Ponyo sulla scogliera

Quando guardo i film di Miyazaki mi sembra un po’ di completare una coperta dove ogni riquadro è importante per ottenere un unico disegno.  Sembra, infatti, che, assemblando tutti i suoi film, possiamo vedere un disegno definitivo che si rinnova ogni volta che esce un suo nuovo lungometraggio. Un quadrato destinato a “La città incantata”, uno a “Principessa Mononoke”, uno a “Totoro” e tutti gli altri e, così facendo, possiamo avvicinarci alla visione del mondo di Miyazaki perché in ogni sua opera c’è un po’ della sua visione esistenziale, un po’ del suo mondo fantastico e delle sue riflessioni sul futuro, sull’amore e sul rispetto per la Natura e l’essere umano.

Personalmente penso che “Ponyo sulla scogliera” sintetizzi molte delle tematiche care al Maestro Miyazaki, che riesce sempre a trasmettere allo spettatore, grazie agli elementi fantastici, una parte del suo prezioso universo creativo dai messaggi ricchi di valori e morale.

“Ponyo sulla scogliera” è un film, prodotto dallo Studio Ghibli, del 2008, sceneggiato dallo stesso Miyazaki e basato sul racconto della scrittrice giapponese Rieko Nakagawa che aveva già collaborato con lo studio di animazione per il testo della sigla di apertura di Totoro.

La storia vede Fujimoto, un mago scienziato, un tempo essere umano, che vive sott’acqua insieme a Brunilde e alle sue sorelline, tutte creature con fattezze da pesciolini, ma con il visino umano. Brunilde è sempre molto curiosa di scoprire il mondo al di là di quello che conosce, quindi, del mare e, un giorno, mentre sta seguendo un peschereccio, si ritrova sulla riva di un piccolo paese di pescatori, intrappolata dentro un barattolo di vetro. Qui, sulla riva, un bambino di nome Sōsuke scopre il barattolo e per liberare Brunilde rompe il contenitore con una pietra, tagliandosi. Brunilde lecca la ferita facendola guarire immediatamente e Sōsuke chiama la creatura appena liberata, Ponyo, promettendole che avrà cura di lei per sempre.

Fujimoto, però, dopo aver cercato dappertutto la figlia sparita, chiama gli spiriti delle onde per recuperarla e Brunilde viene richiamata e inghiottita dal mare.

Una volta tornata nel mondo marino, Brunilde litiga con Fujimoto perché desidera diventare umana e farsi chiamare “Ponyo” così come è stata battezzata dal suo nuovo amico. Usando la magia, inizia a farsi crescere gambe e braccia e a trasformarsi in essere umano, potere che la piccola ha acquisito con il sangue della ferita di Sōsuke. Fujimoto, preoccupato, esce per cercare l’aiuto della madre di Brunide, Granmamare, ma la piccola si allontana per tornare sulla terra ferma. Quando Ponyo ritrova Sōsuke, il bambino è felicissimo e racconta subito alla madre, Risa, di avere conosciuto Ponyo sulla spaggia, ma ora lei è tonata come una bambina. Risa non crede al racconto del bambino, ma permette a Ponyo di restare a casa a mangiare e a riposare fino a quando non passi la tempesta che è stata provocata in realtà dalla magia di Ponyo usata per la sua trasformazione in umana, infatti, nel momento in cui è terminata la trasformazione si è creato uno tsunami e uno squilibrio nel mondo.

Nel frattempo, nella casa di riposo dove lavora Risa c’è una grande paura per la tempesta che è scoppiata e Risa decide di raggiungere il luogo di lavoro per aiutare a controllare gli abitanti anziani della casa e metterli in salvo qualora fossero in pericolo, dopo aver promesso a Sōsuke che tornerà il prima possibile.

I bambini, dopo aver cenato, si riposano, ma al loro risveglio trovano la casa circondata dall’oceano, Risa non riesce di certo a tornare a casa e i due bambini decidono di andarla a cercare. Con l’iuto della magia, Ponyo trasforma la nave giocattolo di Sōsuke in una imbarcazione a grandezza naturale e si mettono così in viaggio.

Nel frattempo Granmamare, riconosciuta da Koichi, il padre di Sōsuke, come la Dea della Misericordia, viaggia e raggiunge Fujimoto preoccupato dalla luna che sembra stia per uscire dalla sua orbita e dai satelliti che sembra stiano precipitando come stelle cadenti. Granmamare spiega a Fujimoto che lo squilibrio della natura è stato provocato dalla decisione di Ponyo di avere usato la magia per trasformarsi in umana e che, solo se Sōsuke supererà un test, Ponyo potrà vivere da essere umano e l’equilibrio del mondo potrà essere ripristinato. Qualora Sōsuke dovesse fallire il test, Ponyo si trasformerà in schiuma di mare, per sempre.

Il viaggio dei due bambini, infatti, sarà pieno di prove di coraggio e di resistenza, la stessa Ponyo si addormenterà più volte, stanca e affaticata a tenere sempre attiva la magia e, quando la piccola sviene,  Sōsuke sarà costretto a spingere la barca a riva che, nel frattempo, con il venire meno della magia di Ponyo svenuta, si sta ritrasformando nuovamente in una nave giocattolo. Quando Ponyo si risveglia, i due bambini ricominciano la ricerca di Risa.

Riusciranno Ponyo e Sōsuke a ritrovare Risa? In cosa consiste il test di Sōsuke? Ponyo riuscirà a completare la sua trasformazione definitiva in essere umano o il suo destino è segnato?

Non vi svelo come andrà avanti la storia, mi fermo qui, anche solo per incuriosire chi ancora non ha guardato questo splendido film di Miyazaki. Una trama avvincente, una storia ricca di simbolismi e metafore dove i due mondi, quello del mare e quello della terra si incontrano e il cui punto fondamentale sarà trovare un equilibrio che potrà essere creato solo da un rispetto reciproco.

 La visione immaginifica del Maestro Miyazaki ci porta anche a riflettere sulla realtà che viviamo e su come la fantasia dei bambini, che rappresentano il futuro, possa riuscire a far riemergere alcuni ricordi che gli adulti tengono sopiti dentro di loro, ma anche gli adulti sono stati bambini una volta e il messaggio per questo diventa percepibile universalmente.

Dal punto di vista tecnico “Ponyo sulla scogliera” presenta figure essenziali, disegnate in modo poco particolareggiato, il tratto deve essere semplice e arrivare direttamente al cuore degli spettatori, mentre i fondali dai colori azzurri pastello regalano serenità anche nelle scene più impetuose, come quelle della tempesta.

Piccola curiosità, il nome scelto per il bambino protagonista, Sōsuke, è ispirato al nome del protagonista del romanzo di Natsume Soseki, “La porta”.

Memoru Grace

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The Interest of Love – L’incomunicabilità dell’amore

Quando ho deciso di iniziare questo drama ero convinta di immergermi in un’atmosfera intimista, lenta, sofisticata dove potermi fermare a riflettere in ogni momento, anche nei silenzi. In parte è stato così, in parte, però, io stessa ero partita con delle aspettative diverse o forse credevo di trovare un altro tipo di drama che non è stato quello che poi ho visto e questo mi ha un po’ deluso.

“The Interest of Love” ci regala delle atmosfere meravigliose, delle inquadrature magistrali, un colore di pellicola che ho apprezzato molto, l’attenzione ai particolari e ai dettagli che mi hanno davvero colpito (le piantine grasse curate dalla protagonista, i ninnoli sulle mensole, i quadri e molto altro) tutti punti di forza che questo drama ci presenta con un coinvolgimento emotivo impeccabile accompagnato poi da una colonna sonora sofisticata con delle tracce davvero indimenticabili.

La storia è uno spaccato di realtà ambientata nella filiale di Yeongpo della KCU Bank dove le vite di quattro persone si intrecciano e si avvicinano, per poi lasciarsi e ritrovarsi tempo dopo.

Ahn Soo-young (interpretata da Moon Ga -young “True Beauty”, “Link: eat, love, kill”, “Find Me in Your Memory“) è conosciuta come “la dea di Yeongpo” per la sua bellezza e la sua innata eleganza per portamento e modi di fare, oltre ad essere molto abile sul lavoro e apprezzata dai colleghi, ma Soo-young sa pure di doversi proteggere dalle attenzioni del mondo e della società perché, in qualsiasi momento, potrebbe cadere vittima della cattiveria e delle maldicenze degli altri, per questo si trova sempre ad indossare una maschera e a mostrare un atteggiamento quasi freddo e distaccato, lavorando da anni in un ambiente che è un piccolo microcosmo umano con sistemi gerarchici da ufficio da rispettare, cercando di non affezionarsi mai né ai colleghi né all’ambiente, la sua giornata termina tornando a casa e dedicandosi ai suoi hobby, la musica, le piante, la pittura.

Ahn Soo-young è una ragazza all’apparenza pacata e gentile, ma in cuor suo è un fermento di emozioni e di paure, con momenti di collera e di profondo rancore verso chiunque possa averla ferita o per il solo pensiero di poter essere ferita da qualcuno; in quel caso sparisce dalla vita delle persone e cerca di ricominciare da capo, accadrà lungo la storia, così come è accaduto anche nel suo passato, dopo un tragico evento che ha coinvolto la sua famiglia. Ahn Soo-young ha portato rancore per anni nei confronti del padre credendo, infatti, che abbia abbandonato e tradito la famiglia a causa di una relazione extraconiugale. Il problema della nostra protagonista è quello di sparire senza neanche chiedere una spiegazione per il comportamento degli altri che possa averla ferita, nega quasi sempre la seconda possibilità e resta ancorata a quelle che sono le sue convinzioni. Forse il suo comportamento è dettato dal suo passato, da una forma di insicurezza che ogni giorno cerca di nascondere al mondo esterno per auto proteggersi e dal suo costante convincimento di non meritare la felicità.

 Ha Sang-soo (interpretato da Yoo Yeon-seok, “Narcosaints”, “Mr. Sunshine”, “Hospital Playlist”) è un impiegato che è stato affiancato a Ahn Soo-young nei primi mesi di formazione lavorativa in banca, da allora il ragazzo si è innamorato perdutamente di lei e ha nutrito per lei stima e affetto sempre più profondi. Quando sembra che Ha Sang-soo possa essere riuscito a far abbassare il muro incrollabile di diffidenza della ragazza, avviene un avvenimento che nuovamente li allontana o, perlomeno, fa allontanare bruscamente lei e farà crollare ogni tentativo da parte di lui di capire cosa abbia realmente ferito il cuore di lei e come possa rimediare. Han Sang-soo farà di tutto, ma inutilmente.

Mesi dopo, mentre Sang-soo si strugge ancora di dolore per non essere riuscito a capire e ad avvicinarsi nuovamente a Soo-young (questo atteggiamento lo vedremo per tutta la storia), la ragazza sembra essere coinvolta, invece, da Jung Jong-hyun (interpretato da Jung Ga-ram, “Love Alarm”, “When the Camellia Blooms”), giovane guardia giurata che lavora presso la KGU Bank, si sta preparando per il concorso ufficiale per entrare nelle forze di polizia, ma ha diversi problemi economici per via della salute del padre che richiede cure mediche costose.

Jong-hyun è innamorato di Soo-young, anche se lei, soprattutto all’inizio, lo vede come un fratello, ha una certa affezione per lui, lo aiuta in diversi momenti, poi la situazione sembra trasformarsi in qualcosa di più importante.

Nel frattempo, nella filiale di Yeongpo, arriva una nuova impiegata, l’assistente manager Park Mi- kyung (interpretata da Geum Sae-rok, “Youth of May”), ex compagna di università di Ha Sang-soo nei confronti del quale dimostra subito affabilità e riguardo e cerca di poter catturare in tutti i modi l’attenzione del ragazzo. Park Mi-kyung è erede di una famiglia ricchissima, pur tuttavia non è altezzosa e sembra collaborativa con il resto dei colleghi anche con la stessa Ahn Soo-young pur intuendo l’amore non corrisposto di Sang-soo per la collega.

Mi-kyung è in tutto il drama il personaggio più onesto a mostrare i propri sentimenti anche contrastando il volere della sua ricca famiglia e aprendo il suo cuore a Ha Sang-soo, mostrando le proprie debolezze, inondandolo di attenzioni e affetto. Sang-soo si troverà ad acconsentire ad iniziare una relazione con lei, ma difatti il suo pensiero sarà sempre per Soo-young e in tutta la storia non sarà mai veramente attratto da Mi-kyung, nonostante l’insistenza di lei.

Questo clima di sofferenza e di incomunicabilità sarà maggiormente visibile dall’undicesimo episodio in avanti, i protagonisti sono destinati quindi con il tempo a lasciarsi, a prendere altre decisioni, a fare altre scelte o a sparire, quasi esiliandosi in un’altra filiale o in un altro Paese all’estero, per poi incontrarsi nuovamente.

Ha Sang-soo ha sempre creduto che la felicità nascesse dall’ordinarietà, da una vita normale, stabile, dal non avere rimpianti e invece nella sua strada ha incontrato Ahn Soo-young, la variabile che ha fatto crollare le sue convinzioni. Per Ahn Soo-young, che ha sempre creduto di non meritare nessuna felicità, l’aver incontrato Ha Sang-soo è stato un cedere alla tentazione di cambiare modo di vivere, ma lo sparire non l’ha condotta a dimenticare, anzi a fare i conti con le proprie scelte e con se stessa.

Entrambi i ragazzi hanno in comune il lasciarsi amare dagli altri, ma raramente fanno un passo indietro per cercare di mettere di lato per un attimo le proprie convinzioni e capire le persone che provano affetto per loro.

Entrambi sono due viaggiatori su un binario ferroviario con in sottofondo “il valzer dell’addio” di Chopin, potrebbero incontrarsi e camminare insieme lungo “la collina dell’oblio” come, non a caso, viene chiamata nella storia la strada che porta all’università che ha frequentato il protagonista, ma, entrambi, dietro di loro, hanno lasciato macchie di sofferenza a causa della poca linearità del loro comportamento, soprattutto Ahn Soo-young che continua a chiedersi quotidianamente cosa sia davvero l’amore e se possa coinvolgere due persone nello stesso modo senza lasciare vuoti o  rimpianti.

“The Interest of Love” è un drama sull’amore, ma non è una commedia romantica, è una storia che parla delle irrisolvibili fragilità umane che si riversano sull’amore e sulla felicità, questo è il merito che trovo in una serie che personalmente, purtroppo, non mi ha emozionata e mi ha lasciato profondo sconforto proprio per non essere riuscita a trovare una crescita interiore nel comportamento dei due protagonisti che restano due isole in un mare di invalicabili ostacoli del cuore.

Memoru Grace

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Laputa – Il castello nel cielo

“Per quanto terrificanti siano le armi di cui si dispone, per quanto numerosi siano i poveri robot che si manovrano, vivere distaccati dal suolo non è possibile!”.

Alzi la mano chi non ha mai sognato di volare. E non solo come Icaro con le sue ali di cera al cospetto del sole. Ci basterebbe anche solo fluttuare leggeri nel cielo sfidando la forza di gravità e, almeno, una decina di leggi fisiche, magari sorvolando la terra a bordo di una nuvola. L’umanità ha sempre sognato di volare e, già prima che inventasse gli aeroplani, ha codificato tutto un mondo segreto e aeriforme di leggende che riguardavano navi volanti, pirati dell’aria e continenti che vanno al largo della volta celeste insieme alle nubi. Il signor Lemuel Gulliver, protagonista de “I viaggi di Gulliver” di Jonathan Swift, s’imbatté per caso proprio in uno di questi continenti erranti nel cielo, un’isola, per la verità, di nome Laputa, manovrata meccanicamente dai suoi abitanti scienziati attraverso un magnete, che agiva sulla base di adamante dell’isola, e dotata di tutta la tecnologia e l’equipaggiamento bellico più avveniristico che si potesse immaginare. Dopo il signor Gulliver, toccò ad Hayao Miyazaki, uno dei fondatori dello Studio Ghibli e uno dei più grandi registi d’animazione di tutti i tempi, approdare sull’isola volante. E fu un viaggio fortunato, perché, illuminato dal successo di una serie come Conan, il ragazzo del futuro (1978) e di una pellicola come Nausicaa nella valle del vento (1985). Il viaggio verso Laputa fu il primo in assoluto marcato Studio Ghibli e data 1986, anche se la trama di Laputa – Il castello nel cielo inizia molti anni prima o molti anni più tardi, sospesa in un universo steampunk che è un po’ futuro tecnologico e un po’ XIX secolo.

In un mondo dove imperversano i pirati del cielo, che si fanno la guerra fra loro usando delle aeronavi degne di Jules Verne e del suo “Robur il Conquistatore“, una ragazzina solitaria di nome Sheeta viene inseguita da criminali di ogni tipo, che si vogliono impossessare di una strana pietra che porta al collo e che diffonde una luce sinistra intorno a sé (e vi riecheggerà nella mente anche qualcosa della serie anime Il mistero della pietra azzurra, che s’ispira sempre ai romanzi di Verne). Mentre cerca la salvezza, fuggendo dal finestrino dell’aeronave, precipita e cade addosso a Pazu, un giovane minatore di buon cuore, che vaga sui tetti e parla con i colombi e che racconta a Sheeta la leggenda di un’isola errante nel cielo di nome Laputa, i cui abitanti pare che si siano estinti per un cattivo uso delle armi. Insieme a Pazu, Sheeta si sente talmente sicura e protetta da rivelargli il segreto del suo nome completo (Lusheeta Toel Ul Laputa) e le strofe di una vecchia ninna nanna che si tramanda nella sua famiglia (“Mettendo radici nel suolo, viviamo insieme col vento! | Si passi l’inverno insieme coi semi! | Cantiamo la primavera insieme con gli uccelli!“). Tuttavia, solo il vecchio minatore Nonno Pom è in grado di rivelarle qualcosa riguardo alla pietra che porta e al motivo per cui tutti la vogliono: “In quella pietra vi è un forte potere. Avendo vissuto in compagnia delle sole pietre io posso ben capirlo, però… Sappi che le pietre in cui vi è potere, così come possono rendere felici le persone, possono pure richiamare la disgrazia. Per di più quella pietra è creata da mani umane, il che… mi dà da pensare“.

I pirati sono solo l’ultimo dei problemi di Sheeta. Il vero inseguitore, infatti, si rivela essere ben presto il colonnello Muska, un tizio alto e biondo come un vichingo, ma con gli occhialini del Dottor Stranamore di Kubrick e la follia insita di un Hitler. Muska, che ha asservito ai suoi ordini esercito e tutte le istituzioni, rivela a Sheeta la grandezza nascosta dietro la pietra, che non è altro che un residuo della grandezza di Laputa e serve ad annullare la forza di gravità e a risvegliare la potenza tecnologica e bellica dell’isola nel cielo, rappresentata da enormi automi militari in grado di svolgere le guerre a distanza e di devastare ogni cosa. Sheeta, a questo punto, scopre di essere l’erede della grandezza di Laputa e recupera i vecchi ricordi insegnati dalla nonna e che nascondevano nelle parole magiche di qualche filastrocca dei veri e propri comandi per dispiegare la forza di Laputa. Scopre, col tempo, anche la potenza distruttiva sia della pietra, sia delle parole magiche, che, infine, della tecnologia stessa di Laputa, che l’ha portata alla rovina e alla morte, già per il fatto di avere avuto la presunzione di fondare le proprie radici nelle nuvole. “Adesso, perché Laputa si sia estinta io lo capisco bene. (…) Per quanto terrificanti siano le armi di cui si dispone, per quanto numerosi siano i poveri robot che si manovrano, vivere distaccati dal suolo non è possibile!“.

La fuga dei ragazzi dall’esercito e dal colonnello Muska diventa rocambolesca e affannata e passa dalle viscere della terra, dove si trova la miniera presso cui lavora Pazu, alle nubi del cielo, dove hanno sede le aeromobili dei pirati che perseguitano Sheeta e l’esercito di Muska. Però, grazie alla nave pirata di Dola, un’arzilla piratessa non più giovane che tiranneggia i suoi figli adulti come unico equipaggio della propria nave, Sheeta e Pazu riescono a fuggire periodicamente da Muska, ostacolandolo nella realizzazione dei suoi progetti e, quindi, nello svolgimento di una “guerra totale” e nel tentativo di risvegliare sull’isola volante una potente arma di distruzione di massa che lo avrebbe reso padrone di tutto il pianeta, massacrando gran parte del genere umano. Solo che fuggire non è sufficiente, quando si incontra una simile e malevola depravazione e, ad un certo punto, Sheeta è costretta a fermarsi, a recuperare la memoria atavica dei suoi avi e i segreti del potenziale distruttivo di Laputa e ad affrontare direttamente Muska e, con lui, tutti coloro che corrono verso la distruzione e che hanno elevato la guerra a proprio idolo (“Vi farò vedere… la folgore di Laputa! […] Nell’Antico Testamento è il celeste fuoco che devastò Sodoma e Gomorra, mentre nel Rāmāyaṇa lo si tramanda come la freccia di Indra: il mondo intero verrà nuovamente a prostrarsi ai piedi di Laputa“).

Laputa – Il castello nel cielo (天空の城ラピュタ Tenkū no shiro Rapyuta) non è solo il primo film anime dello Studio Ghibli, ma è anche il primo manifesto di quelli che sono i temi cari ad Hayao Miyazaki e che è possibile trovare un po’ in tutti i suoi film: l’antimilitarismo, il pacifismo e il rifiuto della guerra da parte di una generazione che ha conosciuto la distruzione del conflitto mondiale e le sue conseguenze (tema che raggiungerà le sue vette estreme in Si Alza il Vento); l’accettazione della sconfitta in grado di costruire un’autocritica di se stessi per migliorarsi; l’importanza della preservazione dell’ambiente e il contatto uomo-natura (che diventerà tematica centrale in Principessa Mononoke e in Ponyo sulla scogliera); il tentativo di riportare la tecnologia alla sua purezza originaria per cui deve segnare un progresso del genere umano e non la sua distruzione (emblematico lo scambio di fiori tra Sheeta e il gigantesco automa di Laputa, che fa rivivere la scena di “Frankenstein” di Mary Shelley); la contrarietà nei confronti delle istituzioni corrotte ed erose di potere e l’aspirazione a costruire un mondo nuovo a partire dall’umanità stessa (tematica ripresa in Porco Rosso); la crescita e la formazione attraverso l’amicizia (come in Kiki – Consegne a Domicilio e in Il mio vicino Totoro). Il castello nel cielo, inoltre, costruisce, per la prima volta in un film anime giapponese, un grande personaggio femminile, riprendendo parzialmente la determinazione della giovane Nausicaa, protagonista del precedente film d’animazione Nausicaa nella valle del vento, ma liberandolo da alcune caratteristiche stereotipate e rendendolo indipendente e unico a partire anche dal vasto spettro emotivo dei suoi sentimenti. Tutto ciò, nel non troppo lontano 1986, cominciò a sovvertire la cultura maschilista nipponica e a creare la galleria di grandi personaggi femminili che caratterizzano, solitamente, i lavori di Hayao Miyazaki, anche perché, per dirla con la piratessa Dola, “L’audacia è femmina“.

Ultima postilla sulla colonna sonora composta dal celebre musicista giapponese Joe Hisaishi, che fu, in ordine cronologico, la seconda collaborazione con Hayao Miyazaki e la prima con lo Studio Ghibli e che segnò un sodalizio tuttora vivo e presente (Hisaishi ha composto anche la colonna sonora dell’ultimo segreto film di Miyazaki, ma questa è un’altra storia, che speriamo segnerà l’inizio di tante altre storie).

Consigliato: a tutti gli amanti dello Studio Ghibli e agli amanti degli anime, perché è una pietra miliare della storia dell’animazione, considerata all’epoca il terzo miglior film d’animazione dopo Neon Genesis Evangelion e Nausicaa nella valle del vento; a tutti coloro che amano la narrativa fantastica e di fantascienza e divoravano da bambini i romanzi d’avventura di Jules Verne (e forse li divorano ancora); a chi crede che valga sempre la pena vedere un inno contro la guerra.

Captain-in-Freckles

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King the Land – Un sorriso sincero

Il sorriso è la manifestazione esterna della nostra anima, ma non sempre un sorriso è ciò che vogliamo comunicare agli altri, anzi spesso ci nascondiamo dietro un sorriso di convenienza, come dietro ad una maschera, un finto sorriso che ci serve per concludere un discorso che potrebbe travalicare le linee del buon vivere civile. Il sorriso è anche il protagonista di questa storia ed è il tratto fondamentale che contraddistingue Cheon Sa-rang (Im Yoon-a delle “Girls’ Generation”, vista anche in “A Year-End Medley”) e Goo Won (Lee Jun-ho dei 2pm, visto in “The Red Sleeve Cuff”, “Just Between Lovers”, “Wok of Love” ).

Cheon Sa-rang ha da sempre sognato di lavorare come concierge fin da piccola quando insieme alla sua mamma adorava entrare in albergo e cercare in quell’atmosfera la felicità. Crede, quindi, di avere realizzato il proprio sogno quando viene assunta al King Hotel, la sua arma vincente è proprio il sorriso che abbatte ogni ostacolo e ogni muro, ma che è anche quello che le chiedono di fare a lavoro e così, in sette anni, è stata nominata “miglior talento”. Goo Won è il figlio del proprietario del King Hotel, sa di avere potenzialità, di aver studiato e di essere capace, ma non è facile ottenere dalla propria famiglia credibilità e fiducia, soprattutto quando si viene allontanati da casa con la scusa di studiare all’estero. Goo Won non sorride quasi mai, odia i sorrisi, li reputa falsi da quando ancora bambino vedeva attorno a sé una schiera di persone, dai domestici ai familiari, che gli sorridevano e non gli davano le risposte alle sue continue richieste di sapere dove fosse finita la sua mamma. E’ sparita per sempre? Si è allontanata per colpa sua o per colpa di altri? Questo mistero, che ha da sempre assillato Goo Won, lo ha incastrato in un vortice di diffidenza e di ritrosia.

L’incontro tra i due non è promettente, ma in realtà entrambi cercano di nascondere il proprio lato interiore, quello che vorrebbero non fosse ferito dall’esterno.  Sa-rang e Goo Won si scontrano, credono di non aver feeling e di non sopportarsi per nulla al mondo. Goo Won chiede a Sa-rang di non sorridere in sua presenza perché è allergico ai sorrisi e soprattutto quelli che vede a lavoro in un ambiente pieno di persone che sorridono per essere condiscendenti con i clienti dell’albergo.

Intelligente, preparato, ma schivo e introverso, Goo Won; intelligente, preparata, ma solare e brillante, Sa-rang: due ragazzi molto diversi, ma entrambi in cerca di far capire quanto valgono. Goo Won deve riuscire a conquistare la fiducia del padre (Son Byong-ho) e a contrastare tutta la lotta che la sorellastra (Kim Seon-young) prepara contro di lui da tempo perché non vuole farlo avvicinare alla direzione del gruppo King. Unico suo amico, il segretario Noh Sang-sik (interpretato da Ahn Se-ha) che è stato aiutato alcuni anni prima da Goo Won e con il quale ormai ha instaurato un rapporto di fiducia e di collaborazione. Piccola nota sul segretario che mi è piaciuto moltissimo soprattutto per alcuni siparietti di cui è protagonista. Sa-rang, invece, sa di avere come spalla la nonna Cha Soon-hee (la nostra immancabile e adorabile nonna per eccellenza, Kim Young-ok, “Hometown cha cha cha, “Miss Hammurabi” e molti altri drama) e due amiche fedeli con le quali si confida e con le quali ha sempre condiviso momenti di felicità e momenti di sconforto, solo con loro può divertirsi e ballare liberamente per abbandonare lo stress di una giornata lavorativa.  Kang Da-eul (Kim Ga-eun, “Because this is my First Life”, “I Hear your Voice”) sposata con un uomo attento solo a se stesso e con una bambina più matura della sua età, lavora in un negozio duty-free affiliato a King Group, la sua situazione familiare ci fa pensare molto e si svilupperà soprattutto verso gli ultimi episodi. Oh Pyung-hwa (Go Won-hee, “Love to Hate you”), assistente di volo della King Air, è una ragazza disillusa dell’amore, ma di lei è innamorato il collega Lee Ro-woon (Kim Jae-ha) che le sarà accanto nei momenti difficili soprattutto sul lavoro.

Ad un certo punto, però, Cheon Sa-rang e Goo Won si avvicinano, anzi le loro anime si avvicinano, quasi senza accorgersene, e capiscono così di essere complementari, l’uno infonde fiducia all’altra, Sa-rang illumina con il suo sorriso e la sua vicinanza il cammino di Goo Won, mentre lui dimostra una fedeltà di sentimenti e di stima infinite. E’ così che inizia un prezioso sentimento d’amore tra i due che per tutti gli episodi non vacillerà mai, nonostante diversi tentativi di farli allontanare. Im Yoon-ah adorabile e solare e Jun-ho sempre bravissimo in ogni ruolo dal drammatico alla commedia, qui in stato di grazia.

Non ci sono particolari colpi di scena in questa storia, i clichè sono ben calibrati, la chimica tra i due protagonisti, però, rende credibile la loro storia d’amore, verranno premiati gli sforzi, la costanza e la dedizione al lavoro sia singolarmente che come lavoro di squadra. Impossibile non ricordare “i sei fratelli” costituiti da Sa-rang, Goo Won, il segretario, le amiche Da-eul e Pyung-hwa e il collega di lei, Ro-woon, quasi una squadra per rafforzare l’amicizia, la fiducia e il rispetto ognuno dei propri ruoli, perché tutti importanti, ed è questa una delle parti che ho apprezzato maggiormente nel drama. Il loro gioco di squadra diventa poi più incisivo nell’incantevole episodio ambientato in Thailandia dove i miei occhi si sono riempiti di bellezza e di luce.

L’amore secondo Sa-rang è non abbandonare mai la strada che dovranno percorrere insieme verso un orizzonte di futuro vincente, l’amore per Goo Won è dichiarare alla nonna di lei: “Grazie per avere cresciuto così Sa-rang, è una bellissima persona”.

“King the Land” è un drama romantico che ha il merito di farci perdere in una storia dove valori e sacrifici lavorativi e personali vengono premiati e dove finalmente viene riconosciuto e apprezzato il merito delle persone. Non succede così frequentemente nella vita reale, vero, ed è per questo che “King the Land” è una storia che fa bene al nostro cuore, ha una funzione di puro escapismo, di fuga mentale per riuscire a prenderci cura di noi stessi quando ci dimentichiamo che abbiamo anche bisogno di leggerezza e di conforto.

Memoru Grace

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Una tomba per le lucciole

“La sera del 21 settembre 1945 io morii”.

Il fantasma di un ragazzo si stacca da uno sfondo cupo, quasi grigiastro, e si avvicina per venire incontro allo spettatore, come se volesse uscire fuori dallo schermo della finzione scenica per sottolineare il suo doloroso epilogo e narrare la sua storia. Prende per mano una bambina, che ha raccattato per terra una vecchia scatola di latta di caramelle e guarda con malinconia il suo corpo macilento, che giace cadavere nell’atrio della stazione di Kobe.

La fotografia diventa rossa come il fuoco di un tramonto, quando il cielo è sereno, o come lo scoppio di una bomba, che piove impietosa sui piccoli umani. Due bambini salgono sul treno e guardano fisso davanti a loro con occhi vaghi e tristi. Il treno si muove, le ombre si disegnano sui volti dei due bambini, la loro espressione non muta, non c’è alcuna novità nel viaggio in treno che stanno per compiere, non c’è lietezza. Inizia una musica dolce e fatata, quasi da carillon, che accompagna lentamente l’incedere dei bambini come in un film neorealista.

Kobe, 5 giugno 1945. Il Giappone è ancora in guerra con gli Stati Uniti e non accenna alla resa. Le bombe esplodono sopra i cieli nipponici. Durante un attacco aereo, il quattordicenne Seita carica la sorellina di quattro anni Setsuko e riesce a trovare riparo in un rifugio antiaereo e a salvarsi. Il bombardamento, però, è impietoso e, pur risparmiando i due fratellini e una parte della popolazione che è riuscita ad arrivare in tempo ai rifugi, conta tra le vittime la madre. La donna, gravemente ustionata, viene ricoverata all’ospedale di Kobe, ma non ci sono abbastanza medicinali, né soccorsi per prestare aiuto a tutti i feriti e spira dopo qualche giorno. Seita e Setsuko vengono ospitati dalla zia e da suo marito, mentre Seita tenta di nascondere la verità sulla morte della madre alla sorellina. La convivenza con i parenti, però, si rivela presto asfissiante per i due fratellini: mentre la zia all’esterno si vanta della sua fedeltà alla causa imperiale giapponese e della bontà con cui ha accolto in casa i due orfani, verso i bambini inizia a mostrare segni di mal sopportazione, che vanno da semplici ammonimenti, alla rivelazione sulla morte della madre, alla costrizione a vendere le vesti della defunta per acquistare riso per la famiglia, fino a ritagliare sempre di più lo spazio vitale dei due bambini, che si sentono ospiti non voluti. Seita trova una grotta abbandonata ai margini del villaggio, una sorta di rifugio, che può tenere riparati lui e la sorella sia dalle bombe della guerra che dalla cattiveria degli esseri umani. Decide, quindi, di trasferirsi con Setsuko, presentandole la bellezza di questa nuova avventura, quasi un gioco, in cui possono costruire insieme una casa tutta per loro, dandole un’apparenza di normalità e di felicità, come se la vita continuasse tranquillamente e loro fossero solo in attesa del ritorno dei genitori per vivere di nuovo tutti insieme. Setsuko scopre la campagna, il rumore del mare e del vento sui fili d’erba, gli spazi aperti dove correre liberamente, l’immoto clima estivo che perdura l’attesa e le notti illuminate da mille piccole lucciole, creature meravigliose e quasi magiche, destinate, però, ad una vita breve come la stagione estiva. “Non è giusto. Perché le lucciole muoiono così presto?“, lamenta la bambina con il fratello, mentre tenta di catturare quelle effimere stelle che volano nell’aria notturna.

Volano come lucciole nella notte anche gli aerei kamikaze giapponesi con i loro radiofari rossi e blu, pronti a varcare l’Occidente per non fare più ritorno, verso quel paese dalle nevi argentate che stava per entrare in rotta di collisione con il proprio mondo. Chissà chi ha preso questa decisione, pensa Seita. E per quale motivo questa decisione doveva coinvolgere anche la sua famiglia, la sua sicurezza, la sua tranquillità, la sua sopravvivenza. Il tempo passa, il caldo si fa opprimente, i bombardamenti continuano e straziano il Giappone, mentre Seita e Setsuko finiscono lentamente tutte le provviste di cibo che hanno ricavato vendendo gli ultimi oggetti lasciati loro dalla zia. Mentre Setsuko inizia a stare male, Seita cerca in tutti i modi di sopravvivere, elemosinando la carità dei suoi concittadini, ma senza successo, perché i tempi sono arcigni e nessuno vuole rinunciare alle proprie riserve per venire incontro a bambini destinati a morire: la popolazione li condanna come un rifiuto della guerra, il residuo di una colpa storica e di un dolore, che si sta già preparando a cancellare. Tutti ragionano per assicurarsi un prossimo futuro dopo una sconfitta certa e Seita e Setsuko vengono abbandonati all’indifferenza e all’inedia. Setsuko muore di denutrizione, stringendo delle biglie in mano, che crede caramelle. Seita vede la fine della guerra e la resa del Giappone, apprende dell’affondamento dell’incrociatore dove si trova il padre, raccoglie il testimone di quella scatola di latta per caramelle e delle biglie colorate e si appresta a guardare un nuovo Giappone, che è deciso a dimenticare il passato e a ripartire, sordo al dolore dei suoi abitanti, come lo era stato prima di iniziare una guerra distruttiva. Il corpo di Seita di lascia morire in un luogo emblema della nuova frenetica corsa della società, la stazione di Kobe, ma la sua anima si stacca e incontra la sorella e lo spettatore a cui ha raccontato la sua storia, ferma nello spazio infinitesimale di una danza notturna delle lucciole sui campi d’estate, minuscolo ed impercettibile, eppure decorato di luce e di speranza in quell’unico momento di felicità delle loro brevi vite, durate quanto l’ultima estate di guerra del Giappone. Un flauto suona malinconico da solo nella notte, seguito dai tasti di un pianoforte. Ci congediamo.

L’amara e triste realtà della tragedia bellica è la vera protagonista del film “Una tomba per le lucciole” (火垂るの墓 Hotaru no haka), capolavoro d’animazione marcato Studio Ghibli e diretto dal compianto Isao Takahata (autore del più recente “La storia della Principessa Splendente” e della famosissima serie “Heidi“), basato sul racconto semi-autobiografico dello scrittore e politico giapponese Akiyuki Nosaka. La guerra, però, non è solo il male immediato, che porta a morti e distruzioni contemporanee, ma è la degenerazione della virtù umana. A differenza di un’altra grande pellicola sulla guerra, “Si alza il vento“, il film non ha l’obiettivo di mostrare come l’essere umano possa usare in modo sbagliato la tecnologia per farsi del male, né vuole narrare il periodo storico e l’ingresso giapponese in guerra per ricavarne un messaggio di pace, ma preferisce concentrarsi su una piccola e denigrata vicenda umana, in un’immagine da fine guerra, che reca con sé tutti i dolorosi postumi e le brutture del conflitto, senza mai scendere nel dettaglio. I due fratellini protagonisti non muoiono sotto le bombe, ma per mancanza di cibo e di cure, per indifferenza da parte di altre persone che hanno sofferto, ma che negano la sofferenza vissuta per cercare di andare avanti. Il dolore fa paura e, come tale, viene relegato in un angolo oscuro e sporco, cristallizzato come una macchia infamante su chi è stato preso come simbolo del dolore, perché non ha saputo o non ha voluto reagire alle circostanze fatali del destino, quasi un capro espiatorio che può liberare gli altri. I bambini protagonisti sono simbolo di un passato e di una sconfitta che il Giappone – ma questa logica potrebbe essere applicata a qualsiasi Stato – vuole rinnegare e che, come tale, rimane sempre impercettibile nelle coscienze individuali, pronto a sfociare nel momento meno opportuno: è la disumanità e la follia che ha portato (e che porta continuamente) alle guerre, quando “tutto il popolo impazzisce” (per prendere in prestito le parole di Tom Conti nel film “Furyo – Merry Christmas, Mr. Lawrence“) e sedimenta gli odi ancestrali in uno scoppio cieco e privo di morale. Quando Seita muore davanti agli occhi di tutti i passanti nella stazione di Kobe, la gente, funestata dalla sua visione, esclama: “Che spettacolo vergognoso! Stanno per arrivare gli americani e si fa trovare così, in modo indecoroso?“. Questa è la visione straziante e lucida che pone di diritto questo film tra i capolavori neorealisti sulla guerra da recuperare, accanto ad un film come “Roma Città Aperta” di Roberto Rossellini, capace di travolgere per l’intensità delle scene, anche non parlate e accompagnate solo dalla musica, e chiudere lo spettatore nella morsa del dolore, innegabile e sconvolgente, pronto a scavare nel profondo dell’animo.

La pellicola, che uscì nelle sale cinematografiche nel 1988 (quasi in contemporanea con “Il mio vicino Totoro” di Hayao Miyazaki), pur non facendo alcun riferimento aperto allo sgancio delle bombe atomiche sulle città giapponesi di Hiroshima e Nagasaki, mostra in modo molto chiaro gli ultimi mesi di guerra che si abbatterono sul Giappone prima della resa (e dell’atomica), costituiti non solo da bombardamenti feroci e impietosi, ma anche dall’utilizzo non di bombe esplosive, ma di bombe incendiarie, armi oggi vietate dalle convenzioni internazionali e quasi “testate” all’epoca nell’ultima fase bellica (il 75% dei carichi dei B-29 americani era costituito da bombe incendiarie, con attacchi che arrivavano a produrre più di 100.000 vittime in una sola notte di bombardamento, come accadde a Tokyo tra il 9 e il 10 marzo 1945). La scena dell’attacco alla città di Kobe nella notte del 5 giugno 1945, che produsse oltre 11.000 morti e numerosissimi feriti, è costruita con una meticolosità e una chiarezza storica impressionanti. La crudezza delle scene e delle verità narrate, raramente rappresentate in un film sulla Seconda Guerra Mondiale (solo Clint Eastwood nel film “Lettere da Iwo Jima” mostrerà con coraggio la potenza distruttiva delle bombe incendiarie americane) e che potevano compromettere l’immagine virtuosa degli Stati Uniti, resero difficile e controversa la distribuzione di questo film. A questo si aggiunga che il messaggio asciutto eppure così intenso e nitido di Isao Takahata è una chiara critica nei confronti della politica giapponese, passata e presente, della costruzione del mito imperiale a scapito dei più deboli, dell’etica della dimenticanza, la logica più sbagliata per non apprendere dai propri errori, persino della narrazione della sconfitta, tipica giapponese, che, comunque, ammanta di eroismo alcuni avvenimenti, cancellando l’umanità, e, infine, dell’indifferenza persistente della società in qualsiasi periodo storico, pronta a sacrificare sull’altare le vite di chi reputa inutili e insignificanti. Non proprio un messaggio facile da digerire per i contemporanei (e non solo), che, in qualche modo, ha reso complicata e quasi proibitiva la visione di questa pellicola, tanto da farla definire come il “capolavoro dimenticato”.

Tra l’altro, l’opera è nota anche per una piccola controversia relativa ai diritti d’autore e alla distribuzione sui canali streaming. Infatti, secondo una legge sul diritto d’autore giapponese (legge peraltro abrogata negli anni ’90), i diritti d’autore di un’opera ispirata a un’altra opera devono appartenere automaticamente a chi possiede già i diritti d’autore della prima opera. In questo caso, i diritti d’autore del film, che si ispira al racconto omonimo di Nosaka e che è stato prodotto nel 1988, appartengono alla società Shinchosha Co., la stessa che possiede i diritti d’autore delle opere letterarie di Nosaka, e non allo Studio Ghibli. Ciò ha implicato che qualsiasi diffusione e distribuzione dovesse seguire le direttive della società che amministrava il patrimonio letterario di Nosaka e che, ad esempio, ha stretto un accordo con la Yamato Video per la distribuzione in VHS e DVD, ma non con la Lucky Red per l’uscita al cinema e, soprattutto, non con Netflix per lo streaming. Ad oggi, “Una tomba per le lucciole” è uno dei pochi film Ghibli (insieme a “Lupin e il Conte di Cagliostro“) esclusi dai cataloghi Netflix e di altri servizi streaming. Poco male, perché per chiunque volesse guardare la pellicola, è disponibile gratis su YouTube sia in versione originale che in versione doppiata in italiano. Il libro, invece, è stato tradotto da qualche anno in italiano ed è disponibile in tutte le librerie.

Per la verità, quella definizione di “capolavoro dimenticato” è un’espressione errata, visto che “Una tomba per le lucciole” ha avuto un successo tutto suo nel tempo e, ad oggi, è valutata dalla critica come una delle pellicole migliori sulla Seconda Guerra Mondiale e uno dei film più belli di tutti i tempi da preservare. Nel 2015, in versione restaurata, ridoppiata e revisionata, il film è tornato nelle sale cinematografiche, stavolta con la distribuzione che all’epoca gli fu negata. Ho fatto la sua conoscenza così anch’io, quasi senza conoscere per davvero la trama e, soprattutto, ignorando l’emozione che ne suscitava. Sono uscita dal cinema in punta dei piedi e quasi in religioso silenzio, chiedendo congedo per sempre ai due fratellini e al loro sogno di lucciole danzanti, mentre le lacrime continuavano a rigarmi il viso (un po’ come adesso, che sto scrivendo questa recensione).

Chiedo congedo anche a voi, ringraziandovi per la lettura, e spero di aver trasmesso un po’ dell’emozione che ho provato quando ho visto questo film per la prima volta (e che provo, ogni qual volta mi cimento con la visione).

Laura

Come suona la recensione?

Rapsodia in agosto

Una anziana signora si incammina addentrandosi nella tempesta estiva con un piccolo ombrello, quasi a voler soccorrere qualcuno, a raggiungere qualcuno che vede solo lei, in sottofondo le note dello “Stabat Mater RV 6321” di Antonio Vivaldi su testo di Jacopone da Todi e solo questa scena finale potrebbe trasmetterci l’idea della meraviglia artistica espressiva che questo film di Akira Kurosawa del 1991 regala al pubblico.

Anni fa con mia mamma, una tarda sera d’estate, ci siamo imbattute nella visione di questo film che, purtroppo non conoscevo, anche per le poche volte che è stato trasmesso nei canali tv nazionali e solo così ho scoperto il capolavoro, “Rapsodia in Agosto”.

Kane (interpretata da un’immensa Sachiko Murase, alla sua ultima interpretazione, è morta, infatti, nel 1993) è una anziana hibakusha (termine giapponese che definisce i sopravvissuti al bombardamento atomico di Hiroshima e Nagasaki) che ha perso il marito nel bombardamento di Nagasaki del 9 agosto 1945.

Un giorno, la famiglia scopre che un fratello di Kane, Suzushiro, trasferitosi negli Stati Uniti prima della Seconda Guerra Mondiale, ha costruito negli anni una multinazionale di coltivazione e commercio di ananas e per questo è diventato molto ricco; ora, purtroppo, è sul punto di morire e i figli di Kane che fino ad allora non conoscevano nemmeno l’esistenza di questo zio, sfruttando le vacanze estive e con una qualche ragione opportunistica, decidono di recarsi alle Hawaii per conoscerlo e dargli l’ultimo saluto.   

Prima di partire per gli Stati Uniti, lasciano a casa di Kane i loro rispettivi figli, Tateo (Hidetaka Yoshioka), Minako (Mieko Suzuki), Shinjiro (Mitsunori Isaki) e Tami ( Tomoko Otakara); i ragazzi sono contenti di trascorrere del tempo con la nonna.

Con il tempo, infatti, i nipoti instaurano con la nonna un rapporto speciale, Kane scopre che, come molti ragazzi della loro età, anche i suoi nipoti non sanno molto dei bombardamenti di Hiroshima e Nagasaki e quanto siano stati pesanti per la comunità e soprattutto per i sopravvissuti come lei. Pian piano le emozioni dei nipoti si legano a quelle della nonna, dai suoi racconti scoprono una Storia che avevano ignorato, l’esistenza del nonno scomparso, comprendono la sofferenza delle persone che hanno vissuto quella tragedia e la tristezza dello sguardo della nonna ogni volta che fa riaffiorare il ricordo, l’essere sopravvissuti che ogni giorno spegne ogni tentativo di sorriso e fa riemergere una piaga sanguinante. Mi sono emozionata moltissimo nelle scene condivise tra nonna e nipoti, il passeggiare insieme, visitare la scuola e il Parco della rimembranza, dedicato alle vittime, l’ammirare la luna di agosto, mangiare una fetta di anguria fresca in un pomeriggio caldissimo d’estate sulla soglia di casa. Immagini poetiche che ancora a distanza di anni sono rimaste nella mia memoria, immagini che solo grandi registi riescono ad imprimere delicatamente in una memoria fotografica universale.

Tateo e gli altri nipoti iniziano una corrispondenza con i parenti americani, in particolar modo con il cugino Clark e, prima che i propri genitori ritornino a casa, tentano di convincere la nonna a recarsi negli Stati Uniti per andare a vedere un’ultima volta il fratello come da sua ultima volontà, ma sarà impossibile perché nel frattempo Suzushiro muore.

I genitori dei ragazzi tornano in Giappone e mostrano una certa insensibilità nei confronti di Kane, dei suoi sentimenti e del suo dolore, dopo aver appreso della perdita del fratello; i nipoti, al contrario, percepiscono le emozioni della nonna, vista la loro vicinanza e i momenti condivisi insieme quell’estate. Si scopre, così, che i figli di Kane, erano andati negli Stati Uniti per cercare di conoscere i parenti americani e sfruttare questa conoscenza con lo scopo di migliorare le proprie condizioni economiche, ma quando vengono a sapere che i ragazzi hanno scritto al cugino Clark e gli hanno raccontato della nonna, dei suoi ricordi di guerra, della scomparsa del nonno durante il bombardamento, capiscono che tutto è finito perché il rammentare l’evento del bombardamento ai giapponesi che vivono in America è quasi un tabù perché è fonte di disagio nei confronti dei loro altri connazionali.

Kane, quando apprende ciò che è successo, rimprovera i propri figli mettendoli di fronte alla propria coscienza, il riavvicinarsi ai parenti negli Stati Uniti doveva essere supportato da un legame di affetto che era stato interrotto per troppo tempo e non una questione utilitaristica e così, un giorno, con la meraviglia di tutti, arriva in Giappone il cugino Clark (interpretato da Richard Gere). Clark non è venuto per tagliare qualsiasi legame con il ramo della famiglia in Giappone, ma, mosso da curiosità e voglia di scoprire le origini anche grazie alla corrispondenza con Tateo e gli altri ragazzi, vuole conoscere Kane, la sua storia e porta gli omaggi della sua famiglia alla memoria del marito di Kane e degli altri defunti di Nagasaki. Ed è qui che, in una delle riflessioni più sentite all’interno del film, Clark, di fronte ad un gruppo di hibakusha, esclama: “Credevo di sapere, ma solo ora, vedendo queste persone, so cosa è stato”.

Dopo aver abbracciato il nipote e aver visto una foto da giovane del fratello Suzushiro che non è riuscita più a rivedere in tutta la sua vita, Kane ha un crollo psicologico e inizia a vedere i propri ricordi che quasi si materializzano davanti a sé. In una scena quasi surreale, Kane, dopo aver preparato i vestiti del marito defunto e addentrandosi nella tempesta estiva scambiandola per un bombardamento aereo, si perde nella nebbia del ricordo, rivive i momenti strazianti che ha dovuto quasi nascondere in tutta la sua vita e si incammina verso Nagasaki con un piccolo ombrello. Figli e nipoti seguono mesti questa piccola donna curva che si perde dentro la tempesta, quasi a voler riemergere da un incubo infinito: la scena è di una bellezza emotiva che non ha paragoni.

Dopo la visione del film, io e mia mamma, commosse, con gli occhi pieni di lacrime, ci alziamo dal divano, in silenzio, non c’è altro commento che il silenzio in queste occasioni. Ancora oggi credo che sia uno dei più bei film che ricordano la tragedia della bomba atomica vista dagli occhi dei sopravvissuti, perché anche quando si sopravvive ad una tragedia immane, il ricordo fa rivivere costantemente quell’ avvenimento che la memoria non potrà mai seppellire insieme ai morti.

Memoru Grace

Quando c’era Marnie

Quando i ricordi di due persone si fondono insieme in un’estate magica, cosa succede? E se quelle due persone hanno tante cose in comune senza saperlo?

“Quando c’era Marnie” è un film d’animazione del 2014 prodotto dallo Studio Ghibli e diretto da Hiromasa Yonebayashi (che noi abbiamo già conosciuto per aver parlato di “Arietty” e “Modest Heroes” che troverete nelle nostre recensioni).

La storia si ispira al romanzo di Joan G. Robinson, “Quando c’era Marnie”, mentre i disegni e le tematiche trattate sono quelle tipiche che abbiamo sempre apprezzato nei film di produzione Ghibli, ma quello che maggiormente incanta in questa storia è l’essere riusciti a creare quel rapporto di connessione di anime tra le due protagoniste del film.

Anna è una ragazzina di dodici anni, introversa, silenziosa, chiusa nel suo mondo di solitudine interiore, è rimasta orfana di genitori da bambina e ha perso anche la nonna che era ancora piccola, ora vive con la madre adottiva Yoriko a Sapporo con la quale ha un difficile rapporto causato anche dal fatto di aver scoperto che Yoriko percepisca un sussidio pubblico per l’adozione e che non glielo abbia mai detto. Yoriko, invece, lo ha tenuto nascosto ad Anna perché si sente sempre in difetto e in uno stato di continuo disagio nei confronti della ragazzina perché non è la sua madre naturale.

Su consiglio del medico, per combattere l’asma di cui soffre Anna e per cercare di farla staccare con la realtà apatica di tutti i giorni, Yoriko la manda a casa degli zii a trascorrere l’estate in un paesino marittimo di Kissakibetsu nell’Hokkaido. Gli zii sono gentili e premurosi con lei, ma Anna ha molte difficoltà a relazionarsi ed inserirsi nell’ambiente e nella comunità, così, durante la serata di Tanabata, scappa via dalla festa dopo un breve diverbio con una coetanea.

Sempre di più Anna si rifugia nel suo mondo e nel disegno, l’unica cosa che la fa rilassare uscendo di casa, contemplando il mare e la natura. Tra le mete di Anna vi è la grande villa disabitata dall’altra parte dell’acquitrino anche se una sera scorge delle luci accese dentro la casa ed intravede da dietro una finestra una ragazza dai capelli lunghi e biondi che le dice di chiamarsi Marnie. Le due ragazze stringono amicizia, Marnie si rivela un’amica dall’animo gentile, con la quale condividere segreti e riflessioni, una persona con la quale contemplare la solitudine della sera perché durante il giorno la villa sembra abbandonata, mentre sembra animarsi solo la sera. La loro amicizia diventerà davvero speciale, magica perché ad Anna sembra di conoscere Marnie da una vita.

Un giorno, però, mentre Anna si reca nei pressi della villa, vede che nella casa di Marnie si è trasferita una nuova famiglia; Marnie non c’è più, dove sarà finita? Avvicinandosi alla villa incontra una bambina di nome Sayaka, la figlia dei nuovi proprietari. Sayaka le chiede se è lei Marnie, Anna si sente sprofondare, come fa Sayaka a conoscere Marnie? La bambina le mostra un diario che ha ritrovato nella villa e che è scritto da una certa Marnie. Quando Anna apre il diario e inizia a sfogliarlo e a leggerne il contenuto, scopre alcune verità su Marnie, non un’amica immaginaria, ma qualcuno di molto più vicino a lei di quanto possa immaginare. Forse è per questo che le due anime si sono incontrate, tra loro vi è un rapporto atavico che va oltre la propria dimensione e realtà. Chi è Marnie e perché è così legata ad Anna?

L’estate di Anna è una stagione di formazione che aiuterà la ragazzina a superare i timori, le difficoltà della crescita e a trovare il suo ruolo nel mondo, a riappacificare il proprio animo con le persone e i ricordi, a tirare fuori il meglio di sé e a cercare nella propria sensibilità la ricchezza da donare agli altri. Anna è forse uno dei personaggi più introversi del meraviglioso panorama dello Studio Ghibli e ripercorreremo con lei ogni passo della sua lunga estate.

Non vi svelo il mistero di Marnie, ma vi invito a recuperare questo bellissimo capolavoro dello Studio Ghibli che nel 2016 è stato candidato agli Oscar come miglior film d’animazione. Amerete ogni personaggio del film e, alla fine, vorrete recuperare alcuni spezzoni per rendervi conto di quanta poesia è timidamente nascosta in questa storia che sembra sospesa tra due dimensioni.

Merita di essere ricordata la stupenda colonna sonora curata da Takatsugu Muramatsu che per Hiromasa Yonebayashi ha scritto anche le colonne sonore di “Modest Heroes” e “Mary e il fiore della strega”. All’interno della colonna sonora ricordiamo il brano “Fine on the Outside” composto e cantato dall’artista folk americana, nonché grande estimatrice dello Studio Ghibli, Priscilla Ahn e che funge da tema principale musicale del film.

Memoru Grace

Taxi Driver

“I won’t succumb to evil and use my own methods to win. I’ll collect all the garbage around us and quarantine them from the rest of the world forever. I’m going to reform them.“

Non tutti sanno che per le vie di Seoul si aggirano indisturbati i taxi della compagnia Rainbow Taxi, una piccola ed elegante azienda che si propone di accludere al servizio di trasporto passeggeri degli annessi molto particolari: se provate a chiamare la compagnia o ad intercettarla con i suoi terminali presenti nelle sale giochi, così come in alcuni punti ignoti della città, un operatore vi chiederà di quale tipo di vendetta necessitate e, soprattutto, se avete deciso di vendicarvi per i soprusi subiti. Così come alcune compagnie di taxi forniscono vetture d’élite, omaggi di ogni tipo e prodotti culinari, la Rainbow Taxi acclude il servizio vendetta al mezzo di trasporto (e, per la verità, si potrebbe anche fare a meno del mezzo di trasporto). Questa è la premessa per portarvi nel mondo di Taxi Driver, serie action/crime di grande successo e fortuna, che conta già due stagioni (ma si parla di una terza stagione per i prossimi anni) e che vede la presenza di un cast affiatato e perfetto: iniziando dal tassista e vendicatore, quasi uno spirito vigilante nella notte, Kim Do-gi (interpretato da Lee Je-hoon, protagonista di Signal e Move to Heaven, anche apparso in Finding Mr. Destiny e Fashion King), per continuare con il signor Jang, capo e nume tutelare della Rainbow Taxi (Kim Eui-sung di Black Knight, W, Memories of the Alhambra e Mr. Sunshine), la tosta procuratrice che indaga sulla Rainbow Taxi, Kang Ha-na (interpretata da Esom di Black Knight e Because This Is My First Life), all’hacker motociclista con desiderio personale di vendetta Ahn Go-eun (interpretata da Pyo Ye-jin di What’s Wrong With Secretary Kim?, Our Blooming Youth e Fight for Your Way), senza dimenticare i meccanici Choi Kyung-goo (Jang Hyuk-jin, visto in Vagabond, 18 Again, Now, We Are Breaking Up e Café Minamdang) e Park Jin-eon (Bae Yoo-ram, visto in Madame Antoine, D.P., Black Knight e Would You Like a Cup of Coffee?).

E, allora, per presentarvi quanto abbiamo amato questo drama, che è poetico e coraggioso, duro e ironico, al tempo stesso, ecco a voi un’intervista doppia sulla visione della prima stagione, con la partecipazione speciale anche di Barbara o B. (fatina nera di @attraversamentofatine). Vi lasciamo sotto il link del trailer e non dimenticate di recuperare il nostro video dedicato nelle pagine social.

Barbara – Fatina Nera

SOTTOTITOLO: “Quando cadono i grandi, tocca ai piccoli guidare” (Aragorn, Il Signore degli Anelli), ovvero quando il coraggio degli uomini comuni rimane l’unica luce nel buio.

IMPRESSIONI A CALDO: Se la Giustizia non fa il suo corso, c’è la giustizia; quella in minuscolo, quella non autorizzata e sottotraccia, accessibile solo ai derelitti; quella che non solo pareggia il conto, ma che chiede gli interessi per danni e che non si vergogna di usare la parola vendetta. Quando lo Stato ha abbandonato gli ultimi e quando chi ha subito abusi e ingiustizie chiede l’oblio e la pace della morte, ecco che nel buio un’etichetta color giallo-arancio, sapientemente collocata là dove solo un disperato può guardare, ferma improvvisamente il tempo e attira l’attenzione di chi sta per chiudere gli occhi per sempre: “Non ucciderti, vendicati. Lo faremo per te”. E di fronte alle porte dell’abisso, la vittima ha un fremito; si gira, si guarda intorno e decide di vivere per avere vendetta, o forse, semplicemente, per avere giustizia. Dietro a un messaggio, che è anche una promessa, ci sono loro, i membri della Rainbow Taxi Company, una squadra di cinque personaggi talmente ordinari da essere quasi invisibili, eppure tutt’altro che comuni. Dotati di straordinarie competenze in ambito ingegneristico e informatico e coordinati da un omino piccolo e dolce come il pan di zenzero, i vendicatori si battono, spiano, inseguono, intercettano, fingono, si travestono, finché i cattivi, ma cattivi senza possibilità di redenzione, non vengono implacabilmente accerchiati e le loro vittime finalmente vendicate. Potrebbero essere oscuri come i Nazgul o inesorabili come i Cavalieri dell’Apocalisse, invece sono buffi, simpatici e a loro modo fragili, un po’ Tartarughe Ninja, un po’ Avengers, affetti da una grande umanità e un profondo attaccamento alla vita. Sì, ciascuno di loro ha subito una grave perdita a causa del Male, ma la loro lotta travalica le motivazioni individuali per un fine universale e condiviso, ed è per questo che si apprezzano e si amano senza riserve. Le storie di vendetta sono tante, alcune piuttosto forti e urticanti, soprattutto in riferimento alla tematica degli abusi e dei soprusi a danno degli indifesi, ma il riscatto finale, per quel che vale, è davvero appagante. Il Male è feroce e mellifluo, ha mille facce, mille sfumature di nero, mille scuse da accampare di fronte all’indifendibile, mentre il Bene guarda davanti a sé e non tentenna, anche a costo di utilizzare vie buie e pericolose. E lo spettatore, di fronte a tanta determinazione, applaude incredulo (e contento).

PERSONAGGIO PREFERITO: Naturalmente Kim Do-ki, l’imperturbabile autista del taxi della vendetta, colui che riesce a trattenere la sua rabbia mentre picchia sodo e che non teme il travestimento e il ridicolo, pur di prendere in trappola l’avversario. Impassibile sì, ma non glaciale, Kim Do-ki si intenerisce di fronte alla disperazione e a volte sorride impercettibilmente dietro gli occhiali scuri, forse commosso. Quando entra in scena, i cattivi non hanno più scampo e la tensione emotiva si allenta, in attesa della resa dei conti. E poi, riservato e silenzioso, sa sorprendere lo spettatore con la sua sfrontatezza, indossando, come una maschera teatrale, una faccia da schiaffi che lo rende invincibile. Kim Do-ki, però, non è un eroe solitario; così come il ballerino sul palco non potrebbe danzare se non avesse i tecnici di sala, i musicisti e il corpo di ballo, allo stesso modo il nostro bel tassista non farebbe un chilometro e non darebbe neanche un pugno, senza l’organizzazione e la sincronia del gruppo alle sue spalle. Un applauso dunque a tutta la squadra, organizzata al millimetro ed egualmente divisa tra voglia di vendetta e delicata attenzione per i più esposti e i più vulnerabili. Insieme, i ragazzi della Rainbow Taxi Company sono imbattibili, come i migliori eroi dei fumetti.

PERSONAGGIO PIÙ ODIATO: Goo Seok-tae, lo scagnozzo della malvagia Baek Sung-mi: un vero orco, un uomo senza anima, volgare, lurido e violento, la cui ferocia è dettata solo dal guadagno e da un sadismo radicato. Mi ha fatto talmente ribrezzo che non vorrei sprecare per lui troppe parole. Un pensiero va però alla cattivissima Madam Lin: un’improbabile boss, turpe e senza scrupoli, sempre agghindata e ingioiellata come una cortigiana, che si innamora perdutamente di un uomo tanto bello quanto pacchiano e che, non ricambiata, suscita nello spettatore ilarità e perfino tenerezza. Diciamo che la sua fragilità un po’ la riabilita agli occhi di chi l’ha odiata.

COMMENTI SPARSI: Un vero thriller, sviluppato in maniera intelligente, senza cedimenti o sbavature nella trama. Ben affrontata la questione etica (chi ha il diritto di punire Caino?), senza buonismo inutile e con un certo coraggio. Personaggi principali e secondari ben tratteggiati, situazioni di degrado fin troppo verosimili e belle scene notturne. Più coraggiosa della seconda stagione (comunque straordinaria), questa prima stagione di Taxi Driver non fa sconti, non mette al riparo lo spettatore da vicende orrende e non si dilunga in chiacchiere che non siano funzionali alla trama, ossia non allunga il brodo solo per fare cassa. Diciamo onesta, oltre che bella, e non è poco.

VOTO: 9 1/2

Laura – Captain-in-Freckles

SOTTOTITOLO: “In ogni strada di questo paese c’è un nessuno che sogna di diventare qualcuno: è un uomo dimenticato e solitario che deve disperatamente provare di essere vivo” (Robert De Niro, Taxi Driver), ovvero piccoli e solitari eroi che non sanno nemmeno di esserlo, ma vedono la luce della giustizia sopra ogni cosa.

IMPRESSIONI A CALDO: Non c’è giustizia in questo mondo o, perlomeno, pare che esistano troppi modi per sviarne il suo corso e che, alla fine, siano veramente pochi coloro che pagano per i propri crimini. In teoria, questo è l’assunto di base, che porta il signor Jang a fondare la Rainbow Taxi con lo specifico scopo di elargire atti di giustizia o, meglio, di vendetta a coloro che non hanno trovato una protezione valida nelle istituzioni statali. Da giurista, devo ammettere che questa tematica mi ha interessata, ma mi ha anche sconvolta, perché, se da una parte non posso che concordare con la Rainbow Taxi, che cerca di ristabilire gli equilibri e di punire i crimini, dall’altra parte rimane assodato che tutti questi atti non sono altro che una giustizia privata e che, se ogni cittadino si arrogasse questo diritto, lo Stato cadrebbe nell’anarchia. E in quest’ossimoro stridente, in questa contrapposizione tra giustizia pubblica (la procuratrice interpretata da Esom) e vendetta privata (il tassista di Lee Je-hoon), si consuma l’afflato drammatico di questa serie, aprendo un baratro e scuotendo dal fondo diritto ed etica. In una costruzione elaboratissima, una trama più complessa (quella della tragica storia di Kim Do-gi e degli altri protagonisti) si intreccia a tante storie di ordinari soprusi e di terribili crimini rimasti impuniti (i vari “casi” di vendetta di cui la Rainbow Taxi si prende carico), per snodarsi in una serie di interrogativi che scavano nel profondo di una società ammalata e disumana nell’abusare dei deboli, cancellandone la presenza per sempre. E, allora, la Rainbow Taxi cerca di restituire non tanto la sete di vendetta e di giustizia, quanto quell’umanità che è stata negata a tutti coloro che hanno sofferto e che si sono visti ridere in faccia dalle istituzioni, che dovevano tutelarli. L’umanità è alla base del progetto di rifondazione del signor Jang, che, alla fine, sembra un normalissimo uomo di mezza età, un po’ ricco filantropo casuale, un po’ rintontito secondo i canoni della società, che si muove quasi in ragtime e si circonda di personaggi che potrebbero sembrare buffi e semplici (come i due meccanici, che riescono a restituire allo spettatore il sorriso, pur in una storia all’apparenza dura). Personalmente, nessuno darebbe due soldi alla squadra assortita della Rainbow (forse un po’ al tassista, ma solo perché soffre di introversione acuta). Eppure, ci si ritrova a tifare per loro dall’inizio alla fine.

PERSONAGGIO PREFERITO: Inutile dire che, nomen omen, il Tassista che dà il titolo al drama, interpretato da Lee Je-hoon, è effettivamente straordinario: catalizza lo spettatore dall’inizio alla fine, sia quando indossa la maschera del vendicatore (talvolta, letteralmente) e picchia senza pietà i cattivi di turno, sia quando si insinua negli ambiente in cui deve agire con i suoi travestimenti e i suoi personaggi (sono rimasta particolarmente colpita dal suo programmatore informatico fintamente svagato, ma ambizioso inserito nella realtà del canale streaming – forse i miei episodi preferiti della stagione -, ma è stato incredibilmente sopra le righe come il boss impellicciato e innamorato di Madame Lim), sia, infine, quando lentamente si apre e mostra se stesso, i suoi timori e le ferite dell’anima che si porta dietro come uno sfregio e vorremmo aiutarlo a guarire, come lui aiuta le vittime dei soprusi a non farla finita. Accanto al tassista, però, nell’Olimpo dei miei personaggi preferiti in assoluto c’è la procuratrice interpretata da Esom, schietta, leale, amante della giustizia e, per questo motivo, pronta a perseguire la Rainbow Taxi, ma anche a capirne le motivazione. Perché entrambi si scontrano contro il muro dell’ingiustizia e tentano di abbatterlo. Personalmente, non ho ancora digerito il fatto che non è presente nella seconda stagione.

PERSONAGGIO PIÙ ODIATO: Per la verità, non mancano i recettori di odio, visto che la serie abbonda di criminali e cattivi di ogni tipo. Però, se devo scegliere un solo personaggio odioso, forse ho odiato più di tutti Park Yang-jin (interpretato da Baek Hyun-jin, che avevo già odiato in Happiness, ma che si è fatto perdonare in The Good Bad Mother), il CEO della U-Data, mellifluo, falso, debole e prepotente, agisce senza scrupoli e con un atteggiamento abusivo sia nei confronti degli impiegati che verso coloro che finiscono nella sua rete di videostreming, utilizzando tutte le tecniche del gaslighting e del cyberbulling possibili e inimmaginabili e giocando con la vita e la stabilità mentale delle persone.

COMMENTI SPARSI: Ammetto che devo ancora recuperare la seconda stagione (e che lo farò presto, perché abbiamo un’altra intervista doppia in sospeso), ma già dalla prima stagione, Taxi Driver è una bomba ad orologeria che non sai mai quando potrebbe scoppiare, perché è costituita da tante molteplici micce, graffiante come pochi prodotti e capace di incendiare su tematiche di discussione scottanti. Come ho anticipato, ho adorato gli episodi dal 5 all’8, quelli della U-Data, dove è toccato un problema molto grave e ancora poco affrontato, quello del revenge porn e dei video postati in internet. Una serie coraggiosa e senza voglia di edulcorare nulla. Violenta, ma catartica.

VOTO: 9 1/2

E, visto che le interviste concordano sul voto, non possiamo che consigliare il recupero di questo bellissimo drama. Alla prossima con l’intervista doppia della seconda stagione!

Barbara (Fatina Nera) & Laura (Captain-in-Freckles)

Finland Papa – Un posto chiamato famiglia

Se qualcuno mi chiedesse dell’aurora boreale richiamerei in me quei pochi concetti scientifici studiati molti anni fa a scuola e cercherei di dare una spiegazione tecnica, anzi, no, se fosse qualcun altro a darla ne sarei più felice, non sono molto portata per le scienze, io rimarrei invece incantata davanti ad una fotografia dell’aurora boreale, di quelle belle da National Geographic, così come la nonna della protagonista di questo drama.

“Finland Papa” è una serie che mi ha stupito, una serie delicata, a tratti surreale, ma con una dolcezza pari a quella di un abbraccio caldo di una persona cara o di una persona importante nella nostra vita, che purtroppo non possiamo più vedere. E’ un drama la cui funzione è espressamente quella terapeutica e curativa, perché i protagonisti della storia si aiuteranno a vicenda per venire a capo dei loro dispiaceri, delle loro amarezze o delle tristi esperienze vissute, per ritrovare quella finestra aperta sul mondo e non aver paura di affacciarsi.

Lee Yu-ri (Kim Bo-ra) è una giovane ragazza alla quale è da poco morta la nonna, la persona che amava di più nella sua vita, e, ora, nella sua solitudine, ciondola per casa, senza neanche curare se stessa, senza trovare un motivo valido per continuare a vivere. Un giorno decide di cercare un lavoro e si reca in un bar dove ha letto in un annuncio che cercano personale. Il bar si chiama “Finland Papa”, il proprietario è sconosciuto e misterioso, si fa chiamare “Papà”, ma comunica solo tramite messaggi via cellulare. Quando Yu-ri arriva al bar, trova tre persone dello staff che le offrono da mangiare e consumano il pasto con lei, solo alla fine scopre che il colloquio consisteva proprio in questo, tra le dieci regole da rispettare per chi lavora al “Finland Papa Cafe” la prima è quella di mangiare insieme, così viene spiegato alla ragazza dagli altri membri dello staff. Yu-ri ricorda allora le parole della nonna che le diceva sempre che il cibo aveva un sapore migliore quando viene mangiato in compagnia.

“Anche quando non ci sarò più, non mangiare da sola”.

Da qui per la nostra protagonista inizia una svolta un po’ surreale della vita, si affezionerà al suo nuovo lavoro, al luogo, alle persone, ma restano molti aspetti strani e ancora senza spiegazione, il proprietario che non si fa mai vedere, alcune assonanze con degli episodi della sua vita, il nome d’arte che ogni membro dello staff deve scegliere per essere riconosciuto e richiamato dagli altri, c’è , però, una strana magia al Finland Papa, una magia che la ragazza avverte già dal primo momento e a cui vuole abbandonarsi.

Pian piano, dopo aver iniziato a lavorare assiduamente come part time al bar, Yu-ri, durante i pasti consumati insieme ai suoi nuovi colleghi, li conosce uno ad uno e capisce che non sono una famiglia, mentre a lei, a primo acchito, sembravano tre componenti della stessa famiglia, madre, padre e figlio. In realtà i tre si sono conosciuti sul lavoro, ma prima non si erano mai visti. Così, durante i pranzi o le cene, i quattro raccontano le proprie storie, a partire da Mari (Hwang Seok-jung, “Love Affairs in the Afternoon”), una donna che ha lasciato tempo prima la sua famiglia, una decisione dolorosa quella di allontanarsi, ma è stato l’unico modo per scongiurare la propria salvezza, è fuggita e ha trascorso del tempo alle Hawaii dove ha imparato la danza hula che ogni tanto cerca di insegnare ai colleghi perché la hula ha il potere di far abbandonare le tensioni del giorno e  far avvicinare ad un’armonia perfetta.

Kaka, invece, interpretato da Jung Min-sung (“Happiness”), è un uomo provato dalla malattia di suo figlio, un bambino che già da piccolo ha vissuto solo negli ospedali; Kaka vede lo sgretolarsi della sua famiglia d’origine e i cattivi rapporti con la moglie, oltre ad essere perseguitato dai creditori. La storia di Kaka è molto triste e subito cattura l’attenzione dei colleghi che cercano in tutti i modi di sostenerlo e di infondergli coraggio. Lavorando al bar e guadagnando uno stipendio, Kaka, inoltre, potrà estinguere i debiti e pagare tutte le spese dell’ospedale per il suo bambino.

L’ultimo componente dello staff è il giovane Toto (Jang Do-yoon ), più o meno coetaneo di Yu-ri, un ragazzo orfano che ha da sempre dei brutti rapporti con la sua famiglia adottiva. Toto è un vero asso in cucina e insegna anche agli altri la preparazione di piatti da inserire nel menu del bar.

Yu-ri capisce che ogni membro dello staff ha una storia triste alle spalle e ciò che viene richiesto dal proprietario del bar è quello di sedersi a tavola insieme, mangiare e raccontare le proprie vite per aiutarsi a vicenda, così, quando è il momento di Yu-ri, possiamo scoprire, tramite flash back, il suo passato.  La ragazza ha sempre vissuto con la nonna e con un padre non sempre presente, morto in circostanze drammatiche, da quel giorno, infatti, la vita della nonna era diventata sempre più triste. Nei ricordi raccontati da Yu-ri anche la presenza di due amici, Ji Yong-joon (Kim Joon-ho) e Baek Woo-hyun (Kim Woo-seok, “Bulgasal”, “The Forbidden Marriage”), ma soprattutto siamo testimoni della vicinanza con Woo-hyun da quando erano piccoli fino ad un momento in particolare in cui il ragazzo si è allontanato involontariamente dalla vita di Yu-ri, alla quale aveva promesso di starle accanto in ogni situazione spiacevole, così affezionato anche alla nonna, verso la quale non è mai stato avaro di complimenti ogni volta che era invitato a pranzo o a cena. A Yu-ri manca molto Woo-hyun, soprattutto in questo momento di grande prova e ripensa a come la nonna cercava di tirarla su di morale ogni qualvolta si rattristava e, avvicinatasi ad un poster di un’aurora boreale, sospirava alla nipote: “Quando sto passando un momento difficile sogno di essere in Finlandia. Solo pensarci mi fa stare meglio”.

Nel frattempo, al Finland Papa accadono delle cose importanti, i quattro membri dello staff sembrano una vera e propria famiglia e ognuno di loro, cercando di confortare l’altro, ritrova un proprio equilibrio interiore. Resta l’enigma del proprietario e qualcosa che non quadra perfettamente, sembra quasi di interpretare in una pièce teatrale un personaggio, ma è davvero così oppure è solo un sogno? C’è qualcuno dietro a questo progetto del Finland Papa? E se c’è qualcuno a che scopo ha progettato tutto questo? Per lo più ognuno dei membri dello staff è diverso dall’altro, proviene da situazioni diverse, da vite differenti, come mai adesso si sentono come in una famiglia? L’unica risposta è la capacità dei quattro di farsi forza e affrontare insieme ciò che è irrisolto per ognuno di loro. Tutti hanno in comune qualcosa legata ad un aspetto familiare, Kaka che si sente in colpa per il figlio malato, Mari che ha lasciato la propria famiglia, Toto che non si sente accettato dai genitori d’adozione e Yu-ri, alla quale non è rimasto più nessuno della sua famiglia d’origine, per ultima anche la nonna, con i suoi sogni strambi delle aurore boreali, è sparita in un soffio dalla sua vita.

Mi è piaciuta molto questa serie, mi è sembrata per certi aspetti un metateatro, inoltre l’idea di trovare una famiglia e di recuperare i propri sogni, di capire il potere del perdono, di non accumulare dispiaceri e serbarsene nel cuore per troppo tempo, sono tematiche validissime che scavano nell’animo umano. Così come mangiare insieme e non stare mai da soli.

“Ci siamo affezionati l’un l’altro mentre fingevamo di essere una famiglia?”.

Finland Papa è tutto questo, è famiglia, è un posto di conforto.

Piccola regressione sulle aurore boreali, se vi capita di recuperare questo drama, guardatelo fino alla fine, fino alle ultime scene. I Sami che vivono in Lapponia chiamano l’aurora “guovssahasat”, che significa “luce del mattino o “luce della sera”. Secondo una credenza degli antichi finlandesi, le aurore boreali erano considerate “spiriti dei defunti”. Solamente come mia interpretazione, la nonna della protagonista non ha mai abbandonato la nipote, anzi, credo che sia ormai un suo spirito guida. Se lo interpretate così come me, fatemelo sapere.

Memoru Grace