Comfort&Magic – Storie di sorrisi e di magia (Our Chocolate Moments & Handmade Love)

“Il mondo è pieno di cose magiche, pazientemente in attesa che i nostri sensi si acuiscano“.
(William Butler Yeats)

Ci sono dei momenti dell’anno in cui abbiamo particolarmente bisogno di magia, come di una nuvola che ci circonda per rassicurarci che, in fondo, va bene così, che possiamo superare quella determinata difficoltà, che possiamo riprenderci e vedere tutto illuminato da mille luci colorate. Si pensa che la magia sia un elemento importante solo quando si è bambini. Poi, invece, più passano gli anni e più si comprende che la bellezza sta tutta lì, assicurata dal credere fino alla fine che le cose belle, se si desiderano, possono accadere con un piccolo tocco di magia.

Ed è per questo motivo che abbiamo deciso di dedicare questo articolo/recensione a due piccoli mini-drama che sono stati un conforto e una carezza in determinati momenti della vita, perché ci hanno aperto gli occhi su un mondo magico e fantastico, pronto ad aiutarmi. Due mini-drama che sono piccole fiabe e che ci fanno sognare come quando eravamo bambine.

== OUR CHOCOLATE MOMENTS ==

“Mi piace questo suono. Mi piace molto lo schiocco del cioccolato. E’ la routine che dà inizio alla mia giornata e determina anche l’andamento della giornata stessa”.

Titolo originale: 우리들의 초콜릿 순간

Cast: So Joo-yeon, Gong Sung-ha, Song Ji-ho, Choi Won-young, Son Hyun-joo, Nam Myeong-ryeol

Genere: Slice of Life, Healing Drama

2 episodi

Corea del Sud, 2025

A volte il titolo può facilitare la scelta di cosa guardare e per me questo è stato il caso di “Our chocolate moments“, miniserie di due episodi di un’ora, un piccolo gioiellino che si è rivelato ancora più bello delle mie aspettative.

La storia parla di Seul Gi (So Joo-yeon, “Season of Blossom”, “A Love So Beautiful”, “Lovestruck in the City”, “On/Off”), Hyeon Nam (Gong Sung-ha, “Doctor Slump”, “Daily Dose of Sunshine”) e Sun Tae (Song Ji-ho, “Lovely Runner”, “Stranger”), tre persone che lavorano in un’azienda che produce cioccolato e che per San Valentino dovrebbero riuscire a trovare l’ispirazione per un nuovo progetto.

Seul-gi è una ragazza entusiasta, ogni mattina scarta il suo cioccolato, in attesa di prendere l’autobus per recarsi a lavoro dove si impegna molto, ma spesso il suo entusiasmo è talmente euforico che non riesce a moderare il comportamento relazionale con i colleghi. Hyeon Nam, invece, è il contrario di Seul-gi, pondera ogni scelta con riflessione e spesso è critica con gli altri e con se stessa. Sun Tae, invece, è un influencer che gestisce un account dal nome “Sweet Jeremy che lavora in un’azienda di cioccolato”.

I tre, che dovrebbero collaborare insieme, hanno diversi intoppi sul lavoro, proprio a causa del loro carattere così diverso, ma, dopo che le loro vite s’ intrecceranno con quella di un orologiaio, qualcosa cambierà. Attraverso i conflitti e le successive riconciliazioni supereranno, infatti, qualsiasi ostacolo.

Hong Sa-jang (Choi Won-young, “Hwarang”, “Mystic Pop-Up Bar”) è il proprietario di un misterioso negozio di orologi che produce e vende cioccolatini artigianali, abbinandoli ad ogni genere di cose e il suo negozio sembra uscito dalla dimensione onirica di una fiaba. La sua vita solitaria e malinconica si imbatte in quella dei tre giovani, insieme troveranno, infatti, dei momenti preziosi che daranno a tutti loro un angolo di calma, di serenità e uno stimolo per credere in se stessi.

Le vite e il destino di queste quattro persone si intrecciano.

“Our Chocolate Moments” è un drama che parla di solitudine dei sentimenti umani e lo fa con un tocco delicato e con una magia intrinseca che lo rende unico nel genere. Una storia che è insieme terapeutica e commovente. Una visione che scalda il cuore per chi è amante del cioccolato come me, ma anche per chi non lo è. Bravissimi tutti gli interpreti.

Un drama che è come un abbraccio in una giornata fredda d’inverno, come bere una cioccolata calda in tranquillità, ripensando ai momenti della propria giornata e superando ogni ostacolo interiore.

==HANDMADE LOVE==

“Conoscete la storia della fata e del boscaiolo? Un boscaiolo si innamorò di una fata e così le rubò il suo abito celestiale per impedirle di lasciarlo per tornare in paradiso. (…) La storia, però, non è vera. La ragione per cui il boscaiolo aveva rubato l’abito alla fata non era perché l’amava. Il boscaiolo aveva rubato quella veste perché era bellissima“.

Titolo originale: 핸드메이드 러브

Cast: Lee Soo-hyuk, Lee Soo-ji, Park Seung-ji, Lee Young-jin, Moon Ji-hoo, Seo Jung-yeon, Yeon Je-hyung, Choi Baek-gu

Genere: Romance, Fantasy, Healing

8 episodi

Corea del Sud, 2020

Ogni leggenda ha un fondo di verità e le storie della buonanotte che vengono raccontate ai bambini affondano le proprie radici in un mondo fantastico e ignoto, popolato da spiriti, fate, creature magiche e divinità, che vivono quasi parallelamente a noi e che, talvolta, incrociano con noi il loro cammino.

Woven (Lee Soo-hyuk di “Doom at Your Service“, “Tomorrow” e “S-Line“) proviene da questo mondo fantastico di cui lui stesso narra all’inizio del drama, un mondo fiabesco e soprannaturale, immoto nella sua dimensione eterna e percorso dalla magia. Anche Woven, come le altre creature di quel mondo, è una divinità, ma il suo senso dell’empatia e della compassione sembrano essere annebbiati dalla ricerca della bellezza ad ogni costo, come se la contemplazione della bellezza fosse l’unica verità. Così, commette un errore nei confronti delle creature celesti, che decidono di condannarlo ad una terribile punizione: l’Assoluto (Lee Young-jin di “Here’s My Plan“), usando la sua speciale carabina, lo scaccia dal paradiso per esiliarlo in eterno sulla terra dei mortali, dove albergano il dolore e la sofferenza e dove l’unico modo per comprendere le altre creature è la compassione.

Ed è sulla terra che un Woven malinconico e mesto approda. Avvertendo tutto il dolore di chi lo circonda, decide di aprire una sartoria, che confeziona abiti per una persona alla volta. Ogni abito, infatti, è intessuto e adornato con le emozioni e i sentimenti del cliente che lo ha chiesto, donando conforto con la sua bellezza, caricando il suo aspetto di perfezione effimera dell’umana compassione di cui gli umani hanno bisogno con i propri dolori.

Un giorno, nella sartoria entra anche Han Sa-rang (Lee Soo-ji), che, dopo sette anni di relazione e alle soglie del matrimonio, è stata tradita e abbandonata dal fidanzato (Moon Ji-hoo), deciso a sposare la donna di cui si è improvvisamente innamorato. Han Sa-rang è un concentrato di emozioni: rabbia, collera, desiderio di vendetta, ma anche frustrazione, tristezza, autocommiserazione, depressione, e, infine, dolcezza, desiderio di sognare, comprensione, empatia. Quando fa il suo ingresso nella sartoria, Woven viene travolto immediatamente da tutte le emozioni e i sentimenti che porta con sé quella ragazza, che, al tempo stesso, progetta di uccidere il fidanzato, ma sogna anche l’amore romantico.

Giacché è arduo creare un abito per Sa-rang, ma la ragazza sembra avere un’innata predisposizione per comprendere gli esseri umani, portando i clienti a parlare di sé per ricavare i fili e i tessuti di emozioni di cui sono composti gli abiti, Woven e il suo servitore Joey (Park Seung-ji) le propongono di rimanere nel team e di diventare apprendista della sartoria.

Ed è così che la storia si dipana per 8 brevi episodi (di 20 minuti circa), con Sa-rang unica umana in un luogo incantato che fa da interprete delle emozioni umane e Woven che inizia a comprendere sempre di più gli esseri umani e, lentamente, perde la sua rigida patina da divinità esiliata per abbracciare in toto l’empatia umana.

Più passa il tempo, più clienti incontrano Woven e Sa-rang (ogni episodio è dedicato ad uno specifico caso e ad un cliente da ascoltare e da consolare con un meraviglioso abito), più i due si avvicinano e si supportano, riuscendo a comunicare le proprie emozioni e le proprie sofferenze e superando le difficoltà. Ma, anche se Sa-rang impara a conoscere il mondo fantastico di Woven e ad accoglierlo senza timore, mentre Woven impara a ridere e a piangere, comprendendo che emozionarsi non è una debolezza, possono stare insieme un’umana e una divinità?

Questo piccolo breve drama incanta e porta in un mondo fatto di magie che si dischiudono a mezzanotte, in un’atmosfera così rarefatta e sospesa, che sembra uscita da un vecchio musical, per dirci che va bene anche essere tristi e depressi e che la vera magia è quando riusciamo a credere in noi stessi.

Grazia (Our Chocolate Moments) & Laura (Handmade Love)

Theatre : A Love Story

“Sentivo il cuore che mi batteva. Sentivo il battito del cuore di ognuno. Sentivo il rumore umano che producevamo tutti, lì seduti, senza muoverci, nemmeno quando la stanza diventò tutta buia”.

(Raymond Carver, “Di cosa parliamo quando parliamo d’amore”)

Titolo originale: 劇場, Gekjiiou

Diretto da: Yukisada Isao

Scritto da: Horai Yuta

Cast: Kento Yamazaki, Matsuoka Mayu, Sato Kanichiro, Ito Sairi, Asaka Kodai, Iguchi Satoru

Genere: drama, romance, life, indie, theatrical

Corea del Sud – 2020 (film)

Ci sono immagini che si collegano ad esperienze passate e a memorie di letture, ci sono pellicole che sembrano riferirsi a libri con cui non hanno nulla a che fare, scrittura inconsapevole di romanzieri che li hanno ignorati, eppure in tutto e per tutto così rispondenti, quando si piegano al filtro della nostra percezione. Così è accaduto a me, durante la visione del film giapponese “Theatre: A Love Story“, con quella chiara e netta sensazione di guardare non tanto un’opera nuova, quanto qualcosa che avevo già avuto modo di leggere, in uno spazio misto tra prosa e poesia, senza alcuna vera identificazione, fino all’ultima scena, quando il buio scende sui protagonisti della storia e la scenografia di una Tokyo fredda e notturna sfuma per concretizzarsi con quella di un palco teatrale, dove i protagonisti stanno lì, muti e silenziosi al centro della scena, immersi solo nel rumore dei propri passi sul legno, mentre gli spettatori tentano di scrutarne i volti nel buio. Solo in quegli ultimi minuti in cui la finzione scenica di frantumava improvvisamente – e, con essa, anche la quarta parete teatrale – mi è tornato alla mente Carver, come se fosse l’autore anonimo e casuale di quell’opera appena vista, come se quei personaggi fossero usciti dalla sua penna, vivendo tra le sue pagine la sofferenza di cosa vuol dire amare e non amare, con tutta la loro solitudine silenziosa immersa nel rumore del mondo. Ed è per questo motivo che la recensione seguente è accompagnata e spezzata dalle parole di Carver, come se fosse narratore di questa storia non-scritta.

Con essa, un’unica grande domanda, destinata a rimanere senza una vera risposta, nascosta in frammenti di diversa grandezza tra le sue variazioni: di cosa parliamo realmente quando parliamo d’amore? E, quindi, che cos’è per davvero l’amore? Forse è uno spirito errante e mitico o è qualcosa di così drammaticamente reale e concreto, da non essere compreso nella sua limitatezza, cercandone una dimensione idealizzata e irrealistica in una continua aspirazione alle cose belle, che racchiude in un circolo di sofferenza?

Nagata (interpretato da Kento Yamazaki di “Alice in Borderland” e “Rikuoh“) e Saki (interpretata da Matsuoka Mayo di “Makanai” e “The Greatest Teacher“) vagano in un mondo dove la realtà dura di tutti i giorni si scontra con i loro sogni e le loro aspirazioni, alla ricerca della parola “amore”, innamorati del suo stesso concetto, senza capirne il motivo. Vagano e si incontrano, si innamorano e si scontrano, si fanno del male, si perdono, si cercano, si trovano e, poi, si fanno nuovamente del male, intrappolati da un concetto che hanno idealizzato, ma che non sono mai riusciti a comprendere.

In una calda giornata d’estate a Tokyo, la studentessa di recitazione Saki si vede seguita da un ragazzo mal vestito, con la barba sfatta di tre giorni e i capelli arruffati, capitato nel suo percorso come se ne fosse un guardiano. Questo ragazzo dice di chiamarsi Nagata, un aspirante sceneggiatore e regista teatrale, un talento naturale della scrittura, che, però, non sa come far fruttare il proprio carisma. Non si conoscono, ma i loro riflessi sulle finestre delle vetrine sembrano fondersi in un’unica ombra e, così, i due iniziano a conoscersi e a parlare di sé, perché, in fondo, sanno già che sono destinati ad innamorarsi.

“Avevano riso. Appoggiati l’uno all’altra, avevano riso fino alle lacrime, mentre tutto il resto – il freddo e dove lui era andato in quel freddo – restava di fuori, almeno per un po’”.

Saki ama la mente brillante di Nagata e la sua sensibilità artistica e culturale, il suo estro creativo fatto di genialità improvvisa e di lunga perdurante malinconia, il suo volto nostalgico e ombreggiato, che nasconde un temperamento ribelle e una profonda sofferenza. Nagata, d’altro canto, ama la vitalità di Saki e tutto il mondo racchiuso nel suo sorriso, la sua voglia di vivere, la sua positività solare, che non si abbatte nemmeno in mezzo alle tempeste e che si interseca con la sua umanità.

Ed è così che, dopo quel primo incontro estivo che li ha avvicinati, quando arriva l’autunno prendono la decisione di andare a vivere insieme, soli, ma uniti per affrontare la società circostante con tutte le sue amarezze. Vivere insieme non è semplice: Saki inizia immediatamente a lavorare per guadagnare soldi con cui pagare la casa, il cibo e le bollette e nel suo sorriso inizia ad incastrarsi la preoccupazione di sopravvivere nella vita di tutti i giorni; Nagata, invece, si dedica esclusivamente a sé stesso e a quelle sceneggiature, che tardano ad arrivare, consapevole delle difficoltà di Saki, ma autoesclusosi volontariamente da qualsiasi preoccupazione. Mentre Saki inizia a rinunciare al sogno di diventare attrice, chiusa in un routine fatta da un doppio lavoro e dalla fatica di lottare con ogni centesimo, Nagata trascorre le giornate ad odiare sé stesso e la sua mancata realizzazione, fatta di pièce teatrali che non prendono il volo e di sceneggiature che faticano ad essere scritte, di crisi d’ispirazione e menzogne, di invidia verso artisti apprezzati e di consapevolezza di essere privo di talento.

“Ho perso il controllo. Ho perso l’amor proprio. Ero una piena di amore proprio, io”.

Saki è convinta che Nagata sia sempre impegnato a scrivere sceneggiature, ma Nagata finge di tenersi occupato per non sentire le preoccupazioni materiali di Saki e non contribuire alla vita di tutti i giorni: si odia e, al tempo stesso, si assolve per questo, consapevole di essere nel torto e di continuare a fare del male alla sua compagna, ma deciso nel continuare le sue menzogne per non perderla.

Nagata si infastidisce per la presenza di Saki, per la sua continua gentilezza e la sua cura, che lo mettono con le spalle al muro, e per quell’eterno rumore che produce la sua presenza, che gli offusca le idee creative perché tenta di squarciare il suo alone di solitudine; al tempo stesso, sa di avere bisogno di Saki e di quella forza proveniente dal suo sorriso e dalla sua risata libera, una ricarica onnipresente di buonumore alla sua finta e caricata malinconia. Così, prende la decisione di trovare un piccolo lavoro, scrivendo recensioni, e di vivere da solo, ma di tornare sempre da lei ogni sera, mantenendo le distanze per preservare il suo isolamento creativo, ma cercando il suo sostegno per non perdere la sua energia, mostrando dolcezza solo quando finge di non essere sobrio, costruendo ogni giorno trincee, che, col tempo, si accumulano per diventare insormontabili.

Più Nagata traccia trincee, più mette distanza da Saki; più lui cela la purezza del suo primo innamoramento dietro recriminazioni e cupezza, più lei si allontana; più lui la cerca per assicurarsi la sua energia, più lei perde tutta la forza vitale che la caratterizzava fino a perdere anche sé stessa.

Perché Nagata e Saki erano destinati ad innamorarsi, ma a continuare ad amarsi e forse lo hanno sempre saputo da quel primo incontro in una città abbandonata dai suoi abitanti in ferie per approdare ad una rigida notte invernale in cui la loro separazione si concretizza nella promessa di un incontro d’addio, che, di fatto, non avverrà mai. L’amore sfuma nella sua mancanza. Nagata cerca Saki, che si è eclissata dalla sua vita, e, così, le dà una veste teatrale, l’unica che è riuscito finalmente a concretizzare: la loro mancata discussione prosegue in un teatro, su quello spazio aperto del palcoscenico, che per Nagata aveva rappresentato la vita vera. Incapace di ammettere i propri errori durante nella vita ordinaria di tutti i giorni, Nagata trasforma sé stesso e Saki nei protagonisti del suo dramma per continuare a vivere quell’amore mancato e terminarlo, chiedendo un perdono che non è mai riuscito a pronunciare.

“Mi sa che è ancora più triste vivere così, soli, ma insieme agli altri, invece che per conto proprio”.

“Theatre : A Love Story” non è un film di facile visione: al di là della lunghezza abbastanza impegnativa (quasi due ore e mezza), la pellicola indipendente è costruita per metà come un film d’essai francese degli anni ’70, realista e lirico, al tempo stesso, e per metà come un Dogma 95 scandinavo, con la vita di tutti i giorni come scusa per aprire il coperchio dei tormenti dell’animo. Dopo i primi attimi di luce e di giorno, il resto della storia è quasi totalmente ambientato di notte, con una graduale discesa nella notte più profonda e nel freddo più rigido, dove il buio corrisponde al senso di solitudine dei protagonisti, come un silenzio che inghiotte qualsiasi rumore e lo annulla. Al tempo stesso, un’altra quasi assenza della pellicola è quella della musica, con una colonna sonora rarefatta e minimalista, in molte scene mai presente per lasciare posto ai rumori della vita di ogni giorno, quelli provenienti dalla casa e dai suoi attrezzi, ma anche quelli della strada, talvolta così forti e assordanti da rischiare di coprire il suono dei pensieri e delle parole dei protagonisti. Inoltre, la tecnica narrativa è affidata ad una voce narrante imparziale, quella del protagonista Nagata che parla di sé in terza persona, narrando con lucidità tutti i suoi errori e le sue colpe.

Il film, che è diretto da Yukisada Isao, uno specialista di piccole storie drammatiche dai tempi di “Love Letter” (1995), è stato particolarmente elogiato dalla critica sia per le interpretazioni degli attori (in primis, Kento Yamazaki, che, all’epoca, passava da drama televisivi di genere romantico o slice-of-life a cinema più impegnato e che si è trasformato anche fisicamente per assumere l’aspetto trasandato ed emaciato del suo personaggio), sia soprattutto per il suo inaspettato finale meta-teatrale, dove realtà e finzione teatrale si confondono, senza dare più punti di riferimento nel racconto del protagonista e nel tempo, mostrando i personaggi giovani recitare sul palco, come in un dramma di Nagata, e, al tempo stesso, in una versione più adulta, seduti tra il pubblico degli spettatori, come a ri-guardare sé stessi e il loro perduto amore.

“E tutto questo, tutto questo amore di cui parliamo, diventerebbe solo un ricordo. Forse neanche quello”.

Laura

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Kyū Sakamoto – Ue o muite arukō (Alzo lo sguardo mentre cammino)

“Alzo lo sguardo mentre cammino

In modo che le lacrime non cadano

Ricordando quei giorni di primavera

Ma stasera sono completamente solo (…)”

(“Ue o Muite Arukou”, 1961 – testo originale di Rokusuke Ei)

Quando ho visto per la prima volta “La collina dei papaveri” di Goro Miyazaki, altro capolavoro dello Studio Ghibli, ho pensato che fosse uno dei migliori film di animazione che riuscisse a ritrarre quel periodo di inizio anni Sessanta in Giappone, visto dagli occhi di studenti, adolescenti, a un passo dalla voglia di riscattarsi nel passaggio di un dopoguerra molto difficile, nella ricostruzione e nella riconquista della fiducia. Il film di Miyazaki è, infatti, ambientato nel 1963, un anno prima delle Olimpiadi, svoltesi a Tokyo nel 1964, dove l’ultimo tedoforo fu Yoshinori Sakai, nato a Hiroshima il 6 agosto 1945, un’ora dopo l’esplosione della prima bomba atomica, che diventò simbolo della ricostruzione giapponese (ne abbiamo parlato qui). Si tratta di una generazione nata pochi anni prima della guerra o nel dopoguerra e che in Giappone visse un passaggio storico e politico-sociale molto delicato.

Quasi dieci anni dopo il “Trattato di Sicurezza tra Stati Uniti e Giappone” e il “Trattato di Pace di San Francisco”, nel 1959 si parlò di un nuovo “Trattato di Mutua Cooperazione e Sicurezza” tra i due Paesi, il cosiddetto “Trattato di Anpo”, che scatenò manifestazioni e proteste studentesche in Giappone e proprio in questo frangente, il compositore Rokusuke Ei scrisse la famosa “Ue o Muite Arukou” che esprimeva il dolore e la malinconia per quel periodo pieno di tristezza e di sofferenza.

La canzone “Ue o Muite Arukou” fu cantata da Kyū Sakamoto nel 1961 e diventò subito famosa in tutta l’Asia, ma anche in Occidente. Goro Miyazaki l’ha inserita all’interno della ost de “La collina dei papaveri” e ha fermato, così, il tempo perché tutti noi ci immergiamo direttamente in quell’atmosfera.

Kyū Sakamoto (pseudonimo di Hisashi Oshima) nacque a Kawasaki il 10 dicembre del 1941, nel 1961 aveva vent’anni e la sua carriera musicale era iniziata da qualche anno, per questo Sakamoto può essere considerato il primo idol giapponese della Storia.

La voce dolce e carezzevole di Sakamoto donò alla canzone scritta da Rokusuke Ei un tocco personale, a tratti malinconico e nostalgico così come il suo stesso accompagnamento fischiato all’interno del motivo musicale.

Kyū Sakamoto, fin da giovanissimo, aveva iniziato ad esibirsi nei club jazz di Tokyo, già alla fine degli anni Cinquanta; diventò uno degli artisti idolatrati dai giovani perché riusciva a fare da tramite tra le musiche tradizionali e il nuovo sound cha arrivava da oltreoceano, il rock and roll.

In pochi anni diventò una star nazionale e si cimentò anche nell’esperienza cinematografica e, in poco tempo, fu conosciuto anche in Occidente. Un produttore inglese nel 1963 ascoltò “Ue o Muite Arukou”, ne curò la versione inglese con il titolo “Sukiyaki”, che poco aveva a che fare con il titolo originale perché “sukiyaki” è il nome di un piatto giapponese. Il brano nella versione inglese fu interpretato da Kenny Ball, ma tutto questo agevolò l’immissione sul mercato musicale della versione originale.

Kyū Sakamoto vendette milioni di dischi in tutto il mondo, piazzandosi al primo posto nella classifica Billboard Hot 100 e ancora oggi è uno dei singoli più venduti al mondo, con le sue 13 milioni di copie.

Altra hit di successo nel 1963 fu “Miagete Goran Yoru no Hoshi wo” (“Guarda le stelle nella notte”), il cui testo fu sempre scritto da Rokusuke Ei, mentre la musica da Taku Izumi, che vinse il Japan Record Award. Il motivo allegro della canzone fu ripreso da altri artisti, tra cui negli ultimi decenni dai Begin per la sigla dell’anime “Futatsu no Spica” (“Twin Spica”). La canzone fu riscoperta durante il terremoto e lo tsunami del 2011.

Personalmente, una delle mie canzoni preferite di Kyū Sakamoto è “Kokoro no hitomi” (“Occhi del cuore”), dove la sua voce pacata accompagna un testo dal significato profondo e pieno di speranza.

Il destino di Kyū Sakamoto, però, fu molto triste, il cantante scomparve troppo presto, non aveva ancora compiuto 44 anni, rimase, infatti, vittima dell’incidente aereo del 12 agosto 1985 che coinvolse il volo Airlines 123, un volo di linea tra Tokyo e Osaka che precipitò sul monte Takamagahara. Il secondo incidente aereo più grave di sempre che contò 520 vittime.

Kyū Sakamoto era tra le vittime più illustri, anche se all’inizio fu scambiato per il compositore e artista Ryuichi Sakamoto, per via del cognome. In quei giorni, infatti, Ryuichi Sakamoto dovette apparire ai notiziari per dimostrare di essere vivo.

“Ue o muite arukō” di Kyū Sakamoto fu la prima canzone asiatica a raggiungere il numero uno nella classifica mondiale alla Billboard Hot 100 e detenne questo record fino al 2020 con i BTS e la loro “Dynamite”.

A quarant’anni dalla sua scomparsa volevo dedicare queste righe ad un artista che sfortunatamente ci ha lasciati troppo presto e che avrebbe ancora arricchito il panorama musicale con la sua sensibilità.

“La felicità sta oltre le nuvole.

La felicità giace sopra il cielo.

Alzo lo sguardo mentre cammino

In modo che le lacrime non cadano

Ma le lacrime sgorgano mentre cammino

Sono tutto solo”

(video ufficiale rimasterizzato)

Grazia

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Love in Time – Incontrarsi nel tempo

“Non ho rimpianti nella mia vita perché ti ho incontrata. (…)

Dovremmo amare il tempo rimanente e non lasciare rimpianti”.

Titolo originale: Love in Time, 我的秘密室友, Wo De Mi Mi Shi You, Meet Me @ 1006, My Secret Roommate

Diretto da: Zhao Jin Tao

Cast: Yang Xu Wen, Xiang Han Zhi, Wang Meng Li, Dai Gao Zheng, Caro Zheng, Chen Guan Yu, Wang Hai Di, Xu Kai Xin, Yu Xin Tong

Genere: fantasy, scifi, romantic

Cina, 2022 – cdrama 24 episodi

Quando ho scelto di guardare “Love in Time”, drama cinese del 2022, ho capito da subito che mi sarei trovata di fronte ad una storia sospesa nel tempo. Lo consiglio, infatti, a tutti coloro che sono appassionati come me di storie che si perdono tra spazio e tempo come il film coreano “Il mare” con Jun Ji-hyun e Lee Jung-jae e il suo remake americano “La casa sul lago del tempo”, con Sandra Bullock e Keanu Reeves.

Credetemi, nonostante l’apparente lentezza dei primi episodi, la storia rappresentata in questo drama è davvero piacevole da guardare e pian piano prende a tal punto da vivere insieme ai due protagonisti le vicende e i cambiamenti del destino che conseguono ad ogni loro azione. Ogni azione ha una conseguenza nel tempo e ad ogni cambiamento e turbamento umano consegue una vicendevole mutevolezza di sentimenti e un’armonizzazione di emozioni e pensieri.

“Love in Time” è un cdrama ispirato a sua volta ad un drama taiwanese, “Meet Me@1006” con Lego Lee, Nikki Hsieh e Greg Hsu (“18X2 Beyond Youthful Days”, “Someday or One day”).

2022.

He Zheng Yu (Yang Xu Wen, “Crossroad Bistro”) è un avvocato freddo, irreprensibile e dall’aria un po’ arrogante che vive nel 2022 e che non ha mai perso nemmeno una causa, un fiore all’occhiello per lo studio legale Feng Yu.

Il suo destino, però, cambia quando inizia ad occuparsi del divorzio dell’amica Wu Ji Rong (Wang Meng Li), famosa attrice da poco sposata con Jiang Cheng Hao (Dai Gao Zheng). La giovane chiede il divorzio a causa dei frequenti tradimenti del marito, ma poi ritratta e improvvisamente ritira le accuse.

He Zheng Yu viene accusato ingiustamente di aver fabbricato delle prove false e così la sua reputazione ineccepibile viene macchiata da questo increscioso avvenimento e, anche quando cerca di rintracciare l’amica, la giovane sembra essere sparita.

Caduto in disgrazia, perde il lavoro, viene estromesso da socio dello studio legale e perde anche il grande appartamento che l’azienda gli aveva concesso, inizia ad essere guardato male dalle persone e il suo atteggiamento franco e risoluto lascia spazio ad uno triste e malinconico.

Così, il famoso avvocato He Zheng Yu esce di scena, si ritira per studiare meglio il caso in cui è stato implicato e si trasferisce in un vecchio complesso di appartamenti, per strada trova una gru di carta, la raccoglie e la porta con sé.

La prima sera nella sua nuova casa, alle h. 22.06, appare improvvisamente nel suo appartamento una donna. He Zheng Yu è stupefatto e anche impaurito, teme addirittura che possa trattarsi di un fantasma, alle 22.52 la donna sparisce.

2021.

La giovane Chen Jia Lan (Xiang Han Zhi, “Young Babylon”) è una giornalista che lavora per INEWS, ottimista di natura e appassionata di arti marziali, che pratica insieme all’amico Jiang Cheng Hao, crede fermamente nella verità e cerca nel suo lavoro di essere corretta e onesta per garantire equilibrio e chiarezza di informazione.

Chen Jia Lan trascorre molte ore a migliorare se stessa e a dedicarsi alla carriera giornalistica alla quale crede fermamente, ha poi degli hobby e delle passioni anche naif e alquanto simpatiche, come la sua affezione per Doraemon. Veste spesso a casa con una felpa con l’effige di Doraemon, famoso gatto blu che vola nel passato e nel futuro e protagonista di anime e manga giapponesi (Non è a caso la sua affezione per Doraemon, viaggiatore nel tempo, che ci predispone ad una tematica affrontata proprio nel drama!).

Una sera, mentre sta cercando di rilassarsi un po’ nel suo appartamento, alle h. 22.06 appare un ragazzo. La giovane si spaventa, urla e teme possa trattarsi di un fantasma, poi quel ragazzo sparisce alle h. 22.52.

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Chen Jia Lan e He Zheng Yu, in realtà, vivono nello stesso appartamento, ma in due momenti diversi. Tra loro ci sono quattro mesi di distanza, Jia Lan vive nel 2021 e Zheng Yu nel 2022, ma, per qualche strano motivo o qualche inspiegabile magia ogni sera, allo scoccare delle h. 22.06, diventano coinquilini involontari in una sovrapposizione temporale per soli 46 minuti.

Dopo gli scontri e i fraintendimenti iniziali, i due ragazzi iniziano a parlare e a conoscersi e capiscono di avere qualcosa in comune, forse uno scopo ed è questo il vero motivo del loro incontro quotidiano serale che va oltre le regole spazio-temporali.

Il caso dell’attrice Wu Ji Rong e del marito Jiang Cheng Hao, amico di Jia Lan è forse il fulcro della questione. Bisognerà cercare di mettersi in contatto con i due, evitare il matrimonio oppure cercare di modificare qualcosa che possa scagionare Zheng Yu dalle false accuse.

Zheng Yu, pian piano inizia a cambiare, da avvocato arrogante e freddo diventa una persona che, nell’affrontare amarezza e dispiaceri, ha aperto il suo cuore all’empatia e alla sensibilità, mentre Jia Lan inizia a fidarsi del suo coinquilino involontario e si impegna ad aiutarlo.

I due giovani iniziano a collaborare ogni sera, nel loro breve incontro di 46 minuti, per alterare gli eventi del 2021, cambiare il futuro, sfruttando “l’effetto farfalla”, ovvero la correlazione tra le azioni del presente e quelle che si riscontreranno nel futuro.

Mentre lavorano sulle prove raccolte e sulle azioni da evitare o cercare di cambiare, Chen Jia Lan e He Zheng Yu capiscono di essersi innamorati, ma come possono stare insieme se appartengono a due tempi diversi? Come possono incontrarsi in una stessa dimensione temporale?

Zheng Yu del 2021, per di più, è ancora un avvocato arrogante e calcolatore che non è facile da avvicinare, mentre Jia Lan del 2022 è irrintracciabile. Cosa è successo alla Jia Lan del 2022? Come mai la ragazza nel 2022 non vive in quell’appartamento, affittato infatti da Zheng Yu?

Anche quando sembra che i due ragazzi siano riusciti a cambiare degli eventi, accade qualcosa che riporta alla stessa situazione iniziale o che non lascia sistemare e trasformare in meglio il futuro. Come mai? Cosa succede davvero in questa sovrapposizione spazio-temporale?

Tante domande che tengono con il fiato sospeso lo spettatore, un segreto da scoprire, delle morti da evitare e una storia coinvolgente e recitata molto bene da parte dei due protagonisti e dei secondari.

L’ambientazione serale, infine, aiuta maggiormente a immergersi nell’atmosfera della storia, l’edera rampicante fuori dalla finestra, la luce che filtra dalla sala dove i due ragazzi confabulano tutte le sere, mangiando un pasto caldo, l’arredamento così sereno, tutto questo diventa familiare per i 24 episodi del drama e quando arriverete alla fine, vi sembrerà di dover davvero lasciare un amico.

La sintonia tra i due protagonisti, una fotografia molto bella e curata e una colonna sonora che sembra accompagnare i sogni, sono i punti di forza di questo drama. La tematica della sovrapposizione temporale lascia riflettere sulle scelte importanti, su ciò che avremmo potuto fare e che non abbiamo fatto in alcuni momenti della nostra vita e sulla speranza di poterli cambiare o solo sul desiderio umano di tornare indietro nel tempo per fare meglio.

Perché i viaggi nel tempo sono degli archetipi, simboli del tentativo umano di rimediare a quei rimpianti mai risolti e nella letteratura e nel cinema sono simboli di speranza!

Grazia

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Love in the Big City

“Questa è la storia di un lui e di una lei. Ma che sia giusto chiarirlo sin da subito: questa non è una storia d’amore”.

(dal film “500 giorni insieme”)

Titolo originale: 대도시의 사랑법 – Daedosiui sarangbeop (lett.: How To Love in the Big City, Come si ama nella grande città)

Regia: E.oni

Sceneggiatura: Kim Na-deul

Cast: Kim Go-eun, Noh Sang-hyun, Jeong Whee, Oh Dong-min, Lee Sang-yi, Jang Hye-jin

Genere: comedy / drama / life

Film – Corea del Sud, 2024

Esistono anime che non si cercano, ma si trovano, capendosi reciprocamente già al primo sguardo. Esistono persone che sanno amarsi alla follia in tutte le loro caratteristiche, anche quelle peggiori, eppure non hanno bisogno di ufficializzare nulla in una relazione. Esistono ragazzi sperduti, che crescono vicini e si supportano a vicenda, accettando la bellezza di essere completamente imperfetti, incasinati, incoerenti e fuorvianti, e che sanno costruire tra di loro una fortezza in quelle che il mondo chiama fragilità. Esistono anime che sanno essere diverse e non uguali a nessuno, libere, indipendenti e se stesse, coese contro le etichette della società.

Ed è così che ho visto e ammirato Jae-hee e Heung-soo, protagonisti del film “Love in the Big City“, con la loro unica e speciale amicizia, che supera qualsiasi legame affettivo e amoroso, anime gemelle che si sono scelte con uno sguardo, consapevoli di essere diverse da tutto e da tutti, due romantici ribelli, che non sanno ancora chi sono e cosa vogliono, ma che cercano di costruire la propria strada lentamente ogni giorno, un pezzetto alla volta. Jae-hee e Heung-soo non hanno paura di mettersi in discussione, di sbagliare, cadere e ferirsi, per, poi, rialzarsi, cercando non solo di sopravvivere nella giungla quotidiana di una società ipocrita e perbenista, ma di mantenere intatto il proprio spirito senza che nessuno possa annullarlo e sopprimerlo, rimanendo se stessi, anche nelle loro caotiche esistenze non ordinarie e, soprattutto, nella loro folle e scapigliata quasi storia d’amore, dove non c’è alcuna storia, ma c’è molto più amore che in qualsiasi altra relazione.

“Le persone si sentono meglio quando pensano che qualcuno diverso è inferiore. Non sanno che è solo complesso di inferiorità”.

Heung-soo (Noh Sang-hyun di “Pachinko“) ha vent’anni, crede di avere tutto il mondo davanti e va a vivere a Seoul per frequentare l’università con il sogno di specializzarsi in lingua francese. Vuole essere se stesso, libero nei suoi desideri e nelle sue passioni, vivendo in piena indipendenza la sua omosessualità. Tuttavia, non vuole essere visibile, convinto che non farsi notare è il modo migliore per non essere giudicato e condannato da una società che non riuscirebbe a capirlo.

Del resto, tutte le attenzioni in ambiente universitario sembrano catalizzate su Jae-hee (Kim Go-eun di “Goblin“, “The King: Eternal Monarch“, “Exhuma” e “Little Women“), una ragazza indipendente e disinibita, che, avendo vissuto in Francia per diversi anni, reca inconsapevolmente addosso la lettera scarlatta della diversità e del difficile adattamento in una società conservatrice. Tutti sembrano avere sempre l’obiettivo di seguire Jae-hee per, poi, parlare male di lei alle spalle: gli uomini convinti di poterci provare con lei, in quanto la reputazione da “europea” la rende immediatamente una conquista facile, le donne convinte di misurarsi con lei per far risaltare la sua immoralità e la loro purezza.

Poi, un giorno, in un locale di Itaewon, gli sguardi di Jae-hee e di Heung-soo si incrociano casualmente e in un attimo comprendono tutto l’una dell’altro, compreso quei segreti più nascosti che cercano di nascondere al mondo intero. Quando nella chat universitaria inizia a diffondersi la voce che il professore di letteratura francese frequenta un giovane allievo molto somigliante a Heung-soo, Jae-hee s’inventa di avere una relazione d’amore con Heung-soo, salvandolo dal giudizio sociale. Ed è così che, dopo quel primo sguardo casuale, inizia a crearsi tra loro una reciproca alleanza, quasi fossero una squadra di “diversi” e “disadattati”, per affrontare il mondo fuori.

Passano gli anni e trascorre l’età degli studi, Jae-hee inizia a lavorare in una corporation e sembra essersi sistemata nella sua vaghezza affettiva, ma, in realtà, ha semplicemente deciso di annullare se stessa per conformarsi a quello che la società impone: una brava ragazza anonima, con un posto di lavoro fisso e un fidanzato abusivo, che decide per lei e le impone la sua presenza e il suo volere. Heung-soo, nel frattempo, non ha ancora capito cosa vuole diventare, sentendosi errante in un mondo in cui vive come un fantasma: non ha terminato gli studi e fa lavori saltuari, ma ha una naturale disposizione per la scrittura, continua a vivere intensamente relazioni che il mondo bollerebbe come proibite, ma non riesce a legare con nessuno, autocondannandosi all’anonimato.

Se Jae-hee e Heung-soo non si fossero conosciuti e alleati all’università, forse sarebbero due continenti alla deriva sul magma in attesa di scontrarsi con altri continenti per provocare una scossa sismica, soli e isolati in un mondo caotico e rumoroso che non riesce a percepire il loro silenzio e il loro dolore. La loro alleanza, col tempo, è diventata un’amicizia unica ed esclusiva, un rapporto di fratellanza molto più solido ed empatico di qualsiasi altra relazione, non sottoposto a sotterfugi e a bugie. Jae-hee cerca di conformarsi alla società, Heung-soo prova, invece, a nascondersi: entrambi sanno, però, che possono essere se stessi solo insieme senza pregiudizi e senza condanne.

Jae-hee può ubriacarsi, tornare a casa di notte senza timore, andare a ballare da sola senza uomini, sentendosi libera come una donna che cresce e sbaglia, ma impara cosa vuol dire amare. Heung-soo può camminare a testa alta per strada, baciare altri uomini, urlare al mondo che non c’è nulla di strano ad essere differenti, sentendosi libero come un uomo che cresce e sbaglia, ma impara cosa vuol dire amare. Ed è, così, che, col tempo, realizzano che annullarsi è solo una sconfitta interiore, perché essere se stessi vuol dire non tenere in conto cosa dicono gli altri, ma agire secondo il cuore.

“L’amore è troppo astratto e difficile, ma la frase ‘voglio vederti’ è molto chiara”.

Il film è ispirato all’omonimo romanzo di Sang Young Park (tradotto in Italia come “Amore, Marlboro e mirtilli” ed edito da Rizzoli. Tuttavia, la regista E.oni, già fan del libro, ha deciso un adattamento cinematografico che si basasse solo sul racconto “Jae-hee“, preferendo concentrarsi di più sulla crescita dei protagonisti, su quell’età fatta di desiderio e confusione, in cui si sbaglia con entusiasmo “prima di dimenticarsi cosa vuol dire essere giovani”. La scelta particolare di E.oni ha portato una rilettura del romanzo quasi in chiave più intimista e indipendente (che ho particolarmente apprezzato), senza nulla togliere alle problematiche sociali sottese e alle difficoltà dei protagonisti nel far emergere se stessi in un contesto conservatore. Per questa ragione, non solo si è deciso di dare ancora più spazio ai dialoghi, scritti e recitati come in una commedia brillante, e brevi scene senza conversazioni a due, girate con una sensibilità incredibile e un tocco partecipe, ma sono stati inseriti anche elementi nuovi, non presenti nel romanzo. Un esempio proviene dalla scena in cui la madre di Heung-soo va a vedere al cinema il film “Chiamami col tuo nome” di Luca Guadagnino (tratto dall’omonimo romanzo di André Aciman) e inizia a comprendere, per la prima volta, l’animo tormentato del figlio e la sua sessualità.

Il film, che è stato presentato in anteprima al Toronto Indipendente Film Festival, ha ricevuto il plauso della critica e del pubblico, soprattutto per il gradimento nei confronti delle interpretazioni dei due attori protagonisti, Kim Go-eun e Noh Sang-hyun, candidati a numerosi premi tra il 2024 e il 2025 (tra gli altri, i prestigiosi Baeksang Arts Awards e Blue Dragon Film Awards) e vincitori di diversi riconoscimenti (Noh Sang-hyun ha vinto il premio come Best New Actor ai Blue Dragon Film Awards, mentre Kim Go-eun ha vinto come migliore interprete femminile al Buil Film Festival di Busan).

Diversamente, esiste anche una serie dal titolo “Love in the Big City“, interpretata da Nam Yoon-su e Lee Soo-kyung, che è basata interamente e fedelmente su tutto il contenuto del romanzo di Sang Young Park (che l’ha co-scritta e co-diretta) e che mostra una visione più centrata sul protagonista maschile – qui chiamato Go Young, mentre nel libro è Park Young -, concentrandosi sulla sua continua sofferenza nel percorso di auto-accettazione e affermazione.

Laura

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Stranger Book Club: Lettere d’Autunno

Titolo originale: Popura no Aki, ポプラの秋

Autore: Yumoto Kazumi

Prima pubblicazione:1997

Casa editrice italiana: Atmosphere Libri – Asiasphere – traduz. di Maria Elena Tisi

Esistono delle storie che riescono ad unire sentimenti ed emozioni e a renderli universali. “Lettere d’autunno” è un romanzo di Yumoto Kazumi, autrice di molti romanzi e script radiofonici e televisivi.

La protagonista di “Lettere d’autunno” è Chiaki, un’infermiera, che, in un momento difficile della propria vita da adulta, ricorda alcuni attimi della sua infanzia, soprattutto dopo la telefonata della madre che la informa della morte della proprietaria della casa dove avevano trascorso alcuni anni durante l’infanzia di Chiaki.

La ragazza intraprende il viaggio per raggiungere la casa dell’anziana signora Yanagi, proprietaria della “Residenza del Pioppo”, per darle l’ultimo saluto. Durante il viaggio, Chiaki ripensa al tempo in cui con la sua mamma si erano trasferite in quella casa, lontana dalla sua memoria, ma ora vicina al suo cuore.

In seguito alla morte del padre, Chiaki e la madre si erano trasferite alla “Residenza del Pioppo”, una vecchia casa composta da quattro appartamenti con giardino davanti. La bambina, però, che non era ancora riuscita a superare l’idea della mancanza del padre e che viveva ogni giornata e ogni cambiamento, dalla nuova scuola alla nuova città, con forti ansie e stress, si era presto ammalata.

La madre di Chiaki aveva chiesto un congedo per occuparsi della figlia, ma in seguito, dovendo riprendere il lavoro, ormai rimasto l’unica fonte di guadagno, aveva lasciato la bambina nella casa della vicina, l’anziana proprietaria. Qui Chiaki, dopo un momento di tensione e di timore, era riuscita a socializzare con la signora e ad apprendere il suo segreto.

La signora le aveva raccontato, durante le loro conversazioni sull’esistenza umana e sul mondo, che la sua vita era legata ad un cassetto delle lettere. Quando il cassetto delle lettere della credenza di legno si sarebbe riempito, allora sarebbe stato il suo ultimo giorno di vita. Le lettere erano destinate alle persone defunte ed erano scritte da persone diverse che avevano perso un familiare o un amico e che, nonostante la perdita, non potevano fare a meno di rivolgere loro una propria parola, un pensiero, un’ultima lettera di addio.

La signora aveva il compito di custodire queste lettere e di portarle con sé nell’aldilà.

La bambina, inizialmente scettica, aveva dubitato della storia delle lettere, ma poi, attratta dal desiderio anche lei di poter scrivere al suo papà, aveva iniziato a consegnare alla signora le proprie lettere destinate al padre, quelle parole, quei pensieri che non era mai riuscita a dirgli durante la vita, ma che avrebbe voluto confidargli, se solo avesse avuto più tempo.

La piccola Chiaki sapeva che la signora aveva una grande responsabilità e che morire non significava sparire per sempre, perché anche nell’aldilà la signora avrebbe lavorato a rintracciare tutte le persone a cui erano destinate le lettere, così anche il suo papà aveva cambiato solamente mondo, ma non era sparito per sempre.

Chiaki, da adulta, è, invece, una giovane donna che ha ancora molte fragilità e paure e che si trova ad un bivio della sua vita dove dover decidere come andare avanti e cambiare. Motivata sempre di più a raggiungere la “Residenza del Pioppo”, una volta arrivata, riesce a immergersi nuovamente in quella atmosfera magica che l’aveva aiutata in un periodo difficile durante la sua infanzia e che ora certamente l’aiuterà a resistere e a trovare un motivo per riemergere.

In quella casa della sua infanzia trova moltissime persone, amici, parenti e tutte quelle persone che avevano condiviso con la signora Yanagi quel segreto, quelle lettere che le avevano affidato durante la vita e che ora lei avrebbe potuto consegnare ai destinatari nella sua nuova casa.

Quanto il ricordo di una persona cara può essere importante per la nostra esistenza? Quanto una lettera può essere un segno di speranza, un affidare una parola, un pensiero, un sogno?

Un viaggio indietro nel tempo, nei ricordi che sono stati una carezza, una cura in un periodo della propria vita e che possono essere ancora speranza e terapia per qualsiasi altro periodo di conflittualità e crisi, perché i dolci ricordi non hanno tempo, ma hanno il dono di curare le ferite dell’anima e Chiaki lo realizza proprio in età adulta.

E poi c’è quel pioppo nel giardino. Il pioppo che in ogni cultura del mondo ha un significato molto importante, un albero legato alla protezione, ma anche alla morte e alla vita nella morte, un collegamento all’altra dimensione, il confine tra la terra e il cielo, come quelle lettere affidate alla signora Yanagi.

Un romanzo molto intenso, scritto con grazia e sensibilità da un’autrice giapponese conosciuta per la sua delicatezza nell’affrontare tematiche difficili ed emotivamente incisive, come il bullismo nel suo “Amici”, il dolore e il lutto nel suo “Viaggio verso la riva”, che ha ispirato il regista Kiyoshi Kurosawa per il film, “Journey To the Shore”.

«Mi infilai nel letto e chiusi gli occhi con serenità. In quel momento alle mie orecchie giunse il fruscio delle foglie del pioppo che mi invitavano: “Parla con noi…parla con noi…”. Capii subito che quello era il suono dell’autunno, piacevolmente secco, e che naturalmente non era qualcosa che veniva dall’esterno».

Grazia

Trigger (ovvero del bene, del male, della scelta)

“I preti dissero che potevamo diventare poliziotti o criminali. Quando hai davanti una pistola carica, qual è la differenza?”

(dal film “The Departed – Il bene e il male”)

Titolo originale: 트리거, Teurigeo (conosciuto anche come “The Other Side of the Gun”)

Scritto e diretto da: Kwon Oh-seung

Cast: Kim Nam-gil, Kim Young-kwang, Park Hoon, Gil Hae-yeon, Kim Won-hae, Won Ji-hyun, Jang Dong-ju, Jo Han-chul

Genere: drama/ crime/ thriller

Corea del Sud, 2025 – kdrama 10 episodi

Esiste un termine nel dizionario inglese che, attualmente, assume tanti e complicati significati e definizioni, che variano dal campo tecnologico di base a quello medico, fino ad assumere aspetti di rilevanza psicologica. Il termine in questione è “trigger”, che, nato per definire semplicemente il grilletto di un’arma da sparo o qualsiasi altro mezzo che identifichi la levetta d’azione di tale arma, rappresenta, in modo generale, qualsiasi segnale di comando e/o di scatto di un meccanismo, materiale o meno, identificabile anche, in senso figurato, come uno stimolo qualsiasi – interno o anche esterno – capace di attivare una “leva” dell’organismo e/o della sua emotività, tale da far “scattare” una reazione conseguente e immediata, spesso intenso proprio dal punto di vista emotivo, perché fa capo ad un malessere psicologico accumulato e sedimentato nel tempo e spesso a condizioni traumatiche vissute nel passato dal soggetto, destinate ad esplodere e a deflagrare al verificarsi di uno stimolo che ne richiami la memoria.

Se ognuno può avere un ipotetico “trigger” diversificato, che può portare a far emergere le ansie e i traumi sepolti nel profondo dell’inconscio, esiste un “trigger” comune e condiviso, che, possibilmente diffuso tra diversi soggetti distanti, può far scattare una reazione simile, intensa e terribile nel suo parossismo di dolore?

Questa è la domanda di fondo a cui la serie tv coreana “Trigger” cerca di dare una risposta, creando una costruzione di fondo semi-ucronica, dove distopie letterarie e realtà attuale si intersecano sul piano psicologico, mettendo a confronto due grandissimi protagonisti, che sembrano quasi agli antipodi tra loro, ma la cui esistenza è frutto di un comune dolore, che ha preso vie separate di fronte a stimoli emotivi simili, eppure così distanti: entrambi di fronte ad una pistola carica come soluzione delle proprie sofferenze, ma ognuno calato in un contesto umano talmente diverso da diventare la vera variabile che ne condiziona le conseguenze.

Perché “la vera domanda non è come si spara, ma chi ha scelto di prendere la pistola“.

Lee Do (Kim Nam-gil di “The Fiery Priest” e “Song of the Bandits“) è un ex cecchino delle forze speciali dell’esercito. Dopo una serie di missioni pericolose su scenari di guerra e di terrorismo, che lo hanno visto costretto a premere più volte il grilletto nei confronti di persone ignote sulla base di una vaga presunzione di pericolosità, ha lasciato l’esercito per arruolarsi in polizia, seguendo le orme del suo vecchio mentore Jo Hyeon-sik (Kim Won-hae di “Youth of May“, “Strong Woman Do Bong-soon” e molti altri), l’unico che conosce la sua dolorosa infanzia e che lo ha salvato dal baratro del dolore.

Lee Do è un agente di polizia modello, responsabile, umano e compassionevole, che, però, evita di utilizzare armi, considerate da lui come il vero male della società, il mezzo in grado di corrompere l’umanità e di trascinarla verso azioni sconsiderate. Del resto, anche l’ordinamento sudcoreano sembra dargli ragione, prevedendo delle disposizioni molto restrittive per regolamentare l’utilizzo e la diffusione delle armi da fuoco.

Moon Baek (Kim Young-kwang di “Evilline” e “Hello Me“) è un uomo strano e, in apparenza esuberante, che nasconde un continuo dolore nel fisico e nell’anima. Nato senza un nome e senza genitori, abbandonato per strada e destinato al mercato nero degli organi, la sua esistenza è sempre stata segnata dall’oblio e dall’oscurità, fino a diventare un trafficante di armi con il fisico segnato da un cancro all’ultimo stadio. Ed è così che è riemerso, figlio dell’odio, in un mondo segnato da un male irreparabile, che, col tempo, si è visto deciso a far sprofondare nella stessa oscurità che gli umani hanno creato.

Per Moon Baek, gli esseri umani sono nati nel male e condannati al male, parte di un vortice di violenza che continuano a creare con le loro stesse mani, senza alcuna risoluzione. Nella sua condanna verso il mondo e la società che lo hanno distrutto, decide di provare cosa la natura corruttibile dell’animo umano può fare e di liberare chi ha sofferto dall’ingiustizia per creare un mondo più giusto, fatto di risposte automatiche e violente in grado di anestetizzare il dolore. Moon Baek, infatti, nel suo ragionamento contorto, si chiede cosa potrebbe accadere se tutti avessero un’arma per rispondere ai soprusi subiti e potessero premere, prima o poi, quel grilletto in grado di liberare il proprio animo dall’oppressione e dall’angoscia dei dolori e dei traumi accumulati.

Improvvisamente, però, un uomo entra in un goshiwon (gli stabili che affittano mini appartamenti a basso costo e senza caparra cauzionale) e apre il fuoco su persone ignote, colpevoli di avergli causato fastidio e oppressione in diversi momenti della sua vita. L’uomo si presenta come Yoo Jung-tae (Won Ji-hyun di “Mouse“), un ragazzo che da anni studiava senza successo per il concorso pubblico e che, abitando in quel goshiwon da tempo, aveva avuto poco prima una discussione con il vicino di casa. Yoo Jung-tae sembra inoffensivo in apparenza, eppure è stato capace di una violenza folle e sconsiderata, che non ha fatto distinzioni tra le vittime incontrate e crivellate di colpi, in un evidente perdita di lucidità e di stabilità emotiva e psicologica. Quello che la polizia non si spiega è come sia stato possibile per un comune cittadino venire in possesso facilmente di armi e munizioni, ma la spiegazione di Jung-tae sembra nebulosa: qualcuno gli ha inviato le armi gratuitamente, dopo avergli domandato se ne avesse bisogno.

Mentre la pista delle armi conduce Lee Do da uno scenario di strage ad un altro, con una moltiplicazione di casi di sparatorie, Lee Do e Moon Baek si incrociano inevitabilmente nei loro destini che varcano il confine tra il buio e la luce.

Ma qual è la differenza tra l’uomo che cerca di espiare il dolore del suo passato, rincorrendo le armi e l’uomo che cerca di diffondere il dolore provato, distribuendo armi?

Lee Do e Moon Baek sono entrambi prodotto della stessa società di dolore e di paura. Solo che, mentre il primo ha scelto l’umanità e la luce, il secondo non è riuscito ad uscire da quel baratro di violenza a cui continua ogni giorno a condannarsi, entrambi affetti da un’empatia orientata in modo diverso, introflessa quella di Lee Do, che comprende le sofferenze altrui e se ne fa carico attraverso il dono della compassione, che lo ha aiutato a superare i traumi passati, estroflessa quella di Moon Baek, che, nel comprendere la natura del dolore altrui, trasla su di esso anche la rabbia proveniente dal proprio dolore, dimostrando un trauma mai superato e travisando il concetto stesso di compassione. “Cum patire” non vuol dire dispiacersi per il dolore degli altri, ma entrare in stretta connessione emotiva, vivendo insieme lo stesso dolore per cercare di superarlo e trovando un comune sentire e una corrispondenza di emozioni. Lee Do isola gli aspetti positivi del dolore per “patirlo” nuovamente insieme a coloro che vede soffrire, entrando in relazione emotiva e psicologica con loro, senza lasciarli soli e senza farli sprofondare nel baratro dell’odio. Al contrario, Moon Baek cerca di travolgere gli altri con la sua onda di odio, non per liberare dal dolore, ma per portare gli altri a soffrire la sua stessa sofferenza, incastrandoli in una trappola psicologica, da cui non riesce a fuoriuscire.

Accanto alla storia principale, che sembra riecheggiare “Heat – La sfida” nello scontro titanico tra i due protagonisti, sussistono una serie di storie collaterali ad incastro, che forniscono la vera base su cui si muovono Lee Do e Moon Baek: storie piccole, fatte di dolore e di ingiustizia, ma anche di tanta umanità, interpretate in modo straordinario. Si va dalla storia della figlia del capitano Jo Hyeon-sik, vittima di truffa e spinta al suicidio, alla commovente vicenda di Oh Kyung-sook (Gil Hae-yeon di “Something in the Rain” e “One Spring Night“), una madre che chiede giustizia per il figlio, morto in un incidente di lavoro, dai due adolescenti vittime di bullismo che meditano di vendicarsi punendo i propri aguzzini (Park Yoon-ho e Son Bo-seung), all’infermiera che subisce soprusi al lavoro dalle colleghe (Kang Chae-young di “Jeongnyeon: The Star is Born“), fino ad addentrarsi anche nella storia di faide tra gruppi della criminalità organizzata (su cui spiccano le interpretazioni di Park Hoon, Ahn Se-ho e Park Kwang-jae).

“Trigger” scatena numerose disquisizioni su cos’è il male e come gestire le reazioni al dolore, ponendo lo spettatore di fronte ad un’annosa domanda sull’origine del bene e del male e sul perché la violenza sembra determinare il mondo, attraverso una critica sociale che va a toccare anche questioni metafisiche e morali. Per questo motivo, la serie, nonostante il ban ai minori di 18 anni (rating dovuto all’utilizzo delle armi) si è rivelata uno dei prodotti più interessanti del 2025, solo falsamente costruita come un webtoon thriller, ma, nella realtà, nata dalla creatività produttiva di Kwon Oh-seung, che aveva già creato il film thriller “Midnight” (2021), con un inedito Wi Ha-joon e Jin Ki-joo.

Avverto: non è un prodotto di semplice visione, considerato l’utilizzo di armi, la violenza, ma soprattutto le situazioni di sofferenza emotiva ritratte, che travolgono totalmente lo spettatore. Si rimane quasi trafitti dalle urla silenziose dei protagonisti, assordati dal rumore dei fischi successivi agli spari, intorpiditi dalla nebbia e dalla polvere delle esplosioni e svuotati dalle emozioni altrui. E si piange molto.

Laura

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Moonlight Shadow

“Il fiume dove mi fermavo ogni giorno divide più o meno la città in due. Fino al ponte bianco che collega una riva all’altra ci vuole una ventina di minuti. Amavo quel posto. Era lì che io e Hitoshi, che abitava dall’altra parte del fiume, ci davamo sempre appuntamento e anche dopo la sua morte vi ero rimasta legata. Mi fermavo in un punto dove non c’era mai nessuno, e circondata dal rumore dell’acqua mi riposavo e bevevo piano il tè bollente dalla borraccia. Gli argini bianchi del fiume si perdevano in lontananza, e il panorama della città era avvolto nella nebbia azzurrina dell’alba. Ferma così, in quell’aria cristallina e pungente, mi sembrava di stare in un luogo un po’ più vicino alla morte. Solo in quello scenario severo e limpido, di una solitudine desolata, riuscivo a sentirmi a mio agio”.

(Banana Yoshimoto)

Titolo originale: “Moonlight Shadow”, ムーンライト・シャドウ, Munraito Shado

Regia: Edmund Yeo

Sceneggiatura: Takahashi Tomoyuki

Cast: Nana Komatsu, Himi Satô, Hio Miyazawa, Nana Nakahara, Asami Usuda

Genere: drammatico

Giappone, 2021, film

Quando lessi per la prima volta il racconto di Banana Yoshimoto, “Moonlight Shadow”, non avevo ancora vent’anni, ma la particolarità della storia, quel susseguirsi di elementi tra l’onirico e il fantastico, mi incantò da subito per la sua magia.

Ad anni di distanza ho guardato il film del 2021 ispirato al racconto omonimo della Yoshimoto e devo ammettere di non essere rimasta delusa.

“Moonlight Shadow” è stato il primo romanzo breve di Banana Yoshimoto, scritto come tesi di laurea nel 1987 e premiato in diversi concorsi letterari, tra cui il premio Kaien. Il racconto è incluso nelle edizioni del famoso romanzo “Kitchen”, sempre della stessa autrice.

In “Moonlight Shadow”, la Yoshimoto riesce a scavare nel profondo dell’anima dei protagonisti in una delle prove più difficili da affrontare per l’essere umano, il lutto, l’esperienza dolorosa della morte e la speranza di rivedere la persona cara in ogni piccolo elemento di ogni giorno, quasi un richiamare il ricordo per riuscire a sopravvivere.

Edmund Yeo ha diretto il film del 2021 e ha avuto il merito di comunicare per immagini i sentimenti provati dai protagonisti. Con una magnifica fotografia ci si immerge subito in una atmosfera onirica e quasi un’esperienza metafisica dove la dimensione spazio-temporale non esiste, è al di là della mente umana, ma viene percepita con l’anima ferita di una persona che sente la mancanza e la perdita di qualcuno.

Satsuki (Nana Komatsu, “The Last 10 Years”) e Hiragi (Himi Satô, “Sayonara, Maestro!”) sono costretti ad affrontare un lutto doloroso e il tentativo di fuggire dalla cupa nuvola della depressione che li circonda non è facile.

Satsuki è stata fidanzata per quattro anni con Hitoshi (Hio Miyazawa, “Happiness comes from eating, sleeping and waiting”), fratello di Hiragi, ma il ricordo dei loro giorni splendenti di due adolescenti che si affacciavano appena alla giovinezza non riesce a curare il cuore frantumato della ragazza. Satsuki pensa a Hitoshi in ogni momento della giornata e, per cercare di liberare la mente dalla sofferenza costante, ogni mattina si alza all’alba e va a fare jogging, solo che il suo corpo e il suo cuore la portano sempre nello stesso luogo dove si incontrava con Hitoshi, un ponte sul fiume. I due ragazzi vivevano sulle rive opposte, per cui quello era il loro punto di incontro e lì Satsuki spera di rivedere prima o poi il fidanzato, come se fosse ancora vivo.

A Hiragi, invece, quel dannato incidente stradale dove ha perso la vita suo fratello Hitoshi, ha portato via anche la sua fidanzata Yumiko (Nana Nakahara) e il ragazzo cerca di superare il doloroso momento del lutto, a modo suo, indossando la divisa di Yumiko.

Due giovani a cui la morte ha portato via la spensieratezza della gioventù.

Un giorno, Satsuki, durante una delle sue corse mattutine, incontra Urara (Asami Usuda, “Honey”), una ragazza misteriosa, dallo sguardo malinconico ed enigmatico che, dopo essersi presentata, le dice che a breve accadrà qualcosa di straordinario e magico proprio nel luogo in cui si sono incontrate e la invita a presentarsi il giorno dopo in quello stesso punto, sul ponte, prima dell’alba.

Il giorno successivo, Satsuki corre verso il luogo dell’appuntamento.

“Una o due stelle brillavano pallide, come se stessero per spegnersi, nel cielo di porcellana azzurra. Era una scena di una bellezza che dava i brividi. Il rumore del fiume era fragoroso e l’aria tersa”.

“È così azzurro che anche il corpo sembra sciogliersi nell’azzurro”.

Satsuki rivede Urara che le spiega che ogni cento anni avviene il fenomeno del “Moonlight Shadow”, ovvero un evento misterioso dove, presso i grandi fiumi, è possibile vedere l’immagine di una persona cara che ha lasciato il mondo dei vivi e questo solamente se vi è ancora una corrispondenza di anime e di pensiero della persona morta e della persona che piange per il dolore della mancanza.

Improvvisamente, infatti, sotto la luce della luna, Satsuki guarda verso il fiume e vede dall’altra parte l’immagine di Hitoshi. La ragazza vorrebbe avvicinarsi e abbracciarlo, ma è impossibile, Hitoshi la guarda da lontano, triste per il dolore di Satsuki, ma può solo agitare la sua mano e salutarla fino a sparire.

Solo dopo questa visione, Satsuki sente che qualcosa in lei è cambiato, forse questo incontro tra due dimensioni lontane, tra passato e presente, tra terra e cielo, l’hanno aiutata ad affrontare e superare la fase più buia del lutto.

Nel frattempo, anche Urara è sparita, così come un sogno, Satsuki, quindi, si incammina verso casa e capisce che le è almeno rimasta l’amicizia preziosa di Hiragi che, a modo suo, si è avvicinato al passato, ne ha preso la parte più dolce e malinconica e l’ha immersa nel presente per superare anche lui il dolore della perdita. Come l’acqua del fiume che scorre anche le loro vite non possono restare ferme, ma il ricordo resterà comunque sempre nei loro cuori.

Una storia che ci invita, con sensibilità, alla riflessione sulla fragilità dell’esistenza umana, sulla necessità di sopravvivere e di andare avanti per non impazzire o perdersi in un oblio lontano dal mondo in cui viviamo.

“Hitoshi. Non posso più restare qui. Momento per momento vado avanti. È il flusso del tempo che non si può fermare, non posso farci niente. Io vado. Una carovana si ferma e un’altra riparte. Ci sono persone che potrò incontrare ancora, altre che non rivedrò più. (…) Devo vivere guardando il fiume che scorre. Prego con tutto il cuore che solo l’immagine della ragazza che ero resti per sempre al tuo fianco. Grazie di avermi salutato agitando la mano. Grazie di avermi salutato agitando la mano molte, molte volte”.

N.d.A. Le frasi citate sono state estrapolate del racconto, “Moonlight Shadow” di Banana Yoshimoto, in “Kitchen”, edizioni Feltrinelli, 1991.

Grazia

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The Witch’s Diner

“E se potessimo prevedere tutto? Se le persone potessero fermare i loro sentimenti a piacimento, se potessero controllare i loro sentimenti, sarebbe il paradiso o il tormento?”

Titolo originale: The Witch’s Diner, 마녀식당으로 오세요, Come to the Witch’s Restaurant, Manyeosigdangeulo Oseyo

Regia: So Jae-hyun, Lee Soo-hyun

Sceneggiatura: Lee Young Sook

Cast: Song Ji-hyo, Nam Ji-hyun, Chae Jong-hyeop, So Hee-jung, Kim Yong-goo, Yoon Da- young, Lee Joo-sil, Kang Ki-dong, Ahn Eun-jin, Han Ji-eun, Baek Sung-chul, Shin Joo-hyup, Choi Sung-jae, Yoon Ji-on, Im Won-hee

Genere: Fantasy, Mystery, Supernatural

kdrama, 2021- 8 episodi

“Ci sono cose che esistono, ma non si vedono. Sono anche cose visibili che si presume non esistano”.

Con questa frase si presenta la strega Jo Hee-ra alla protagonista Jeong Jin e con questa affermazione ci immergiamo nell’atmosfera fantasy con tocchi horror e gotici della serie “The Witch’s Diner”.

Ispirato all’omonimo romanzo di Go Sang-hee, “The Witch’s Diner” tratta tematiche quali la vendetta, il bullismo, la vanità, l’orgoglio e il perdono in chiave fantasy, ma è anche un invito alla riflessione in ognuno degli otto episodi.

La storia ha inizio con Jeong Jin (Nam Ji-hyun, “Suspicious Partner”, “Little Women”) che vive con la madre Seo Ae-sook (So Hee-jung,”Twenty-Five Twenty-One”), mentre il padre è ricoverato in una casa di cura per problemi di salute.

Ae-sook gestisce un ristorante con tanta cura e dedizione, ma ad un certo punto il suo lavoro inizia a diradare, anche il suo chef chiede un periodo di congedo e la donna pensa di prendere qualche giorno per recarsi dal marito. Qualche giorno dopo Jeong Jin, insieme alla madre Ae-sook, scoprono che un’amica di Ae-sook ha aperto un altro ristorante di fronte al loro che prepara gli stessi piatti e ha anche assunto i dipendenti del loro ristorante, compreso lo chef.

In un tentativo disperato di entrare nel nuovo ristorante per chiedere il motivo di questo comportamento di concorrenza sleale, viene chiamata la polizia e Jeong Jin si reca al distretto per denunciare invano questo atto spiacevole. Qui vede che sono stati fermati alcuni giovani, per pestaggio e atti di violenza, tra loro c’è Lee Gil-yong (Chae Jong-hyeop, “Eye Love You”, “Sisyphus: the Myth”, “Serendipity’s Embrace”) che ha tentato di difendere un compagno di scuola da un grave pestaggio, ma che è stato ingiustamente vittima di una incomprensione, mentre chi ha iniziato la rissa è stato liberato. Jeong Jin, che in quel momento è presa da un attimo di rabbia, vedendo attorno a sé l’ennesima ingiustizia, cerca di difendere il ragazzo.

Il giorno dopo, Jin e la madre mettono in vendita il ristorante e, mentre nel silenzio della sera la ragazza è seduta da sola nel locale, si presenta un’acquirente per il ristorante, Jo Hee-ra (interpretata da una magnifica Song Ji-hyo, “Was it Love?”), ovvero una strega che cucina dei piatti magici che esaudiscono dei desideri.

Jin è confusa all’inizio, poi la strega la invita a metterla alla prova, e a scegliere un desiderio da far avverare, cucinerà per lei un pasto che, una volta consumato, porterà alla realizzazione di quel desiderio.

Jin accetta la proposta della strega, firma un contratto con lei e decide di restare come co-proprietaria del locale, ma, nel momento in cui esprime un desiderio e consuma il pasto cucinato dalla strega, si rende conto della gravità della azione, di quanto la sua rabbia e sete di vendetta abbia contribuito a delle scelte dai risvolti drammatici che non immaginava nemmeno lei, perché nella vita tutto ha un prezzo e la strega esaudisce i desideri in cambio di qualcosa.

“Alcune decisioni cambiano totalmente le nostre vite. Non ci accorgiamo fino a quel momento che tutte le decisioni di questo mondo hanno un prezzo”.

Il “Witch’s Diner”, però, prende vita, soprattutto la sera e il locale ospita ogni volta una persona che ha bisogno di esprimere un desiderio. La strega, accompagnata dal suo collaboratore Ceo Oh (Kim Yong-goo, “Tale of the Nine Taled”) invita l’ospite ad esprimere un desiderio mentre lei cucina una pietanza che, una volta consumata, darà vita alla realizzazione del desiderio e al conseguente effetto.

Nel frattempo, le vite di Jeong Jin e di Lee Gil-yong si incrociano nuovamente. Il ragazzo, aspirante stella della atletica leggera, dopo un infortunio grave e dopo l’ultima esperienza drammatica per aver difeso il compagno di classe vittima di bullismo, si ritira da scuola e si propone come aiutante part time alla locanda della strega. Qui, insieme a Jin, vivrà pienamente ogni evento e ogni storia dei clienti del locale.

Molte guest star e camei d’eccezione che interpretano i clienti del Witch’s Diner, tra i più importanti, Kang Ki-dong (“The King: Eternal Monarch”, “Romance is a Bonus Book”, “It’s Okay to Not Be Okay”) nel ruolo di Bae Yoon-ki, un disoccupato laureato e disperato perché ogni suo colloquio lavorativo è un fallimento, non riesce a trovare nemmeno un lavoro part time e fa fatica a mantenersi. Personalmente è uno dei personaggi che mi ha più colpito, bravissimo nel suo ruolo e nella drammaticità della sua storia.

Ahn Eun-jin (“A Good Bad Mother”) che interpreta Jin Sun-mi, una attrice di musical che sta avendo successo, ma che teme di perdere l’affetto del suo fidanzato Ahn Seong-ho (Yoon Ji-on, “Love Next Door”) soprattutto quando lo vede in compagnia di un’altra donna.

La compianta Lee Joo-sil (“Squid Game 2”) che interpreta Lee Bok-nan, una madre che preferisce sacrificare la propria salute per la felicità del figlio Goo Hyo-sik (Im Won-hee, “Wok of Love”) che è solo e senza affetti.

Han Ji-eun (“Bad and Crazy”, “Lovestruck in the City”), nel ruolo di una scrittrice disperata in crisi di ispirazione.

Infine, il rapporto tra la strega Jo Hee-ra, interpretata da una intensa e misteriosa Song Ji-hyo, e la giovane Jeong Jin, una sempre brava Nam Ji-hyun. Entrambe hanno in comune più di quanto lo spettatore possa immaginare all’inizio, qualcosa che ha a che fare con una maledizione generazionale.

“The Witch’s Diner” è una serie quasi priva di humour, ma ben fatta perché fa riflettere su diverse tematiche e su come le maledizioni e le vendette possano rovinare e cambiare la vita delle persone, su come ogni azione abbia una conseguenza, ma sopra ogni cosa, c’è la libertà decisionale delle persone.

Ci sono diverse strade in ogni percorso della vita. La vita è sempre un processo di creazioni che possono essere decisioni semplici o banali oppure importanti.

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“Più ci credi e desideri, più è probabile che si avveri. Tale magia esiste, La tua vita non fa eccezione. Quindi, se sei per strada e ti imbatti in una trattoria di streghe, entra senza esitazione. Un ristorante dove ogni desiderio si avvera”.

Grazia

Come suona la recensione?

Demon Slayer – Infinity Castle (part 1)

“Ciò che resta alla fine è solo il vuoto”.

Titolo originale: Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba – The Movie: Infinity Castle, 劇場版「鬼滅の刃」無限城編, Gekijō-ban Kimetsu no Yaiba: Mugen Jō-hen

Regia: Haruo Sotozaki

Scritto e prodotto da: Ufotable

Basato sul manga “Demon Slayer – Kimetsu no Yaiba” di Koyoharu Gotouge

Genere: dark fantasy, mystery, action

Film anime, Giappone, 2025

Se siete qui, è perché, tempo fa (non importa quando), avete iniziato la visione (e/o la lettura) di quello che, inaspettatamente, in poco tempo, è diventato uno degli anime/manga più amati in assoluto dagli appassionati del genere (e non solo).

Se siete qui, è perché avete seguito Tanjiro e sorella Nezuko nelle loro vicende dolorose e avete amato il loro legame fraterno; avete sofferto con loro, quando la famiglia è stata sterminata dai demoni e avete sempre saputo che Nezuko era in grado di conservare la sua umanità, pur nella trasformazione demoniaca, con il supporto costante del fratello Tanjiro; avete viaggiato e combattuto con loro, vi siete allenati per diventare cacciatori di demoni e avete conosciuto tanti personaggi, che, col tempo, sono diventati amici e compagni fidati, come Inosuke e Zenitsu, maestri di vita, come i pilastri Kyojuro Rengoku e Tengen Uzui, modelli da seguire, come Gyu Tomioka; avete incontrato alleati importanti, siete stati addestrati dai Pilastri e avete affrontato nemici terribili.

Se siete qui, è perché avete vissuto tutti gli archi temporali della prima stagione di “Demon Slayer“, avete affrontato il mondo dei sogni in “Demon Slayer – Mugen Train Arc” e i rancori di un doloroso passato in “Demon Slayer – Entertainment Distric Arc“, avete salvato un villaggio di forgiatori di spade in “Demon Slayer – The Swordsmith Village Arc” e siete sopravvissuti al terribile allenamento dei pilastri per la battaglia finale in “Demon Slayer – Hashira Training Arc“.

Ma, soprattutto, se siete qui, è perché non temete né il fatto che il capitolo finale della saga, “Infinity Castle Arc” (in traduzione italiana, “Il castello dell’infinito“), non avrà una sere animata, ma sarà illustrato in una trilogia di film cinematografici, che si concluderanno nel 2029, né quella frase di avvertimento che ha messo tutti sulla difensiva: “Alla fine, moriranno tutti“.

Benvenuti nel primo film cinematografico che vede i nostri sprofondare nel catello dell’infinito (modellato sulla base visiva de “La città incantata” di Hayao Miyazaki), dominio di Muzan Kibutsuji e della sua popolazione di demoni, tra cui le terribili Lune Crescenti. Il film anime, che è stato ricostruito in modo eccezionale, con al Ufotable che è riuscita ad unire disegni a mano, animazione in 2D ed effetti in CGI senza alcuna sbavatura tecnica, è anche stato un successo incredibile al botteghino in tutto il mondo: solo in Giappone ha incassato più di 237 milioni di yen (uno degli incassi più alti di sempre per una pellicola d’animazione), mentre in tutto il mondo ha guadagnato più di 600 milioni di dollari, diventando il primo film giapponese a superare la soglia e il film anime con il migliore incasso di sempre.

ATTENZIONE! Ogni spoiler presente di seguito è stato ritenuto necessario.

“Continua a stare dritto e orgoglioso, non importa quanto tu ti senta debole e poco degno. Accendi il tuo cuore, stringi i denti e vai avanti”.

Con queste parole del compianto Kyojuro Rengoku, il Pilastro del Fuoco, assente, eppure mai così presente nei ricordi e nella memoria, immaginiamo che Tanjiro discenda nel dominio di Muzan insieme ai Pilastri e a tutti gli altri cacciatori di demoni richiamati appositamente dal capofamiglia Kagaya Ubuyashiki, morto nell’esplosione della sua dimora insieme alla moglie, Amane, e alle figlie, Hinaki e Nichika. Una volta toccato il terreno, i nostri iniziano a dividersi in diverse direzioni per cacciare quanti più demoni possibile, ma anche per tracciare una mappa del castello dell’infinito da comunicare all’erede della famiglia Ubuyashiki, Kiriya – coadiuvato dai corvi della famiglia Ubuyashiki e dalle sorelle superstiti. Mentre Inosuke e alcuni giovani cacciatori capitano subito ad affrontare schiere di demoni, e Mitsuri Kanroji, il Pilastro dell’Amore, e Obani Iguro, il Pilastro del Serpente, capitano ad affrontare altre schiere di demoni, la storia segue tre linee narrative parallele.

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La prima linea narrativa vede Shinobu Kocho, il Pilastro dell’Insetto, in un luogo del castello che sembra sospeso nel tempo, come un giardino circondato da fiori di loto, avvelenato dalla presenza tossica di Doma, la demoniaca Seconda Luna Crescente. Doma è mellifluo, nichilista ed egocentrico, ha un concetto di compassione completamente travisato e mancante di qualsiasi umanità empatica. Cresciuto come un bellissimo bambino con la luce dell’arcobaleno degli occhi, come se fosse un dono delle divinità, Doma è sempre stato convinto da tutti di essere speciale e di avere un legame speciale con la dimensione divina; per questo motivo, i suoi genitori fondarono un culto misterico intorno alla sua luminosa ed inquietante presenza, convinti dei messaggi divini ricevuti da Doma, che, nella realtà, erano messaggi demoniaci. Alla morte dei genitori, Doma ha preso le redini del proprio culto e, trasformato da Muzan in un demone, ha iniziato a nutrirsi dei suoi adepti, convincendoli di premiarli con la vita eterna all’interno del suo corpo.

Doma è molto più pericoloso rispetto a quanto il suo aspetto magico e perfetto possa fare immaginare e Shinobu lo sa bene, visto che lo riconosce immediatamente come il responsabile della morte della sorella maggiore, Kanae, il Pilastro dei Fiori. Shinobu non ha fisicamente la resistenza della sorella, ma, nel suo aspetto esile e minuto, nasconde una grandissima e cocciuta forza di resilienza, oltre ad un incredibile abilità di mescolare veleni. La sua spada sottile non è in grado di decapitare demoni, ma si carica dei veleni che Shinobu mesce immediatamente nella sua fodera, in modo da avvelenare gli avversari, rendendoli vulnerabili e lenti, per riuscire a sopraffarli. Per Doma i veleni sembrano inutili, visto che il suo organismo si rigenera velocemente, ma, al tempo stesso, la sua malvagità rimane incantata ad ammirare una guerriera veloce e determinata come Shinobu, tanto da considerare un grave crimine ucciderla. Shinobu sa che i suoi momenti sono contati, ferita gravemente dal duello, con i polmoni ghiacciati dall’ambiente creato dal demone e priva di forze per sconfiggerlo, ma sa anche che deve resistere fino all’arrivo della sua allieva Kanao Tsuyuri. Allora, si avvelena e si lascia assorbire da Doma.

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La seconda linea narrativa segue Zenitsu Agatsuma, che, trovatosi da solo nel castello dell’infinito, separato dagli altri compagni, s’imbatte in Kaigaku, nuova Sesta Luna Crescente, dopo la morte dei gemelli Daki e Gyutaro. Kaigaku, in realtà, è un giovane demone con un passato da cacciatore di demoni e da allievo del nonno di Zenitsu, Jigoro. Non si trattava di un allievo qualsiasi, ma del migliore allievo della tradizione del fulmine, l’unico ad avere appreso tutte le respirazioni del fulmine, tranne la prima. Però, quando Jigoro lo aveva nominato suo erede, aveva imposto la presenza del nipote Zenitsu sullo stesso grado, anche se, di fatto, Zenitsu aveva appreso solo la prima respirazione del fulmine, non riuscendo nella pratica delle altre. Da quel momento, il carattere scontroso e cupo di Kaigaku aveva conosciuto l’ira più profonda: convinto di essere più meritevole e di dover eccellere su tutti, non solo non riusciva a capacitarsi del motivo per cui gli era stato richiesto di condividere il potere con Zenitsu, ma si era lasciato consumare completamente dall’invidia. Così, la sua strada si è divisa da quella dei cacciatori di demoni nel momento in cui Kaigaku ha deciso di tradire il suo dojo e la sua famiglia e di farsi trasformare in demone di Kokushibo, la Prima Luna Crescente.

Zenitsu è giudicato debole, pigro, pauroso e impacciato e, pertanto, sottovalutato da Kaigaku, che vede il loro confronto più come una sfida personale che come un episodio della grande battaglia tra demoni e cacciatori. Ed è forse proprio questo suo atteggiamento e questa sua boria, che continua a brillare nell’invidia, che non gli permettono di vedere la crescita reale di Zenitsu. Perché, se è vero che la paura è un super potere, Zenitsu ha imparato da tempo a comprenderla e ad indirizzarla per proteggere coloro che gli sono cari. Inoltre, la forza di Kaigaku è pura e bruta, spesso incontrollata, anche se gestita sulla base di tutte le tecniche di combattimento che ha appreso, ma manca totalmente della lealtà che caratterizza Zenitsu e che va al di là del mondo reale, coprendo anche la memoria di coloro che non ci sono più (come il nonno). Per cui avere appreso solo la prima respirazione del fulmine e saperla applicare bene, come avrebbe voluto suo nonno, si rivela fondamentale per usarla con costanza, parare i colpi dell’avversario e, poi, finirlo con la settima respirazione, una tecnica inventata personalmente.

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La terza linea narrativa segue Tanjiro Kamado e Gyu Tomioka, il Pilastro dell’Acqua, insieme nella corsa all’interno del castello dell’infinito, i quali si trovano davanti il temibile Akaza, la Terza Luna Crescente, colui che ha sconfitto e ucciso Kyojuro Rengoku al termine del “Mugen Train Arc”. Ed è la linea narrativa più intensa e più inaspettata, non solo perché vedere Tanjiro a fianco di Gyu Tomioka ricorda sempre gli inizi della saga e l’inizio del cammino di Tanjiro per diventare un cacciatore di demoni, ma anche perché Akaza è un nemico terribile, potente nei suoi colpi ben assestati, strategico e intelligente, praticamente quasi impossibile da uccidere. Inoltre, la storia si addentra nel rivelare le origini di Akaza, che, nella vita, si chiamava Hakuji ed era stato marchiato già da ragazzino come un ladro.

Hakuji è cresciuto in un mondo terribile, duro e violento, che vedeva la povertà come una colpa e lasciava morire i più deboli, come suo padre, affetto da una grave malattia, per cui nessuno in famiglia era in grado di comprare le medicine e il cibo necessari. Solo Hakuji tentava di provvedere ai bisogni della famiglia, compiendo furti, per i quali veniva ripetutamente punito (da qui i suoi tatuaggi ai polsi) dai magistrati locali, incapaci di interessarsi al suo dramma umano. Morto il padre, suicidatosi per la vergogna di un figlio ladro, e bandito dalla città, Hakuji era stato accolto da Keizo, un maestro di arti marziali con un dojo sguarnito di allievi. Keizo gli aveva offerto una dimora e del lavoro, badando alla figlia malata, Koyuki, e alla sua casa e imparando ogni giorno la sua nuova arte marziale, in grado di superare quelle conosciute finora, ma non in grado di diffondersi, a causa dell’opposizione di un dojo di spadaccini attiguo. Col passare degli anni, la salute di Koyuki migliorava, così come l’animo agitato di Hakuji, che iniziava a comprendere la bellezza della vita e a liberarsi dal dolore e dalla tristezza, avvicinandosi sempre di più a Koyuki. Keizo, che aveva notato i sentimenti dei due giovani e considerava già Hakuji come un figlio, aveva, dunque, deciso di permettere loro il matrimonio, consolidando la nuova famiglia in nuovo clima di speranza per il futuro. Alla vigilia delle nozze, però, approfittando di un allontanamento momentaneo di Hakuji, gli spadaccini del dojo rivale avevano avvelenato il pozzo, uccidendo Keizo e Koyuki e, con loro, tutti i sentimenti e i ricordi positivi di Hakuji.

La sua trasformazione in demone risale, infatti, a quel momento, ovvero a quando, Hakuji, accecato dal dolore e dalla voglia di vendetta, aveva sterminato i colpevoli del doppio omicidio a mani nude, in una carneficina terribile che aveva annientato per sempre il dojo rivale, ma anche se stesso: è da quel terribile dolore che Hakuji si priva del tutto della sua umanità e dei suoi ricordi, accettando di diventare Akaza e di trasformarsi in un demone, il cui obiettivo è essere potente e terribile, ottenere sempre più forza e migliorare nella lotta, in modo da diventare quasi immortale, impossibile da uccidere, perché disgustato dalla debolezza in cui era vissuto.

La sua mente, in realtà, è rimasta incastrata sempre in quel giro di dolore e di ingiustizia che lo ha ossessionato, per cui nessun umano ha mai provato compassione ed empatia per lui e per la sua famiglia e, quindi, tutti gli umani devono essere annientati. Akaza non accetta di essere stato un umano, perché riflette sull’umanità solo gli aspetti negativi della sua esistenza mortale, sopprimendo volontariamente tutti quei momenti unici di gioia e serenità che lo avevano salvato dal baratro. Akaza sa di essere tornato nel baratro più oscuro del suo inconscio, ma vuole costantemente viverci e si attacca alla sua nuova esistenza demoniaca e alla sua accettazione del Male, per non permettersi più di soffrire, anestetizzando il dolore con la crudeltà e la malvagità imposta, non riconoscendo il vecchio se stesso se non come un debole soggetto dell’oppressione altrui.

La battaglia con Tanjiro si svolge su due diversi piani: uno, quello reale della dimensione fisica, in cui le forze dei contendenti si confrontano e di affrontano a suon di colpi di mani e di fendenti di spada; un altro, quello della dimensione psicologica, in cui entrambi ricorrono al recupero – volente o nolente – della memoria emotiva di se stessi. Se questo secondo piano è sempre stato deliberatamente la vera arma vincente di Tanjiro, capace di risalire ai ricordi passati per fortificarsi nel presente, ma anche capace di indurre nei suoi contendenti questa ricerca emozionale di se stessi, mettendoli di fronte alla propria coscienza, per Akaza si rivela essere il suo volontario epilogo e la sua nuova accettazione del dolore, perché in esso non solo trova la sua umanità perduta, ma anche le emozioni e i sentimenti che ha deciso di cancellare e, con essi, i ricordi delle persone amate.

Akaza non è destinato ad essere ucciso come un demone qualsiasi, ma non è nemmeno destinato ad eseguire il piano di demoni superiori di cui ha accettato solo il dono della potenza: è un personaggio a sé, fuori dal comune, tragicamente shakespeariano, che si trova ripercorre la sua vita come se riavvolgesse una pellicola, si guarda, si giudica e si libera nella sua auto-punizione finale. Condannato a rigenerarsi nell’oblio della memoria, sceglie l’oblio della sua fisicità e della sua vita nel recupero della sua memoria.

E, in questo, si rivela essere uno dei personaggi più drammatici e più incredibile dell’universo dell’animazione, oltre che il vero grande responsabile dei fiumi di lacrime versati dagli spettatori in sala.

“Non sei nato come un mostro”.

Laura

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