House of Ninjas (ovvero del senso di colpa e del riscatto)

“Ricorda, non combattere mai, a meno che tu non sia sicuro di vincere”.

Titolo originale: 忍びの家, Shinobi no ie; lett. The House of Shinobi

Regia: Takimoto Tomoyuki, Dave Boyle e Kento Kaku

Sceneggiatura: Yamahura Masahiro e Kento Kaku

Da un’idea di: Dave Boyle e Kento Kaku, con Imai Takafumi e Murao Yoshiaki

Cast: Kento Kaku, Yosuke Eguchi, Tae Kimura, Kengo Kora, Aju Makita, Nobuko Miyamoto, Riho Yoshioka, Tomorowo Taguchi, Pierre Taki, Takayuki Yamada, Tenta Banka, Tokio Emoto, Mariko Tasuitsui

Genere: action/ drama /thriller/ crime

Giappone, 2024 – j-drama, 8 episodi

Se Tarantino ha utilizzato indebitamente il nome di Hattori Hanzo nella sua duologia di “Kill Bill” per creare la figura di un leggendario maestro spadaio, anche noto come “l’uomo di Okinawa”, che fornisce armi e addestramento alla Sposa, Dave Boyle e Kento Kaku hanno ripreso la sua eredità ancestrale originaria, rendendo questa figura di guerriero così decisiva per la costruzione dello shogunato giapponese come capostipite della famiglia protagonista di questo drama giapponese, che, tra atti eroici e crisi familiari, riescono ad essere così vicini all’ordinarietà umana, pur nella loro leggenda.

Li conosciamo con ninja (忍者), anche se la pronuncia kon dei kanji che ne compongono il nome sarebbe più correttamente shinobi e suona come “coloro che si nascondono nell’ombra”. La loro nascita in Giappone è molto più recondita e misteriosa di quello che un semplice nome può significare, avvolta nella leggenda dei tempi passati che si perdono nella storia. Durante il feudalesimo giapponese, erano spie, specialisti di infiltrazione e sabotaggio, assassini, dediti ad atti criminali e di guerriglia su commissione, dalle abilità belliche e di combattimento incredibili, con grande disprezzo per la propria vita e per il rischio delle vite altrui, ma troppo “disonorevoli” per essere samurai (e, quindi, spesso loro braccio armato e oscuro). Furono determinanti nel periodo Sengoku, anche noto come il periodo degli “Stati combattenti” tra il 1467 e il 1603, utilizzati come mercenari prezzolati dalle figure di spicco di quella che è stata una delle più grandi e importanti crisi politiche del Giappone e che ha visto affrontarsi, con qualsiasi mezzo, diversi signori della guerra e nobili feudatari, per cui sono stati condannati all’oblio e alla sparizione forzata durante lo Shogunato, quando fu ripristinata la normalità sulle isole giapponesi, salvo costituire un gruppo di spie specializzato e segreto agli ordini proprio dello Shogun.

Forse è proprio per questo motivo che questa caduta nell’ombra li ha resi leggendari nella loro oscurità e clandestinità: pur non esistendo ufficialmente, nei secoli successivi, uscirono numerosi manuali ninja, che insegnavano le tecniche di lotta, di guerriglia, di spionaggio e anche di guerra psicologica utilizzati dai “guerrieri-ombra”, mentre i ninja rimasti di diffusero nel territorio, dividendosi in corporazioni e in clan familiari gerarchizzati e prendendo ordini dai vertici istituzionali che li reclutavano.

Con tali premesse, inizia anche la storia di “House of Ninjas“, dove i guerrieri-ombra per secoli hanno dominato nell’oscurità la storia giapponese, prima al servizio di diversi signori e dello Shogun, poi al servizio dell’imperatore giapponese.

In questo modo, ha sempre vissuto per secoli la famiglia shinobu Tawara, composta dall’anziana matriarca, Taki (Nobuko Miyamoto), dal figlio Soichi (Yosuke Eguchi di “Rurouni Kenshin“), dalla moglie Yoko (Tae Kimura), dai figli maggiori Gaku (Kengo Kōra di “Norwegian Wood“) e Haru (Kento Kaku di “Like a Dragon: Yakuza” ed “Alice in Borderland 3“, qui anche regista e sceneggiatore) e dalla figlia minore Nagi (Aju Nakita).

Quando lo spettatore fa la conoscenza di questa leggendaria famiglia di ninja, però, è successo qualcosa che ha spezzato la loro sicurezza e il loro coraggio, costringendoli a ritirarsi dal mondo dello spionaggio e delle missioni speciali e gettandoli anche in un baratro di depressione. Sei anni prima, infatti, durante una missione per salvare un politico da un rapimento, il figlio maggiore, Gaku, è rimasto ucciso e il suo corpo è finito disperso, lasciando nello sconforto e nel senso di colpa tutti i suoi familiari, a cominciare dal padre, che lo aveva inviato in missione, per continuare con la madre, che crede di non averlo protetto abbastanza, per finire, soprattutto, col fratello Haru, che si trovava sul luogo insieme a Gaku e che ha avuto un attimo di esitazione nell’intervenire per uccidere il contendente del fratello, non riuscendo, così, a salvargli la vita.

Sei anni dopo, Soichi e Yoko sono diventati produttori di birra artigianale, rifiutano qualsiasi mezzo del passato ninja e curano con dedizione la loro casa di periferia, allietata dall’arrivo di un altro figlio, Riku (Tenta Banka). Intanto, Taki è diventata una nonna a tempo pieno, anche se molto stramba e tra le nuvole, mentre la giovane Nagi, ormai cresciuta, è un’adolescente disadattata e otaku che ha iniziato l’università. Haru, invece, continua a convivere con il senso di colpa e la vergogna ed è diventato un adulto triste e solitario, negandosi qualsiasi piacere della vita e nascondendosi quasi dalla società, mentre vive in una piccola stanza in città, da cui si allontana solo per il lavoro come addetto ai distributori automatici.

“La prima priorità di un ninja è vincere senza combattere“. – Masaaki Hatsumi

Tuttavia, non si possono nascondere sempre le abilità ninja, soprattutto non quando sono così radicate nel DNA. All’insaputa di Soichi, la figlia Nagi mantiene una doppia vita, dividendosi tra la grigia studentessa universitaria che interpreta ogni giorno e la ladra di cimeli nei musei che si muove nell’ombra con le sue abilità. Così, anche la madre, Yoko, che finge di aiutare il marito nel suo birrificio e si scopre una casalinga perfetta, è rimasta sempre in contatto con polizia e servizi segreti per qualche piccola missione nell’anonimato, mentre l’anziana Taki si è messa ad insegnare al giovane nipote Riku i principi del codice shinobu, senza tralasciare dei veri e propri workshop pratici per addestrare il bambino come un ninja.

Anche Haru, che sembra mantenere salvaguardato il giuramento paterno e che soffre ogni giorno per la scomparsa del fratello, non riesce sempre a nascondere le sue abilità e si trova più volte costretto ad usarla per piccoli e banali interventi, che, però, possono determinare la salvezza della vita di coloro che gli sono accanto. Nonostante la sua prudenza costante e l’essersi quasi ritirato dal mondo, questi suoi atti altruisti e disinteressati richiamano l’attenzione di Karen Ito (Riho Yoshioka), una giornalista in cui si imbatte quasi ogni giorno in un piccolo ristorante di manzo vicino casa e che inizia a seguire il suo caso.

Il fatto è che i Tawara sono pur sempre degli shinobi e non solo faticano a nascondere le proprie abilità, ma faticano anche a nascondersi da chi li sta cercando, che siano istituzioni e agenzie governative per cui hanno lavorato o giornalisti a caccia dello scoop, che, poi, diventano amici, confidenti o qualcosa di più, o, infine, nemici acerrimi, come il clan Fuma, comandato da Yosuke Tsujioka (Takayuki Yamada di “Gridare amore al centro del mondo“), da sempre ostile ai Tawara, considerato responsabile della morte di Gaku e a capo del culto Gentenkai, una sorta di filosofia delirante che mira a costruire un nuovo ordine del mondo. Sollecitati dalla polizia, tra cui il detective Zensuke Omi (Pierre Taki di “Tokyo Swindlers“) e dal Bureau of Ninja Management, gestito da Majin Hamashima (Tomorowo Taguchi, attore feticcio di Takashi Miike), coadiuvato da Masamitsu Oki (Tokio Emoto di “Perfect Days“), i Tawara devono tornare in azione in modo silente e oscuro, per impedire che i Fuma destabilizzino la società e per fermare il loro culto, ma anche per ottenere finalmente quella vendetta e quel riscatto cercati sin dalla morte di Gaku. Fino a quando, però, non torna improvvisamente Gaku, che tutti credevano morto.

“La tua gentilezza è diventata la tua debolezza”.

“House of Ninjas” è un poema romantico e decadente su un mondo nascosto e tradizionale che sta tramontando, ma che lascia dietro di sé ancora quella scia di memorie mai perdute. Azione e dramma psicologico di mescolano insieme, in una trama che sembra riprendere i vecchi film di arti marziali e il gore pulp alla Tarantino, per mescolarli con il western alla Sergio Leone e con la commedia di crisi psicologica alla Woody Allen, passando da momenti di silenzi cupi a dialoghi brillanti, da personaggi volutamente solitari e tutti diversamente introversi e disturbati alla scoperta di se stessi, fino alla lirica di una storia d’amore inaspettata, sbocciata nel mezzo del pericolo. Sarà anche per questa commistione di generi, per la sceneggiatura incredibile di Kento Kaku, che sembra ritrarre le personalità dei protagonisti con inchiostro di china, sconvolgendo totalmente gli stereotipi sul genere e ripristinando l’originalità culturale giapponese, per la fermezza della doppia regia di Dave Boyle e Kento Kaku (abbiamo già detto che questo ragazzo, proveniente dal mondo del doppiaggio degli anime, sa fare praticamente tutto?), per le interpretazioni perfette e per la particolarità e l’incisività con cui è affrontata la materia che il j-drama ha avuto un successo inaspettato in tutto il mondo, entrando nella classifica dei prodotti più visti su Netflix al momento dell’uscita e ricevendo innumerevoli apprezzamenti e critiche positive.

Ma, soprattutto, “House of Ninjas” è l’apologia della caduta e della risalita, partendo dal senso di colpa che annichilisce l’animo e che attraversa tutte le fasi del dolore e del lutto fino ad arrivare all’accettazione, alla rassegnazione e all’azzeramento delle preoccupazioni per ripartire, dove l’obiettivo fondamentale della vendetta a lungo termine nei confronti di chi ha cagionato del male alla propria famiglia, coincide con il riscatto di se stessi e dei propri ricordi per consentire di rivivere il passato senza più provare dolore e scagionarsi dalle colpe in cui ci si è incastrati per tutta la vita.

Non serve essere ninja per comprendere la sofferenza e la depressione a cui sono legati tutti i componenti della famiglia Tawara, uniti solo dal lutto e da un’antica tradizione, ma, di fatto, disuniti proprio nel dolore. La loro condizione è quanto di più umano possa esistere e avere particolari abilità e doti fuori dal comune non rende esenti dal soffrire. Il loro dolore, che ognuno cerca di provare in solitaria, è la loro ricchezza e debolezza, al tempo stesso, ciò che li rende unici rispetto all’immagine cristallizzata di un ninja, umani e fragili, eppure così invincibili nelle risorse che solo la lunga sofferenza attraversata, elaborata e compresa, in tutte le sue fasi, sa fornire. Perché non bisogna demonizzare il dolore, la tristezza e la paura: sono gli unici veri super poteri che possono rendere grandi gli esseri umani.

Laura

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The Package

“Se preparerai le valigie imparerai chi sei. Non si tratta solo di mettere in valigia dei vestiti, realizzerai ciò che ti piace di più. Ti renderai anche conto a cosa dovrai rinunciare e imparerai a cosa non devi rinunciare. Compra una nuova borsa e prepara le tue cose, se lo farai imparerai chi sei e capirai anche dove vuoi andare”.

Titolo originale: 더 패키지, Deo Paekiji

Regia di: Kim Jin-won, Jun Chang-geun

Scritto da: Chun Sung Il

Cast: Lee Yon-hee, Sung Dong-il, Jung Yong-hwa, Jung Kyoo-so, Lee Ji-hyun, Choi Woo-shik, Ha Si Eun, Ryu Seung-soo, Yoon Park

Genere: commedia, romance, viaggio, vita

Corea del Sud, 2017, kdrama, 12 episodi

Si viaggia per dimenticare un po’ se stessi. Si viaggia per recuperare quella parte di se stessi che è andata smarrita per via della fretta e della fatica di tutti i giorni. Si viaggia per fuggire dall’ordinarietà e per tornarci dopo aver apprezzato quello che manca dell’ordinarietà stessa.

Viaggiare è sperimentare una nuova vita, per un breve periodo, ma è terapeutico per la nostra esistenza.

“The Package” è un k-drama del 2017 a dir poco sorprendente per la trama originale e per i dialoghi brillanti, ma anche per il valore aggiunto di essere un drama corale dove i personaggi sono da scoprire pian piano, ognuno in viaggio per riflettere sulla propria vita attuale e per aprire un nuovo capitolo.

La storia parla di un viaggio organizzato di un gruppo di sette turisti coreani in Francia, la cui guida, di nome Yo So-so (Lee Yon-hee, “Welcome to Wedding Hell”, ”New Year Blues”), li attende all’aeroporto di Parigi. Lee So-so è una ragazza coreana che da qualche anno abita in Francia dove si è stabilita, contrariamente al volere della famiglia, per seguire un amore che poi l’ha abbandonata, lasciandole una profonda e cocente delusione. La ragazza ha continuato la sua vita in Francia lavorando per una agenzia di viaggi condotta da un suo connazionale alquanto strambo e bizzarro, interpretato dal bravissimo Sung Dong-il (“Miss Hammurabi”, “Hwarang”, “My Girlfriend is a Gumiho“, “Jirisan” e molti altri).

Lee So-so cerca di dedicare con passione tutto il suo tempo al lavoro come guida turistica, impegnandosi a migliorare sempre di più le proprie competenze e il pacchetto Premium che viene arricchito da nuove proposte turistiche e visite nei luoghi più affascinanti della capitale francese. Insieme ai suoi visitatori passeggia per le strade di Parigi, li accompagna nei posti più ambiti e più richiesti, dedicandosi anima e corpo a farli rilassare e a far scoprire loro il meraviglioso patrimonio artistico e culturale francese.

Questa volta, però, il gruppo di turisti che la ragazza deve accogliere in aeroporto è alquanto particolare, è composto solamente da sette persone che, però, da subito si rivelano problematiche perché molto diverse tra loro, soprattutto come carattere e personalità.

La coppia più anziana composta da Oh Gab-soo (Jung Kyoo-so, “Healer”), un uomo molto testardo e attaccabrighe che continua a lamentarsi di tutto, dell’attesa in aeroporto, del servizio e del cibo completamente differente da quello tipico coreano e dalla moglie, la dolce e paziente Han Bok-ja (Lee Ji-hyun, “Dream”) che invece si scusa per i comportamenti del marito.

La coppia più giovane composta da Kim Kyung-jae (Choi Woo-shik, “Parasite”, “Our Beloved Summer”) e Han So-ran (Ha Si Eun, “A Place in the Sun”) sono due fidanzati che festeggiano il settimo anno insieme, ma stanno intraprendendo questo viaggio per superare i problemi di coppia. Kim Kyung-jae è sempre a telefono con il suo investitore per avere aggiornamenti e spesso è nervoso per questo motivo, mentre Han So-ran, con costanti problemi intestinali e di digestione, sente che la sua relazione sta sfiorendo e vorrebbe fare qualcosa per impedire la separazione. Le piace fare shopping, ma viene spesso interrotta dal suo fidanzato che ritiene questa attività una perdita di tempo e di soldi.

La terza coppia è formata da Jung Yun-sung (Ryu Seung-soo, “Forest”) e Jung Na-hyun (Park Yoo-na, “Sky Castle”), una coppia particolare perché sarebbero padre e figlia, ma non lo chiariscono esplicitamente con gli altri lasciando intorno a sé un alone di mistero. In realtà, Yun-sung ha perso la moglie molto giovane e ha cresciuto da solo la bambina, con la quale, ora, adolescente, non riesce a trovare un dialogo come quello che avevano una volta. Na-hyun non vuole nemmeno che si sappia che sia in vacanza con il padre. Yun-sung, invece, ha deciso di intraprendere questa vacanza con lei per trascorrere del tempo insieme, per avere dei ricordi e per far accettare alla figlia la presenza della sua fidanzata che lo ha atteso per diverso tempo, ma che sa di non essere ben voluta dalla ragazza. Na-hyun è sempre immersa nel suo mondo composto da video che pubblica sui canali social e non sarà facile farla interessare alla vacanza.

Infine, l’ultimo del gruppo è San Ma-roo (interpretato da Jung Yong-hwa dei CNBLUE) che è partito da solo dopo essere stato lasciato dalla fidanzata, così ha deciso di prendersi una pausa dal lavoro e di intraprendere il viaggio che avrebbe dovuto fare con la fidanzata stessa. Da subito San Ma-roo si rivela un pasticcione e con la testa fra nuvole, fa ritardare tutti al momento dell’arrivo in Francia perché viene bloccato ai controlli per un caso di omonimia e per la valigia sospetta.

Il pacchetto turistico è molto ricco e la guida So-so cerca di valorizzare ogni momento, scontrandosi spesso, però, con le differenti personalità dei suoi viaggiatori e dei loro pregiudizi verso stili di vita diversi, una cucina a cui non sono abituati e molte difficoltà di adattamento.

Nei suoi dodici episodi “The Package” riesce a non essere mai banale e a portare avanti, attraverso flashback o con diverse linee narrative coinvolgenti, le vite dei sette turisti, conosceremo, infatti, pian piano il motivo per cui hanno optato per questo pacchetto vacanze e anche il nostro giudizio su di loro cambierà lungo la narrazione.

Comprenderemo meglio il carattere del brontolone Oh Gab-soo, che all’inizio sembrerà la persona più irruente del gruppo, mentre in seguito capiremo che ha un istinto protettivo innato e che si affeziona facilmente alle persone, cerca di proteggere la moglie e sa che senza di lei non riuscirebbe a sopportare le giornate. Han Bok-ja, moglie di Gab-soo, che, nonostante possa sembrare una persona compassata e dall’aspetto fragile, ha una forza interiore e una resilienza che sono la vera potenza della sua famiglia e che ha voluto intraprendere questo viaggio perché di fronte ad un momento importante della sua vita.

La giovane coppia di fidanzati composta da Kim Kyung-jae e Han So-ran dovrà, invece, riuscire a recuperare la propria relazione, solo dopo aver recuperato se stessi e aver superato la paura del fallimento, il vero e proprio cruccio di entrambi.

Jung Yun-sung e Jung Na-hyun, che impareremo a conoscere durante il viaggio, saranno due personaggi molto importanti e alla ragazza verrà affidato il compito di trarre il significato del viaggio che accomunerà ognuno di loro.

Infine, San Ma-roo. A lui vengono affidate le parti più esilaranti della storia, anche per via del suo candore e del suo modo di fare quasi svagato, pur avendo alle spalle una storia delicata sul lavoro dove ha scoperto alcuni fatti illeciti e averli denunciati.

Tra le scene più divertenti da ricordare con lui proprio quella ambientata a Mont Saint-Michel dove Ma-roo provoca un incidente imbarazzante e, dopo le scuse pubbliche, il sindaco della città promette di aprire per un giorno il passaggio che porta fino alla statua dell’angelo Michele in cima a Mont Saint-Michel.

Ai piedi dell’angelo, So-so e Ma-roo si incontrano faccia a faccia e iniziano a legare e a confidarsi. A So-so era stato predetto che avrebbe incontrato il vero amore solo ai piedi di un angelo, ma la ragazza, dopo il fallimento del suo fidanzamento, fatica a credere a questo segno del destino, anche se, in realtà, i due giovani riescono a farsi compagnia e a scrollare dalle proprie spalle il macigno di insicurezze e di incomprensioni.

Da ricordare, prima di concludere, un altro personaggio a cui vengono affidate tra le scene più memorabili e esilaranti del drama, Yoon Soo-soo, interpretato da Yoon Park (“Doctor Slump”), che esce dal carcere e si reca a Parigi in cerca di So-so, provocando una serie di simpatici malintesi.

“The Package” è una serie che riesce a coinvolgere da subito e che ha il dono di passare da momenti di pura leggerezza e comicità a momenti di profonda riflessione e commozione e questo perché pian piano lo spettatore analizzerà la psicologia di tutti i viaggiatori, senza nemmeno accorgersene. Un viaggio, infatti, può cambiare la propria concezione di vita, incoraggiarti ad affrontare situazioni in sospeso, trasportarti quasi in un’altra dimensione.

Alla fine del viaggio ognuno di loro tornerà nella vecchia vita, più ricco di esperienze, di ricordi, di coraggio e anche di profonda malinconia per aver terminato un percorso importante e così anche per la guida So-so che lascia un pezzetto di cuore per questo gruppo particolare al quale si è affezionata e, dopo averli accompagnati in aeroporto per la partenza, torna sul pullman che la riporta a Parigi e scorge i posti vuoti che fino a qualche ora prima erano occupati dai suoi turisti, le sembra ancora di vederli seduti lì, ognuno con la propria tipica espressione.

Perché il viaggio è anche questo, l’andata e il ritorno, la speranza e l’illusione, la fatica e l’adattamento, la bellezza e lo stupore, l’attaccamento e la voglia di evadere.

Le persone vanno in vacanza per diventare felici o forse per avvicinarci il più possibile al significato astratto di felicità!

Grazia

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Stray Kids a Roma – dominATE Tour

Buondì a tutti voi!!! Alla tastiera ci sono io Alessandra!!!!!

Lo so lo so è passato un mese dal concerto degli Stray Kids a Roma, ma, fanciulli miei, per la mente di tutti noi Stay che eravamo lì è come se il concerto fosse successo ieri, ma coooooomunque, bando alle ciance – ciancio alle bande, inizio a raccontarvi la mia esperienza.

La giornata è partita con la partenza da Milano, io e le mie compagne di avventura durante il viaggio in treno abbiamo intrecciato qualche braccialettino da poter poi regalare e scambiare con le altre Stay.

Una volta arrivate alla stanza e cambiate, ci siamo avviate per raggiungere l’Olimpico; ci abbiamo messo un pochino perché gli autobus erano veramente stra-pieni, una volta riuscite a salire si sentivano Stay provenienti anche da altri paesi e questo devo dire che mi rende molto felice.

Finalmente arrivate allo stadio, si poteva sentire l’adrenalina salire, il merch (preso d’assalto già dal giorno prima), con una lunga coda, ma la parte migliore era davanti ai cancelli, in questa piccola piazzetta si era creata l’area freebies, tutte noi Stay che ci scambiavamo braccialetti, collane, anelli, orecchini, phone strap, card, biglietti e tantissimi altri oggetti che rappresentavano le canzoni, il gruppo o il singolo membro, tutto fatto a mano.

Davanti ad una parte di venditori ambulanti (che riproducevano musica dei ragazzi), si era creata anche una random dance con musiche di altri artisti.

Ovviamente, mentre io e le mie amiche eravamo fuori a scambiare e prendere tutti i freebies, gli Stay che avevano pagato il soundcheck erano dentro.

Quando finalmente è giunto il mio momento di entrare, stavo iniziando a rendermi conto che era tutto vero, trovato il mio posto, mi sono seduta e…ragazzi miei, la visuale era WOW.  Sono riuscita a godermi lo spettacolo pienamente, e a riprendere il tutto (certo alcuni pezzi mi perdevo con l’inquadratura perché non guardavo lo schermo ma loro), ma tutte le riprese le ho fatte senza dare fastidio alle persone dietro con il telefono.

Lo spettacolo è iniziato e boato di urla, finalmente la consapevolezza di essere lì con loro davanti a cantare e ballare davanti a noi, quando gli SKZ si sono presentati parlando in italiano, non sapevo se ridere o piangere, era un mix tra emozione e divertimento.

Per tutto lo spettacolo i ragazzi hanno inserito nei loro discorsi parole in italiano, abbiamo partecipato a interazioni e siamo riusciti a realizzare la bandiera italiana con i flash e ne sono stati veramente colpiti, ma quello che li ha lasciati  senza parole è stato il momento del fan project, perché nella parte finale del video abbiamo cantato un verso di Cover Me, e vedere gli occhi lucidi e commossi dei ragazzi con noi fan che cantavamo è stata una sensazione indescrivibile.

Non sto qui a descrivervi tutte le canzoni, ma vi posso mostrare delle brevi parti delle varie esibizioni, mi scuso se sentite me stonare come una campana o fare dei versi ma in quel momento la mia sanità mentale non era molto presente.

Essendo l’ultimo concerto di questo dominATE tour durato un anno, i ragazzi erano molto emotivi e onestamente anche noi, abbiamo tutti concluso il concerto con dei sentimenti di gratitudine, non solo per gli Stray Kids e gli Stay di tutto il mondo ma anche per i ballerini, la band e per tutto lo staff che ha partecipato a rendere tutto ciò possibile.

Ovviamente, dopo che le luci si sono realmente accese e quindi il concerto è davvero finito, c’erano Stay che come me erano ancora sconvolte da quello che avevamo visto e Stay più sensibili che piangevano. Di una cosa però sono certa: tutti noi eravamo senza voce e con ancora più amore nei loro confronti.

Detto ciò, grazie alle due Admin per avermi dato anche questa volta l’opportunità di poter condividere questa esperienza con voi, grazie a voi lettori, grazie a tutte le Stay che erano presenti al concerto con cui ho scambiato parole, freebies e fatto foto al mio lightstick, ma soprattutto…

GRAZIE, STRAY KIDS.

Alessandra

(video con pezzi del concerto alla pagina IG di @strangerclubofseries)

Good Luck

“Sai io credo che se esistesse un qualsiasi Dio, non sarebbe in nessuno di noi. Né in te, né in me. Ma solo in questo piccolo spazio nel mezzo. Se c’è una qualsiasi magia in questo mondo, deve essere nel tentativo di capire qualcuno condividendo qualcosa. Lo so, è quasi impossibile riuscirci, ma che importa in fondo? La risposta deve essere nel tentativo”.

Titolo originale: グッドラック, Good Luck

Scritto e diretto da: Adachi Shin

Cast: Sano Hiroki, Amano Hana, Kato Saki, Ayame Goriki, Yuka Itaya

Genere: indie/comedy/road movie/intimista

Giappone, 2025 – film

Avete mai provato a trascorrere una giornata, partita come deprimente e demotivante, in modo diverso, magari camminando a zonzo per strade ignote, guardando bellezze naturali e artistiche di cui si disconosceva l’esistenza e discorrendo piacevolmente con qualcuno incontrato solo una decina di minuti prima e di cui ha la sensazione che rimarrà sempre uno sconosciuto?

Noi romantici, cresciuti a pane e film del Sundance Festival, abbiamo acquisito una percezione di storia d’amore inaspettata e particolare, intimista e riflessiva, chiusa in un road movie, che non è commedia né dramma né sentimentale, ma che ti porta immediatamente a costruire film mentali sui protagonisti, isolando la loro sensibilità e la loro affinità reciproca dal resto del mondo e tifando fino alla fine che possano ritrovarsi insieme. Avete presente quelle storie d’amore in stile “Before Sunrise – Prima dell’alba” di Richard Linklater, quando un giovane Ethan Hwake, sognatore e un po’ scapestrato, scendeva a Vienna dal suo interail per convincere Julie Delpy a fargli compagnia fino al prossimo treno, l’alba successiva, girovagando a caso per le strade della capitale austriaca e parlando di se stessi? Ebbene, quelle storie d’amore tra due sconosciuti, che, alla fine, si rivelano anime gemelle, perché sanno come riempire i vuoti fra loro e il mondo, sono diventate lo stereotipo del cinema indipendente e, forse, un po’ anche del nostro ideale di storie in assolto. Ed è per questo motivo che, guardando anche solo qualche immagine di questo film, possiamo immediatamente pensare a “Prima dell’alba“, ma, tanto vale chiarirlo subito già dal principio, nonostante sia un film romantico, questa non è una storia d’amore.

“Ci rivedremo, vero? Facciamo un po’ come in quel film… quello con Ethan Hawke… Come si chiama?”. “Prima del tramonto”. “No, aspetta, quello era il secondo, ambientato anni dopo. Intendo dire il primo”. “Ah, Prima dell’alba”. “Ecco, esatto”.

Taro (Sano Hiroki) è un giovane regista indipendente, abituato a collezionare delusioni e ancora non in grado di trovare un proprio stile che possa caratterizzarlo e definirlo. Sembra che la cosa più importante che abbia girato sia una specie di docu-film dal titolo “Yuki“, dedicato alla sua fidanzata Yuki (Kato Saki), che è molto più matura e concreta di lui, pratica, testarda e per nulla sognatrice. Taro la considera la sua musa ispiratrice e decide di ritrarla in tutti i suoi momenti della giornata, mentre lei lo sprona ad essere meno idealista e meno sulle nuvole e a dedicarsi a qualcosa di più materiale.

La perfetta e antitetica discordia porta Taro ad un riconoscimento nel mondo del cinema indipendente, che decide di omaggiarlo con una menzione speciale alla rassegna cinematografica di Beppo, nella prefettura di Oita. Tuttavia, non appena il suo film viene proiettato e Taro è pronto per essere intervistato sul palco dall’organizzatrice del festival e, quindi, ritirare il suo premio, viene umiliato pubblicamente dalla sua intervistatrice, che enuclea tutti i punti deboli della sua esperienza cinematografica, si mostra in disaccordo con la sua menzione speciale e ne attribuisce il merito solo al personaggio protagonista del suo film. Bocciato su tutta la linea, Taro decide di saltare deliberatamente il party serale del festival e di prendersi una vacanza dalla pressione stressante che vive.

Ed è così che incontra Miki (Amano Hara), una ragazza libera e stravagante, che già di per sé è una forza della natura. Miki, che era presente all’umiliazione pubblica di Taro, ritrova ingiuste le critiche dell’organizzatrice del festival e, anzi, mostra apprezzamento per la sua opera. Poi, gli propone di farle compagnia come turista casuale in quella sperduta prefettura del Giappone, alla ricerca di posti nuovi da visitare, di persone da incontrare e di esperienze da maturare nei ricordi.

Infatti, Miki vive in questo modo: sin da piccola, si è resa conto di non amare scuola, impegni e occupazioni sedentarie, ma anche di apprezzare la società quel tanto che basta per venire a contatto in piccoli frammenti disseminati. Così, mentre lavora sempre in smart working online, si concede ogni tanto delle giornate di vacanza, prendendo il primo autobus che la possa portare in qualche ignoto angolo del Giappone per scoprirne i luoghi, le tradizioni e le persone. A Miki piace dialogare con gente sconosciuta, così come adora inventare storie su come andranno le vite di coloro in cui si imbatte per caso, ma, al tempo stesso, non cerca amicizie durature né relazioni, solo piccoli scambi umani di parole al vento perché “si riesce ad essere se stessi solo con gli sconosciuti“.

Mentre Miki presenta il suo mondo attivo e solare dove non esistono le scadenze e i legami sono solo sorrisi pacati, ma si raccolgono biglietti di mezzi che la porteranno da qualche parte, Taro trova modo di aprire se stesso, parlando della sua continua passività, della sua aura di negatività che lo segue come un mostro ovunque e del senso di inadeguatezza con cui vive, per cui teme di perdere chi gli è più caro. E, mentre Taro e Miki si scambiano le proprie opinioni sui propri mondi, aprendo un piccolo spiraglio per rendersi visibili tra di loro, visitano luoghi dispersi nella natura, dove le cascate si alternano a campeggi hippy e a sauna costruite sugli alberi, fantasticano su coppie che litigano sull’autobus e costruiscono uno scenario horror ideale per la proprietaria della pensione.

Soprattutto, non hanno timore a far vedere se stessi, senza alcuna pressione e senza alcun desiderio di apparire, perché hanno stabilito da subito, ognuno silenziosamente con se stesso, che non hanno bisogno di amore, ma solo di una tranquilla e sincera conversazione per un breve tratto di tempo. Perché si può essere intimi senza essere amanti e si può aprire meglio se stessi con chi si condivide momentaneamente il cammino, come due pellegrini sullo stesso percorso.

Il fatto è che questa strana e strampalata non-storia d’amore, questa commedia lo-fi, è una connessione perfetta e delicata, leggera come una brezza primaverile e spensierata come una giornata di fine estate senza compiti per le vacanze ed è anche così realistica nei suoi piccoli ritratti ordinari e nei suoi discorsi semplici e profondi, senza mai risultare enfatici o filosofici, da risultare quanto di più vero e vicino alla vita normale possa esistere, con due personaggi che potrebbero essere due comuni ragazzi trentenni che scambiano due parole su un autobus e rivelano le ansie e le preoccupazioni che li attanagliano, in questa generazione sospesa a metà tra un presente che non comprendono e un futuro che non sanno se vale la pena raggiungere, né come.

E non c’è bisogno di scoprire se Taro e Miki si rincontreranno prima o poi, come sembra abbiano promesso, pur senza averne alcuna intenzione, perché tra loro già un’affinità di anime e di discorsi che va al di là di qualsiasi afflato sentimentale, anzi lo prescinde del tutto, senza avvertire l’esigenza di creare un simile rapporto, perché le loro chiacchiere e il loro girovagare serve solo per farli sentire un po’ più umani e un po’ più comuni con le loro piccole quotidiane tragedie da affrontare in ogni singolo momento della vita.

In “Good Luck“, presentato in anteprima mondiale al Far East Film Festival di Udine nel 2025, Adachi Shin, che nel 2014 ha già creato un film cult come “100 Yen Love“, commedia sportiva e slice-of-life sulla boxe femminile, che ha ispirato il film cinese “YOLO: You Only Live Once” di Jia Ling e, in parte, il drama coreano “My Lovely Boxer“, con pochi mezzi, pochissimi attori e quasi solo una steady-cam, ha realizzato un film indipendente che, al tempo stesso, riesce a parodiare e a scardinare i crismi a cui il cinema indipendente ci ha abituato negli ultimi decenni, compreso le storie d’amore tra sconosciuti in viaggio, l’afflato incredibile di discorrere sopra i massimi sistemi o di innamorarsi della luna piena e delle stelle in cielo, prendendo in giro l’intellettualismo di certo cinema con la sfida delle piccole cose quotidiane, di quella vita che sembra sempre piatta e noiosa, ma che è quanto di più meraviglioso possa esistere.

Ed è per questo motivo che la domanda “Ma, alla fine, perché fai cinema?” rivolta a Taro deve necessariamente rimanere senza risposta.

Laura

Hear Me: Our Summer

“Incontrarti è stata la cosa migliore della mia vita”.

Titolo originale: 청설, Cheongseol, Hear Me!

Regia: Cho Sun-ho

Sceneggiatura: Na Jae-won, Kwak Kyung-yoon

Cast: Hong Kyung, Roh Yoon-seo, Kim Min-ju, Hyung Bong-sik, Jung Hye-young, Jung Yong-joo

Genere: comedy/drama/ romance/youth/coming-of-age

Corea del Sud, 2024 – film

Ci sono quelle estati di stasi e di passaggio, quelle che accadono in alcune fasi della nostra vita che sembrano ere geologiche, perché fungono da spartiacque tra due periodi importanti, come quello in cui si finiscono gli studi e si inizia a cercare un lavoro, quell’estate in cui la società ti richiama all’età adulta e con nostalgia si sa che si sta per abbandonare la prima giovinezza e la sua spensieratezza per fare un passaggio che sarà irrecuperabile.

Ed è così che Lee Yong-jun (Hong Kyung di “Weak Hero Class 1“) vive la sua ultima estate di giovinezza. Appena laureato in filosofia, seppur non in modo troppo brillante, e in cerca di lavoro, senza trovarne il minimo spiraglio, ma soprattutto ancora incapace di capire davvero cosa vuole fare nella vita, trascorre l’estate ad annoiarsi, a girare per le strade della città con una vecchia Vespa, ad aiutare senza impegno il suo amico meccanico Jo Jae-jin (Jung Yong-joo) a sistemare moto e a dare una mano ai suoi genitori (Hyun Bong-sik e Jung Hye-young), che gestiscono un piccolo ristorante di pollo, per le consegne d’asporto. Il fatto è che Yong-jun non sa proprio cosa fare con in mano una laurea che non gli offre grandi possibilità, consapevole anche di averla presa solo perché indeciso su cosa studiare e su quale carriera tentare di costruire nel futuro. Forse l’unica cosa in cui è bravo è aiutare a tempo perso chi gli sta accanto e imparare i piatti del ristorante dei genitori. O, forse, sa eccellere, del tutto casualmente, solo nel linguaggio dei segni, imparato durante gli anni universitari per ottenere crediti extra per la laurea, qualcosa di cui tutti gli fanno notare l’inutilità.

Un giorno, capita presso la vicina piscina per una consegna d’asporto per conto del ristorante dei genitori. Quello che percepisce appena arriva è l’assenza di suono, o, meglio, nessuno di coloro che sono presenti per i corsi utilizza la propria voce, ma comunicano solo con il linguaggio dei segni, l’unica cosa in cui Yong-jun sa eccellere. Così, non solo comunica tranquillamente con tutti, ma ne sono tutti talmente lieti da continuare a chiedere l’asporto del ristorante dei suoi genitori, proprio per la capacità di Yong-jun di farli sentire a proprio agio.

In effetti, anche Yong-jun si sente quasi in una piccola lieta oasi priva di frastuono, senza che nessuno gli faccia pressioni per il futuro, e lì conosce Seo Ga-eul (Kim Min-ju di “The Forbidden Marriage“), il cui nome significa “autunno”, una giovane campionessa di nuoto, che sogna di gareggiare contro i normodotati, e la sorella maggiore, Seo Yeo-reum (Roh Yoon-seo di “Our Blues” e “Corso accelerato sull’amore“), il cui nome significa “estate” e che monitora continuamente i progressi della sorella e studia intensamente inglese e il linguaggio dei segni internazionale, così da farle da manager, una volta che potrà accedere alle competizioni paralimpiche. Yong-jun stringe immediatamente amicizia con le due ragazze, innamorandosi a prima vista di Yeo-reum, della sua sensibilità d’animo e della brillantezza della sua intelligenza, ed entrando in un sodalizio fraterno con Ga-eul, che lo sostiene strenuamente come “futuro cognato”.

I tre si incontrano puntualmente in piscina; poi, per piccole uscite al di fuori dell’ambiente sportivo, mentre Ga-eul lentamente s’inventa piccoli impegni che la possano escludere dal trio per lasciare sola la sorella maggiore e il ragazzo, come la migliore sorellanza vorrebbe. Soprattutto, i tre iniziano a vivere insieme quell’ultima estate giovane di spensieratezza, che li vorrebbe vedere presto adulti e responsabili, ma che ancora concede loro una certa pausa. E comunicare con il linguaggio dei segni, a cui le ragazze sono abituate da una vita, dà loro la possibilità di costruire un piccolo mondo a parte, lontano dal frastuono chiassoso della società, con un loro alfabeto unico ed esclusivo che permette di comunicare segretamente anche a distanza (bellissima la scena sull’autobus, quando i tre sono seduti in posti lontani, ma riescono ugualmente a dialogare e a ridere insieme, in silenzio e in segreto).

Mentre i sentimenti dei ragazzi si sviluppano sempre di più e Yong-jun e Yeo-reum sembrano effettivamente provare qualcosa l’uno per l’altra, il loro linguaggio che li ha fatti conoscere ha anche creato un grande fraintendimento: da una parte, Yong-jun non è un non-udente, ma così pare alle ragazze, che non hanno mai comunicato con lui in modo diverso; dall’altra parte, Yeo-reum è una CODA, ovvero una persona udente figlia di non-udenti, l’unica componente di una famiglia non-udente a riuscire a sentire e a parlare, ma, per un eccesso di delicatezza dei confronti di Yong-jun, che credeva sordomuto, non lo ha mai detto.

“Hear Me: Our Summer” è un piccolo film indipendente sudcoreano, che ha conquistato sia il pubblico che la critica: presentato alla 29esima edizione del Busan International Film Festival del 2024, ha ottenuto buoni incassi al botteghino, con un apprezzamento generale degli utenti al cinema, ma anche un ottimo riscontro in termini di premiazioni, visto che Roh Yoon-seo si è aggiudicata il Baeksang Arts Awards come Best New Actress (Cinema) ed è stata candidata anche al Buil Film Awards del 2025.

La pellicola si ispira, a sua volta, al film taiwanese “Hear Me“, scritto e diretto da Cheng Fen-fen e interpretato da Eddie Peng, Ivy Chen e Michelle Chen, che fu presentato il 28 agosto 2009, in concomitanza con i giochi paralimpici dei non udenti, tenutisi proprio quell’anno a Taipei. Lo svolgimento degli eventi, così come la caratterizzazione dei personaggi e il lento evolversi dell’amicizia tra loro è del tutto simile in entrambe le pellicole, con i medesimi espedienti narrativi usati, la delicatezza delle immagini e della fotografia, che incanta nel far conoscere poco per volta i protagonisti, e con la stessa ferrea convinzione di perseguire i propri sogni.

L’unica differenza sta nel motto centrale del film, che, mentre nella pellicola taiwanese prende la schermata finale, con una scritta che campeggia su sfondo nero, dopo le riprese dell’ultima gara, nella pellicola coreana trova la voce, il sorriso storto e le espressioni di Hyun Bong-sik, interprete del padre del protagonista (e amatissimo attore caratterista di tanti film e drama):

“L’amore e i sogni sono dei fenomeni strani. Non hanno bisogno di essere ascoltati, di essere detti a parole o di essere tradotti per essere compresi”.

Laura

Come suona la recensione?

18X2 Beyond Youthful Days

“Perché hai deciso di viaggiare?”

“Volevo riconsiderare la mia vita”.

Titolo originale: Qing chun 18×2 tong wang you ni de lü cheng; 青春18×2 君へと続く道, Kimi e to Tsudzuku Michi

Regia: Michihito Fuji

Scritto da: Michihito Fuji, Hirokawa Hayashida

Cast: Greg Hsu, Kaya Kiyohara, Shunsuke Michieda, Joseph Chang, Haru Kuroki, Hitomi Kuroki, Buffy Chen, Yutaka Matsushige, Figaro Cheng, Jane Liao, Toyoharu Kitamura, Liu Chu-Ping

Genere: Drammatico, Coming of Age, Youth

Giappone, Taiwan (2024)

Esistono quei momenti in cui arriviamo ad una tappa della vita in cui vorremmo scendere dal treno di tutti i giorni e riconsiderare tutto ciò che stiamo facendo. Non sempre siamo pronti. I condizionamenti, i contesti diversi, il carattere, le necessità ci tengono ancorati a determinate quotidianità, ma alle volte capita che la vita ci presenti alcune situazioni più grandi di noi, irrimediabili, oppure solamente una pausa forzata che ci pone di fronte ad un distacco dalla nostra routine abituale.

Questo è che quello che avviene al protagonista di “18X2 Beyond Youthful Days”, film diretto dal regista Michihito Fuji che abbiamo apprezzato in “The Journalist”, “Faceless”, “The Last 10 Years”, “The Parades” e molti altri. Il film è una coproduzione tra Giappone e Taiwan e il regista, che ha iniziato a girare il film a trentasei anni, la stessa età del personaggio principale della storia, ha realizzato il suo desiderio di coinvolgere, tramite il cinema, culture e lingue diverse e di girare molte parti del film a Tainan (Taiwan), città natale di suo nonno taiwanese.

La sceneggiatura, sempre di Michihito Fuji, iniziata già nel 2019, è ispirata al diario di viaggio pubblicato in Internet nel 2014 dallo sviluppatore di videogiochi taiwanese Jimmy Lai: “Wandering Journey on S Slow Train in Japan” che racconta il suo viaggio in Giappone dopo aver lasciato il lavoro, un viaggio che lo ha portato sulla linea ferroviaria per ritrovare il paese di origine di una amica (e suo primo amore) conosciuta diciotto anni prima a Taiwan.

Il film si apre con una scena molto incisiva in cui il protagonista Jimmy (Greg Hsu, anche conosciuto come Hsu Kuang-han, “Someday or One Day”), sviluppatore di videogiochi, viene licenziato dalla sua stessa azienda durante la riunione del consiglio di amministrazione. Jimmy, all’inizio arrabbiato, poi devastato e amareggiato, torna nella sua città natale di Tainan, a casa dei suoi genitori.

“Sono passati 18 anni da quando ho lasciato questa città. Sono rimasto concentrato, cercando di realizzare il mio sogno. Ho dato tutto me stesso, ma ho perso tutto. Dove ho sbagliato? O forse, ho sbagliato fin dall’inizio? “.

Mentre entra nella sua camera, piena di ricordi, dove il tempo sembra essere rimasto uguale a quando era adolescente, Jimmy ritrova sulla scrivania una cartolina ricevuta diciotto anni prima da Ami (Kaya Kiyohara, “The Door into Summer”), una ragazza giapponese in viaggio per Taiwan e che era rimasta a lavorare per tutta l’estate presso il karaoke Kobe dove Jimmy lavorava part time qualche mese prima di iniziare l’università.

La cartolina fa riemergere nel protagonista i dolci ricordi di quella estate, di quel suo primo amore e della promessa dei due ragazzi di rivedersi dopo aver realizzato i propri sogni.

“Dimmi qual è il tuo sogno quando lo scoprirai!”, gli aveva detto Ami ed era partita alla fine di quella estate.

Alla telefonata del collega co-fondatore dello studio, che lo invita ad un ultimo viaggio di lavoro in Giappone, Jimmy accetta perché sente dentro di sé il richiamo a ritrovare se stesso, ad intraprendere un viaggio da solo senza una vera destinazione, l’unica certezza è il Giappone, nel paese da dove era venuta Ami, perché adesso la vera necessità è quella di riposare, tirare il fiato per capire cosa è veramente importante nella vita.

“Il riposo prepara alla lunga strada”.

Liberatosi in fretta dall’ultima riunione di lavoro, Jimmy inizia a girovagare seguendo la linea ferroviaria, scende dal treno e visita luoghi e posti senza una vera e precisa destinazione.

Scende alla fermata del liceo di Kamakura, l’iconico set del mitico manga “Slam Dunk”, che leggeva già da adolescente e che lo aveva avvicinato allo studio della lingua giapponese e così gli risuonano le parole di Ami: “Viaggiare è divertente perché non sai mai cosa potrebbe accadere”.

Nell’estate di diciotto anni prima, Ami aveva coagulato attorno a sé tutti i lavoratori del karaoke Kobe che si erano affezionati alla ragazza e ai suoi modi gentili, parlando in giapponese, ma imparando molte parole cinesi grazie a Jimmy, per poter comunicare con gli altri. Si era occupata del grande murales da rifare sulla facciata del karaoke. Ami era un’artista, aveva con sé sempre un blocco dove teneva i bozzetti dei disegni che raffiguravano persone e luoghi che incontrava nel suo viaggio. Era il suo modo di fotografare i ricordi e di tenerli sempre con sé e tutti ne erano affascinati.

Diciotto anni dopo, Jimmy, che si ritrova incastrato in una vita che non gli appartiene più, dove gli anni sono sfumati nel lavoro e nella velocità, decide di farsi ispirare ancora una volta da Ami per dare un valore al suo viaggio.

In una passeggiata notturna a Matsumoto, Jimmy incontra Liu (Joseph Chang, “Nowhere Man”), uno chef originario della sua stessa città, Tainan, e con lui condivide la nostalgia dei suoi ricordi, decidendo di recarsi nel paese natale di Ami.

Inizia così il viaggio in direzione Tadami, cittadina della prefettura di Fukushima e paese natale di Ami. Durante il viaggio, sulla linea ferroviaria Iiyama incontra diverse persone, ma tra tutti risalta Koji (Shunsuke Michieda, “News Anchor”, “Il mio secondo Aoharu”), un diciottenne che gli ricorda moltissimo se stesso a quella età. Koji è un giovane entusiasta del futuro, della vita, alla ricerca costante di luoghi e scorci “instagrammabili” dal treno e da subito vuole fare amicizia con Jimmy. E’ lui che gli consiglia di scendere e fare tappa a Nagaoka.

“Il treno uscì dal lungo tunnel ed entrò nel paese della neve”.

Ispirato dall’incipit del romanzo di Yasunari Kawabata, “Il paese delle nevi”, Koji presenta così la splendida città di Nagaoka e gli occhi di Jimmy si riempiono del nevoso candore del paesaggio attorno. Si fermano a Nagaoka e camminano nella neve.

Sembra di essere all’interno del meraviglioso film “Love Letter” (omaggio del regista Michihito Fuji al film del 1995). Jimmy ripensa all’estate di diciotto anni fa quando aveva invitato Ami alla proiezione di “Love Letter” in uno dei cinema in città e, dopo averla vista turbata e rattristata dalla visione della storia, aveva appreso qualche tempo più tardi che Ami sarebbe tornata in Giappone.

Tornato al presente e lasciatasi alle spalle Nagaoka, dopo aver salutato il suo compagno di viaggio Koji, Jimmy riprende il cammino e per riposarsi entra in un net cafè dove incontra una ragazza di nome Yukiko (Haru Kuroki, “The Last 10 Years”) che gioca con uno dei videogiochi ideati da lui. Quando Jimmy, incuriosito dopo aver visto il suo videogioco si presenta come l’ideatore, all’inizio Yukiko non gli crede, ma, dopo aver fatto una breve ricerca in Internet e aver trovato la sua biografia con foto, la ragazza è contenta di conoscerlo e si offre di accompagnarlo al festival delle lanterne volanti, uno dei luoghi preferiti di Ami.

Il pensiero ritorna a diciotto anni prima, quando a pochi giorni dalla partenza di Ami, Jimmy le aveva chiesto, come ultimo appuntamento, quello di recarsi ad un festival delle lanterne volanti dove i due ragazzi avevano affidato alle lanterne il messaggio per il loro futuro, quello di perseguire e realizzare i propri sogni e quindi, in seguito, di rincontrarsi di nuovo.

E’ solo qui, in questo suo viaggio interiore, mentre scorrono dal finestrino del treno i paesaggi meravigliosi di un Giappone innevato che Jimmy realizza di essersi sempre ispirato ad Ami, di aver continuato a lavorare per il suo sogno, solo per merito della ragazza.

“Ho trovato il mio sogno grazie a lei”.

Una volta arrivato a Tadami chiede indicazioni per la casa di Ami dove conoscerà sua madre Yuko (interpretata da Hitomi Kuroki).

Jimmy sa che questo viaggio ha fatto scoperchiare tutta la sua insicurezza e la sua fragilità, ma nello stesso tempo ha curato le sue ferite, i rimpianti che ha accumulato nella sua vita e per questo “18×2 – Beyond Youthful Days” è un gioiello intimista ed emozionante, un viaggio nell’inconscio del protagonista che rappresenta ognuno di noi.

I viaggi servono per migliorare se stessi, per riconsiderare la propria vita, per perdersi in ricordi lontani. Il viaggio è una rinascita, una riscoperta di se stessi, un continuo affrontare il dolore e cercare di superarlo, alla scoperta di quel filo che alle volte può sembrare trasparente, ma che non è altro che la Vita.

“Amici che non vediamo più. Panorami che non visiteremo di nuovo. Ma non dimenticherò mai il tempo passato insieme.

Le persone che incontriamo nei nostri viaggi lasciano qualcosa nei nostri cuori. Mi domando se sono stato in grado di lasciare qualcosa nel cuore di Ami”.

I due attori protagonisti della storia interpretati da Greg Hsu e Kaya Kiyohara sono bravissimi a far immergere lo spettatore nel loro mondo interiore. Personalmente credo che le loro allegre corse in scooter per Tainan, il ponte da dove osservano la vista sulla città, le confidenze tra amici, gli scambi di sguardi, le ore trascorse insieme al karaoke Kobe ad imparare la lingua l’uno dell’altra, rendono la loro storia così delicata e sospesa da creare una magia indimenticabile.

La fotografia, inoltre, è bellissima così come il colore della pellicola che sfuma e caratterizza i ricordi e il presente del protagonista e della sua anima.

Piccola nota sulla colonna sonora curata dal compositore giapponese Takashi Ohmama: all’interno vi sono alcuni brani della band giapponese Mr. Chicken e il brano “Peter and Mary” della band taiwanese Mayday.

“Ami, questa è la mia prima lettera per te. Sono passati 18 lunghi anni dal giorno in cui abbiamo fatto volare la lanterna insieme. Dopo che te ne sei andata, sono andato all’università di Taipei.

Taipei era piena di tutti i tipi di cose, era fresca e abbagliante ed ero un po’ sopraffatto, ma volevo essere come te: il tipo di persona che ispira gli altri. Così ho vissuto ogni giorno con fermezza, sono entrato nella programmazione di giochi in quel periodo e mi ci sono dedicato anima e corpo. Non mi sono laureato per questo. Mi aveva preso così tanto che non avevo tempo per crogiolarmi nel passato. (…)

La nostra compagnia cresceva e cresceva, ma gradualmente perdevo tutte le emozioni. L’ultima cosa che ricordo è che ero solo. E’ stato allora che la tua cartolina mi ha ispirato a viaggiare. Ricordo quando dicesti: «Mi chiedo come saremo quando diventeremo più grandi».

Ti ho conosciuta, mi sono innamorato, sto dicendo addio a quel momento della mia giovinezza. Quello, da solo, rende questo viaggio ricco di significato.

Come hai detto, non deve esserci uno scopo finale. Continuerò a viaggiare. Mi dispiace di averci impiegato tanto, Ami. Grazie”.

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Possa il mio viaggio non finire mai!

Possa il tuo viaggio continuare!

Grazia

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Pure Love – Unforgettable

“Il cuore che si spezzò quel giorno non ci appartiene più.

Non me ne resi conto, ma l’avevo perso”.

Titolo originale: 순정 ; Sunjeong

Regia: Lee Eun-hee

Scritto da: Lee Eun-hee; Han Chang-hoon

Cast: Doh Kyung-soo; Kim So-hyun; Yeon Joon-seok; Lee David, Park Yong-woo, Lee Beom-soo; Joo Da-young

Genere: drammatico, Coming of Age, Youth, Heartfelt

Corea del Sud, 2016

I close my eyes

Only for a moment and the moment’s gone

All my dreams

Pass before my eyes with curiosity

Dust in the wind All they are is dust in the wind

(Dust in the Wind – Kansas, 1977)

Le prime strofe della canzone dei Kansas, “Dust in the Wind” ci fanno immergere nell’atmosfera di questo film malinconico, a tratti struggente, un viaggio emotivo dove affondare i pensieri, i rimpianti e i sogni di gioventù e dove questa canzone, che spicca nella colonna sonora del film, rispecchia l’andamento della storia e apre le pagine di un diario.

Nel 2015, in una emittente radiofonica, un conduttore di una trasmissione, sensibile e nostalgico, interpretato da Park Yong-woo, riceve una lettera scritta molti anni prima da una ragazza e, subito, in uno “stream of consciousness”, la sua memoria viaggia nei ricordi, in un tempo lontano.

La scena si sposta all’estate del 1991 a Goheung, in un paese sulla costa. Beom Sil (Do Kyung-soo, anche conosciuto come D.O., membro degli Exo e interprete di “The Moon”, “Secret: Untold Melody” ), giovane timido e riservato, trascorre le giornate in compagnia dei suoi amici San Dol (Yeon Joon-seok, “Choco Bank”), Gae Deok (Lee David, “Squid Game 2 e 3”) e Jil Gia (Joo Da-young, “Today”), ma il cuore pulsante del loro gruppo è la giovane e bella Soo-ok (interpretata da una brava Kim So-hyun, “Love Alarm”, “Serendipity’s Embrace”), della quale è innamorato Beom Sil.

Soo-ok è una ragazza che ha una disabilità e che, nonostante le sue problematiche di salute, ha tanta voglia di riuscire ad andare avanti e ha il dono di infondere coraggio agli altri e di essere una costante ispirazione. La ragazza si chiede spesso come saranno le loro vite tra venti o trenta anni, ne è curiosa e, anche se sa in prima persona che la vita è dolorosa, cerca sempre di trovare fiducia e forza nella compagnia dei suoi amici.

“Unforgettable – Pure Love” è un film che è costituito da moltissimi flashback e, mentre la storia va avanti, ci ritroviamo in alcuni momenti topici a guardare il presente, 23 anni dopo, con gli occhi dei protagonisti quarantenni, nella loro gioventù sfiorita, nei sogni rimasti sepolti nella sabbia di quell’estate del 1991, così incisiva nelle loro vite.

Il viso malinconico di Beom Sil adulto, ora conduttore radiofonico, che viaggia in un dolore passato, mentre legge quella lettera recapitata, ci fa dedurre che la storia è un crescendo di emozioni e in quell’estate del 1991 è accaduto qualcosa che ha segnato il passato dei protagonisti.

Tra passeggiate lungo la spiaggia, battiti del cuore per il candore di un primo amore, canzoni cantate a squarciagola e attimi di complicità e di divertimento, la storia riesce a presentare anche momenti drammatici e toccanti, affrontando tematiche profonde come la disabilità, il suicidio, le crisi adolescenziali e l’età adulta con i rimpianti e i ricordi passati che non si sono mai riusciti a superare.

Le interpretazioni di tutti i protagonisti sono state meravigliose, ma Do Kyung-soo (che ha vinto per questo film il “Baeksang Arts Awards”), con il suo sorriso disarmante e timido nel ruolo di Beom Sil, trasmette tutta la nostalgia rappresentata in questa storia e Kim So-hyun, nel ruolo di Soo-ok, riesce a diffondere un messaggio potente e coraggioso, legando a sé il valore puro dell’amicizia, riscoperto ad ogni età. Entrambi riescono a donare un incanto e una limpidezza alla storia d’amore che resta in sospeso in una dimensione eterea e senza tempo.

“Unforgettable – Pure Love” è un viaggio di formazione che continua anche nel presente dei protagonisti e nel cuore dello spettatore che si sentirà trascinato nei ricordi del passato, straziato dalle prove della vita, ma confortato dal valore dell’amicizia.

Tenete pronti i fazzoletti perché la storia è davvero commovente.

Piccola nota da sottolineare, la scelta dei brani musicali che impreziosiscono il film, da “Dust in the Wind” dei Kansas, come ho accennato all’inizio, “Take on Me” degli A-ah, “Summer Story” di Shin Hae-chul e “Purple Fragrance” di Kang Soo-ji, cantata all’interno anche da Kim So-hyun.

“Unforgettable – Pure Love” è ispirato al racconto di Han Changhoon che a sua volta si è ispirato ad una storia vera.

Grazia

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Where Stars Land (ovvero delle coincidenze, delle piccole ragioni umane e del vagar tra le stelle)

“Non esistono le coincidenze nella vita. Tutto accade per una ragione”.

Titolo originale: 여우각시별, Yeo-ugaksibyeol (lett. “La stella della sposa volpe”)

Regia: Kang Eun-kyung

Scritto da: Shin Woo-chul

Cast: Lee Je-hoon, Chae Soo-bin, Lee Dong-gun, Kim Ji-soo, Jang Hyun-sung, Ahn Sang-woo, Lee Sung-wook, Kim Kyung-nam, Lee Soo-kyung, Rowoon, Kim Won-hae, Park Hyuk-kwon, Kim Yeon-jin, Choi Won-young

Genere: drama, romance, melo, sci-fi

Corea del Sud, 2018, kdrama, 32 episodi

Potrei iniziare questa recensione in due modi: narrando gli strani eventi che portarono il Dottor Coppelius del racconto di Hoffman, un po’ mago, un po’ fabbricante di giocattoli, un po’ scienziato e meccanico a costruire un gioiello della robotica ante litteram e a reinventare un certo filone sci-fi; oppure intonando ad alta voce, con un po’ di enfasi e sotto una notte stellata, i versi di “Vaghe stelle dell’Orsa…” di Leopardi. E, in entrambi i casi, non sarebbe sbagliato, perché “Where Stars Land” (in italiano anche “Dove atterrano le stelle” è un mix perfetto di melo e azione, di sfumature poetiche e di tinte sci-fi, che riescono ad incastrarsi perfettamente per diramare le vite inaspettatamente intrecciate di due sconosciuti che si trovano sotto lo stesso cielo, come predestinati da coincidenze non previste, anime che riescono a rispecchiarsi l’una nell’altra, come nelle migliori fiabe.

Le fiabe iniziano sempre dal bosco, un luogo immaginario e immaginifico in cui i percorsi di vita di esseri diversi si incontrano e si scontrano, si incrociano in piccole frazioni di secondo e si perdono nei meandri dell’inconscio. E il bosco viene attraversato da un viaggio, un percorso indefinito da un punto a un altro punto, un movimento metodico che porta a percorrere anche se stessi, a crescere, comprendere il passato e costruirsi un futuro.

Però, giacché i tempi moderni hanno dato una forma diversa ad ogni luogo, il bosco è ora diventato un aeroporto, affollato, caotico, rumoroso, costituito in sé da quel continuo frastuono che aiuta ad essere soli in mezzo a tutti, che costruisce il nulla e porta a perdersi in se stessi, anche se circondati da persone. E l’aeroporto è il luogo del viaggio per eccellenza, quello delle partenze, dei saluti, delle confessioni, delle speranze e dei ritorni a casa, perché nulla è più bello di tornare a casa dopo aver attraversato il bosco della vita con un lungo viaggio.

“Partire, tornare, incontrarsi, lasciarsi, aspettare, soffrire per la mancanza di qualcuno. Molti momenti memorabili del viaggio della nostra hanno luogo presso l’aeroporto di Incheon”.

Così esordisce la voce fuori campo che presenta il drama (mettendo già in crisi quel momento enfatico del ritorno dal viaggio presso l’aeroporto di Heathrow nel film inglese “Love Actually“) e che coincide con la voce della protagonista, Han Yeo-reum (Chae Soo-bin di “When the Phone Rings” e “A piece of your mind“), una ragazza che ha sempre sognato lavorare all’aeroporto di Incheon, ma che, quando ci è riuscita, è diventata una vera e propria mina vagante. In realtà, nessuno sa per quale motivo – forse per il troppo perfezionismo portato avanti male o per il fatto che le sue emozioni scorrono in modo troppo intenso -, ma Yeo-reum è considerata un vero e proprio danno, visto il lungo curriculum di disastri che la accompagna in qualsiasi ufficio. Per cercare di contenerla, viene riassegnata al servizio passeggeri, forse il reparto più complicato o anche più solerte dell’aeroporto, e, in particolare, al team gestito da Yang Seo-koon (Kim Ji-soo di “Hwarang” e “Romance in the House“), una leader calma, inflessibile ed esigente su tutti gli aspetti lavorativi.

Seo-koon comprende che Yeo-reum ha tante potenzialità, ma che il suo livello di empatia deve essere contenuto e incanalato, affinché possa diventare effettivamente un’ottima impiegata. Così, inizia a farla lavorare con l’impiegato di cui si fida di più e che considera quasi come un fratello, il freddo e serio Lee Soo-yeon (Lee Je-hoon di “Taxi Driver” e “Move to Heaven“). Soo-yeon si è unito alla squadra da appena un anno, ma sembra essere molto più competente e preparato di tutti i suoi colleghi, nonostante non faccia mai nulla per mettersi al centro dell’attenzione e, anzi, preferisca evitare i riflettori della fama, anche quando sarebbe meritata. Al contrario delle sue abilità lavorative, però, Soo-yeon dimostra di avere delle scarsissime doti sociali, preferendo di gran lunga la solitudine della sua estrema introversione alla cordialità di un ambiente lavorativo amichevole ed evitando di stringere legami personali con chiunque. Forse è proprio per questo motivo che aleggia su di lui una leggenda che lo vuole un uomo affascinante e misterioso, ma forse anche un criminale latitante o un supereroe nascosto nella vita da impiegato modello.

Anche Yeo-reum si fa cogliere inizialmente da queste prime impressioni sul collega, notando la sua distanza e la sua freddezza e, al tempo stesso, un nube leggera che sembra oscurargli sempre il volto, come per celare una sofferenza di cui nessuno può essere partecipe. Il dolore nascosto di Soo-yeon sembra richiamare come un magnete la capacità empatica di Yeo-reum e, più Soo-yeon tenti di evitarla, più Yeo-reum si imbatte continuamente in lui, quasi con l’impressione di averlo già incontrato nel passato e di essergli in qualche modo legata.

Poi, un giorno, un incidente in aeroporto inizia a scoperchiare la verità e, mentre Yeo-reum sta per rimanere travolta da un pesante carrello d’acciaio lanciatole contro, il braccio di Soo-yeon interviene in tempo, allontanando il pericolo e deformando completamente il carrello. Solo, allora, Yeo-reum ricorda quella giornata di fretta e di pioggia e quella fermata d’autobus, dove un mezzo aveva sbandato, rischiando di ucciderla, quando un uomo strano e col cappuccio era intervenuto in tempo, salvandola e spingendo il bus con una forza disumana.

“No, noi ci siamo incontrati già, prima di adesso, il giorno in cui dovevo andare al colloquio in aeroporto. Eri tu. Eri sicuramente tu”.

Soo-yeon ha studiato per diventare pilota, ma un tragico incidente lo ha reso disabile, facendogli perdere l’uso di entrambe le gambe, paralizzando tutto il lato destro del corpo e rendendo inerte il braccio destro. Costretto su una sedia a rotelle, depresso e umiliato dalla vita, senza alcuna possibilità di riprendere i propri sogni, si è imbattuto tempo prima nello strano scienziato e medico Mister Zhang (Park Hyuk-kwon di “Light Shop” e “Behind Your Touch“), che gestisce il locale “Fox Bride“, un posto dove sembrano prendere realtà i desideri e dove il tempo è sempre sospeso. Con le sue conoscenze mediche e robotiche, Mister Zhang ha costruito a Soo-yeon delle protesi meccaniche per braccia e gambe, fatte di un metallo ultra resistente e direttamente connesse alle sinapsi nervose dei suoi arti.

La vita ordinaria di Soo-yeon, però, è sottoposta a numerose rinunce e condizioni, come il mantenimento di un basso profilo, così da non diventare un fenomeno da baraccone e da mantenere il segreto sulle sue protesi robotiche, ma anche l’esigenza di far riposare periodicamente il suo corpo, rimuovendo le protesi e curando le ferite e le infezioni in breve tempo, affinché la sua salute non peggiori.

Solo che le emozioni del cuore sono incurabili e, quando Yeo-reum e Soo-yeon si conoscono e si riconoscono, le loro anime diventano così connesse da non riuscirsi a separare, nonostante Soo-yeon faccia di tutto per allontanare Yeo-reum da una vita complicata al suo fianco, convinto che debba meritare di più, ma incapace di staccare il suo pensiero da lei.

“Una persona può impiegare tre settimane, un’altra tre secondi e un’altra tre anni per accorgersi improvvisamente di essere innamorata di qualcuno”.

In realtà, tornando alla dimensione da fiaba moderna in cui è effettivamente immerso questo drama, Yeo-reum è un po’ come Belle che cerca a tutti i costi di salvare la Bestia e di riportarla alla sua condizione umana, curando le sue ferite e facendola accettare dalla società. Non esistono boschi, castelli o notti tormentate che possano fermarla da questo proposito. Nel drama, accadranno una serie di cose, tra cui uno spazio sostanziale dedicata ai cosiddetti cattivi della fiaba, che si concretizzano qui in personale corrotto e in diverse figure criminali, ma anche in un rapporto irrisolto tra fratelli che vede contrapporsi Soo-yeon con il fratellastro maggiore Seo In-woo (Lee Dong-gun di “Angel’s Last Mission: Love“).

E, come tutte le fiabe, ci sono sempre quegli innumerevoli personaggi aiutanti, il cui supporto è prezioso per la storia dei protagonisti, ma che, nella tradizione dello slice-of-life coreano, sviluppano tante piccole storyline che è bellissimo seguire anche separatamente: oltre a Yang Seo-koon, la team manager del servizio passeggeri, c’è il migliore amico di sempre, Ko Eun-sub (Rowoon di “Destined with You” e “The King’s Affection“), che è segretamente innamorato della protagonista e che sogna di diventare pilota; ci sono il determinato e timido Oh Dae-ki (Kim Kyung-nam di “The King: Eternal Monarch“) e la campionessa di judo Na Young-joo (Lee Soo-kyung di “Mystic Pop-up Bar“) del servizio di sicurezza, che, col tempo, si rendono conto di non essere solo colleghi; c’è Choi Moo-ja (Lee Sung-wook di “The Silent Sea“), manager del servizio di sicurezza che è stato sposato con Yang Seo-koon.

Infine, come in tutte le fiabe, passato e presente si confondono talvolta nella mente dei protagonisti, con un passato dominato da dolori, ma anche da bellissimi ricordi da custodire e un presente in cui ci si è persi, inconsapevoli di se stessi, insicuri e sofferenti di andare avanti per affrontare la vita, ancorati solo dalle negatività che ci si trascina dietro come un marchio. E, siccome è sempre la principessa che salva il principe (e mai il contrario, qualsiasi messaggio sia stato tramandato falsamente) e, in fin dei conti, è Belle che libera dall’incantesimo la Bestia e risveglia il suo palazzo addormentato con tutti i suoi abitanti, è ancora una volta Yeo-reum a portare con sé la carica di ottimistica speranza che la porta a vedere il futuro in un modo diverso, non con un cammino predestinato, ma illuminato dalle stelle, affinché non sia troppo buio. Ed è la sua forza d’animo, la sua bellezza interiore ed emotiva che donano l’armatura e la perseveranza a Soo-yeon.

“Non lasciare che il tuo passato dica cosa sei, ma lascia che diventi parte di ciò che diventerai”.

Note a margine del testo (ma molto importanti): “Where Stars Land” è uno dei rari prodotti a parlare di disabilità e lo fa con una chiarezza unica e con un’atmosfera quasi fiabesca, che, però, non lascia nulla al caso, né dà soluzioni imprevedibili e fantasiose; il desiderio del protagonista di condurre una vita ordinaria e di non essere guardato come una persona “anormale” e le sue sfide di ogni giorno, quando si trova ad affrontare la cattiverie di gente che non capisce, le difficoltà derivanti da barriere architettoniche e da un mondo concepito per una falsa normalità, che non ha nulla dell’umanità sono una forte denuncia allo stigma sociale che colpisce chi ha sofferto o soffre di malattie e di limitazioni fisiche. Già solo per questo motivo, credo che sia un drama che tutti dovrebbero recuperare.

Laura

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Lovestruck in the City

“Nella città delle luci e della solitudine, le storie d’amore si svolgono nei luoghi più inaspettati”.

Titolo originale: 도시남녀의 사랑법 , Dosinamnyeoui sarangbeop

Regia di: Park Shin-woo

Scritto da: Jung Hyun-jung; Jung Da-yun

Cast: Ji Chang-wook, Kim Ji-won, Soo Joo-yeon, Kim Min-seok, Ryu Kyung-soo, Han Ji-eun.

Genere: Commedia, Sentimentale, docu-film

Corea del Sud, 2020-2021, kdrama, 17 episodi

Definire “Lovestruck in the City” un drama romantico non è del tutto corretto, si tratta infatti di un drama che ha in sé gli elementi tipici del romance, ma con un intreccio narrativo differente, ovvero la scelta di mischiare la trama narrata nel presente con l’aggiunta di diversi flashback, ma il tutto girato come se fosse un documentario caratterizzato da interviste strutturate e da interviste libere, come a farlo sembrare quasi un reality.

Mi sono chiesta da subito come mai questa scelta particolare e mentre guardavo ogni episodio, che dura quasi trenta minuti e, anche questo serve a contraddistinguere lo stile del drama, ho pensato che per le tematiche trattate e per focalizzarsi meglio sulle reazioni istintive e sulle emozioni dei personaggi, la tecnica del “finto documentario” potesse essere una scelta che all’inizio può sembrare quasi “azzardata”, ma che poi riesce a dare un’impronta personale alla storia o meglio alle storie narrate.

Questa tecnica sperimentale di narrazione televisiva è un po’ particolare da trovare in un drama e personalmente, pur avendo all’inizio delle riserve e pur non stravedendo per questa scelta narrativa, ho apprezzato l’abilità, soprattutto degli attori, di rendere quanto più realistica e attendibile la storia dei propri personaggi.

La trama è incentrata in modo particolare sulle vite di sei persone che sono collegate tra di loro, da un rapporto di parentela, di amicizia o sentimentale.

Il focus delle interviste si sofferma sull’amore, su come si frequentano le persone al giorno d’oggi, in una grande città dai ritmi frenetici. Cosa ci si aspetta dall’amore? Esiste l’amore eterno? Esiste il sentimento in ogni relazione oppure le relazioni occasionali sono quelle che hanno rovinato l’amore stesso? In una grande città si fa fatica a conoscere e a frequentare persone?

Queste sono le domande che vengono poste agli intervistati e che sono anche i protagonisti del nostro drama.

Park Jae-won (Ji Chang-wook, “Healer”, “Suspicious Partner”, “Benvenuti a Samdal-ri”), un architetto in carriera, molto abile e preparato nel suo lavoro, decide di prendersi una vacanza, sente la necessità di prendere delle ferie che possano farlo staccare dai ritmi di lavoro degli ultimi tempi, così da potersi dedicare ai propri hobby, la pittura, le passeggiate e impararne di nuovi, per esempio il surf.

Durante la sua vacanza conosce Yoon Sun-ah (Kim Ji-won, “My Liberation Notes”, “Fight for My Way”, “Queen of Tears”), una ragazza dallo spirito libero, che vuole vivere una intensa storia d’amore con Jae-won, il quale si innamora all’istante del carattere strambo, ma simpatico della ragazza, dei suoi modi di fare, della sua personalità forte, ma anche un po’ bizzarra. I due ragazzi trascorrono così delle vacanze da sogno, la loro storia travolgente è ogni tanto intervallata dai momenti di stranezza di Sun-ah e da quelli di paranoia di Jae-won, ma, tutto sommato, il contesto marino, i colori, il tempo libero per dedicarsi allo sport e agli hobby, li portano a estraniarsi in una dimensione personale, libera dai pregiudizi degli altri, dai legami, dalle aspettative del mondo, fingono un matrimonio hippy con degli anelli che possano sugellare il loro amore, una dimensione come una ampolla, un piccolo scrigno di felicità tutto per loro.

Poi, però accade qualcosa e Sun-ah va via, portandosi con sé anche la macchina fotografica di Jae-won e con essa i ricordi della loro estate.

Una volta tornata a Seoul, Sun-ah riprende la sua vita come Lee Eun-oh (sempre interpretata da Kim Ji-won) e la sua personalità è diametralmente opposta rispetto a quella della ragazza dell’estate conosciuta da Jae-won. Eun-oh è una ragazza timorosa, che lavora nel commercio e che è sempre piena di angosce e di ansie. La sua personalità ottimista, stramba e iperattiva è rimasta chiusa nella dimensione estiva.

La vita, però, è piena di sorprese e le persone si reincontrano anche in una grande città e così è il caso di Sun-ah/Eun-ho e Jae-won che si ritrovano, si lasciano, fuggono, si inseguono e cercano di incrociare le loro vite nella confusione e nel frastuono della città.

“Forse il destino non è una questione di fato. Forse è una questione di scelte che facciamo.” (Park Jae-won)

Nella stessa città, Suh Rin-yi (Soo Joo-yeon, “Seasons of Blossom”, “A Love so Beautiful”, “On/Off”), impiegata part time è fidanzata da molti anni con Choi Kyung-joon (Kim Min-seok, “Because this is My First Life”), cugino di Jae-won, anche lui architetto. I due giovani sembrano felici, ma la loro relazione che dura da tempo andrà avanti per sempre oppure vacillerà?

Infine, i due single, Kang Geon (Ryu Kyung-soo, “Itaewon Class”), romanziere che non crede all’amore e che ha scelto di vivere per sempre da solo e Oh Sun-young (Han Ji-eun, “Bad and Crazy”), insegnante di educazione fisica alle scuole superiori, cinica e decisa a sfruttare solo gli aspetti positivi di una relazione sentimentale che non sarà mai duratura. Entrambi vivono una storia, all’inizio senza prevedere eventuali legami, poi, però qualcosa di inaspettato cambierà le loro esistenze.

Come si combatte la solitudine in una grande città? I sentimenti possono sorprendere le proprie vite?

Queste domande agli intervistati, quasi alla chiusura della serie, lasceranno anche gli spettori a riflettere su quanto i ritmi di vita della società odierna possono compromettere relazioni, tempo per se stessi e sentimenti.

L’ultimo episodio della serie è a se stante, mentre tra i camei importanti spicca sicuramente Choi Min-ho.

Grazia

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Kim Gu, un “uomo ordinario” e l’esercito coreano per la liberazione

“Il mio unico rimorso è quello di non aver potuto fare di più se non dedicare la mia vita al mio Paese”.

Sono molte le figure ispiratrici di valori e ideali connessi all’indipendenza coreana e, storicamente, gli oltre trent’anni di occupazione subita e di lotta fiera per ottenere la propria autonomia sono costellati davvero da tante donne e uomini che hanno sacrificato la propria vita per la causa nazionale.

Una delle figure più interessanti – e, forse, anche una di quelle di cui stranamente se ne parla di meno – è Kim Gu, politico, attivista e rivoluzionario coreano, che fu Capo di Stato coreano del Governo provvisorio e in esilio tra il 1926 e il 1927, uno degli artefici più strenui dell’indipendenza coreana, figura oggi ammirata e rispettata in entrambe le repubbliche coreane, che ci ha lasciato un “Diario” in più volumi, contenente le sue memorie, le sue attività rivoluzionarie e gli eventi storici dell’occupazione della penisola coreana. E, in effetti, la sua vita sembra proprio un romanzo, ribelle, rivoluzionario e tragico, dove le sue vicende personali sono diventate parti della storia stessa coreana, fino alla sua morte, assassinato nel 1949, dopo l’indipendenza, mentre cercava di trovare un compromesso tra il Nord comunista e il Sud nazionalista per scongiurare la separazione e la guerra fratricida.

Noto semplicemente come “paekpom“, la cui traduzione corrisponde più o meno al significato di “uomo ordinario” o “uomo qualunque”, per la sua volontà di paragonarsi al resto della popolazione coreana oppressa dalla dominazione, senza alcun particolarismo, Kim Gu nacque come Kim Changam nel 1876 in un villaggio nei pressi di Haeju (oggi nel territorio nordcoreano) da un’ex famiglia nobile. Il padre, infatti, apparteneva all’antica nobiltà di Joseon (nella classe degli yangban) del clan dei Kim di Andong, caduta in disgrazia nel XVII secolo, dopo la condanna del consigliere di Stato Kim Chajom.

La sua infanzia fu segnata dalla povertà estrema, dalle difficoltà finanziarie della famiglia e dalla malattia (un’epidemia di vaiolo a due anni e una paralisi a dodici anni), ma anche dalla crescente convinzione che la situazione geopolitica internazionale continuava a mutare in sfavore del regno di Joseon, la cui autonomia veniva continuamente compromessa dalle infiltrazioni giapponesi e occidentali. Per questo motivo, a soli 16 anni, Kim Gu si unì al gruppo Donghak (o Tonghak), da cui ricavò gli insegnamenti confuciani alla base anche della sua teoria politica, e nel 1894, a 17 anni comandò una fazione di rivoltosi nella Rivoluzione contadina di Donghak (la stessa che fa da sfondo al k-drama storico “Nokdu Flower“), da cui defezionò l’anno successivo, per fuggire in Manciuria e unirsi all’Esercito dei Giusti. L’assassinio da parte di sicari giapponesi dell’imperatrice Myeongseong, lo spinse ad addentrarsi all’interno di gruppi rivoluzionari che tentavano di liberarsi della presenza giapponese attraverso atti terroristici, che lo coinvolsero nell’uccisione del mercante giapponese Tsushida Josuke, sospettato di essere dietro l’esecuzione dell’imperatrice, per cui Kim Gu fu condannato e incarcerato.

Tuttavia, nel 1898, riuscì ad evadere dalla prigione di Incheon, insieme ad altri detenuti coreani ribelli. Dopo essersi nascosto per un anno in un monastero buddista, tornò nella casa paterna quasi nell’anonimato e si convertì al cristianesimo, accogliendo la cultura occidentale all’interno dei rinnovati principi confuciani già propugnati per cercare di costruire un’identità al popolo coreano. In questo periodo, studiò e lesse molto, con una voglia di migliorare e portare avanti la propria cultura che non ha pari, fece tanti disparati lavori (dal fattore all’insegnante) e iniziò a preparare la sua attività indipendentista, che si intensificò dopo il Trattato di Eulsa del 1905, secondo cui la Corea diventava un protettorato giapponese, e il Trattato di Taft-Katsura, che legittimava il dominio giapponese in Estremo Oriente anche a seguito della vittoria nella guerra contro la Russia.

Sono gli anni della fondazione dell’Associazione della Nuova Popolazione da parte di Ahn Chang-ho a Los Angeles, dell’assassinio di Ito Hirobumi da parte di An Jung-geun (su cui il film “Hero” e il film “Harbin“) e del progettato attentato contro il governatore generale di Joseon Terauchi Masatake. Kim Gu venne arrestato di nuovo e condannato ai lavori forzati per 15 anni. Dopo torture e percosse che lo sfigurarono permanentemente (perso l’uso dell’orecchio sinistro), Kim Gu fu rilasciato prima di finire di scontare la condanna, ma, dopo aver partecipato al Movimento per l’Indipendenza del Primo Marzo, partì in esilio a Shangai.

Ed è qui che forse iniziò la fase più “politica” della sua lotta per l’indipendenza, che mise in contatto con gli altri leader rivoluzionari del periodo, Synghman Rhee, che, poi, divenne il primo Presidente della Corea del Sud, e Kim Il Sung, poi leader nordcoreano, diventando parte del governo provvisorio in esilio dal 1919 al 1926, ma anche fautore di campagne per raccogliere il consenso e i finanziamenti esteri per la causa coreana, dagli Stati Uniti, alla Francia, al Regno Unito, fino ad incassare anche la collaborazione del Kuomintang cinese. Al tempo stesso, fu anche la più rivoluzionaria e pericolosa della sua attività, fondatore dell’Organizzazione patriottica coreana, responsabile di assassinii illustri di politici e funzionari imperiali giapponesi e di diversi attentati dinamitardi, che lo resero inviso ad una parte della popolazione cinese – anche per le sue idee anti-comuniste, ma che, comunque, non lo fecero desistere dai suoi propositi indipendentisti. Nel 1935, fondò il Partito Rivoluzionario Nazionale Coreano, che confluì, poi, nel Partito Nazionale Coreano (한국국민당).

Furono tanti gli sforzi e i compromessi che Kim Gu cercò per riunificare il fronte per la liberazione e molteplici pure i fallimenti, ma non rinunciò mai alla causa a cui aveva votato la vita e che lo portò anche ad offrire supporto militare agli Stati Uniti durante la Seconda Guerra Mondiale, con il cosiddetto Eagle Project.

Il suo ritorno in patria coincise con il ritorno dell’indipendenza coreana per cui si era adoperato tanto ed iniziò una nuova fase della lotta e della strategia di Kim Gu, quella della mediazione che aveva tentato di mettere in campo già da un decennio per ricompattare il fronte per l’indipendenza, cercando di superare tutti i contrasti e le diversità politiche presenti in Corea, ma anche cercando di salvare la sua patria da una separazione, che temeva avrebbe potuto compromettere per sempre la pace del suo popolo.

Dopo una vita di lotte, anche molto gravose e pericolose, e dopo aver assistito di prima persona a tanta violenza, l’ultimo messaggio di Kim Gu fu per la vera chiave interpretativa per la costruzione di una nuova pace, che doveva consistere nella cultura.

“Ho sentito la sofferenza di essere stati invasi da un’altra nazione e non voglio che la mia nazione ne invada altre. Credo che sia sufficiente che le nostre vite sia in salute e prosperino nel benessere e che la nostra forza sia in grado di prevenire invasioni esterne. L’unica cosa che desidero in quantità infinita è il potere di una nobile cultura. Perché il potere della cultura ci rende felice e, al tempo stesso, dà la felicità agli altri. Le persone ragionevoli oggi sono infelici perché mancano l’umanità, la giustizia, la compassione e l’amore. Se questi valori potessero radicarsi nei nostri cuori, il benessere che l’umanità sta vivendo sarebbe sufficiente per rendere possibile che tutti i due miliardi di popolazione mondiale vivano bene. E solo il potere della cultura può illuminare le persone sull’importanza di questi valori. Non vorrei che la mia nazione imitasse le altre, ma piuttosto che vorrei che fosse una nazione che possa dare origine ad una nobile cultura. Desidero una vera pace nel mondo e desidero che sia realizzata attraverso il potere della cultura della mia nazione”.

Laura