Stray Kids agli I-Days di Milano

Ed eccoci qui come promesso a scrivere dell’evento più importante dell’anno: il concerto degli Stray Kids agli I-Days a Milano!!!

Mentre scrivo mi accorgo che è passata già più di una settimana ed io ancora non riesco a realizzare di averli visti!

Partiamo dal fatto che nella mattinata ha fatto il primo temporale e muniti di poncho (da qui, piccolo aneddoto divertente abbiamo iniziato a cantare “metti il poncho, metti il poncho, metti il poncho” con il ritmo di S-Class e lo abbiamo fatto per TUTTO il giorno quando ne abbiamo avuto bisogno); da qui è iniziato il viaggio mio e delle mie amiche verso la metro, piena e ripeto PIENA di Stay, giuro in quel momento avevo il cuore scoppiettante di orgoglio e felicità.

Una volta arrivati all’ippodromo ci siamo messe in fila, in base al tuo biglietto avevi un colore assegnato, il mio gruppo PIT ingresso Rosa.

Una volta smesso di piovere è arrivato il caldo con un’afa, ma un’afa che, ragazzi miei, ero con il fazzoletto ad asciugarmi il sudore (avevo anche il cappello bianco).

Ci siamo messe in fila vero le 12 per poter entrare all’interno verso le 16.10, la cosa più bella è che in tutto questo arco di tempo in fila si faceva amicizia con le altre Stay attorno ed è stato davvero bello.

Per tutta la fila il mio stato d’animo era agitato ed euforico, una volta superati i controlli si percorreva il tragitto a “salti nel fango”(penso che in questo tragitto ho perso il mini lighstick che mi ero creata ad uncinetto), si mostrava il biglietto (dove in alcuni momenti saliva la pena al cuore perché ho sentito degli addetti che dicevano biglietto falso, fate sempre attenzione da chi comprate i biglietti!), poi veniva messo il braccialetto inerente al proprio settore e VIA!

Devo dire che non mi aspettavo di essere abbastanza vicina al palco, il che ha reso tutto ancora più esaltante.

Il tutto è partito con i ballerini e il dj di KPOP ITALIA, esibizioni bellissime con tutte noi che urlavamo e cantavamo come delle euforiche, poi sono arrivati i BNKR44 e anche se non sapevamo tutte le loro canzoni non siamo state sedute e in silenzio, ma abbiamo cercato di far sentire loro il nostro sostegno e fortunatamente lo hanno sentito!!!

Ecco il turno delle Nmix che sono partite alla grande!!! Veramente brave hanno anche cantato la cover della cover dei Måneskin: lì apoteosi di coro cantati, ahaha, però, ahimè, il cielo si è oscurato ed è iniziato a piovere, ma ciò non ha minimamente fermato le ragazze, anzi hanno continuato a cantare e ballare mostrando che grandi professioniste sono.

E poi ecco l’ora di pausa dove c’è stato il FINIMONDO lampi, tuoni, e pioggia fortissima alternata a grandine, molti di noi eravamo muniti di poncho e di ombrello, non coprivamo la visuale a nessuno perché i ragazzi iniziavano il concerto alle 21.00 ed  erano solo le 20.00.

La cosa dolce erano i ragazzi che su bubble scrivevano pregando che smettesse di piovere, cantando le canzoni in sottofondo dei skz alternando il richiamo al “SOLE”. Tutte noi, oltre ad essere fradice, avevamo i piedi immersi completamente nel fango.

Una volta smesso di piovere per grazia nostra sono usciti gli addetti al palco che hanno iniziato ad asciugare e ad aggiungere la passerella (quando abbiamo realizzato ciò sono partiti gli urli perché eravamo veramente vicine!!).

Ed ecco la musica: è sceso il telo rosso con la scritta Stray Kids ed ECCOLI LÌ tutti e 8 bellissimi con sorrisi smaglianti occhi pieni di vita e carichi a palla!!! Non vi sto neanche a dire le urla che abbiamo fatto, perché averli lì davanti finalmente dopo tutto questo tempo è un’emozione che ripensandoci ancora adesso mi metto ad urlare. Le loro voci – MAMMA MIA! – dal vivo ancora più emozionanti, da far venire la pelle d’oca, hanno parlato pochino ma Han, che in “Charmer” ha urlato “MILANO I LOVE YOU”, ciaone proprio! A fine concerto ci sono stati anche i fuochi d’artificio e non se lo aspettavano avevano il viso sorpreso e felici come dei bambini, poi, visto che era uscito il teaser mentre lasciavano il palco, hanno iniziato a farci cantare “Chk Chk Boom” (sinceramente pensavamo tutti che partisse in anteprima e invece niente), ma Lee Know e Seungmin, mentre andavano dietro le quinte, hanno spoilerato un pochino il balletto, lo avevamo capito? NO o almeno io No.

Coooomunque ecco la lista delle canzoni con cui si sono esibiti!!

  • My pace
  • Gods menu
  • Maniac
  • Charmer
  • Social path
  • Lonely st.
  • Item
  • Thunderous
  • Topline
  • Superbowl
  • Freeze
  • S-class
  • Miroh
  • Domino
  • 락! Lalalala

In conclusione questo è stato il mio primo concerto K-Pop e il fatto di averlo vissuto con le mie amiche ha reso il tutto ancora più bello, emozionante ed unico.

Tutt’oggi, mentre li vedo in questo comeback, dico: “Caspita, io vi ho visto!”; e, niente, mi lego ancora più a loro.

Mi volevo scusare per i le mie urla, il mio canto che a volte erano con parole sconnesse e dei versi della mia anima che se ne va.

Grazie sempre alle fantastiche Admin che hanno atteso il mio report con pazienza, ma piano piano la mia anima doveva ritornare nel mio corpo.

Spero vivamente che gli Stray Kids tornino ancora ma al chiuso!

Un abbraccio a tutte voi e alla prossima!!!

Alessandra

Come suona il nostro articolo?

La società non litigante: tribunali e giudizi in Giappone

“La mente dell’uomo superiore ha familiarità con la giustizia; la mente dell’uomo mediocre ha familiarità con il guadagno“.

(Confucio)

Si sa che il pensatore e filosofo cinese Confucio ha sicuramente forgiato l’etica e la morale in Estremo Oriente, ma forse non tutti sanno che il pensiero confuciano è anche alla base del diritto, dell’amministrazione, della politica e della burocrazia. Così come a livello politico-istituzionale le istituzioni si sono modellate sulla base dei precetti derivanti dalla dottrina di Confucio e dei suoi successori, nello stesso modo hanno avuto una grande influenza anche nel sistema giudiziale vero e proprio, fino a forgiare l’ossatura di una “società non litigante”, ovvero di una società che preferiva evitare il conflitto, perché quest’ultimo segnava una frattura nell’armonia costante tra tutti gli elementi che concorrono a formare la società stessa. “Litigare”, ovvero confrontarsi in tribunale, poteva equivalere quasi ad una “perdita di faccia”, o, perlomeno, ad una perdita di nobiltà d’animo e di educazione che si era conquistata con tanta fatica e con tanti studi, una nota stonata e stridente, che avrebbe mutato la percezione di tutta la società nei confronti del singolo litigante e, quindi, la sua considerazione stessa all’interno della società. Per questo motivo, la morale confuciana, applicata a politica e diritto, ha preferito costruire mezzi e strumenti conciliativi e compromissori, in qualche modo differenti rispetto al classico schema occidentale del confronto tra le parti in giudizio.

L’incontro con la cultura occidentale e la modernizzazione delle istituzioni hanno sicuramente portato ad un mutamento, così come all’accoglienza di procedura civile e procedura penale simili a quelle del diritto anglo-continentale, anche perché la complessità di nuove posizioni giuridiche, di nuove tutele di diritti e, quindi, anche di nuovi ipotetici atti illeciti si sarebbe adattata poco alle forme conciliative di derivazione confuciana. Tuttavia, la base dell’armonia fondamentale tra tutti gli elementi della società rimase inalterata e si trasfuse nell’armonia tra tutti gli elementi dello Stato, ma anche tra tutti gli elementi del diritto.

Ed è con queste premesse che nel 1922 la Dieta giapponese adottò il Codice Civile (il primo era del 1890, segnato dalle riforme del pieno “Splendore Meiji”), che comportò, a sua volta, delle modifiche del Codice di Procedura Penale nel 1922 (introdotto nel 1890 sulla base del modello francese) e del Codice di Procedura Civile nel 1829 (introdotto nel 1891 sulla base del modello tedesco). Di fatto, il Codice nipponico fu modellato sul Codice Civile tedesco, incorporando una serie di elementi del diritto occidentale, ma fu particolarmente attento a preservare le unicità conciliative di una società e di una cultura, che, fino al XIX secolo, non aveva mai conosciuto un processo giudiziario con tanto di dibattimento innanzi al tribunale. Per questo motivo, all’interno del Codice, accanto alla classica procedura “litigiosa” innanzi ai tribunali, furono contemplate diverse forme di conciliazione e/o mediazione alternativa alla lite giudiziale, ma aventi il medesimo valore tra le parti.

I miei studi giuridici mi avevano già fatto imbattere nel sistema procedurale conciliativo giapponese, dandomi modo di approfondire e di occuparmi dell’argomento con diversi scritti. Ma, si sa, quando si studia qualcosa, si rimane sempre sui libri e quasi non ci si rende conto di come avvenga nella pratica. Quando ho guardato la serie giapponese “Ishiko e Haneo – Mi fai causa?“, improvvisamente i ricordi delle mediazioni giapponesi in tribunale mi sono riaffiorati come se fossero una madeleine proustiana. E, a quel punto, ogni episodio di quel legal così peculiare, attento e dettagliato nei casi affrontati, senza mai perdere di vista i personaggi, diventava un lento ripasso delle norme di quel Codice, che neppure la guerra è riuscita ad abrogare.

Haneo, diminutivo strambo di Yoshio Haneoka, l’avvocato protagonista del drama, odia finire in discussione in tribunale, consapevole dei suoi limiti oratori e del suo panico che lo blocca quando parla in pubblico, ma, forse, oserei dire, erede di una cultura antica, che, mischiando la morale confuciana con i precetti dello shintoismo, una società verticale e un influsso buddista, considera la lite giudiziale una ferita per l’unità armonica del tutto. Pertanto, Haneo cerca di risolvere ogni caso, ove possibile, fuori dal tribunale, ovvero per via conciliativa.

Ad oggi, la maggior parte dei giapponesi preferiscono ricorrere al cosiddetto chōtei (調停) in luogo del processo civile, ovvero una forma antica di media-conciliazione, che può essere usata come fase pre-processuale o direttamente per sostituire il processo e dove le parti tentano di addivenire ad un accordo tra loro grazie all’intervento di una terza parte, un conciliatore nominato dal giudice del foro competente sulla base di liste di cittadini “probi”, moralmente ineccepibili e con studi giuridici. Naturalmente, è compito degli avvocati di parte intervenire per aiutare il conciliatore e le parti ad arrivare ad un accordo. Questo sistema è usato particolarmente nell’ambito di questioni di diritto di famiglia (kaiji), che i giapponesi preferiscono devolvere direttamente alla conciliazione senza passare dal tribunale (il caso dei maltrattamenti familiari affrontato all’interno del drama ne è un esempio).

Ma non è l’unico strumento conciliativo, perché, per determinate materie, inerenti al lavoro, all’edilizia, all’ambiente, al commercio, esiste il chūsai (厨宰), una forma di arbitrato particolare, che vediamo in azione diverse volte all’interno del drama – già dal primo episodio, non tanto per la questione del furto di energia da parte dell’avventore di un bar che carica sempre il suo cellulare, ma per la questione dell’esclusione dal lavoro e della rilevazione di posizioni abusive da parte dei datori -, ma che diventa quasi una linea guida di tutto il drama, tanto da trovare il suo apice negli ultimi due episodi (senza spoiler, vale davvero la pena recuperarli sia per la sceneggiatura, che per gli amanti del diritto, perché vengono alternati due tipi diversi di mediazione per arrivare al processo finale con tanto di dibattimento).

Infine, esiste il wakai (若い), che combina gli elementi della conciliazione con quelli della lite e si svolge in una vera ricerca del compromesso tra le parti, in modo tale che nessuno risulti vittorioso e nessuno sconfitto (o, forse, entrambi sconfitti, secondo l’etica propria giapponese), ma che possa arrivare a trovare quel punto di sintesi comune tra gli interessi e le lagnanze delle parti, senza trascendere. L’episodio dedicato al pruno sacro e alla lite tra i due anziani confinanti, forse il più bello di tutta la serie, segue quelle movenze cadenzate di questo strumento conciliativo in modo esemplare. Tra l’altro, questo strumento risulta il più utilizzato nel distretto di Tokyo, tanto da avere avuto uno sviluppo tutto suo in una variante in cui è possibile anche presentare prove e testi (in modo simile ad un vero processo).

Il controllo, l’armonia, la virtù e la conoscenza di quando e come parlare e quando e come stare in silenzio. Perché la parola è sempre importante e può determinare le sorti di una persona, per cui va calibrata e spesa nel momento e nel modo giusto, senza necessità di perdere il proprio equilibrio arrivando ad una lite. Ecco cosa ha trasmesso Confucio ad una società, come quella giapponese, che continua a conservare la sua particolarità anche nel diritto processuale.

“Per una parola un uomo viene spesso giudicato saggio, e per una parola viene spesso giudicato stupido. Dunque, dobbiamo stare molto attenti a quello che diciamo”.

Laura

Ishiko e Haneo. Mi fai causa?

Sono da sempre affezionata ai legal drama e, quando l’anno scorso mi sono imbattuta in “Ishiko e Haneo”, ne sono rimasta incantata per il modo differente di affrontare i casi legali narrati in dieci splendidi episodi e, anzi, a dire il vero, sarei andata avanti a guardarne altri dieci, senza stancarmi.

Ishida Shoko, detta Ishiko, (Arimura Kasumi, “Call me Chihiro”, “Meet me After School”) si è laureata alla facoltà di Legge all’Università di Tokyo con i migliori voti, ma ha tentato invano per quattro volte l’esame di abilitazione, bloccata da un forte trauma vissuto anni prima. La ragazza ha deciso, quindi, di lavorare nello studio del padre come assistente legale, in attesa prima o poi di affrontare nuovamente l’esame.

Haneoka Toshio, detto Haneo (Nakamura Tomoya), ha, invece, superato l’esame di abilitazione come avvocato anche grazie alla sua eccezionale memoria fotografica che gli ha permesso di interiorizzare interi volumi di legge. Haneo si definisce, quindi, un avvocato “non convenzionale”, ha un modo particolare e personale di vestirsi, è una persona stramba anche nel proprio modo di interagire con gli altri.

Un giorno, Haneo conosce in tribunale il padre di Ishiko che decide di assumere il ragazzo nel proprio studio, soprattutto da quando è andato avanti con l’età e con dei piccoli problemi di salute.

I due giovani iniziano a collaborare, lavorando nel piccolo studio legale di quartiere del padre di Ishiko e accettando casi stravaganti o particolari.

In tutti e dieci gli episodi troverete come incipit, un breve sketch teatrale che introduce l’argomento di cui si andrà a trattare all’interno. Questo è uno dei punti di forza di “Ishiko e Haneo” che lo rende differente e unico rispetto anche ad altri legal drama.

Altra particolarità da annotare è l’uso dell’ironia, elegante, ma sagace che riesce a donare quel tocco in più che viene percepito e apprezzato dallo spettatore. Nel finale di ogni episodio, poi, viene spiegata quale legge è stata applicata per il caso trattato.

Ogni episodio è un caso a sé, tranne per gli ultimi due, in cui la storia ha un filo comune che lega anche un altro personaggio, ex compagno di scuola di Ishiko, Oba Ao (Akaso Eiji, “Zombie 100”) che entra tra i protagonisti già nel primissimo episodio, quello della diffida di un uomo che carica il proprio cellulare in un bar. Oba Ao, in seguito, resta a lavorare come impiegato nello studio dei due ragazzi e del padre di Ishiko.

Altri episodi che mi hanno colpita maggiormente, da rammentare come casi particolari, sono: quello del bambino con la madre single che lotta per crescere al meglio il proprio figlio, quello dell’appartamento infestato e la responsabilità dell’agenzia immobiliare, il caso di plagio di diritti d’autore e il conseguente danneggiamento e l’episodio dedicato alla violenza sui minori con relativa accusa ad una società che chiude troppo spesso gli occhi nei confronti di questi argomenti gravi.

Il mio episodio preferito, però, è quello dell’albero i cui rami hanno sfondato il confine tra due villette, si tratta di un pruno infestato da bruchi. L’episodio è ambientato non a Tokyo, ma in una cittadina al di fuori, abitata per lo più da pensionati. Il pruno, invece, in Giappone è un albero protetto che non va danneggiato per nulla al mondo. I due protagonisti della denuncia sono due anziani, che provano stima l’uno per l’altra, ma qualcosa ha tenuto fermo uno di loro arrivando persino al richiamo legale. Questo episodio è uno dei più commoventi perché, lungo la narrazione, scopriremo le storie delle due persone coinvolte, della motivazione per cui hanno agito così, della malattia e dell’età che avanza. Nonostante tutto, però, quando il caso viene risolto, il finale è poetico ed è uno dei più belli mai visti che mi ha commossa, non appena ho sentito i rintocchi delle prime note della musica di “Casablanca” suonata a piano:

“Ai giovani si dice spesso di avere dei sogni per il futuro, ma gli anziani sono il futuro dei giovani”.

Non mancano momenti di commozione dove emotività ed empatia crescono insieme ai due protagonisti che, dal primo episodio in avanti, sviluppano una stima reciproca, nonostante i caratteri diversi e i modi di interazione completamente differenti: stravagante lui, pacata lei, ma entrambi con delle distanze emotive da colmare nei confronti dei propri padri. Possiamo, quindi, ammettere che i due ragazzi, lavorando insieme, cercano di migliorare se stessi e di comunicarsi fiducia nell’affrontare ogni caso, ogni difficoltà: Ishiko e la sua paura di ricominciare a prepararsi per l’esame di abilitazione, Haneo e il suo timore di non riuscire a terminare la constatazione e di finire a processo in tribunale dove è costretto a parlare in pubblico, consapevole di dover ancora vincere le sue crisi di panico.

“Ishiko e Haneo” è una serie giapponese, una vera e propria scoperta, una chicca che diverte, ma fa anche pensare moltissimo.

Grazia

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Hospital Playlist (ovvero dell’amicizia, della saggezza, della musica e dell’amore)

“Accadono un sacco di cose in questo mondo, perciò non scoraggiarti. Se il problema si ripresenta, devi solo agire secondo il tuo punto di vista”.

Quante volte si sono materializzati davanti a noi problemi che sembravano insormontabili (e continueranno a materializzarsi per il resto della vita) e ci siamo scoraggiati, abbiamo annegato il nostro animo nella disperazione e nella tristezza e avremmo solo voluto che una voce amica vicina ci dicesse di non abbatterci, perché la soluzione era davanti ai nostri occhi, pronta a superare il problema, tanto che, anche se non fosse stato vero, saremmo riusciti ugualmente solo per via di quel conforto che la vera empatia di un amico sa dare.

Ebbene, all’interno di un enorme e all’apparenza anonimo ospedale di Seoul esiste un piccolo e coeso gruppo di amici, che da anni si è abituato a vivere e ad affrontare insieme gli affanni che la vita pone davanti, uno di quei gruppi di amici rari da trovare, che ha attraversato due decenni mantenendo il sorriso del primo incontro come matricole universitarie e che non ha bisogno di tanti giri di parole per esprimersi, perché tutti parlano lo stesso linguaggio dell’anima, che si trasfonde nelle note di una musica suonata in solitudine. Sono le note suonate dal gruppo di medici protagonisti del drama “Hospital Playlist” (슬기로운 의사생활, Seulgiro-un uisasaenghwal, che, letteralmente significa “La vita saggia del medico”, titolo che incarna perfettamente le vite del protagonisti), amici da una vita, compagni di studio all’università e colleghi nello stesso ospedale, componenti di un’anonima band senza pubblico che, anno dopo anno, si ripromette di suonare in live, senza mai farlo, ma che si esibisce autonomamente con una passione da fare invidia ai professionisti.

E, nonostante questo gruppo (o questa band underground) sia composto da persone così diverse fra loro e, di primo acchito, potrebbe risultare difficile, se non impossibile da far andare d’accordo, è quanto di più vicino possa ricordare una vera famiglia.

C’è Chae Song-hwa (interpretata da una bravissima ed empatica Jeon Mi-do di “Connect” e “39“), detta il “Fantasma”, perché la prima ad arrivare e l’ultima ad andare via dall’ospedale senza nemmeno lasciare traccia del suo cammino, unica donna del gruppo, professoressa associata di neurochirurgia, medico brillante e competente, dotata di umanità, empatia e grande attenzione (“Qualche volta, i gesti più piccoli possono avere l’impatto più grande“), docente più amata da studenti, tirocinanti e specializzandi, tanto da avere il corridoio invasato di tesisti che le chiedono consigli, mangiatrice veloce e compulsiva di qualsiasi cosa (“Ho tre fratelli più grandi” si giustifica mentre si ingozza, e Lee Ik-jun le fa notare che saranno morti di inedia per la sua voracità), bassista profondamente stonata (le viene concesso di cantare solo una volta l’anno, per il suo compleanno), ma appassionata di campeggio e trekking in solitaria e di canti in chiesa, amica leale e confidente perfetta, ma riservata e restia ad aprirsi con gli altri.

C’è Ahn Jeong-won, battezzato come Andrea (interpretato da Yoo Yeon-seok di “The Interest of Love“, “Mr. Sunshine” e “A Bloody Lucky Day“), detto “Buddha” per la sua calma, la sua pacatezza e quasi la sua aura di santità, nonostante sia cattolico convinto e praticante, anzi prete mancato, sempre in perenne crisi tra una conversione che sente di avere e che ha voluto tacitare per accontentare la madre Jung Ro-sa (interpretata da Kim Hae-suk di “Strong Girl Nam-soon” e “Start Up“) e la missione medica che lo richiama in continuazione, chirurgo generale specializzato in pediatria raro e prezioso (“Sei più coraggiosa di quanto tu non possa pensare”, ripete ad una piccola paziente per incoraggiarla), compagno di giochi perfetto per tutti i suoi piccoli pazienti (“Andrea, trova una brava ragazza, sposati e fai figli, invece di fare il prete“, lo esorta la collega Song-hwa), batterista rock spericolato, praticante di successo di tutti gli sport, ma germofobico, borbottante, sempre al verde e lento a mangiare.

C’è Kim Jun-wan (interpretato da Jung Kyung-ho di “Crash Course in Romance” e “Prison Playbook“), detto “Thanos”, perché è terribile come un cattivo Marvel e se ne compiace pure, vista la sua passione per i supereroi da fumetto, brillante cardiochirurgo in lizza per ricoprire il posto di primario, perennemente nervoso e scattoso come se avesse in corpo litri di caffeina, studioso insonne, divoratore di caramelle e di qualsiasi altro pasto a dispetto della sua eccessiva magrezza, terrore di studenti, tirocinanti e specializzandi, sarcastico, preciso, ordinato e metodico lavoratore che non si concede mai uno svago (“Queste sessioni di ramyeon a tarda notte sono l’unico mio spasso di tutta la settimana“, ammette con i colleghi durante un turno di notte), chitarrista graffiante e grunge, che nasconde sotto la sua corazza un animo romantico pronto a dare amore (“Posso anche non essere perfetto, ma ci sarò sempre per te“).

C’è Yang Seok-hyung (interpretato da Kim Dae-myung di “The Sound of Your Heart” e “Misaeng – Incomplete Life“), detto “Orso” per la sua introversione acuta e “Bradipo” per la sua lentezza, tattica ben studiata per evitare contatti umani (come quando cambia rampa di scale, va al bar agli orari disertati e finge di essere impegnato in conversazioni telefoniche), chirurgo ginecologo specializzatosi in America con alle spalle un breve matrimonio imposto e una famiglia ricca, ma disfunzionale (comprensiva di madre a carico), profondamente umano ed empatico con tutte le sue pazienti, quasi in connessione con le nuove vite, melanconico, nostalgico, legato ai ricordi e al passato, fruitore della colonna sonora mattutina per i suoi amici (“Questa volta vi ho mandato Chopin in chat; l’avete sentita?“), schivo, riservato, a tratti distante, perseguitato dagli estroversi, pianista gentile ed emotivo, vera mente dietro la fondazione della band, attento e premuroso con le persone care.

Infine, c’è Lee Ik-jun (interpretato da un istrionico e sopra le righe Jo Jung-suk di “Il re e la spia” e “The King 2 Hearts“), che ama definirsi “Mr. Cool”, ma che tutti chiamano “Doctor Romantic”, per quanto si affanna a formare coppie e a trovare concordie tra i suoi colleghi, brillante chirurgo generale specializzato in trapianti di fegato, padre single amorevole e quasi schiavizzato dal suo unico figlio (la scena in cui fa la sua prima apparizione accanto al figlio con elmo di Darth Vader e spada laser rossa è iconica), fratello maggiore della caparbia e scatenata maggiore dell’esercito Lee Ik-sun (interpretata da Kwak Sun-young di “Inspector Koo” e “Behind Every Star“), estroverso, cordiale, iperattivo, ipercinetico, amico di tutto il personale dell’ospedale, di cui conosce ogni singolo dettaglio, scanzonato, scherzoso, eppure timido nei confronti del suo vero amore, accogliente e saggio con gli specializzandi (“Non smettete mai di imparare. La medicina è in costante evoluzione“), profondamente umano con i propri pazienti (“Ridere è la migliore medicina. Non avere timore di cercare un po’ di umorismo anche nelle difficoltà“), front-man, chitarra e voce solista calda e radiofonica della band, vera anima del gruppo.

Poi, c’è tutta un’umanità più ampia e composita che popola la medesima struttura ospedaliera, le cui vite si incrociano con quelle dei protagonisti. C’è il direttore dell’ospedale Joo Jong-soo (interpretato da Kim Kap-soo di “Sweet Home“, “Designated Survivor” e “Chief of Staff“), che ha curato la moglie inferma per anni e che, dopo la sua morte, va in depressione, ma riesce a trovare un’ancora di salvezza nell’amicizia profonda con Jung Ro-sa. C’è la famiglia degli specializzandi, destinati a rimanere da subito nel cuore: la studiosa e diligente Jang Gyeo-wool (interpretata da Shin Hyun-bin di “Tell Me that You Love Me” e “Madame Antoine“), unica specializzanda di chirurgia generale, la materia più complessa, “corteggiata” da tutti i medici che le vogliono scaricare i propri lavori, sognatrice ad occhi aperti segretamente innamorata di Ahn Jeong-won; l’ansiosa ed esplosiva Choo Min-ha (interpretata da Ahn Eun-jin di “The Good Bad Mother“, “My Dearest” e “Strangers from Hell“), specializzanda di ginecologia, con un carattere troppo esuberante per riuscire a comprendere la calma ritrosia del suo mentore Yang Seok-hyung (da cui i continui scontri); l’ironico e stralunato Do Jae-hak (interpretato da Jung Moon-sung di “Il divorzista“), specializzando di cardiochirurgia e anche decano tra gli specializzandi (vista la sua anzianità anche nell’aver tentato l’esame di ammissione diverse volte), gioia e dolore del suo capo Kim Jun-wan, che, alla fine, gli è profondamente affezionato, e anche collega leale che tutti vorremmo incontrare (attenzione alla sua storyline nel finale, perché regala emozioni uniche); Yang Seok-min (interpretato da Moon Tae-yoo di “Previsioni d’amore” e “Queen of Tears“), capo specializzando di neurochirurgia, scherzoso e irriverente, coadiuvato e supportato dagli altri specializzandi del reparto, Ha Seon-bin (interpretata da Ha Yoon-kyung di “Avvocata Woo“), calorosa, diligente e compassionevole, e Ahn Chi-hong (interpretato da Kim Jun-han di “Hunt” e “One Spring Night“), che si rivelerà un personaggio inaspettato, riflessivo e complesso nei suoi chiaroscuri. Per non dimenticare, naturalmente, Bong Gwang-heyon (interpretato da Choi Young-joon, cattivo di “Gyeongseong Creature“, ma visto anche in “Vincenzo” e “Our Blues“), quasi il narratore nascosto della storia, chirurgo a capo del Pronto Soccorso, i cui consigli agli specializzandi nel cosiddetto “salotto di Bong” sui diversi medici dell’ospedale fungono da espediente narrativo per farci conoscere i personaggi principali stessi, ripercorrendo le loro caratteristiche e diversi loro episodi del passato.

“Hospital Playlist” è stato uno dei medical drama di più grande successo in Corea del Sud (e non solo), dove è andato in onda per due stagioni (e un totale di 24 episodi) dal 2020 al 2021, pensato come secondo capitolo di un progetto seriale denominato “Wise Life” e comprendente anche l’altro drama slice-of-life “Prison Playbook“, che pone al centro precetti di vita “giusta” da considerare quasi alla maniera confuciana con la moderazione dell’equilibrio armonioso tra le diverse energie che influiscono sulla vita, quell’incontro tra dolore, affanno, passioni e grandi manifestazioni di gioia che viene inciso nella sobria armonia di ogni giorno, come quelle melodie suonate di sera dalla rock band improvvisata dei medici e che uniscono diverse realtà personali in un’unica voce di accompagnamento, ritagliando piccoli frammenti di felicità da esistenze ordinarie per costruire un giusto spazio alle loro anime.

Bisogna ricordare, inoltre, che si tratta di un drama corale, che incastra le voci degli attori principali a tante singole melodie “suonate” da piccoli personaggi che entrano in scena e sono capaci di riempire la visuale (spesso interpretati da guest star incredibili come Yeom Hye-ran di “The Glory” e “When the Camellia Blooms” o come Jang Hye-jin di “Parasite” e “Doctor Slump“, solo per citare due nomi), così ben orchestrato da non risultare mai banale e mai sottotono nel percorso di crescita che va a seguire, dove le vite ordinarie dei medici protagonisti si vanno ad intrecciare con i singoli casi incontrati durante lo svolgimento delle loro professioni mediche, che, a differenza di tante serie americane e internazionali di questo genere, non sono mai affrontate con la spettacolarizzazione e la tragica drammaticità da pronto soccorso in perenne emergenza, ma che partono dall’umanità e dell’empatia, ponendo al centro la singola persona, la sua importanza e il suo valore, che una società in continuo sviluppo e corsa tenderebbe a negare.

Ed è con quell’armonioso e sobrio ottimismo che accompagna le tracce musicali di questa storia umana e che non appare mai chiassoso, né evanescente, che vorrei portare per sempre con me il ricordo di questa serie e dei suoi personaggi, che, mentre vagano con lo sguardo tra le nuvole dello stesso cielo, hanno saputo costruire un angolo di comfort loro nella vita di tutti i giorni, perché:

“La vita è come un viaggio, ricco di gioia, dolore e di tutto quello che c’è nel mezzo. Ma con l’amicizia, l’amore e un po’ di umorismo, possiamo affrontare ogni cosa”.

Laura

Come suona la recensione?

Vintage Wave: Back to ’90s – Seo Ji-Won / Seo Taiji and Boys

= SEO JI-WON =

Prendiamo la macchina del tempo e torniamo al 1994, precisamente al primo di ottobre, quando un giovane ragazzo sudcoreano di nome Seo Ji-won, nato nel 1976, debutta con il brano “Another Start” incluso nell’album “Seo Ji Won” ed è subito un grande successo tra gli adolescenti e i giovani degli anni Novanta. La sua voce carezzevole, che rende quella dolcezza e profondità alle canzoni, lo rendono presto famoso e spesso ospite di diversi programmi televisivi e radiofonici.

Seo Ji-won, il maggiore di due figli, già da piccolissimo vive in Germania per un anno e mezzo con il padre che successivamente emigra negli Stati Uniti. Fin da bambino si avvicina alla musica, studia violoncello per dieci anni ed è impegnato in diversi cori di voci bianche sia negli anni in cui vive negli Stati Uniti che in quelli in Corea.

Dal 1990 inizia a lavorare come modello, in attesa di cominciare una vera e propria carriera musicale. Nel 1993, infatti, supera le audizioni tenute negli Stati Uniti da una casa discografica coreana e dopo il diploma torna in patria da solo.

Il primo album di Seo Ji-won vende moltissimo e attira l’attenzione di tutto il panorama musicale, tutti i brani dell’album sono molto belli, una delle mie tracce preferite è “Travel in a dream”, ma anche “Sad Song of a Rainy Day” da recuperare un pomeriggio malinconico d’autunno, nella propria solitudine, per entrare in sintonia con il mondo emotivo di questo giovane artista.

Un’anima sensibile destinata a lasciare troppo presto questo mondo terreno. Il suo secondo album, infatti, avrebbe dovuto vedere la luce nel tardo autunno del 1995, invece, a causa di alcuni problemi di salute del cantante, viene ritardata l’uscita, fissata per metà gennaio del 1996. La notte tra il 31 dicembre 1995 e l’1 gennaio 1996, purtroppo, Seo Ji-won si toglie la vita nel suo appartamento a Seoul dove abitava da solo. Sembra che nel suo ultimo messaggio si accennasse alle pressioni e alle aspettative dell’agenzia e il timore che il secondo album non potesse essere all’altezza del primo.

Per noi, però, il suo secondo album, “Tears”, uscito postumo,  è un capolavoro e l’ultimo messaggio è nelle parole della canzone “Gather My Tears”, amatissima da tutti e che nell’ultimo anno è stata ancora più riscoperta grazie al drama “A Time Called You”. In “A Time Called You”, la canzone di Seo Ji-won viene ascoltata più volte dai protagonisti e ha un’importanza molto rilevante per l’andamento della storia. Una canzone struggente che parla di un amore nostalgico, finito, ma l’autore scrive una lettera al cielo, raccogliendo tutte le sue lacrime, per riporre la speranza di rincontrare la persona che se ne è andata.

Anche nel drama “Reply 1994” potete ritrovare “Gather My Tears”, dove una giovane e malinconica Go Ara ascolta la canzone mentre piange nella sua cameretta (per recuperare il pezzo qui).

“Quando la luce delle stelle si spegne,

scrivo una lettera al Cielo”

“Quando la mia lettera in lacrime raggiungerà il Cielo,

un giorno tornerai da me”

“Gather My Tears” è ancora oggi una delle canzoni più belle mai scritte e spesso reinterpretate da molti altri cantanti con riadattamenti e vocalità diverse. A mio parere una delle interpretazioni migliori è quella di Jo Jung-suk cantata nella serie “Hospital Playlist” (da recuperare qui).

Alla fine del 1996 alcune delle canzoni non pubblicate, insieme ad un messaggio vocale di Seo Ji-won vengono incluse nel disco “Made in Heaven” e nel 1998 esce, a grande richiesta del pubblico e dei fan, l’album di raccolta “Seo Ji-won Best”, in occasione del millesimo giorno dalla sua dipartita.

Seo Ji-won è ancora oggi una delle voci più emozionanti della musica coreana e uno degli artisti più rappresentativi degli anni Novanta.

Da leggere, ascoltando:

=SEO TAIJI AND BOYS =

Riprendiamo la nostra macchina del tempo e viaggiamo adesso in direzione 1992, quando il giovane Seo Taiji fonda il gruppo “Seo Taiji and Boys” con Yang Hyun-suk e Lee Juno. Seo Taiji, che aveva fatto parte in precedenza della band heavy metal “Sinawe”, proietta il suo modo “sperimentativo” di far musica utilizzando per la prima volta diversi suoni MIDI per creare un nuovo tipo di musica mai ascoltata fino ad allora e apre la strada all’uso del rap all’interno della musica pop con testi di critica sociale che più volte furono esaminati dai comitati etici e di censura dell’epoca.

Il trio debuttò l’11 aprile 1992 in un talent show con la canzone “I know” (“Nan Arayo” 난 알아요) ottenendo il punteggio più basso. Fino ad allora nessuno avrebbe potuto immaginare che invece quella canzone potesse essere l’inizio di un cambiamento importante nell’ambito musicale. Il singolo e l’album di debutto omonimo, infatti, vendettero 1,5 milioni di copie al primo mese di uscita. I giovani erano entusiasti, la scoperta di una musica diversa che intrecciasse pop, rap, rock e techno rappresentava una sfida, un cambiamento e, si sa, la musica spesso legge le emozioni di un’epoca.  Seo Taiji and Boys vincono il disco d’oro nel 1992 proprio per “I Know”.

Nel secondo album “Hayeoga”, la band inserisce elementi heavy metal e pop e inizia a distinguersi anche per i look: dreadlock, orecchini, jeans strappati, modi e stili diversi che spesso portarono a critiche, censure e anche ad essere estromessi da programmi televisivi. Del secondo album una delle tracce più rappresentative è “Hayeoga/Anyhow Song” (하여가).

Il loro terzo album “Classroom Idea” è forse uno dei più apprezzati, raccoglie meno tracce melodiche, una delle eccezioni è “Dreaming of Bal-Hae” (발해를 꿈꾸며), una canzone di speranza sull’unione delle due Coree. Dello stesso album anche la canzone controversa “Classroom Idea”, una vera e propria critica sociale al sistema educativo nazionale e alla pressione esercitata sui giovani per aver successo scolastico e lavorativo. La canzone venne criticata, censurata e fece fatica ad essere trasmessa nelle trasmissioni televisive e radiofoniche, ma aumentò la fama della band che iniziò a farsi conoscere anche a livello internazionale.  

“Regret of the Times” del 1995 è l’ultimo album della band, i brani raccolti sono tra i più controversi, come nel caso di “Come Back Home”. L’album fu criticato e censurato dal Comitato Etico di performance pubblica, venne chiesto di riscrivere nuovamente o modificare parte dei testi che sembravano di critica nei confronti del governo e della società, come nel caso di “Sidae Yugam”, ma Seo si rifiutò e i fan appoggiarono la band.

Nel gennaio del 1996 la band si sciolse definitivamente anche gravata dallo stress vissuto negli anni precedenti, a febbraio uscì la raccolta “Goodbye Best Album” mentre a giugno, dopo l’abolizione del sistema pre-censura anche dovuto alla pressione dei fan, la canzone “Sidae Yugam” venne pubblicata come singolo in formato integrale senza censure del testo.

Due anni dopo Seo Taiji intraprese la carriera solista e oggi viene considerato “Presidente della Cultura” dai sudcoreani mentre gli altri due componenti della band hanno fondato ciascuno un’etichetta discografica. Yang Hyun-suk ha fondato YG Entertainment che è diventata una delle più importanti del Paese.

L’impatto culturale dei “Seo Taiji and Boys” si estese non solo nel campo della musica, con sperimentazioni e nuovi strumenti, ma anche in quello socioculturale, con nuovi canoni estetici, ideali e voglia di indipendenza, riuscendo a dare voce alle nuove generazioni e aprendo la strada a quella che verrà chiamata “Korean Wave”.

Per qualche minuto vi lascio al 2016 con questa performance dei BTS e la loro versione di “Class Idea”.

Da leggere, ascoltando:

(cliccate sui link per recuperare i collegamenti con canzoni e recensioni)

Grazia

YOLO – You Only Live Once

“Life is short, break the rules. Forgive quickly, kiss slowly. Love truly. Laugh uncontrollably and never regret anything that makes you smile”. (Mark Twain)

Che la vita è breve, lo hanno rimarcato più volte filosofi, poeti e artisti, tutti accumunali da quella logica effimera, eppure così intensa, dell’esistenza umana. Non sempre, però, si sono affannati per raccomandare ai propri lettori e/o ascoltatori di rendere ogni momento unico e indescrivibile, tale che possa contare davvero, perché si vive una volta sola.

Potrebbe sembrare uno di quegli slogan belli e pronti con l’intelligenza artificiale per creare post motivazionali sui social e, invece, esiste davvero un trend particolare partito dall’Estremo Oriente (con una certa forza preponderante in Corea del Sud) che reclama a sé questa “filosofia” di vita. Si tratta dello YOLO trend (acronimo dall’inglese “You Only Live Once”, che per anni in rete è stato utilizzato come meme o come battuta, in coreano reso così: 욜로). Lo YOLO riparte e si intreccia alla tendenza Honjok (di cui abbiamo parlato qui) per ricostruire un atteggiamento comune di molti giovani, della Generazione Millennial e della Generazione Z, un senso che invita ad approcciarsi meglio alla vita, godendo di ogni singolo momento e cercando di evitare l’ansia per il futuro.

Il termine ha iniziato a diffondersi in Corea quando il programma televisivo “Hyori’s Home Stay”, andato in onda nel giugno del 2017, ha reso protagonista una coppia che cercava di vivere tutti i piccoli comfort possibili nel panorama di Jeju. Per la verità nulla di particolare, se non che la coppia in questione amava mostrare quella molle e riflessiva stasi appagante che solo il riposo in uno scenario meraviglioso può dare, dove ogni singolo momento è importante, ma soprattutto dove trovare un vero e proprio stacco mentale e fisico con la routine di ogni giorno, lavoro stressante incluso.

Dopo il COVID e la crisi dell’economia, con scompensi economici particolarmente forti sulle situazioni poco stabili dei giovani, e la risistemazione dei lavori, in alcuni casi con un ammontare orario superiore alla situazione precedente e spesso con un aumento dello stress, si è iniziato a parlare con più facilità della sindrome da burnout e delle forme di depressione unite a questa. I giovani, che durante la pandemia si erano abituati a ritmi differenti, al lavoro da remoto e a godere anche la propria intimità domestica e il silenzio, hanno rilanciato il trend dello YOLO (spesso associato anche all’Honjok), attraverso la creazione quasi di un decalogo di regole per vivere meglio.

Lo YOLO, per essere efficace e dare l’opportunità di stare in pace con se stessi, deve basarsi su un giusto bilanciamento tra lavoro e vita, dove la vita viene prima di tutto, mentre il lavoro deve essere solo strumentale ad essa, senza alcuna identificazione a rischio di perdere se stessi. Inoltre, l’economia dello YOLO è essenzialmente una 1conomy, ovvero un’economia fondata su un mononucleo (da qui la tendenza a rimanere single o, comunque, a non formare nuclei familiari). Poi, lo YOLO predica un certo nomadismo digitale: grazie alla diffusione di device elettronici e di connessioni wi-fi, è possibile rendere flessibile il lavoro con una quota considerevole di smartworking, che ha migliorato l’efficienza proprio perché dà la possibilità di inserire momenti YOLO nella vita dei lavoratori. Efficienza che, secondo gli studi, migliorerebbe con orari lavorativi più ridotti e che ha portato molti a ridiscutere sul proprio orario lavorativo.

Un’altra regola fondamentale di questa tendenza è acquisire abitudini sane di vita, come bilanciare il cibo, bere due litri di acqua al giorno, fare movimento ed esercizio fisico, riorganizzare e ridurre i propri spazi lavorativi, coltivare hobby ed interessi, preferibilmente da soli, perché è il metodo migliore per riscoprire se stessi. Per questo motivo, esistono blog, gruppi online, forum, ma anche podcast e, infine, pacchetti di corsi e di attività, che spiegano la via del benessere mentale, come il raggiungimento della felicità delle piccole cose da fare da soli.

La tendenza, però, è oggetto di forti critiche non solo perché è radicata su un individualismo estremo (che, con l’indice di natalità sudcoreano pari a zero, diventa quasi pericoloso), ma anche perché sulla base dello YOLO tutto viene pianificato per un breve termine e mai con una prospettiva troppo futura. Così, ad esempio, i giovani, privi di vere sicurezze lavorative ed economiche, tendono a fare delle assicurazioni per la salute brevi, che rischiano di farli rimanere scoperti in determinati periodi.

Di recente, si è diffuso un nuovo trend, quello del “Godsaeng” (dall’inglese “God”, Dio, e dal coreano “saeng”, vita), con l’intento di indicare (uno di stile di vita) “perfetto” da seguire, eliminado quelle incongruenze presenti nello YOLO. Chi segue la teoria Godsaeng, di fatto, parte da quest’ultimo, ma si sposta dal benessere esclusivamente individualistico e pone l’accento sul rendere la propria vita industriosa e attiva. Per questo motivo, i Godsaeng sono spesso fuori di casa per qualsiasi cosa (un pasto, una passeggiata per il parco, un giro per i negozi), anche e soprattutto da soli, senza progettare grandi eventi. A differenza del puro YOLO, che cerca di vivere il presente, il Godsaeng non si fa scoraggiare dall’immaginare una prospettiva futura, ma è molto più pragmatico nel suo approccio con l’ordinario di tutti i giorni.

Il fatto che il top per tutte queste tendenze analizzate finora in Corea, sarebbe il  FIRE (Financial Independence, Retire Early), un atteggiamento che invita a guadagnare molto per, poi, ritirarsi presto dal lavoro ed essere finanziariamente indipendenti e viaggiare per il mondo, fa capire chiaramente l’incidenza che queste nuove tendenze hanno avuto anche dal punto di vista terapeutico.

Forse, al di là di queste tendenze, che rischiano di venire schiacciate dalle mode del momento, bisognerebbe capirsi e anche perdonarsi: perché va bene ottenere tutti i risultati positivi e migliorare le proprie posizioni, ma va bene anche fallire e, per riprendere un adagio di un vecchio film, fallire alla grande.

Per favore, siate gentili con voi stessi.

Laura

Miniseries di riscoperta di se stessi e honjok: “Check Out the Event” e “The Happy Loner”

Ci sono serie piccole e molto curate, concepite come un unico film e quasi lette come un libro in una serata di solitudine. Vi vogliamo presentare qui di seguito due miniseries di pochi episodi, che, in effetti, ci hanno comunicato questa sensazione e che portano a riscoprire se stessi, anche (e proprio) in quella dimensione in solitaria tipica dell’honjok, come viaggiare da soli o comprare un biglietto per un cinema notturno. Ecco le nostre recensioni. Buona lettura!

= Check Out the Event (Miniserie di 4 episodi – 2021) =

“Check Out the Event” è una miniserie del 2021 costituita da quattro episodi di un’ora circa ciascuno.

Due fidanzati vincono un viaggio di coppia in una lotteria alla quale avevano partecipato prima di lasciarsi.

Per poter andare in viaggio sull’isola di Jeju fingono di stare ancora insieme, ma ricordi e malinconia prendono il sopravvento della situazione ed entrambi dovranno fare i conti con le proprie scelte per capire se stessi e comprendere davvero i propri sentimenti.

Ha Song -yi (Bang Min-ah, “Delivery Man”) è una ragazza sicura dei suoi sentimenti che cerca di mostrare apertamente. Son-yi lavora come coordinatrice di un giardino botanico e il suo amore per le piante la proietta verso un modo di vivere semplice, ha fatto proprie le parole di sua madre, secondo cui le persone sono capaci di tradire, ma le piante no.  Da quando, però, il fidanzato l’ha lasciata, Song-yi si sente tradita, nei suoi sentimenti, nelle sue speranze per un futuro felice.

Park Do-kyum (Kwon Hwa-woon, “Mouse”) è il cantante e leader di una band indie. Do-kyun sembra sempre altezzoso e schivo e da subito comunica insofferenza per il modo di fare della sua fidanzata, Song-yi che viene lasciata in un modo molto freddo e distaccato. In realtà Do-kyun agisce in questo modo secondo dei suoi piani, ma nessuno lo sa.

In questo viaggio vinto, i due ragazzi conosceranno altre coppie, una diversa dall’altra, ma l’interazione con loro li farà ripensare a momenti che hanno trascorso insieme.

A Jeju sarà presente anche uno scrittore di manuali da viaggio, Seo Ji-gang (An Woo-yeon, “Mad for Each Other”) che farà loro da Cicerone e che nei giorni trascorsi con le coppie vincitrici del  concorso, inizierà a provare dei sentimenti verso Song-yi, provocando la gelosia di  Do-kyum.

“Check Out the Event” è una riflessione sull’amore, su quali siano le basi importanti per tenere salda una relazione e sulla fragilità dei sentimenti. I tre protagonisti sono molto bravi a far percepire allo spettatore la loro mutevolezza d’animo.

Miniserie molto carina, ben recitata e paesaggi meravigliosi. Per chi è appassionato di piante e del significato dei fiori, come me, la apprezzerà ancora di più.

= The Happy Loner – Individualist Miss Ji-young -(miniserie di 2 episodi) =

Ji-young è un’individualista e ama esserlo. Ama stare da sola, in perfetta e silenziosa solitudine, sia nella vita lavorativa che nei momenti di vita privata. Si circonda di spazi di vuoto che fagocitano tutto il rumore della gente e fa deserto intorno a sé costantemente. Conduce una vitapriva di emozioni, imponendo a se stessa di essere anaffettiva per non creare legami con nessuno, perché ogni singolo legame relazionale può portare a riempire il cuore, ma può anche spezzarlo e l’unico obiettivo veramente felice per Ji-young è allontanare la sofferenza. Così, Ji-young non socializza con le colleghe, non ha amici, va al cinema da sola di notte a guardare horror per non incontrare nessuno, non si concede divertimenti in luoghi affollati, preferendo le mura domestiche, e, non appena un rapporto sembra diventare serio, lo allontana.

Un giorno, si trasferisce nell’appartamento di fianco al suo, Byuk-soo, che non sa concepire la sua vita senza legami e senza persone. Anzi, ricrea intorno a sé quel frastuono crescente della vita che scorre attraverso amici, incontri, socialità. Byuk-soo è così dipendente dalle opinioni altrui e così bisognoso di cercare approvazione e affetto da mettere in secondo piano se stesso e dedicarsi totalmente agli altri, salvo, poi, soffrire irrimediabilmente ogni volta che questi si allontanano da lui.

Ji-young e Byuk-soo sono agli antipodi: lei introversa, scorbutica, priva di sorriso, contraria alle emozioni; lui estroverso, solare, sorridente e romantico. I loro due mondi differenti si scontrano e collidono in quell’uscio comune di casa e quell’incontro improbabile diventa una linea di congiunzione e una salvezza. Entrambi, infatti, hanno avuto simili esperienze di abbandono durante l’infanzia e non si sentono accettati dalle proprie famiglie d’origine ed entrambi, in qualche modo, devono cercare di trovare un equilibrio nelle proprie vite.

Un piccolo drama che è una perla rara, mirata a ricostruzione in chiave psicologica le emozioni sopite, la riscoperta di se stessi, sia attraverso la solitudine dell’honjok che attraverso i rapporti con gli altri, dando importanza anche alla sofferenza, a quel pianto liberatorio, che spesso si vuole evitare.

Grazia (Check Out the Event) & Laura (The Happy Loner)

Demon Slayer – Hashira Training Arc

L’attesa è stata lunga, ma la quarta stagione di Demon Slayer, nonostante le lamentele per la brevità e per alcune scene filler (non presenti nel manga e considerate dai fan quasi un “riempitivo”), è riuscita a conquistare ugualmente il pubblico, con un ritmo sospeso, lento, a tratti macchinoso, una lunga attesa di preparazione prima dello scoppio, la guerra che si sta impostando contro il terribile Muzan, signore dei demoni e del Male, anticipata anche dal film Demon Slayer – Towards Hashira Training Arc (eccezionalmente proiettato al cinema per un evento di quasi una settimana). Uno dei grandi meriti di questa breve stagione, inoltre, è la narrazione dei fatti a partire dai Pilastri, dando la possibilità di conoscerli meglio nelle interazioni fra di loro, ma anche con i propri allievi e con Tanjiro stesso, ripercorrendo in flashback il loro passato e aprendoci l’orizzonte sulle loro aspirazioni future. Aleggia sempre un’aura di effimero (per cui la brevitas della stagione si adatta benissimo): tutti si stanno preparando alla guerra, ma non alla vittoria, alla sofferenza per ottenere il successo, ma non per salvare la vita. Questo è un tratto fondamentale che, nonostante il caratteristico mix di humour ed action tipico di questo anime/manga, si percepisce benissimo, lasciando quel fondo di nostalgia e di agrodolce, che, poi, è il tratto fondamentale che contraddistingue quest’opera. Più conosciamo i personaggi e siamo attirati dalle loro qualità, dal loro carattere e dalla loro umanità, più ci rendiamo conto di come potremmo perderli nella terribile guerra finale.

Come sempre, lascio di seguito una recensione episodio per episodio, facendo attenzione a non incorrere in spoiler determinanti sulla stagione stessa e rammentando ai lettori che le recensioni sono state scritte in corso di visione, stato emotivo a caldo compreso. Vi ricordo che, prima di continuare a leggere quest’articolo, potete recuperare gli articoli Demon Slayer (prima stagione), Demon Slayer – Mugen Train Arc, Demon Slayer – Entertainment District Arc e Demon Slayer – The Swordsmith Village Arc.

4×01: Per sconfiggere Kibutsuji Muzan (鬼舞辻󠄀無惨を倒すために – Kibutsuji Muzan o taosu tame ni

Abbiamo modo finalmente di conoscere tutti (ma proprio tutti) i Pilastri, richiamati da Kagaya Ubayashiki per trovare una strategia comune per sconfiggere il terribile Muzan e per preparare un addestramento immane alla guerra contro i demoni, coinvolgendo tutti i cacciatori e anche gli ex Pilastri (sì, Uzui, avremo il piacere di rivederti con il tuo harem di mogli guerriere).

Plus: abbiamo modo anche di conoscere la storia del passato di Muzan o, meglio, come è diventato signore dei demoni ed è una storia che affonda le sue radici nel Periodo Sengoku (1467-1615).

4×02: La sofferenza del Pilastro dell’Acqua Tomioka Giyu (水柱・冨岡義勇の痛み – Mizu hashira・Tomioka Giyū no itami)

Tomioka Giyu, Pilastro dell’Acqua, rifiuta di prendere parte agli allenamenti per motivi ignoti e solo Tanjiro Kamado (che, tra l’altro, non si è ancora preso del tutto dalle battaglie precedenti) con la sua persistenza e la sua tenacia può convincerlo a riprendere la spada in mano. Ma il passato di Tomioka Giyu è triste e sconfortante, dominato dal senso di colpa e dall’idea di sentirsi inadeguato verso il ruolo che ricopre immeritatamente.

4×03: Tanjiro di nuovo in forma! Si partecipa agli allenamenti! (炭治郎全快‼ 柱稽古大参加 – Tanjirō zenkai‼ Hashira geiko dai sanka)

Ammettiamolo: Tengen Uzui, Pilastro del Suono, ci mancava e ritrovare la sua presenza così sgargiante e chiassosa ci ha un po’ confortato, con tanto di smalto bicolore nell’unica mano rimasta e gemma preziosa nella benda sull’occhio perso in battaglia. Presenza un po’ meno confortante per i poveri malcapitati cacciatori di demoni, costretti a sottostare ai suoi allenamenti massacranti, che hanno il compito di testare la resistenza (soprattutto fisica). Ma Tanjiro ha ripreso le forze e si fionda immediatamente negli allenamenti di Uzui con tanto entusiasmo, successo allarmante per i suoi compagni di addestramento e pure un po’ di affetto, visto il legame che ormai unisce questi due, maestro e allievo, e la loro avventura contro la Sesta Luna Crescente demoniaca (composta dai fratelli Gyutaro e Daki).

4×04: Possiamo ritrovare il sorriso (笑顔になれる – Egao ni Nareru)

Dopo aver superato brillantemente gli allenamenti di Tengen Uzui, Tanjiro prosegue il suo cammino e la seconda fase di allenamento per testare la rapidità di movimento con la spada, gestita da Muichiro Tokito, il Pilastro della Nebbia, altra presenza nota, uno dei protagonisti dello scorso arco narrativo. Nonostante Tokito, che ormai ha recuperato appieno la memoria, sia felice di re-incontrare Tanjiro, la sua attitudine rimane sempre fredda e priva di empatia, così come i suoi insegnamenti tecnici, severi e senza sorriso. Ma Tanjiro sa come contagiare il suo maestro con il suo ottimismo. Da non perdere la scena degli aeroplanini di carta che volano, che un po’ mi ha ricordato il film “L’attimo fuggente” e che rappresenta quell’afflato di libertà e di coesione che solo Tanjiro sa dare ai propri compagni.

Transizione: di notte il Pilastro della Nebbia incontra il Pilastro del Vento e il Pilastro del Serpente per allenamenti speciali riservati solo ai Pilastri e che somigliano più a duelli mortali. Credo che i prossimi allenamenti di Tanjiro con il Pilastro del Vento e il Pilastro del Serpente saranno molto più duri del previsto.

4×05 – Finché non mangerai i demoni (鬼を喰ってまで – Oni o kutte made)

Lasciato il test sulla rapidità, a Tanjiro tocca affrontare ora gli allenamenti più duri, sia fisicamente che psicologicamente. Si parte con l’allenamento sulla flessibilità, gestito dall’adorabile Mitsuri Kanroji, il Pilastro dell’Amore, una dei salvatori del villaggio dei forgiatori di katana nell’arco narrativo precedente. Nonostante la dolcezza e la gioiosità di questa spadaccina dai capelli rosa, che è adorata da tutti, e nonostante le pause del tè con dolci di ogni tipo (tutti denominati in inglese perché Mitsuri studia la lingua e ci tiene a farlo sapere), il suo addestramento è bizzarro e massacrante: gli allievi sono costretti ad indossare tutù rosa e ad imparare i fondamentali della danza classica, spaccata compresa, con tanto di aiuto di Mitsuri che interviene per stendere le gambe (non dimentichiamo che la leggiadra fanciulla è dotata di una super forza).

Ma Mitsuri ha un cuore d’oro e, anche se il suo allenamento spezza le ossa, Tanjiro viene promosso gradevolmente e con tanti elogi, mettendosi immediatamente in cattiva luce nei confronti di Obanai Iguro, il Pilastro del Serpente, che deve testare l’arte della spada e che non gradisce molto questa grande confidenza tra Tanjiro e Mitsuri. Tra l’altro, Obanai è un soggetto strano e alquanto inquietante, visto che nasconde una parte del viso con una sciarpa e si avvolge intorno al collo il suo serpente domestico. Come se non bastasse i suoi allenamento sarebbero una violazione dei diritti umani in qualsiasi parte del pianeta, con gli allievi legati e imbavagliati a pali, mentre l’allievo da testare deve combattere contro di lui in mezzo agli “ostacoli umani”. Il suo passato rimane ancora piuttosto vago, per cui mi aspetto di scoprire di più su questo guerriero con l’eterocromia oculare (due occhi di colore diverso) più avanti.

L’episodio è denso di allenamenti e si conclude nel modo peggiore, perché Tanjiro passa, poi, al test sulla resilienza, gestito da Sanemi Shinazugawa, il Pilastro del Vento, che sono disumani fino al limite di qualsiasi sopportazione, visto che prevedono percosse e umiliazioni continue. Qui Tanjiro ritrova (finalmente!) uno dei suoi migliori amici, Zenti’su Agatsuma, il ragazzo “fulminato” con i capelli biondi, ma anche Genya Shinazugawa, che lo aveva aiutato nel villaggio dei forgiatori di katana, ma che ha la grande sventura di essere il fratello minore di Sanemi. Genya rivela di non essere in grado di compiere nessuna delle respirazioni, nonostante i continui allenamenti e la superiorità fisica nei confronti degli altri, e di essere stato ripudiato dal fratello proprio per questo motivo, per cui ha cercato di diventare forte cibandosi di demoni. Tanjiro, che raramente riesce a farsi gli affari propri, prende le parti di Genya in questa faida familiare (anche perché Sanemi è anche colui che, all’inizio dell’avventura, ha tentato di uccidere Nezuko e, soprattutto, non è che sia proprio il massimo della simpatia).

4×06: Il più forte tra i cacciatori (鬼殺隊最強 – Kisatsutai saikyō)

Con reprimende varie e un ordine restrittivo di tenersi lontani da Sanemi, Tanjiro e Zenit’su passano all’addestramento sulla concentrazione, gestito da Gyomei Himejima, il Pilastro della Roccia, considerato il più forte tra i cacciatori, un ragazzo non vedente alto e robusto, che riesce ad astrarsi da ghiaccio e fuoco e a rimanere indifferente al mondo intorno, ripetendo in continuazione il suo mantra. In teoria, l’allenamento sembra semplice e, soprattutto, non prevede trattamenti disumani: la prima prova consiste nel rimanere in concentrazione a pregare sotto la cascata gelata, la seconda prova implica il sollevamento di tronchi pesanti e la terza prova lo spostamento di un masso enorme. In realtà, si rivelano prove impossibili, perché non serve solo la forza fisica, ma anche e soprattutto la forza mentale. Tanjiro, che ritrova qui il ragazzo-cinghiale Inosuke Hashibira e, nuovamente, Genya Shinazugawa, ha bisogno di fare ricorso a tutti i suoi ricordi e ai suoi pensieri per ritrovare la forza necessaria.

Transizione: c’è un occhio che spia in continuazione i movimenti dei cacciatori di demoni per conto del malefico Muzan e appartiene alla Quarta Luna Crescente demoniaca.

4×07: Il Pilastro della Roccia, Himejima Gyomei (岩柱・悲鳴嶼行冥 – Iwa Bashira・Himejima Gyōmei)

Impariamo a conoscere Gyomei, che è uno dei personaggi più straordinari creati da Koyoharu Gotōge, l’autrice di Demon Slayer, spirituale ed empatico, ma anche depositario di un passato doloroso, condannato ingiustamente per fatti mai commessi, in colpa per essersi sentito debole nel difendere i più piccoli. Gyomei racconta la sua storia passata a Tanjiro ed è la prima volta che accade qualcosa di simile in modo così aperto e palese (qualcosa di simile è accaduto nell’episodio dedicato a Gyu Tomioka, all’inizio di quest’arco narrativo, che mostra, dunque, tutta la sua circolarità). Inoltre, Gyomei è il primo a rivelare a Tanjiro i suoi dubbi iniziali nei suoi confronti, ma anche come e perché essi sono cambiati e si sono trasformati in certezza su quello che Tanjiro farà nella sua vita, perché mette sempre davanti ad ogni cosa il bene degli altri e non quello di se stesso. Gyomei riesce a rimanere nel cuore, già solo con questi due episodi, controbilanciando la rudezza e l’antipatia di Sanemi.

Transizione: lunghissimo piano sequenza con musica, cambio di inquadratura sottosopra, quasi steadycam per seguire i passi di Muzan che si avvicinano inesorabilmente a Kagaya Ubayashiki, il capofamiglia dei cacciatori di demoni… Sale la tensione, scendono i brividi lungo le braccia. La lunga attesa si sta concretizzando in una deflagrazione lenta e pericolosa, come un proiettile con il silenziatore, destinato a colpire in modo selettivo e implacabile.

4×08: I Pilastri riuniti (柱・結集 – Hashira kesshū)

Un finale migliore non era possibile, perché c’è tutta quell’intensità e quell’esplosione che una stagione in apparenza di attesa e di preparazione lasciava intendere, uno scontro tra Bene e Male che deflagra come una bomba atomica nel silenzio della notte (con immagini esplicative, che sembrano derivare dal secondo conflitto mondiale in Giappone), una voce sussurrata, ferma e flemmatica, quella del capofamiglia Kagaya Ubayashiki, che incontra quella voce metallica e suadente, ma che sa dare i brividi di Muzan.

ATTENZIONE! QUEST’ULTIMA PARTE DELLA RECENSIONE CONTIENE SPOILER!

Muzan incontra il capofamiglia dei cacciatori di demoni, mentre si trova a letto, malato e impotente, reso cieco e infermo da una malattia che lo consuma da anni e con pochi giorni di vita di prospettiva davanti a sé. Eppure, nonostante il terrore che Muzan emana e la sua aura negativa che aleggia e ingloba di colpo tutta la residenza del capofamiglia, è proprio il signore dei demoni a trovarsi in difficoltà di fronte ad un nemico che non può usare altro se non la propria voce sicura, senza alcuna inclinazione di timore, circondata dalla moglie e dalle due figlie gemelle (queste due bambine, in un’immagine evocativa mentre giocano a palla sotto i fiocchi di neve e sotto la luna nel cielo notturno, sembrano già prefigurare il proprio destino e provenire da un’altra dimensione, leggere e impalpabili come dei fantasmi). Kagaya Ubayashiki rivela a Muzan la loro lontana parentela, motivo per cui tutti i discendenti maschi della sua famiglia sono stati colpiti da una malattia, che era una vera e propria maledizione divina, un modo per punire la decisione di uno di loro di votarsi al Male più assoluto. Per questo motivo, tutti i discendenti maschi muoiono presto, spesso già da bambini, ma, in ogni caso, prima dei trent’anni, e sono continuamente afflitti da dolori e piaghe che rendono loro impossibile una vita normale. La loro esistenza è migliorata relativamente quando hanno deciso di sposare solo sacerdotesse, che, con le loro inclinazioni spirituali, hanno allungato le prospettive di vita della famiglia. Nonostante tutto Kagaya sa che sta per morire e accetta il suo destino inevitabile anche nell’essere ucciso da Muzan, perché è consapevole che la sua morte non farà altro che compattare su un fronte comune tutti i cacciatori di demoni. Muzan sa pure che la morte di Kagaya può attirare su di sé le ire dei cacciatori, ma è consapevole del fatto che è l’unico modo per avvicinarsi a Nezuko, l’unico demone in grado di non essere abbattuto dalla luce del sole.

Mentre Muzan si prepara a colpire Kagaya, l’intera dimora del capofamiglia scoppia come una bomba: Kagaya, la moglie e le figlie hanno accettano di farsi morire nell’esplosione, attirando Muzan fino al proprio territorio e incastrandolo ad affrontare la battaglia contro i cacciatori. Infatti, mentre Muzan impiega le proprie energie a rigenerarsi a causa dell’esplosione, arriva Tamayo (che avevamo lasciato intenta a studiare una potente medicina per rendere umani – e, quindi, vulnerabili – i demoni, sulla base di un campione di sangue di Nezuko). Tamayo è un personaggio che abbiamo adorato dalla prima stagione, triste e malinconica per il suo destino di demone, sofferente e continuamente in colpa per aver sterminato in modo inconsapevole la propria famiglia, ma anche estremamente intelligente e determinata che un mondo nuovo e migliore sia possibile, la prima a riconoscere le potenzialità di questo nuovo mondo in quel rapporto fraterno unico che unisce Tanjiro e Nezuko.

Mentre Tamayo blocca con un’abilità vampiresca Muzan e gli inietta la medicina, i Pilastri irrompono nella dimora del capofamiglia, richiamati dall’esplosione che ne ha causato la morte e agguerriti per uccidere Muzan o, perlomeno, per combattere con lui fino al sorgere del sole, i cui raggi possono determinarne la morte. Tutti i Pilastri, ignari del piano del capofamiglia (con l’eccezione di Himejima Gyomei), sono finalmente riuniti in un fronte comune. Tra loro, anche Tanjiro Kamado, Zenitsu Agatsuma, Inosuke Hashibira e Genya Shinazugawa. Muzan risponde e li fa sprofondare nel suo dominio: è iniziata la guerra.

Post-scriptum: dopo i titoli di coda c’è una sorpresa e, per tutti i nostalgici di Rengoku, è la sua voce che ci guiderà nella lotta finale.

Laura

Come suona la recensione?

The Parades – Il suono delle onde e una spiaggia vuota

Le persone che hanno dei rimpianti nel mondo dei vivi si ritrovano qui.

Una donna si sveglia su una spiaggia, cammina da sola, attorno a lei solo un cumulo di macerie e di devastazione, a causa di un gravissimo terremoto e del conseguente tsunami. La donna è una giornalista di cronaca e si chiama Kawakami Minako (Masami Nagasawa, “Little Sister”, “Mother”, “Dragon Sakura”), cerca di attirare l’attenzione dei soccorsi, ma nessuno la ascolta, sembra invisibile, mentre lei, disperata, si sforza di capire dove possa essere finito suo figlio. Al passaggio di un furgoncino, Minako cerca di fermarlo e questa volta il guidatore la vede, accosta e scende dal mezzo rivolgendosi a lei. Minako prova a spiegare la situazione e chiede aiuto, ma il guidatore le dice di seguirla per potersi ristorare e calmare dalla paura e dal panico. Minako sale sul furgoncino e il guidatore che si chiama Akira (Kentaro Sakaguchi, “Only Just Married”, “The Last Ten Years”) la accompagna presso un’area abbandonata, un ex luna park, con una vecchia ruota panoramica, dei bungalow e un bancone del bar, illuminato, dove, attorno al tavolo vicino, sono sedute altre persone.

Minako, una volta scesa del mezzo, si avvicina alle persone sedute accanto al bar e, solo in quel momento, quando inizia a confrontarsi con loro e a far loro domande, capisce di essere morta, così come anche tutte quelle persone, compreso lo stesso Akira che l’ha condotta lì, avendo visto negli occhi di Minako la disperazione dovuta alla ricerca del figlio che non trova da nessuna parte e di cui non ha più notizia. Minako, quindi, è rimasta sospesa in un limbo tra vita e morte, in un Altrove così vicino alla vita da poterne sentire il calore del cuore e la voce dei vivi, ma così lontano da non riuscire a manifestarsi, a farsi vedere, a toccare gli oggetti, Minako e gli altri sono lì perché hanno qualcosa in sospeso, un dolore, un’incomprensione, qualcosa di incompiuto nella propria vita che non permette loro di fare il passo per varcare l’altro mondo.

Minako decide, quindi, di restare lì e di cogliere questa opportunità per avere il tempo di continuare con le ricerche per scoprire dove possa essere finito il figlio e se è ancora vivo; conosce così pian piano i suoi compagni di viaggio ultraterreno, Michael ( Lily Franky, “Un affare di famiglia”, “Father and Son”) regista cinematografico che è morto con il sogno di raccontare un’ultima storia, quella di un amore lontano ai tempi delle scioperi e delle dimostrazioni studentesche degli anni Sessanta, forse una storia autobiografica che non è riuscito a completare, Shori (Ryusei Yokohama, “The Village”, “Kimino mega toikaketeiru”), figlio di un boss della yakuza, ha perso la vita durante un conflitto a fuoco lasciando sola la moglie ed è questo il suo rimpianto che lo tiene lì da sette anni e ogni anniversario della sua morte va a trovare il padre che lo piange ogni anno più anziano, Kaori (Shinobu Terajima, “The Journalist”) una barista dispiaciuta per aver lasciato troppo presto la sua famiglia nel momento in cui i figli avevano più bisogno di lei e in cui la figlia stava affrontando la prima gravidanza, il signor Tanaka (Tetsushi Tanako, “Outrage Beyond”), un ex direttore di banca che legge sempre un quotidiano datato 1990 con le notizie della crisi economica  ed infine il timido Akira, giovane scrittore che ha trascorso la sua vita costretto a letto per una malattia, vive nel suo bungalow pieno di libri, mentre cerca di raccogliere le storie di tutti per testimoniare che esiste una vita dopo.

In un secondo momento terrà loro compagnia anche la giovanissima studentessa Nana (Nana Mori, “Makanai”) arrivata per ultima nel campo, confusa, ma piena di rabbia contro la società scolastica nella quale ha subito maltrattamenti e bullismo. 

Queste anime che hanno lasciato il mondo dei vivi, ma con molti rimpianti, vivono lì, si fanno compagnia, attendono di passare oltre, magari riuscendo a risolvere quel qualcosa che li tiene ancora in questa dimensione onirica, le loro conversazioni sono normali come quelle degli esseri umani, la sera si riuniscono attorno al bar dove Kaori prepara la cena e del buon sakè e l’atmosfera è accogliente e illuminata dalle tenui lucine del luna park e della ruota panoramica.

Una volta al mese, però, nella notte di novilunio, si riuniscono a cercare le persone che vogliono incontrare, vive e morte, e così si danno appuntamento con tutti gli altri spiriti per le strade della città in una vera e propria parata, è questa l’occasione migliore per la stessa Minako di cercare di venire in contatto, in qualche modo, con il figlio.

“The Parades” non è solo un bel film, è una carezza nell’anima, una storia che, pur parlando di un argomento importante come quello della morte, riesce a trasmettere speranza e desiderio di vivere, perché, in fondo, anche coloro che non hanno trovato in vita il senso della propria esistenza umana, un desiderio non colmato, la possibilità di vedere un’ultima volta una persona cara, attendono di poter trovare quella possibilità negata o non trovata durante l’esistenza.  

 Le atmosfere sospese, una fotografia meravigliosa e la giovane regia di Michihito Fujii, già autore di alcune opere importanti come, “The Last Ten Years”, “The Journalist”, “The Village”, “A Family”, “Hard Days”, rendono questo film una piccola perla, una storia intrisa di sentimenti e di emozioni, dallo stile quasi fiabesco, onirico, mai banale, né grave nell’affrontare la tematica del dolore e del lutto, bensì un crescendo di commozione, ma anche di speranza che cura i cuori feriti.

“The Parades” è anche un omaggio personale del regista al Cinema stesso, lo è proprio nella figura di Michael e nel suo sforzo ad andare avanti e completare il suo film, anche da spirito che, con l’aiuto di tutti gli altri, farà rivivere l’emozione che solo il cinema può donare, quasi un film nel film, dove non esistono tempi e dimensioni, ma emozioni e ricordi che diventano patrimonio universale.

“I programmi tv vanno e vengono, ma i film sono indimenticabili!” – esclama Michael mentre riguarda il canovaccio del suo film “Alla ricerca del tempo perduto”.

Molti i riferimenti e le immagini evocative, la spiaggia come luogo di transito che lega la terra e l’Oltre, il suono delle onde che accarezza i cuori tristi di chi vive un dolore o di chi deve abbandonare la vita terrestre, la ruota panoramica che si eleva in cielo come l’anima, il cibo caldo come conforto, i legami affettivi, quasi ogni personaggio riesce a tornare un momento a casa propria per stare qualche minuto con i propri affetti e infine, le pellicole e il vecchio cinema abbandonato dove tutti insieme recuperano i film di Michael.

Piccole particolarità da segnalare: la colonna sonora meravigliosa, che impreziosisce la storia, curata da Yōjirō Noda, leader del gruppo Radwimps; in una sequenza vicino ad ogni personaggio si vedono delle luci, come quelle che illuminano ogni mese la parata, nel linguaggio dei sogni, infatti, le luci significano il raggiungimento di consapevolezza ed equilibrio che è quello ricercato dall’essere umano in qualsiasi condizione, ultima nota da segnalare è la citazione non  a caso della teoria di Lisa Randall durante la lezione di scienze nella classe di Nana, quando la ragazza torna nella sua scuola per cercare di vendicarsi. Lisa Randall è una fisica statunitense, specializzata in fisica delle particelle e cosmologia.

“The Parades”, per me è un’opera preziosa, un atto di affetto e di consolazione e una riflessione sull’esistenza, sulla vita e la morte, un viaggio emotivo nell’aldilà per accettare la vita davanti a noi, cercando di accumulare meno rimpianti possibili, ma facendo tesoro di ogni emozione, dalla tristezza al dolore, dalla gioia alla fiducia.

“E’ strano, siamo morti, ma siamo qui. Noi esistiamo davvero in questo mondo”.  (Akira)

“Non volevo morire prima che mia figlia avesse un figlio. Così ho sfidato il destino ed eccomi qui. Questo mondo è piuttosto indulgente, no? Guardare i miei figli per tutto il tempo mi ha fatto capire che sono molto forti”. (Kaori)

“Vivi la tua vita al massimo!” (Shori rivolto a Nana)

“Voglio testimoniare che esiste un mondo così dopo la morte. Mi piace scrivere, ma non so come sarà il finale”. (Akira)

“Tieni una traccia dettagliata di questo mondo”. (Michael rivolto ad Akira)

 “Com’era questo mondo per te? Se potessi tornare indietro, cosa vorresti fare?” (Akira a Minako)

“Lo stare qui con voi è come il cinema, un lavoro di squadra”. (Michael rivolto a tutti)

“Nel mondo in cui mi trovo ora, tutti aiutano gli altri a trovare i propri cari. Come una parata”.  (Minako al figlio)

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Dedicato a tutti i nostri cari che non possiamo più vedere, ma che cerchiamo tutti i giorni nel nostro cuore.

Grazia

Come suona la recensione?

Storia di un giugno coreano e della democrazia

“I have lived, and continue to live, in the belief that God is always with me. I know this from experience”. (Kim Dae-jung)

La strada per la democrazia sudcoreana non è stata semplice ed è transitata da decenni di instabilità politico-istituzionale che ha alternato periodi brevi di democrazia a periodi intermittenti di regimi autoritari e di stati di emergenza gestiti dai militari, fino a culminare all’asprezza del regime di Chun Do-hwan che estese la legge marziale a tutto il territorio sudcoreano, causando un numero innumerevole di morti e di privazioni dei diritti umani (ne abbiamo già parlato a proposito del massacro di Gwangju nel maggio 1980).

Il 1987, però, segnò l’anno della svolta, raccogliendo il testimone di quei magnifici e ribelli anni ’80 sudcoreani e di tutti quei movimenti studenteschi e lavoratori che, per primi, sfidarono il regime. Il fermento dei giovani e l’aspirazione alla democrazia prese avvio da un fatto drammatico accaduto nel gennaio di quello stesso anno, quando Park Jong-chul, giovane attivista per i diritti umani e presidente del consiglio studentesco della Facoltà di Lingue presso la Seoul National University venne arrestato, picchiato e torturato nel tentativo di estorcergli una confessione che condannasse i suoi collaboratori. Park Jong-chul morì durante le torture estreme per asfissia (il regime era solito usare la tecnica, vietata secondo tutte le convenzioni internazionali, del waterboarding ovvero della simulazione di annegamento con acqua e un panno che ricopriva testa e vie aeree). Alla morte del giovane, i movimenti di opposizione si organizzarono con una serie di marce e di manifestazioni contro il governo, trovando base e appoggio presso il tempio buddista di Jogyesa a Seoul, dove fu preparata una cerimonia di commemorazione per la reincarnazione di Park Jong-chul. Con l’arrivo della primavera, tornò vivo anche il ricordo del massacro perpetrato a Gwangju, pur non conoscendo ancora il numero di vittime, grazie anche all’Associazione per la Giustizia dei preti cattolici, testimoni della violenza orribile del maggio 1980.

Con l’opinione pubblica sollevata contro il regime, fu organizzata una grande manifestazione di massa per il 10 giugno di quello stesso 1987, con l’intenzione di chiedere al presidente Chun Do-hwan le dimissioni e la convocazione di elezioni libere, oltre che la riforma della Costituzione in modo da garantire la democrazia. Alla vigilia della manifestazione, però, mentre gli studenti della Yonsei University avevano occupato i locali del campus universitario per organizzare la protesta, uno di loro, Lee Han-yeol, fu colpito da una granata in testa e rimase in coma (la morte avvenne un mese dopo, senza che il giovane riprese mai conoscenza). Quel 10 giugno, la manifestazione programmata iniziò in modo diverso da come i giovani si erano prospettati, con il lutto, il dolore e la rabbia nel cuore per la perdita ingiusta di tante vite umane: nonostante le dimissioni del presidente Chun Do-hwan (alla scadenza del suo mandato di sette anni) e la nomina ad interim di Roh Tae-woo, la ribellione esplose senza arrestarsi.

In tutto il paese, persone di ogni età scesero nelle piazze, i giovani si asserragliarono presso i campus universitari e presso la Cattedrale di Myeongdong, vista come il centro per tutti i ribelli, dove lo stesso cardinale Stephen Kim Su-hwan lanciò la lotta degli attivisti contro il regime, dichiarando che erano disponibili a scendere in piazza anche i religiosi per domandare la democrazia e il ripristino dei diritti umani, coadiuvato anche dalla presa di posizione dei monaci buddisti, a fianco ai movimenti per la democrazia.

Le manifestazioni e le lotte durarono dal 10 al 29 giugno: ogni giorno venivano arrestate migliaia di persone, ma ogni giorno ne scendevano in piazza il doppio e il triplo del giorno precedente (la manifestazione del 18 giugno contò un milione e mezzo di manifestanti) e, più il regime inaspriva le sanzioni e le violazioni nei confronti delle persone, più le morti e le torture minacciate davano nuova linfa agli oppositori. Il 29 giugno, il presidente in carica Roh Tae-woo si arrese di fronte alle continue proteste e con la Dichiarazione Speciale per la Grande Armonia Nazionale e la Trasformazione in una grande nazione del 29 giugno (6.29 선언) promise la revisione della Costituzione, garantendo elezioni libere e dirette del Presidente della Repubblica, il ripristino del pluralismo politico e dei diritti fondamentali, inclusi l’habeas corpus e la libertà di opinione e di manifestazione anche a mezzo stampa, e garantendo l’amnistia ai prigionieri politici, tra cui Kim Dae-jung, con le cui parole abbiamo aperto questo articolo, che, all’epoca dei fatti era agli arresti domiciliari dal 1985, ovvero dal rientro in patria dopo l’esilio.

I fatti sono narrati meravigliosamente nel film “1987: When the Day Comes“, diretto da Jang Joon-hwan e interpretato da Kim Yoon-seok (“Tazza“), Ha Jung-woo (“Narcosaints“), Yoo Hae-jin (“Exhuma“), Kim Tae-ri (“Mr. Sunshine” e “25 21“), Park Hee-soon (“My Name” e “Moving“) e Lee Hee-joon (“Mouse” e “A Killer Paradox“), che ricostruisce le vicende della morte durante le torture di Park Jong-chul (interpretato da un giovanissimo Yeo Jin-goo, poi protagonista di “Hotel Del Luna” e di tanti altri drama), come una vera e propria indagine di polizia. Il film, che nel 2017 fu campione di incassi e vinse innumerevoli premi (tra cui i Beaksang come migliore attore protagonista per Kim Yoon-seok e come migliore attore non protagonista per Park Hee-soon e il Daesang al film), vede anche la partecipazione amichevole dell’attore Woo Hyun, caratterista di eccezione in molti drama (tra cui “Sweet Home“), ma soprattutto ex attivista per la democrazia e vera memoria storica dei fatti qui narrati. Pertanto, vi lasciamo qui di seguito la colonna sonora del film, composta dal giovane musicista sudcoreano Kim Tae-seong, che, anni dopo, ha ripercorso lo stesso periodo storico e i fatti concitati di quel giugno 1987, componendo la colonna sonora del drama “Snowdrop“.

Laura