento confuciano, fondarono nel 1898 la Chanyang-hoe [찬양회], letteralmente l’associazione per la gloria e l’incoraggiamento delle donne, storicamente ricordata come la prima organizzazione femminista in Corea, alla genesi delle riforme e delle richieste di diritti per le donne.

Una lunga strada – dai divieti comportamentali alla parità tra donne e uomini – di cui credo sarebbe stata fiera anche l’eroina di “Knight Flower“.

Laura

Knight Flower – Il fiore del cavaliere (ovvero di un’eroina mascherata e di un’antica spada)

“A dispetto di tutti quei giorni miserabili, hai sempre bisogno di trovare un modo per salvare te stessa”.

Premessa necessaria: quando ho iniziato a vedere questo k-drama, mi aspettavo la classica storia di un sageuk, poetica, soave, con una cornice storica verosimile, costumi bellissimi, due amanti divisi che cercano di ritrovarsi, intrighi a palazzo e un re fittizio che comanda su tutto e su tutti. Insomma, nulla di più e nulla di meno alle trame che un fruitore di k-drama in costume non sia già stato abituato a vedere, tant’è che mi chiedevo il motivo dell’exploit di questa serie in patria, con share altissimi, consensi unanimi di pubblico e critica, pioggia di premi (compreso il Baeksang come migliore attrice protagonista di un drama televisivo). Il mio dubbio è durato solo pochi minuti durante la visione o, forse, anche pochi secondi, visto che, appena sono iniziate le prime immagini, con quell’ombra mascherata che corre sui tetti e la musica coinvolgente ed eroica, mi sono trovata immediatamente catapultata in epoca Joseon, pronta a tifare per un’eroina di cui non sapevo di aver bisogno, ma che ho amato dal primo all’ultimo minuto di questo drama, come ero solita amare alcuni personaggi di fumetti e di cartoni animati da piccola. Perché l’eroina mascherata di “Knight Flower – Il fiore del cavaliere” (밤에 피는 꽃) ha la forza e la determinazione di Lady Oscar, la compassione e la moderazione della Stella della Senna e l’ironia sferzante di Zorro. Insomma, è un cocktail esplosivo che non è possibile maneggiare con cura, perché prende in mano le redini del programma e riesce a trasportare lo spettatore in mezzo a quegli intrighi di palazzo e a quelle storie di amanti separati dei sageuk, ma con una marcia in più, femminista e non solo, che permette di stare sempre dalla parte della giustizia, con eleganza, sobrietà e un pizzico di umorismo, senza mai perdere di vista l’importanza di essere se stessi.

Jo Yeo-hwa (interpretata da una meravigliosa Lee Hanee, anche nota come Honey Lee) è vedova del primogenito di una nobile famiglia Joseon da oltre 15 anni o, meglio, la sua stessa vita coniugale è iniziata come una vedova, visto che la funzione del matrimonio si è svolta in assenza di entrambi i coniugi e che si è recata alla casa del marito, quando questi era già scomparso e senza averlo mai incontrato prima. Non avendo altri parenti viventi e in attesa che il fratello maggiore, che gli ha lasciato in eredità un’antica spada, torni da una missione pericolosa che ne ha fatto perdere le tracce, Yeo-hwa ha sempre vissuto in solitudine estrema la sua vedovanza presso la casa dei genitori del marito: vestita di bianco, come una perfetta vedova Joseon, e costretta a seguire le regole dell’etica confuciana per le buone mogli, come imposto dalla suocera (interpretata da Kim Mi-kyung di “Benvenuti a Samdal-ri“, “Death’s Game” e “Healer“), trascorre la sue giornate confinata in casa, tra la sua piccola cameretta e il memoriale dedicato al marito mai conosciuto, studiando, dipingendo figure tradizionali, digiunando, pregando e invocando lamentele per commemorare il marito morto. Unico conforto e unica amicizia sembrano provenire dalla sua giovane serva, Yeo Sun (interpretata da Park Se-hyun, che ci era rimasta nel cuore già in “Youth of May“), una ragazza intelligente e svelta, che, insieme alla capo della gilda dei mercanti, Jang So-woon (interpretata da Yoon Sa-bong, vista anche in “Finding Mr. Destiny“), è anche una delle poche depositarie di un segreto che Yeo-hwa nasconde da tempo.

“Concedetele la possibilità di uscire a prendere un po’ d’aria“, esorta, di tanto in tanto, il suocero (interpretato da Kim Sang-joong) per convincere sua moglie a portare con sé in piccole commissioni la silenziosa vedova, che sembra così perfetta e autentica nel suo lutto da meritare il portale della castità da parte della regina.

Quello che i suoceri ignorano è che, di notte, Yeo-hwa abbandona il suo hanbok bianco e il suo mantello per vestire calzoni e casacca nera, coprirsi il volto con una maschera, impugnare la sua spada preferita e andare a sconfiggere le ingiustizie. Perché la timida e remissiva Yeo-hwa di notte diventa l’eroe mascherato che salta sui tetti, protegge i deboli e perseguita la gente di malaffare della capitale, tra cui il suo eterno nemico Kang Pil-jik (interpretato da Jo Jae-hyun di “Alchemy of Souls” e “Wok of Love“), che con la sua gang è implicato in ogni sorta di affare losco, gioco d’azzardo, furti, traffico di minori, corruzione, ricatti e forse qualcosa di ancora più grande che la stessa Yeo-hwa ignora.

La seconda vita eroica di Yeo-hwa, però, va ad intersecarsi con l’onestà e la volontà di perseguire il crimine secondo la legge del giovane capitano della polizia della capitale Park Soo-ho (interpretato da Lee Jong-won di “Ghostderella“), fratello minore del consigliere reale Park Yoon-hak (interpretato da Lee Ki-woo di “My Liberation Notes” e “Just Between Lovers“), uno che non solo sa essere integerrimo e incorruttibile, ma che vanta determinazione e competenza nelle indagini e bravura nella spada e in tutte le arti marziali, tanto da essere considerato la migliore lama di Joseon.

“Mi sa che hanno esagerato. Diciamo che, al limite, sei la seconda lama di Joseon. Naturalmente, spero che a mani nude combatti meglio di quello che fai con la spada“, lo schernisce Yeo-hwa mascherata da eroe notturno, dopo averlo più volte sopraffatto nel duello e averlo, poi, salvato dall’assalto degli uomini di Kang Pil-jik.

Ma le circostanze della vita sono strane e inaspettate e, mentre in città accadono misfatti efferati (che sembrano ricondurre ad alcune personalità importanti della nobiltà, tra cui la vedova del ministro delle finanze, interpretata da Seo Yi-sook di “Do Do Sol Sol La La Sol” e “Start Up“), compaiono strani personaggi che parlano idiomi stranieri (come il misterioso mercante Seok Jeong, interpretato in modo brillante da Oh Eun-shik di “Corso accelerato sull’amore“, che, senza spoiler, è il personaggio più inaspettato e forse anche più adorato dell’intero drama e meriterebbe uno spin off tutto suo) e le maglie del ricatto sembrano arrivare fin sotto la base del trono, Soo-ho capisce di essere solo nella ricerca dei colpevoli, legati in qualche modo al suo doloroso passato, e, con il fratello, comprende che l’unico vero alleato forse potrebbe rivelarsi proprio quell’eroe mascherato, che riesce ad entrare pure nelle prigioni reali e a mettere a soqquadro con leggerezza interi eserciti.

Tuttavia, questo prezioso alleato, col tempo, si rivelerà una preziosa alleata, che riuscirà a mettere in dubbio e a scalfire tutte le certezze di Soo-ho, perché non esiste alcun amore pari a quello che si crea dalla complicità e dalla stima reciproca e che porta le persone a guardarsi negli occhi alla pari, in una perfetta e armonica eguaglianza.

Ed è forse questo uno dei valori che “Knight Flower” custodisce, al di là della trama accattivante, delle scene d’azione coreografate e quasi musicate in sincrono e della brillantezza dei dialoghi e delle recitazioni. Yeo-hwa dovrebbe essere una donna oppressa da una società tradizionale e patriarcale che l’ha relegata ad un ruolo di costante dolore e sottomissione, costretta da norme che non condivide e su cui non può proferire verbo e chiusa in un mutismo umile che non può rompere e con cui deve coprire la sua spontaneità. Eppure, Yeo-hwa è una donna libera, perché vive nella libertà del proprio spirito e del proprio pensiero, che nessuna imposizione ostile può sopprimere. Come diceva Ignazio Silone, si può vivere liberi anche in un paese di dittatura, perché nessuno può mortificare la genesi delle proprie convinzioni o la luminosità del proprio spirito. E, senza bisogno di inerpicarsi in discorsi retorici e approfondimenti pseudo femministi, il suo personaggio sa di essere eguale agli altri, anche se le istituzioni nazionali vogliono negarle quest’eguaglianza, e non si fa alcun problema a dimostrare il proprio valore, contrastando ciò che una società modellata da soli uomini ha stabilito.

Yeo-hwa è generosa, altruista, compassionevole, crede davvero che fare del bene al prossimo possa cambiare il mondo e che, se tutti agissimo in questo modo, riusciremmo ad eliminare le ingiustizie. Crede nell’amicizia, nel supporto reciproco, nella volontà di sostenersi, ma anche in se stessa, nella propria resilienza, che nulla e nessuno può sottomettere. Crede nel valore del silenzio, nella bellezza di percepire i raggi del sole sul proprio viso e nella brezza che porta il profumo dei fiori, nei dolci appena sfornati e nel dolce sapore della frutta offerta dalle mani di una bambina. Crede nell’importanza dei ricordi, delle proprie memorie, degli affetti familiare, nella mitezza d’animo e nella persistenza di essere vivi, nonostante tutto e tutti, perché, per parafrasare William Goldman, la vita non è né bella né brutta, ma è originale e lascia inaspettati varchi di luce lì nel mezzo, a metà tra le riflessioni in solitaria, i sogni ad occhi aperti e i sorrisi che scorrono spontanei, come un fiore seccato, racchiuso tra le pagine di un libro e che si presenta per ricordarci quei brevi momenti di sollievo durante una giornata di nubi.

“Di te, mi ricorderò“, afferma col sorriso Yeo-hwa, mentre chiude tra le pagine di un libro un fiore, quello che serberà nel cuore come la leggenda che alimenta i racconti delle persone, quella del fiore che sboccia di notte o, come amano chiamarlo i cantastorie, il fiore del cavaliere.

Laura

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My Oni Girl

“Scusami se ti ho lasciata da sola. Vedi, il fatto è che anch’io ero convinta di essere sola”.

Hiiragi, uno studente del primo anno di liceo, è un adolescente desideroso di piacere e di andare d’accordo con tutti, ma ha decisamente una propensione per la sfortuna, quando cerca di venire incontro a tutti e di fare del proprio meglio, le cose si rivoltano sempre al contrario, nessuno fa caso a lui, alle sue mille peripezie per far sì di essere accettato e così resta sempre da solo, senza amici.

Un giorno d’estate Hiiragi, si imbatte in Tsumugi, una ragazza oni (demone) che è giunta nel mondo degli umani per cercare la sua mamma.

Hiiragi e Tsumugi sono diversi l’uno dall’altra, come il giorno e la notte, come l’inverno e l’estate, eppure anche in estate si può trovare un giorno di neve, un evento particolare, raro, insolito, ma l’amicizia tra i due ragazzi sarà delle più rare e originali.

Hiiragi, dopo aver litigato con il padre che vorrebbe che il figlio forgiasse meglio il proprio carattere, così lento, quasi apatico, scappa di casa e segue Tsumugi che nel frattempo ha abbandonato il suo villaggio oni (la comunità segreta “the hidden village”) per intraprendere questo viaggio speciale che la condurrà dalla sua mamma.

 Per i due ragazzi inizierà, quindi, un viaggio mistico on the road,  che li porterà a conoscere altre persone, altri modi di vivere, scontrandosi con realtà differenti e soprattutto con il proprio carattere: esuberante, ma egoista lei e pacato, ma pauroso lui. Insieme apprenderanno che esistono delle misteriose condizioni per cui gli esseri umani si trasformano in oni e il motivo che conduce a questa metamorfosi.

Nel loro viaggio incontreranno altre persone con vicissitudini e storie diverse, un uomo e una donna che si rivelano essere fratelli, ma che non riescono a connettersi come quando erano bambini, il proprietario di un bar, presso il quale i due ragazzi vanno a lavorare, che riempie il suo negozio di foto e  ricordi dei viaggi fatti con la moglie scomparsa recentemente, tutte persone che arricchiscono il  mondo interiore dei due protagonisti che stanno cercando se stessi, attraverso questo viaggio che deve portare ad una verità.

Molti i simbolismi nel film e le tematiche trattate, per prima cosa, la costruzione del sé e della personalità, Hiragii, soprattutto, viene presentato quasi privo di “carattere” perché non riesce a dire di no, a prendere una decisione propria,  è un ragazzo che affronta la realtà con timore e che non riesce a dare libero sfogo alle proprie emozioni, vorrebbe piacere a tutti, ma non riesce in quell’intento, Tsumugi, invece, è il contrario, ha una visione egoistica del mondo, pensa a se stessa e a ciò che le interessa, indifferente alle norme sociali umane. Entrambi i protagonisti, in questo loro viaggio di formazione, cresceranno, matureranno insieme e cercheranno una via di equilibrio.

Tsumugi ha deciso di abbandonare il suo villaggio per trovare la madre, la ricerca delle proprie radici, dell’affetto materno, perché la ragazza si sente sola, sola tra tanti.

Infine, il mistero che porta gli esseri umani a trasformarsi in oni, legato al destino di Hiragii e a coloro che reprimono le proprie emozioni, i propri sentimenti.

“My Oni Girl” è diretto da Tomotaka Shibayama, già co-regista di “Miyo – Un amore felino” e nasce come una collaborazione tra Studio Colorido e Netflix iniziata con “La Casa tra le Onde” e  seguita da “Miyo – Un  amore felino”.

Colonna sonora meravigliosa dalla sigla di apertura “Uso Janai” alla bellissima “Blues in the Closet” eseguite entrambe da Zutomayo.

Un’amicizia indimenticabile, due personaggi che restano nel cuore in una fiaba moderna dove la neve d’estate ci porta ad immergerci in atmosfere senza tempo.

Grazia

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Stray Kids agli I-Days di Milano

Ed eccoci qui come promesso a scrivere dell’evento più importante dell’anno: il concerto degli Stray Kids agli I-Days a Milano!!!

Mentre scrivo mi accorgo che è passata già più di una settimana ed io ancora non riesco a realizzare di averli visti!

Partiamo dal fatto che nella mattinata ha fatto il primo temporale e muniti di poncho (da qui, piccolo aneddoto divertente abbiamo iniziato a cantare “metti il poncho, metti il poncho, metti il poncho” con il ritmo di S-Class e lo abbiamo fatto per TUTTO il giorno quando ne abbiamo avuto bisogno); da qui è iniziato il viaggio mio e delle mie amiche verso la metro, piena e ripeto PIENA di Stay, giuro in quel momento avevo il cuore scoppiettante di orgoglio e felicità.

Una volta arrivati all’ippodromo ci siamo messe in fila, in base al tuo biglietto avevi un colore assegnato, il mio gruppo PIT ingresso Rosa.

Una volta smesso di piovere è arrivato il caldo con un’afa, ma un’afa che, ragazzi miei, ero con il fazzoletto ad asciugarmi il sudore (avevo anche il cappello bianco).

Ci siamo messe in fila vero le 12 per poter entrare all’interno verso le 16.10, la cosa più bella è che in tutto questo arco di tempo in fila si faceva amicizia con le altre Stay attorno ed è stato davvero bello.

Per tutta la fila il mio stato d’animo era agitato ed euforico, una volta superati i controlli si percorreva il tragitto a “salti nel fango”(penso che in questo tragitto ho perso il mini lighstick che mi ero creata ad uncinetto), si mostrava il biglietto (dove in alcuni momenti saliva la pena al cuore perché ho sentito degli addetti che dicevano biglietto falso, fate sempre attenzione da chi comprate i biglietti!), poi veniva messo il braccialetto inerente al proprio settore e VIA!

Devo dire che non mi aspettavo di essere abbastanza vicina al palco, il che ha reso tutto ancora più esaltante.

Il tutto è partito con i ballerini e il dj di KPOP ITALIA, esibizioni bellissime con tutte noi che urlavamo e cantavamo come delle euforiche, poi sono arrivati i BNKR44 e anche se non sapevamo tutte le loro canzoni non siamo state sedute e in silenzio, ma abbiamo cercato di far sentire loro il nostro sostegno e fortunatamente lo hanno sentito!!!

Ecco il turno delle Nmix che sono partite alla grande!!! Veramente brave hanno anche cantato la cover della cover dei Måneskin: lì apoteosi di coro cantati, ahaha, però, ahimè, il cielo si è oscurato ed è iniziato a piovere, ma ciò non ha minimamente fermato le ragazze, anzi hanno continuato a cantare e ballare mostrando che grandi professioniste sono.

E poi ecco l’ora di pausa dove c’è stato il FINIMONDO lampi, tuoni, e pioggia fortissima alternata a grandine, molti di noi eravamo muniti di poncho e di ombrello, non coprivamo la visuale a nessuno perché i ragazzi iniziavano il concerto alle 21.00 ed  erano solo le 20.00.

La cosa dolce erano i ragazzi che su bubble scrivevano pregando che smettesse di piovere, cantando le canzoni in sottofondo dei skz alternando il richiamo al “SOLE”. Tutte noi, oltre ad essere fradice, avevamo i piedi immersi completamente nel fango.

Una volta smesso di piovere per grazia nostra sono usciti gli addetti al palco che hanno iniziato ad asciugare e ad aggiungere la passerella (quando abbiamo realizzato ciò sono partiti gli urli perché eravamo veramente vicine!!).

Ed ecco la musica: è sceso il telo rosso con la scritta Stray Kids ed ECCOLI LÌ tutti e 8 bellissimi con sorrisi smaglianti occhi pieni di vita e carichi a palla!!! Non vi sto neanche a dire le urla che abbiamo fatto, perché averli lì davanti finalmente dopo tutto questo tempo è un’emozione che ripensandoci ancora adesso mi metto ad urlare. Le loro voci – MAMMA MIA! – dal vivo ancora più emozionanti, da far venire la pelle d’oca, hanno parlato pochino ma Han, che in “Charmer” ha urlato “MILANO I LOVE YOU”, ciaone proprio! A fine concerto ci sono stati anche i fuochi d’artificio e non se lo aspettavano avevano il viso sorpreso e felici come dei bambini, poi, visto che era uscito il teaser mentre lasciavano il palco, hanno iniziato a farci cantare “Chk Chk Boom” (sinceramente pensavamo tutti che partisse in anteprima e invece niente), ma Lee Know e Seungmin, mentre andavano dietro le quinte, hanno spoilerato un pochino il balletto, lo avevamo capito? NO o almeno io No.

Coooomunque ecco la lista delle canzoni con cui si sono esibiti!!

  • My pace
  • Gods menu
  • Maniac
  • Charmer
  • Social path
  • Lonely st.
  • Item
  • Thunderous
  • Topline
  • Superbowl
  • Freeze
  • S-class
  • Miroh
  • Domino
  • 락! Lalalala

In conclusione questo è stato il mio primo concerto K-Pop e il fatto di averlo vissuto con le mie amiche ha reso il tutto ancora più bello, emozionante ed unico.

Tutt’oggi, mentre li vedo in questo comeback, dico: “Caspita, io vi ho visto!”; e, niente, mi lego ancora più a loro.

Mi volevo scusare per i le mie urla, il mio canto che a volte erano con parole sconnesse e dei versi della mia anima che se ne va.

Grazie sempre alle fantastiche Admin che hanno atteso il mio report con pazienza, ma piano piano la mia anima doveva ritornare nel mio corpo.

Spero vivamente che gli Stray Kids tornino ancora ma al chiuso!

Un abbraccio a tutte voi e alla prossima!!!

Alessandra

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La società non litigante: tribunali e giudizi in Giappone

“La mente dell’uomo superiore ha familiarità con la giustizia; la mente dell’uomo mediocre ha familiarità con il guadagno“.

(Confucio)

Si sa che il pensatore e filosofo cinese Confucio ha sicuramente forgiato l’etica e la morale in Estremo Oriente, ma forse non tutti sanno che il pensiero confuciano è anche alla base del diritto, dell’amministrazione, della politica e della burocrazia. Così come a livello politico-istituzionale le istituzioni si sono modellate sulla base dei precetti derivanti dalla dottrina di Confucio e dei suoi successori, nello stesso modo hanno avuto una grande influenza anche nel sistema giudiziale vero e proprio, fino a forgiare l’ossatura di una “società non litigante”, ovvero di una società che preferiva evitare il conflitto, perché quest’ultimo segnava una frattura nell’armonia costante tra tutti gli elementi che concorrono a formare la società stessa. “Litigare”, ovvero confrontarsi in tribunale, poteva equivalere quasi ad una “perdita di faccia”, o, perlomeno, ad una perdita di nobiltà d’animo e di educazione che si era conquistata con tanta fatica e con tanti studi, una nota stonata e stridente, che avrebbe mutato la percezione di tutta la società nei confronti del singolo litigante e, quindi, la sua considerazione stessa all’interno della società. Per questo motivo, la morale confuciana, applicata a politica e diritto, ha preferito costruire mezzi e strumenti conciliativi e compromissori, in qualche modo differenti rispetto al classico schema occidentale del confronto tra le parti in giudizio.

L’incontro con la cultura occidentale e la modernizzazione delle istituzioni hanno sicuramente portato ad un mutamento, così come all’accoglienza di procedura civile e procedura penale simili a quelle del diritto anglo-continentale, anche perché la complessità di nuove posizioni giuridiche, di nuove tutele di diritti e, quindi, anche di nuovi ipotetici atti illeciti si sarebbe adattata poco alle forme conciliative di derivazione confuciana. Tuttavia, la base dell’armonia fondamentale tra tutti gli elementi della società rimase inalterata e si trasfuse nell’armonia tra tutti gli elementi dello Stato, ma anche tra tutti gli elementi del diritto.

Ed è con queste premesse che nel 1922 la Dieta giapponese adottò il Codice Civile (il primo era del 1890, segnato dalle riforme del pieno “Splendore Meiji”), che comportò, a sua volta, delle modifiche del Codice di Procedura Penale nel 1922 (introdotto nel 1890 sulla base del modello francese) e del Codice di Procedura Civile nel 1829 (introdotto nel 1891 sulla base del modello tedesco). Di fatto, il Codice nipponico fu modellato sul Codice Civile tedesco, incorporando una serie di elementi del diritto occidentale, ma fu particolarmente attento a preservare le unicità conciliative di una società e di una cultura, che, fino al XIX secolo, non aveva mai conosciuto un processo giudiziario con tanto di dibattimento innanzi al tribunale. Per questo motivo, all’interno del Codice, accanto alla classica procedura “litigiosa” innanzi ai tribunali, furono contemplate diverse forme di conciliazione e/o mediazione alternativa alla lite giudiziale, ma aventi il medesimo valore tra le parti.

I miei studi giuridici mi avevano già fatto imbattere nel sistema procedurale conciliativo giapponese, dandomi modo di approfondire e di occuparmi dell’argomento con diversi scritti. Ma, si sa, quando si studia qualcosa, si rimane sempre sui libri e quasi non ci si rende conto di come avvenga nella pratica. Quando ho guardato la serie giapponese “Ishiko e Haneo – Mi fai causa?“, improvvisamente i ricordi delle mediazioni giapponesi in tribunale mi sono riaffiorati come se fossero una madeleine proustiana. E, a quel punto, ogni episodio di quel legal così peculiare, attento e dettagliato nei casi affrontati, senza mai perdere di vista i personaggi, diventava un lento ripasso delle norme di quel Codice, che neppure la guerra è riuscita ad abrogare.

Haneo, diminutivo strambo di Yoshio Haneoka, l’avvocato protagonista del drama, odia finire in discussione in tribunale, consapevole dei suoi limiti oratori e del suo panico che lo blocca quando parla in pubblico, ma, forse, oserei dire, erede di una cultura antica, che, mischiando la morale confuciana con i precetti dello shintoismo, una società verticale e un influsso buddista, considera la lite giudiziale una ferita per l’unità armonica del tutto. Pertanto, Haneo cerca di risolvere ogni caso, ove possibile, fuori dal tribunale, ovvero per via conciliativa.

Ad oggi, la maggior parte dei giapponesi preferiscono ricorrere al cosiddetto chōtei (調停) in luogo del processo civile, ovvero una forma antica di media-conciliazione, che può essere usata come fase pre-processuale o direttamente per sostituire il processo e dove le parti tentano di addivenire ad un accordo tra loro grazie all’intervento di una terza parte, un conciliatore nominato dal giudice del foro competente sulla base di liste di cittadini “probi”, moralmente ineccepibili e con studi giuridici. Naturalmente, è compito degli avvocati di parte intervenire per aiutare il conciliatore e le parti ad arrivare ad un accordo. Questo sistema è usato particolarmente nell’ambito di questioni di diritto di famiglia (kaiji), che i giapponesi preferiscono devolvere direttamente alla conciliazione senza passare dal tribunale (il caso dei maltrattamenti familiari affrontato all’interno del drama ne è un esempio).

Ma non è l’unico strumento conciliativo, perché, per determinate materie, inerenti al lavoro, all’edilizia, all’ambiente, al commercio, esiste il chūsai (厨宰), una forma di arbitrato particolare, che vediamo in azione diverse volte all’interno del drama – già dal primo episodio, non tanto per la questione del furto di energia da parte dell’avventore di un bar che carica sempre il suo cellulare, ma per la questione dell’esclusione dal lavoro e della rilevazione di posizioni abusive da parte dei datori -, ma che diventa quasi una linea guida di tutto il drama, tanto da trovare il suo apice negli ultimi due episodi (senza spoiler, vale davvero la pena recuperarli sia per la sceneggiatura, che per gli amanti del diritto, perché vengono alternati due tipi diversi di mediazione per arrivare al processo finale con tanto di dibattimento).

Infine, esiste il wakai (若い), che combina gli elementi della conciliazione con quelli della lite e si svolge in una vera ricerca del compromesso tra le parti, in modo tale che nessuno risulti vittorioso e nessuno sconfitto (o, forse, entrambi sconfitti, secondo l’etica propria giapponese), ma che possa arrivare a trovare quel punto di sintesi comune tra gli interessi e le lagnanze delle parti, senza trascendere. L’episodio dedicato al pruno sacro e alla lite tra i due anziani confinanti, forse il più bello di tutta la serie, segue quelle movenze cadenzate di questo strumento conciliativo in modo esemplare. Tra l’altro, questo strumento risulta il più utilizzato nel distretto di Tokyo, tanto da avere avuto uno sviluppo tutto suo in una variante in cui è possibile anche presentare prove e testi (in modo simile ad un vero processo).

Il controllo, l’armonia, la virtù e la conoscenza di quando e come parlare e quando e come stare in silenzio. Perché la parola è sempre importante e può determinare le sorti di una persona, per cui va calibrata e spesa nel momento e nel modo giusto, senza necessità di perdere il proprio equilibrio arrivando ad una lite. Ecco cosa ha trasmesso Confucio ad una società, come quella giapponese, che continua a conservare la sua particolarità anche nel diritto processuale.

“Per una parola un uomo viene spesso giudicato saggio, e per una parola viene spesso giudicato stupido. Dunque, dobbiamo stare molto attenti a quello che diciamo”.

Laura

Ishiko e Haneo. Mi fai causa?

Sono da sempre affezionata ai legal drama e, quando l’anno scorso mi sono imbattuta in “Ishiko e Haneo”, ne sono rimasta incantata per il modo differente di affrontare i casi legali narrati in dieci splendidi episodi e, anzi, a dire il vero, sarei andata avanti a guardarne altri dieci, senza stancarmi.

Ishida Shoko, detta Ishiko, (Arimura Kasumi, “Call me Chihiro”, “Meet me After School”) si è laureata alla facoltà di Legge all’Università di Tokyo con i migliori voti, ma ha tentato invano per quattro volte l’esame di abilitazione, bloccata da un forte trauma vissuto anni prima. La ragazza ha deciso, quindi, di lavorare nello studio del padre come assistente legale, in attesa prima o poi di affrontare nuovamente l’esame.

Haneoka Toshio, detto Haneo (Nakamura Tomoya), ha, invece, superato l’esame di abilitazione come avvocato anche grazie alla sua eccezionale memoria fotografica che gli ha permesso di interiorizzare interi volumi di legge. Haneo si definisce, quindi, un avvocato “non convenzionale”, ha un modo particolare e personale di vestirsi, è una persona stramba anche nel proprio modo di interagire con gli altri.

Un giorno, Haneo conosce in tribunale il padre di Ishiko che decide di assumere il ragazzo nel proprio studio, soprattutto da quando è andato avanti con l’età e con dei piccoli problemi di salute.

I due giovani iniziano a collaborare, lavorando nel piccolo studio legale di quartiere del padre di Ishiko e accettando casi stravaganti o particolari.

In tutti e dieci gli episodi troverete come incipit, un breve sketch teatrale che introduce l’argomento di cui si andrà a trattare all’interno. Questo è uno dei punti di forza di “Ishiko e Haneo” che lo rende differente e unico rispetto anche ad altri legal drama.

Altra particolarità da annotare è l’uso dell’ironia, elegante, ma sagace che riesce a donare quel tocco in più che viene percepito e apprezzato dallo spettatore. Nel finale di ogni episodio, poi, viene spiegata quale legge è stata applicata per il caso trattato.

Ogni episodio è un caso a sé, tranne per gli ultimi due, in cui la storia ha un filo comune che lega anche un altro personaggio, ex compagno di scuola di Ishiko, Oba Ao (Akaso Eiji, “Zombie 100”) che entra tra i protagonisti già nel primissimo episodio, quello della diffida di un uomo che carica il proprio cellulare in un bar. Oba Ao, in seguito, resta a lavorare come impiegato nello studio dei due ragazzi e del padre di Ishiko.

Altri episodi che mi hanno colpita maggiormente, da rammentare come casi particolari, sono: quello del bambino con la madre single che lotta per crescere al meglio il proprio figlio, quello dell’appartamento infestato e la responsabilità dell’agenzia immobiliare, il caso di plagio di diritti d’autore e il conseguente danneggiamento e l’episodio dedicato alla violenza sui minori con relativa accusa ad una società che chiude troppo spesso gli occhi nei confronti di questi argomenti gravi.

Il mio episodio preferito, però, è quello dell’albero i cui rami hanno sfondato il confine tra due villette, si tratta di un pruno infestato da bruchi. L’episodio è ambientato non a Tokyo, ma in una cittadina al di fuori, abitata per lo più da pensionati. Il pruno, invece, in Giappone è un albero protetto che non va danneggiato per nulla al mondo. I due protagonisti della denuncia sono due anziani, che provano stima l’uno per l’altra, ma qualcosa ha tenuto fermo uno di loro arrivando persino al richiamo legale. Questo episodio è uno dei più commoventi perché, lungo la narrazione, scopriremo le storie delle due persone coinvolte, della motivazione per cui hanno agito così, della malattia e dell’età che avanza. Nonostante tutto, però, quando il caso viene risolto, il finale è poetico ed è uno dei più belli mai visti che mi ha commossa, non appena ho sentito i rintocchi delle prime note della musica di “Casablanca” suonata a piano:

“Ai giovani si dice spesso di avere dei sogni per il futuro, ma gli anziani sono il futuro dei giovani”.

Non mancano momenti di commozione dove emotività ed empatia crescono insieme ai due protagonisti che, dal primo episodio in avanti, sviluppano una stima reciproca, nonostante i caratteri diversi e i modi di interazione completamente differenti: stravagante lui, pacata lei, ma entrambi con delle distanze emotive da colmare nei confronti dei propri padri. Possiamo, quindi, ammettere che i due ragazzi, lavorando insieme, cercano di migliorare se stessi e di comunicarsi fiducia nell’affrontare ogni caso, ogni difficoltà: Ishiko e la sua paura di ricominciare a prepararsi per l’esame di abilitazione, Haneo e il suo timore di non riuscire a terminare la constatazione e di finire a processo in tribunale dove è costretto a parlare in pubblico, consapevole di dover ancora vincere le sue crisi di panico.

“Ishiko e Haneo” è una serie giapponese, una vera e propria scoperta, una chicca che diverte, ma fa anche pensare moltissimo.

Grazia

Come suona la recensione?

Hospital Playlist (ovvero dell’amicizia, della saggezza, della musica e dell’amore)

“Accadono un sacco di cose in questo mondo, perciò non scoraggiarti. Se il problema si ripresenta, devi solo agire secondo il tuo punto di vista”.

Quante volte si sono materializzati davanti a noi problemi che sembravano insormontabili (e continueranno a materializzarsi per il resto della vita) e ci siamo scoraggiati, abbiamo annegato il nostro animo nella disperazione e nella tristezza e avremmo solo voluto che una voce amica vicina ci dicesse di non abbatterci, perché la soluzione era davanti ai nostri occhi, pronta a superare il problema, tanto che, anche se non fosse stato vero, saremmo riusciti ugualmente solo per via di quel conforto che la vera empatia di un amico sa dare.

Ebbene, all’interno di un enorme e all’apparenza anonimo ospedale di Seoul esiste un piccolo e coeso gruppo di amici, che da anni si è abituato a vivere e ad affrontare insieme gli affanni che la vita pone davanti, uno di quei gruppi di amici rari da trovare, che ha attraversato due decenni mantenendo il sorriso del primo incontro come matricole universitarie e che non ha bisogno di tanti giri di parole per esprimersi, perché tutti parlano lo stesso linguaggio dell’anima, che si trasfonde nelle note di una musica suonata in solitudine. Sono le note suonate dal gruppo di medici protagonisti del drama “Hospital Playlist” (슬기로운 의사생활, Seulgiro-un uisasaenghwal, che, letteralmente significa “La vita saggia del medico”, titolo che incarna perfettamente le vite del protagonisti), amici da una vita, compagni di studio all’università e colleghi nello stesso ospedale, componenti di un’anonima band senza pubblico che, anno dopo anno, si ripromette di suonare in live, senza mai farlo, ma che si esibisce autonomamente con una passione da fare invidia ai professionisti.

E, nonostante questo gruppo (o questa band underground) sia composto da persone così diverse fra loro e, di primo acchito, potrebbe risultare difficile, se non impossibile da far andare d’accordo, è quanto di più vicino possa ricordare una vera famiglia.

C’è Chae Song-hwa (interpretata da una bravissima ed empatica Jeon Mi-do di “Connect” e “39“), detta il “Fantasma”, perché la prima ad arrivare e l’ultima ad andare via dall’ospedale senza nemmeno lasciare traccia del suo cammino, unica donna del gruppo, professoressa associata di neurochirurgia, medico brillante e competente, dotata di umanità, empatia e grande attenzione (“Qualche volta, i gesti più piccoli possono avere l’impatto più grande“), docente più amata da studenti, tirocinanti e specializzandi, tanto da avere il corridoio invasato di tesisti che le chiedono consigli, mangiatrice veloce e compulsiva di qualsiasi cosa (“Ho tre fratelli più grandi” si giustifica mentre si ingozza, e Lee Ik-jun le fa notare che saranno morti di inedia per la sua voracità), bassista profondamente stonata (le viene concesso di cantare solo una volta l’anno, per il suo compleanno), ma appassionata di campeggio e trekking in solitaria e di canti in chiesa, amica leale e confidente perfetta, ma riservata e restia ad aprirsi con gli altri.

C’è Ahn Jeong-won, battezzato come Andrea (interpretato da Yoo Yeon-seok di “The Interest of Love“, “Mr. Sunshine” e “A Bloody Lucky Day“), detto “Buddha” per la sua calma, la sua pacatezza e quasi la sua aura di santità, nonostante sia cattolico convinto e praticante, anzi prete mancato, sempre in perenne crisi tra una conversione che sente di avere e che ha voluto tacitare per accontentare la madre Jung Ro-sa (interpretata da Kim Hae-suk di “Strong Girl Nam-soon” e “Start Up“) e la missione medica che lo richiama in continuazione, chirurgo generale specializzato in pediatria raro e prezioso (“Sei più coraggiosa di quanto tu non possa pensare”, ripete ad una piccola paziente per incoraggiarla), compagno di giochi perfetto per tutti i suoi piccoli pazienti (“Andrea, trova una brava ragazza, sposati e fai figli, invece di fare il prete“, lo esorta la collega Song-hwa), batterista rock spericolato, praticante di successo di tutti gli sport, ma germofobico, borbottante, sempre al verde e lento a mangiare.

C’è Kim Jun-wan (interpretato da Jung Kyung-ho di “Crash Course in Romance” e “Prison Playbook“), detto “Thanos”, perché è terribile come un cattivo Marvel e se ne compiace pure, vista la sua passione per i supereroi da fumetto, brillante cardiochirurgo in lizza per ricoprire il posto di primario, perennemente nervoso e scattoso come se avesse in corpo litri di caffeina, studioso insonne, divoratore di caramelle e di qualsiasi altro pasto a dispetto della sua eccessiva magrezza, terrore di studenti, tirocinanti e specializzandi, sarcastico, preciso, ordinato e metodico lavoratore che non si concede mai uno svago (“Queste sessioni di ramyeon a tarda notte sono l’unico mio spasso di tutta la settimana“, ammette con i colleghi durante un turno di notte), chitarrista graffiante e grunge, che nasconde sotto la sua corazza un animo romantico pronto a dare amore (“Posso anche non essere perfetto, ma ci sarò sempre per te“).

C’è Yang Seok-hyung (interpretato da Kim Dae-myung di “The Sound of Your Heart” e “Misaeng – Incomplete Life“), detto “Orso” per la sua introversione acuta e “Bradipo” per la sua lentezza, tattica ben studiata per evitare contatti umani (come quando cambia rampa di scale, va al bar agli orari disertati e finge di essere impegnato in conversazioni telefoniche), chirurgo ginecologo specializzatosi in America con alle spalle un breve matrimonio imposto e una famiglia ricca, ma disfunzionale (comprensiva di madre a carico), profondamente umano ed empatico con tutte le sue pazienti, quasi in connessione con le nuove vite, melanconico, nostalgico, legato ai ricordi e al passato, fruitore della colonna sonora mattutina per i suoi amici (“Questa volta vi ho mandato Chopin in chat; l’avete sentita?“), schivo, riservato, a tratti distante, perseguitato dagli estroversi, pianista gentile ed emotivo, vera mente dietro la fondazione della band, attento e premuroso con le persone care.

Infine, c’è Lee Ik-jun (interpretato da un istrionico e sopra le righe Jo Jung-suk di “Il re e la spia” e “The King 2 Hearts“), che ama definirsi “Mr. Cool”, ma che tutti chiamano “Doctor Romantic”, per quanto si affanna a formare coppie e a trovare concordie tra i suoi colleghi, brillante chirurgo generale specializzato in trapianti di fegato, padre single amorevole e quasi schiavizzato dal suo unico figlio (la scena in cui fa la sua prima apparizione accanto al figlio con elmo di Darth Vader e spada laser rossa è iconica), fratello maggiore della caparbia e scatenata maggiore dell’esercito Lee Ik-sun (interpretata da Kwak Sun-young di “Inspector Koo” e “Behind Every Star“), estroverso, cordiale, iperattivo, ipercinetico, amico di tutto il personale dell’ospedale, di cui conosce ogni singolo dettaglio, scanzonato, scherzoso, eppure timido nei confronti del suo vero amore, accogliente e saggio con gli specializzandi (“Non smettete mai di imparare. La medicina è in costante evoluzione“), profondamente umano con i propri pazienti (“Ridere è la migliore medicina. Non avere timore di cercare un po’ di umorismo anche nelle difficoltà“), front-man, chitarra e voce solista calda e radiofonica della band, vera anima del gruppo.

Poi, c’è tutta un’umanità più ampia e composita che popola la medesima struttura ospedaliera, le cui vite si incrociano con quelle dei protagonisti. C’è il direttore dell’ospedale Joo Jong-soo (interpretato da Kim Kap-soo di “Sweet Home“, “Designated Survivor” e “Chief of Staff“), che ha curato la moglie inferma per anni e che, dopo la sua morte, va in depressione, ma riesce a trovare un’ancora di salvezza nell’amicizia profonda con Jung Ro-sa. C’è la famiglia degli specializzandi, destinati a rimanere da subito nel cuore: la studiosa e diligente Jang Gyeo-wool (interpretata da Shin Hyun-bin di “Tell Me that You Love Me” e “Madame Antoine“), unica specializzanda di chirurgia generale, la materia più complessa, “corteggiata” da tutti i medici che le vogliono scaricare i propri lavori, sognatrice ad occhi aperti segretamente innamorata di Ahn Jeong-won; l’ansiosa ed esplosiva Choo Min-ha (interpretata da Ahn Eun-jin di “The Good Bad Mother“, “My Dearest” e “Strangers from Hell“), specializzanda di ginecologia, con un carattere troppo esuberante per riuscire a comprendere la calma ritrosia del suo mentore Yang Seok-hyung (da cui i continui scontri); l’ironico e stralunato Do Jae-hak (interpretato da Jung Moon-sung di “Il divorzista“), specializzando di cardiochirurgia e anche decano tra gli specializzandi (vista la sua anzianità anche nell’aver tentato l’esame di ammissione diverse volte), gioia e dolore del suo capo Kim Jun-wan, che, alla fine, gli è profondamente affezionato, e anche collega leale che tutti vorremmo incontrare (attenzione alla sua storyline nel finale, perché regala emozioni uniche); Yang Seok-min (interpretato da Moon Tae-yoo di “Previsioni d’amore” e “Queen of Tears“), capo specializzando di neurochirurgia, scherzoso e irriverente, coadiuvato e supportato dagli altri specializzandi del reparto, Ha Seon-bin (interpretata da Ha Yoon-kyung di “Avvocata Woo“), calorosa, diligente e compassionevole, e Ahn Chi-hong (interpretato da Kim Jun-han di “Hunt” e “One Spring Night“), che si rivelerà un personaggio inaspettato, riflessivo e complesso nei suoi chiaroscuri. Per non dimenticare, naturalmente, Bong Gwang-heyon (interpretato da Choi Young-joon, cattivo di “Gyeongseong Creature“, ma visto anche in “Vincenzo” e “Our Blues“), quasi il narratore nascosto della storia, chirurgo a capo del Pronto Soccorso, i cui consigli agli specializzandi nel cosiddetto “salotto di Bong” sui diversi medici dell’ospedale fungono da espediente narrativo per farci conoscere i personaggi principali stessi, ripercorrendo le loro caratteristiche e diversi loro episodi del passato.

“Hospital Playlist” è stato uno dei medical drama di più grande successo in Corea del Sud (e non solo), dove è andato in onda per due stagioni (e un totale di 24 episodi) dal 2020 al 2021, pensato come secondo capitolo di un progetto seriale denominato “Wise Life” e comprendente anche l’altro drama slice-of-life “Prison Playbook“, che pone al centro precetti di vita “giusta” da considerare quasi alla maniera confuciana con la moderazione dell’equilibrio armonioso tra le diverse energie che influiscono sulla vita, quell’incontro tra dolore, affanno, passioni e grandi manifestazioni di gioia che viene inciso nella sobria armonia di ogni giorno, come quelle melodie suonate di sera dalla rock band improvvisata dei medici e che uniscono diverse realtà personali in un’unica voce di accompagnamento, ritagliando piccoli frammenti di felicità da esistenze ordinarie per costruire un giusto spazio alle loro anime.

Bisogna ricordare, inoltre, che si tratta di un drama corale, che incastra le voci degli attori principali a tante singole melodie “suonate” da piccoli personaggi che entrano in scena e sono capaci di riempire la visuale (spesso interpretati da guest star incredibili come Yeom Hye-ran di “The Glory” e “When the Camellia Blooms” o come Jang Hye-jin di “Parasite” e “Doctor Slump“, solo per citare due nomi), così ben orchestrato da non risultare mai banale e mai sottotono nel percorso di crescita che va a seguire, dove le vite ordinarie dei medici protagonisti si vanno ad intrecciare con i singoli casi incontrati durante lo svolgimento delle loro professioni mediche, che, a differenza di tante serie americane e internazionali di questo genere, non sono mai affrontate con la spettacolarizzazione e la tragica drammaticità da pronto soccorso in perenne emergenza, ma che partono dall’umanità e dell’empatia, ponendo al centro la singola persona, la sua importanza e il suo valore, che una società in continuo sviluppo e corsa tenderebbe a negare.

Ed è con quell’armonioso e sobrio ottimismo che accompagna le tracce musicali di questa storia umana e che non appare mai chiassoso, né evanescente, che vorrei portare per sempre con me il ricordo di questa serie e dei suoi personaggi, che, mentre vagano con lo sguardo tra le nuvole dello stesso cielo, hanno saputo costruire un angolo di comfort loro nella vita di tutti i giorni, perché:

“La vita è come un viaggio, ricco di gioia, dolore e di tutto quello che c’è nel mezzo. Ma con l’amicizia, l’amore e un po’ di umorismo, possiamo affrontare ogni cosa”.

Laura

Come suona la recensione?

Vintage Wave: Back to ’90s – Seo Ji-Won / Seo Taiji and Boys

= SEO JI-WON =

Prendiamo la macchina del tempo e torniamo al 1994, precisamente al primo di ottobre, quando un giovane ragazzo sudcoreano di nome Seo Ji-won, nato nel 1976, debutta con il brano “Another Start” incluso nell’album “Seo Ji Won” ed è subito un grande successo tra gli adolescenti e i giovani degli anni Novanta. La sua voce carezzevole, che rende quella dolcezza e profondità alle canzoni, lo rendono presto famoso e spesso ospite di diversi programmi televisivi e radiofonici.

Seo Ji-won, il maggiore di due figli, già da piccolissimo vive in Germania per un anno e mezzo con il padre che successivamente emigra negli Stati Uniti. Fin da bambino si avvicina alla musica, studia violoncello per dieci anni ed è impegnato in diversi cori di voci bianche sia negli anni in cui vive negli Stati Uniti che in quelli in Corea.

Dal 1990 inizia a lavorare come modello, in attesa di cominciare una vera e propria carriera musicale. Nel 1993, infatti, supera le audizioni tenute negli Stati Uniti da una casa discografica coreana e dopo il diploma torna in patria da solo.

Il primo album di Seo Ji-won vende moltissimo e attira l’attenzione di tutto il panorama musicale, tutti i brani dell’album sono molto belli, una delle mie tracce preferite è “Travel in a dream”, ma anche “Sad Song of a Rainy Day” da recuperare un pomeriggio malinconico d’autunno, nella propria solitudine, per entrare in sintonia con il mondo emotivo di questo giovane artista.

Un’anima sensibile destinata a lasciare troppo presto questo mondo terreno. Il suo secondo album, infatti, avrebbe dovuto vedere la luce nel tardo autunno del 1995, invece, a causa di alcuni problemi di salute del cantante, viene ritardata l’uscita, fissata per metà gennaio del 1996. La notte tra il 31 dicembre 1995 e l’1 gennaio 1996, purtroppo, Seo Ji-won si toglie la vita nel suo appartamento a Seoul dove abitava da solo. Sembra che nel suo ultimo messaggio si accennasse alle pressioni e alle aspettative dell’agenzia e il timore che il secondo album non potesse essere all’altezza del primo.

Per noi, però, il suo secondo album, “Tears”, uscito postumo,  è un capolavoro e l’ultimo messaggio è nelle parole della canzone “Gather My Tears”, amatissima da tutti e che nell’ultimo anno è stata ancora più riscoperta grazie al drama “A Time Called You”. In “A Time Called You”, la canzone di Seo Ji-won viene ascoltata più volte dai protagonisti e ha un’importanza molto rilevante per l’andamento della storia. Una canzone struggente che parla di un amore nostalgico, finito, ma l’autore scrive una lettera al cielo, raccogliendo tutte le sue lacrime, per riporre la speranza di rincontrare la persona che se ne è andata.

Anche nel drama “Reply 1994” potete ritrovare “Gather My Tears”, dove una giovane e malinconica Go Ara ascolta la canzone mentre piange nella sua cameretta (per recuperare il pezzo qui).

“Quando la luce delle stelle si spegne,

scrivo una lettera al Cielo”

“Quando la mia lettera in lacrime raggiungerà il Cielo,

un giorno tornerai da me”

“Gather My Tears” è ancora oggi una delle canzoni più belle mai scritte e spesso reinterpretate da molti altri cantanti con riadattamenti e vocalità diverse. A mio parere una delle interpretazioni migliori è quella di Jo Jung-suk cantata nella serie “Hospital Playlist” (da recuperare qui).

Alla fine del 1996 alcune delle canzoni non pubblicate, insieme ad un messaggio vocale di Seo Ji-won vengono incluse nel disco “Made in Heaven” e nel 1998 esce, a grande richiesta del pubblico e dei fan, l’album di raccolta “Seo Ji-won Best”, in occasione del millesimo giorno dalla sua dipartita.

Seo Ji-won è ancora oggi una delle voci più emozionanti della musica coreana e uno degli artisti più rappresentativi degli anni Novanta.

Da leggere, ascoltando:

=SEO TAIJI AND BOYS =

Riprendiamo la nostra macchina del tempo e viaggiamo adesso in direzione 1992, quando il giovane Seo Taiji fonda il gruppo “Seo Taiji and Boys” con Yang Hyun-suk e Lee Juno. Seo Taiji, che aveva fatto parte in precedenza della band heavy metal “Sinawe”, proietta il suo modo “sperimentativo” di far musica utilizzando per la prima volta diversi suoni MIDI per creare un nuovo tipo di musica mai ascoltata fino ad allora e apre la strada all’uso del rap all’interno della musica pop con testi di critica sociale che più volte furono esaminati dai comitati etici e di censura dell’epoca.

Il trio debuttò l’11 aprile 1992 in un talent show con la canzone “I know” (“Nan Arayo” 난 알아요) ottenendo il punteggio più basso. Fino ad allora nessuno avrebbe potuto immaginare che invece quella canzone potesse essere l’inizio di un cambiamento importante nell’ambito musicale. Il singolo e l’album di debutto omonimo, infatti, vendettero 1,5 milioni di copie al primo mese di uscita. I giovani erano entusiasti, la scoperta di una musica diversa che intrecciasse pop, rap, rock e techno rappresentava una sfida, un cambiamento e, si sa, la musica spesso legge le emozioni di un’epoca.  Seo Taiji and Boys vincono il disco d’oro nel 1992 proprio per “I Know”.

Nel secondo album “Hayeoga”, la band inserisce elementi heavy metal e pop e inizia a distinguersi anche per i look: dreadlock, orecchini, jeans strappati, modi e stili diversi che spesso portarono a critiche, censure e anche ad essere estromessi da programmi televisivi. Del secondo album una delle tracce più rappresentative è “Hayeoga/Anyhow Song” (하여가).

Il loro terzo album “Classroom Idea” è forse uno dei più apprezzati, raccoglie meno tracce melodiche, una delle eccezioni è “Dreaming of Bal-Hae” (발해를 꿈꾸며), una canzone di speranza sull’unione delle due Coree. Dello stesso album anche la canzone controversa “Classroom Idea”, una vera e propria critica sociale al sistema educativo nazionale e alla pressione esercitata sui giovani per aver successo scolastico e lavorativo. La canzone venne criticata, censurata e fece fatica ad essere trasmessa nelle trasmissioni televisive e radiofoniche, ma aumentò la fama della band che iniziò a farsi conoscere anche a livello internazionale.  

“Regret of the Times” del 1995 è l’ultimo album della band, i brani raccolti sono tra i più controversi, come nel caso di “Come Back Home”. L’album fu criticato e censurato dal Comitato Etico di performance pubblica, venne chiesto di riscrivere nuovamente o modificare parte dei testi che sembravano di critica nei confronti del governo e della società, come nel caso di “Sidae Yugam”, ma Seo si rifiutò e i fan appoggiarono la band.

Nel gennaio del 1996 la band si sciolse definitivamente anche gravata dallo stress vissuto negli anni precedenti, a febbraio uscì la raccolta “Goodbye Best Album” mentre a giugno, dopo l’abolizione del sistema pre-censura anche dovuto alla pressione dei fan, la canzone “Sidae Yugam” venne pubblicata come singolo in formato integrale senza censure del testo.

Due anni dopo Seo Taiji intraprese la carriera solista e oggi viene considerato “Presidente della Cultura” dai sudcoreani mentre gli altri due componenti della band hanno fondato ciascuno un’etichetta discografica. Yang Hyun-suk ha fondato YG Entertainment che è diventata una delle più importanti del Paese.

L’impatto culturale dei “Seo Taiji and Boys” si estese non solo nel campo della musica, con sperimentazioni e nuovi strumenti, ma anche in quello socioculturale, con nuovi canoni estetici, ideali e voglia di indipendenza, riuscendo a dare voce alle nuove generazioni e aprendo la strada a quella che verrà chiamata “Korean Wave”.

Per qualche minuto vi lascio al 2016 con questa performance dei BTS e la loro versione di “Class Idea”.

Da leggere, ascoltando:

(cliccate sui link per recuperare i collegamenti con canzoni e recensioni)

Grazia

YOLO – You Only Live Once

“Life is short, break the rules. Forgive quickly, kiss slowly. Love truly. Laugh uncontrollably and never regret anything that makes you smile”. (Mark Twain)

Che la vita è breve, lo hanno rimarcato più volte filosofi, poeti e artisti, tutti accumunali da quella logica effimera, eppure così intensa, dell’esistenza umana. Non sempre, però, si sono affannati per raccomandare ai propri lettori e/o ascoltatori di rendere ogni momento unico e indescrivibile, tale che possa contare davvero, perché si vive una volta sola.

Potrebbe sembrare uno di quegli slogan belli e pronti con l’intelligenza artificiale per creare post motivazionali sui social e, invece, esiste davvero un trend particolare partito dall’Estremo Oriente (con una certa forza preponderante in Corea del Sud) che reclama a sé questa “filosofia” di vita. Si tratta dello YOLO trend (acronimo dall’inglese “You Only Live Once”, che per anni in rete è stato utilizzato come meme o come battuta, in coreano reso così: 욜로). Lo YOLO riparte e si intreccia alla tendenza Honjok (di cui abbiamo parlato qui) per ricostruire un atteggiamento comune di molti giovani, della Generazione Millennial e della Generazione Z, un senso che invita ad approcciarsi meglio alla vita, godendo di ogni singolo momento e cercando di evitare l’ansia per il futuro.

Il termine ha iniziato a diffondersi in Corea quando il programma televisivo “Hyori’s Home Stay”, andato in onda nel giugno del 2017, ha reso protagonista una coppia che cercava di vivere tutti i piccoli comfort possibili nel panorama di Jeju. Per la verità nulla di particolare, se non che la coppia in questione amava mostrare quella molle e riflessiva stasi appagante che solo il riposo in uno scenario meraviglioso può dare, dove ogni singolo momento è importante, ma soprattutto dove trovare un vero e proprio stacco mentale e fisico con la routine di ogni giorno, lavoro stressante incluso.

Dopo il COVID e la crisi dell’economia, con scompensi economici particolarmente forti sulle situazioni poco stabili dei giovani, e la risistemazione dei lavori, in alcuni casi con un ammontare orario superiore alla situazione precedente e spesso con un aumento dello stress, si è iniziato a parlare con più facilità della sindrome da burnout e delle forme di depressione unite a questa. I giovani, che durante la pandemia si erano abituati a ritmi differenti, al lavoro da remoto e a godere anche la propria intimità domestica e il silenzio, hanno rilanciato il trend dello YOLO (spesso associato anche all’Honjok), attraverso la creazione quasi di un decalogo di regole per vivere meglio.

Lo YOLO, per essere efficace e dare l’opportunità di stare in pace con se stessi, deve basarsi su un giusto bilanciamento tra lavoro e vita, dove la vita viene prima di tutto, mentre il lavoro deve essere solo strumentale ad essa, senza alcuna identificazione a rischio di perdere se stessi. Inoltre, l’economia dello YOLO è essenzialmente una 1conomy, ovvero un’economia fondata su un mononucleo (da qui la tendenza a rimanere single o, comunque, a non formare nuclei familiari). Poi, lo YOLO predica un certo nomadismo digitale: grazie alla diffusione di device elettronici e di connessioni wi-fi, è possibile rendere flessibile il lavoro con una quota considerevole di smartworking, che ha migliorato l’efficienza proprio perché dà la possibilità di inserire momenti YOLO nella vita dei lavoratori. Efficienza che, secondo gli studi, migliorerebbe con orari lavorativi più ridotti e che ha portato molti a ridiscutere sul proprio orario lavorativo.

Un’altra regola fondamentale di questa tendenza è acquisire abitudini sane di vita, come bilanciare il cibo, bere due litri di acqua al giorno, fare movimento ed esercizio fisico, riorganizzare e ridurre i propri spazi lavorativi, coltivare hobby ed interessi, preferibilmente da soli, perché è il metodo migliore per riscoprire se stessi. Per questo motivo, esistono blog, gruppi online, forum, ma anche podcast e, infine, pacchetti di corsi e di attività, che spiegano la via del benessere mentale, come il raggiungimento della felicità delle piccole cose da fare da soli.

La tendenza, però, è oggetto di forti critiche non solo perché è radicata su un individualismo estremo (che, con l’indice di natalità sudcoreano pari a zero, diventa quasi pericoloso), ma anche perché sulla base dello YOLO tutto viene pianificato per un breve termine e mai con una prospettiva troppo futura. Così, ad esempio, i giovani, privi di vere sicurezze lavorative ed economiche, tendono a fare delle assicurazioni per la salute brevi, che rischiano di farli rimanere scoperti in determinati periodi.

Di recente, si è diffuso un nuovo trend, quello del “Godsaeng” (dall’inglese “God”, Dio, e dal coreano “saeng”, vita), con l’intento di indicare (uno di stile di vita) “perfetto” da seguire, eliminado quelle incongruenze presenti nello YOLO. Chi segue la teoria Godsaeng, di fatto, parte da quest’ultimo, ma si sposta dal benessere esclusivamente individualistico e pone l’accento sul rendere la propria vita industriosa e attiva. Per questo motivo, i Godsaeng sono spesso fuori di casa per qualsiasi cosa (un pasto, una passeggiata per il parco, un giro per i negozi), anche e soprattutto da soli, senza progettare grandi eventi. A differenza del puro YOLO, che cerca di vivere il presente, il Godsaeng non si fa scoraggiare dall’immaginare una prospettiva futura, ma è molto più pragmatico nel suo approccio con l’ordinario di tutti i giorni.

Il fatto che il top per tutte queste tendenze analizzate finora in Corea, sarebbe il  FIRE (Financial Independence, Retire Early), un atteggiamento che invita a guadagnare molto per, poi, ritirarsi presto dal lavoro ed essere finanziariamente indipendenti e viaggiare per il mondo, fa capire chiaramente l’incidenza che queste nuove tendenze hanno avuto anche dal punto di vista terapeutico.

Forse, al di là di queste tendenze, che rischiano di venire schiacciate dalle mode del momento, bisognerebbe capirsi e anche perdonarsi: perché va bene ottenere tutti i risultati positivi e migliorare le proprie posizioni, ma va bene anche fallire e, per riprendere un adagio di un vecchio film, fallire alla grande.

Per favore, siate gentili con voi stessi.

Laura