StrangerBookClub: Hiroshima – Il racconto di sei sopravvissuti

Titolo originale: Hiroshima

Autore: John Hershey

Prima pubblicazione: USA, 1946

Casa editrice italiana: UTET

Se la drammatica e struggente fotografia del bambino in piedi al crematorio scattata a Nagasaki dal fotografo americano Joe O’Donnell, è un documento realistico dell’immane tragedia del bombardamento atomico, il libro dello scrittore e giornalista americano John Hersey, “Hiroshima. Il racconto di sei sopravvissuti” è un documento altrettanto grave e doloroso, ma necessario.

Nella fotografia di Joe O’Donnell il bambino in piedi sull’attenti con il corpo morto di un bambino più piccolo (forse il fratellino) legato alla schiena, in attesa della cremazione, è una delle immagini più drammatiche della guerra ed è una testimonianza dell’immenso dolore manifestato con dignità nel mezzo di un orrore ingiustificato.

Così anche nel libro di John Hersey le testimonianze delle persone sopravvissute, riportate dall’autore nel suo reportage giornalistico, diventano espressione scritta di una tragedia raccontata nei particolari da chi l’ha vissuta minuto per minuto dalle otto e quindici minuti del mattino del 6 agosto 1945 in avanti.

John Hersey (1914 – 1993) crebbe in Cina fino all’età di undici anni, studiò, poi, all’Università di Yale e iniziò a lavorare come giornalista nel 1937. Fu corrispondente di guerra per le più importanti riviste americane di allora e nel 1944 vinse il premio Pulitzer per il romanzo, “Una campana per Adano”.

Il suo reportage giornalistico più famoso fu, però, quello di Hiroshima, perché a meno di un anno dal bombardamento atomico, John Hersey si recò a Hiroshima, corrispondente del “New Yorker” per capire che ne era stato di quella città giapponese distrutta l’anno prima dall’atomica.

Hersey si aggirò tra le macerie, tra le disperazioni e le sofferenze delle persone rimaste in vita, nella loro tragedia umana in un orrore indescrivibile. Raccolse le storie e i racconti dei superstiti soprattutto di sei persone.

La storia di Toshiko Sasaki, una giovane ragazza impiegata in una fonderia; Kiyoshi Tanimoto, pastore di una chiesa metodista; Masakazu Fujii, medico di una clinica privata; padre Wilhelm Kleinsorge, un prete tedesco della Compagnia di Gesù, che al momento del bombardamento si trovava nell’edificio della sua missione; Terufumi Sasaki, giovane chirurgo venticinquenne che lavorava nell’ospedale della Croce Rossa di Hiroshima; Hatsuyo Nakamura, una sarta, già vedova di guerra, che era alla finestra della sua cucina al momento del bombardamento e che, dopo qualche minuto, liberava i figli vivi tra le macerie.

I racconti di sei persone normalissime che vivevano la propria vita ordinaria, ma che in quella mattina del 6 agosto del 1945 si ritrovarono a lottare per la propria esistenza e a chiedersi come mai fossero rimasti vivi.

John Hersey ha il merito di fotografare le sei testimonianze in ogni momento di quella drammatica giornata e nei giorni che seguirono il bombardamento. Un reportage giornalistico toccante e drammatico, ma mai retorico.

“Hiroshima. Il racconto di sei sopravvissuti” diventa una testimonianza importante per la Storia e per le generazioni future e riesce a restituire alle vittime la parola. Il racconto che è eredità e memoria.

Quarant’anni dopo, nel 1985, John Hersey si recò nuovamente a trovare i sei sopravvissuti e aggiunse al suo reportage una seconda parte molto importante soprattutto nel ruolo sociale che i sopravvissuti ai bombardamenti atomici avevano avuto in quei quarant’anni, la loro categoria definita “hibakusha”, cioè “persone colpite dalla bomba”, le loro difficoltà incontrate e le discriminazioni subite.

Una rara perla di giornalismo e di storia, una testimonianza che a ottant’anni dai bombardamenti atomici riesce a farci pensare, riflettere e a commuoverci.

Grazia

Gli Hibakusha: storie di sopravvissuti – 80 anni dai bombardamenti atomici

“Vorrei far sapere a tutti

come era blu quel cielo

verso cui un milione di sguardi opachi erano alzati

sferzati dalla pioggia

arsi dal sole”.

Kiyoko Horiba, Quel cielo (1962) *

*traduzione di Yukari Saito

Quest’anno si ricordano gli ottant’anni dai bombardamenti di Hiroshima e Nagasaki. L’anno scorso, nel 2024, l’associazione “Nihon Hidankyo”, fondata dagli “hibakusha”, è stata insignita del premio Nobel per la Pace “per i suoi sforzi a favore di un mondo libero dalle armi nucleari”.

Chi sono gli “hibakusha” e perché il loro ruolo è stato fondamentale nel costante e quotidiano ricordo dei bombardamenti atomici e di conseguenza nella sensibilizzazione per la prevenzione della guerra nucleare e l’eliminazione delle armi nucleari?

Secondo Kenzaburo Oe, premio Nobel giapponese per la letteratura nel 1994, gli hibakusha sono “coloro che non si suicidarono nonostante avessero tutte le ragioni per farlo; che hanno salvato la dignità umana in mezzo alle più orrende condizioni mai sofferte dall’umanità”.

Una descrizione davvero molto sentita perché per lo scrittore solo coloro che hanno vissuto un’umanità negata possono essere un faro di speranza e di coraggio per gli altri.

Ho deciso di ricordare il triste anniversario dei bombardamenti atomici attraverso gli occhi, le memorie, i nomi, le emozioni che solo i sopravvissuti di una grande tragedia possono raccontare, anche solo attraverso un’immagine descritta.

Mille sfaccettature di come gli esseri umani vivono il dolore e la sofferenza, la loro fatica di comunicarla agli altri, di non essere giudicati, di non sentirsi in colpa per essere sopravvissuti. Di solito non esiste un grido che descrive il dolore perché il dolore è silenzioso e si ripete per chi lo attraversa ogni giorno con i propri pensieri, i propri ricordi, come spine aggrovigliate in un pugno chiuso.

Hibakusha (被爆者) è un termine giapponese che letteralmente significa “coloro che sono stati colpiti dal bombardamento” ed è il termine usato per indicare coloro che sono scampati al bombardamento e che hanno subito le radiazioni. Fu evitato di scegliere la parola “sopravvissuto” per rispetto nei confronti dei defunti e per eventuali sensi di colpa da parte di coloro che rimasero in vita, ma che persero familiari e amici.

La vita degli hibakusha, dopo la fine della guerra, fu appesantita da sofferenze fisiche e psicologiche e, a causa della paura per le conseguenze delle radiazioni atomiche, furono vittime di gravissimi atteggiamenti e comportamenti discriminatori soprattutto nel trovare un lavoro per via della salute precaria o nel contrarre matrimonio, perché si temeva che le radiazioni stesse potessero determinare malattie ereditarie.

Solo nel 1957 il Parlamento giapponese approvò finalmente una legge che disponeva cure mediche gratuite ai cittadini giapponesi hibakusha. L’anno prima, nel 1956, venne fondata la “Nihon Hidankyo” che raccoglieva sopravvissuti e famiglie delle vittime dei bombardamenti. L’organizzazione nacque dopo l’episodio dei test con armi termonucleari condotti dagli Stati Uniti nell’atollo di Bikini nel 1954 che aveva causato sindrome da radiazioni acute nei residenti degli atolli vicini e in 23 membri dell’equipaggio del peschereccio giapponese Daigo Fukuryu Maru. Nonostante l’immane tragedia del 1945, purtroppo, si continuavano a testare ancora nuove armi.

La Nihon Hidankyo, fondata il 10 agosto del 1956 in occasione della seconda conferenza annuale del Consiglio giapponese contro le bombe atomiche a Hiroshima, è l’unica associazione di sopravvissuti a livello nazionale ed è presente in ognuna delle 47 prefetture del Paese in cui tutti i suoi funzionari sono dei sopravvissuti e continua a lavorare per raggiungere obiettivi importanti a livello nazionale e internazionale, per sensibilizzare le generazioni ad una visione del mondo libero da armi nucleari, affinché il ricordo delle conseguenze delle tragedie dei bombardamenti atomici sia vivo e presente.

La poetessa Kurihara Sadako (1913 – 2005), nata e vissuta a Hiroshima, sopravvisse allo scoppio della bomba atomica e fu tra i primi intellettuali hibakusha a raccontare della tragedia, la sua è una delle testimonianze letterarie più toccanti.

Toshiko Tanaka era una bambina di poco più di sei anni al momento del bombardamento atomico, è sopravvissuta ed è diventata un’artista. Nelle sue opere testimonia il ricordo. Nel 1981, durante la visita in Giappone di Papa Giovanni Paolo II, Toshiko Tanaka ha fatto omaggio al pontefice di una delle sue opere.

Terumi Tanaka, classe 1932, sopravvissuto al bombardamento di Nagasaki, è il segretario generale della Nihon Hidankyo, aveva 13 anni e la sua casa si trovava a pochi chilometri dal punto dell’impatto. Terumi Tanaka ricorda di essere stato scaraventato contro diversi pannelli di vetro, ma nonostante tutto di essere sopravvissuto. Si rese conto, però, di aver perso molti dei suoi cari familiari, i nonni, due zii, un cugino e una zia che dovette cremare personalmente in un terreno vicino, dopo la sua morte, a pochi giorni dal bombardamento.

Keiji Nakazawa (1939–2012), è stato un fumettista giapponese, sopravvissuto al bombardamento atomico di Hiroshima. Nella sua opera autobiografica “Hadashi no Gen”, conosciuta in Italia con il titolo di “Gen d’ Hiroshima”, racconta la storia del giovane Gen, sopravvissuto al bombardamento atomico di Hiroshima. Il manga è stato tradotto in tutto il mondo in moltissime lingue. La bomba atomica portò via a Kenji Nakazawa il padre, il fratellino e la sorella maggiore e dieci anni dopo la madre per le conseguenze delle radiazioni nucleari.

Sadako Sasaki (1943 – 1955) era una bambina di due anni quando sopravvisse al bombardamento di Hiroshima. Nel novembre del 1954 si ammalò di leucemia a seguito delle radiazioni della bomba atomica. La bambina iniziò a piegare degli orizuru (gru di carta) perché, secondo una leggenda, solo piegandone 1000, il proprio desiderio poteva essere avverato. La aiutarono anche altri amici e familiari. La piccola si spense, però, a seguito di un aggravamento della malattia, ma dopo la sua morte, amici e compagni di scuola pubblicarono una raccolta di lettere per raccogliere fondi per costruire il “Monumento alla pace dei bambini” in memoria sua e di tutti i bambini di Hiroshima morti in seguito alla bomba atomica. Nel 1958 fu collocata al Parco del Memoriale della Pace una statua raffigurante Sadako mentre tende una gru di carta verso il cielo. La storia di Sadako ha ispirato il romanzo, “Il gran fuoco di Hiroshima” di Karl Bruckner.

Tsutomu Yamaguchi (1916 – 2010) era un ingegnere di Nagasaki che si trovava ad Hiroshima per lavoro. Dopo il bombardamento tornò sconvolto a Nagasaki, ma qui fu testimone di un secondo bombardamento. Tsutomu Yamaguchi è uno dei pochi sopravvissuti ad entrambi i bombardamenti atomici di Hiroshima e Nagasaki. Ha sofferto per tutta la sua vita a causa degli effetti delle radiazioni atomiche. A ottant’anni ha scritto una autobiografia e nel 2006 è stato invitato a partecipare a un documentario sulle 165 persone ufficialmente vittime di entrambe le bombe atomiche giapponesi. Queste persone venivano chiamate “nijū hibakusha”. Nel 2009 anche il regista James Cameron si è interessato alla sua storia.

Takashi Nagai (1908 – 1951), medico e scrittore, sopravvisse al bombardamento di Nagasaki del 1945. Takashi Nagai, dopo il matrimonio, si convertì al cattolicesimo (Nagasaki ha da sempre ospitato una delle comunità cattoliche più grandi di tutto il Giappone) e fu battezzato con il nome di Paolo. Come medico radiologo contribuì allo studio degli effetti delle radiazioni della bomba sul corpo umano dando il proprio contributo come assistenza ai malati e ai più poveri. Il suo libro “Le campane di Nagasaki” è una delle testimonianze più toccanti mai scritte. Takashi Nagai venne anche soprannominato come il “santo di Urakami”. Insieme alla moglie Midori, morta nel bombardamento, è considerato servo di Dio della Chiesa cattolica.

Durante gli anni ’70 gli hibakusha di nazionalità non giapponese fecero richiesta per ottenere lo stesso diritto alle cure mediche gratuite e solamente nel 1978 la Corte Suprema del Giappone riconobbe loro il diritto alle cure mediche e alle agevolazioni economiche. La maggior parte degli hibakusha di nazionalità non giapponese erano coreani che lavoravano in Giappone, moltissimi a Hiroshima.

Lee Jong-keun nacque a Hiroshima nel 1928 da genitori coreani residenti in Giappone. Lee Jong-keun ha trascorso gran parte della sua vita celando la sua identità e per decine d’anni ha nascosto il fatto di essere sia coreano che hibakusha. Da sopravvissuto del bombardamento di Hiroshima, negli ultimi anni della sua vita, ha viaggiato per il mondo raccontando le sue esperienze. La testimonianza di Lee Jong-keun è come quelle di moltissimi hibakusha coreani che hanno penato per farsi riconoscere come vittime.

Nei giorni dei bombardamenti nucleari ad Hiroshima e Nagasaki erano presenti anche moltissimi giovani e bambini nippo-americani, figli di emigrati giapponesi, ma nati negli Stati Uniti, di seconda o terza generazione, tornati a trascorrere un periodo dai propri parenti o per studio. Si stima che al momento del bombardamento solamente ad Hiroshima fossero circa 11.000.

Le storie e i racconti degli hibakusha sono una testimonianza preziosa per l’intera umanità, perché il valore della memoria, del ricordo, è fondamentale e la conoscenza del passato fa acquisire consapevolezza nel presente. Come diceva Cicerone: “La memoria è tesoro e custode di tutte le cose”.

Accanto alla statua di Sadako, la bambina delle mille gru di carta, c’è una targa con incisa una frase, speranza e monito per le generazioni future: “Questo è il nostro grido. La nostra preghiera. Pace nel mondo”.

Bibliografia:

– Hiroshima il racconto di sei sopravvissuti di John Hersey (1946) – Ediz. Utet

– Il gran sole di Hiroshima di Karl Bruckner (1961)

– La pioggia nera di Masuji Ibuse (1965)

– Gen di Hiroshima serie manga di Keji Nakazawa (1973)

– Le campane di Nagasaki di Takashi Nagai (1949)

– Note su Hiroshima di Kenzaburō Ōe (1965)

– La voce di Kurihara Sadako, Ciliegi di Hiroshima e la poetica della bomba atomica di Daniela Travaglini – Aracne Editrice

– Hiroshima. Nel paese dei fiori di ciliegio.

– Diario di Hiroshima di Michihiko Hachiya

Grazia

Twenty-Five Twenty-One (ovvero della crescita, dell’amore, dell’imperfezione della vita)

“Qualche volta, dire che possiamo fare qualcosa può non essere incoraggiante. Non abbiamo ancora imparato a conoscere un mondo in cui non è necessario avere successo e si può anche fallire. Per cui facciamo quello che possiamo. Facciamo il nostro meglio. Ma spero ancora che, anche se dovessimo fallire, saremo abbastanza forti da rialzarci di nuovo”.

Titolo originale: 스물다섯 스물하나, Seumuldaseot seumulhana

Regia: Jung Ji-hyun

Sceneggiatura: Kwon Do-eun

Cast: Kim Tae-ri, Nam Joo-hyuk, Kim Ji-yeon (Bona), Choi Hyun-wook, Lee Ju-myung, Seo Jae-hee, Kim Hye-eun, Choi Myung-bin, Choi Min-young, Choi Tae-joon

Corea del Sud – drama, 2022 / 16 episodi

Genere: drama, slice-of-life, sport, romance, youth, coming-of-age

Ci sono prodotti (drama, anime, film, etc) che sono difficilmente catalogabili, perché rappresentano tante complesse sfaccettature di esistenze umane così normali, tanti piccoli spiragli di anima, che si lascia leggere senza opposizione alcuna all’introspezione, tanti momenti di riflessione condivisa e automatica, da creare immediatamente un doppio riconoscimento con lo spettatore: ci si riconosce nei personaggi, nei loro atti, nelle scelte e nelle non scelte, nelle parole, nelle risate, nelle tristezze e nelle emozioni, ma sono soprattutto i personaggi che si riconoscono in noi e si rimodellano e si riadattano ad ogni visione, seguendo i nostri pensieri e le nostre percezioni, come una parola che può suonare in un modo in un certo momento, per renderci conto di una sua inflessione diversa in un secondo momento e in un terzo ancora. Se si ha la felice fortuna di imbattersi in uno di quei rari prodotti, che riescono a leggerci dentro, prima di qualsiasi nostra interpretazione, conviene fermarsi, prendersi tempo, tenere in mano un taccuino e iniziare a segnare le frasi e i momenti, dandosi la libertà di commuoversi, sorridere e lasciarsi andare al ritmo dei battiti di quei personaggi, perché si sa già che si entrerà all’interno delle loro esistenze, si troveranno amici e anime complementari in quelli che sembravano personaggi fittizi e loro troveranno in noi le loro espressioni quotidiane.

Personalmente, questo scambio reciproco di esistenza, come se si vivesse insieme, almeno una volta, una delle vicende descritte, mi è capitato solo da ragazzina, quando mi avvicinai per la prima volta alla lettura dei testi di Daniel Pennac (all’epoca, quella lettura fu il romanzo “Kamo“, dove il personaggio aveva pressappoco la mia età e le sue avventure erano afflitte da un certo bovarismo letterario, tanto da corrispondere lettere con Catherine di “Cime tempestose“). Pur avendo amato molti testi letterari e molti prodotti fittizi, questa sensazione mi è ricapitata una seconda volta, molto più tardi, ormai da adulta, guardando il drama coreano “Twenty-Five Twenty-One” (anche noto come “25 21” a numero), perché è come se Na Hee-do, Baek Yi-jin, Moon Ji-woong, Ko Yu-rim e Ji Seung-wan fossero cresciuti con me, capaci di comunicare i loro sogni, la lotta per l’affermazione e per sopravvivere nella società, la smodata volontà di crescere, commisurata dall’altrettanto smodato desiderio di fermare il tempo in un attimo, i legami che vanno oltre qualsiasi cosa e che rimangono tali, con la dolcezza del ricordo, anche dopo diversi anni, e quel sorriso involontario che diventa reciproco, come per far capire che non si è mai soli, quando si comprendono e si empatizzano le difficoltà.

“Il mio diario di quei giorni è pieno di amore e amicizia. Un periodo in cui l’amore e l’amicizia significavano molto nella mia vita. Un periodo come quello dura solo un momento”.

In epoca COVID, la giovane Kim Min-chae sembra non eccellere nel percorso di danza che ha deciso di intraprendere e si sente perduta, quasi perdente in un confronto impari con la madre, che si è affermata da giovane nel mondo sportivo come schermitrice. Decide, così, di trascorrere l’estate in casa della nonna, ma, più tenta di rinnegare la presenza materna, più si imbatte in tutti quei ricordi che saltano fuori dagli anni ’90 e che urlano il nome di sua madre più di qualsiasi altra cosa. Ed è così che, dai ricordi che le si affollano davanti, si staglia subito un vecchio diario, una sorta di cronistoria segreta delle memorie di sua madre, scritto dalle sue ansie da adolescente, eppure intriso di quella determinazione per la vittoria che ne ha caratterizzato l’esistenza. Desiderosa di comprendere di più sua madre (e forse anche se stessa), Min-chae si ferma a leggere il diario e si ritrova catapultata nell’adolescenza di Na Hee-do (interpretata da una meravigliosa Kim Tae-ri di “Jeong-nyeon – The Star is Born” e “Little Forest“), in quei 18 anni compiuti sul finire del secolo XX, nel periodo caratterizzato dalla grande crisi economica del Fondo Monetario Internazionale, che ha colpito severamente la Corea.

1998. Na Hee-do è una ragazza vivace e solare con un unico desiderio: diventare campionessa di scherma, anche se la madre giornalista (interpretata da Shin Jae-kyung) le ha fatto mancare il suo sostegno da tempo, la scuola ha deciso di chiudere il club della scherma e tutti le rimproverano di non avere alcuna abilità e alcuna predisposizione. La sua icona è Ko Yu-rim (interpretata da Bona), che, ancora giovanissima, si è già affermata a livello internazionale, vincendo una medaglia d’oro. Hee-do spera di conoscerla e di allenarsi con lei e, per questo motivo, fa di tutto per cambiare scuola e per farsi ammettere dallo stesso liceo, oltre che dalla stessa allenatrice di Yu-rim, la terribile Yang Chan-mi (interpretata da Kim Hye-eun), che il mondo dello sport considera una leggenda della scherma, ma che ha metodi di allenamento particolari e arcigni.

Sembra che non ci sia spazio per altro nella vita di Hee-do, a parte la sua passione per i fumetti, primo fra tutti “Full House“, di cui attende con ansia ogni uscita e che preferisce leggere rispetto ai libri di scuola. Nel negozio dove va ad affittare i manhwa, lavora Baek Yi-jin (interpretato da Nam Joo-hyuk di “Start-Up“), che ha 22 anni, ma si porta addosso il peso del fallimento di una famiglia e, mentre il padre si nasconde dai creditori che lo cercano per chiedere il pagamento della sua azienda crollata, si è abituato a crescere troppo in fretta per guadagnare i soldi per riunire e rimettere in piedi la famiglia.

“Abbiamo la forza di rialzarci. Quindi, quando le cose si mettono male, possiamo sentirci frustrati quanto vogliamo. E tristi quanto vogliamo. Poi, però, rialziamoci insieme.”

Na Hee-do entra come un vortice nella vita di Baek Yi-ji: più lui è solitario e pensieroso, dedito al lavoro e abbattuto dalla tristezza della vita, più lei è una forza della natura, caparbia e resiliente quanto basta per non abbattersi nelle sconfitte, in grado di donare il sorriso a chi le sta intorno. I due si incontrano e si scontrano in fumetteria; poi, si re-incontrano e si scontrano di nuovo e, poi, di nuovo ancora. Lui cerca di evitarla, lei lo va a cercare appositamente. Lei non lo nota per strada, lui si palesa costantemente. Le loro anime si riconoscono e iniziano a dialogare e a confidarsi, ad aprirsi ai loro sogni e alle loro preoccupazioni. Poi, Baek Yi-jin improvvisamente parte, senza lasciare alcun messaggio, per raggiungere i suoi familiari nel Sud, lasciando a Na Hee-do il ricordo della sua costante dolcezza e del suo sostegno, perché, anche se è stato costretto a rinunciare ai suoi sogni, non è disposto a rinunciare ai sogni di Na Hee-do (“perché tu mi hai dato la speranza ed io voglio il meglio per te).

Na Hee-do ha solo la sua voce, da registrare in continuazione nella segreteria di un vecchio cercapersone, per far sentire costantemente la sua presenza e fargli capire che sarà sempre dalla sua parte, qualsiasi cosa possa accadere.

“D’ora in poi, quando esci con me, potrai essere felice senza che nessuno lo sappia. (…) Proprio come mi hai sostenuto senza motivo… ora tocca a me sostenerti. Ovunque tu sia, farò in modo che il mio sostegno ti raggiunga. Verrò a raggiungerti”.

Passa un po’ di tempo. Na Hee-do ha stretto nuove amicizie, tra cui la studiosa e brillante Ji Seung-wan (Lee Ju-myung di “Like Flowers in Sand“), che gestisce una radio pirata dove critica il sistema scolastico sudcoreano, che ammette ancora le pene corporali, e parla dei problemi della sua generazione, e Moon Ji-woong (Choi Hyun-wook di “Weak Hero Class” e “Twinkling Watermelon“), che ha un rendimento scolastico bassissimo, ma è il migliore amico che tutti si meriterebbero di trovare almeno una volta nella vita. Inoltre, è entrata nella nazionale di scherma e la sua competizione con Ko Yu-rim è diventata aspra e accesa, tanto luogo ad un clima costante di conflitto. Infatti, più aumenta la bravura di Na Hee-do, più Ko Yu-rim diventa scostante e preoccupata del risultato, anche perché vessata da una serie di problemi economici della sua famiglia.

Ma il tempo che passa riporta davanti ai suoi occhi Baek Yi-jin, ora diventato stagista al giornale, dove segue la rubrica sportiva, ed è come se i due non si fossero mai allontanati: Hee-do persegue ancora il suo obiettivo di far sorridere Yi-jin e di portarlo alla felicità e Yi-jin, d’altro canto, non ha mai smesso di fare il tifo per lei, che gli ha donato la speranza, ed è pronto da porgerle tutto il suo sostegno nelle difficoltà che Hee-do è destinata a vivere nel mondo dello sport, nonostante la sua vecchia conoscenza con Ko Yu-rim.

Quell’antica complicità che si era creata dal nulla e quei caratteri quasi agli antipodi diventano presto un’affinità e un’amicizia che non hanno eguali, perché insieme Hee-do e Yi-jin sono in grado di costruire un mondo tutto loro, che non ha bisogno di arcobaleni per brillare e dove la tragedia può essere trasformata in commedia e l’estate può durare in eterno, portando il loro effetto benefico su coloro che sono loro accanto. Crescono insieme e imparano in ogni singolo momento, litigano, discutono e si riconciliano, mentre comprendono l’una dall’altro cosa vuol dire vivere e affrontare nello stesso modo la felicità e la tristezza. Si supportano e si amano senza egoismi e senza pretese con un amore che è nato da subito e che è cresciuto lentamente, maturando come le loro stesse vite.

“La vita è preziosa. Amiamoci senza rimpianti finché siamo vivi”.

L’amore e l’amicizia si fondono insieme e li circondano, mentre trascorre il tempo, Baek Yi-jin lotta per affermarsi nel mondo del giornalismo, passando dallo sport alla cronaca cittadina, e Hee-do scopre che odio e stima nel suo mondo hanno la stessa intensità e che deve cercare di essere sempre più forte per rialzarsi dalle intemperie. Continuano ad amarsi mentre finisce il millennio e si teme che il triplo zero possa annullare tutta la tecnologia esistente.

“Che cosa vorresti fare prima che il mondo finisca?“

Quando il mondo continua ed entra ufficialmente nel nuovo millennio, Hee-do compie 21 anni e si sente capace e determinata nel rincorrere i suoi sogni e le sue prospettive, pronta a respirare la sua libertà e il successo, conscia di essere se stessa, a prescindere da qualsiasi cosa. Quando il mondo continua ed entra ufficialmente nel nuovo millennio, Yi-jin è un giovane uomo di 25 anni, che è cresciuto troppo in fretta rispetto ai suoi coetanei e che cerca di fermarsi per recuperare la sua età e la felicità negata per troppo tempo, ma che sente svanire via, mentre le sue insicurezze e i suoi dolori interiore riaffiorano prepotenti nelle sue angosce. Hee-do ha 21 anni e Yi-jin ne ha 25, quando il mondo sembra finire di nuovo l’11 settembre 2001, mentre due aerei tranciano a metà le torri del World Trade Center ed Yi-jin si trova catapultato a New York a raccogliere il dolore degli altri per darne dimora nel suo cuore.

“Quell’autunno, cercarono di lasciarsi, senza nemmeno sapere come farlo. Sarà per via della frattura che si è formata quando si sono rotti? Tutto ha iniziato a cambiare lentamente”.

Non sempre coloro che sono destinati ad amarsi sono anche destinati a stare insieme e la storia tra Hee-do e Yi-jin ne è un esempio, un frammento di diamante perduto negli anni e rimasto incastrato lì, nel suo splendore e nella sua purezza, senza bisogno che venga raccolto e che venga inserito in un gioiello, perché è perfetto così, nella sua grezza imperfezione, come è la vita stessa, un insieme di fatti e di persone incontrate, di gesti e di ricordi, da cui tutti tentano di trarre quella componente di lieta nostalgia, che fa ri-guardare il passato con occhi diversi e l’età della crescita come quell’estate gratuita dei primi vent’anni.

Forse, indipendentemente dall’età dello spettatore, una delle componenti del successo di questo drama (che ha fatto incetta di candidature e di premi in Corea del Sud come il Baeksang per la migliore attrice protagonista per Kim Tae-ri) sta proprio in quella meravigliosa e imperfetta crescita di questi personaggi: in Hee-do, che vuole diventare un’atleta e, per raggiungere il suo sogno, cerca anche di farsi espellere da scuola; in Yu-rim, che, prima, odia con tutta se stessa Hee-do, salvo, poi, trovare nell’altra atleta una parte della sua anima in un’amicizia che riesce a superare la rivalità e le cattiverie sportive; in Ji-woong, che non fa mai mancare il suo sostegno, perché la lealtà di esplica anche nella presenza silenziosa e costante e non deriva da grandi voli intellettuali; in Seung-wan e in sua madre, che l’ha educata ad essere se stessa e a cercare la giustizia, anche a costo della ribellione; e, infine, in Yi-jin, che non si conosce fino alla fine e che vive per riunire la sua famiglia e superare la tristezza.

Secondo le prolusioni dei sociologi, potrebbe trattarsi di quella piccola fascia intergenerazionale, chiamata “X-ennials”, che raccoglie gli ultimi componenti nati nella generazione X (fine anni ’70) e i primi componenti nati nella generazione Y o Millennials (inizi anni ’80). Secondo me, parafrasando le parole di Yi-jin, sono la prima generazione che hanno assistito, come testimoni, alla fine del mondo e, forse proprio per questo, riescono ad interpretare così bene le emozioni che tutti quanti abbiamo provato nella vita, in quel desiderio di determinazione e forza della giovane età che va a scontrarsi contro quel senso di impotenza che il mondo ci presenta quando percepiamo il senso effimero dell’esistenza, eppure continuiamo ad andare avanti, sostenuti dai ricordi di un frammento di felicità.

“La vita è lunga e i fuochi d’artificio sono brevi”

Laura

Come suona la recensione?

Si sente il mare

“Da lì in avanti, dentro di me il posto in cui si trovava Matsuno è sempre stato un po’ diverso rispetto a tutti gli altri”.

Titolo originale: 海がきこえる , Umi ga kikoeru, Ocean Waves

Diretto da: Tomomi Mochizuki

Ispirato al romanzo di: Saeko Himuro

Prodotto da Isao Takahata (Studio Ghibli)

Film Anime (Giappone, 1993)

Genere: Coming of Age, Formazione, Slice of Life, Romance

“Si sente il mare” è un film del 1993 prodotto dallo Studio Ghibli, ma è il primo film del famoso studio di animazione giapponese non diretto da Miyazaki e Takahata. Si tratta, infatti, di un progetto curato dai collaboratori più giovani con alla regia, Tomomi Mochizuki, classe 1958, che ai tempi aveva lavorato per la Nippon Animation e per lo Studio Pierrot dove aveva diretto molti episodi de “L’incantevole Creamy”, poi dell’anime, “La leggenda di Hikari” e negli anni a seguire “Orange Road” e “Ranma ½”.

“Si sente il mare” è ispirato all’omonimo romanzo della scrittrice Saeko Himuro ed è una storia di formazione, un coming of age che negli ultimi anni è stato riscoperto, anche se ad oggi non è ancora uno dei lungometraggi più famosi dello Studio Ghibli.

La storia alterna momenti di flashback con scene ambientate nel presente e questa è una particolarità narrativa che aiuta lo spettatore ad entrare nel cuore dei sentimenti dei protagonisti, con le loro emozioni e i contrasti interiori e con il mondo che li circonda, un espediente narrativo che rappresenta meglio l’età dell’adolescenza.

I tre protagonisti della storia sono legati da un triangolo di sentimenti che si ripercuote sulle loro scelte future e sui legami con la vita e con le proprie aspirazioni.

La storia è ambientata a Kochi, nell’isola di Shikoku dove Taku Morisaki e Yutaka Matsuno sono due liceali, amici dai tempi dell’infanzia, mentre Rikako Muto è una ragazza compagna di scuola che giunge da Tokyo ad anno avviato.

Rikako è brava sia nelle materie scolastiche che in quelle sportive, ma non riesce molto bene ad integrarsi con le sue compagne di scuola.

Matsuno si innamora quasi subito di Rikako, ma non riesce ad esprimere i suoi sentimenti. Durante una gita scolastica alle Hawaii la ragazza chiede a Taku di prestargli dei soldi e il ragazzo accetta.

Una volta tornati a Kochi, dopo un po’ di tempo, Rikako si accorda con un’amica di andare ad un concerto per poi svelarle il suo piano segreto di prendere un aereo e di andare a Tokyo. L’amica si impaurisce e chiede a Taku un aiuto, che arriva in aeroporto, liberando l’amica da questa incombenza e prendendone il posto. I soldi che Mikako aveva chiesto in prestito al compagno di scuola servivano, infatti, per il biglietto aereo.

In realtà Rikako si vuole recare dal padre e Taku, riuscendo a comprendere meglio la situazione, la accompagna. Il padre di Rikako risarcisce Taku dei soldi che la figlia gli aveva chiesto per il viaggio, ma l’incontro tra padre e figlia non si conclude molto bene, perché il padre rivela la sua decisione drastica di chiudere con la propria famiglia. Rikako, triste e desolata, si confida con Taku e i due ragazzi approfondiscono la propria conoscenza e comprendono di provare l’un l’altra un sentimento.

Una volta tornati a Kochi, Rikako comincia, però, ad ignorare Taku, anche se i compagni iniziano a diffondere voci su una loro presunta relazione e lo stesso Matsuno chiede con insistenza all’amico dei chiarimenti.

L’incomprensione, la voglia di tacitare qualsiasi situazione ingarbugliata come una matassa e la giovane età dei ragazzi li porterà ad allontanarsi, a litigare e a non voler cercare una via di comprensione.

Finita la scuola superiore, ognuno di loro prenderà strade differenti, frequentando diverse università. Taku andrà a Tokyo, mentre Rikako resterà a Kochi e non rimarrà in contatto con nessuno.

Nei cuori dei ragazzi, però, resta sempre qualcosa di incompleto, ma la vita presenta spesso degli imprevisti, così, un giorno, a Tokyo, Taku incrocia con lo sguardo Rikako, entrambi fermi in una stazione ferroviaria. E’ lì per lui? Prenderà quel treno o lo aspetterà?

“Si sente il mare” è una storia molto realistica che riesce in modo perfetto a rappresentare quella che è l’età dell’adolescenza con i propri contrasti, insicurezze, emozioni ed è in contemporanea una storia di formazione e di crescita, il tempo che passa e la comprensione dei propri sentimenti, prima nell’estremizzazione tipica dell’adolescenza e poi nella riflessione intimista della giovinezza, il tutto scandito dalla malinconia che proprio la giovinezza riesce a cogliere, un’immersione nel passato per guarire le mancanze del presente.

Molto significativo e ben rappresentato il rapporto d’amicizia tra i due ragazzi, Taku e Matsuno, ben descritta la loro affinità che li ha legati ad una amicizia che dura da molti anni, per poi essere travolti dall’amore per la stessa ragazza. Allontanarsi per poi comprendersi e riuscire a ritrovare un equilibrio che va oltre il tempo e le scelte di vita.

La scena molto bella che dà il titolo al film è rilevante e definisce la storia di entrambi, quella stima e fiducia che li ha avvicinati fin da piccoli nella comune amicizia e che ora li riconcilia con la propria esistenza.

Gli ultimi istanti del film, invece, sono di un raro splendore, come gli sguardi tra Taku e Rikako, quel raggio di luce che illumina le loro due anime, lì, in piedi, fermi in una stazione, tra tante persone, comprendono la propria unicità e forse anche il bisogno di esserci l’uno per l’altra, in un giorno qualunque che potrebbe cambiare la loro vita.

Grazia

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My Lovely Boxer – La vita non è vincere, è rialzarsi per ricominciare

“Non mi è mai piaciuta la boxe nemmeno per un momento. Non l’ho chiesto io, ma avevo un talento, inoltre ho continuato ad allenarmi senza pause, ma non ero affatto felice. Quindi sono scappata tre anni fa”.

Titolo originale: 순정복서, Sunjeong bokseo, Pure Boxer

Regia di: Hong Eun-mi, Choi Sang-yeol

Scritto da: Kim Min-joo

Cast: Lee Sang-yeob, Kim So-hye, Park Ji-hwan, Kim Hyung-mook, Kim Jin-woo, Ha Seung-ri, Chae Won-bin, Kim Hee-chan.

Genere: Sport/Drammatico

Corea del Sud, 2023, kdrama (12 episodi)

Mi sono avvicinata a questa storia in modo molto cauto, temendo di dover soffrire e stare male, visto l’argomento e lo sport trattato e considerando il fatto che dopo la visione di “A Million Dollar Baby” di qualche anno fa non avrei voluto versare nuovamente tutte le lacrime del mondo per un’altra storia straziante oppure rimanere delusa per una trama banale.

“My Lovely Boxer”, invece, è stata una vera e propria sorpresa perché, pur affrontando in modo profondo e razionale delle tematiche drammatiche dove lo sport è protagonista, riesce anche a coinvolgere lo spettatore puntando soprattutto su delle superbe interpretazioni, emozionanti incontri sul ring, allenamenti senza sosta e personaggi principali e secondari che sono il cuore pulsante della narrazione stessa.

“My Lovely Boxer” è un drama ricco di umanità e rappresentante di valori positivi universali quali l’amicizia, la lealtà, la fiducia, ma anche dei meandri più squallidi dell’animo umano, il tradimento, l’inganno, il tutto intriso della malinconia delle vite dei protagonisti e della gentilezza dei piccoli gesti che solo coloro che sono stati a contatto con uno sport possono percepire.

La giovane Lee Kwon-sook (interpretata da una meravigliosa Kim So-hye, “The Best Chicken”) è una boxer di talento che a soli diciassette anni era diventata già un fenomeno, ma, prima del suo grande slam, è improvvisamente scomparsa dal mondo del pugilato e nessuno più l’ha vista. Tre anni dopo, la ragazza, che lavora presso un asilo e che ha cambiato completamente stile di vita, viene contattata da Kim Tae-young (un coinvolgente Lee Sang-yeob, “Love Affairs in the Afternoon”, “Once Again”), l’unico ad essere riuscito a rintracciarla.

Tae-young è un freddo e calcolatore agente sportivo noto anche per le sue doti infallibili nel riuscire a mettere in luce gli atleti, sfruttarne la fama del momento, per poi esaurirli e costringerli al ritiro anticipato. Tae-young, che anche lui ha fatto parte del mondo dello sport, ha un lato debole, il suo amico Kim Hee-won che per lui è stato come un fratello, nonché compagno di squadra. Hee-won, lanciatore di baseball, è rimasto coinvolto in partite truccate per poter pagare le spese sanitarie di un familiare. A capo dell’organizzazione malavitosa, che ora minaccia Hee-won, c’è Kim Oh-bok (Park Ji-hwan, “Our Blues”), operatore di gioco d’azzardo sportivo illegale.

Kim Tae-young, quindi, decide di aiutare l’amico nei guai e, per poter risolvere la situazione drammatica in cui è coinvolto, cerca di giocare la carta vincente del ritorno sul ring della giovane boxer sparita per tre anni. L’eventuale ritorno nel pugilato da parte della ragazza raccoglierebbe un notevole interesse pubblico.

Inizia così ogni tentativo di persuasione insistente da parte dell’agente nei confronti della giovane pugile per riuscire a riportarla sul ring e accompagnarla dopo tutto il campionato ad un ritiro anticipato dalla sua carriera sportiva, sfruttando proprio la scarsa volontà della ragazza di continuare con la boxe.

In qualche modo, infatti, Kwon-sook, facendo capire all’agente di non fidarsi pienamente di lui, decide di ritornare in quel mondo lasciato tre anni prima.

Il personaggio di Kwon-sook è molto complesso, si tratta infatti di una giovane ragazza che è consapevole di essere una fuoriclasse e di avere un talento innato per qualcosa che lei odia completamente, la boxe. Alla boxe, infatti, la ragazza non perdona il fatto che è stata causa di rovina per la sua famiglia, del cattivo rapporto con il padre, suo primo allenatore dai metodi bruschi che ha sempre preteso da lei l’impossibile, e delle negazioni e privazioni che l’hanno allontanata dal mondo esterno.

Kwon-sook odia la boxe e forse anche il suo talento che vorrebbe rinnegare, ma sa anche che la boxe è entrata nella sua vita fin da piccola e ha in sospeso con questo sport qualcosa da cui si è voluta allontanare tre anni prima.

“Nella boxe vince chi rimane in piedi fino alla fine”.

Kwon-sook non ha dimenticato il suo talento, solamente lo ha voluto nascondere per cercare un mondo diverso, la normalità che hanno molte persone, ma sa che adesso è arrivato il momento di intraprendere il suo viaggio verso la redenzione, il perdono di se stessa, ora deve affrontare i fantasmi del passato e ha capito che accanto alla sua tenacia e al suo talento sportivo ha qualcosa di più prezioso, la forza della resilienza che le insegna giorno per giorno a sfidare le avversità della vita con costanza e impegno.

“Non si tratta di vincere o perdere, voglio fare del mio meglio. Ho bisogno di dare tutto quello che ho”.

Si può avere talento, ma si può anche non desiderare per niente quel talento e questo è quello che accade nell’animo di Kwon-sook che, però decide di rimettersi in gioco perché la cosa più importante è dare il massimo, è quella la vera vittoria, anche quando si perde.

Per Tae-young, invece, aiutare l’amico a togliersi dai debiti sfruttando il talento della giovane boxer sembra l’unico mezzo per risolvere la situazione in modo impellente, in realtà la strada che troverà sarà irta di difficoltà e complicazioni, ma capirà presto che farsi compromettere dallo squallore del gioco d’azzardo significherà contaminare quel nuovo modo di vivere e quel sentimento che nascerà piano piano con la vicinanza di Kwon-sook. Tae-young troverà dentro di sé un’umanità che sembrava sopita.

Sia Tae-young che Kwon-sook intraprendono un viaggio interiore, un viaggio che è una catarsi, un liberare se stessi dagli spettri del passato per trovare la purezza della semplicità della vita.

“My Lovely Boxer” è per questo un kdrama che merita di essere scoperto e visto, una storia gentile, una storia che insegna a rialzarsi quando la vita ci abbatte.

Qualche riflessione sulle scene che ho apprezzato maggiormente nel drama, la preparazione agli incontri, le corse sul lungomare o in città (immagini che da “Rocky” in avanti hanno ispirato diverse produzioni cinematografiche e televisive, ma che hanno sempre un effetto universale!), lo studio della dieta con i sacrifici della giovane Kwon-sook che per rientrare tra i pesi gallo deve ritrovare la forma giusta, gli allenamenti con il simpatico istruttore Choi Ho-joong (Kim Hee-chan), con il quale la protagonista instaura un rapporto cameratesco. Infine, tanti altri personaggi che meritano di essere ricordati, il padre di Kwon-sook, Kim Hyung-Mook; il giovane Han Jae-min (Kim Jin-woo), primo amore della protagonista, l’agente sportiva Jeon Sooyeon (Ha Seung-ri, “All of Us Are Dead”) e l’avversaria Han Ah-reun (Chae Won-been, “Doubt”).

Altra tematica è il ruolo femminile in uno sport che è ancora concepito come secondario, soprattutto per le donne che fanno ancora più fatica per occupare un proprio posto in questo piccolo universo sportivo.

Infine, i due protagonisti: Lee Sang-yeob nei panni di Tae-young ci regala un’interpretazione intensa, mentre Kim So-hye offre un’interpretazione fisica ed emotiva perfetta, la sua Kwon-sook è una ragazza che irradia dolcezza e calore, tenacia e volontà.

Ispirato al romanzo “Pure Boxer” di Choo Jong Nam, “My Little Boxer” è una piccola gemma da scoprire, così come la sua ost molto bella, a partire dal brano di Swan, “The End”.

“Voglio vivere una vita tranquilla, non la vita di un pugile. Odio ancora la boxe, ma sono felice di essere tornata. Grazie ad uno sport che odio ho conosciuto persone che mi sono molto care. Me lo hanno spiegato: la boxe non è vincere o perdere, è avere la volontà di dare il massimo e provare ad andare avanti”.

“La vita ci mette al tappeto troppo spesso, ma non è un grosso problema, puoi semplicemente rialzarti di nuovo. Alzare nuovamente la guardia”.

Grazia

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Fight for My Way (ovvero dei perdenti chiamati a vincere)

“Se diventare adulti significa fare a meno dei propri sogni, allora farò a meno di crescere”.

Titolo originale: 쌈, 마이웨이, Ssam, ma-i we-i

Regia: Lee Na-jeong

Sceneggiatura: Lim Sang-choon

Cast: Park Seo-joon, Kim Ji-won, Ahn Jae-hong, Song Ha-yoon, Kim Sung-oh, Jin Hee-kyung, Lee Elijah, Son Byong-ho, Kim Ye-ryeong, Jo Eun-yoo, Jeon Bae-soo, Kang Ki-doong, Pyo Ye-jin, Choi Woo-shik, Lee Jung-eun

Corea del Sud, 2017 – 16 episodi

Genere: drama, slice-of-life, comedy, sport

Avere trent’anni è un’età critica. La società crede che tu sia improvvisamente diventato adulto e inizia a chiederti il conto della vita: ciò che hai fatto, ciò che sei diventato, come appari, tutto viene messo sotto la lente d’ingrandimento e analizzato nel minimo dettaglio per essere valutato in modo spietato. Il giudizio di solito arriva in modo implacabile e quasi nessuno riesce e a salvarsi del tutto. Avere trent’anni per la società rappresenta il raggiungimento dell’età matura e, quindi, automaticamente essere diventati in pieno la persona che si voleva diventare, realizzati in tutti i campi, capaci di dimostrare di essere qualcuno.

Questo, perlomeno, è l’assunto che è sempre stato accettato per tutte le generazioni negli anni e il fatto che le cose siano cambiate radicalmente a partire dalla cosiddetta generazione dei “millennials” ancora destabilizza una prassi riconosciuta e cristallizzata. Perché i millennials sono stati i primi a non avere alcuna stabilità e alcuna certezza a trent’anni, spesso privi di un lavoro certo, non sempre indipendenti dal punto di visto finanziario e alla deriva nella sicurezza emotiva e relazionale. E la constatazione di essere giudicati dal resto della società perché si appare irrealizzati a trent’anni è ancora più amara per una generazione che si è dovuta adattare a vivere nella precarietà.

“Fight for My Way” è un drama che, per la prima volta, mette in luce i problemi lavorativi, sociali e sentimentali di una generazione costretta a crescere subito, eppure mai considerata del tutto cresciuta, e lo fa in modo chiaro e nitido, tracciando una storia che solo in apparenza ha le caratteristiche di una commedia, ma che sa intrecciare l’introspezione psicologica, il dramma sociale, il romanzo di formazione e lo slice-of-life. E parte dallo sport, visto come metafora della sfida per la realizzazione e della lotta continua per essere accettati nella società.

Questa commistione di genere nel ritrarre uno spaccato di vita ordinaria di una generazione è stata una vera formula vincente che, all’epoca della trasmissione del drama, ha procurato il favore del pubblico e della critica (basti pensare che tutti gli attori sono stati candidati per le loro interpretazioni al Baeksang Arts Awards e che il drama si è aggiudicato numerosi riconoscimenti, tra cui il Korea Producer Award come Best Drama, il Seoul International Drama Award, il KBS Drama Award, oltre ai numerosi premi vinti da entrambe le coppie nella categoria Best Couple). Il drama è ispirato al manhwa omonimo prodotto dallo Studio JEMI, scritto da Lim Sang-choon (anche alla sceneggiatura del drama) e illustrato da Jyuni e ChocoLatte.

Go Dong-man (Park Seo-joon di “Gyeongseong Creature 1 e 2” e “Dream“) è un ex atleta di taekwondo che a diciotto anni aveva davanti un futuro promettente nello sport, tanto da aver vinto una borsa di studio per una scuola esclusiva di Seoul, ma a trent’anni si ritrova allo sbando, segnato dall’ignominia di essersi venduto un incontro e cacciato per sempre dall’unica cosa che era in grado di fare. Costretto a mettere da parte i propri sogni e con una sorella malata da aiutare, abbandonato dall’ex fidanzato, che lo ha visto come un perdente e lo ha ripetutamente tradito, l’unico obiettivo della sua vita ormai è quello di guadagnare soldi da inviare alla propria famiglia, ma, non avendo alcun titolo di studio adeguato, si adatta a fare lavori a cui gli altri si rifiutano, come la disinfestazione dagli scarafaggi.

“Non è figo atteggiarsi da duro per non piangere, è figo piangere quando vuoi tu”.

La sua migliore amica Choi Ae-ra (Kim Ji-won di “My Liberation Notes” e “Queen of Tears“), con cui è cresciuto insieme e che lo ha sempre sostenuto, anche facendo un tifo forsennato all’epoca della sua gloria sportiva, ha studiato per diventare annunciatrice alla radio, ma non ha conoscenze, né appoggi e si è dovuta adattare ad impiegare la sua voce radiofonica agli annunci dei grandi magazzini, trattata spesso come la responsabile con cui i clienti se la prendono per le varie carenze del negozio. Un tempo combattiva, piena di sogni e di grinta, la sua vita è declinata sempre di più, rinchiusa in un’aspirazione diventata un sogno irrealizzabile, in un curriculum vitae destinato ad affossarsi e nell’incapacità di trovare una relazione stabile.

“Scommetto che le persone hanno davvero bisogno di fare ciò che amano”.

La loro amica d’infanzia Baek Sol-hee (Song Ha-yoon di “Marry My Husband“), al contrario, può dimostrare di essere stabile e sicura dal punto di vista affettivo. O, meglio, il mondo crede così, anche perché, mentre Ae-ra da piccola voleva conquistare tutto e Dong-man voleva diventare uno sportivo affermato, l’unica aspirazione di Sol-hee sembrava quella di trovare un marito e costruire una bella famiglia. Solo che a trent’anni si trova incastrata in una relazione decennale con Kim Joo-man (Ahn Jae-hong di “Chicken Nugget“) che sembra diventata una routine opprimente destinata ad evolversi in un vicolo cieco. Entrambi si sono trovati a lavorare per la medesima compagnia, ma, secondo una tacito accordo fra di loro, hanno deciso di non rivelare la loro relazione per non mettere in difficoltà le proprie posizioni lavorativa, soprattutto la carriera in ascesa di Joo-man. Col tempo, Joo-man ha assunto un ruolo importante in azienda, considerato oltretutto come un promettente partito da sposare, mentre Sol-hee si è trovata sempre collocata nella sua posizione di centralinista priva di opportunità di crescere e affossata nel ruolo della fidanzata segreta, quasi un’amante non riconosciuta. Anche la famiglia di Joo-man la valuta male, quasi come una fidanzata di transizione, convinta che non sia all’altezza delle aspirazioni e della posizione del figlio, senza notare la crisi reale che Joo-man vive su se stesso, incapace di reggere il passo con quello che il mondo gli chiede e di indossare ogni giorno la maschera della realizzazione.

“Devi essere la regina della tua stessa vita”.

I quattro amici, che da dieci anni vivono gli uni di fianco agli altri, separati solo da una scala che taglia in mezzo la strada, sono arrivati ad un punto di rottura, incapaci di distinguere il proprio sé da quello che la società ha loro imposto e da ciò che sono diventati, frustrati da una vita che sembra loro scorrere addosso senza lasciare alcun appiglio, eppure resisi anche conto di poter vedere l’ombra dei propri sogni e, quindi, di essere ancora in grado di prenderli, prima che svaniscano del tutto.

“Anche se ci svegliamo prima degli altri, anche se andiamo a dormire dopo degli altri, non abbiamo mai tempo. Lavoriamo più intensamente degli altri, ma i nostri curricula che non hanno incamerato alcuna esperienza mostrano davvero quello che siamo. Mi sento così arrabbiata, mi sento frustrata”.

Qui, però, inaspettatamente si inserisce la parabola sportiva. Dong-man aveva abbandonato per sempre lo sport, colpevole di aver commesso qualcosa a cui le contingenze lo avevo costretto e, quindi, ora condannato a scontare una vita al margine, senza possibilità di rientrarvi. Lo sport è di per sé una lotta per l’affermazione, una competizione continua più contro se stessi che contro gli altri, un’ansia costante di andare oltre i propri limiti e raggiungere un traguardo. Lo sport torna nella vita di Dong-man sotto le sembianze del suo ex allenatore di taekwondo, Hwang Jang-ho (Kim Sung-oh di “A Korean Odyssey“), che lo convince a tornare ad allenarsi e a declinare le sue abilità di lotta nelle arti marziali miste. Il cammino intrapreso non è facile, fatto di fatica, preoccupazioni e sofferenze, ma, se all’inizio Dong-man decide di optare per le arti marziali miste per un fattore economico, più passa il tempo e più comprende che la sua è una scalata per tentare di afferrare ancora i propri sogni, sfidare se stesso ad andare avanti e a lottare nella vita per conquistare il proprio angolo e urlare al mondo la propria presenza.

“Invece dei soldi, dovresti iniziare a pensare ai tuoi sogni e al tuo cuore. E dare la migliore opportunità alla tua vita”.

Quella voglia di rimettersi in gioco di Dong-man, quel “rifiuto” di crescere, letto come il rifiuto di adattarsi alle imposizioni del mondo, quel desiderio di essere se stesso, senza la necessità di dimostrare il proprio valore contagiano poco per volta anche i suoi amici: Ae-ra prende consapevolezza di sé e decide di tentare di mettere in luce le proprie abilità, al di là di un curriculum vitae scarso e piatto; Sol-hee comprende di non essere la fidanzata di qualcuno, ma di essere una persona straordinaria, senza la necessità di adattarsi ad un ruolo stereotipato; Joo-man capisce che il successo non è negazione di responsabilità e gratitudine e che è necessario preservare la propria autenticità senza essere ingoiati e annullati dal sistema.

E, poi, c’è Hwang Bok-hee (Jin Hui-gyeong di “I’ll go to you when the weather is fine” e “The Killer Shopping List“), presenza improvvisa e misteriosa, nuova padrona di casa degli appartamenti dove i quattro amici vivono e abitante dell’appartamento collocato all’ultimo piano con una terrazza da cui si domina la zona e che serve come angolo di quiete e di ristoro per i quattro trentenni. Bok-hee sembra comprendere le loro ragioni e le loro frustrazioni meglio di chiunque altro, con una consapevolezza materna che il mondo quasi le ha voluto negare, a causa di un passato doloroso, che l’ha collocata come una pariah della società.

Il fatto è che ci hanno insegnato che sogni e cuore prendono una strada diversa rispetto a carriera e soldi ed è così che ci troviamo bloccati in lavori che odiamo e prendiamo le relazioni come un obbligo temporaneo. Nessuno dà alla propria vita una chance e, in questa spirale, è automatico diventare delle persone svuotate all’interno, condannate come automi a condurre le proprie esistenza, senza alcuna ragione, e vittime dei giudizi di una società senza volto, pronta ad erigere ai più alti gradi, ma pronta anche ad annullare e a schiacciare le anime. Si diventa perdenti in un attimo agli occhi della società, ma in qualsiasi sconfitta ci sono i semi della vittoria. Non importa se il mondo faticherà sempre a riconoscerla o se i risultati in apparenza possono sembrare scarsi o addirittura nulli. La strada per la vittoria inizia quando ci si sveglia al mattino con la voglia di alzare la testa e guardare in faccia la società senza timore, con il desiderio di essere se stessi a prescindere senza essere costretti a dimostrare e a giustificare la propria presenza e con quella giusta dose di non-curanza nel percepire i giudizi altrui. Anche perché, in fondo, l’etichetta del “perdente” è solo qualcosa che gli altri affibbiano per non essere costretti a leggersela addosso, un’ignominia inconsistente che può diventare una gravosa macchia da scrollarsi, perché tende ad annullare le opportunità.

Per parafrasare una frase del film “Little Miss Sunshine“, nessuno è per davvero un perdente: i veri perdenti sono solo coloro che hanno così paura di vincere da non provarci affatto. Nello stesso modo, Dong-man, quasi sul finale del drama, afferma: “Se non possiamo vincere, proviamoci ugualmente. Vivere la nostra vita è già una vittoria. Che importa di quello che dicono gli altri?“.

Dedicato a tutti noi, che ci sentiamo sempre costantemente in difetto e perdenti, perché non sappiamo di aver già vinto in principio, vivendo la nostra vita.

Laura

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Una giornata di mezza estate – On /Off e The Colours of Our Time

Esistono quelle piccole storie o ancora meglio quei drama brevi di pochi episodi che colpiscono per la loro profondità e per le tematiche affrontate, seppur senza troppe pretese o senza risultare pesanti agli occhi e alla resistenza di uno spettatore che nelle giornate più calde di mezza estate si accinge a scegliere cosa guardare.

Per questo, il web ci stupisce spesso con alcune gemme da scoprire che portano via poco tempo, ma che fanno immergere in una atmosfera piacevole da vivere.

Nel mio caso ho trovato due web series coreane che mi hanno emozionata perché in entrambi ci sono quasi solo due personaggi principali a reggere storia e dialoghi ed è questa la loro particolarità principale.

=== ON/OFF ==

“Sono nata in un mondo senza suoni. Non è stata colpa o errore di nessuno”.

Titolo originale: 온앤오프 ; On and Off

Cast:So Joo-yeon; Seo Ji-hoon

Genere: Romance, Drammatico

2 episodi

Corea del Sud, 2024

Questa mini serie del 2024 è composta due brevi episodi, ma la nota distintiva è che un episodio è visto dagli occhi del protagonista, mentre l’altro dagli occhi della protagonista.

Lee Jung A (So Joo Yeon) è una ragazza solitaria che non parla mai quasi con nessuno, ma che ha l’abitudine di sedersi sempre nello stesso posto in una caffetteria, soffiandosi con un piccolo ventilatore portatile bianco. Jang Jun Chul (Seo Ji Hoon) va spesso a trovare l’amico, proprietario della caffetteria, dove nota Lee Jung A, che come lui ha un piccolo ventilatore portatile dello stesso colore.

In realtà i due ragazzi abitano vicini e un giorno Jun Chul trova un pacco destinato alla ragazza, ma consegnato per errore a lui. Per sbaglio apre il pacco e trova un apparecchio cocleare, capisce, quindi, che è importante andare subito a casa della ragazza per consegnarle il pacco. Il problema sarà farsi sentire da Jung A che non risponde al campanello, ma dopo una paziente attesa, Jung A esce di casa e trova Jun Chul che sta cercando di lasciarle un biglietto per avvisarle del pacco. Quando la ragazza comprende la situazione ringrazia Jun Chul. Tra i due nasce pian piano una amicizia preziosa, entrambi compassati, riflessivi, introversi, ma con la voglia di apprezzare le piccole cose e, anche se il mondo di Jung A è un mondo senza suoni, ora la sua vita inizia a cambiare.

In questo mini drama si va a ricreare la coppia del bellissimo kdrama “Seasons of Blossom” che già mi aveva rubato il cuore, soprattutto per la loro storia struggente e drammatica. Qui invece, la storia è più breve, ma l’intensità dell’interpretazione di entrambi e una chimica di sguardi ed emozioni che non passa inosservata, sono delle particolarità che arricchiscono il valore della storia.

== THE COLORS OF OUR TIME ==

“Perché sei venuto a Tongyeong?” – “Ho sentito che il tramonto di Tongyeong è più bello che in altri posti. Quindi ho voluto verificare di persona”.

Titolo originale: 마침내 물들다 , Finally Stained

Cast: Lee Hyun-Joo; Mun Sang Min

Genere: Slice of Life

4 episodi

Corea del Sud, 2020

Questa mini web series coreana del 2020 ci propone una storia ambientata a Tongyeong, una città costiera, tra le mete turistiche più famose della Corea del Sud, dove la vista sul mare e le numerose isole vicine fanno apprezzare ancora di più il paesaggio. Tongyeong si trova nella provincia del Gyeongsang Meridionale.

La storia intrepretata da soli due protagonisti si apre con Yu Ra (Lee Hyun Joo) che conduce una piccola pensione a Tongyeong, ma che è anche una scrittrice di romance, spesso, infatti, la ragazza fabbrica storie ad occhi aperti e fantastica un po’, prendendo ispirazione dalle persone che incontra e dalle emozioni che prova.

Un giorno, in una delle sue camminate, nota in libreria un ragazzo di bell’aspetto che legge con attenzione dei libri esposti tra gi scaffali del negozio. Yu Ra segna nel suo taccuino dello scrittore la situazione che sta vivendo, compreso i modi di fare del ragazzo, il suo modo di leggere, assorto a tal punto da non rendersi conto delle persone accanto, con la macchina fotografica appesa al collo.

Subito dopo, il ragazzo trova per strada il taccuino di Yu Ra e inizia a leggerlo, ma in quel momento la giovane Yu Ra che aveva perso il suo quaderno gli strappa dalle mani il taccuino. Il giovane che si chiama Jung U (Mun Sang Min) si scusa, così entrambi si presentano e iniziano insieme una camminata che li porterà ad affrontare diversi dialoghi relativi al futuro e ai sogni. Scoprono a fine giornata, inoltre che Jung U ha prenotato un alloggio nella pensione condotta da Yu Ra.

Nei giorni seguenti si vedono spesso, parlano, intraprendono delle meravigliose passeggiata in angoli incantati della città o al museo nazionale. Yu Ra svela quanto sia importante per lei osservare le persone per scrivere i propri romanzi, mentre Jung U, appassionato di fotografia, lascia parlare l’obiettivo per carpire i momenti più belli della giornata. Anche Yu Ra chiede lezione a Jung U per migliorare nella fotografia.

Nessuno lo sa, ma, Jung U, in realtà, soffre di ambliopia cromatica. L’ambliopia è un tipo di deficit visivo che si verifica solo su un lato dell’occhio, causato da una disfunzione dei muscoli oculari e dei nervi cerebrali, ma, se non trattata, l’ambliopia può avere una certa gravità, per questo il ragazzo cerca di tenerla nascosta.

Piccola particolarità da sottolineare: la difficoltà di Jung U per la sua diversa acuità visiva che viene fatta comprendere da piccole condizioni, come il prendere la tazza o la cannuccia sbagliata o indossare i calzini spaiati di colore diverso e per questo il regista è stato molto abile.

Nelle passeggiate dei due giovani, dove Yu Ra fa da guida, anche lo spettatore riesce un po’ a visitare la splendida Tongyeong a partire dal “Museo d’Arte Jeon Hyuk-Lim”, un tempo residenza del pittore Jeon Hyuk-Lim. Il museo si trova nelle vicinanze del tempio di Yonghwasa sul Monte Mireuksan

Molto bello anche il Parco di Seopirang da dove si può ammirare la città portuale e ci si rilassa magari guardando i diversi murales distribuiti nella zona.

Tra i luoghi del drama anche il suggestivo villaggio di Manjido dove si trova un ponte sospeso inaugurato nel 2015, lungo 98 metri che collega le due isole: Yeondaedo e Manjido.

Infine, la Tongyeong Music Hall (Fondazione del Festival Internazionale di Musica di Tongyeong). Tongyeong è registrata dall’UNESCO come città della musica e per alcuni è anche la piccola Venezia della Corea del Sud.

La storia presentata in “The Colours of Our Time” è molto intimista e riesce ad affrontare i timori giovanili sul futuro, sulle proprie ispirazioni, oltre ad essere sorprendente nella propria unicità anche grazie alle splendide interpretazioni dei due protagonisti.

Spero di avervi suggerito due minidrama piacevoli da recuperare presto in queste giornate calde di mezza estate! Grazie a tutti voi che avete letto questo articolo!
Grazia

The Potato Lab

“Le patate che sono state coltivate quotidianamente con affetto sono diverse da quelle che sono state appena piantate e spruzzate con pesticidi”.

Titolo originale: 감자연구소 , Potato Research Center

Regia di: Kang Il-soo

Sceneggiatura di: Kim Ho-soo

Cast: Lee Sun-bin, Kang Tae-ho, Lee Hak-joo, Kim Ga-eun, Shin Hyun-seung, Jung Shin-hye

Genere: Commedia/Slice of Life

Corea del Sud, 2025, kdrama, 12 episodi

Cesto di patate. Natura morta con patate e tegame. Scodella con patate. I mangiatori di patate – Vincent Van Gogh

Al raccolto delle patate – Johann Fredrich Voltz

La scoperta delle patate andate a male – Daniel MacDonald

I piantatori di patate – Jean-François Millet

Donne di Scheveningen che ripuliscono un campo di patate – Philip Lodewijk Jacob Frederik Sadée

Bambini con patate sul fuoco – Friedrich Hiddemann

La raccolta delle patate, Pontoise – Camille Pissarro

La piccola sbucciatrice di patate – Albrecht Anker

Raccolta delle patate – Ludwig Knaus

Le raccoglitrici di patate – Guy Rose

La raccolta delle patate – Adolfo Tommasi

Raccolta delle patate – Josef Kinzel

Raccoglitori di patate – Ralph Hedley

Ragazza che pela le patate – Anders Zorn

Interno rustico con donna che pela le patate – Amelie Ruths

Potremmo ancora andare avanti per molto tempo nell’elencazione dei titoli di alcune opere d’arte dove le patate sono i soggetti principali, dalla coltivazione alle nature morte, ma questo serve solo per comprendere l’importanza della coltivazione delle patate nella storia dell’uomo.

La civiltà umana ha incrociato il proprio cammino con l’esistenza della patata nel 1537, quando i conquistadores spagnoli del Perù portarono questa pianta per la prima volta in Europa, ma, in realtà, la patata, originaria delle Ande, era uno degli alimenti principali degli Inca che ne svilupparono molte tipologie differenti per adattarla ai diversi habitat.

Il valore più prezioso della patata è, in effetti, l’adattabilità a climi, temperature, terreni, condizioni differenti e distinte. La patata è simbolo della resilienza e la sua storia si intreccia con quella dell’umanità, diventando presto un alimento base globale e primario per milioni di persone nel mondo, caratterizzando l’unione tra natura e società umana.

Questo preambolo ci introduce alla trama del drama che vi presento, “The Potato Lab”, perché la storia narrata è una storia di resilienza e, come detto prima, la patata è simbolo di resilienza.

Kim Mi-kyung (Lee Sun-bin, “Boyhood”, “Madame Antoine”) ha trascorso molti anni a lavorare in un centro di ricerca sulle patate, in una tranquilla valle di montagna. Kim Mi-kyung è una persona caparbia e dedita al lavoro, anche nei suoi momenti di riposo, da infaticabile lavoratrice e appassionata alla sua professione, si dedica alla coltivazione e creazione della patata perfetta alla quale dare il suo nome. Nella sua eccentricità e stravaganza si aggira per ogni dove per studiare il terreno, le differenti possibilità di coltura e resistenza, creando una piccola serra tutta per sé, dove andarsi a rifugiare curando le sue patate nei momenti di solitudine. Una vita dedita al lavoro, ma anche l’unico scopo di vita che resta alla ragazza per dimenticare un triste e doloroso avvenimento del suo passato, quando era stata costretta a lasciare il lavoro precedente, in modo spiacevole, per uscire da una situazione dove era diventata il capro espiatorio, per via della relazione con un collega e amico, Park Ki-se (Lee Hak-joo, “Memories of Alambra”) che l’aveva poi lasciata per fidanzarsi con la figlia dei direttori dell’azienda.

In quel periodo, Kim Mi-kyung sapeva di essere stata considerata una “zavorra” per l’azienda dove lavorava e, dopo vari tentativi di spingerla a dimettersi, aveva lasciato la professione e si era rifugiata nella valle di montagna dove aveva ereditato una casa insieme al fratello e dove aveva iniziato con passione e caparbietà una nuova vita. La coltivazione e lo studio delle patate per la giovane erano diventate metafora della sua stessa esistenza.

Un giorno, la vita della ragazza viene nuovamente sconvolta non appena viene a sapere che il laboratorio di ricerca presso il quale lavora è stato rilevato dalla Wonhon, la multinazionale dove lavorava anni prima e subito l’incubo dal quale era fuggita si ripresenta a chiedere i conti. Con gli altri colleghi del team si reca presso la sede centrale della Wonhon per cercare di capire quale sarà il loro destino e se l’azienda ha intenzione di portare avanti l’attività del laboratorio, ma, dopo una giornata, tornano con le idee confuse e la stessa Mi-kyung con l’ansia e il timore di rivedere l’ex fidanzato, che ora si è sposato.

Qualche giorno dopo, presso il laboratorio di ricerca, si presenta So Baek-ho (Kang Tae-oh, “Avvocata Woo”, “Run On”, “My First First Love”), un direttore aziendale incaricato da parte della multinazionale di supervisionare il centro, nel tentativo di modernizzarne le attività e fare tagli sulle spese ritenute superflue e forse anche sul personale.

Le personalità differenti di So Baek-ho e di Kim Mi-kyung fan sì che quasi da subito lo scontro sarà diretto, ma la vita spesso sorprende e, anche una persona fredda e pragmatica come Baek-ho, può cambiare a contatto con un contesto diverso da quello da lui conosciuto, oltre, per qualche motivo, a non riuscire ad ignorare per nulla Mi-kyung.

Baek-ho e Mi-kyung intraprendono un viaggio interiore di crescita e di formazione. La ragazza cercherà di recuperare quel doloroso tempo passato in cui ha sotterrato da qualche parte la stima in se stessa, dopo essere stata vittima di ostracismo sul luogo di lavoro e a curare le proprie ferite dell’anima. Mentre per Baek-ho cambiare ambiente lavorativo, più piccolo, ma più umano rispetto alla multinazionale nella quale ha lavorato fino a quel momento, gli servirà per far emergere in lui l’empatia e la sensibilità dimenticate o mai educate. La loro crescita corrisponderà a quella della coltivazione delle patate nei campi della valle, anche la pazienza va, infatti, coltivata ed entrambi impareranno a relazionarsi con gli altri e con se stessi.

“Le patate che sono state coltivate quotidianamente con affetto sono diverse da quelle che sono state appena piantate e spruzzate con pesticidi”.

Questa frase, pronunciata da Mi-kyung, è secondo me il fulcro della storia. Kim Mi-kyung, pur fuggendo da un’esperienza umiliante, ha una famiglia e degli amici che le sono vicini, a partire dal fratello Hwan-gyeong (Shin Hyun-Seung, “Adamas”, “Secret Playlist”) che ha impiantato un’attività di bed and breakfast, affittando appartamenti nella casa ereditata con la sorella, l’amica Lee Ong-ju (Kim Ga-eun, “King The Land”, “Because this is My First Life”, “I Order You”), scrittrice di romance che si è rifugiata nella valle, a casa con Mi-kyung per cercare ispirazione per la scrittura e per stare accanto alla sua amica dopo che l’ha vista soffrire, tutto il simpatico team del laboratorio con il quale Mi-kyung si interfaccia ogni giorno e che l’ha accolta da subito inglobandola in un progetto per il quale la giovane non aveva ancora abbastanza esperienza.

Dall’altra parte, invece, Baek-ho, pur godendo di una posizione lavorativa importante, è più povero di sentimenti perché non ha mai avuto il calore di una famiglia. La vita di Baek-ho non è come quella delle patate “coltivate quotidianamente con affetto”, l’unico rapporto più stretto è quello con la famiglia Wonhan e si sente in debito con loro per avergli permesso di crescere professionalmente dopo aver finanziato i suoi studi. La famiglia Wonhan, però, lo ha sempre sfruttato per le incombenze più pesanti, come i licenziamenti scomodi, la chiusura di reparti e molto altro.

Molti i punti di forza del drama, principalmente una storia che non è banale, ma pur recitata in modo brillante, riesce a dare in contemporanea il tocco umoristico alternato a momenti di riflessione; la chimica tra i due bravissimi protagonisti è apprezzata in tutta la storia, dalla conflittualità iniziale, al rendersi conto dei propri sentimenti, al combattimento con se stessi nel prendere delle decisioni importanti.

Infine, un cast corale in cui ogni personaggio contribuisce ad arricchire la narrazione e un’ambientazione rurale meravigliosa che scalda il cuore.

Grazia

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My Happy Marriage – Il mio matrimonio felice

“Se questo è amore, allora l’amore è la cosa più complicata che esista”.

Nel 2019 è iniziato un fenomeno in Giappone che è riuscito a convogliare pubblico di drama e di anime, a mettere d’accordo lettori di manga e di romanzi, genere shojo e genere shonen, ma anche sottogeneri fantastico, storico, romantico e d’azione. Un fenomeno che si chiama “My Happy Marriage – Il mio matrimonio felice” (わたしの幸せな結婚, Watashi no Shiawase na Kekkon) e che è un bellissimo universo alternativo e ucronico, descritto con la delicatezza di un romanzo di formazione, con il tocco introspettivo di un diario personale e con la luminosità del realismo magico. Un fenomeno che è iniziato con una serie di light novel online scritti da Akumi Agitogi e pubblicati per la piattaforma web di self-publishing Shōsetsuka ni Narō, una piattaforma lanciata nel 2004 per diffondere romanzi, racconti e graphic novel senza costi di pubblicazione. Nel 2018, i lettori di “My Happy Marriage” erano diventati così tanti che la casa editrice Fujimi Shobo ne acquisì i diritti per finanziare la pubblicazione cartacea della serie e adattarla in un manga (con le illustrazioni di Rito Kohsaka e Tsukiho Tsukioka).

Tutto il Giappone, abituato a leggere manga in modo forsennato sui mezzi e in metropolitana, attendendo l’attesa di numero in numero delle storie serializzate, si è innamorato immediatamente di questa versione alternativa dell’epoca Taisho, di Miyo Saimori, la sua protagonista timida e riservata, condannata all’oscurità di una famiglia che l’ha sempre maltrattata e rifiutata, e di Kiyoka Kudou, il freddo e glaciale promesso sposo, che nasconde un’empatia incredibile, unico in grado di capire le sofferenze di Miyo. E, poi, siccome siamo sempre nel mondo dell’historical fantasy e la narrativa manga giapponese impazzisce per i poteri sovrannaturali, tutti si sono trovati immersi in questo mondo fatto di intrighi e di esseri umani dotati di enormi poteri, di tentativi di conquistare il trono imperiale e di gruppi segreti pronti all’operazione, che costellano l’incantevole storia d’amore tra Miyo e Kiyoka.

In quest’articolo, si vuole comparare la trama e le sensazioni trasmesse da due versioni di questa storia diffuse in Giappone e non solo: la pellicola live-action (termine tecnico per designare film tratti da manga e anime, ma interpretati da attori veri, in carne e ossa), conosciuta anche con il titolo “As Long As We Both Shall Live“, uscita al cinema nel 2023 per la regia di Ayuko Tsukahara (la stessa regista di lavori di grandi successo, come “La Grande Maison Tokyo“) e la sceneggiatura di Tomoe Kanno, interpretato da Ren Meguro (l’istrionico protagonista di “Trillion Game“, ma anche il sofferente protagonista di “Silent“) e da Mio Imada (anche lei nel cast di “Trillion Game“), che si è rivelato uno dei maggiori incassi cinematografici dell’anno, regalando a Ren Meguro anche la sua prima nomination ai Blue Ribbon Award; la serie d’animazione prodotta dallo Studio Kinema Citrus e trasmessa da Crunchyroll (ma anche da Netflix e in Cina da Bilibili), che ha avuto una prima stagione nel 2023, diretta da Takehiro Kubota, con la supervisione e gli storyboards di Takao Abo, la sceneggiatura di Ami Satō, Takahito Ōnishi e Momoka Toyoda, e il design dei personaggi di Shōko Yasuda, e una seconda stagione nel 2025, co-diretta da Maseyuki Kojima (lo stesso di “Made in Abyss“) e Takehiro Kubota e la sceneggiatura di Ami Satō, assistita da Minori Hashiba, Fūka Ishii, e Momoka Toyoda – ma continuerà con le prossime stagioni – e un’unica grandissima colonna sonora composta da Evan Call (lo stesso della OST di “Violet Evergarden“).

Titolo originale: わたしの幸せな結婚, Watashi no Shiawase na Kekkon

Regia: Takehiro Kubota e Maseyuki Kojima

Sceneggiatura: Ami Satō, Takahito Ōnishi, Momoka Toyoda, Minori Hashiba, Fūka Ishii

Disegni: Studio Kineda Citrus

Colonna sonora: Evan Call

Genere: fantasy, romance, historical fantasy, period drama

Serie anime, 26 episodi + OAV – in corso

Giappone, 2023 – in corso

Titolo originale: わたしの幸せな結婚, Watashi no Shiawase na Kekkon

Regia: Ayuko Tsukahara

Sceneggiatura: Akumi Agitogi, Tomoe Kanno, Tsukiho Tsukioka

Cast: Ren Meguro, Mio Imada, Sato Arata, Manabu Hamada, Shohei Hino, Yusuke Hirayama, Renji Ishibaschi, Ryoko Kobayashi, Oshiro Maeda, Shota Matsushima, Sho Nishigaki, Yuki Ogoe, Hiroto Takahashi, Ukon Onoe, Tsutomu Takahashi, Akari Takaishi, Ryo Tamaki, Tao Tsuchiya

Genere: fantasy, romance, period drama

Film – Giappone, 2023

La storia di fondo è la medesima per entrambi i prodotti e segue passo passo la linea storica tracciata nelle light novel. In un’epoca Taisho (che corrisponde al periodo dell’imperatore Yoshihito, detto Taisho, dal 30 luglio 1912 al 25 dicembre 1926) alternativa e anche un po’ steampunk, dove la maggior parte dei membri delle casate nobili possiede poteri paranormali, che fanno acquisire uno status d’importanza ulteriore nella vita sociale, vive la giovane Miyo Saimori, erede di due grandi famiglie nobili, quella dei Saimori e quella degli Usuba, ma priva di qualsiasi potere sovrannaturale.

Alla morte della madre, il padre Shinichi Saimori sposa l’amante ufficiale, Kanoko, da cui ha avuto la figlia Kaya, e inizia a rinnegare sempre di più Miyo, fino a renderla la serva di casa, condannata a pulire e a fare tutti i lavori più umili, mal vestita e relegata in una piccola stanzetta insieme ai servitori, sottoposta a tutte le angherie da parte della matrigna e della sorellastra. Visto che Shinichi pensa di far diventare Kaya l’erede ufficiale della casata Saimori, decide di fidanzarla ufficialmente con Kouji Tatsuishi, secondogenito della potente famiglia Tatsuishi, ma anche vicino di casa gentile e premuroso, di cui Miyo è sempre stata innamorata segretamente. Per favorire il matrimonio, però, è obbligato ad “impegnare” la figlia maggiore Miyo, così che nulla possa ostare i suoi progetti di unire le due famiglia Saimori e Tatsuishi. Decide, così, di arrangiare un fidanzamento tra Miyo e Kiyoka Kudou, un condottiero fiero e abile, braccio destro dell’imperatore e a capo del dicastero sui poteri sovrannaturali, ma anche un uomo dal carattere arcigno e impassibile, freddo e duro come la pietra, impossibile da amare, tanto che su di lui si è diffusa una leggenda: tutte le sue promesse fidanzate, dopo averlo conosciuto, hanno inaspettatamente desistito del matrimonio e sono fuggite o sono state ripudiate. Per Shinichi è la soluzione ottimale per togliersi momentaneamente la figlia maggiore, consentire il matrimonio della figlia minore e, poi, una volta che Miyo fosse tornata con l’ignominia di un fallito matrimonio, arrangiare un matrimonio senza spese e senza celebrazioni con Kazushi Tatsuishi, il maggiore della casata Tatsuishi, ottenendo con poco il suo sogno di unire le due famiglie e diventando un nobile potente alla corte di Taisho.

Miyo parte, così, verso il nord e arriva alla magione di Kiyoka Kudou, pronta per ricevere l’umiliazione che la sua famiglia ha pianificato, ma, nella realtà, parte anche con la consapevolezza di essere sola e di assaporare finalmente quella libertà e quella consapevolezza di sé che in famiglia le è sempre stata negata. Ed è con questo atteggiamento e con tutto il desiderio di mostrare quell’animo candido e riservato che in casa non hanno mai saputo capire che Miyo approda in quell’angolo sperduto del Giappone e conosce il futuro marito Kiyoka, la vecchia serva Yurie, che lo ha cresciuto come un figlio, e la battagliera sorella Hazuki.

Le leggende sul brutto carattere di Kiyoka non corrispondono a realtà o, perlomeno, non corrispondono alla realtà che Miyo incontra nel freddo nord, visto che Kiyoka rimane immediatamente incantato da Miyo, dalla sua gentilezza e dalla sua empatia, da quegli occhi che nascondono sofferenza, dalla timidezza di chi è sempre stato abituato a soffrire e, soprattutto, da quella forza costante e resiliente, capace di resistere silenziosa e caparbia a qualsiasi avversità, riuscendo a coprire e a proteggere le persone amate. Lentamente Kiyoka si innamora di quella fidanzata che sembrano avergli imposto per scherno e si lascia avvicinare dalla sua dolcezza, capace di scongelare la sua apparenza algida e tenebrosa. Lentamente anche Miyo si innamora di quel fidanzato che sembra esserle stato affibbiato come punizione e inizia ad aprirsi e a far percepire tutto quel dolore che gli abusi domestici le hanno lasciato impresso nel suo animo. Mentre Kiyoka comprende che può essere se stesso anche nella compassione e nella dolcezza, Miyo comprende di essere qualcuno, non un volto nascosto e una figlia rinnegata, e acquisisce la stima in se stessa, nonostante la carenza di poteri l’avesse sempre fatta apparire come una reietta.

“La felicità era percepita come una crudeltà sempre troppo lontana e impossibile da raggiungere. Qualsiasi breve speranza svaniva davanti ai miei occhi”.

Solo che Miyo non è priva di poteri, ma semplicemente possiede poteri che il padre non è mai riuscito a percepire, nascosti e sottili, eppure terribili e potenti. Come vera erede da parte materna della famiglia Usuba, famosa per possedere poteri che il governo ha sempre voluto sigillare, pericolosi per la stabilità politica dello Stato, in grado di far tremare il trono imperiale (e non solo). La famiglia Usuba, infatti, è in grado di intervenire sulla mente delle persone, alterandone le percezioni, lo stato d’animo e la comprensione e influenzandone le decisioni. Miyo possiede la rara capacità di controllare i sogni, entrando in quelli altrui, ma anche creandone di nuovi, modificandoli e alterandoli, comunicando con altri attraverso i sogni, o percependo le intenzioni altrui tramite sogni premonitori o, addirittura, rinchiudendo i propri avversari in cerchi onirici in cui combatterli. Ed è con questa capacità che, col tempo, inizia anche a rivelarsi un aiuto potente e salvifico per il lavoro del Kiyoka nel dicastero sui poteri sovrannaturali, in grado di infiltrarsi nelle menti di una cospirazione pericolosa – con una dimensione fanta-politica che entra prepotentemente in quella romantica, aggiungendo mistero durante la lenta percezione di Miyo di se stessa e delle proprie potenzialità.

I personaggi della storia sono molti e le loro azioni – talvolta, inaspettate e terribili – generano un continuo svolgersi di eventi in una serie di causa-effetto senza sosta, che riesce a creare suspence, facendo rimanere intatta la delicatezza con cui è stata concepita la storia d’amore. La scoperta del potere degli Usuba, il contatto attraverso i sogni con la madre morta, le congiure continue nei confronti dell’imperatore – in piena coerenza con le rivolte degli shogun e dei nobili a causa della restaurazione Meiji, ma anche in perfetta linea con la nascita di una classe oligarchica e autoritaria giapponese, che adombra ciò che si è creato nel periodo tra le due guerre mondiali – l’incontro con nemici storici di Kiyoka si inseriscono pure nella sottotrama degli abusi familiari subiti da Miyo, culminanti nel suo rapimento da parte della sorellastra.

“My Happy Marriage – Il mio matrimonio felice” è costruito come una fiaba lenta e dall’incedere elegante, che, come “La Bella e la Bestia” narra l’incontro, casto e delicato, tra due anime che il mondo ha sempre posto ai limiti, vestite di maschere forzatamente affibbiate dalla società, costrette a ruoli stereotipati e rinnegati, che, però, riescono a vedere l’una l’altra il risplendere reciproco della proprio bellezza interiore e a sentire il rumore che i loro cuori fanno all’unisono, riuscendo a silenziare il mondo. Ed per questo fascino perfetto di una fiaba intramontabile che la storia di Miyo e Kiyoka rimane unica e intatta, come sotto le stelle luminose di una notte di Tanabata.

Laura

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The Door into Summer

“The past, like the future, is indefinite and exists only as a spectrum of possibilities“.

(Stephen Hawking)

Titolo originale: 夏への扉: キミのいる未来へ, Natsu e no Tobira: Kimi no Iru Mirai e

Regia di: Takahiro Miki

Sceneggiatura di: Tomoe Kanno

Cast: Kento Yamazaki, Kaya Kiyohara, Naohito Fujiki, Natsuna, Hidekazu Mashima, Kenta Hamano, Tomorowo Taguchi, Taizo Harada, Rin Takanashi, con la partecipazione di Pasta e Bacon nel ruolo del gatto

Musiche originali di: Yuki Hayashi

Genere: sci-fi/drama

Giappone 2021 – film

Passato, presente e futuro non esistono. O, meglio, esistono, ma non nella percezione e nella consapevolezza umane, confinate a concetti standardizzati e fissi, che risultano limitanti delle infinite possibilità racchiuse nella nozione di passato e in quella di futuro. Infatti, secondo il fisico britannico Stephen Hawking, la nostra comprensione di entrambe queste dimensioni temporali non è adeguata alle loro reali implicazioni, che dipendono piuttosto da un calcolo delle probabilità. E queste ultime sono come le combinazioni numeriche o gli accostamenti musicali: molteplici e infinite, narranti una moltitudine irripetibile di storie, ognuna delle quali veritiera al verificarsi di determinate condizioni che la rendono plausibile, probabile ad accadere, pur nella sua incertezza. In questa storia infinita e indescrivibile dell’universo, che diventa un complesso di storie infinite e non numerabili perché contenute in una collezione di possibili passati e di probabilità future, sta una nuova osservazione umana, che fuoriesce dalla linea tradizione – appunto, “storica” – di osservazione dei fenomeni come di eventi fissi per abbracciare una visione composita e in continuo divenire.

Questa frase, ripresa spesso e quasi “romanticizzata” da diversa letteratura, ma che è in realtà alla base della teoria della meccanica quantistica di Hawking e, quindi, anche dell’osservazione di sistemi che collassano nelle loro funzioni, è, al tempo stesso, il punto di partenza di “The Door into Summer“, un film giapponese di fantascienza pulito e classico, senza quegli effetti speciali e quell’utilizzo impositivo del green screen a cui gli standard hollywoodiani ci hanno abituato, che sa narrare di altre prospettive, di viaggi temporali, di ripetizioni di eventi e di probabilità, rimanendo nell’alveo del cinema indipendente.

Da subito occorre dire che la pellicola giapponese, programmata per il 2020, ma slittata nelle riprese e nella distribuzione al 2021 (causa pandemia), si ispira all’omonimo romanzo americano di Robert A. Heinlein, pubblicato in patria tra il 1956 e il 1957 (prima serializzato e, poi, in volume unico) e tradotto nel giro di poco tempo in diverse lingue, diventando immediatamente un evergreen del genere, anche perché sapeva distinguersi dalla letteratura fantascientifica “marziana” dell’epoca, introducendo la chiave dell’elemento di destrutturazione sociale, dell’introspezione psicologica e dell’errore infinitesimale e ripetuto nell’esistenza umana, con dubbi che restano validi sempre.

La trama del film giapponese segue sostanzialmente quella del romanzo americano, restando intatta anche la componente robotica, ma la trasporta in terra nipponica e in un altro periodo storico: è la voce stessa del protagonista, Soichiro Takakura (interpretato da Kento Yamazaki di “Alice in Borderland“, “Golden Kamuy” e “Rikuoh“) ad introdurci nel suo mondo e nella sua triste storia, iniziata negli anni ’60 del XX secolo. Soichiro rimane presto orfano di entrambi i genitori per essere adottato, poi, dal Dr. Matsushita, inventore e fondatore della Future Works Enterprises (FWE), una società di robotica e di meccanica futuristica. Ed è così che, col passare degli anni, Soichiro prende dal padre adottivo l’amore per l’ingegneria e le invenzioni e, dopo la laurea, ne diventa collaboratore e suo continuatore.

Siamo nel 1995, Soichiro è una brillante promessa della robotica, ma la morte improvvisa del Dr. Matsushita sovverte tutte le regole. Trovatosi solo con la sorella adottiva, Riko Matsushita (interpretata da Kaya Kiyohara di “Bushido” e “In the Wake“), ancora minorenne, e il gatto Pete, diminutivo di Petronius Arbiter, come l’autore del “Satyricon“, che odia il freddo e la neve e ha fatto nascere una teoria casalinga su quale porta sarà quella che annuncerà l’estate, Soichiro non sa più come gestire la società e ripone la sua fiducia in Rin Shiraishi (la cantante e attrice Natsuna), segretaria della compagnia, diventata presto sua fidanzata. Rin lo convince a cedere le sue azioni della società allo zio, nonché altro socio di maggioranza, Kazuhito Matsushita (Hidekazu Mashima), spogliandolo di qualsiasi ricchezza.

Le clausole della cessione, però, impongono anche che Soichiro si sottoponga “volontariamente” ad un esperimento di criogenesi attraverso un macchinario da lui inventato, denominato Credeus, ma questo lascerebbe sola la giovane Riko, che possiede ancora una parte dell’azienda, ma non può rivendicarne i diritti, perché minorenne. Percependo il pericolo anche per la vita della sorella, oltre alla truffa messa in atto dallo zio e dalla fidanzata, Soichiro si oppone all’ibernazione, ma viene colpito e rinchiuso forzatamente in una macchina di criogenesi della concorrenza, la Mannix Enterprises, ancora in fase di prova e, quindi, assolutamente poco sicura.

Trent’anni dopo, nel 2025, Soichiro si sveglia dall’ibernazione in una sorta di clinica bianca e gelida. Molte cose sono successe da quando è stato obbligato ad entrare in quel macchinario: anzitutto, non ci sono più le società di robotica che conosceva e, dopo le diverse fusioni è sorta la Guardian Manifacturing e la Aladdin Industries, che hanno monopolizzato il mercato; in secondo luogo, il mondo della robotica è dominato da PETE, un prototipo umanoidi concepito per servire ed essere il perfetto maggiordomo e guardiano, basato sulla batteria al plasma che aveva inventato trent’anni prima (e di cui non possiede più i diritti) e sul nome del suo gatto che gli aveva ispirato l’idea; infine, la tecnologia e la scienza sono andate talmente avanti da iniziare a sperimentare il viaggio nel tempo – peraltro, basato, ancora una volta, sulla batteria al plasma. La cosa più traumatica che Soichiro scopre, però, è che, in quel 1995 in cui ha perso tutto ed è stato obbligato ad entrare in criogenesi, l’amata sorellastra Riko e il gatto Pete sono morti nell’esplosione dolosa della casa.

Ed è così che, in compagnia dell’umanoide PETE-13 (interpretato da Naohito Fujiki di “Antihero” e “Glass Heart“), Soichiro decide di partire nuovamente per un viaggio, questa volta nella direzione opposta rispetto a quella del suo sonno, nel passato del 1995, seppur di passato vero e proprio si può parlare per una persona che ha visto il futuro, senza passare dal presente, per salvare la sorella e ritrovare il se stesso, perduto in una probabilità di eventi che non sarebbero mai dovuti accadere.

L’autore del romanzo, Robert A. Heinlein, un giorno raccontò che l’idea per la sua storia proveniva da un piccolo aneddoto familiare relativo al suo gatto. Quando vivevano in Colorado, infatti, faceva molto freddo e nevicava parecchio durante l’inverno, ma il gatto miagolava sempre perché voleva uscire di casa, come da sua abitudine. Solo che, ogni volta che si apriva la porta per consentirgli di uscire, il gatto subodorava l’arrivo della neve, ancor prima che cadesse, e si rifiutava di muovere un solo passo fuori. Quando faceva nuovamente capire che voleva uscire, allora in famiglia aprivano una porta diversa perché potesse recarsi fuori, ma, per quante porte venivano aperte, il gatto continuava a rifiutarsi di uscire se la neve era in arrivo, nella sua muta e costante ricerca di una porta che, una volta spalancata, lo introducesse finalmente nell’estate. “Oh, he’s looking for a door into summer“, ripeteva spesso la moglie.

E, in effetti, era così per il gatto dell’autore, come lo è per Pete, il gatto del protagonista e per il protagonista stesso, per cui “inverno” ed “estate” non sono solo stagioni dell’anno e/o della vita, ma anche due momenti completamente agli antipodi tra loro, due eventi nella “storia” composita delle probabilità, che vanno a determinare tutte le infinitesimali possibilità. L’inverno, con il ghiaccio e il freddo immobile e statico, come la macchina della criogenesi, dove Soichiro è stato condannato a trascorrere trent’anni, è anche la stagione del tradimento, delle asperità, dell’incomprensione e della solitudine: è quel passato a cui talvolta rimaniamo quasi incatenati, incapaci di uscirne, come incapaci di trovare il sentiero in mezzo ad una tempesta di neve, senza osservare il concatenarsi degli eventi e il suo dipanarsi nella vita. L’estate, al contrario, è la speranza del futuro, ma anche l’incomprensione e la mancanza di consapevolezza, come una scommessa vana su un desiderio, che può rivelarsi amaro e doloroso, diventando ancora più solitario dell’inverno. Eppure, la componente della luce che determina l’estate rende la speranza in quell’attesa stessa, che è, poi, la ricerca folle e continua di tornare indietro all’inverno per rideterminare una nuova estate, rientrare in casa e chiudersi la porta alle spalle per aprirne un’altra, nella speranza che sia quella giusta, la porta sull’estate vera e felice, il varco verso l’appagamento totale e, quindi, dal punto di vista matematico, quella serie concatenata di calcoli ed eventi che determina quell’unica combinazione di futuro che si vuole accettare.

Perché, alla fine, l’essere umano ha una sua caratteristica meravigliosa, che pare distinguerlo da tutto: quella di non perdere mai la speranza, nonostante le avversità e i tempi difficili, perché “non c’è un modo per essere sicuri“, visto che “essere vivi è già così mortalmente pericoloso e fatale fino alla fine“. Ed è per questo motivo che concepisce e accoglie uno spettro di eventi, determinato ad entrarvi, nonostante tutto, e – per parafrasare Galileo – a provare e riprovare, in vista anche solo di un piccolo frammento di momento futuro, che possa rivelarsi felice e pieno, come un secondo di estate.

“I have spent too much time of my life opening doors… I was looking for the Door into Summer”.

Laura

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