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Wedding Impossible – Facciamo finta di …

“E’ impossibile essere sempre sinceri. La vita è piena di bugie per nascondere le proprie debolezze o la propria goffaggine. Abbiamo mentito per diventare qualcuno di migliore”.

“Wedding Impossible” è una serie la cui tematica è principalmente quella della finzione, nessun personaggio è se stesso e, anzi, spesso ognuno di loro finge proprio con se stesso.

Na Ah -jung (Jeon Jong- seo, “Money Heist Korea”, “Ballerina”) è una brava attrice, ma la sua carriera non è mai decollata e si è dovuta sempre accontentare di piccoli ruoli, spesso anche solo comparse. Ah-jung giustifica, nei confronti della famiglia, la sua passione per l’arte della recitazione fingendo di credere che prima o poi riuscirà a conquistare anche lei quel suo piccolo spazio sotto i riflettori che da tanto ha sempre desiderato. I suoi piccoli ruoli interpretati per anni l’hanno resa flessibile ad immedesimarsi in molti personaggi e ad entrare nella loro psicologia, così, quando il suo amico Lee Do-han le rivolge una richiesta inaspettata e imprevedibile, la ragazza riesce abilmente a costruire un ruolo che possa essere d’aiuto al suo amico.

Lee Do-han (Kim Do-wan, “Doona!”, “Start-up”) è amico di Ah-jung fin dai tempi della scuola, è il figlio maggiore di una famiglia altolocata e ricca che guida il “Gruppo LJ” e dovrebbe ereditare dal nonno la conduzione dell’azienda e tutte le responsabilità che ne derivano. Do-han che ama l’arte e l’architettura, è fuggito negli Stati Uniti per qualche tempo proprio per evitare qualsiasi responsabilità, perché non crede di essere tagliato ad assumere un ruolo di questo tipo, non si sente a proprio agio e, inoltre, la famiglia vorrebbe che si sposasse presto, ma Do-han ha un segreto personale che non può confidare loro, così, per compiacere la famiglia, si rivolge all’amica Ah-jung e le propone di interpretare il ruolo più importante della sua vita, fingere di essere sua moglie, ovviamente dopo essersi accordati come lasciarsi in un futuro prossimo senza dare troppo nell’occhio.

Ah-jung, alla proposta dell’amico, reagisce all’inizio con una certa ritrosia e un certo timore, ma si fa poi convincere da lui, desidera aiutarlo e forse non calibra bene le conseguenze di quella scelta, anzi, entrambi i ragazzi non immaginano quanto questa scelta, che dovrebbe solamente coprire Do-han, influirà, in realtà, nel loro futuro, soprattutto con la comparsa del fratello minore di Do-han, Lee Ji-han (Moon Sang-min) che ha da sempre vissuto nella contemplazione e nella stima costante del fratello, ma che ora la sua decisione affrettata di sposarsi con una ragazza che lui nemmeno conosce lo fa agitare.

Ji-han inizia da subito a sospettare di Ah-jung e cerca di capire quale sia la relazione tra lei e il fratello, da quanto tempo si conoscono e quale affinità possa esserci tra loro, iniziando a “tormentare” la ragazza, seguendola nei suoi provini, facendo conoscenza della sua famiglia, seguendola nei suoi spostamenti perché i suoi sospetti crescono ogni giorno di più. Ji-han, inoltre, per sabotare totalmente il matrimonio del fratello, cerca anche di coinvolgere l’ereditiera Yoon Chae-won (Bae Yoon-kyoung) che vorrebbe come moglie di Do-han.

Il destino, però, gioca uno scherzo inaspettato nel cuore di Ji-han che, avvicinandosi a Ah-jung per farla allontanare dal fratello, tentando ogni mezzo di persuasione, si sente attratto da lei, ma cerca di nascondere il suo sentimento per rispetto del fratello e perché non crede che possa essere vero.

D’altra parte, anche Ah-jung inizia a provare qualcosa per Ji-han, ma non vuole ammetterlo e finge con se stessa per nascondere i propri sentimenti. Come potrebbe mai giustificare un suo coinvolgimento emotivo e sentimentale, mandando all’aria il suo matrimonio con Do-han, matrimonio che, seppur finto, ormai l’ha messa sotto i riflettori della società perché futura sposa di un erede di una delle famiglie più ricche del Paese.

Nel momento in cui Ji-han accetta la futura cognata, la ragazza inizia a pensare a tutta quella condizione, alla sua scelta, si intristisce e si sente incompleta perché nel suo cuore ormai ha accettato di amare Ji-han e il non poterlo ammettere all’esterno la pone di fronte ad un senso di inquietudine e di incompletezza.

Ji-han capisce di amare Ah-jung, ma non può fare torto al fratello e finge con se stesso di stare bene e di non provare alcun sentimento, ma, spesso, l’onestà e la chiarezza con se stessi e con il proprio cuore può far sentire in difficoltà all’inizio, ma è qualcosa di liberatorio che i ragazzi proveranno a lungo termine.

Ah-jung può fingere davvero di essere la sposa di un ragazzo per il quale non prova alcun sentimento di amore se non solo di amicizia? Crede davvero di aiutare così il suo amico Do-han?

Do-han può continuare a fingere di essere fidanzato con la sua amica e progettare un matrimonio nascondendo alla famiglia il suo segreto, la sua omosessualità che non riesce a confidare al nonno e nemmeno al fratello? Crede davvero di riuscire a proteggere se stesso con un matrimonio segreto?

Ji-han può tacitare così a lungo il suo sentimento di affetto verso Ah-jung cercando di non ferire il fratello?

Uno cerca di proteggere l’altro, ma fingere può davvero essere la chiave del cuore? Anche per trascorre del tempo insieme e far finta di niente?

“Perché non facciamo finta di essere degli sconosciuti? Sarebbe tutto più facile.”

La commedia, si sa, è il genere che più riesce a convogliare in sé diverse tematiche e il meccanismo della finzione nella finzione è alla base del teatro; da secoli, infatti, nel teatro la finzione è sempre servita per andare a mascherare la paura e l’angoscia e difatti i tre protagonisti di questa storia sono i prototipi di tre persone che fingono per cercare di nascondere se stessi, per paura di confrontarsi con il giudizio della società. Ah-jung cerca di proteggere se stessa dall’essere giudicata un fallimento nel lavoro e nelle sue aspirazioni, in quella passione artistica che doveva essere anche la sua professione, Do-han crede che fingendo di essere un’altra persona, quella che gli altri vorrebbero vedere, possa così custodire nel suo cuore triste un segreto di cui non riesce a parlare per timore di ricevere giudizi che potrebbero ferirlo e facendolo così apparire come egoista, pensando solo a se stesso e non preoccupandosi per le persone che sono accanto a lui come la sua amica e suo fratello minore Do-han che ha sempre vissuto nella sua ombra. Ji-han è il personaggio che più finge con se stesso, con i suoi sentimenti, perché ha una scarsa considerazione della sua capacità di provare affetto e ha una forte difficoltà a perdonarsi a causa di un evento tragico che ha coinvolto la sua famiglia e di cui si crede responsabile.

“Wedding Impossible” è una serie gradevole non priva di scene comiche che strappano un sorriso, ma anche ricca di spunti di riflessione come quello di accettare se stessi, per come si è, senza ricorrere a bugie: perché nel momento in cui si riconosce una propria debolezza, si è già migliori.

“E’ impossibile essere sempre sinceri. La vita è piena di bugie per nascondere le proprie debolezze o la propria goffaggine. Abbiamo mentito per diventare qualcuno di migliore. Ma ora so che qualunque sia il mio aspetto, in qualunque situazione mi trovi, ti avrò al mio fianco. Ora so che con te posso essere come sono veramente”.

P.S. non faccio spoiler, ma negli episodi finali c’è il cameo di tre attori famosi e, con questo, vi lascio una curiosità 😉

Grazia

Come suona la recensione?

Cronache dal Milano Comics & Games (11-12 maggio 2024)

E, come direbbero gli SHINee, I’m BACK BACK BACK!!! Ciao a tutti, sono Alessandra ed eccomi qui per raccontarvi della fiera del fumetto del Milano Comics and Games; inizio con il dirvi che le fantastiche sorelle della pagina erano presenti e quindi abbiamo passato del tempo insieme, però ho chiesto loro gentilmente se il post della fiera potevo scriverlo io e quindi eccomi qua ^_^.

Brevemente, fiera stupenda come al solito, che per noi fanatici di questo mondo è sempre entusiasmante ed emozionante sia per i vari stand che variano dai lavori fatti a mano (c’erano degli artisti che realizzavano dei disegni veramente bellissimi) ai Funko Pop, alle Action Figure etc… sia per i cosplayer di ogni età perché, ammettiamolo, per rappresentare il proprio personaggio preferito non ci si ferma al sesso, all’età o alla forma fisica, ma all’interpretazione e i sentimenti che si provano per quel personaggio. La zona per giocare a carte invece era posizionata in un altro padiglione per consentire la giusta concentrazione. Oltre a tutto questo, però, una delle cose più belle che si trova in fiera sono gli eventi, ahimè, alcuni si sovrappongono e quindi bisogna scegliere a quale assistere e in alcuni casi sacrificare (come è capitato a me) la fine di un evento per lasciare il posto ad un altro.

Onestamente la mia area preferita non poteva che essere quella coreana con le fantastiche organizzatrici di K.S.T. (K-pop Show Time) che, come ad ogni fiera, organizzano i vari Contest con la propria giuria.

Sia i solisti che i gruppi erano veramente bravissimi – poveri giudici! Decretare i vincitori delle categorie non è stato facile, ho registrato alcuni spezzoni delle esibizioni sia dei solisti che dei gruppi, nonostante la comparsa del mio ventaglio nei video (ahahah!), poiché il palco era nella zona esterna della fiera, c’era il sole (oltre al caldo) e non riuscivo a vedere benissimo quello che registravo, però, come detto precedentemente, ho dovuto sacrificare la fine del contest e di questo mi spiace molto perché non sono riuscita a vedere l’ultima esibizione di gruppo per andare a prendere posto al concerto di Cristina D’Avena.

Il concerto si è tenuto nel palco principale della fiera, una volta arrivata lì, ho visto esattamente 5 minuti di intervista di Carlotta Brambilla e Manuela Blanchard direttamente da Bim Bum Bam. Sono riuscita a prendere un posto abbastanza davanti al palco ed esattamente 2 minuti dopo il mio arrivo non riuscivo più a spostarmi, visto quante persone erano arrivate per poter assistere al concerto della regina delle sigle dei cartoni animati.

Non importa quante volte una assista ad un concerto, non importa quanti anni hai, non importa quanti anni siano passati dall’ultima volta che hai cantato quella sigla, perché ricorderai magicamente tutto e inizierai a cantare ed ad agitarti tornando veramente un bambino con i ricordi dell’infanzia che ti passano per la mente.

La prima canzone che ha cantato è stata l’opening del videogioco di Geshin Impact, la prima sigla invece Pollon, per continuare con I Puffi (e, come ha detto Cristina, quando ci fanno arrabbiare dobbiamo dire Puffafero!), Memole, Dragon Ball, Kiss Me Licia (dove ha ricordato che per girare il telefilm è diventata una delle prime cosplayer), ha continuato con la sua canzone preferita della serie di Sailor Moon ovvero Sailor Moon e il mistero dei sogni, One Piece, Doraemon, un medley delle tre canzoni di Holly e Benji (mi aspettavo anche il forever, ma niente), Magica Emi – al momento di Pollyanna vedevo i volti dei più giovani in preda al panico (ahah!) – , poi è stato il turno dei Pokémon (ho avuto i brividi), E’ quasi magia Johnny (il momento più divertente è quando ci stavamo preparando a cantarla perché la voce stava iniziando a mancare e quindi ci diceva: “Voglio la voce susu!”) e per concludere non potevano che esserci loro… le tre sorelle furbissime Occhi di Gatto!! Dopo i ringraziamenti e le foto sul palco (sono state postate anche sul suo profilo IG, nel video della fiera mi si vede anche, ahah), è salita dell’area per fare gli autografi.

Si pensava la fiera fosse finita?? E invece no, eccezionalmente solo il sabato c’è stato un after party Food & Fun dalle 19.00 alle 21.00 dove si poteva rimanere nell’area esterna e mangiare a ritmo di musica.

In conclusione mi sono divertita moltissimo e spero che in questo articolo sia riuscita a portare anche voi nella giornata in fiera di sabato.

Grazie a tutti voi specialmente a Laura e Grazia e alla prossima!!!! (Sì, perché già posso spoilerarvi che tornerò con l’evento più importante di quest’anno!!!)

Ciauuuuuuuuu

Alessandra

Miniepisodes di “Giovani, Carini e Disoccupati”: Choco Bank & Romance Blue

Poco tempo, ma tanta voglia di guardare un drama, che sia romantico e sognante, psicologico, nostalgico, ma quasi fiabesco, quasi una terapia per superare i momenti bui e recuperare noi stessi? Di seguito due piccoli consigli, da guardare tutti d’un fiato.

Choco Bank – romance/comedy/business di 6 episodi da 15 minuti l’uno

Kim Eun-haeng (Kai degli EXO) è stato chiamato dal padre come la banca, quasi predestinato dai genitori ad un luminoso futuro in finanza. Per questo motivo, una volta laureatosi brillantemente in economia, persegue il loro sogno di andare a lavorare in banca, guadagnare molto e avere un posto fisso. Solo che non sempre la realtà va secondo i sogni: Eun-haeng, disoccupato da cinque anni, ogni mattina esce in giacca e cravatta per fare colloqui e continuare ad incamerare rifiuti e umiliazioni, mentre sua madre crede che stia seguendo la sua strada.

Ha Cho-co (Park Eun-bin di Avvocata Woo) sin da piccola ha desiderato diventare una maître chocolatière, come il personaggio romantico di Juliette Binoche in “Chocolat” e ha aperto un negozio tutto suo, dove si respira un’atmosfera fatata di cacao e vaniglia. Solo che non ha il pallino per gli affari e il suo negozio va irrimediabilmente in perdita.

Un giorno, i due si incontrano o, meglio, si scontrano quasi per caso, trovandosi inaspettatamente in una situazione di debito/credito l’uno nei confronti dell’altra. Due caratteri opposti, un matematico pragmatico e calcolatore e una sognatrice stravagante e sulle nuvole, che, però, troveranno un’alleanza, fondando la Choco Bank, un posto dove si può bere una cioccolata calda, mangiare una fetta di torta e avere una consulenza finanziaria gratuita, ma, soprattutto, un posto che sa offrire calore e aiuto alle persone, senza ricorrere alle grandi banche. Riusciranno a superare insieme gli ostacoli, anche quando verranno notati dal mondo della finanza?

Ci sono i problemi giovanili, il romanticismo, la disoccupazione, l’empatia e tanto cioccolato in questa storia che sa confortare il cuore e che si vede tutta d’un fiato, magari in una giornata di pioggia in compagnia di una tazza fumante.

Romance Blue – romance/comedy/healing di 6 episodi da 18 minuti l’uno

Min Woo (Park Min-woo) lavora come fidanzato professionale, il “fidanzato dei sogni” delle clienti che vogliono vivere un appuntamento ideale per un solo giorno.
Ji Ahn (Kim Ji-ahn) è una scrittrice professionista di lettere per coloro che non riescono a comunicare i propri sentimenti alle persone amate.
Entrambi hanno inventato un lavoro ed entrambi vendono l’idea di amore, ma sanno davvero cos’è l’amore? Cosa significa innamorarsi?

Un drama che riesce a sorprendere in sei brevi episodi, ma, grazie alla bravura dei protagonisti, abbraccia tematiche profonde e attuali, come quella dei sentimenti che sfumano e dell’idea di amore nella società moderna, oltre alla tematica del lavoro.

Il titolo del drama deriva dal termine “marriage blues”, ovvero la sensazione di depressione che una persona può provare prima di sposarsi o nel caso, ad esempio, di questa storia, viene descritta la depressione che una persona può provare prima di iniziare un nuovo amore o il timore di essere feriti o di lasciarsi andare a dei sentimenti che stravolgono la propria esistenza.

Buona visione!

Laura & Grazia

Sisyphus: The Myth (ovvero del destino umano, del futuro e delle plaghe della memoria)

“Se vi è un destino personale, non esiste un fato superiore o, almeno, ve n’è soltanto uno, che l’uomo giudica fatale e disprezzabile. Per il resto, egli sa di essere il padrone dei propri giorni. In questo sottile momento, in cui l’uomo ritorna verso la propria vita, nuovo Sisifo che torna al suo macigno, nella graduale e lenta discesa, contempla la serie di azioni senza legame, che sono divenute il suo destino, da lui stesso creato, riunito sotto lo sguardo della memoria e presto suggellato dalla morte“.

(Albert Camus, “Il mito di Sisifo“)

Secondo la mitologia greca, Sisifo, figlio del dio del vento Eolo e dell’umana Enarete, descritto da Omero come “il più astuto tra gli uomini“, un giorno decise di sfidare gli dèi e, dopo aver ottenuto con scaltrezza e con ricatti diversi benefici per la sua città, imprigionò Thanatos a casa, rendendo impossibile la morte. Per punizione, una volta condotto nell’Ade, fu costretto a spingere sul fianco ci un monte un masso enorme, che, una volta arrivato in cima, rotolava nuovamente fino alla base. Così, per l’eternità, a dimostrazione dell’inutilità della sua astuzia, ma anche dell’esistenza umana stessa. Come tale, il mito è divenuto nel tempo materia perfetta per discussioni filosofiche varie, che hanno visto nella sua figura mitica la personificazione delle fatiche umane, della lotta per la conoscenza superando anche i limiti consentiti e dell’assurdità della vita, rendendo Sisifo l’anti-eroe più celatamente eroico e più vicino agli umani di qualsiasi altro personaggio.

Come tale, il mito di Sisifo viene ripreso dal drama coreano “Sisyphus: The Myth” (시지프스: the myth), che si inspira al mito greco, incorporando la sua interpretazione più prettamente camusiana, ma virando verso un sci-fi stanco e nostalgico, in puro stile “Terminator” o “L’esercito delle 12 scimmie“, dove le dimensioni spaziali e le linee temporali si vanno a confondere e ad intersecare, trovando corrispondenze in punti lontani e infinitesimali, inserendosi tra quei non-luoghi costituiti dalla memoria dei ricordi.

Il Sisifo in questione è Han Tae-sul (interpretato dal poliedrico Cho Seung-woo, “Il divorzista“, “Stranger“), ingegnere e fisico geniale, anche piuttosto bizzarro e con punte di arroganza, fondatore e CEO dell’azienda Quantum and Time (da cui grazie, a nome di tutti gli appassionati di sci-fi, per quest’occulta citazione a “Quantum Leap“). Per la verità, nonostante, a prima vista, la sua azienda sembra produrre semplicemente Hi-Tech e informatica, il nome stesso nasconde uno dei suoi obiettivi principali (e, inizialmente, inconsapevoli): il quantum time flip, noto anche come salto quantico, in fisica descrive il moto e la possibilità delle particelle di luce di viaggiare contemporaneamente nel tempo, sia avanti che indietro, perché le leggi della natura sembrano indifferenti alla distinzione tra passato e futuro e il tempo non scorre solo in modo unidirezionale.

Salvatosi miracolosamente da un incidente aereo, Han Tae-sul inizia ad avere allucinazioni, che diventano sempre più reali e riguardano soprattutto il fratello maggiore Han Tae-san (interpretato da Heo Joon-seok, visto anche in “Sweet Home“), morto misteriosamente tempo prima e ossessionato su un’incipiente fine del mondo. Nonostante Eddy Kim, migliore amico di Tae-sul e co-CEO della Quantum and Time (interpretato da Tae In-ho, visto in numerose produzioni, tra cui “Madame Antoine“, “The King: Eternal Monarch” e “Just Between Lovers“), e Kim Seo-jin, psichiatra, figlia del presidente della Quantum and Time, nonché ex fidanzata di Tae-sul (interpretata da Jung Hye-jin, vista in “Healer” e “Rugal“), riescano, in un primo momento, a convincerlo che sia tutto generato dallo stress per l’incidente, qualcosa scende dal cielo nella vita di Tae-sul.

Si tratta di Kang Seo-hae (interpretata da Park Shin-hye di “Doctor Slump“, “Memories of the Alhambra“, “The Heirs” e tanti altri), una ragazza misteriosa, carica di armi e di oggetti rosa, scontrosa come un’eremita, ma collezionista di foto dei BTS, che si materializza dal futuro con il preciso compito di trovare Tea-sul e di impedirgli la costruzione della macchina del tempo o di qualsiasi altra cosa possa inventarsi per viaggiare nel continuum spazio-temporale, visto che tale invenzione servirà ad un gruppo di terroristi del futuro per tornare indietro e generare una serie di esplosioni nucleari, destinate a cambiare il volto della Corea. Per cui, con un’invenzione tra Terminator e Sarah Connor (vedi il riferimento non-casuale a “Terminator 2 – Il giorno del giudizio“), la Terminator Kang Seo-hae arriva per cercare, ostacolare e, in definitiva, salvare Tae-sul, quasi erede di Sarah Connor.

Non sempre, però, tutti i piani vanno secondo le intenzioni. Il piano di Seo-hae, ad esempio, travolge Choi Jae-sun (interpretato da Chae Jong-hyeop, protagonista di “Eye Love You” e “Castaway Diva“), un giovane lavoratore sottopagato di un ristorante, che diventa presto complice dei piani della ragazza del futuro, un mancato fratello, che non ci si aspetta di trovare, e coinvolge Tae-sul in modo inaspettato, quasi riscrivendo più volte il futuro. Il piano di Seo-hae e Tae-sul sconvolge Eddy Kim, che, a dispetto della sua aria da bravo ragazzo e dei completi impeccabili, sa nascondere molte cose, il consiglio d’amministrazione e gli azionisti della Quantum and Time, il Control Bureau Team 7, una serie indeterminata di persone, viaggiatori del tempo, terroristi di ogni sorta. Tutti sono sconvolti dall’Asia Mart del sornione e ambivalente Park Hyeong-do (interpretato da Sung Dong-il, sempre una sicurezza di tanti drama e film, tra cui “Hwarang“, “My Girlfriend is a Gumiho“, “Miss Hammurabi“, “Jirisan“), che, fino alla fine, non si capisce cosa possa combinare.

Poi, c’è il misterioso Sigma (interpretato da Kim Byung-chul di “Goblin” e “All of us are dead“), personaggio inquietante e drammatico al tempo stesso, conoscitore del tempo e del suo flusso e sua vittima più grande.

Come le particelle di luce viaggiano nel tempo e nello spazio, causando diverse varianti della realtà, intersecate, pronte ad unirsi e ad allontanarsi fra loro, noi stessi viaggiamo continuamente, senza necessità di prendere una macchina del tempo, come minuscole particelle sparse nella memoria, chiamate ricordi. La natura stessa del ricordo nega la temporalità e disconosce la differenza tra passato e futuro, i cui confini sfumano e assumono gli stessi contorni in un continuo presente: “Il futuro è già arrivato, solo che non lo sappiamo ancora“, perché “il futuro è lo specchio del passato“, solo che, talvolta, “lo specchio può essere più veloce di noi“.

Esistono frammenti dove il tempo non esiste e che continuano per sempre e tali frammenti si nascondono nelle plaghe della memoria, tratti non circoscritti, né delimitati, ampi e stretti al tempo stesso, possibilmente ingrandibili, eppure in grado di essere contenuti in una tasca, grandi e minuscoli in un’unica volta, come un pugno di granelli di sabbia. Tali frammenti sono costituiti da quei ricordi lieti, leggeri e soavi, quei ricordi che custodiamo in una parte così ben protetta nel nostro cervello, che nemmeno il tempo o l’assurdità della vita possono intaccare, come istantanee di attimi, che sembrano durare un’eternità e dentro cui ci rifugiamo, quando vogliamo evitare tutto ciò che di orribile c’è nel mondo. Vivere all’interno di quei ricordi non è impossibile: è come congelare una breve frazione di serenità e tornarci sempre, anche a costo di viverla più volte, per superare l’infinita e vana ripetizione della fatica dell’esistenza, fatta da tutti quei tentativi di provare e riprovare, senza arrivare a nulla, l’unica soluzione per evitare la deflagrazione.

“Abbiamo tutti momenti brevi, ma felici. Sono quelli che ci spingono ad andare avanti“.

Sisifo vive una condanna che si ripete per l’eternità. Come il protagonista di questa serie sci-fi, corre contro l’impossibile, tentando di evitare l’inevitabile e, ogni volta, arriva ad un punto di non ritorno, costretto a rivivere un ritorno sempre identico di eventi. In questa spirale continua, Sisifo diventa molto camusiano: per lottare contro l’assurdità continua dell’esistenza, l’unica vera risposta di ribellione può essere data dalla sopportazione, perché solo in quest’ultima è possibile trovare la libertà, ovvero la sopportazione del proprio destino, senza accettazione di esso, vivendo l’intensità della vita nel singolo istante di un momento felice, rifugiandosi nelle plaghe della memoria per rifiutare l’assurdità del destino umano. Continuando con le parole di Camus, che avevano fatto da incipit a questa recensione:

“[Sisifo], persuaso dell’origine esclusivamente umana di tutto ciò che è umano, cieco che desidera vedere e che sa che la notte non ha fine, (…) è sempre in cammino. Il macigno rotola ancora. Lascio Sisifo ai piedi della montagna! Si ritrova sempre il proprio fardello. Ma Sisifo insegna la fedeltà superiore, che nega gli dei e solleva i macigni. Anch’egli giudica che tutto sia bene. Questo universo, ormai senza padrone, non gli appare sterile né futile. (…) Anche la lotta verso la cima basta a riempire il cuore di un uomo. Bisogna immaginare Sisifo felice“.

Sisifo è felice perché nella sua condanna diviene consapevole dei propri limiti e, per tutta risposta, assume su di sé il proprio destino.

Laura

Come suona la recensione?

L’antologia di Yukie Chiri e la cultura Ainu

Hokkaido è l’isola più a nord del Giappone e patria dell’antica popolazione indigena, gli Ainu. Gli Ainu (il cui significato della parola è “uomini”, secondo la loro lingua) sono una popolazione di origini antiche e misteriose, con lingua, cultura, tratti somatici differenti da quelli giapponesi. Gli uomini, dai capelli lunghi e dalle barbe folte erano spesso cacciatori e pescatori, mentre le donne, che tatuavano in età di matrimonio, mani, braccia e labbra, erano detentrici della cultura e delle tradizioni orali del popolo.

Alla fine dell’Ottocento, l’isola di Hokkaido diventò parte dell’Impero del Grande Giappone e gli Ainu furono costretti ad adottare nomi giapponesi e ad adattarsi ad una nuova cultura. Nella panoramica storica e culturale dell’epoca Meiji, in Giappone, il governo coloniale dell’Hokkaido aumentò l’immigrazione di persone di etnia giapponese a Hokkaido, trasferendo, in contemporanea, molte comunità Ainu, cercando anche di scoraggiare le loro pratiche culturali e tradizionali, forzando la loro assimilazione nella società giapponese, unico modo per sopravvivere e sostenersi.

Proprio in quell’angolo di mondo, nel pieno del periodo Meiji, nacque l’8 giugno del 1903 Yukie Chiri da una famiglia Ainu originaria di Noboribetsu. A sei anni, a causa di alcuni problemi finanziari dei genitori, venne mandata dalla zia Imekanu, missionaria Ainu e poetessa lirica che aveva già raccolto un patrimonio poetico da sua madre, esperta narratrice di storie Ainu.

Imenaku si convertì al cristianesimo e nell’ambiente della Chiesa conobbe il missionario laico John Batchelor laico John Batchelor, uno dei più esperti studiosi della lingua e della cultura del popolo Ainu.

Batchelor presentò a Imenaku, Kyōsuke Kindaichi, linguista ed etnologo che in quel periodo stava intraprendendo gli studi in merito agli yukar, saghe epiche della letteratura tramandate oralmente in lingua Ainu.

Yukie Chiri che, nel frattempo, era diventata perfettamente bilingue (Ainu e giapponese) e, nonostante il bullismo subito a scuola a causa dei pregiudizi nei confronti del suo popolo di appartenenza e un complesso senso di inferiorità etnica di cui soffrivano la maggior parte dei ragazzi della sua età, eccelleva negli studi linguistici e aveva la capacità di memorizzare interi racconti orali tradizionali.

Kyōsuke Kindaichi che aveva già conosciuto la zia Imenaku, trovò in Yukie Chido una ragazza dal talento linguistico superlativo e riconobbe in lei delle capacità e del potenziale unici. Le volle, quindi, parlare del suo lavoro, della sua ricerca di trasmettitori Ainu della letteratura orale per la conservazione del folklore e la preservazione delle tradizioni culturali di un popolo che non era rappresentato.

Yukie si entusiasmò del progetto di Kindaichi, la sua esigenza di affermazione come rappresentante di una cultura orale a rischio di estinzione, la portò a collaborare con il linguista. Non potendo, però, viaggiare per un problema cardiaco fin dall’infanzia, Yukie Chiri ricevette da Kindaichi, che nel frattempo era tornato a Tokyo, dei quaderni vuoti dove poter annotare tutto ciò che le veniva in mente sulla cultura e la lingua Ainu e dove poter trascrivere i canti della nonna.

La lingua Ainu, però, non ha una scrittura e le parole sono aria, vento e voce, per cui, la ragazza iniziò a trascrivere prima i suoni in alfabeto romano, per esprimere meglio i suoni della sua lingua e poi li tradusse in giapponese. Pian piano, quindi, portò avanti la sua raccolta e trascrizione degli yukar.

Nel 1922 Yukie Chiri riuscì a raggiungere Tokyo e a collaborare attivamente al progetto di Kindaichi, nella traduzione e nella raccolta delle storie, ma dopo qualche mese, nella stessa notte in cui aveva completato la sua prima antologia yukar, morì per un’insufficienza cardiaca, all’età di soli 19 anni.

L’anno seguente l’antologia di Yukie Chiri fu pubblicata con il titolo “Ainu Shinyōshū” (“Una raccolta delle epopee degli dei Ainu”), ma Kindaichi portò in stampa il manoscritto con il solo nome della ragazza che aveva curato prefazione e contenuto.

L’opera ottenne grandi consensi all’epoca e aiutò a creare uno spirito di ritrovato rispetto per la cultura del popolo Ainu tra i lettori giapponesi.

Ancora oggi è una delle opere di maggiore spessore e importanza per quanto riguarda lo studio dello yukar.

Anche il fratello minore di Yukie Chiri continuò la stessa strada della sorella e divenne un apprezzato studioso linguista.

Nell’aprile del 2019 il governo giapponese promulgò la legge che riconosce gli Ainu come popolo indigeno del Giappone, eliminando ogni forma dispregiativa nei loro confronti.

A quasi cento anni dalla scomparsa di Yukie Chiri, nel 2020, è stato inaugurato un museo nazionale dedicato agli Ainu, l’Upopoy e il Parco nazionale che circonda il museo. All’interno molte stanze espositive, laboratori multimediali e spettacoli di musica e danza tradizionali, tra cui la “danza dell’antico rito Ainu”, riconosciuta dall’UNESCO come Patrimonio culturale immateriale dell’umanità.

La vita della giovane Yukie Chiri così breve, ma così importante è ancora oggi simbolo dell’identità culturale e linguistica di un popolo, una giovane ragazza che fa parte della Storia, quella da ricordare e da raccontare.

Vi lascio il riferimento del link del Museo Nazionale dedicato agli Ainu: https://ainu-upopoy.jp/en/

Grazia

Eye Love You

“Ascoltaci. Ascolta le nostre grida. Il nostro amico è intrappolato sotto un albero, non riesce a muoversi”.

Gli animali guardavano la ragazza negli occhi, supplicandola in cuore loro: “Salvalo, ti prego”.

E la ragazza salvò lo scoiattolo intrappolato sotto l’albero. Quella ragazza aveva un potere speciale: quando incrociava lo sguardo di qualcuno, riusciva a sentire la voce nel suo cuore.

Una leggenda Ainu (antico popolo indigeno del Giappone del Nord, in particolare dell’isola di Hokkaido) narra di una persona che salvava uomini e animali dopo aver sentito la voce di un dio (kamuy) che le aveva salvato la vita.

Ohainu è il potere di sentire le voci, il potere di sentire la voce di Dio che per la cultura Ainu, animista e avvolta nel mistero e nel contatto con le voci della natura, del vento e degli spiriti, è un dono divino ed è il fulcro della storia di questo drama.

Motomiya Yuri (Fumi Nikaidō, vista in “Shogun” e “Himizu”, dove ha vinto il Premio Mastroianni alla Mostra del Cinema di Venezia) è l’amministratore delegato di una piccola azienda di cioccolato e caffè “Dolce & Chocolat” che ha aperto anni prima con i suoi amici Akito Hanaoka (Taishi Nakagawa, “You, Me & Bach” e “Burn the House Down”) che cura la parte amministrativa e commerciale e Mahiro Ikemoto (Mizuki Yamashita) maitre chocolatier e specialista di cioccolato.

Dodici anni prima, Yuri era stata vittima di un incidente nelle acque di Hokkaido dove si era recata con il padre per andare a vedere le lontre marine di cui entrambi erano appassionati. Yuri, dopo l’incidente, ha acquisito la capacità di sentire nella sua testa i pensieri delle persone quando le guarda negli occhi, cominciando da suo padre che, a causa dell’incidente, è rimasto paraplegico, a letto, e comunica con la figlia tramite la telepatia.

Questo potere rende la ragazza ancora più empatica nei confronti degli altri, ma nello stesso tempo lei stessa teme, quotidianamente, di scoprire segreti o pensieri che la possano rattristare. Il suo è un eterno combattimento tra cuore e sentimenti, tra pensieri e mente, e, in questa confusione, il suo costante naufragare tutti i giorni nella solitudine e nella malinconia, senza potersi confidare con nessuno.

A volte provare amarezza è inevitabile e Yuri lo ha sempre saputo, da quando suo padre le spiegava fin da piccola:

“Il cacao può essere dolce o amaro a seconda di come lo usi. Proprio come la vita, può essere dolce o amara, dipende tutto da te”.

Questo è stato sempre un motto di Yuri per affrontare la vita e al cioccolato si è dedicata anche come lavoro e quasi come una continuazione affettiva.

Un giorno, nella vita di Yuri, si presenta un ragazzo di buon cuore e dalla personalità brillante e gentile, Yoon Tae-oh (Chae Jong-hyeop, “Castaway Diva”, “Love All Play”), studente coreano che si trova in Giappone per lavoro e studio e che nei confronti della ragazza prova da subito simpatia e affetto.

Tae-oh, però, pensa nella sua lingua e per Yuri è un pianeta sconosciuto perché non riesce a leggere i suoi pensieri.

All’inizio la ragazza, anche se incuriosita, cerca di non avvicinarsi troppo perché costantemente insicura per via del suo potere che l’ha sempre allontanata da eventuali relazioni affettive, ma poi capisce di trovarsi di fronte ad una persona onesta in merito a sentimenti, un ragazzo al quale importa veramente della sua serenità e della sua felicità e Yuri, pur non riuscendo a comprendere i pensieri di Tae-oh, comprende il suo essere, le sue emozioni.

“Anche se incrocio il suo sguardo e sento i suoi pensieri, non devo preoccuparmene. Non ho mai conosciuto nessuno così. Stare con una persona di cui non posso leggere i pensieri mi fa sentire a mio agio”.

C’è qualcosa legato, però, al potere di Yuri che si perde in un tempo lontano, nella fredda Hokkaido, tra le leggende degli Ainu e che potrebbe svelare alcune verità importanti nei risvolti della vita e del suo futuro, basta riuscire ad interpretare le parole e a leggere i pensieri o i suoni del vento.

“Eye Love You” non è solo una storia d’amore, è una combinazione di culture che attraverso la parola, i gesti, la generosa corrispondenza di tradizioni, a partire da quelle culinarie, non fanno altro che arricchire le esperienze di vita e ci fanno avvicinare alla parte più nobile dell’umanità, spesso nascosta, e per me è questo l’anello forte della storia, un tentativo televisivo che personalmente mi è piaciuto molto.

Yuri che cerca di decifrare i pensieri delle persone ogni giorno e che secondo i colleghi è sempre stata lei, con la propria empatia, a portare avanti “Dolce & Chocolat” con una cura e un affetto encomiabili. Yuri che non è avvantaggiata dal suo potere per comprendere i sentimenti di Tae-oh, ma questo le servirà per leggere meglio il suo cuore, visto che è sempre stata proiettata ad aiutare gli altri. Tae-oh, adorabile, non esistono parole per descrivere la malinconia nascosta negli occhi del suo personaggio che ha risposto all’invito di un vecchio amico di famiglia, professore e ricercatore scientifico che gli ha chiesto di seguirlo in Giappone per allontanarsi dalla tristezza e dallo sconforto dopo la perdita della madre. Tae-oh è un ragazzo che riesce a farsi volere bene da chiunque, si ambienta facilmente, con un semplice sorriso comunica positività ai colleghi e agli amici e apprezza le piccole cose, una cena, le bolle di sapone sul tetto, la raccolta delle foglie secche, la passione per le lontre marine che condivide con Yuri e vivere ogni giorno come se fosse il più prezioso.

Molti gli aspetti da apprezzare in questa serie, la sensibilità e il rispetto tra le due culture, giapponese e coreana, un approccio particolare, un superamento di alcuni confini a partire dalla curiosità culturale della conoscenza di termini linguistici o piatti tradizionali (la protagonista adora alcuni cibi come bibimbap, japchae e il kimchi) e le differenze culturali come ad esempio il modo di posizionare sul tavolo bacchette e cucchiaio (Tae-oh sistema le bacchette in verticale, invece che orizzontalmente come di solito in Giappone).

Alcuni piccoli tributi al drama: le interpretazioni dei due protagonisti che sono stati molto convincenti, così come Taishi Nakagawa come second lead, uno dei migliori second lead visti ultimamente, le scene ambientate a Hokkaido, a Capo Kiritappu, sono meravigliose, le ambientazioni interne soprattutto in “Dolce & Chocolat” mi hanno fatto venire voglia di andare a lavorare anch’io lì (anzi, sarebbe il mio sogno lavorare con il cioccolato!) e per finire una colonna sonora emozionante con il brano principale cantato dal gruppo Omoinotake, se non lo avete ancora ascoltato, recuperatelo.

Grazia

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Exhuma

“Qualcosa è venuto fuori da lì. Qualcosa di veramente malvagio”.

Presentato il 16 febbraio 2024 al 74esimo Festival del Cinema di Berlino e uscito nei cinema sudcoreani il 22 febbraio, in poco tempo Exhuma ha girato il mondo, le sale di cinema e teatri e le rassegne e i festival (in Italia, è stato proiettato in anteprima al Far East Film Festival di Udine) ed è diventato subito un vero e proprio caso, una pietra rara incastonata nel sempre più apprezzato cinema autoriale proveniente dall’Estremo Oriente, costituito da una recitazione perfetta, da una trama avvincente e soprannaturale e da una suspence crescente, che, in pochi tratti di ombra e di attesa, riesce a mettere a confronto lo spettatore non solo con gli incubi che affollano l’ancestralità delle maledizioni generazionali e dei riti misterici, ma direttamente con il Male, incarnato in strati di odio che si sono cementificati nella storia.

Avvertenza necessaria prima di proseguire con la lettura di questa recensione: se siete altamente impressionabili, suscettibili alle scene orride, facilmente portati a dormire sogni angoscianti e timorosi di assistere a ritualità esoteriche ed esorcismi, non andate avanti a leggere questo testo; se ci sono bambini nei dintorni o persone che possono rimanere scosse da simili racconti, non leggete questo testo a voce alta; se, tuttavia, sapete riconoscere, anche in una sola immagine, la bellezza di un’opera cinematografica, che sa essere terrificante e sublime, come solo la definizione di Burke sarebbe riuscita a descrivere, allora, dopo la lettura, inserite immediatamente questo film nelle prossime visioni – possibilmente cinematografiche.

Il figlio neonato di una famiglia coreano-americana vive dalla nascita sotto incubatrice, affetto da una malattia misteriosa, che sembra essere causata da una malformazione genetica inspiegabile e che non risponde ad alcuna cura. Pur non tralasciando mai le prestazioni mediche, i genitori del bambino, che hanno già vissuto il lutto di due figli, si rivolgono alla consulenza dell’esperta sciamana Lee Hwa-rim (interpretata da Kim Go-eun, protagonista anche di Goblin, The King: Eternal Monarch, Tune in for Love e molto altro). Hwa-rim si reca a Los Angeles per fare visita al bambino insieme al suo allievo sciamano Yoon Bong-gil (interpretato da Lee Do-hyun, visto anche in 18 Again, Sweet Home, The Good Bad Mother, Youth of May) e, dopo aver analizzato attentamente il malato, comprende che il piccolo è oppresso da una maledizione, denominata la “Chiamata della Tomba” e connessa a qualcosa commesso dal bisnonno paterno. Spiegando la situazione ai familiari del bambino, Hwa-rim ottiene il loro consenso a dissotterrare la bara del bisnonno per cremare il corpo e placare la vendetta del suo spirito.

Il titolo originale del film, Panyo (in hangul 파묘, in hanja 破墓) indica l’azione di riesumare e ricollocare altrove una tomba o il suo contenuto, attraverso una ritualità predefinita nelle tradizioni sciamaniche.

Per questo motivo, Hwa-rim torna in Corea e chiede aiuto ai becchini Yeong-geun (interpretato da Yoo Hae-jin, secondario d’eccezione di film come Tazza, A Taxi Driver e The Night Owl), direttore di cerimonie funebri, e Kim Sang-deok (interpretato da Choi Min-sik, indimenticabile nei film Oldboy, Lady Vendetta, I saw the devil, In our prime, ma anche nella serie Big Bet), maestro di Feng Shui.

“Sono un becchino. Scavo sia per i vivi che per i morti. Sono Kim Sang-deok, maestro di Feng Shui dell’Occhio della Tigre”.

Il Feng Shui, che letteralmente significa “acqua e vento”, ovvero le due energie vitali che muovono e assorbono l’energia vitale del pianeta, è un’arte geomantica e divinatoria taoista di origine molto antica, che studia l’armonia tra gli elementi del pianeta e le energie che determinano lo scorrere della vita, quell’incontro tra le due forze contrapposte dello yin e dello yang e l’energia vitale umana, che sta in sospeso tra il mondo dei vivi e quello dei morti, tra la realtà fattuale e quella nascosta delle creature oscure, il fragile equilibrio di vetro del mondo. Come viene detto nel film, per l’1% dei coreani, “il Feng Shui è sia religione che scienza“.

Hwa-rim, Bong-gil, Yeong-geun e Sang-deok, attraverso un rito che sposta le energie negative dalla terra alle carcasse di alcuni maiali e con un canto cadenzato dal ritmo dei tamburi tradizionali e dalla danza frenetica di Hwa-rim (in una delle scene, che, di diritto, entrerà nella storia del cinema), dissotterrano la bara del patriarca della famiglia maledetta. Tuttavia, la pioggia sopravvenuta impedisce loro la cremazione del corpo, secondo la credenza che un morto bruciato in una giornata di maltempo non può andare in un bel posto dopo la morte. La bara viene depositata presso l’obitorio dell’ospedale, ma la bellezza e la ricchezza della sua foggia, che in passato avevano attirato i predatori di tombe in cerca di tesori, spingono l’addetto alla camera mortuaria ad aprire un varco, che diventa presto un passaggio per l’anima carica di odio del defunto, deciso a vendicarsi nei confronti dei suoi familiari e a portare a termine il suo progetto di vendetta.

“E’ per il sangue. Non potrai liberartene nemmeno dopo la morte. In un gruppo di corpi e menti che condividono gli stessi geni, quando l’attività fisica umana si fermerà, si trasformerà in terra. Succhiamo la terra e calpestiamo il terreno, attraversando ripetutamente cicli di vita e di morte”.

Però, mentre Hwa-rim, Bong-gil e Yeong-geun cercano di avere un contatto con lo spirito vendicativo per legarlo nuovamente alla sua bara e Sang-deok tenta di mettere in salvo i componenti della famiglia maledetta, in cui l’anima malvagia si era già insediata, uno degli operai chiamati a scavare la fossa inizia a soffrire di incubi generati dalla visione di uno strano serpente-larva di colore rosato, sbucato durante l’esumazione e tranciato a metà dalla pala. Tornando sul luogo della sepoltura e raccogliendo i documenti di famiglia del defunto, infatti, si scopriranno molte più cose, come la collaborazione di quest’ultimo con i giapponesi durante l’occupazione, ma anche i suoi rapporti con riti antichi e di evocazione e, infine, la presenza di tombe impilate, dove la bara dissotterrata nasconde un enorme sarcofago verticale appartenente ad uno spirito demoniaco.

“La volpe ha sconfitto la tigre”.

Ciò che gli sciamani si trovano ad affrontare, in realtà, è il Male stesso, nella sua forma più arcaica e incontrollata, quella dell’odio che infrange qualsiasi armonia e che spezza la continuità dell’energia vitale, dei cinque elementi che costituiscono l’equilibrio del Feng Shui, dove legno, metallo, acqua, vento, terra e fuoco interagiscono tra loro. Il Male si attacca ai desideri umani, ai propositi di vendetta e alla collera degli ultimi momenti di vita, si imprime come su una pellicola fotografica e si unisce agli oggetti e ai materiali, sorge quasi da essi, se impregnati delle lacrime di odio umane. Il Male viaggia veloce e si diffonde, si adatta immediatamente e si trasforma in continuazione, catturando corpi e anime umane.

Il regista Jang Jae-hyun, che non è nuovo al genere horror misterico-soprannaturale e alle storie di possessione e di esorcismo (suoi anche i film House of Disappeared, Svaha: The Sixth Finger e The Priests), ha costruito un racconto moderno che riprende le tradizioni e l’antichità, ma anche la storia della vecchia e della nuova Corea (da cui i riferimenti sia all’invasione giapponese del 1592 sia all’occupazione del 1910-1945), mischiando leggende coreane e giapponesi (gli spiriti kitsune e i demoni ghoul) con una ricerca pedissequa e dettagliata delle vere pratiche sciamaniche. Per costruire la sceneggiatura sono stati consultati dei veri esperti di occulto, di geomanzia e di Feng Shui, così come dei consulenti sciamani hanno insegnato agli attori i canti, le movenze e le danze tipiche dei riti, che gli interpreti sono riusciti a rendere con una precisione incredibile.

Forse, è proprio per via di questo dettaglio maniacale e di questa eccellenza interpretativa che il film riesce a mettere tensione in ogni singolo momento della visione, diffondendo un’emozione e un terrore continuo, che sanno spaventare e incantare al tempo stesso e che rendono questa visione unica, come un viaggio per altre epoche e per antiche maledizioni, che diventano così vicine da toccarle con mano.

Laura

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A Good Day to Be a Dog – Una fiaba moderna

C’era una volta una ragazza, dall’espressione sognante, bella e dal carattere dolce e comprensivo, amata dalla sua famiglia e da tutti coloro che avevano avuto modo di conoscerla, ma la ragazza aveva addosso una maledizione che da generazioni e da secoli colpiva ogni componente della sua famiglia. La maledizione era causata da un bacio, ovvero ogni volta che un membro della famiglia veniva baciato o baciava qualcuno, allo scoccare della mezzanotte di quel suddetto giorno, come negli incantesimi più misteriosi e crudeli, si trasformava in cane fino alle sei del mattino dopo e così per cento giorni. Se entro i cento giorni la maledizione non veniva interrotta e il componente di quella famiglia sfortunata, sotto forma canina, non veniva baciato dalla stessa persona, allora la maledizione avrebbe preso il sopravvento trasformandolo per sempre in cane. La ragazza era consapevole di questo destino e cercava quindi di non innamorarsi e di non legarsi a nessuno per non soffrire disperatamente un amore impossibile.

C’era una volta un ragazzo, affascinante, dai modi gentili, ma anche schivo e introverso; corteggiato da molte donne, il ragazzo, però, cercava di restare nascosto, di non volersi legare a nessuno quasi per proteggere il proprio ricco mondo di emozioni e di sentimenti per la paura di essere colpito e non compreso nella sua sensibilità.

C’era una volta il dio della montagna, un dio malinconico, ferito a vita dalla perdita di una persona amata, straziato nell’anima a tal punto da scagliare una maledizione per far rivivere l’eterna sofferenza di un affetto stroncato nella propria genuinità e nella speranza di una luce futura.

C’era una volta una fiaba moderna, perché “A Good Day to be a Dog” ha tutte le caratteristiche di una fiaba e lo si capisce subito dal primo episodio. Tratto dall’omonimo webtoon, questo kdrama raccoglie in sé la bravura degli interpreti, delle scene memorabili e divertenti e anche le situazioni più “fumettistiche” tipiche del webtoon, che sono ritratte in modo impeccabile, impreziosiscono la storia per renderla più scorrevole possibile, perché la “semplicità” della narrazione nasconde anche degli spunti di riflessione, quali l’accettazione di sé, delle proprie paure e il perdono. Consiglio questa serie a tutti coloro che vogliono trascorrere del tempo distraendosi e abbandonando la propria stanchezza senza dover pensare, perché è questa la funzione terapeutica che ho trovato in questa storia: rilassare il proprio animo dalle preoccupazioni quotidiane, perdersi nei colori delle immagini, tenui, delicate e, perché no, pensando di accarezzare un morbidissimo cagnolino bianco che abbiamo lì vicino, anche se solo nel nostro immaginario, perché è questo il vero potere delle fiabe.

Han Hae-na (Park Kyu-young, “Sweet Home 1 e 2”, “Squid Game 2”) è la protagonista della nostra fiaba, un’insegnante di lettere di scuola superiore con un segreto, la maledizione familiare che la costringe a non poter frequentare ragazzi, la sua vita sentimentale è difatti un disastro perché sa che qualora qualcuno scoprisse il suo segreto verrebbe additata a vita come creatura strana e sarebbe costretta a cambiare casa, città e vita, come è successo tempo addietro ad altri componenti della sua famiglia, come anche nel caso della sorella con la quale vive, Han Yu-na (Ryu Abel, “Love Affairs in the Afternoon”) che tempo prima era stata costretta a pagare un ragazzo che aveva frequentato per mantenere il proprio segreto.

Hae-na ha degli ottimi rapporti con i colleghi a scuola e con tutti gli studenti che la adorano anche per i suoi modi di fare così solari, affettuosi e accomodanti. Un giorno, però, ad una cena di lavoro, si ubriaca e accidentalmente bacia il collega di matematica Jin Seo-won (Cha Eun-woo, “Rookie Historian”, “Wonderful World”, “My ID is Gangnam Beauty”) scambiandolo, con una memorabile brutta figura, per il collega di storia, Lee Bo-gyeom (Lee Hyun-woo, “Money Heist: Korea”, “Dream”, “Hero”) del quale è segretamente innamorata.

Da questa disavventura iniziano i guai per la povera Hae-na che crede di essere addirittura antipatica a Seo-won che ha sempre il suo modo di fare distaccato e schivo. I mille tentativi di conoscerlo meglio invitandolo a pranzo e coinvolgendolo nella sua missione di aiutarla a conquistare il cuore di Bo-gyeom sono vani, ma la ragazza ha cento giorni di tempo per interrompere la maledizione e far in modo da rubare un bacio a Seo-won, stavolta, però, sotto le sembianze di cane. Iniziano le notti agitate della ragazza che puntualmente a mezzanotte si trasforma in un delizioso e indifeso cagnolino bianco e alle sei del mattino ritrova la forma umana, ogni giorno sempre più stanca perché è difficile essere un cane!

Hae-na, però, non sa che la missione che l’attende è ancora più complessa. Seo-won, infatti, è un ragazzo introverso che vive con un segreto, la paura folle dei cani, riesce a mettere in gioco anche la sua aura affascinante quando vede un cane, sale terrorizzato sopra un cassonetto della spazzatura o sopra una scrivania, pur di stare lontano dall’animale e questo è dovuto ad un trauma del suo passato con il quale Seo-won convive, quello di aver subito bullismo ai tempi della propria vita scolastica e di essere stato preso di mira da un certo Kan Eun-hwan (Kim Min-seok, “Because this is My First Life”, “Delivery Man” che spero di trovare prossimamente in qualche ruolo positivo) che lo minacciava puntandogli contro un cane che abbaiava ferocemente.

Riuscirà Hae-na a convincere Seo-won ad avvicinarsi ai cani? Con qualche espediente riuscirà a fargli interrompere la maledizione?

Tutto ciò non posso svelarlo, ma i due si conosceranno meglio e vivranno insieme diverse avventure come la gita scolastica di classe dove la ragazza si trasformerà a mezzanotte in cane e sarà costretta a rifugiarsi in una cuccia all’aperto o il coinvolgimento del nipote di Seo-Won, il divertente Choi Yul (Yoon Hyun-Soo, “Seasons of Blossom”) che scoprirà il segreto di Hae-na che è anche sua insegnante a scuola.

Un drama che ci dona tanti archetipi tipici delle fiabe, la metamorfosi, la magia e gli incantesimi, il potere delle maledizioni anche generazionali, il potere di spezzare una maledizione tramite il segno distintivo del bacio che ha la funzione di porre lo spettatore di fronte alla situazione anomala (il bacio che incatena la protagonista a trasformarsi in cane), ma anche il potere salvifico ( è sempre tramite un bacio che la maledizione viene annullata), e, come tutte le fiabe, anche qui troveremo uno straordinario messaggio che ci viene trasmesso nella storia: l’accettazione di noi stessi, anche se possiamo sembrare agli occhi degli altri strani, siamo noi stessi, unici di fronte al mondo e, come dice la protagonista Hae-na a Seo-won, che si vergogna a svelare la sua debolezza, cioè la paura dei cani:

“Non siamo strani. E’ solo il nostro modo di essere!”.

Per questo credo che “A Good Day to Be a Dog”, dovrebbe essere considerato come un drama curativo, con la stessa caratteristica delle fiabe, perché insegna ad affrontare le paure, a sconfiggere i nostri traumi interiori, superando le barriere inconsce dell’”io” per trovare un “noi”, perché insieme è più facile abbattere gli ostacoli:

“Avere qualcuno con cui parlare delle proprie paure è per me un regalo più grande del superamento della paura stessa”.

Grazia

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Kiseiju or Parasyte – The Grey: le zone grigie degli ospiti indesiderati

“Non posso piangere ancora. Mi sento come se avessi perso qualcosa. Una parte importante della mia umanità”.

Quando Netflix ha annunciato che sarebbe stata prodotta una serie ispirata al manga/anime classico “Kiseiju – L’ospite indesiderato“, la curiosità di tanti fan si è messe immediatamente in moto. E questo non solo perché i due universi nerd di fumetto e drama televisivo andavano ad incontrarsi (cosa che, in fondo accade da sempre, visto che i manga sono le fonti dirette d’ispirazione dei live action), ma anche perché la serie prometteva la creazione di una storia parallela, quasi uno spin off che unisse l’antecedente giapponese alla rivisitazione coreana per andare a creare qualcosa di nuovo e diverso, con un esperimento che, a mio avviso, è stato riuscitissimo, tanto da promettere un ottimo sviluppo.

Per chi, però, si dovesse imbattere nella serie coreana senza conoscere precedentemente il fumetto, è necessario dire che la storia di Kiseiju (寄生獣, che letteralmente indica le “bestie parassitarie”) è stata sviluppata a partire dal 1989 da Hitoshi Iwaaki, figlio di un archeologo con la passione per i fumetti e la fantascienza, che è diventato presto uno dei padri del cosiddetto body horror, quel sottogenere tra fantasy e horror che prevede la trasformazione di corpi tramite la creazione di ibridi alieno-umanoidi-parassitari, tante scene gore e splatter, una leggera vena di ironia e una certa dose di interrogativi sulla natura umana. Il manga, serializzato dal 1989 al 1995, e trasformato immediatamente in serie anime, ha avuto così tanto successo da vincere il premio Kodansha per il fumetto e il premio Nebula per la narrativa fantascientifica, diventando una delle pietre miliari del genere e raccogliendo fama in tutto il mondo, tanto da metterlo al centro di una vera e propria guerra per i diritti nella realizzazione di un live action tra produzioni giapponesi e produzioni statunitensi e australiane. Nel 2005, la New Line Cinema (che, per intenderci, è la stessa casa di produzione dietro il successo del franchise de “Il signore degli anelli” e non solo) riuscì a garantirsi i diritti per un film cinematografico, la cui uscita fu annunciata a breve giro, grazie alla produzione di Don Murphy, attore caratterista, ma anche produttore di film controversi come “Natural Born Killer – Assassini Nati“. Sarà che Don Murphy era, al tempo stesso, impegnato per la creazione di remake Disney dei film dello Studio Ghibli, sarà che la New Line, col tempo, perse interesse, il film non vide mai la luce fino alla decadenza del diritti nel 2013, tornando nelle mani della produzione giapponese, che realizzò due pellicole in live action, interpretate da Shota Sometani (L’ultimo Yakuza – First Love). Del progetto di realizzare una serie televisiva, invece, non se ne parlò più fino all’acquisizione da parte di Yeon Sang-ho, leggendario regista e produttore sudcoreano a cui si devono “Train to Busan“, “Peninsula“, “Seoul Station“, “JUNG_E” e “Hellbound“.

Ma quali differenze e quali somiglianze esistono tra manga/anime giapponese e drama/live action sudcoreano?

Shinichi Izumi è un adolescente normale, con i suoi alti e bassi a scuola, la musica troppo alta nelle orecchie e tutte le insicurezze della sua età. Una notte, mentre dorme con le cuffie del suo MP3, una creatura aliena tenta di entrare dentro di lui attraverso le orecchie, ma, trovandosi la strada sbarrata, penetra nella sua mano destra. Izumi lega le cordicelle degli auricolari intorno al braccio per non permettere alla creatura di risalire e, così facendo, la indebolisce e la isola sotto l’avambraccio.

Quello che Izumi non sa è che quella creatura, da lui ribattezzata Destry, è un parassita, appartenente ad una specie ignota arrivata sulla terra con l’obiettivo di cibarsi dei cervelli degli esseri umani, per sostituirsi a loro e controllarli, fino a controllare tutta la società.

Tra Izumi e Destry sorge una cooperazione basata sul loro vivere in simbiosi, per cui ognuno aiuta l’altro in una lotta continua per la sopravvivenza personale, che, col tempo e con la perdita di persone care, inizia a diventare una lotta per la sopravvivenza del genere umano stesso. Perché, anche se Izumi e Destry vivono in una “zona grigia”, hanno ben chiaro cosa sia il concetto di umanità, ovvero quell’umana compassione tra gli esseri viventi, quel legame che va al di là della semplice e vuota esistenza. Mentre Izumi si abitua lentamente a Destry e, grazie alla sua presenza, si fortifica e riesce a capire le sue potenzialità, Destry non impara solo la cultura e le usanze umane, ma anche le emozioni e i sentimenti.

Nonostante col tempo il carattere di Izumi si incupisca, diventando freddo ed emotivamente distante, e la sofferenza della sua situazione e delle tristezze accumulate (il lutto per la morte della madre, ma anche il soccorso in extremis di Destry che gli ripara il cuore) gli impedisca di piangere, la convivenza forzata con il suo ospite aumenta lo sviluppo delle sue facoltà e dei suoi sensi, agendo sulla sua empatia nei confronti del genere umano.

Al suo fianco: Satomi Murano, compagna di scuola e amica di sempre, ragazza riflessiva e sensibile, ignara della situazione di Izumi, ma disponibile a comprenderlo e a superare insieme a lui, le sue paure; Hirama, detective della polizia perspicace e intuitivo, che indaga sulla questione dei parassiti e dei loro crimini e percepisce che c’è qualcosa di strano in Izumi.

ATTENZIONE: perché, se Izumi e Destry acquisiscono la capacità di unirsi e di separarsi per le battaglie, quando Destry ha riparato il cuore di Izumi ha infuso il 30% di sé e delle sue potenzialità all’interno dell’organismo e del sangue di Izumi, rendendolo a tutti gli effetti un mutante, in grado di esistere con le sue caratteristiche, anche al di là della scomparsa di Destry.

Jeong Su-in (Jeon So-nee di Our Blooming Youth) è una giovane donna con un triste passato. Una sera, dopo un alterco con un cliente del supermercato dove lavora, viene aggredita durante il ritorno a casa: spinta fuori strada col suo motorino e accoltellata ripetutamente, si accascia per terra in attesa del colpo finale, quando il suo aggressore muore, colpito brutalmente, come diviso in due nel corpo da una lama. Una creatura ignota entra nel suo orecchio, ma, trovando un corpo prossimo alla morte, decide di ripararlo, senza installarsi nel cervello.

Quello che Su-in non sa è che quella creatura, da lei ribattezzata Heidi, è un parassita, appartenente ad una specie ignota arrivata sulla terra con l’obiettivo di cibarsi dei cervelli degli esseri umani, per sostituirsi a loro e controllarli, fino a controllare tutta la società.

Tra Su-in e Heidi sorge una cooperazione basata sul loro vivere in simbiosi, per cui ognuna aiuta l’altra in una lotta continua per la sopravvivenza personale, che, col tempo e con la minaccia di perdere tutte le proprie sicurezze, inizia a diventare una lotta per la sopravvivenza del genere umano stesso. Perché, anche se Su-in e Heidi condividono lo stesso corpo e si incontrano a metà strada in un inconscio comune, una “zona grigia”, i loro cuori vanno all’unisono in un legame che si stringe sempre di più tra di loro e tra loro e il resto dell’umanità. Mentre l’una si abitua all’altra, l’una diventa anche la confidente dell’altra, aiutandosi a vicenda a comprendersi e a cercare un proprio posto nel mondo, senza sentirsi mai sole.

Nonostante i traumi accumulati sin dall’infanzia e le tristezze, che, una dopo l’altra, si affollano nella vita, portino Su-in a chiudersi sempre di più in se stessa, quasi ad abbandonarsi in una sorta di volontario coma per ritirarsi totalmente dalla vita, col tempo e grazie anche all’aiuto di Heidi, Su-in impara che sfogarsi è possibile, così come è possibile smettere di fuggire e fare una differenza nel mondo, sviluppando la sua empatia nei confronti del genere umano.

Al suo fianco: Seol Kang-woo (Koo Kyo-hwan di D.P. – Deserter Pursuit), piccolo truffatore e galoppino di una cosca mafiosa, che si ritrova quasi casualmente a proteggere il segreto di Su-in; Choi Jun-kyung (Lee Jung-hyun di Snowdrop), profiler della polizia e capo dell’unità speciale The Grey (una sorta di X-Files), nemica-amica di Su-in nella prevenzione della diffusione dei parassiti.

ATTENZIONE: perché, se Su-in, Kang-woo e Jun-kyung riescono a superare le proprie divergenze e ad unire le proprie forze l’unità The Grey sembra destinata a svilupparsi e a potenziarsi, occorre rimanere all’erta fino ai titoli di coda, quando sbuca un improvviso e inaspettato alleato giapponese di nome Shinichi Izumi (interpretato da Masaki Suda di Foto di Famiglia).

Che cosa sono i parassiti? E sono per davvero così malvagi come possono apparire? Ma, soprattutto, lottano per la sopravvivenza, uccidendo gli altri, oppure uccidono gli altri per diffondere il proprio genere? Sono interrogativi che si pongono sia l’anime/manga che il drama televisivo e, se Destry dice che, dopo accurate ricerche sul concetto dei demoni, ha notato che gli esseri umani sono quanto di più vicino a tale concetto possa esistere, Heidi fa notare la bellezza del mistero degli esseri umani, ma anche il loro più cupo pericolo esistenziale, visto che i parassiti non sono nati per propria volontà, ma sono connessi alla volontà degli umani di “parassitare” il mondo e le sue risorse. Al tempo stesso, sono gli umani a fornire ai parassiti le prospettive e le attrattive più interessanti, che consistono nel creare e comandare la peculiare caratteristica umana di organizzarsi socialmente e, quindi, di “parassitare” la società. E credo che gli sviluppi e le soluzioni migliori arriveranno dalla nuova creatura destinata a sorgere prossimamente dall’incontro di anime/manga e drama.

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Laura

Big Fish & Begonia

“Molto tempo fa, quando la terra era giovane, tutto ciò che esisteva era un vasto oceano popolato da grandi pesci primordiali. Questi pesci antichi erano le prime incarnazioni dell’anima umana: ecco perché, dal momento in cui nasciamo, l’oceano ci chiama, e alla fine torniamo da lui.
Il mio nome è Chun. Vengo da un mondo sotto l’oceano. Il cielo del nostro mondo è connesso agli oceani del mondo umano. Una volta liberate dalla morte, le anime umane vanno alla deriva del loro mondo fino al nostro, ed è nostro compito occuparci di loro e tenerle al sicuro. Noi siamo quelli che controllano il tempo, le maree e il cambiamento delle stagioni. Non siamo esseri umani, ma nemmeno siamo divinità: noi siamo gli Altri”. (…)

“Big Fish & Begonia” è un film d’animazione cinese del 2016 diretto da Liang Xuan e Zhang Chun e potrebbe essere considerata la trasposizione cinematografica di una vera e propria fiaba. Dodici anni di lavorazione e una campagna di crowdfunding da parte dei registi che hanno coinvolto moltissimi collaboratori per realizzare un film animato che riesce a fondere tecnica del disegno tradizionale e animazioni tridimensionali in computer grafica.

La storia è ispirata ad un antico classico taoista cinese “Zhuangzi”, una raccolta di storie e miti, ricchi di significati, metafore, aneddoti e aforismi e integra anche storie tratte da altri classici cinesi come “Il libro dei monti e dei mari” e “Alla ricerca del soprannaturale”, opera che si ritiene scritta da Gan Bao, storico alla corte dell’imperatore Yuan e che raccoglie leggende e racconti su divinità, fantasmi e fenomeni soprannaturali.

La storia è intrisa di misticismo e spiritualità e quello che ho gradito maggiormente è la scelta dei colori e delle forme che hanno reso liriche le scene del film.

Ogni anno, dal mondo degli spiriti sotto il mare, vengono inviati sulla Terra, per sette giorni, dei giovani spiriti dai poteri magici che prendono le sembianze di delfini. Nei sette giorni gli spiriti inviati devono comprendere l’equilibrio del mondo e la sua armonia, osservare ogni fenomeno naturale, senza aver alcun contatto con gli esseri umani. Tra gli spiriti, la giovane Chun incontra e si affeziona ad un ragazzo umano che vive vicino al mare e venera le creature acquatiche. Un giorno, però, Chun rimane impigliata ad una rete da pesca e il ragazzo, mentre la salva, annega e muore. Chun ritorna nel suo mondo portando con sé l’ocarina del ragazzo e si reca dalla Signora delle Anime per riscattare l’anima di colui che l’ha salvata, la Signora delle Anime prende metà della sua vita in cambio della restituzione dell’anima del ragazzo che le viene consegnata sotto forma di un cucciolo di delfino. Viene anche detto a Chun di allevare il delfino fino ad età adulta così che potrà poi essere liberato nel mondo umano. Chun chiama il piccolo delfino, Kun in onore di un enorme pesce leggendario.

Qiu, amica d’infanzia di Chun aiuta la giovane a crescere Kun, ma in contemporanea, sulla Terra, si manifestano degli insoliti fenomeni naturali e degli sconvolgimenti. Quando Kun pian piano diventa grande ed è sempre più difficile nasconderlo, viene scoperto dagli spiriti che decidono di ucciderlo per ripristinare l’ordine del mondo sulla Terra, ma Chun cercherà di fare di tutto per salvarlo e per consentirgli di fare ritorno tra gli umani.

Qui il viaggio di formazione si fonde con il viaggio di salvezza e quindi di affetto e di riconoscenza, sentimenti che prova Chun per Kun. Nascita e morte non sono inizio e fine, ma lungo il cammino siamo disposti ad affrontare mille prove per coloro che amiamo? A cosa siamo disposti a rinunciare? Alla nostra famiglia, alle certezze, a noi stessi?

Questi sono gli interrogativi che solleva il film, una riflessione sul senso della vita e delle prove da superare. Donare una parte della propria vita, rinunciare anche a se stessi, condannandosi alla solitudine per il bene di una persona cara.

Chun sfiderà le leggi della natura e del suo mondo, così come quelle della Terra per far sì che il giovane Kun possa tornare nel mondo umano.

“Gli uomini sono in eterno viaggio verso casa”.

Ambientazione meravigliosa, mondi onirici e sommersi dall’acqua, magia che viene conservata e custodita solo per le occasioni speciali, per il resto, il tutto, è valorizzato dalla pazienza, dal senso di attesa e da quello di costanza, di cui è armata Chun, il cui nome significa “begonia”, e che identifica i suoi poteri legati alla cura degli alberi di begonia, donatrice di vitalità ed equilibrio.

Un film di animazione che incanta già dalla prime scene e che può piacere anche agli appassionati delle opere dello Studio Ghibli per la sensibilità delle immagini ricreate e dei personaggi presenti. “Big Fish & Begonia” è una storia delicata, un mito dove la tradizione si fonde con la speranza e dove i legami forti superano i confini dei mondi, sia quello umano che quello degli spiriti.

Grazia

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