18X2 Beyond Youthful Days

“Perché hai deciso di viaggiare?”

“Volevo riconsiderare la mia vita”.

Titolo originale: Qing chun 18×2 tong wang you ni de lü cheng; 青春18×2 君へと続く道, Kimi e to Tsudzuku Michi

Regia: Michihito Fuji

Scritto da: Michihito Fuji, Hirokawa Hayashida

Cast: Greg Hsu, Kaya Kiyohara, Shunsuke Michieda, Joseph Chang, Haru Kuroki, Hitomi Kuroki, Buffy Chen, Yutaka Matsushige, Figaro Cheng, Jane Liao, Toyoharu Kitamura, Liu Chu-Ping

Genere: Drammatico, Coming of Age, Youth

Giappone, Taiwan (2024)

Esistono quei momenti in cui arriviamo ad una tappa della vita in cui vorremmo scendere dal treno di tutti i giorni e riconsiderare tutto ciò che stiamo facendo. Non sempre siamo pronti. I condizionamenti, i contesti diversi, il carattere, le necessità ci tengono ancorati a determinate quotidianità, ma alle volte capita che la vita ci presenti alcune situazioni più grandi di noi, irrimediabili, oppure solamente una pausa forzata che ci pone di fronte ad un distacco dalla nostra routine abituale.

Questo è che quello che avviene al protagonista di “18X2 Beyond Youthful Days”, film diretto dal regista Michihito Fuji che abbiamo apprezzato in “The Journalist”, “Faceless”, “The Last 10 Years”, “The Parades” e molti altri. Il film è una coproduzione tra Giappone e Taiwan e il regista, che ha iniziato a girare il film a trentasei anni, la stessa età del personaggio principale della storia, ha realizzato il suo desiderio di coinvolgere, tramite il cinema, culture e lingue diverse e di girare molte parti del film a Tainan (Taiwan), città natale di suo nonno taiwanese.

La sceneggiatura, sempre di Michihito Fuji, iniziata già nel 2019, è ispirata al diario di viaggio pubblicato in Internet nel 2014 dallo sviluppatore di videogiochi taiwanese Jimmy Lai: “Wandering Journey on S Slow Train in Japan” che racconta il suo viaggio in Giappone dopo aver lasciato il lavoro, un viaggio che lo ha portato sulla linea ferroviaria per ritrovare il paese di origine di una amica (e suo primo amore) conosciuta diciotto anni prima a Taiwan.

Il film si apre con una scena molto incisiva in cui il protagonista Jimmy (Greg Hsu, anche conosciuto come Hsu Kuang-han, “Someday or One Day”), sviluppatore di videogiochi, viene licenziato dalla sua stessa azienda durante la riunione del consiglio di amministrazione. Jimmy, all’inizio arrabbiato, poi devastato e amareggiato, torna nella sua città natale di Tainan, a casa dei suoi genitori.

“Sono passati 18 anni da quando ho lasciato questa città. Sono rimasto concentrato, cercando di realizzare il mio sogno. Ho dato tutto me stesso, ma ho perso tutto. Dove ho sbagliato? O forse, ho sbagliato fin dall’inizio? “.

Mentre entra nella sua camera, piena di ricordi, dove il tempo sembra essere rimasto uguale a quando era adolescente, Jimmy ritrova sulla scrivania una cartolina ricevuta diciotto anni prima da Ami (Kaya Kiyohara, “The Door into Summer”), una ragazza giapponese in viaggio per Taiwan e che era rimasta a lavorare per tutta l’estate presso il karaoke Kobe dove Jimmy lavorava part time qualche mese prima di iniziare l’università.

La cartolina fa riemergere nel protagonista i dolci ricordi di quella estate, di quel suo primo amore e della promessa dei due ragazzi di rivedersi dopo aver realizzato i propri sogni.

“Dimmi qual è il tuo sogno quando lo scoprirai!”, gli aveva detto Ami ed era partita alla fine di quella estate.

Alla telefonata del collega co-fondatore dello studio, che lo invita ad un ultimo viaggio di lavoro in Giappone, Jimmy accetta perché sente dentro di sé il richiamo a ritrovare se stesso, ad intraprendere un viaggio da solo senza una vera destinazione, l’unica certezza è il Giappone, nel paese da dove era venuta Ami, perché adesso la vera necessità è quella di riposare, tirare il fiato per capire cosa è veramente importante nella vita.

“Il riposo prepara alla lunga strada”.

Liberatosi in fretta dall’ultima riunione di lavoro, Jimmy inizia a girovagare seguendo la linea ferroviaria, scende dal treno e visita luoghi e posti senza una vera e precisa destinazione.

Scende alla fermata del liceo di Kamakura, l’iconico set del mitico manga “Slam Dunk”, che leggeva già da adolescente e che lo aveva avvicinato allo studio della lingua giapponese e così gli risuonano le parole di Ami: “Viaggiare è divertente perché non sai mai cosa potrebbe accadere”.

Nell’estate di diciotto anni prima, Ami aveva coagulato attorno a sé tutti i lavoratori del karaoke Kobe che si erano affezionati alla ragazza e ai suoi modi gentili, parlando in giapponese, ma imparando molte parole cinesi grazie a Jimmy, per poter comunicare con gli altri. Si era occupata del grande murales da rifare sulla facciata del karaoke. Ami era un’artista, aveva con sé sempre un blocco dove teneva i bozzetti dei disegni che raffiguravano persone e luoghi che incontrava nel suo viaggio. Era il suo modo di fotografare i ricordi e di tenerli sempre con sé e tutti ne erano affascinati.

Diciotto anni dopo, Jimmy, che si ritrova incastrato in una vita che non gli appartiene più, dove gli anni sono sfumati nel lavoro e nella velocità, decide di farsi ispirare ancora una volta da Ami per dare un valore al suo viaggio.

In una passeggiata notturna a Matsumoto, Jimmy incontra Liu (Joseph Chang, “Nowhere Man”), uno chef originario della sua stessa città, Tainan, e con lui condivide la nostalgia dei suoi ricordi, decidendo di recarsi nel paese natale di Ami.

Inizia così il viaggio in direzione Tadami, cittadina della prefettura di Fukushima e paese natale di Ami. Durante il viaggio, sulla linea ferroviaria Iiyama incontra diverse persone, ma tra tutti risalta Koji (Shunsuke Michieda, “News Anchor”, “Il mio secondo Aoharu”), un diciottenne che gli ricorda moltissimo se stesso a quella età. Koji è un giovane entusiasta del futuro, della vita, alla ricerca costante di luoghi e scorci “instagrammabili” dal treno e da subito vuole fare amicizia con Jimmy. E’ lui che gli consiglia di scendere e fare tappa a Nagaoka.

“Il treno uscì dal lungo tunnel ed entrò nel paese della neve”.

Ispirato dall’incipit del romanzo di Yasunari Kawabata, “Il paese delle nevi”, Koji presenta così la splendida città di Nagaoka e gli occhi di Jimmy si riempiono del nevoso candore del paesaggio attorno. Si fermano a Nagaoka e camminano nella neve.

Sembra di essere all’interno del meraviglioso film “Love Letter” (omaggio del regista Michihito Fuji al film del 1995). Jimmy ripensa all’estate di diciotto anni fa quando aveva invitato Ami alla proiezione di “Love Letter” in uno dei cinema in città e, dopo averla vista turbata e rattristata dalla visione della storia, aveva appreso qualche tempo più tardi che Ami sarebbe tornata in Giappone.

Tornato al presente e lasciatasi alle spalle Nagaoka, dopo aver salutato il suo compagno di viaggio Koji, Jimmy riprende il cammino e per riposarsi entra in un net cafè dove incontra una ragazza di nome Yukiko (Haru Kuroki, “The Last 10 Years”) che gioca con uno dei videogiochi ideati da lui. Quando Jimmy, incuriosito dopo aver visto il suo videogioco si presenta come l’ideatore, all’inizio Yukiko non gli crede, ma, dopo aver fatto una breve ricerca in Internet e aver trovato la sua biografia con foto, la ragazza è contenta di conoscerlo e si offre di accompagnarlo al festival delle lanterne volanti, uno dei luoghi preferiti di Ami.

Il pensiero ritorna a diciotto anni prima, quando a pochi giorni dalla partenza di Ami, Jimmy le aveva chiesto, come ultimo appuntamento, quello di recarsi ad un festival delle lanterne volanti dove i due ragazzi avevano affidato alle lanterne il messaggio per il loro futuro, quello di perseguire e realizzare i propri sogni e quindi, in seguito, di rincontrarsi di nuovo.

E’ solo qui, in questo suo viaggio interiore, mentre scorrono dal finestrino del treno i paesaggi meravigliosi di un Giappone innevato che Jimmy realizza di essersi sempre ispirato ad Ami, di aver continuato a lavorare per il suo sogno, solo per merito della ragazza.

“Ho trovato il mio sogno grazie a lei”.

Una volta arrivato a Tadami chiede indicazioni per la casa di Ami dove conoscerà sua madre Yuko (interpretata da Hitomi Kuroki).

Jimmy sa che questo viaggio ha fatto scoperchiare tutta la sua insicurezza e la sua fragilità, ma nello stesso tempo ha curato le sue ferite, i rimpianti che ha accumulato nella sua vita e per questo “18×2 – Beyond Youthful Days” è un gioiello intimista ed emozionante, un viaggio nell’inconscio del protagonista che rappresenta ognuno di noi.

I viaggi servono per migliorare se stessi, per riconsiderare la propria vita, per perdersi in ricordi lontani. Il viaggio è una rinascita, una riscoperta di se stessi, un continuo affrontare il dolore e cercare di superarlo, alla scoperta di quel filo che alle volte può sembrare trasparente, ma che non è altro che la Vita.

“Amici che non vediamo più. Panorami che non visiteremo di nuovo. Ma non dimenticherò mai il tempo passato insieme.

Le persone che incontriamo nei nostri viaggi lasciano qualcosa nei nostri cuori. Mi domando se sono stato in grado di lasciare qualcosa nel cuore di Ami”.

I due attori protagonisti della storia interpretati da Greg Hsu e Kaya Kiyohara sono bravissimi a far immergere lo spettatore nel loro mondo interiore. Personalmente credo che le loro allegre corse in scooter per Tainan, il ponte da dove osservano la vista sulla città, le confidenze tra amici, gli scambi di sguardi, le ore trascorse insieme al karaoke Kobe ad imparare la lingua l’uno dell’altra, rendono la loro storia così delicata e sospesa da creare una magia indimenticabile.

La fotografia, inoltre, è bellissima così come il colore della pellicola che sfuma e caratterizza i ricordi e il presente del protagonista e della sua anima.

Piccola nota sulla colonna sonora curata dal compositore giapponese Takashi Ohmama: all’interno vi sono alcuni brani della band giapponese Mr. Chicken e il brano “Peter and Mary” della band taiwanese Mayday.

“Ami, questa è la mia prima lettera per te. Sono passati 18 lunghi anni dal giorno in cui abbiamo fatto volare la lanterna insieme. Dopo che te ne sei andata, sono andato all’università di Taipei.

Taipei era piena di tutti i tipi di cose, era fresca e abbagliante ed ero un po’ sopraffatto, ma volevo essere come te: il tipo di persona che ispira gli altri. Così ho vissuto ogni giorno con fermezza, sono entrato nella programmazione di giochi in quel periodo e mi ci sono dedicato anima e corpo. Non mi sono laureato per questo. Mi aveva preso così tanto che non avevo tempo per crogiolarmi nel passato. (…)

La nostra compagnia cresceva e cresceva, ma gradualmente perdevo tutte le emozioni. L’ultima cosa che ricordo è che ero solo. E’ stato allora che la tua cartolina mi ha ispirato a viaggiare. Ricordo quando dicesti: «Mi chiedo come saremo quando diventeremo più grandi».

Ti ho conosciuta, mi sono innamorato, sto dicendo addio a quel momento della mia giovinezza. Quello, da solo, rende questo viaggio ricco di significato.

Come hai detto, non deve esserci uno scopo finale. Continuerò a viaggiare. Mi dispiace di averci impiegato tanto, Ami. Grazie”.

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Possa il mio viaggio non finire mai!

Possa il tuo viaggio continuare!

Grazia

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Pure Love – Unforgettable

“Il cuore che si spezzò quel giorno non ci appartiene più.

Non me ne resi conto, ma l’avevo perso”.

Titolo originale: 순정 ; Sunjeong

Regia: Lee Eun-hee

Scritto da: Lee Eun-hee; Han Chang-hoon

Cast: Doh Kyung-soo; Kim So-hyun; Yeon Joon-seok; Lee David, Park Yong-woo, Lee Beom-soo; Joo Da-young

Genere: drammatico, Coming of Age, Youth, Heartfelt

Corea del Sud, 2016

I close my eyes

Only for a moment and the moment’s gone

All my dreams

Pass before my eyes with curiosity

Dust in the wind All they are is dust in the wind

(Dust in the Wind – Kansas, 1977)

Le prime strofe della canzone dei Kansas, “Dust in the Wind” ci fanno immergere nell’atmosfera di questo film malinconico, a tratti struggente, un viaggio emotivo dove affondare i pensieri, i rimpianti e i sogni di gioventù e dove questa canzone, che spicca nella colonna sonora del film, rispecchia l’andamento della storia e apre le pagine di un diario.

Nel 2015, in una emittente radiofonica, un conduttore di una trasmissione, sensibile e nostalgico, interpretato da Park Yong-woo, riceve una lettera scritta molti anni prima da una ragazza e, subito, in uno “stream of consciousness”, la sua memoria viaggia nei ricordi, in un tempo lontano.

La scena si sposta all’estate del 1991 a Goheung, in un paese sulla costa. Beom Sil (Do Kyung-soo, anche conosciuto come D.O., membro degli Exo e interprete di “The Moon”, “Secret: Untold Melody” ), giovane timido e riservato, trascorre le giornate in compagnia dei suoi amici San Dol (Yeon Joon-seok, “Choco Bank”), Gae Deok (Lee David, “Squid Game 2 e 3”) e Jil Gia (Joo Da-young, “Today”), ma il cuore pulsante del loro gruppo è la giovane e bella Soo-ok (interpretata da una brava Kim So-hyun, “Love Alarm”, “Serendipity’s Embrace”), della quale è innamorato Beom Sil.

Soo-ok è una ragazza che ha una disabilità e che, nonostante le sue problematiche di salute, ha tanta voglia di riuscire ad andare avanti e ha il dono di infondere coraggio agli altri e di essere una costante ispirazione. La ragazza si chiede spesso come saranno le loro vite tra venti o trenta anni, ne è curiosa e, anche se sa in prima persona che la vita è dolorosa, cerca sempre di trovare fiducia e forza nella compagnia dei suoi amici.

“Unforgettable – Pure Love” è un film che è costituito da moltissimi flashback e, mentre la storia va avanti, ci ritroviamo in alcuni momenti topici a guardare il presente, 23 anni dopo, con gli occhi dei protagonisti quarantenni, nella loro gioventù sfiorita, nei sogni rimasti sepolti nella sabbia di quell’estate del 1991, così incisiva nelle loro vite.

Il viso malinconico di Beom Sil adulto, ora conduttore radiofonico, che viaggia in un dolore passato, mentre legge quella lettera recapitata, ci fa dedurre che la storia è un crescendo di emozioni e in quell’estate del 1991 è accaduto qualcosa che ha segnato il passato dei protagonisti.

Tra passeggiate lungo la spiaggia, battiti del cuore per il candore di un primo amore, canzoni cantate a squarciagola e attimi di complicità e di divertimento, la storia riesce a presentare anche momenti drammatici e toccanti, affrontando tematiche profonde come la disabilità, il suicidio, le crisi adolescenziali e l’età adulta con i rimpianti e i ricordi passati che non si sono mai riusciti a superare.

Le interpretazioni di tutti i protagonisti sono state meravigliose, ma Do Kyung-soo (che ha vinto per questo film il “Baeksang Arts Awards”), con il suo sorriso disarmante e timido nel ruolo di Beom Sil, trasmette tutta la nostalgia rappresentata in questa storia e Kim So-hyun, nel ruolo di Soo-ok, riesce a diffondere un messaggio potente e coraggioso, legando a sé il valore puro dell’amicizia, riscoperto ad ogni età. Entrambi riescono a donare un incanto e una limpidezza alla storia d’amore che resta in sospeso in una dimensione eterea e senza tempo.

“Unforgettable – Pure Love” è un viaggio di formazione che continua anche nel presente dei protagonisti e nel cuore dello spettatore che si sentirà trascinato nei ricordi del passato, straziato dalle prove della vita, ma confortato dal valore dell’amicizia.

Tenete pronti i fazzoletti perché la storia è davvero commovente.

Piccola nota da sottolineare, la scelta dei brani musicali che impreziosiscono il film, da “Dust in the Wind” dei Kansas, come ho accennato all’inizio, “Take on Me” degli A-ah, “Summer Story” di Shin Hae-chul e “Purple Fragrance” di Kang Soo-ji, cantata all’interno anche da Kim So-hyun.

“Unforgettable – Pure Love” è ispirato al racconto di Han Changhoon che a sua volta si è ispirato ad una storia vera.

Grazia

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Where Stars Land (ovvero delle coincidenze, delle piccole ragioni umane e del vagar tra le stelle)

“Non esistono le coincidenze nella vita. Tutto accade per una ragione”.

Titolo originale: 여우각시별, Yeo-ugaksibyeol (lett. “La stella della sposa volpe”)

Regia: Kang Eun-kyung

Scritto da: Shin Woo-chul

Cast: Lee Je-hoon, Chae Soo-bin, Lee Dong-gun, Kim Ji-soo, Jang Hyun-sung, Ahn Sang-woo, Lee Sung-wook, Kim Kyung-nam, Lee Soo-kyung, Rowoon, Kim Won-hae, Park Hyuk-kwon, Kim Yeon-jin, Choi Won-young

Genere: drama, romance, melo, sci-fi

Corea del Sud, 2018, kdrama, 32 episodi

Potrei iniziare questa recensione in due modi: narrando gli strani eventi che portarono il Dottor Coppelius del racconto di Hoffman, un po’ mago, un po’ fabbricante di giocattoli, un po’ scienziato e meccanico a costruire un gioiello della robotica ante litteram e a reinventare un certo filone sci-fi; oppure intonando ad alta voce, con un po’ di enfasi e sotto una notte stellata, i versi di “Vaghe stelle dell’Orsa…” di Leopardi. E, in entrambi i casi, non sarebbe sbagliato, perché “Where Stars Land” (in italiano anche “Dove atterrano le stelle” è un mix perfetto di melo e azione, di sfumature poetiche e di tinte sci-fi, che riescono ad incastrarsi perfettamente per diramare le vite inaspettatamente intrecciate di due sconosciuti che si trovano sotto lo stesso cielo, come predestinati da coincidenze non previste, anime che riescono a rispecchiarsi l’una nell’altra, come nelle migliori fiabe.

Le fiabe iniziano sempre dal bosco, un luogo immaginario e immaginifico in cui i percorsi di vita di esseri diversi si incontrano e si scontrano, si incrociano in piccole frazioni di secondo e si perdono nei meandri dell’inconscio. E il bosco viene attraversato da un viaggio, un percorso indefinito da un punto a un altro punto, un movimento metodico che porta a percorrere anche se stessi, a crescere, comprendere il passato e costruirsi un futuro.

Però, giacché i tempi moderni hanno dato una forma diversa ad ogni luogo, il bosco è ora diventato un aeroporto, affollato, caotico, rumoroso, costituito in sé da quel continuo frastuono che aiuta ad essere soli in mezzo a tutti, che costruisce il nulla e porta a perdersi in se stessi, anche se circondati da persone. E l’aeroporto è il luogo del viaggio per eccellenza, quello delle partenze, dei saluti, delle confessioni, delle speranze e dei ritorni a casa, perché nulla è più bello di tornare a casa dopo aver attraversato il bosco della vita con un lungo viaggio.

“Partire, tornare, incontrarsi, lasciarsi, aspettare, soffrire per la mancanza di qualcuno. Molti momenti memorabili del viaggio della nostra hanno luogo presso l’aeroporto di Incheon”.

Così esordisce la voce fuori campo che presenta il drama (mettendo già in crisi quel momento enfatico del ritorno dal viaggio presso l’aeroporto di Heathrow nel film inglese “Love Actually“) e che coincide con la voce della protagonista, Han Yeo-reum (Chae Soo-bin di “When the Phone Rings” e “A piece of your mind“), una ragazza che ha sempre sognato lavorare all’aeroporto di Incheon, ma che, quando ci è riuscita, è diventata una vera e propria mina vagante. In realtà, nessuno sa per quale motivo – forse per il troppo perfezionismo portato avanti male o per il fatto che le sue emozioni scorrono in modo troppo intenso -, ma Yeo-reum è considerata un vero e proprio danno, visto il lungo curriculum di disastri che la accompagna in qualsiasi ufficio. Per cercare di contenerla, viene riassegnata al servizio passeggeri, forse il reparto più complicato o anche più solerte dell’aeroporto, e, in particolare, al team gestito da Yang Seo-koon (Kim Ji-soo di “Hwarang” e “Romance in the House“), una leader calma, inflessibile ed esigente su tutti gli aspetti lavorativi.

Seo-koon comprende che Yeo-reum ha tante potenzialità, ma che il suo livello di empatia deve essere contenuto e incanalato, affinché possa diventare effettivamente un’ottima impiegata. Così, inizia a farla lavorare con l’impiegato di cui si fida di più e che considera quasi come un fratello, il freddo e serio Lee Soo-yeon (Lee Je-hoon di “Taxi Driver” e “Move to Heaven“). Soo-yeon si è unito alla squadra da appena un anno, ma sembra essere molto più competente e preparato di tutti i suoi colleghi, nonostante non faccia mai nulla per mettersi al centro dell’attenzione e, anzi, preferisca evitare i riflettori della fama, anche quando sarebbe meritata. Al contrario delle sue abilità lavorative, però, Soo-yeon dimostra di avere delle scarsissime doti sociali, preferendo di gran lunga la solitudine della sua estrema introversione alla cordialità di un ambiente lavorativo amichevole ed evitando di stringere legami personali con chiunque. Forse è proprio per questo motivo che aleggia su di lui una leggenda che lo vuole un uomo affascinante e misterioso, ma forse anche un criminale latitante o un supereroe nascosto nella vita da impiegato modello.

Anche Yeo-reum si fa cogliere inizialmente da queste prime impressioni sul collega, notando la sua distanza e la sua freddezza e, al tempo stesso, un nube leggera che sembra oscurargli sempre il volto, come per celare una sofferenza di cui nessuno può essere partecipe. Il dolore nascosto di Soo-yeon sembra richiamare come un magnete la capacità empatica di Yeo-reum e, più Soo-yeon tenti di evitarla, più Yeo-reum si imbatte continuamente in lui, quasi con l’impressione di averlo già incontrato nel passato e di essergli in qualche modo legata.

Poi, un giorno, un incidente in aeroporto inizia a scoperchiare la verità e, mentre Yeo-reum sta per rimanere travolta da un pesante carrello d’acciaio lanciatole contro, il braccio di Soo-yeon interviene in tempo, allontanando il pericolo e deformando completamente il carrello. Solo, allora, Yeo-reum ricorda quella giornata di fretta e di pioggia e quella fermata d’autobus, dove un mezzo aveva sbandato, rischiando di ucciderla, quando un uomo strano e col cappuccio era intervenuto in tempo, salvandola e spingendo il bus con una forza disumana.

“No, noi ci siamo incontrati già, prima di adesso, il giorno in cui dovevo andare al colloquio in aeroporto. Eri tu. Eri sicuramente tu”.

Soo-yeon ha studiato per diventare pilota, ma un tragico incidente lo ha reso disabile, facendogli perdere l’uso di entrambe le gambe, paralizzando tutto il lato destro del corpo e rendendo inerte il braccio destro. Costretto su una sedia a rotelle, depresso e umiliato dalla vita, senza alcuna possibilità di riprendere i propri sogni, si è imbattuto tempo prima nello strano scienziato e medico Mister Zhang (Park Hyuk-kwon di “Light Shop” e “Behind Your Touch“), che gestisce il locale “Fox Bride“, un posto dove sembrano prendere realtà i desideri e dove il tempo è sempre sospeso. Con le sue conoscenze mediche e robotiche, Mister Zhang ha costruito a Soo-yeon delle protesi meccaniche per braccia e gambe, fatte di un metallo ultra resistente e direttamente connesse alle sinapsi nervose dei suoi arti.

La vita ordinaria di Soo-yeon, però, è sottoposta a numerose rinunce e condizioni, come il mantenimento di un basso profilo, così da non diventare un fenomeno da baraccone e da mantenere il segreto sulle sue protesi robotiche, ma anche l’esigenza di far riposare periodicamente il suo corpo, rimuovendo le protesi e curando le ferite e le infezioni in breve tempo, affinché la sua salute non peggiori.

Solo che le emozioni del cuore sono incurabili e, quando Yeo-reum e Soo-yeon si conoscono e si riconoscono, le loro anime diventano così connesse da non riuscirsi a separare, nonostante Soo-yeon faccia di tutto per allontanare Yeo-reum da una vita complicata al suo fianco, convinto che debba meritare di più, ma incapace di staccare il suo pensiero da lei.

“Una persona può impiegare tre settimane, un’altra tre secondi e un’altra tre anni per accorgersi improvvisamente di essere innamorata di qualcuno”.

In realtà, tornando alla dimensione da fiaba moderna in cui è effettivamente immerso questo drama, Yeo-reum è un po’ come Belle che cerca a tutti i costi di salvare la Bestia e di riportarla alla sua condizione umana, curando le sue ferite e facendola accettare dalla società. Non esistono boschi, castelli o notti tormentate che possano fermarla da questo proposito. Nel drama, accadranno una serie di cose, tra cui uno spazio sostanziale dedicata ai cosiddetti cattivi della fiaba, che si concretizzano qui in personale corrotto e in diverse figure criminali, ma anche in un rapporto irrisolto tra fratelli che vede contrapporsi Soo-yeon con il fratellastro maggiore Seo In-woo (Lee Dong-gun di “Angel’s Last Mission: Love“).

E, come tutte le fiabe, ci sono sempre quegli innumerevoli personaggi aiutanti, il cui supporto è prezioso per la storia dei protagonisti, ma che, nella tradizione dello slice-of-life coreano, sviluppano tante piccole storyline che è bellissimo seguire anche separatamente: oltre a Yang Seo-koon, la team manager del servizio passeggeri, c’è il migliore amico di sempre, Ko Eun-sub (Rowoon di “Destined with You” e “The King’s Affection“), che è segretamente innamorato della protagonista e che sogna di diventare pilota; ci sono il determinato e timido Oh Dae-ki (Kim Kyung-nam di “The King: Eternal Monarch“) e la campionessa di judo Na Young-joo (Lee Soo-kyung di “Mystic Pop-up Bar“) del servizio di sicurezza, che, col tempo, si rendono conto di non essere solo colleghi; c’è Choi Moo-ja (Lee Sung-wook di “The Silent Sea“), manager del servizio di sicurezza che è stato sposato con Yang Seo-koon.

Infine, come in tutte le fiabe, passato e presente si confondono talvolta nella mente dei protagonisti, con un passato dominato da dolori, ma anche da bellissimi ricordi da custodire e un presente in cui ci si è persi, inconsapevoli di se stessi, insicuri e sofferenti di andare avanti per affrontare la vita, ancorati solo dalle negatività che ci si trascina dietro come un marchio. E, siccome è sempre la principessa che salva il principe (e mai il contrario, qualsiasi messaggio sia stato tramandato falsamente) e, in fin dei conti, è Belle che libera dall’incantesimo la Bestia e risveglia il suo palazzo addormentato con tutti i suoi abitanti, è ancora una volta Yeo-reum a portare con sé la carica di ottimistica speranza che la porta a vedere il futuro in un modo diverso, non con un cammino predestinato, ma illuminato dalle stelle, affinché non sia troppo buio. Ed è la sua forza d’animo, la sua bellezza interiore ed emotiva che donano l’armatura e la perseveranza a Soo-yeon.

“Non lasciare che il tuo passato dica cosa sei, ma lascia che diventi parte di ciò che diventerai”.

Note a margine del testo (ma molto importanti): “Where Stars Land” è uno dei rari prodotti a parlare di disabilità e lo fa con una chiarezza unica e con un’atmosfera quasi fiabesca, che, però, non lascia nulla al caso, né dà soluzioni imprevedibili e fantasiose; il desiderio del protagonista di condurre una vita ordinaria e di non essere guardato come una persona “anormale” e le sue sfide di ogni giorno, quando si trova ad affrontare la cattiverie di gente che non capisce, le difficoltà derivanti da barriere architettoniche e da un mondo concepito per una falsa normalità, che non ha nulla dell’umanità sono una forte denuncia allo stigma sociale che colpisce chi ha sofferto o soffre di malattie e di limitazioni fisiche. Già solo per questo motivo, credo che sia un drama che tutti dovrebbero recuperare.

Laura

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Lovestruck in the City

“Nella città delle luci e della solitudine, le storie d’amore si svolgono nei luoghi più inaspettati”.

Titolo originale: 도시남녀의 사랑법 , Dosinamnyeoui sarangbeop

Regia di: Park Shin-woo

Scritto da: Jung Hyun-jung; Jung Da-yun

Cast: Ji Chang-wook, Kim Ji-won, Soo Joo-yeon, Kim Min-seok, Ryu Kyung-soo, Han Ji-eun.

Genere: Commedia, Sentimentale, docu-film

Corea del Sud, 2020-2021, kdrama, 17 episodi

Definire “Lovestruck in the City” un drama romantico non è del tutto corretto, si tratta infatti di un drama che ha in sé gli elementi tipici del romance, ma con un intreccio narrativo differente, ovvero la scelta di mischiare la trama narrata nel presente con l’aggiunta di diversi flashback, ma il tutto girato come se fosse un documentario caratterizzato da interviste strutturate e da interviste libere, come a farlo sembrare quasi un reality.

Mi sono chiesta da subito come mai questa scelta particolare e mentre guardavo ogni episodio, che dura quasi trenta minuti e, anche questo serve a contraddistinguere lo stile del drama, ho pensato che per le tematiche trattate e per focalizzarsi meglio sulle reazioni istintive e sulle emozioni dei personaggi, la tecnica del “finto documentario” potesse essere una scelta che all’inizio può sembrare quasi “azzardata”, ma che poi riesce a dare un’impronta personale alla storia o meglio alle storie narrate.

Questa tecnica sperimentale di narrazione televisiva è un po’ particolare da trovare in un drama e personalmente, pur avendo all’inizio delle riserve e pur non stravedendo per questa scelta narrativa, ho apprezzato l’abilità, soprattutto degli attori, di rendere quanto più realistica e attendibile la storia dei propri personaggi.

La trama è incentrata in modo particolare sulle vite di sei persone che sono collegate tra di loro, da un rapporto di parentela, di amicizia o sentimentale.

Il focus delle interviste si sofferma sull’amore, su come si frequentano le persone al giorno d’oggi, in una grande città dai ritmi frenetici. Cosa ci si aspetta dall’amore? Esiste l’amore eterno? Esiste il sentimento in ogni relazione oppure le relazioni occasionali sono quelle che hanno rovinato l’amore stesso? In una grande città si fa fatica a conoscere e a frequentare persone?

Queste sono le domande che vengono poste agli intervistati e che sono anche i protagonisti del nostro drama.

Park Jae-won (Ji Chang-wook, “Healer”, “Suspicious Partner”, “Benvenuti a Samdal-ri”), un architetto in carriera, molto abile e preparato nel suo lavoro, decide di prendersi una vacanza, sente la necessità di prendere delle ferie che possano farlo staccare dai ritmi di lavoro degli ultimi tempi, così da potersi dedicare ai propri hobby, la pittura, le passeggiate e impararne di nuovi, per esempio il surf.

Durante la sua vacanza conosce Yoon Sun-ah (Kim Ji-won, “My Liberation Notes”, “Fight for My Way”, “Queen of Tears”), una ragazza dallo spirito libero, che vuole vivere una intensa storia d’amore con Jae-won, il quale si innamora all’istante del carattere strambo, ma simpatico della ragazza, dei suoi modi di fare, della sua personalità forte, ma anche un po’ bizzarra. I due ragazzi trascorrono così delle vacanze da sogno, la loro storia travolgente è ogni tanto intervallata dai momenti di stranezza di Sun-ah e da quelli di paranoia di Jae-won, ma, tutto sommato, il contesto marino, i colori, il tempo libero per dedicarsi allo sport e agli hobby, li portano a estraniarsi in una dimensione personale, libera dai pregiudizi degli altri, dai legami, dalle aspettative del mondo, fingono un matrimonio hippy con degli anelli che possano sugellare il loro amore, una dimensione come una ampolla, un piccolo scrigno di felicità tutto per loro.

Poi, però accade qualcosa e Sun-ah va via, portandosi con sé anche la macchina fotografica di Jae-won e con essa i ricordi della loro estate.

Una volta tornata a Seoul, Sun-ah riprende la sua vita come Lee Eun-oh (sempre interpretata da Kim Ji-won) e la sua personalità è diametralmente opposta rispetto a quella della ragazza dell’estate conosciuta da Jae-won. Eun-oh è una ragazza timorosa, che lavora nel commercio e che è sempre piena di angosce e di ansie. La sua personalità ottimista, stramba e iperattiva è rimasta chiusa nella dimensione estiva.

La vita, però, è piena di sorprese e le persone si reincontrano anche in una grande città e così è il caso di Sun-ah/Eun-ho e Jae-won che si ritrovano, si lasciano, fuggono, si inseguono e cercano di incrociare le loro vite nella confusione e nel frastuono della città.

“Forse il destino non è una questione di fato. Forse è una questione di scelte che facciamo.” (Park Jae-won)

Nella stessa città, Suh Rin-yi (Soo Joo-yeon, “Seasons of Blossom”, “A Love so Beautiful”, “On/Off”), impiegata part time è fidanzata da molti anni con Choi Kyung-joon (Kim Min-seok, “Because this is My First Life”), cugino di Jae-won, anche lui architetto. I due giovani sembrano felici, ma la loro relazione che dura da tempo andrà avanti per sempre oppure vacillerà?

Infine, i due single, Kang Geon (Ryu Kyung-soo, “Itaewon Class”), romanziere che non crede all’amore e che ha scelto di vivere per sempre da solo e Oh Sun-young (Han Ji-eun, “Bad and Crazy”), insegnante di educazione fisica alle scuole superiori, cinica e decisa a sfruttare solo gli aspetti positivi di una relazione sentimentale che non sarà mai duratura. Entrambi vivono una storia, all’inizio senza prevedere eventuali legami, poi, però qualcosa di inaspettato cambierà le loro esistenze.

Come si combatte la solitudine in una grande città? I sentimenti possono sorprendere le proprie vite?

Queste domande agli intervistati, quasi alla chiusura della serie, lasceranno anche gli spettori a riflettere su quanto i ritmi di vita della società odierna possono compromettere relazioni, tempo per se stessi e sentimenti.

L’ultimo episodio della serie è a se stante, mentre tra i camei importanti spicca sicuramente Choi Min-ho.

Grazia

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Kim Gu, un “uomo ordinario” e l’esercito coreano per la liberazione

“Il mio unico rimorso è quello di non aver potuto fare di più se non dedicare la mia vita al mio Paese”.

Sono molte le figure ispiratrici di valori e ideali connessi all’indipendenza coreana e, storicamente, gli oltre trent’anni di occupazione subita e di lotta fiera per ottenere la propria autonomia sono costellati davvero da tante donne e uomini che hanno sacrificato la propria vita per la causa nazionale.

Una delle figure più interessanti – e, forse, anche una di quelle di cui stranamente se ne parla di meno – è Kim Gu, politico, attivista e rivoluzionario coreano, che fu Capo di Stato coreano del Governo provvisorio e in esilio tra il 1926 e il 1927, uno degli artefici più strenui dell’indipendenza coreana, figura oggi ammirata e rispettata in entrambe le repubbliche coreane, che ci ha lasciato un “Diario” in più volumi, contenente le sue memorie, le sue attività rivoluzionarie e gli eventi storici dell’occupazione della penisola coreana. E, in effetti, la sua vita sembra proprio un romanzo, ribelle, rivoluzionario e tragico, dove le sue vicende personali sono diventate parti della storia stessa coreana, fino alla sua morte, assassinato nel 1949, dopo l’indipendenza, mentre cercava di trovare un compromesso tra il Nord comunista e il Sud nazionalista per scongiurare la separazione e la guerra fratricida.

Noto semplicemente come “paekpom“, la cui traduzione corrisponde più o meno al significato di “uomo ordinario” o “uomo qualunque”, per la sua volontà di paragonarsi al resto della popolazione coreana oppressa dalla dominazione, senza alcun particolarismo, Kim Gu nacque come Kim Changam nel 1876 in un villaggio nei pressi di Haeju (oggi nel territorio nordcoreano) da un’ex famiglia nobile. Il padre, infatti, apparteneva all’antica nobiltà di Joseon (nella classe degli yangban) del clan dei Kim di Andong, caduta in disgrazia nel XVII secolo, dopo la condanna del consigliere di Stato Kim Chajom.

La sua infanzia fu segnata dalla povertà estrema, dalle difficoltà finanziarie della famiglia e dalla malattia (un’epidemia di vaiolo a due anni e una paralisi a dodici anni), ma anche dalla crescente convinzione che la situazione geopolitica internazionale continuava a mutare in sfavore del regno di Joseon, la cui autonomia veniva continuamente compromessa dalle infiltrazioni giapponesi e occidentali. Per questo motivo, a soli 16 anni, Kim Gu si unì al gruppo Donghak (o Tonghak), da cui ricavò gli insegnamenti confuciani alla base anche della sua teoria politica, e nel 1894, a 17 anni comandò una fazione di rivoltosi nella Rivoluzione contadina di Donghak (la stessa che fa da sfondo al k-drama storico “Nokdu Flower“), da cui defezionò l’anno successivo, per fuggire in Manciuria e unirsi all’Esercito dei Giusti. L’assassinio da parte di sicari giapponesi dell’imperatrice Myeongseong, lo spinse ad addentrarsi all’interno di gruppi rivoluzionari che tentavano di liberarsi della presenza giapponese attraverso atti terroristici, che lo coinvolsero nell’uccisione del mercante giapponese Tsushida Josuke, sospettato di essere dietro l’esecuzione dell’imperatrice, per cui Kim Gu fu condannato e incarcerato.

Tuttavia, nel 1898, riuscì ad evadere dalla prigione di Incheon, insieme ad altri detenuti coreani ribelli. Dopo essersi nascosto per un anno in un monastero buddista, tornò nella casa paterna quasi nell’anonimato e si convertì al cristianesimo, accogliendo la cultura occidentale all’interno dei rinnovati principi confuciani già propugnati per cercare di costruire un’identità al popolo coreano. In questo periodo, studiò e lesse molto, con una voglia di migliorare e portare avanti la propria cultura che non ha pari, fece tanti disparati lavori (dal fattore all’insegnante) e iniziò a preparare la sua attività indipendentista, che si intensificò dopo il Trattato di Eulsa del 1905, secondo cui la Corea diventava un protettorato giapponese, e il Trattato di Taft-Katsura, che legittimava il dominio giapponese in Estremo Oriente anche a seguito della vittoria nella guerra contro la Russia.

Sono gli anni della fondazione dell’Associazione della Nuova Popolazione da parte di Ahn Chang-ho a Los Angeles, dell’assassinio di Ito Hirobumi da parte di An Jung-geun (su cui il film “Hero” e il film “Harbin“) e del progettato attentato contro il governatore generale di Joseon Terauchi Masatake. Kim Gu venne arrestato di nuovo e condannato ai lavori forzati per 15 anni. Dopo torture e percosse che lo sfigurarono permanentemente (perso l’uso dell’orecchio sinistro), Kim Gu fu rilasciato prima di finire di scontare la condanna, ma, dopo aver partecipato al Movimento per l’Indipendenza del Primo Marzo, partì in esilio a Shangai.

Ed è qui che forse iniziò la fase più “politica” della sua lotta per l’indipendenza, che mise in contatto con gli altri leader rivoluzionari del periodo, Synghman Rhee, che, poi, divenne il primo Presidente della Corea del Sud, e Kim Il Sung, poi leader nordcoreano, diventando parte del governo provvisorio in esilio dal 1919 al 1926, ma anche fautore di campagne per raccogliere il consenso e i finanziamenti esteri per la causa coreana, dagli Stati Uniti, alla Francia, al Regno Unito, fino ad incassare anche la collaborazione del Kuomintang cinese. Al tempo stesso, fu anche la più rivoluzionaria e pericolosa della sua attività, fondatore dell’Organizzazione patriottica coreana, responsabile di assassinii illustri di politici e funzionari imperiali giapponesi e di diversi attentati dinamitardi, che lo resero inviso ad una parte della popolazione cinese – anche per le sue idee anti-comuniste, ma che, comunque, non lo fecero desistere dai suoi propositi indipendentisti. Nel 1935, fondò il Partito Rivoluzionario Nazionale Coreano, che confluì, poi, nel Partito Nazionale Coreano (한국국민당).

Furono tanti gli sforzi e i compromessi che Kim Gu cercò per riunificare il fronte per la liberazione e molteplici pure i fallimenti, ma non rinunciò mai alla causa a cui aveva votato la vita e che lo portò anche ad offrire supporto militare agli Stati Uniti durante la Seconda Guerra Mondiale, con il cosiddetto Eagle Project.

Il suo ritorno in patria coincise con il ritorno dell’indipendenza coreana per cui si era adoperato tanto ed iniziò una nuova fase della lotta e della strategia di Kim Gu, quella della mediazione che aveva tentato di mettere in campo già da un decennio per ricompattare il fronte per l’indipendenza, cercando di superare tutti i contrasti e le diversità politiche presenti in Corea, ma anche cercando di salvare la sua patria da una separazione, che temeva avrebbe potuto compromettere per sempre la pace del suo popolo.

Dopo una vita di lotte, anche molto gravose e pericolose, e dopo aver assistito di prima persona a tanta violenza, l’ultimo messaggio di Kim Gu fu per la vera chiave interpretativa per la costruzione di una nuova pace, che doveva consistere nella cultura.

“Ho sentito la sofferenza di essere stati invasi da un’altra nazione e non voglio che la mia nazione ne invada altre. Credo che sia sufficiente che le nostre vite sia in salute e prosperino nel benessere e che la nostra forza sia in grado di prevenire invasioni esterne. L’unica cosa che desidero in quantità infinita è il potere di una nobile cultura. Perché il potere della cultura ci rende felice e, al tempo stesso, dà la felicità agli altri. Le persone ragionevoli oggi sono infelici perché mancano l’umanità, la giustizia, la compassione e l’amore. Se questi valori potessero radicarsi nei nostri cuori, il benessere che l’umanità sta vivendo sarebbe sufficiente per rendere possibile che tutti i due miliardi di popolazione mondiale vivano bene. E solo il potere della cultura può illuminare le persone sull’importanza di questi valori. Non vorrei che la mia nazione imitasse le altre, ma piuttosto che vorrei che fosse una nazione che possa dare origine ad una nobile cultura. Desidero una vera pace nel mondo e desidero che sia realizzata attraverso il potere della cultura della mia nazione”.

Laura

In questo angolo di mondo

“Le persone scompaiono molto facilmente, e una volta che non sono più visibili la nostra voce non li raggiunge più”.

Titolo originale: この世界の片隅に; Kono sekai no katasumi ni; In this Corner of the World

Diretto da: Sunao Katabuchi

Ispirato al manga di: Fumiyo Kono

Film Anime (Giappone, 2016)

Prodotto da Studio Mappa

Genere: drammatico, storico

La storia inizia negli anni Trenta a Hiroshima dove la famiglia Urano trascorre la propria vita ordinaria e serena, i venti di guerra sembrano lontani, ma in realtà la società sta cambiando e il mondo si avvia ad intraprendere un percorso di morte. La giovane Suzu, però, è una bambina sognatrice che vive nel proprio mondo colorato, spalanca gli occhi meravigliandosi delle bellezze della natura, di un cielo limpido, delle bianche e soffici nuvole, di foglie d’erba bagnate dalla pioggia e poi le ritrae, nei suoi disegni, nel suo mondo immaginifico che racchiude una vasta e immensa fantasia.

“Anche se ci sono alti e bassi, essere una bambina non è poi così male. Ho la sensazione di riuscire a vedere molte cose”.

Suzu ha la capacità di affrontare le giornate, cercando di focalizzarsi su ciò che va bene, abbandonando i pensieri negativi, ma esercitando ogni giorno la propria tenacia e resilienza, il suo è un dono e le sarà utile per il resto della propria esistenza, quel candore che la contraddistinguerà durante gli eventi più tragici.

A soli diciotto anni si ritrova sposata con Shusaku Hojo, impiegato del Ministero della Difesa, e la sua vita inizia a cambiare, si ritrova sradicata dalla famiglia perché secondo le convenzioni sociali è il momento di crescere e di andare via, così cerca di abituarsi e di adattarsi alla nuova vita a Kure, cittadina sulla costa della prefettura di Hiroshima, alla famiglia del marito e alle nuove dinamiche sociali da affrontare con perseveranza e costanza, dotata sempre di gentilezza e di sensibilità, ma rivolgendosi spesso, come piccolo momento di fuga, alla fantasia e al disegno.

E’ il 1944, il mondo è già in guerra da qualche anno e anche i bombardamenti iniziano ad essere sempre più incessanti, sembra un’onda che fluttua, ma che può anche non arrivare a riva, così prova a immaginare Suzu nella sua innocente speranza.

“Anche se siamo in guerra le cicale friniscono e le farfalle volano. Dopo l’incursione aerea di giugno pensavamo che la guerra stesse ormai per mostrarsi ai nostri occhi: ma dove la combattono, e quando arriverà?”.

Poi i bombardamenti diventano realtà sempre più drammatica, le bombe colpiscono anche i luoghi preferiti da Suzu, le persone conosciute. Spariscono case, esseri umani, affetti, natura e la nostra giovane protagonista cerca di reinventare la realtà attorno a sé, affondando il tutto in una tavolozza di acquerelli. Le esplosioni nel cielo sfumano in una notte stellata, la sostanza di ogni cosa viene rielaborata e invece di sparire ogni cosa diventa colore.

Suzu trascende la realtà e si rifugia nel proprio angolo di mondo per riprendere il coraggio e affrontare la tragedia che diventa sempre più drammatica, i bombardamenti, le case distrutte, le famiglie che spariscono sotto le macerie e anche la sua vita che cambia sempre di più condizionata dalle scelte degli altri, ma Suzu ha una luce speciale, un dono che le permette di andare avanti, nonostante tutto e che la libera dalle tenebre, un filtro di colori con i quali combattere la cupezza del mondo.

L’abilità del regista, Sunao Katabuchi, già assistente alla regia di Miyazaki, è quella di riuscire a scardinare i cliché di un racconto di guerra, avvalendosi di una tecnica e di una scelta stilistica particolari, il disegno tradizionale è ancora una volta protagonista, ma l’uso dell’acquerello nei fondali e i disegni limpidi, delicati, equilibrano la crudezza della storia e della tragedia umana visti attraverso lo sguardo candido di Suzo.

Sunao Katabuchi riprende la drammaticità di Isao Takahata, soprattutto nel suo capolavoro “Una tomba per le lucciole” e la fantasia del maestro Miyazaki per completare un’opera tutta sua originale che nel 2016 ha vinto il prestigioso premio “Film d’animazione dell’anno” alla quarantesima edizione del Japan Academy Prizes.

L’anime “In questo angolo di mondo” è ispirato al manga omonimo di Fumiyo Kono, scrittrice e illustratrice, nata a Hiroshima nel 1968 e già vincitrice di molti premi, oltre al suo meraviglioso “Hiroshima – Nel paese dei fiori di ciliegio”, pubblicato in Italia da Kappalab edizioni.

“In questo angolo di mondo” è un film che non si dimentica facilmente così come Suzu che è uno dei personaggi che riesce a cogliere meglio la meraviglia, pur vivendo gli orrori e i drammi, pur venendo a contatto con la disperazione, sa che, oltre a tutto questo, esiste un piccolo angolo di mondo incontaminato dalla cattiveria umana, un angolo in cui tutto potrebbe andare meglio, forse dove la fantasia potrebbe regnare e fare da scudo al mondo di fuori.

Grazia

Come suona la recensione?

StrangerBookClub: Hiroshima – Il racconto di sei sopravvissuti

Titolo originale: Hiroshima

Autore: John Hershey

Prima pubblicazione: USA, 1946

Casa editrice italiana: UTET

Se la drammatica e struggente fotografia del bambino in piedi al crematorio scattata a Nagasaki dal fotografo americano Joe O’Donnell, è un documento realistico dell’immane tragedia del bombardamento atomico, il libro dello scrittore e giornalista americano John Hersey, “Hiroshima. Il racconto di sei sopravvissuti” è un documento altrettanto grave e doloroso, ma necessario.

Nella fotografia di Joe O’Donnell il bambino in piedi sull’attenti con il corpo morto di un bambino più piccolo (forse il fratellino) legato alla schiena, in attesa della cremazione, è una delle immagini più drammatiche della guerra ed è una testimonianza dell’immenso dolore manifestato con dignità nel mezzo di un orrore ingiustificato.

Così anche nel libro di John Hersey le testimonianze delle persone sopravvissute, riportate dall’autore nel suo reportage giornalistico, diventano espressione scritta di una tragedia raccontata nei particolari da chi l’ha vissuta minuto per minuto dalle otto e quindici minuti del mattino del 6 agosto 1945 in avanti.

John Hersey (1914 – 1993) crebbe in Cina fino all’età di undici anni, studiò, poi, all’Università di Yale e iniziò a lavorare come giornalista nel 1937. Fu corrispondente di guerra per le più importanti riviste americane di allora e nel 1944 vinse il premio Pulitzer per il romanzo, “Una campana per Adano”.

Il suo reportage giornalistico più famoso fu, però, quello di Hiroshima, perché a meno di un anno dal bombardamento atomico, John Hersey si recò a Hiroshima, corrispondente del “New Yorker” per capire che ne era stato di quella città giapponese distrutta l’anno prima dall’atomica.

Hersey si aggirò tra le macerie, tra le disperazioni e le sofferenze delle persone rimaste in vita, nella loro tragedia umana in un orrore indescrivibile. Raccolse le storie e i racconti dei superstiti soprattutto di sei persone.

La storia di Toshiko Sasaki, una giovane ragazza impiegata in una fonderia; Kiyoshi Tanimoto, pastore di una chiesa metodista; Masakazu Fujii, medico di una clinica privata; padre Wilhelm Kleinsorge, un prete tedesco della Compagnia di Gesù, che al momento del bombardamento si trovava nell’edificio della sua missione; Terufumi Sasaki, giovane chirurgo venticinquenne che lavorava nell’ospedale della Croce Rossa di Hiroshima; Hatsuyo Nakamura, una sarta, già vedova di guerra, che era alla finestra della sua cucina al momento del bombardamento e che, dopo qualche minuto, liberava i figli vivi tra le macerie.

I racconti di sei persone normalissime che vivevano la propria vita ordinaria, ma che in quella mattina del 6 agosto del 1945 si ritrovarono a lottare per la propria esistenza e a chiedersi come mai fossero rimasti vivi.

John Hersey ha il merito di fotografare le sei testimonianze in ogni momento di quella drammatica giornata e nei giorni che seguirono il bombardamento. Un reportage giornalistico toccante e drammatico, ma mai retorico.

“Hiroshima. Il racconto di sei sopravvissuti” diventa una testimonianza importante per la Storia e per le generazioni future e riesce a restituire alle vittime la parola. Il racconto che è eredità e memoria.

Quarant’anni dopo, nel 1985, John Hersey si recò nuovamente a trovare i sei sopravvissuti e aggiunse al suo reportage una seconda parte molto importante soprattutto nel ruolo sociale che i sopravvissuti ai bombardamenti atomici avevano avuto in quei quarant’anni, la loro categoria definita “hibakusha”, cioè “persone colpite dalla bomba”, le loro difficoltà incontrate e le discriminazioni subite.

Una rara perla di giornalismo e di storia, una testimonianza che a ottant’anni dai bombardamenti atomici riesce a farci pensare, riflettere e a commuoverci.

Grazia

Gli Hibakusha: storie di sopravvissuti – 80 anni dai bombardamenti atomici

“Vorrei far sapere a tutti

come era blu quel cielo

verso cui un milione di sguardi opachi erano alzati

sferzati dalla pioggia

arsi dal sole”.

Kiyoko Horiba, Quel cielo (1962) *

*traduzione di Yukari Saito

Quest’anno si ricordano gli ottant’anni dai bombardamenti di Hiroshima e Nagasaki. L’anno scorso, nel 2024, l’associazione “Nihon Hidankyo”, fondata dagli “hibakusha”, è stata insignita del premio Nobel per la Pace “per i suoi sforzi a favore di un mondo libero dalle armi nucleari”.

Chi sono gli “hibakusha” e perché il loro ruolo è stato fondamentale nel costante e quotidiano ricordo dei bombardamenti atomici e di conseguenza nella sensibilizzazione per la prevenzione della guerra nucleare e l’eliminazione delle armi nucleari?

Secondo Kenzaburo Oe, premio Nobel giapponese per la letteratura nel 1994, gli hibakusha sono “coloro che non si suicidarono nonostante avessero tutte le ragioni per farlo; che hanno salvato la dignità umana in mezzo alle più orrende condizioni mai sofferte dall’umanità”.

Una descrizione davvero molto sentita perché per lo scrittore solo coloro che hanno vissuto un’umanità negata possono essere un faro di speranza e di coraggio per gli altri.

Ho deciso di ricordare il triste anniversario dei bombardamenti atomici attraverso gli occhi, le memorie, i nomi, le emozioni che solo i sopravvissuti di una grande tragedia possono raccontare, anche solo attraverso un’immagine descritta.

Mille sfaccettature di come gli esseri umani vivono il dolore e la sofferenza, la loro fatica di comunicarla agli altri, di non essere giudicati, di non sentirsi in colpa per essere sopravvissuti. Di solito non esiste un grido che descrive il dolore perché il dolore è silenzioso e si ripete per chi lo attraversa ogni giorno con i propri pensieri, i propri ricordi, come spine aggrovigliate in un pugno chiuso.

Hibakusha (被爆者) è un termine giapponese che letteralmente significa “coloro che sono stati colpiti dal bombardamento” ed è il termine usato per indicare coloro che sono scampati al bombardamento e che hanno subito le radiazioni. Fu evitato di scegliere la parola “sopravvissuto” per rispetto nei confronti dei defunti e per eventuali sensi di colpa da parte di coloro che rimasero in vita, ma che persero familiari e amici.

La vita degli hibakusha, dopo la fine della guerra, fu appesantita da sofferenze fisiche e psicologiche e, a causa della paura per le conseguenze delle radiazioni atomiche, furono vittime di gravissimi atteggiamenti e comportamenti discriminatori soprattutto nel trovare un lavoro per via della salute precaria o nel contrarre matrimonio, perché si temeva che le radiazioni stesse potessero determinare malattie ereditarie.

Solo nel 1957 il Parlamento giapponese approvò finalmente una legge che disponeva cure mediche gratuite ai cittadini giapponesi hibakusha. L’anno prima, nel 1956, venne fondata la “Nihon Hidankyo” che raccoglieva sopravvissuti e famiglie delle vittime dei bombardamenti. L’organizzazione nacque dopo l’episodio dei test con armi termonucleari condotti dagli Stati Uniti nell’atollo di Bikini nel 1954 che aveva causato sindrome da radiazioni acute nei residenti degli atolli vicini e in 23 membri dell’equipaggio del peschereccio giapponese Daigo Fukuryu Maru. Nonostante l’immane tragedia del 1945, purtroppo, si continuavano a testare ancora nuove armi.

La Nihon Hidankyo, fondata il 10 agosto del 1956 in occasione della seconda conferenza annuale del Consiglio giapponese contro le bombe atomiche a Hiroshima, è l’unica associazione di sopravvissuti a livello nazionale ed è presente in ognuna delle 47 prefetture del Paese in cui tutti i suoi funzionari sono dei sopravvissuti e continua a lavorare per raggiungere obiettivi importanti a livello nazionale e internazionale, per sensibilizzare le generazioni ad una visione del mondo libero da armi nucleari, affinché il ricordo delle conseguenze delle tragedie dei bombardamenti atomici sia vivo e presente.

La poetessa Kurihara Sadako (1913 – 2005), nata e vissuta a Hiroshima, sopravvisse allo scoppio della bomba atomica e fu tra i primi intellettuali hibakusha a raccontare della tragedia, la sua è una delle testimonianze letterarie più toccanti.

Toshiko Tanaka era una bambina di poco più di sei anni al momento del bombardamento atomico, è sopravvissuta ed è diventata un’artista. Nelle sue opere testimonia il ricordo. Nel 1981, durante la visita in Giappone di Papa Giovanni Paolo II, Toshiko Tanaka ha fatto omaggio al pontefice di una delle sue opere.

Terumi Tanaka, classe 1932, sopravvissuto al bombardamento di Nagasaki, è il segretario generale della Nihon Hidankyo, aveva 13 anni e la sua casa si trovava a pochi chilometri dal punto dell’impatto. Terumi Tanaka ricorda di essere stato scaraventato contro diversi pannelli di vetro, ma nonostante tutto di essere sopravvissuto. Si rese conto, però, di aver perso molti dei suoi cari familiari, i nonni, due zii, un cugino e una zia che dovette cremare personalmente in un terreno vicino, dopo la sua morte, a pochi giorni dal bombardamento.

Keiji Nakazawa (1939–2012), è stato un fumettista giapponese, sopravvissuto al bombardamento atomico di Hiroshima. Nella sua opera autobiografica “Hadashi no Gen”, conosciuta in Italia con il titolo di “Gen d’ Hiroshima”, racconta la storia del giovane Gen, sopravvissuto al bombardamento atomico di Hiroshima. Il manga è stato tradotto in tutto il mondo in moltissime lingue. La bomba atomica portò via a Kenji Nakazawa il padre, il fratellino e la sorella maggiore e dieci anni dopo la madre per le conseguenze delle radiazioni nucleari.

Sadako Sasaki (1943 – 1955) era una bambina di due anni quando sopravvisse al bombardamento di Hiroshima. Nel novembre del 1954 si ammalò di leucemia a seguito delle radiazioni della bomba atomica. La bambina iniziò a piegare degli orizuru (gru di carta) perché, secondo una leggenda, solo piegandone 1000, il proprio desiderio poteva essere avverato. La aiutarono anche altri amici e familiari. La piccola si spense, però, a seguito di un aggravamento della malattia, ma dopo la sua morte, amici e compagni di scuola pubblicarono una raccolta di lettere per raccogliere fondi per costruire il “Monumento alla pace dei bambini” in memoria sua e di tutti i bambini di Hiroshima morti in seguito alla bomba atomica. Nel 1958 fu collocata al Parco del Memoriale della Pace una statua raffigurante Sadako mentre tende una gru di carta verso il cielo. La storia di Sadako ha ispirato il romanzo, “Il gran fuoco di Hiroshima” di Karl Bruckner.

Tsutomu Yamaguchi (1916 – 2010) era un ingegnere di Nagasaki che si trovava ad Hiroshima per lavoro. Dopo il bombardamento tornò sconvolto a Nagasaki, ma qui fu testimone di un secondo bombardamento. Tsutomu Yamaguchi è uno dei pochi sopravvissuti ad entrambi i bombardamenti atomici di Hiroshima e Nagasaki. Ha sofferto per tutta la sua vita a causa degli effetti delle radiazioni atomiche. A ottant’anni ha scritto una autobiografia e nel 2006 è stato invitato a partecipare a un documentario sulle 165 persone ufficialmente vittime di entrambe le bombe atomiche giapponesi. Queste persone venivano chiamate “nijū hibakusha”. Nel 2009 anche il regista James Cameron si è interessato alla sua storia.

Takashi Nagai (1908 – 1951), medico e scrittore, sopravvisse al bombardamento di Nagasaki del 1945. Takashi Nagai, dopo il matrimonio, si convertì al cattolicesimo (Nagasaki ha da sempre ospitato una delle comunità cattoliche più grandi di tutto il Giappone) e fu battezzato con il nome di Paolo. Come medico radiologo contribuì allo studio degli effetti delle radiazioni della bomba sul corpo umano dando il proprio contributo come assistenza ai malati e ai più poveri. Il suo libro “Le campane di Nagasaki” è una delle testimonianze più toccanti mai scritte. Takashi Nagai venne anche soprannominato come il “santo di Urakami”. Insieme alla moglie Midori, morta nel bombardamento, è considerato servo di Dio della Chiesa cattolica.

Durante gli anni ’70 gli hibakusha di nazionalità non giapponese fecero richiesta per ottenere lo stesso diritto alle cure mediche gratuite e solamente nel 1978 la Corte Suprema del Giappone riconobbe loro il diritto alle cure mediche e alle agevolazioni economiche. La maggior parte degli hibakusha di nazionalità non giapponese erano coreani che lavoravano in Giappone, moltissimi a Hiroshima.

Lee Jong-keun nacque a Hiroshima nel 1928 da genitori coreani residenti in Giappone. Lee Jong-keun ha trascorso gran parte della sua vita celando la sua identità e per decine d’anni ha nascosto il fatto di essere sia coreano che hibakusha. Da sopravvissuto del bombardamento di Hiroshima, negli ultimi anni della sua vita, ha viaggiato per il mondo raccontando le sue esperienze. La testimonianza di Lee Jong-keun è come quelle di moltissimi hibakusha coreani che hanno penato per farsi riconoscere come vittime.

Nei giorni dei bombardamenti nucleari ad Hiroshima e Nagasaki erano presenti anche moltissimi giovani e bambini nippo-americani, figli di emigrati giapponesi, ma nati negli Stati Uniti, di seconda o terza generazione, tornati a trascorrere un periodo dai propri parenti o per studio. Si stima che al momento del bombardamento solamente ad Hiroshima fossero circa 11.000.

Le storie e i racconti degli hibakusha sono una testimonianza preziosa per l’intera umanità, perché il valore della memoria, del ricordo, è fondamentale e la conoscenza del passato fa acquisire consapevolezza nel presente. Come diceva Cicerone: “La memoria è tesoro e custode di tutte le cose”.

Accanto alla statua di Sadako, la bambina delle mille gru di carta, c’è una targa con incisa una frase, speranza e monito per le generazioni future: “Questo è il nostro grido. La nostra preghiera. Pace nel mondo”.

Bibliografia:

– Hiroshima il racconto di sei sopravvissuti di John Hersey (1946) – Ediz. Utet

– Il gran sole di Hiroshima di Karl Bruckner (1961)

– La pioggia nera di Masuji Ibuse (1965)

– Gen di Hiroshima serie manga di Keji Nakazawa (1973)

– Le campane di Nagasaki di Takashi Nagai (1949)

– Note su Hiroshima di Kenzaburō Ōe (1965)

– La voce di Kurihara Sadako, Ciliegi di Hiroshima e la poetica della bomba atomica di Daniela Travaglini – Aracne Editrice

– Hiroshima. Nel paese dei fiori di ciliegio.

– Diario di Hiroshima di Michihiko Hachiya

Grazia

Twenty-Five Twenty-One (ovvero della crescita, dell’amore, dell’imperfezione della vita)

“Qualche volta, dire che possiamo fare qualcosa può non essere incoraggiante. Non abbiamo ancora imparato a conoscere un mondo in cui non è necessario avere successo e si può anche fallire. Per cui facciamo quello che possiamo. Facciamo il nostro meglio. Ma spero ancora che, anche se dovessimo fallire, saremo abbastanza forti da rialzarci di nuovo”.

Titolo originale: 스물다섯 스물하나, Seumuldaseot seumulhana

Regia: Jung Ji-hyun

Sceneggiatura: Kwon Do-eun

Cast: Kim Tae-ri, Nam Joo-hyuk, Kim Ji-yeon (Bona), Choi Hyun-wook, Lee Ju-myung, Seo Jae-hee, Kim Hye-eun, Choi Myung-bin, Choi Min-young, Choi Tae-joon

Corea del Sud – drama, 2022 / 16 episodi

Genere: drama, slice-of-life, sport, romance, youth, coming-of-age

Ci sono prodotti (drama, anime, film, etc) che sono difficilmente catalogabili, perché rappresentano tante complesse sfaccettature di esistenze umane così normali, tanti piccoli spiragli di anima, che si lascia leggere senza opposizione alcuna all’introspezione, tanti momenti di riflessione condivisa e automatica, da creare immediatamente un doppio riconoscimento con lo spettatore: ci si riconosce nei personaggi, nei loro atti, nelle scelte e nelle non scelte, nelle parole, nelle risate, nelle tristezze e nelle emozioni, ma sono soprattutto i personaggi che si riconoscono in noi e si rimodellano e si riadattano ad ogni visione, seguendo i nostri pensieri e le nostre percezioni, come una parola che può suonare in un modo in un certo momento, per renderci conto di una sua inflessione diversa in un secondo momento e in un terzo ancora. Se si ha la felice fortuna di imbattersi in uno di quei rari prodotti, che riescono a leggerci dentro, prima di qualsiasi nostra interpretazione, conviene fermarsi, prendersi tempo, tenere in mano un taccuino e iniziare a segnare le frasi e i momenti, dandosi la libertà di commuoversi, sorridere e lasciarsi andare al ritmo dei battiti di quei personaggi, perché si sa già che si entrerà all’interno delle loro esistenze, si troveranno amici e anime complementari in quelli che sembravano personaggi fittizi e loro troveranno in noi le loro espressioni quotidiane.

Personalmente, questo scambio reciproco di esistenza, come se si vivesse insieme, almeno una volta, una delle vicende descritte, mi è capitato solo da ragazzina, quando mi avvicinai per la prima volta alla lettura dei testi di Daniel Pennac (all’epoca, quella lettura fu il romanzo “Kamo“, dove il personaggio aveva pressappoco la mia età e le sue avventure erano afflitte da un certo bovarismo letterario, tanto da corrispondere lettere con Catherine di “Cime tempestose“). Pur avendo amato molti testi letterari e molti prodotti fittizi, questa sensazione mi è ricapitata una seconda volta, molto più tardi, ormai da adulta, guardando il drama coreano “Twenty-Five Twenty-One” (anche noto come “25 21” a numero), perché è come se Na Hee-do, Baek Yi-jin, Moon Ji-woong, Ko Yu-rim e Ji Seung-wan fossero cresciuti con me, capaci di comunicare i loro sogni, la lotta per l’affermazione e per sopravvivere nella società, la smodata volontà di crescere, commisurata dall’altrettanto smodato desiderio di fermare il tempo in un attimo, i legami che vanno oltre qualsiasi cosa e che rimangono tali, con la dolcezza del ricordo, anche dopo diversi anni, e quel sorriso involontario che diventa reciproco, come per far capire che non si è mai soli, quando si comprendono e si empatizzano le difficoltà.

“Il mio diario di quei giorni è pieno di amore e amicizia. Un periodo in cui l’amore e l’amicizia significavano molto nella mia vita. Un periodo come quello dura solo un momento”.

In epoca COVID, la giovane Kim Min-chae sembra non eccellere nel percorso di danza che ha deciso di intraprendere e si sente perduta, quasi perdente in un confronto impari con la madre, che si è affermata da giovane nel mondo sportivo come schermitrice. Decide, così, di trascorrere l’estate in casa della nonna, ma, più tenta di rinnegare la presenza materna, più si imbatte in tutti quei ricordi che saltano fuori dagli anni ’90 e che urlano il nome di sua madre più di qualsiasi altra cosa. Ed è così che, dai ricordi che le si affollano davanti, si staglia subito un vecchio diario, una sorta di cronistoria segreta delle memorie di sua madre, scritto dalle sue ansie da adolescente, eppure intriso di quella determinazione per la vittoria che ne ha caratterizzato l’esistenza. Desiderosa di comprendere di più sua madre (e forse anche se stessa), Min-chae si ferma a leggere il diario e si ritrova catapultata nell’adolescenza di Na Hee-do (interpretata da una meravigliosa Kim Tae-ri di “Jeong-nyeon – The Star is Born” e “Little Forest“), in quei 18 anni compiuti sul finire del secolo XX, nel periodo caratterizzato dalla grande crisi economica del Fondo Monetario Internazionale, che ha colpito severamente la Corea.

1998. Na Hee-do è una ragazza vivace e solare con un unico desiderio: diventare campionessa di scherma, anche se la madre giornalista (interpretata da Shin Jae-kyung) le ha fatto mancare il suo sostegno da tempo, la scuola ha deciso di chiudere il club della scherma e tutti le rimproverano di non avere alcuna abilità e alcuna predisposizione. La sua icona è Ko Yu-rim (interpretata da Bona), che, ancora giovanissima, si è già affermata a livello internazionale, vincendo una medaglia d’oro. Hee-do spera di conoscerla e di allenarsi con lei e, per questo motivo, fa di tutto per cambiare scuola e per farsi ammettere dallo stesso liceo, oltre che dalla stessa allenatrice di Yu-rim, la terribile Yang Chan-mi (interpretata da Kim Hye-eun), che il mondo dello sport considera una leggenda della scherma, ma che ha metodi di allenamento particolari e arcigni.

Sembra che non ci sia spazio per altro nella vita di Hee-do, a parte la sua passione per i fumetti, primo fra tutti “Full House“, di cui attende con ansia ogni uscita e che preferisce leggere rispetto ai libri di scuola. Nel negozio dove va ad affittare i manhwa, lavora Baek Yi-jin (interpretato da Nam Joo-hyuk di “Start-Up“), che ha 22 anni, ma si porta addosso il peso del fallimento di una famiglia e, mentre il padre si nasconde dai creditori che lo cercano per chiedere il pagamento della sua azienda crollata, si è abituato a crescere troppo in fretta per guadagnare i soldi per riunire e rimettere in piedi la famiglia.

“Abbiamo la forza di rialzarci. Quindi, quando le cose si mettono male, possiamo sentirci frustrati quanto vogliamo. E tristi quanto vogliamo. Poi, però, rialziamoci insieme.”

Na Hee-do entra come un vortice nella vita di Baek Yi-ji: più lui è solitario e pensieroso, dedito al lavoro e abbattuto dalla tristezza della vita, più lei è una forza della natura, caparbia e resiliente quanto basta per non abbattersi nelle sconfitte, in grado di donare il sorriso a chi le sta intorno. I due si incontrano e si scontrano in fumetteria; poi, si re-incontrano e si scontrano di nuovo e, poi, di nuovo ancora. Lui cerca di evitarla, lei lo va a cercare appositamente. Lei non lo nota per strada, lui si palesa costantemente. Le loro anime si riconoscono e iniziano a dialogare e a confidarsi, ad aprirsi ai loro sogni e alle loro preoccupazioni. Poi, Baek Yi-jin improvvisamente parte, senza lasciare alcun messaggio, per raggiungere i suoi familiari nel Sud, lasciando a Na Hee-do il ricordo della sua costante dolcezza e del suo sostegno, perché, anche se è stato costretto a rinunciare ai suoi sogni, non è disposto a rinunciare ai sogni di Na Hee-do (“perché tu mi hai dato la speranza ed io voglio il meglio per te).

Na Hee-do ha solo la sua voce, da registrare in continuazione nella segreteria di un vecchio cercapersone, per far sentire costantemente la sua presenza e fargli capire che sarà sempre dalla sua parte, qualsiasi cosa possa accadere.

“D’ora in poi, quando esci con me, potrai essere felice senza che nessuno lo sappia. (…) Proprio come mi hai sostenuto senza motivo… ora tocca a me sostenerti. Ovunque tu sia, farò in modo che il mio sostegno ti raggiunga. Verrò a raggiungerti”.

Passa un po’ di tempo. Na Hee-do ha stretto nuove amicizie, tra cui la studiosa e brillante Ji Seung-wan (Lee Ju-myung di “Like Flowers in Sand“), che gestisce una radio pirata dove critica il sistema scolastico sudcoreano, che ammette ancora le pene corporali, e parla dei problemi della sua generazione, e Moon Ji-woong (Choi Hyun-wook di “Weak Hero Class” e “Twinkling Watermelon“), che ha un rendimento scolastico bassissimo, ma è il migliore amico che tutti si meriterebbero di trovare almeno una volta nella vita. Inoltre, è entrata nella nazionale di scherma e la sua competizione con Ko Yu-rim è diventata aspra e accesa, tanto luogo ad un clima costante di conflitto. Infatti, più aumenta la bravura di Na Hee-do, più Ko Yu-rim diventa scostante e preoccupata del risultato, anche perché vessata da una serie di problemi economici della sua famiglia.

Ma il tempo che passa riporta davanti ai suoi occhi Baek Yi-jin, ora diventato stagista al giornale, dove segue la rubrica sportiva, ed è come se i due non si fossero mai allontanati: Hee-do persegue ancora il suo obiettivo di far sorridere Yi-jin e di portarlo alla felicità e Yi-jin, d’altro canto, non ha mai smesso di fare il tifo per lei, che gli ha donato la speranza, ed è pronto da porgerle tutto il suo sostegno nelle difficoltà che Hee-do è destinata a vivere nel mondo dello sport, nonostante la sua vecchia conoscenza con Ko Yu-rim.

Quell’antica complicità che si era creata dal nulla e quei caratteri quasi agli antipodi diventano presto un’affinità e un’amicizia che non hanno eguali, perché insieme Hee-do e Yi-jin sono in grado di costruire un mondo tutto loro, che non ha bisogno di arcobaleni per brillare e dove la tragedia può essere trasformata in commedia e l’estate può durare in eterno, portando il loro effetto benefico su coloro che sono loro accanto. Crescono insieme e imparano in ogni singolo momento, litigano, discutono e si riconciliano, mentre comprendono l’una dall’altro cosa vuol dire vivere e affrontare nello stesso modo la felicità e la tristezza. Si supportano e si amano senza egoismi e senza pretese con un amore che è nato da subito e che è cresciuto lentamente, maturando come le loro stesse vite.

“La vita è preziosa. Amiamoci senza rimpianti finché siamo vivi”.

L’amore e l’amicizia si fondono insieme e li circondano, mentre trascorre il tempo, Baek Yi-jin lotta per affermarsi nel mondo del giornalismo, passando dallo sport alla cronaca cittadina, e Hee-do scopre che odio e stima nel suo mondo hanno la stessa intensità e che deve cercare di essere sempre più forte per rialzarsi dalle intemperie. Continuano ad amarsi mentre finisce il millennio e si teme che il triplo zero possa annullare tutta la tecnologia esistente.

“Che cosa vorresti fare prima che il mondo finisca?“

Quando il mondo continua ed entra ufficialmente nel nuovo millennio, Hee-do compie 21 anni e si sente capace e determinata nel rincorrere i suoi sogni e le sue prospettive, pronta a respirare la sua libertà e il successo, conscia di essere se stessa, a prescindere da qualsiasi cosa. Quando il mondo continua ed entra ufficialmente nel nuovo millennio, Yi-jin è un giovane uomo di 25 anni, che è cresciuto troppo in fretta rispetto ai suoi coetanei e che cerca di fermarsi per recuperare la sua età e la felicità negata per troppo tempo, ma che sente svanire via, mentre le sue insicurezze e i suoi dolori interiore riaffiorano prepotenti nelle sue angosce. Hee-do ha 21 anni e Yi-jin ne ha 25, quando il mondo sembra finire di nuovo l’11 settembre 2001, mentre due aerei tranciano a metà le torri del World Trade Center ed Yi-jin si trova catapultato a New York a raccogliere il dolore degli altri per darne dimora nel suo cuore.

“Quell’autunno, cercarono di lasciarsi, senza nemmeno sapere come farlo. Sarà per via della frattura che si è formata quando si sono rotti? Tutto ha iniziato a cambiare lentamente”.

Non sempre coloro che sono destinati ad amarsi sono anche destinati a stare insieme e la storia tra Hee-do e Yi-jin ne è un esempio, un frammento di diamante perduto negli anni e rimasto incastrato lì, nel suo splendore e nella sua purezza, senza bisogno che venga raccolto e che venga inserito in un gioiello, perché è perfetto così, nella sua grezza imperfezione, come è la vita stessa, un insieme di fatti e di persone incontrate, di gesti e di ricordi, da cui tutti tentano di trarre quella componente di lieta nostalgia, che fa ri-guardare il passato con occhi diversi e l’età della crescita come quell’estate gratuita dei primi vent’anni.

Forse, indipendentemente dall’età dello spettatore, una delle componenti del successo di questo drama (che ha fatto incetta di candidature e di premi in Corea del Sud come il Baeksang per la migliore attrice protagonista per Kim Tae-ri) sta proprio in quella meravigliosa e imperfetta crescita di questi personaggi: in Hee-do, che vuole diventare un’atleta e, per raggiungere il suo sogno, cerca anche di farsi espellere da scuola; in Yu-rim, che, prima, odia con tutta se stessa Hee-do, salvo, poi, trovare nell’altra atleta una parte della sua anima in un’amicizia che riesce a superare la rivalità e le cattiverie sportive; in Ji-woong, che non fa mai mancare il suo sostegno, perché la lealtà di esplica anche nella presenza silenziosa e costante e non deriva da grandi voli intellettuali; in Seung-wan e in sua madre, che l’ha educata ad essere se stessa e a cercare la giustizia, anche a costo della ribellione; e, infine, in Yi-jin, che non si conosce fino alla fine e che vive per riunire la sua famiglia e superare la tristezza.

Secondo le prolusioni dei sociologi, potrebbe trattarsi di quella piccola fascia intergenerazionale, chiamata “X-ennials”, che raccoglie gli ultimi componenti nati nella generazione X (fine anni ’70) e i primi componenti nati nella generazione Y o Millennials (inizi anni ’80). Secondo me, parafrasando le parole di Yi-jin, sono la prima generazione che hanno assistito, come testimoni, alla fine del mondo e, forse proprio per questo, riescono ad interpretare così bene le emozioni che tutti quanti abbiamo provato nella vita, in quel desiderio di determinazione e forza della giovane età che va a scontrarsi contro quel senso di impotenza che il mondo ci presenta quando percepiamo il senso effimero dell’esistenza, eppure continuiamo ad andare avanti, sostenuti dai ricordi di un frammento di felicità.

“La vita è lunga e i fuochi d’artificio sono brevi”

Laura

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Si sente il mare

“Da lì in avanti, dentro di me il posto in cui si trovava Matsuno è sempre stato un po’ diverso rispetto a tutti gli altri”.

Titolo originale: 海がきこえる , Umi ga kikoeru, Ocean Waves

Diretto da: Tomomi Mochizuki

Ispirato al romanzo di: Saeko Himuro

Prodotto da Isao Takahata (Studio Ghibli)

Film Anime (Giappone, 1993)

Genere: Coming of Age, Formazione, Slice of Life, Romance

“Si sente il mare” è un film del 1993 prodotto dallo Studio Ghibli, ma è il primo film del famoso studio di animazione giapponese non diretto da Miyazaki e Takahata. Si tratta, infatti, di un progetto curato dai collaboratori più giovani con alla regia, Tomomi Mochizuki, classe 1958, che ai tempi aveva lavorato per la Nippon Animation e per lo Studio Pierrot dove aveva diretto molti episodi de “L’incantevole Creamy”, poi dell’anime, “La leggenda di Hikari” e negli anni a seguire “Orange Road” e “Ranma ½”.

“Si sente il mare” è ispirato all’omonimo romanzo della scrittrice Saeko Himuro ed è una storia di formazione, un coming of age che negli ultimi anni è stato riscoperto, anche se ad oggi non è ancora uno dei lungometraggi più famosi dello Studio Ghibli.

La storia alterna momenti di flashback con scene ambientate nel presente e questa è una particolarità narrativa che aiuta lo spettatore ad entrare nel cuore dei sentimenti dei protagonisti, con le loro emozioni e i contrasti interiori e con il mondo che li circonda, un espediente narrativo che rappresenta meglio l’età dell’adolescenza.

I tre protagonisti della storia sono legati da un triangolo di sentimenti che si ripercuote sulle loro scelte future e sui legami con la vita e con le proprie aspirazioni.

La storia è ambientata a Kochi, nell’isola di Shikoku dove Taku Morisaki e Yutaka Matsuno sono due liceali, amici dai tempi dell’infanzia, mentre Rikako Muto è una ragazza compagna di scuola che giunge da Tokyo ad anno avviato.

Rikako è brava sia nelle materie scolastiche che in quelle sportive, ma non riesce molto bene ad integrarsi con le sue compagne di scuola.

Matsuno si innamora quasi subito di Rikako, ma non riesce ad esprimere i suoi sentimenti. Durante una gita scolastica alle Hawaii la ragazza chiede a Taku di prestargli dei soldi e il ragazzo accetta.

Una volta tornati a Kochi, dopo un po’ di tempo, Rikako si accorda con un’amica di andare ad un concerto per poi svelarle il suo piano segreto di prendere un aereo e di andare a Tokyo. L’amica si impaurisce e chiede a Taku un aiuto, che arriva in aeroporto, liberando l’amica da questa incombenza e prendendone il posto. I soldi che Mikako aveva chiesto in prestito al compagno di scuola servivano, infatti, per il biglietto aereo.

In realtà Rikako si vuole recare dal padre e Taku, riuscendo a comprendere meglio la situazione, la accompagna. Il padre di Rikako risarcisce Taku dei soldi che la figlia gli aveva chiesto per il viaggio, ma l’incontro tra padre e figlia non si conclude molto bene, perché il padre rivela la sua decisione drastica di chiudere con la propria famiglia. Rikako, triste e desolata, si confida con Taku e i due ragazzi approfondiscono la propria conoscenza e comprendono di provare l’un l’altra un sentimento.

Una volta tornati a Kochi, Rikako comincia, però, ad ignorare Taku, anche se i compagni iniziano a diffondere voci su una loro presunta relazione e lo stesso Matsuno chiede con insistenza all’amico dei chiarimenti.

L’incomprensione, la voglia di tacitare qualsiasi situazione ingarbugliata come una matassa e la giovane età dei ragazzi li porterà ad allontanarsi, a litigare e a non voler cercare una via di comprensione.

Finita la scuola superiore, ognuno di loro prenderà strade differenti, frequentando diverse università. Taku andrà a Tokyo, mentre Rikako resterà a Kochi e non rimarrà in contatto con nessuno.

Nei cuori dei ragazzi, però, resta sempre qualcosa di incompleto, ma la vita presenta spesso degli imprevisti, così, un giorno, a Tokyo, Taku incrocia con lo sguardo Rikako, entrambi fermi in una stazione ferroviaria. E’ lì per lui? Prenderà quel treno o lo aspetterà?

“Si sente il mare” è una storia molto realistica che riesce in modo perfetto a rappresentare quella che è l’età dell’adolescenza con i propri contrasti, insicurezze, emozioni ed è in contemporanea una storia di formazione e di crescita, il tempo che passa e la comprensione dei propri sentimenti, prima nell’estremizzazione tipica dell’adolescenza e poi nella riflessione intimista della giovinezza, il tutto scandito dalla malinconia che proprio la giovinezza riesce a cogliere, un’immersione nel passato per guarire le mancanze del presente.

Molto significativo e ben rappresentato il rapporto d’amicizia tra i due ragazzi, Taku e Matsuno, ben descritta la loro affinità che li ha legati ad una amicizia che dura da molti anni, per poi essere travolti dall’amore per la stessa ragazza. Allontanarsi per poi comprendersi e riuscire a ritrovare un equilibrio che va oltre il tempo e le scelte di vita.

La scena molto bella che dà il titolo al film è rilevante e definisce la storia di entrambi, quella stima e fiducia che li ha avvicinati fin da piccoli nella comune amicizia e che ora li riconcilia con la propria esistenza.

Gli ultimi istanti del film, invece, sono di un raro splendore, come gli sguardi tra Taku e Rikako, quel raggio di luce che illumina le loro due anime, lì, in piedi, fermi in una stazione, tra tante persone, comprendono la propria unicità e forse anche il bisogno di esserci l’uno per l’altra, in un giorno qualunque che potrebbe cambiare la loro vita.

Grazia

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