D.P. – Deserter Pursuit

“Every lesson comes with pain. Us, humans, can’t get anything without sacrifice”.

D.P. non è una serie semplice e per nostro consiglio sarebbe meglio guardarla tutta di seguito, sebbene sia composta da una prima parte di sei episodi e da una seconda parte sempre di sei episodi. Un pugno allo stomaco che ti frastorna e ti butta a terra e da cui ti rialzi con un sapore amaro in bocca. Eppure, è una delle serie drammatiche più belle mai create (non solo nell’universo dei drama), dura e fredda come piombo, ma con una celata e dirompente umanità che ti arriva dritto al cuore e risale fino agli occhi in pianto. Non è una visione leggera, ma è una visione doverosa, che stimola a pensare e a denunciare i mali della società – in generale – e della vita militare, sottoposta ad abusi e oppressioni – nel particolare.

Protagonista della storia è il soldato Ahn Jun-ho (interpretato da Jung Hae-in, Something in the Rain, One Spring Night, Connect, Snowdrop, A Piece of Your Mind), il cui nome, soprattutto nella prima parte della serie, verrà ripetuto talmente così tante volte, che non potremo dimenticarlo (“Soldato/ Ahn/ Jun/ Ho” – scandito dalla risposta all’ordine militare). Capiamo da subito che Ahn Jun-ho non è entusiasta di arruolarsi, proviene da una famiglia difficile dove ha dovuto lottare fin da piccolo e ha già vissuto condizioni disagevoli e prove ai margini della società, facendo i conti con ogni centesimo per sopravvivere. L’ambiente che trova in caserma sembra una continuazione della sua vita dura e priva di felicità, anzi, da subito, capisce che dovrà lottare per non farsi calpestare e per riuscire a uscire vivo dal periodo di arruolamento.

Le sue abilità, la sua tenacia e la capacità di osservazione vengono, però, notate dal sergente Park (Kim Sung-kyun, Weak Hero Class) che, con l’assenso del capitano Lim Ji-sup (Son Seok-ku, My Liberation Notes, Designated Servivor: 60 Days), lo sceglie per unirsi al dipartimento D.P. (Deserter Pursuit), specializzato nel rintracciare i disertori dell’esercito. Per la recluta Ahn Jun-ho unirsi al dipartimento D.P. sarà una svolta nella sua vita e lo porterà a prendere contatto con un mondo che non conosceva e ad “empatizzare” con i soldati che avrà il compito di ricercare per riportare nell’esercito. Nella ricerca sarà affiancato dal caporale Han (interpretato dal bravissimo Koo Kyo-hwan, Avvocata Woo, One Day Off, Escape from Mogadiscu), un ragazzo stralunato e intuitivo che sembra comunicare perfettamente il suo linguaggio astratto ad Ahn Jun-ho, ed entrambi saranno coinvolti in un vortice emotivo che li condurrà a scoprire il lato oscuro dell’esercito e a capire quali motivazioni spingono i soldati a disertare. Ad impreziosire il cast anche Go Kyung-pyo (Connect, Chicago Typewriter), Shin Seung-ho (Alchemy of Souls, Weak Hero Class), Won Jin-a (Heartbeat), Cho Hyun-chul (giustamente premiato al Baeksang per la sua interpretazione nella prima stagione), Lee Sul (One Ordinary Day) e nella seconda stagione Kim Ji-hyun (39) e Ji Jin-hee (Designated Survivor: 60 Days, Move to Heaven).

Giacché è difficile parlare di una serie che intreccia discussioni di critica sociale e politica (soprattutto, nell’arringa del capitano Lim nella seconda stagione), commiati tristi e paternali (lo sguardo del sergente Park non si dimentica facilmente), oppressioni che rimescolano l’animo, piccole storie di dolore, a prima vista divisa tra loro, incastrate, come in una tela, all’interno di una storia ancora più grande e dolorosa, ma anche siparietti ironici e una solida e vera fratellanza tra i due protagonisti (e tra i loro due superiori), abbiamo deciso di dare spazio ad un’intervista doppia, confrontando le opinioni delle due spettatrici, Grazia e Laura, senza, però, rivelare troppi spoiler. Perché D.P., che è tratta dal webtoon “D.P Gaeui Nal” di Kim Bo-tong, il cui titolo inglese letteralmente è “D.P Dog Day“, è una lunga giornata vissuta intensamente e affannosamente (come diceva un vecchio film, è quasi “un pomeriggio di un giorno da cani”), dove il verde militare della divisa e il blu della notte buia e priva di stelle si mischiano con la luce di un fuoco acceso per caso e il rosso della disperazione.

=Grazia=

SOTTOTITOLO: “Da quando sono arrivato qui ho conosciuto tantissime persone. Anch’io ho detto addio a molte persone. Si ricorderanno di me? Me li ricorderò?” – Soldato An Junho e “C’erano così tante cose che volevo fare dopo essere stato dimesso. Allora perché non riesco a ricordarne nemmeno una?” – Caporale Han Ho Yeon. Per me queste due frasi, pronunciate dai due protagonisti all’interno della serie, caratterizzano e sintetizzano il viaggio emotivo e interiore che i personaggi di questa storia vivono nel loro percorso formativo nell’esperienza di arruolamento militare, che non è solo un periodo della propria vita, ma uno sconvolgimento che porterà a dei cambiamenti della loro persona, del loro approcciarsi con l’esterno, con gli altri e soprattutto con se stessi.

IMPRESSIONI A CALDO: D.P. non è solo una serie drammatica che parla della vita militare, ma esplora gli aspetti più bui e delicati della vita dei soldati nei due anni di arruolamento, riuscendo a trasmettere allo spettatore ogni loro sensazione, ogni titubanza, paura, timore, così che lo spettatore stesso vive il dolore e l’angoscia provata non solo dai protagonisti, ma da ogni personaggio, anche di comparsa, che ogni episodio propone. D.P. è un continuo equilibrio tra azione e dramma, si tratta di una serie che denuncia le sopraffazioni e le violenze subite da alcuni soldati durante la vita militare che dovrebbe essere un’esperienza comune, ma che in realtà si trasforma in un incubo per via degli atti di bullismo e di terrore, atti che vengono tacitati e nascosti, ma che sono molto più frequenti di quanto si possa immaginare. Questa serie ha il merito di scoperchiare un vero e proprio vaso di Pandora e, così facendo, di affrontare la tematica della salute mentale perché per me D.P. è in primo luogo un drama che parla di salute mentale e tratta questo argomento con profonda umanità e sensibilità pur non tralasciando scene e immagini crude che, però, comunicano maggiormente il messaggio. Quasi ogni episodio è un pugno allo stomaco, ma allo stesso tempo un grumo di lacrime e amarezze, è un prendere coscienza dell’ingiustizia, della paura e, come viene affermato all’interno del drama, è un “cercare di rispondere ad una domanda senza risposta”.

PERSONAGGIO PREFERITO: Sono molti i personaggi che ho apprezzato in questo drama, a partire dai protagonisti: il soldato Ahn Jun-ho (Jung Hae-in, che non sorride mai in tutta la serie, ma ci regala una interpretazione matura e profonda), proviene da una condizione familiare disagiata, all’interno della storia spiega di aver imparato a tirare di boxe per difendersi da un padre violento. Il soldato Ahn Jun-ho passa da scatti di collera, che cerca di inghiottire in molte occasioni durante il servizio militare, a momenti di immensa empatia. Far parte del reparto D.P. è per lui un’esperienza che lo aiuta ad accettare e ad affrontare i propri mostri interiori, tentando di percepire le paure dei disertori e capendo cosa li spinge a prendere determinate decisioni. Il caporale Han Ho-yeol (Koo Kyo-hwan), collega e mentore del soldato Ahn Jun-ho, ho adorato il suo personaggio, un finto sociopatico che mostra esuberanza e stramberia quasi come autodifesa, ma che in realtà è il primo che si lascia coinvolgere dall’esperienza drammatica dei disertori e dei soldati sofferenti attorno a lui, vive intensamente ogni emozione che percepisce a tal punto da andare in profonda crisi dopo un evento molto drammatico che lo trascina in un baratro di angosce, isolandosi dal mondo, anche perdendo per dei momenti l’uso della parola. Moltissimi altri personaggi da ricordare e che caratterizzano il meraviglioso cast di questa serie, dal sergente Park Beom-gu (Kim Sung-kyun) al capitano Im Ji-sup (Son Seok-koo) che, soprattutto nella seconda stagione della serie, emergono maggiormente e che riusciremo ad apprezzare nel gioco di squadra e nella coerenza del loro comportamento.

PERSONAGGIO PIU’ ODIATO: Due personaggi che ho odiato per di più nella prima stagione, il soldato Hwang Jang-soo (interpretato da Shin Seung-ho) che capeggia atti di nonnismo in caserma ai danni dei nuovi commilitoni e il caporale Park Sung-woo (interpretato da Go Kyung-pyo), primo mentore del protagonista Ahn Jun-ho, personaggio menefreghista che si disinteressa delle sofferenze attorno a lui, completamente diverso dal caporale Han. Più sono andata avanti con la visione del drama, però, più ho capito che la vera antagonista è la frase ripetuta più volte all’interno della storia: “Ogni lezione arriva con dolore”, una frase che cerca di giustificare ogni atto aggressivo presente o futuro, ogni comportamento violento e ogni atteggiamento o tortura mentale oltre ogni limite che possa, però, “addestrare disumanamente” le persone all’apparenza più forti e spazzare via le persone che si trovano catapultate in un ambiente frustrante e nel quale la loro sofferenza può trasformarsi rapidamente in follia.

COMMENTI SPARSI: Non avrei mai immaginato di recuperare questa serie, temevo, infatti, che la violenza descritta potesse farmi scombussolare e farmi bloccare la visione da un momento all’altro,  invece, pur mal digerendo alcune scene, in particolare nella prima stagione, mi ha fatto piangere moltissimo, sono rimasta coinvolta emotivamente in ogni situazione descritta, per ogni vita sofferente, per ogni madre o sorella che chiedeva giustizia, devastata dalle solitudini descritte e dalle reazioni umane che ogni persona, in un particolar momento della propria vita, può inaspettatamente  avere nei confronti della società e di se stesso.

=Laura=

SOTTOTITOLO: “E’ giusto che un uomo uccida qualcuno perché ha subito abusi brutali? No, non credo. Ma un uomo merita di morire perché ha commesso qualcosa di simile? Di certo, no, non lo merita. (…) Eppure, è successo e i responsabili siamo noi come Stato, noi che non siamo riusciti a proteggere i nostri figli. Ce li hanno affidati e li abbiamo fatti morire” – Captain Lim Ji Seop e “Se le nostre mani sono legate, chi può trattare queste cose?” – Soldato Ah jun-ho. Sarebbero tantissime le frasi e i momenti da citare all’interno di questo drama, ma vorrei evidenziare queste due frasi: la riflessione meditativa del Soldato An Jun-ho, quella ferita profonda che porta dentro l’anima e che si allarga sempre di più, tanto da trasparire in ogni momento nel suo sguardo (emblematico, quando si allontana dalla base militare); il j’accuse del Capitano Lim Ji-seop in tribunale nei confronti di uno Stato che non si cura dei propri figli e che li lascia morire in preda all’indifferenza e alla mortificazione e, poi, li colpevolizza, per riprendere un’immagine de “I Miserabili” di Victor Hugo, caricando di responsabilità il colpo di fulmine, senza chiedersi chi ha ammassato le nubi.

IMPRESSIONI A CALDO: Si sale e si scende, in un vortice di sentimenti e di emozioni che svuotano e che spremono via qualsiasi sensazione del momento. Si rimane attoniti, catalizzati, carichi di lacrime e di angoscia, ma privi di parola, quasi in religioso silenzio alla fine della serie, sia nello stacco della prima stagione (che proprio stacco non è), sia al termine della seconda stagione. Si vive con loro, con il soldato An, la sua empatia, il suo dolore, la sua profonda comprensione, e il caporale Han, con la sua visione del mondo e degli umani e la sua falsa e pacata tranquillità, e con tutti i soldati della caserma (o delle caserme) con cui i protagonisti vengono a contatto, quasi dei pezzi di carne in attesa di essere macellati, perché vengono negate loro le emozioni. Si vive e ci si ferisce con loro, si sanguina internamente, si cade e ci si rialza in storie crude, dure, possenti nel loro valore, amare e umane al tempo stesso. Si è lì nel mezzo durante l’appello, la guardia notturna e le esercitazioni all’aperto e si fa fatica ad uscire, come faticano i soldati disertori, di cui vengono narrate le storie, perché, ogni volta che fuggono dalla propria caserma, rimangono imprigionati lì dentro nel proprio dolore, incapaci di superarlo e di andare avanti, come degli animali feriti.

PERSONAGGIO PREFERITO: Difficile scegliere un personaggio in assoluto, perché sono tanti i personaggi che meriterebbero una narrazione a sé, sia tra i protagonisti del drama, che tra i soldati di cui vengono narrate le storie. Tuttavia, non ho dubbi ad affermare che questa è la migliore interpretazione in assoluto di Jung Hae-in, nei panni di uno dei personaggi più belli di sempre, il Soldato An. “Se nessuno agisce, non cambierà mai nulla. (…) Se voglio che le cose cambino, dovrei fare qualcosa“, afferma il Soldato An nella seconda stagione, quando si sviluppa intensamente il suo dramma e la sua parabola quasi messianica. L’empatia del Soldato An si staglia altissima in un mondo grigio, rancoroso e tendente a celare il dolore altrui per il funzionamento della macchina perfetta. An è la liberazione, colui che comprende per davvero quali motivazioni spingono i soldati a disertare, perché nessuno vorrebbe vivere per davvero nell’ombra, ma, se si vede costretto a percorre il primo passo, è perché è stato lasciato perennemente nell’ombra della disperazione, come Jo Suk-bong nella prima (e anche nella seconda) stagione, presenza che, ad un certo punto, con il suo atto estremo, condiziona le scelte del Soldato An. Altra grandissima interpretazione è quella di Koo Kyo-hwan nei panni del Caporale Han, una mente libera e al di sopra di qualsiasi condizionamento, o, meglio, uno che si finge strano, perché la stranezza è il suo scudo, ma che sa di essere nato per entrare nel corpo D.P., perché capisce i pensieri, le ossessioni, i timori e le sofferenze dei soldati spinti a disertare. E, proprio per questo, è l’unico capace di comprendere veramente il Soldato An e la sua empatia. “Sono i tuoi pensieri che sono diventati pericolosi“, afferma, guardando i pensieri aleggiare negli occhi di An. Oltre al Sergente Park e al Capitano Lim (a cui ho dedicato la parte iniziale della mia intervista), due “vecchi” del settore militare, uno che si porta addosso la sofferenza del passato come un abito fatto su misura e che, per questo motivo, riesce a comprendere i suoi soldati, l’altro una testa calda che sempre in precario equilibrio nella ricerca di giustizia, una parola a parte per il personaggio di Jang Sung-min, detto Jang Nina, per la protagonista del dramma di Chechov, condannato alla derisione e alla violenza, perché reputato “diverso”, un uomo dall’anima femminile, e che ha regalato una delle interpretazioni più intense della seconda stagione (per cui vi lascio il link).

PERSONAGGIO PIU’ ODIATO: Domanda difficile perché i personaggi odiosi sono tanti, ad iniziare dai bulli che rendono difficile la vita di Jo Suk-bong. Ma vorrei soffermarmi sul personaggio del generale Gu Ja-hoon (interpretato da Ji Jin-hee), che, con il suo gattopardismo e la sua politica, è il rappresentante di quella società che non vuole cambiare, o, meglio, finge di regolare le difformità per lasciare tutto intatto, e che è il vero male del sistema militare qui ritratto.

COMMENTI SPARSI: Vero che sono abituata a visioni dure e anche violente, ma D.P. è una pietra miliare, che mi ha sconvolto ad ogni visione e che mi è rimasta impressa come un tatuaggio forgiato a fuoco. Non cambierei niente di questa serie, né direi altro in più, perché va vissuta insieme ai soldati protagonisti attimo per attimo.

Grazia & Laura

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Oshi no Ko – Vita da Idol

“If you’re scared of falling over, you’ll just fall even more“.

Cosa vuol dire essere un Idol? Sono forse un “oggetto di culto (…) che brilla per mezzo della magia delle menzogne” (cit.)? E quanto l’immagine che viene data in pasto ai media corrisponde davvero alla personalità di una star? Come è possibile che degli sconosciuti che si proclamano fan si assurgono la pretesa di decidere per conto suo e di capire cosa è giusto e cosa è sbagliato? Sembrano interrogativi complessi da affrontare per un anime, che si mostra solo in apparenza brillante e glitterato come il mondo delle celebrità, ma che nasconde tutta l’asprezza e le difficoltà delle loro vite, i sacrifici per arrivare al successo, le complesse manovre per mantenerlo, il continuo fingere per tenere un’immagine che non appartiene loro e la costrizione di nascondere il proprio io. Non per niente, Oshi no Ko (推しの子), che può tradursi come My Star o My Idol, è stato un vero e proprio caso in tutta l’Asia, a cominciare dagli Idol del A-Pop, che lo hanno visto e apprezzato e che si sono impegnati a comunicare a tutti la loro passione con video, stories e challenge di ogni tipo, forse perché, per la prima volta, si narra di un mondo di star, ma dalla parte oscura e celata delle persone dietro la loro maschera. Io stessa ne sono venuta a conoscenza con due indizi provenienti dal mondo K-pop: la IG story di RM (BTS), in cui fotografava un televisore con un’immagine di Oshi no Ko, e il video su TikTok con Felix (Stray Kids), impegnato nella challenge della opening My Star, cantata da YOASOBI.

La prima stagione dell’anime si compone di un film e dieci episodi, che è necessario trattare separatamente, perché, in effetti, seguono due corsi temporali diversi, con differenti personaggi, ma con la linea continua di Ai Hoshino, idol prodigio componente della band femminile B-Komachi, da cui parte e torna la narrazione e che domina costantemente tutti gli eventi, in presenza o in sua memoria.

-IN PRESENZA DI AI HOSHINO: UNA STELLA CHE BRILLA-

Gorou Amamiya è un medico trentenne di un ospedale di provincia, perennemente insonne e tendente alla depressione. Un giorno, una sua paziente, la giovane Sarina Tendōji, particolarmente fissata con la musica pop e con tantissime conoscenze su tutti i gruppi di moda al momento, lo inizia al mondo degli idol e gli trasmette la passione per le B-Komachi, capeggiate dal suo centro, la giovane Ai Hoshino, a cui Sarina vorrebbe somigliare, se non fosse costretta in ospedale in stato terminale. Anzi, esprime pure il desiderio di rinascere in una seconda vita come figlia di idol. Quando Sarina muore, Gorou inizia a seguire anche per la sua memoria la vita delle B-Komachi, trasformandosi nel loro fan numero uno, fino a quando nel suo ospedale non capita proprio Ai Hoshino. Solo che l’Idol tanto idealizzata da Gorou e Sarina non è altro che una semplice ragazza sedicenne, a cui la propria agenzia ha imposto di nascondere la gravidanza inaspettata. Mentre per il suo manager, lo stato di Ai è una vergogna e spera che i fan non ne vengano mai a conoscenza, Ai, da sempre orfana e priva di legami, non vede l’ora di diventare madre, nonostante la sua giovane età, forse perché sente l’esigenza di comunicare e trasmettere un amore che non le è mai stato fornito (“Pensavo che, se fossi diventata madre, sarei stata in grado di mostrare il mio amore verso i miei figli“), costretta in un ruolo fittizio, dove il suo carisma e la sua luce brillano dietro un muro di bugie (“Per me mentire è una forma d’amore. Mostro il mio amore in questo modo. (…) Mettendo una bugia dietro l’altra, sembriamo felici di cantare sul palco, non importa quali lotte dobbiamo affrontare“; e, ancora, “Sorrido sempre, in modo da far piacere alle persone. Dopo tutto, sono fatta di bugie“). Gorou impara a conoscere la sua star preferita e ad apprezzare quel lato umano che cela dietro il suo sorriso, mentre la segue come medico durante la gravidanza. La notte del parto, però, Gorou s’imbatte in una figura oscura appostata vicino all’ospedale, un fan ossessionato da Ai, che vuole sapere informazioni su di lei e che non si dà pace per come la sua Idol si sia rovinata con la gravidanza. Mentre Gorou cerca di allontanarlo, i due hanno una colluttazione e Gorou muore cadendo da un dirupo… Poi, apre gli occhi, vedendo di fronte a sé Ai dopo il parto: la sua anima si è reincarnata nel corpo del figlio neonato di Ai, Aquamarine, mentre il corpo della sua gemella, Ruby, ospita l’anima della sua ex paziente Sarina. Solo che i due bambini conservano tutti i ricordi della propria vita precedente e si dimostrano particolarmente vivaci e intelligente, forse anche più maturi della giovane madre, in grado di parlare perfettamente e di comunicare con l’esterno. Praticamente, sono dei bambini anomali (lo so, sembra un po’ creepy o qualcosa alla Senti chi parla?, ma, in realtà, è molto ben congegnato e costruito con una certa verosimiglianza). Siccome l’agenzia non consente ad Ai di essere ufficialmente madre, per non deteriorare quel magico rapporto che la tiene legata ai fan, Aqua e Ruby vengono ufficialmente riconosciuti dal suo manager e dalla moglie, mentre Ai riprende nel giro di un anno tutte le sue attività, ma con una luce che sembra essere diventata ancora più luminosa e unica di prima. Passa il tempo, Ai, ormai ventenne, diventa sempre più famosa, anche se la sua stella viene, in qualche modo, frenata per non oscurare gli altri (così, ad esempio, nei programmi a cui partecipa), mentre i gemelli sembrano aver ereditato anche una parte del carisma della madre, con una propensione per Ruby nel canto e nella danza e una naturale bravura di Aqua nella recitazione (tanto da diventare un giovane e prodigioso attore bambino). Ai sembra più serena anche con se stessa, finalmente capace di comprendere quell’amore che aveva sempre elemosinato e finto nella vita, conscia dell’attaccamento che prova verso i propri figli. Un giorno, però, apre la porta incautamente e, davanti a lei, le si presenta quel fan ossessionato che l’aveva pedinata durante il parto, accusandola di aver tradito i suoi fan: è un attimo e il pugnale che nasconde tra i fiori si infila nello stomaco di Ai, ferendola a morte.

-IN MEMORIA DI AI HOSHINO: LA RICERCA DI SE STESSI-

Sono passati molti anni dalla morte di Ai Hoshino: le B-Komachi si sono sciolte, l’agenzia ha perso gran parte di propri contatti, il manager è sparito, mentre sua moglie ha cresciuto da sola i gemelli, ora al liceo, investendo sui giovani YouTuber. Ruby non ha dimenticato i suoi sogni, che sono diventate delle promesse fatte con l’anima della madre, quello di diventare un’Idol e di rifondare le B-Komachi, portando avanti il suo carisma e la sua lucentezza. Aqua, invece, è diventato un adolescente oscuro e ombroso, di poche parole e di ricordi profondi, deciso a fare chiarezza sul suo omicidio e su quello della madre con tanti piccoli indizi raccolti negli anni. Per infiltrarsi meglio nel mondo dello spettacolo, decide di riprendere la carriera d’attore che lo aveva visto brevemente protagonista da bambino, rivelando il suo talento unico (ve lo dico, soprattutto nei personaggi cattivi e border line), ma anche la sua somiglianza con Ai Hoshino. Ed è così che riesce ad avvicinarsi ancora di più alla madre e a capirne le sofferenze, mentre incontra diversi giovani costretti a nascondere se stessi dietro sorrisi falsi. C’è Akane Kurokawa, giovane attrice teatrale di grande talento e padrona del Metodo, a cui la propria agenzia impone di partecipare al reality show per adolescenti LoveNow: qui mostra tutte le sue debolezze nell’incapacità di comunicare con gli altri e con gli spettatori e di costruirsi un personaggio che possa essere apprezzato nel mondo dello spettacolo, venendo colpita da un’ondata di odio sui social da arrivare sull’orlo del suicidio. C’è Kana Arima, un’ex attrice bambina, che, una volta cresciuta, è stata dimenticata dal mondo dello spettacolo, relegata a qualche ruolo mediocre e a qualche comparsata e disprezzata dal pubblico, perché, al momento del debutto, era troppo giovane per costruirsi una fan base. C’è Yuki Sumi, una giovane modella, in grado di costruire un personaggio che piace al pubblico dei reality, a metà tra la gatta morta e la ragazza super ammirata e amica di tutti, ma, nella realtà, molto più semplice e genuina rispetto a quello che fa vedere di sé. C’è Pieyon, uno YouTuber diventato famoso per i suoi esercizi di body building indossando la maschera da pulcino e, quindi, costretto a celare la propria identità (e anche la propria voce) con una parvenza ridicola. C’è MEM-cho, una TikToker e YouTuber che riesce a creare le tendenze della rete e sogna di diventare un’Idol, ma nasconde la sua vera età per sembrare più giovane. E, poi, c’è Ruby, che, col tempo, capisce di avere ereditato solo una parte del carisma della madre, quel fascino che richiamava i fan fin sotto il palco, senza, però, avere un talento smisurato nel canto e nel ballo, se non la determinazione dell’impegno ed è con la sua caparbietà che riuscirà a coinvolgere Kana e MEM-cho nelle nuove B-Komachi e a sfondare sul palco del Tokyo Dome: una fascetta luminosa e colorata per ognuna di loro, tre per Aqua che le supporta sotto il palco (in una delle scene diventate più iconiche della serie).

Non posso rivelare altro, perché tutti gli eventi sopra descritti prendono una vena gialla, senza che quasi lo spettatore se ne renda conto e perché le indagini di Aqua sono molto più complesse di quanto si possa immaginare e partono dall’oscuro segreto di Ai sul nome e l’identità del padre dei suoi figli e sul fatto che nascondesse molti più segreti rispetto a quanto i figli potevano immaginare. I ricordi di Ai sono frammenti che vengono carpiti e inseriti come tasselli di un puzzle, difficile da completare, mentre la vita di Aqua e di Ruby si scontra con tutte le ansie, le paure e le preoccupazioni di un mondo che ha fagocitato per sempre l’anima della madre. E, per farcela, i due gemelli devono riuscire, anzitutto, a scoprire se stessi.

In Giappone esiste una barzelletta che suona più o meno come “quanto sarebbe bello rinascere/reincarnarsi come figli di Idol“. Forse è stata proprio questa la prima ispirazione del mangaka Aka Akasaka (autore di Love is War), o forse è stato il momento in cui ha iniziato a dialogare con alcuni giovani attori e Idol, alcuni anche protagonisti di live action tratti dai suoi manga, che lo ha motivato a narrare un mondo esteriormente patinato, ma molto più complesso rispetto a quanto si possa immaginare. Come ha affermato lo stesso autore, una delle sue prime fonti è stata un episodio di cyberbullismo subito da un amico famoso nel mondo dello spettacolo, che, nonostante abbia superato le controversie e l’odio degli haters, ne è rimasto profondamente scosso. In questo modo, Aka Akasaka si è reso conto dell’oscuro dietro la luce che circonda il mondo dello spettacolo, comprendendo sia il mondo musicale, sia quello televisivo, cinematografico e teatrale, sia, con la nuova logica di internet, quello degli streamer, in una società dell’apparire e del facile giudizio, che non solo vuole vedere delle maschere, ma impone a queste ultime di indossarne altre secondo i voleri momentanei della massa. I personaggi famosi sono proprio quelli più a rischio, da un punto di visto psicologico, più soggetti alla depressione e mai affrancati dalla spersonalizzazione, dove devono prima soddisfare i criteri della società per potersi esprimere minimamente. “Voglio che le persone sappiano come i giovani talenti vengono feriti, sfruttati e come soffrono. Penso che questo lavoro ponga anche la domanda su come le persone dovrebbero affrontare e trattare quei talenti“, ha dichiarato Aka Akasaka in un’intervista, presentando quello che è un anime/manga che travalica la classica distinzione tra shojo e shonen, così come riempie quel gap esistente tra personaggi famosi e pubblico, tutti appartenenti alla stessa categoria umana, con i propri timori e le proprie aspirazioni e con le fragilità che ci contraddistinguono e che possono portarci sul baratro in pochissimo tempo. Le star sono umane e sono delle persone normali – questo è il messaggio che Aka Akasaka vuole comunicarci anzitutto, sanzionando quei comportamenti ossessivi e irrazionali di fan che, così come possono idolatrare le star, riescono anche ad annullarle psicologicamente e fisicamente.

L’anime/manga in patria (ma anche nel resto del continente asiatico) non solo ha riscosso un grande successo, ma è stato una vera e propria bomba ad orologeria che ha messo a nudo una serie di fatti e di atteggiamenti poco umani e soffocanti del jet-set nei confronti dei giovani artisti, a cominciare dell’immane potere delle agenzie, per continuare con la mancanza di sindacati o di enti similari a proteggere e tutelare gli interessi delle star, senza dimenticare che alcune delle storie inserite nella trama (come il tentato suicidio per colpa degli haters, ma anche gli episodi di stalking, talvolta anche molto violenti, nei confronti delle star) sono derivate da fatti di cronaca realmente accaduti in Giappone.

Ultima postilla: siccome tutto l’anime doveva essere, di fatto, costruito come un enorme documentario dedicato agli Idol, anche la colonna sonora doveva esserne all’altezza, comprendendo non solo le canzoni originali e lo score, ma anche tutte le canzoni che si sentono nelle diverse esibizioni di Idol; per questo motivo, la OST contiene ben 73 brani per un totale di 248 minuti di musica (capeggiata dalla opening cantata dal suo YOASOBI, che vi coinvolgerà subito).

Consigliato: agli amanti dei manga/anime, ma anche e soprattutto agli amanti della musica K-pop/J-pop, anche per aiutarci a vedere veramente le persone dietro le star.

Captain-in-Freckles

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Dream

Yoon Hong-dae (Park Seo-joon) è un giocatore destinato sempre ad arrivare per secondo: è secondo nell’attacco in squadra, secondo nella classifica marcatori, secondo anche nelle scelte del suo coach e nelle preferenze del pubblico. O, meglio ancora, si potrebbe dire che è il giocatore più antipatico, perché insidia il primato il giocatore più amato, pur senza mai avvicinarsi minimamente. Ed è anche il giocatore più fallito, perché la rabbia e tutte le sue emozioni passano immediatamente ai fatti, facendogli rischiare la carriera. Solo che, al di là del calcio, Hong-dae non sa fare altro, per cui, quando il campionato lo allontana per aver aggredito un giornalista, l’unica prospettiva che gli rimane è quella di allenare la nazionale coreana homeless per i campionati mondiali. Ed è così che si fa coinvolgere quasi inconsapevolmente dal progetto benefico dell’associazione guidata da Hwang in-guk (Heo Jun-seok), continuamente monitorato dalla giornalista e regista Lee So-min (IU), che un po’ lo incentiva e un po’ sembra mal tollerarlo, in un rapporto di amicizia e inimicizia unico.

La sua squadra non è, di certo, la migliore, né la più atletica o la più giovane, ma, col tempo, diventerà la più determinata a conquistare un posto nella storia, per dimostrare che non ci si arrende mai quando ci sono la volontà e l’unione e quando si riesce a credere in se stessi.

Il film ricostruisce una storia corale, composta di tante piccole storie individuali di persone al bordo del baratro, usando un registro che passa dal drammatico, al comico, quasi al fiabesco-sognante e arricchendo la trama principale di tante sottotrame, connesse alle vite di tutti i personaggi. La diretta ispirazione, però, proviene da una storia vera, quella della nazionale di calcio coreana homeless che ai mondiali di Rio de Janeiro del 2010 vince il premio come migliore esordiente e anche come squadra più simpatica della competizione, grazie ai sorrisi che è riuscita a donare.

Abbiamo visto questo film insieme, un po’ nello stile del Secret Cinema, un po’ come due ragazze sdraiate sul divano che fuggono una serata estiva con l’ultimo annunciatissimo arrivo Netflix e forse anche perché un Park Seo-joon che campeggia così non si trova sempre facilmente. Fatto sta che, in quello che credevamo essere un piccolo film da commedia a tematica sportiva, abbiamo trovato una comfort zone che è riuscita a far sorridere, ridere, commuovere ed emozionarci allo stesso tempo e che, una volta ancora, ci ha fatto sognare, insieme ai protagonisti del film (o, meglio, insieme ai protagonisti di questa piccola storia umana). E, allora, ecco a voi le nostre impressioni post visione!

=LE OPINIONI DI GRAZIA=

Quando ho guardato “Dream” la mia memoria ha viaggiato velocemente ai tempi della scuola elementare. Come mai, vi chiederete? Dream mi ha ricordato un brano di lettura che mi aveva emozionato moltissimo, non ricordo più il titolo e, purtroppo, non so nemmeno da quale romanzo fosse tratto, ma le emozioni che mi aveva suscitato quella lettura sono state le stesse di questo film. Nel mio brano di lettura i protagonisti erano dei ragazzi di strada che si preparavano ad un torneo di atletica e organizzavano una squadra decisamente malandata. Scoordinati, non agili, ma con tanta voglia di fare perché il premio in palio era destinato al gruppo più valevole e sarebbe servito a migliorare le condizioni del loro quartiere proletario e povero.  

La storia non è uguale a quella di “Dream”, ma la condizione dei protagonisti somiglia molto a quella del film. Anche in “Dream” quasi nessuno spicca per notevole capacità fisica o atleticità, si tratta, infatti, della storia di piccoli uomini che hanno in comune la voglia di far vedere che esiste la possibilità di riscattarsi, sempre. La tematica del film, infatti, è molto bella e le interpretazioni degli attori sono tutte eccellenti, tutti quanti hanno raggiunto le corde del cuore dello spettatore, da Park Seo-joon che ho trovato perfetto nell’esprimere ogni sensazione ed emozione, alla sempre meravigliosa IU che ero molto curiosa di vedere anche in questo film dopo averla apprezzata nel film “Broker – Le buone stelle”.

Le interpretazioni di tutti regalano una luce diversa alla storia e persino coloro a cui non piacciono i film a tematica sportiva riusciranno ad apprezzare la storia, “Dream” è un film da recuperare per cogliere l’ottimismo che riesce a comunicare allo spettatore presentando situazioni e condizioni ai margini della società, perché, alla fine, esiste quella forza interiore, quella forza centrifuga che non si può ignorare, la speranza.

Il mio personaggio preferito, personalmente, è quello interpretato da Lee Ji-hyun che mi era piaciuta molto nel drama “The Package” e anche qui il suo ruolo è intenso e incantato, sembra uscita da un racconto a sé stante.

Come nel mio brano di lettura, anche “Dream” lascia un messaggio importante e universale: non serve vincere una partita o un torneo, serve raccogliere le energie e partecipare alla gara più importante per se stessi e per i propri amici, per conquistare la meta più preziosa di qualsiasi premio, la vita.

=LE OPINIONI DI LAURA=

Pochi sanno che, nella realtà, ho sempre seguito il calcio, nel particolare, e lo sport, in generale. Ma non sto parlando di una visuale pacata e occasionale, né di quelle che si svegliano ogni quattro anni per le gesta della nazionale ai Mondiali (sempre se arriviamo a qualificarci). Stiamo parlando di una bimba che, prima di comprendere un minimo segno grafico di scrittura e lettura, veniva interrogata puntualmente sulle formazioni delle squadre in Serie A, recitava a memoria caratteristiche e identikit di ogni giocatore della nazionale ed era capace di seguire le partite del Milan con il cappellino adornato delle treccine posticce di Gullit per mostrare il proprio sostegno. Così attirata dal calcio che, appena iscritta all’università, avevo pure intenzione di organizzare una mini squadra di calcetto femminile per ritagliarmi il ruolo di allenatrice. E senza parlare di quando inizio a seguire tutti (ma proprio tutti gli sport), con la stessa identica verve insegnatami da mio nonno, che, d’altronde, ha dedicato tanto tempo a darmi quest’impronta. Pertanto, film del genere di “Dream” sono sempre stati un’occasione di visione e recupero immediato per me e, solitamente, non mi hanno mai tradito, perché, si sa, lo sport reca con sé intatto il messaggio dell’unione, del coraggio, della vittoria, che non è solo materiale, ma soprattutto morale e personale, della sfida con se stessi e con la vita. Ma, una volta ancora in più, il cinema asiatico mi ha fornito un altro messaggio, quello del sogno di mostrare se stessi come dei vittoriosi, anche se vittoriosi non lo si è affatto, di gridare al cielo la propria gioia e la propria speranza, in attesa che il cielo diventi azzurro e spinga via il grigiore della tristezza passata. Ancora una volta, mi ha mostrato che nessun uomo è un fallito, se crede fermamente in un sogno e se ha degli amici che lo aiutano a realizzarlo (o, perlomeno, ad avvicinarsi ad esso).

C’è l’imprenditore fallito, che, a sessant’anni, vuole mostrare alla propria famiglia di essere ancora un uomo di valore; c’è un uomo che ha sempre vissuto ai margini della società, ma che è stato salvato da un amore incapace di esprimersi; c’è il ragazzo taciturno che non ha il coraggio di fare outing e il boss malfamato che teme di mostrare il proprio cuore; c’è un uomo buono che è puro come un bambino e sa essere padre, anche se non sa difendersi, e un ragazzo innamorato dell’idea in sé dell’amore, che continua a cercare per tutta la vita; c’è una ragazza che finge di essere sarcastica e severa, perché nasconde un cuore di marzapane, e una donna che non sa comunicare, perché custodisce tutti con sé nel proprio animo; e c’è, infine, un giocatore, che sa di essere fallito e che si autopunisce da solo con un fallimento da allenatore, perché ha perso la voglia di sognare e non sa come recuperarla. Tanti piccoli scenari umani, ognuno una storia a sé, che, poi, si urtano e si incontrano, intrecciandosi più volta, in un’unica commedia umana, costruita come un campo di calcio, pronti a raggiungere la porta nella trequarti avversaria.

Una delle cose che mi ha colpito positivamente in questo film è stato l’entusiasmo con cui è stato recitato (e anche “giocato”), come la discesa dei veri giocatori sul campo di calcio o, meglio, come l’entusiasmo stesso che mostrò, in effetti, la nazionale sudcoreana homeless durante quei famosi campionati di calcio ritratti dal film (avvenuti, nella realtà, in Brasile e non in Ungheria) e che fece loro guadagnare il premio come la squadra che aveva saputo interpretare meglio lo spirito del torneo: persero quasi tutte le partite (con l’eccezione della vittoria attribuito agli inserimenti brasiliani), ma riuscirono ad affrontare con emozione tutte le sfide, regalando la propria emozione e il proprio sorriso agli spettatori e diventando, presto, i beniamini del torneo. L’entusiasmo traspira da ogni singolo gesto di tutti gli interpreti, decisi a mostrare che non esiste fallimento, se si crede in se stessi e in un sogno.

Mentre guardavo questo film, mi sono domandata dove ho visto il medesimo entusiasmo sportivo, giacché la pellicola è stata confrontata con diversi film sulla tematica sportiva che sfruttano il fenomeno underdog per creare dei simpatici e decisi falliti, pronti a riscattarsi (vedi “Le reclute”, che, però, ha quella retorica della vittoria e del self-made man tipica statunitense). Poi, ad un tratto, sono andata indietro negli anni della mia infanzia, quando, poco dopo i Mondiali di Calcio in Francia del 1998, venne prodotto un piccolo film che eleggeva il calcio a protagonista improbabile: la pellicola bhutanese “La coppa”, il primo film integralmente recitato in lingua tibetana e ambientato in un Tibet sotto l’occupazione cinese, dove i piccoli aspiranti monaci buddisti scoprono il sogno della passione calcistica, guardando le partite dei mondiali, ed organizzano tornei che sono, al tempo stesso, un sogno di libertà e di elevazione. Perché lo sport unisce, ma esprime anche se stessi, i propri ideali e i propri valori e, anche se può deludere, darà sempre la possibilità di mostrare le proprie aspirazioni. Ed è già una vittoria così.

Avete visto il film “Dream”? Cosa ne pensate? Vi aspettiamo qui e nelle nostre pagine social per commentare insieme.

Grazia&Laura

Bro&Marble in Dubai (Let’s take business!)

“Strategia! Si tratta di strategia, fratello!”

Se c’è una frase con cui si potrebbe riassumere l’intenzionalità di questo show sudcoreano, che ha mietuto consensi e apprezzamenti ovunque, in patria e all’estero, questa frase partirebbe proprio dalla strategia o, perlomeno, dal tentativo di creare una strategia e dall’abilità di fallirla immancabilmente. Perché Bro&Marble in Dubai è strategia, ma è anche e soprattutto affiatamento, amicizia, divertimento e ironia in mezzo ad uno scenario da Le mille e una notte con sette (ma potremmo anche dire otto) personaggi famosi che corrono e si rincorrono per vincere sfide improbabili e accumulare un patrimonio milionario. D’altronde, l’ispirazione del gioco è stata fornita dal Bluemarble, un gioco da tavolo molto simile al Monopoly, approdato decenni fa in Corea dal “viaggio lungo” (ovvero con linee guida europee, ma traslate in versione statunitense) e, infine, “coreanizzato” in alcune fasi di transizioni. Sostanzialmente, anche il Bluemarble consta in due dadi, una tavola da gioco, delle pedine e l’acquisto di proprietà, tramite le quali si perde e si guadagna denaro allo stesso tempo, facendo pagare la famosa tassa di passaggio a tutti coloro che “osano” fermarsi nelle proprietà altrui. Diversamente dal Monopoly nostrano, però, non esiste il trabocchetto del “Vai dritto in prigione e rimani fermo due turni”, ma delle terre ignote (solitamente collocate agli angoli della tavola) contenenti domande, penitenze o sorprese inaspettate e, soprattutto, non vendibili, in quanto proprietà di un banchiere che gestisce il gioco. Comprese le regole di base, possiamo sederci con calma e iniziare a giocare o, meglio, a conoscere i protagonisti.

IL BANCHIERE – “These are the rules. This is the game“.

Mattatore assoluto del programma, banchiere, mentore e conduttore, talvolta anche persecutore dei malcapitati giocatori è lo showman Lee Seung-gi (A Korean Odyssey, The Law Café, You’re All Surrounded, My Girlfriend is a Gumiho, Vagabond, etc.) e sappiamo già quanto quest’uomo possa riuscire a fare proprio di tutto nel mondo dello spettacolo, compreso mantenere intatta l’ironia senza mai perdere di vista i suoi giocatori. Lee Seung-gi è ufficialmente il Banchiere, ovvero colui che detiene le misteriose terre di B (le terre situate agli angoli della tavola da gioco e che, talvolta, possono diventare un terribile deserto di sabbia – vero, Joshua e Hoshi? – o una desolata isola fuori dal mondo – senza alcun riferimento personale, Yeon-seok e Kyuhyun!), capaci di imprigionare o di premiare i contendenti. Ma, soprattutto, il Banchiere è l’unico a conoscere per davvero tutte le regole del gioco e a rimescolarle come vuole, a possedere trabocchetti come le maschere e i costumi per la scena mascherata al suk tradizionale, le lampade di Aladino o le parole magiche di Alì Baba, che spezzano il ritmo usuale del Monopoly con sfide da guadagno punti facile. E, infine, è l’unico che può trasformarsi nel Reclutatore di Squid Game per sfidare i giocatori con i giochi tradizionali e frodarli improvvisamente di tutte le loro terre. Un soggettino non semplice.

GOD-BRO – “We should show some bromance“. “Regardless, it’s romance“.

Prima coppia di contendenti, i GodBro, belli e fortunati perché assistiti direttamente da Dio, ma, in realtà, più in missione per suo conto come i Blues Brothers, ovvero: il cantante e artista di musical Kyuhyun (SuperJunior) e l’attore Yoo Yeon-seok (The Interest of Love, Narco-Saints, Warm&Cozy, Hospital Playlist, Mr. Sunshine), che si sono conosciuti anni fa sul palco teatrale del musical Werther. I GodBro danno da subito soddisfazioni nel momento stesso in cui si presentano e, per guadagnare soldi e costruirsi il loro gruzzoletto, tentano di vendere al Banchiere la propria passione e il proprio talento (oltre che una bottiglia invecchiata di scotch). Loro sono quelli che da subito fanno degli ottimi investimenti: un bell’ammontare di denaro iniziale, le proprietà giuste e danarose da acquistare, i punti perfetti per far pagare le tasse ai propri avversari. Diventano immediatamente quelli da sfidare e da vincere, troppo calcolatori e macchinosi alle spalle degli altri, nervosi, competitivi, falsamente amichevoli e malevoli: entrano subito nel cuore degli spettatori e non se ne vanno più, anche perché sono autori di una serie di gag che non è possibile dimenticare. E, se all’inizio il capo-comico sembra Kyuhyun, ingannati dal faccino fintamente timido di Yeon-seok, sarà quest’ultimo che ne combinerà veramente di tutti i colori: gli insulti a Lee Seung-gi, che lo pianta su un’isola deserta, le corse con la moto d’acqua insieme a Joshua (che lo emula in tutto e per tutto) per bullizzare la lentezza di Kyuhyun e Hoshi, il vestito da principessa con tanto di corona in giro per il mercato arabo e la resistenza ai placcaggi degni da rugby per non farsi rubare la lampada magica, i calcoli matematici e statistici (sbagliati) e l’invocazione a Dio per chiedere assistenza nel gioco. Del resto, il partner-in-crime Kyuhyun è autore degli inganni e delle false alleanze ai danni degli altri, della performance da tigre con tanto di morsi contro i giocatori e dell’idea “fingiamoci ricchi e, poi, scappiamo senza pagare”, che è l’unico metodo valido, se si vogliono mantenere un po’ di soldi fino alla fine in un gioco simile e mangiare in ottimi ristoranti. Il loro rapporto di amore-odio con gli ShiBro, poi, diventa qualcosa di unico, visibile anche nella sveglia mattutina che i due Seventeen riescono a dare, introducendosi nella stanza dei GodBro (“Hoshi, perché mi prendi la mano per addormentarti?“, esclama imbarazzato Kyunhyun, quando si ritrova improvvisamente loro hyung – fratello maggiore). Scena già da leggenda: la notte di libertà in giro per Dubai dei GodBro in compagnia di Lee Seung-gi, perché tre trentenni in vacanza ne combinano più dei ragazzini, fidatevi.

SHI-BRO – “It’s a bit awkward with just the two of us meeting separately outside“. “What do you mean ‘awkward‘?”.

Seconda coppia di contendenti, gli ShiBro, che usano la timidezza e la loro cuteness come armi segrete per spianarsi la strada, con tanto di occhioni da cucciolo, ovvero: Joshua e Hoshi, due componenti della band k-pop Seventeen (di cui abbiamo parlato qui), che si conoscono dai tempi della scuola e che hanno trascorso insieme anni come trainee e come idol. Gli ShiBro appaiono subito come due ragazzini indifesi e soggetti a subire le angherie dei “grandi”, ovvero dei componenti delle altre squadre, oltre che del Banchiere (basta solo vedere la telefonata tra Hoshi e sua mamma per far sciogliere il cuore). Ma non bisogna farsi ingannare, perché con quell’aria spaurita e la risata sempre pronta, sono una coppia temibile come poche, da non sottovalutare affatto. Anche perché i due Seventeen sono veloci, sguscianti e tendenti al furto come pochi negli show televisivi, in particolare quando Joshua indossa il suo cerchietto con le orecchie da scimmietta e Hoshi si traveste dal povero ladro della casbah (“Ma che lavoro facevate voi due prima di entrare nella band? Eravate criminali?“, chiede Ji Suk-ji, quando scopre il furto dei suoi occhiali). Infatti, se all’inizio sembrano metterci un po’ di tempo per venire fuori, è solo per prendere tempo e studiare tattica e terreno grazie al loro fascino da cuccioli bistrattati e senza amici, che intenerisce un po’ tutti, a cominciare dai GodBro che li considerano dei fratelli minori, per continuare con Suk-ji, che li considera figli (e paga pure per loro), per finire con lo stesso Banchiere (che contratta in modo vantaggioso per loro). Dopo il primo furto, questi due teneri fratellini non saranno più gli stessi e, nonostante siano poco parsimoniosi, non attenti al denaro, sfortunati nell’azzardo e tendenti a farsi incantare dai GodBro, una volta che capiscono il meccanismo, non lasciano spazio e diventano impietosi con i propri avversari, perché giustamente essere giovani non vuol dire non lottare fino alla fine. Inoltre, forse anche per il fatto che sono cresciuti insieme, i due Seventeen sono i più affiatati e leali tra di loro, comprendendo in pieno le parole della loro canzone Super (“I love my team, I love my crew“) e rimanendo, anzitutto, una coppia di amici, prima ancora che una coppia di colleghi e di contendenti per un gioco, e considerano tutte le opzioni del gioco sempre ed esclusivamente insieme. Poi, si danno anche la buonanotte reciproca prima di andare a dormire e scrivono nella chat di gruppo con gli altri Seventeen, a riprova che non sono mai soli. Scena già da leggenda: i Seventeen che ballano Haju Nice sulle dune del deserto per guadagnare punti a favore da parte del Banchiere e portano la rilettura dei video di Michael Jackson ad un altro livello.

JI-BRO – “We’re not really fit for each other.“

Terza coppia, o forse dovrei dire più trio, i JiBro, che si rifanno al nome del caposquadra, una vera e propria istituzione della TV coreana, ma che, visti così, sembrano tre che non potrebbero mai nemmeno uscire insieme per un caffè, ovvero: il presentatore televisivo Ji Suk-jin (Running Man, Happy Together), il comico Jo Se-ho (You Quiz on the Block, Happy Together) e il pluripremiato attore indipendente Lee Dong-hwi (Reply 1988, Big Bet). Per esattezza, la prima parte del gioco è stata intrapresa da Ji Suk-jin, sicuro e paterno con tutti, figura essenziale dei vecchi varietà e ispiratore per il resto del cast con una serie di gag (vedi il furto dei vestiti di Lee Seung-gi), rientrato in patria per impegni lavorativi e sostituito da Jo Se-ho, omino buffo e ottimista, improvvisatore di qualsiasi cosa e detentore del buon umore del gruppo (a cominciare dalla sua prima apparizione travestito da genio della lampada). Al contrario, Lee Dong-hwi è l’unico della squadra ad essere presente dall’inizio alla fine. Ebbene, se questa squadra non vi rimarrà impressa, pur nella sua sbadataggine e nella negazione di qualsiasi competitività, vi sbagliate di grosso, perché, accanto ai due comici (che, inter nos, fanno davvero morire dalle risate), Lee Dong-hwi è il vero personaggio del gioco, ovvero, a mio parere, quello che ha capito meglio di tutti se non le regole del gioco, quanto lo spirito di base e che affronta tutto con la sua pigra e gentile anarchia. Sostanzialmente, è arrivato impreparato su come farsi il gruzzolo di soldi di base e, per cominciare, vende al Banchiere la giacca di maglia fatta dalla nonna, con la raccomandazione di non maltrattarla perché è preziosa; porta avanti le missioni quel tanto che basta, perché vincere non è mica tutto nella vita e basta solo partecipare e divertirsi con gli altri; non mostra mai alcuna competitività e non porta rancore (anche perché la sua timidezza incredibile lo frena molto, salvo andare in giro per il mercato arabo vestito da cammello e sorridendo a tutti in modo disarmante) e glissa alla sfortuna che sembra averlo preso di mira nelle fasi iniziali con una semplice risata e una certa non curanza. Ed è così, mostrando di non tenere praticamente a nulla o, anzi, di “affrontare la vita in modo tossico” (come dice lui), che, quando cambiano le regole del gioco da tavolo per introdurre le scommesse e l’azzardo, punta tutto a caso e aumenta in modo inaspettato il suo patrimonio, come se niente fosse. D’altronde, Jo Se-ho aveva fatto una promessa a Ji Suk-jin, quella di cambiare le sorti di Lee Dong-hwi e, come un vero genio della lampada, portargli fortuna. Naturalmente, senza esagerare, perché Jo Se-ho è pur sempre un genio pocket e la sua fortuna può arrivare fino ad un certo punto, mentre Ji Suk-jin è di fatto un turista in pensione che è lì per accumulare foto e souvenir da portare alla moglie. Insomma, non proprio la spalla perfetta in assoluto, ma quella giusta per Lee Dong-hwi. Scena già da leggenda: Lee Dong-hwi che, rendendosi conto che la corsa finale alla vittoria sarebbe stata lunga due chilometri e mezzo e vedendo l’atleticità di GodBro e ShiBro che corrono, prende comodamente il taxi.

Non posso dirvi come va a finire e chi vincerà il gioco e la somma finale (che ammonta a circa 6 milioni di won, poco più di 4.200 euro, non proprio un’enormità), anche perché, di fatto, non è così necessario avere un vincitore vero e proprio, né serve che vinca per davvero qualcuno, perché Bro&Marble è un programma geniale che riesce nell’intento di divertire con intelligenza, aggiungendo un tassello importante ai varietà e agli show di intrattenimento coreano, che sono quanto di più distante dalla dilagante volgarità di tanti reality a cui siamo abituati. Infatti, come già notato in altri prodotti simili, anche questo show non perde mai di vista sia l’aspetto comunicativo di base, in questo caso fondato sul valore dell’amicizia e della lealtà, cementificata e messa anche alla prova come un dilemma del prigioniero, sia il ruolo affidato alle diverse personalità presenti, messe a nudo in modo discreto nella propria genuinità e, quindi, ancora più vicine al mondo degli spettatori più di quanto non si possa immaginare. E, se qualcuno può obiettare che ognuno di loro ha recitato una parte, provate a prendere Lee Dong-hwi nello show e a confrontarlo con il suo ruolo in Big Bet e noterete che non è affatto così, perché l’ingrediente dell’umanità delle star è la vera arma vincente di questi show.

Il successo di Bro&Marble in Dubai è stato tale che pare i produttori si siano convinti per realizzare una seconda stagione, non si sa se con lo stesso cast (pare sicura la presenza di Lee Seung-gi come banchiere), né si sa se in una location diversa (visto che, grazie al programma, gli spettatori hanno avuto modo di fare un fantastico giro turistico per Dubai e di aggiungerla come meta nella propria wishlist). Siamo solo certi del ritorno e non vediamo l’ora.

Piccola postilla: per sponsorizzare il programma il cast ha composto una OST adeguata, contenente una canzone interpretata da tutti, oltre che una canzone per ogni squadra e una per il Banchiere. Ma non solo: i protagonisti si sono anche cimentati con una parodia di Transit Love, un love show dove diverse coppie che hanno rotto la propria relazione si incontrano dopo anni per rimediare agli errori passati, e il trailer in questo stile è diventato già una perla di per sé.

Consigliato: perché si ride, si riflette, si fanno i calcoli e si entra in un gruppo di amici da cui non si vorrà più uscirne.

Laura

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Only Just Married – Lei, Lui e un gatto rosso

“Non siamo una coppia sposata, ma diventiamo una coppia di coniugi che meglio si adatta a noi due”.

Credo che questa frase, pronunciata dal protagonista all’interno del drama, possa ben rappresentare il leitmotiv della storia.

“Only Just Married” è una serie giapponese del 2021 da guardare tutta d’un fiato per trascorrere delle ore serene con una coppia di protagonisti che ho adorato perché reggono l’atmosfera da commedia romantica regalando delle simpatiche gag, ma riuscendo anche a lasciarci degli spunti di riflessione.

Akiha Okado (una meravigliosa e simpaticissima Nana Seino) è una ragazza innamorata del proprio lavoro da grafica, se non termina un progetto fatto bene non si stacca minimamente dalla scrivania, è perfezionista e il suo sogno è quello di aprire in futuro uno studio tutto suo, appena ne avrà la possibilità economica. Akiha pensa alla sua carriera, a migliorare sempre di più e a non mollare mai anche dopo diversi tentativi, crede che il lavorare duramente possa ricompensare i suoi sacrifici attuali con un successo futuro. Nonostante il suo assiduo impegno, è una ragazza socievole anche con i suoi colleghi di lavoro, ma mai parlarle di matrimonio, è allergica all’argomento! Durante una cena lavorativa, incontra Shu Momose (interpretato dal bravissimo Kentaro Sakaguchi) rappresentante dell’azienda pubblicitaria con la quale collabora il suo studio grafico. Sembra in tutto un incontro normale se non che Akiha riconosce in Shu il ragazzo che il giorno prima al ristorante era stato rifiutato da una ragazza seduta al tavolo con lui alla quale Shu aveva chiesto di sposarlo. Anche Shu riconosce Akiha come la testimone della sua brutta figura della sera prima, la ragazza, infatti, passava vicino al suo tavolo proprio nel momento in cui veniva scaricato.

Dopo le battute dei loro rispettivi responsabili sulla situazione da single dei due ragazzi, in un momento di pausa, Shu chiede a Akiha di sposarlo. La ragazza lo riempie di insulti credendolo un pervertito seriale anche se Shu cerca di convincerla a firmare un contratto di matrimonio puramente sulla carta, senza essere realmente sposati e senza nessun dovere o sentimento. A Shu serve un matrimonio di copertura, ma Akiha rifiuta nettamente, solo quando verrà raggiunta da una telefonata dell’ospedale dove è ricoverata la nonna inizia a ripensare alla proposta di Shu che le garantirebbe il pagamento delle spese sanitarie e il pagamento delle tasse del ristorante della nonna che è rimasta senza lavoro per il suo periodo di malattia.

Solo per questa ragione Akiha accetta, alcuni giorni dopo, la proposta di Shu che paga ogni debito della ragazza, entrambi firmano un contratto in cui il matrimonio è registrato, ma nessuno dei due deve essere un impiastro per l’altro, pur vivendo insieme, infatti, ognuno avrà una propria stanza, uno spazio del frigorifero, uno spazio del tavolo dove poter mangiare in orari differenti, le proprie tazze e i propri bicchieri e ognuno di loro dovrà rispettare rigorosamente la privacy dell’altro. Quando Akiha salderà il debito con Shu, il loro matrimonio potrà terminare.

Già dai primi giorni, la convivenza sarà complessa e difficile, Shu è pignolo, maniaco dell’ordine e con l’abitudine di programmare quattro sveglie al mattino perché non riesce a svegliarsi facilmente, nelle mattinate ha infatti un sonno talmente profondo che cade anche dal letto senza accorgersi. Ogni mattina le sveglie di Shu fanno sobbalzare dal letto Akiha che nella stanza vicina sente quegli squilli prepotenti.

Akiha, mentre sul lavoro è perfetta e precisa, a casa è disordinata e questo è uno dei motivi per cui è infastidito Shu.

Unico che mette d’accordo entrambi è solo un gatto rosso che vive con loro, al quale si affezionano moltissimo.

Mentre scorre il tempo, la ragazza si chiede come mai Shu abbia proposto un contratto tanto inusuale e strambo e cosa lo abbia spinto a comportarsi così. Una sera, lui stesso le racconta che le ha chiesto di sposarlo per coprire una situazione che lo paralizza emotivamente e lo destabilizza perché prova imbarazzo solo a pensarci: è innamorato di sua cognata Miharu (Kana Kurashina) da tanti anni, da quando andavano a scuola insieme, ma non vuole che la sua famiglia lo capisca. La cognata, infatti, pur rimanendo sempre sua amica e dimostrando lo stesso affetto che provava per lui da bambina, ha scelto di sposare il fratello di Shu, Asahi (Tomoya Maeno) una persona completamente diversa, estroverso, sorridente, un uomo di gran cuore che ha ereditato l’attività di famiglia, gestire il negozio di bento.

Quando i genitori e il fratello con la cognata di Shu chiedono ai due ragazzi di trascorrere il tempo insieme, il loro finto matrimonio è messo a dura prova, la finzione non è facile da reggere di fronte alla propria famiglia che si chiede come abbia fatto Shu, introverso, silenzioso e schivo a sposarsi così velocemente e quasi in segreto. Anche quando tornano i genitori di Akiha dal proprio viaggio di lavoro sono stupiti e si domandano cosa mai abbia spinto la figlia a sposarsi, vista la sua innata repulsione al matrimonio, per cui iniziano a punzecchiare lei e a mettere alla prova lui. Unica persona contenta e fiduciosa del matrimonio dei due ragazzi è solo la nonna di Akiha (Hana Kino) che diventa confidente di entrambi e ne è felice e sicura che, nonostante la frettolosità del matrimonio, tra di loro ci sia una vera e propria corrispondenza e un legame d’affetto. Avrà ragione la nonna?  

Akiha, in effetti, dopo qualche mese dimostra di provare una certa affezione per Shu che, invece, resta quasi sempre sulle sue, forse si illude solo che entrambi siano diventati amici e si aiutano a portare avanti questa farsa.

Quando Akiha, dopo aver confessato i propri sentimenti al ragazzo, delusa e demoralizzata si allontana da casa, ripagando il debito, Shu inizia a capire che qualcosa è cambiato anche dentro di lui, ma che ottusamente ha continuato a negare, legato solo ad un amore impossibile verso sua cognata.

Il sentimento di indifferenza reciproca che doveva essere la certezza e la clausola più importante del contratto del loro finto matrimonio ha iniziato a vacillare per entrambi, solo che Akiha se ne è accorta prima, ma anche per Shu è arrivato il momento di rendersene conto:

“Da quando conosco Akiha non mi sento più solo. Forse questa non è amicizia”. “Mi ha sempre accettato nonostante le mie stranezze”.

Akiha Okado è una ragazza che lotta per trovare un proprio posto nel mondo, per imporre le proprie capacità e abilità lavorative, è la prima che si impegna per portare a termine ogni suo lavoro e così riesce anche ad analizzare i propri sentimenti e a riconoscere quello che prova per Shu.

Shu Momose è un ragazzo affetto da timidezza cronica, con una difficoltà a capire e rivelare i propri sentimenti.

Da ricordare anche la figura di Yuito (Mahiro Takasugi), che fa tirocinio come veterinario presso la clinica dove viene curato il gatto rosso, è amico di Akiha e ne è segretamente innamorato, un second lead che apprezzerete di certo.

Shu e Akiha sono due persone diverse, ma simili nelle loro insicurezze e la finta convivenza li trasformerà e li aiuterà a superare le difficoltà e a fare i conti prima di tutto con se stessi per incontrarsi a metà strada e trovare il proprio amore ideale, sempre in compagnia del gatto rosso e di due pigiami uguali, magari con la stampa della foto del loro gatto.

Memoru Grace

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Weak Hero Class 1 (ovvero del baratro oscuro dell’inconscio)

“L’uccello lotta per uscire fuori dal suo guscio; l’uovo rappresenta il mondo; chi vuole rinascere deve distruggere il vecchio mondo precedente”. – Herman Hesse, Demian

Con questa citazione tratta dal romanzo “Demian” di Herman Hesse, si apre un’opera piccola, dura e ardua come una pietra non levigata, ma intrisa di un mistico furore e di un oscuro magnetismo. Proprio come l’opera citata, è costruita quasi come un Bildungsroman (romanzo di formazione) alla tedesca, dove le vicende e gli avvenimenti che accadono ai protagonisti sono solo il vago spettro di quello che succede nel loro mondo interiore, dominato dalle volontà confliggenti di Bene e Male, dallo spirito apollineo della razionalità e da quello dionisiaco dell’irrefrenabile e incontrollata frenesia. Come nell’opera di Hesse, che l’ha ispirato, i protagonisti sono soggetti puri, invischiati in una crescita divisa tra due mondi, quello della sicurezza familiare quotidiana e della luce diurna e quello dell’oscurità e del proibito, destinati a camminare in equilibrio in quel baratro dell’inconscio, che vogliono nascondere e che li segue, come un demone, durante il percorso di crescita, spinti a cadere e a rialzarsi – riprendendo un’altra immagine di Hesse – con il marchio di Caino in fronte, non per segnare la malvagità, ma per dare un’aureola di gloria.

Yeon Si-eun (bravissimo e, giustamente, super premiato Park Ji-hoon per questo ruolo, con i suoi occhi fissi e l’espressività negata, quasi apatica) è un adolescente introverso e solitario, che ama, più di ogni altra cosa, prendere bei voti a scuola. La sua intelligenza e la sua serietà nello studio lo rendono uno studente modello, uno di quelli per cui né genitori né professori potrebbero mai preoccuparsi. I suoi voti eccellenti lo portano a vincere il premio di matematica della scuola, inimicandosi Yeong-bin (Kim Soo-gyeom), rimasto al terzo posto, che, oltre ad essere uno studente molto dotato, è anche il bullo della classe, abituato a comandare un piccolo branco di adolescenti violenti e a sottomettere i compagni di classe.

Ahn Su-ho (Choi Hyun-wook, che quest’anno ha dato un’altra prova di incredibile bravura in D.P. e che abbiamo imparato a conoscere in Twenty-Five Twenty-One) è un ragazzo grande e grosso, che ha deciso di diplomarsi con il massimo della frequenza, come vuole sua nonna, ma che, soprattutto, trascorre le giornate a dormire in classe per recuperare le ore di sonno perse lavorando di notte. Pur non avendo mai legato con nessuno in particolare, si diffonde intorno a lui un certo clima di terrore, perché Su-ho è un ex pugile da competizione e sa come difendersi a pugni (o in tutti i modi) da chi minaccia prevaricazioni.

Oh Beom-seok (Hong Kyung, già visto in D.P. e in Revenant) è un ragazzo timido e impacciato, che ha subito forti e violenti episodi di bullismo e che, per questo motivo, ha cambiato scuola, salvo attirare nuovamente l’attenzione del gruppo di bulli. Mentre Ahn Su-ho trasuda sicurezza e virilità e Yeon Si-eun dimostra di non conoscere il confine della paura, Oh Beom-seok presenta immediatamente le sue fragilità, che influiranno sulla costruzione della sua personalità, dovute anche alla presenza di un padre adottivo dispotico e manesco (interpretato da Jo Han-chul, di The Law Cafè, Hometown Cha-Cha-Cha, Vincenzo e Healer).

Un giorno, visto che Si-eun non sembra percepire alcuna emozione e alcuna preoccupazione dalle minacce di Yeong-bin e del suo gruppo di bulli, ma procede in modo diligente e privo di contatti umani la sua vita scolastica, Yeong-bin costringe Beom-seok ad attaccare di nascosto sul collo di Si-eun un cerotto contenente un forte analgesico con l’intenzione di fargli fallire l’esame per cui aveva studiato tanto. Una vendetta maligna e immotivata, che doveva diventare anzitutto un momento di scherno e di sudicia ilarità, ma che si ritorce contro gli aggressori. Infatti, dietro l’apparente monoespressione apatica di Si-eun e i suoi occhi senza sonno, si nasconde una vena di follia che tenta ogni giorno di frenare a fatica, ma che rompe gli argini nel momento in cui si rende conto di essere stato vittima di uno scherzo atroce. “Ti avevo detto di lasciami in pace, Yeong-bin. Eppure, te lo avevo chiesto gentilmente“, ripete a voce bassa Si-eun, quasi ad annunciare lo scoppio della ferocia con cui aggredisce fisicamente i suoi compagni (e non guarderete più una penna nello stesso modo, perché, dopo Nikita, Weak Hero Class vince la classifica delle migliori penne conficcate a carne viva). La furia di Si-eun, frenata a stento da Su-ho, ridefinisce gli equilibri della classe, con il capo-branco costretto in ospedale e, poi, indagato per aver importato in classe sostanze stupefacenti e i bulli silenti e messi all’angolo e con l’emersione di un nuovo duo forte, quello composto da Si-eun e Su-ho, due che non hanno nemmeno bisogno di parlare per comprendersi l’un l’altro. Al tempo stesso, però, quest’episodio non fa altro che generare una catena incontrollata e quasi automatica di violenze, a cui i protagonisti sono costretti ad andare incontro, senza nemmeno avere la possibilità di scegliere in altro modo, come determinata da un daimon, che controlla la loro tensione verso il Bene e verso il Male e che ne determina gli eventi, distruggendo il vecchio mondo e facendone sorgere uno nuovo, ma direzionandolo verso un principio divino e diabolico. Per continuare la parte citata del Demian come incipit del drama: “L’uccello vola alto in direzione della divinità… Dio si chiama Abraxas” (simbolo di due mondi che si contrappongono e trovano la sintesi nell’inconscio umano, il principio della luce e quello dell’oscurità).

Yeong-bin cerca vendetta e coinvolge nella sua faida il cugino Seok-dae (interpretato da Shim Seung-ho di Alchemy of Souls e D.P., sempre più in stato di grazia), caduto anni prima in un baratro di perdizione e costretto adesso a vendere la droga ai minori e a riscuotere loro i debiti di gioco, ma Si-eun riesce ad ottenere l’appoggio sia di Su-ho, altra parte della sua anima, sia di Beom-seok, che si sente in colpa per aver agito contro di lui. La loro reazione nei confronti di noti criminali di strada arriva fino a Kim Gil-soo (interpretato dal compianto Na Chul di Happiness e Once Upon A Small Town), piccolo boss di quartiere che sfrutta la debolezza dei minori e li incastra in una vita di perdizione come il Faggin del romanzo Oliver Twist di Charles Dickens. I tre, oramai inseparabili, diventano dei veri e propri giustizieri isolati, quasi dei vigilanti dei fumetti, che colpiscono con la passionalità e la forza di Su-ho e la fredda e razionale ferocia di Si-eun.

Tuttavia, quando sembra che tutto ciò che c’era di terribile e violento nella formazione adolescenziale di questi giovani sia passato e che il nuovo mondo sia pronto a cominciare, arriva la sinistra luce dell’oscurità presente nell’inconscio collettivo e si appropria dell’anima di Beom-seok, il più timido dei tre, ma anche il più sofferente e arcano nei meandri della propria personalità. Proprio quando i tre sembrano più uniti che mai e coloro che volevano loro arrecare del male sembrano sconfitti, Beom-seok si sente trascurato, un peso inutile in un gruppo che ha accolto la ragazza perduta Yung-yi (Lee Yeon, già bravissima nel ruolo atipico e maschile di un giovane criminale in La Giudice), quasi il galoppino degli altri due ragazzi, e inizia il suo folle e delirante viaggio verso il baratro oscuro dell’inconscio, là dove tutto è triviale e dove il marchio di Caino diventa un onore, ma anche dove può assumere l’importanza negata. Scivola verso la sua perdizione morale e mentale, Beom-seok, trascinando con sé i suoi compagni o, meglio, cercando di annullarli nella brutalità e nella violenza dei loro vecchi nemici, ora suoi alleati, per bearsi di quella luce che la vita sembra negargli costantemente. La sua perdizione arriva ad un punto tale da non percepire più cosa è giusto e cosa è ingiusto e da sfumare i confini tra Bene e Male, meditando la morte dei suoi amici, colpevoli di aver frenato il suo io più intimo. Solo che, quando si rompono gli argini, può unicamente quell’atroce e fredda vena di follia di Si-eun, unica in grado di ribaltare gli equilibri, a pena di perdere se stesso e la propria innocenza.

“La fanciullezza crollò intorno a me in un cumulo di macerie. […] Un’aura prosaica falsò e sbiadì i soliti sentimenti e le gioie, il giardino fu senza profumo, il bosco senza allettamenti, il mondo mi circondò come una bottega di cose vecchie, scipito e senza attrattive, i libri furono carta, la musica rumore. Così cadono le fronde intorno all’albero in autunno” – (sempre da Demian di Herman Hesse).

Weak Hero Class 1 (약한영웅 Class 1), tratto dal webtoon Weak Hero di Seopass, pubblicato su Naver e ora disponibile anche nell’app Webtoon, è solo falsamente un drama del fione “revenge”, come The Glory o altro. Sicuramente, parte dal pretesto del bullismo come piaga dilagante nelle scuole e in tutte le aggregazioni giovanili per dare spinta alla reazione del protagonista contro i bulli che imperversano nella sua società. In realtà, segue la costruzione e il climax dei più classici romanzi di formazione e di altri coming-of-age, introducendo la parabola della ricerca della luce e della caduta e privilegiando una lettura più psicanalitica delle azioni dei protagonisti. Non a caso, la frase che apre la storia è tratta proprio da Demian. Storia della giovinezza di Emil Sinclair, che Herman Hesse scrisse nel 1917, traendo spunto dalle proprie sofferenze adolescenziali e da una profonda crisi vissuta nel cercare il suo vero io fino ad arrivare ad una crescita che è anche una perdita dell’innocenza. In questo, Weak Hero Class 1 mantiene intatti tutti i rimandi della scuola di Hesse, così come l’annullamento nichilista dell’io di formazione nietzschiana e la comprensione della dimensione inconscia secondo le teorie di Freud e Jung. Anche i protagonisti di Weak Hero Class 1 sono tormentati dal vivere in un confine confondibile tra Bene e Male e, aspirando alla luce, sono attratti dall’oscurità, credendo di fare giustizia o di cambiare la propria vita, generano un mostro che li divora dall’interno. Come il protagonista del romanzo di Hesse, Emil Sinclair, anche Si-eun è lacerato nel conflitto tra due mondi contrapposti che vivono in lui (la sua vena di follia) e si lega all’amicizia con Su-ho, più forte e sicuro, ma anche meno tormentato e complicato, che gli insegna ad aprirsi con gli altri, a difendersi e a tirare di boxe, ma soprattutto gli trasmette l’input di crescere e affrontare la guerra interiore ed esteriore (in tutto ciò, molto rispondente alle caratteristiche affibbiate da Hesse al suo Max Demian, quasi mentore di Emil e, senza fare spoiler, le scene dell’ultimo episodio in ospedale sono modellate pari pari). Persino Yung-yi, l’elemento femminile che si inserisce nella dialettica dei due amici, potrebbe rappresentare Beatrice, ovvero l’anima dell’amore interno, o la grande madre Eva del romanzo di Hesse e, quindi, la percezione dell’elemento generatore femminile nella critica psicoanalitica junghiana, mentre il bullo Yeong-bin e tutti coloro che gli stanno attorno rappresentano Frank Kromer, il bullo che perseguita Sinclair nel romanzo di Hesse, che è emblema dell’ombra e, quindi, di tutto ciò che è oscuro e che fa paura, ma che è racchiuso in ogni animo. Tuttavia, l’elemento di Beom-seok spezza in qualche modo la continuità della formazione junghiana del protagonista: semplicemente, anche Beom-seok segue un’evoluzione simile, ma quasi a ritroso, per cui dopo aver conosciuto la figura guida, decide di perdersi nell’ombra, opzionando un libero arbitrio, che cambia tutti gli assetti e le dinamiche. A questo punto, sia Si-eun che Beom-seok sono due Sinclair che non hanno compiuto ancora appieno la formazione del proprio io e che si sono smarriti nelle tenebre di se stessi.

Inoltre, nonostante questa lettura più recondita, il drama ha l’obiettivo di punture il dito su un altro tasto dolente, quello dell’assenza del mondo adulto: ragazzi lasciati a se stessi, alla propria perdizione e/o alla propria responsabilità, di cui gli adulti non si preoccupano minimamente, se non per svolgere un mero ruolo di sorveglianza o di controllo perché non accada nulla che possa interferire con il proprio mondo (vedi il segretario del padre di Beom-seok); genitori che non comprendono e si rendono invisibili (in modo tragicamente veritiero, il padre di Si-eun dice alla moglie riguardo al figlio: “Ho sbagliato, credevo che crescesse da solo“); professori che hanno solo un potere sanzionatorio legato al voto o alla permanenza in classe e che sono sempre “magicamente” assenti durante qualsiasi faida scolastica. Tutti questi sono il cuore pregnante di una società che continua a correre senza fermarsi e che non ha più né il tempo né la voglia di educare i propri figli, una generazione che rischia di cadere nel baratro proprio durante l’età più fragile e percettiva.

Ultima postilla a parte per la colonna sonora, uno dei prodotti più belli e particolari del genere, mix di k-pop, k-indie, rock, techno e hip-hop (al pari di quella di D.P.), e che contiene “Hero (Prod. by Primary)” di Meego come opening e “Homesick (Prod. by Primary)” di Benzamin: basta leggere anche solo i testi di queste due canzoni per entrare nella sofferenza dei giovani protagonisti.

Consigliato: perché è uno dei prodotti più interessanti del 2022 e i suoi 8 episodi si divorano quasi in uno stato ipnotico; perché è un drama di altissima qualità, sia per la regia, sia per la sceneggiatura che, infine, per l’interpretazione; perché il cast è di una bravura incredibile ed è capeggiato da tre giovanissimi attori di cui sentiremo ancora parlare senz’altro; perché svuota completamente e scava nel profondo dell’inconscio con i suoi chiaro-scuri di luce; perché tornerà presto per una seconda stagione e sono in attesa di vedere cosa succederà dopo aver sentito nuovamente il ticchettio della penna di Si-eun nei titoli di coda.

Laura

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Ponyo sulla scogliera

Quando guardo i film di Miyazaki mi sembra un po’ di completare una coperta dove ogni riquadro è importante per ottenere un unico disegno.  Sembra, infatti, che, assemblando tutti i suoi film, possiamo vedere un disegno definitivo che si rinnova ogni volta che esce un suo nuovo lungometraggio. Un quadrato destinato a “La città incantata”, uno a “Principessa Mononoke”, uno a “Totoro” e tutti gli altri e, così facendo, possiamo avvicinarci alla visione del mondo di Miyazaki perché in ogni sua opera c’è un po’ della sua visione esistenziale, un po’ del suo mondo fantastico e delle sue riflessioni sul futuro, sull’amore e sul rispetto per la Natura e l’essere umano.

Personalmente penso che “Ponyo sulla scogliera” sintetizzi molte delle tematiche care al Maestro Miyazaki, che riesce sempre a trasmettere allo spettatore, grazie agli elementi fantastici, una parte del suo prezioso universo creativo dai messaggi ricchi di valori e morale.

“Ponyo sulla scogliera” è un film, prodotto dallo Studio Ghibli, del 2008, sceneggiato dallo stesso Miyazaki e basato sul racconto della scrittrice giapponese Rieko Nakagawa che aveva già collaborato con lo studio di animazione per il testo della sigla di apertura di Totoro.

La storia vede Fujimoto, un mago scienziato, un tempo essere umano, che vive sott’acqua insieme a Brunilde e alle sue sorelline, tutte creature con fattezze da pesciolini, ma con il visino umano. Brunilde è sempre molto curiosa di scoprire il mondo al di là di quello che conosce, quindi, del mare e, un giorno, mentre sta seguendo un peschereccio, si ritrova sulla riva di un piccolo paese di pescatori, intrappolata dentro un barattolo di vetro. Qui, sulla riva, un bambino di nome Sōsuke scopre il barattolo e per liberare Brunilde rompe il contenitore con una pietra, tagliandosi. Brunilde lecca la ferita facendola guarire immediatamente e Sōsuke chiama la creatura appena liberata, Ponyo, promettendole che avrà cura di lei per sempre.

Fujimoto, però, dopo aver cercato dappertutto la figlia sparita, chiama gli spiriti delle onde per recuperarla e Brunilde viene richiamata e inghiottita dal mare.

Una volta tornata nel mondo marino, Brunilde litiga con Fujimoto perché desidera diventare umana e farsi chiamare “Ponyo” così come è stata battezzata dal suo nuovo amico. Usando la magia, inizia a farsi crescere gambe e braccia e a trasformarsi in essere umano, potere che la piccola ha acquisito con il sangue della ferita di Sōsuke. Fujimoto, preoccupato, esce per cercare l’aiuto della madre di Brunide, Granmamare, ma la piccola si allontana per tornare sulla terra ferma. Quando Ponyo ritrova Sōsuke, il bambino è felicissimo e racconta subito alla madre, Risa, di avere conosciuto Ponyo sulla spaggia, ma ora lei è tonata come una bambina. Risa non crede al racconto del bambino, ma permette a Ponyo di restare a casa a mangiare e a riposare fino a quando non passi la tempesta che è stata provocata in realtà dalla magia di Ponyo usata per la sua trasformazione in umana, infatti, nel momento in cui è terminata la trasformazione si è creato uno tsunami e uno squilibrio nel mondo.

Nel frattempo, nella casa di riposo dove lavora Risa c’è una grande paura per la tempesta che è scoppiata e Risa decide di raggiungere il luogo di lavoro per aiutare a controllare gli abitanti anziani della casa e metterli in salvo qualora fossero in pericolo, dopo aver promesso a Sōsuke che tornerà il prima possibile.

I bambini, dopo aver cenato, si riposano, ma al loro risveglio trovano la casa circondata dall’oceano, Risa non riesce di certo a tornare a casa e i due bambini decidono di andarla a cercare. Con l’iuto della magia, Ponyo trasforma la nave giocattolo di Sōsuke in una imbarcazione a grandezza naturale e si mettono così in viaggio.

Nel frattempo Granmamare, riconosciuta da Koichi, il padre di Sōsuke, come la Dea della Misericordia, viaggia e raggiunge Fujimoto preoccupato dalla luna che sembra stia per uscire dalla sua orbita e dai satelliti che sembra stiano precipitando come stelle cadenti. Granmamare spiega a Fujimoto che lo squilibrio della natura è stato provocato dalla decisione di Ponyo di avere usato la magia per trasformarsi in umana e che, solo se Sōsuke supererà un test, Ponyo potrà vivere da essere umano e l’equilibrio del mondo potrà essere ripristinato. Qualora Sōsuke dovesse fallire il test, Ponyo si trasformerà in schiuma di mare, per sempre.

Il viaggio dei due bambini, infatti, sarà pieno di prove di coraggio e di resistenza, la stessa Ponyo si addormenterà più volte, stanca e affaticata a tenere sempre attiva la magia e, quando la piccola sviene,  Sōsuke sarà costretto a spingere la barca a riva che, nel frattempo, con il venire meno della magia di Ponyo svenuta, si sta ritrasformando nuovamente in una nave giocattolo. Quando Ponyo si risveglia, i due bambini ricominciano la ricerca di Risa.

Riusciranno Ponyo e Sōsuke a ritrovare Risa? In cosa consiste il test di Sōsuke? Ponyo riuscirà a completare la sua trasformazione definitiva in essere umano o il suo destino è segnato?

Non vi svelo come andrà avanti la storia, mi fermo qui, anche solo per incuriosire chi ancora non ha guardato questo splendido film di Miyazaki. Una trama avvincente, una storia ricca di simbolismi e metafore dove i due mondi, quello del mare e quello della terra si incontrano e il cui punto fondamentale sarà trovare un equilibrio che potrà essere creato solo da un rispetto reciproco.

 La visione immaginifica del Maestro Miyazaki ci porta anche a riflettere sulla realtà che viviamo e su come la fantasia dei bambini, che rappresentano il futuro, possa riuscire a far riemergere alcuni ricordi che gli adulti tengono sopiti dentro di loro, ma anche gli adulti sono stati bambini una volta e il messaggio per questo diventa percepibile universalmente.

Dal punto di vista tecnico “Ponyo sulla scogliera” presenta figure essenziali, disegnate in modo poco particolareggiato, il tratto deve essere semplice e arrivare direttamente al cuore degli spettatori, mentre i fondali dai colori azzurri pastello regalano serenità anche nelle scene più impetuose, come quelle della tempesta.

Piccola curiosità, il nome scelto per il bambino protagonista, Sōsuke, è ispirato al nome del protagonista del romanzo di Natsume Soseki, “La porta”.

Memoru Grace

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The Interest of Love – L’incomunicabilità dell’amore

Quando ho deciso di iniziare questo drama ero convinta di immergermi in un’atmosfera intimista, lenta, sofisticata dove potermi fermare a riflettere in ogni momento, anche nei silenzi. In parte è stato così, in parte, però, io stessa ero partita con delle aspettative diverse o forse credevo di trovare un altro tipo di drama che non è stato quello che poi ho visto e questo mi ha un po’ deluso.

“The Interest of Love” ci regala delle atmosfere meravigliose, delle inquadrature magistrali, un colore di pellicola che ho apprezzato molto, l’attenzione ai particolari e ai dettagli che mi hanno davvero colpito (le piantine grasse curate dalla protagonista, i ninnoli sulle mensole, i quadri e molto altro) tutti punti di forza che questo drama ci presenta con un coinvolgimento emotivo impeccabile accompagnato poi da una colonna sonora sofisticata con delle tracce davvero indimenticabili.

La storia è uno spaccato di realtà ambientata nella filiale di Yeongpo della KCU Bank dove le vite di quattro persone si intrecciano e si avvicinano, per poi lasciarsi e ritrovarsi tempo dopo.

Ahn Soo-young (interpretata da Moon Ga -young “True Beauty”, “Link: eat, love, kill”, “Find Me in Your Memory“) è conosciuta come “la dea di Yeongpo” per la sua bellezza e la sua innata eleganza per portamento e modi di fare, oltre ad essere molto abile sul lavoro e apprezzata dai colleghi, ma Soo-young sa pure di doversi proteggere dalle attenzioni del mondo e della società perché, in qualsiasi momento, potrebbe cadere vittima della cattiveria e delle maldicenze degli altri, per questo si trova sempre ad indossare una maschera e a mostrare un atteggiamento quasi freddo e distaccato, lavorando da anni in un ambiente che è un piccolo microcosmo umano con sistemi gerarchici da ufficio da rispettare, cercando di non affezionarsi mai né ai colleghi né all’ambiente, la sua giornata termina tornando a casa e dedicandosi ai suoi hobby, la musica, le piante, la pittura.

Ahn Soo-young è una ragazza all’apparenza pacata e gentile, ma in cuor suo è un fermento di emozioni e di paure, con momenti di collera e di profondo rancore verso chiunque possa averla ferita o per il solo pensiero di poter essere ferita da qualcuno; in quel caso sparisce dalla vita delle persone e cerca di ricominciare da capo, accadrà lungo la storia, così come è accaduto anche nel suo passato, dopo un tragico evento che ha coinvolto la sua famiglia. Ahn Soo-young ha portato rancore per anni nei confronti del padre credendo, infatti, che abbia abbandonato e tradito la famiglia a causa di una relazione extraconiugale. Il problema della nostra protagonista è quello di sparire senza neanche chiedere una spiegazione per il comportamento degli altri che possa averla ferita, nega quasi sempre la seconda possibilità e resta ancorata a quelle che sono le sue convinzioni. Forse il suo comportamento è dettato dal suo passato, da una forma di insicurezza che ogni giorno cerca di nascondere al mondo esterno per auto proteggersi e dal suo costante convincimento di non meritare la felicità.

 Ha Sang-soo (interpretato da Yoo Yeon-seok, “Narcosaints”, “Mr. Sunshine”, “Hospital Playlist”) è un impiegato che è stato affiancato a Ahn Soo-young nei primi mesi di formazione lavorativa in banca, da allora il ragazzo si è innamorato perdutamente di lei e ha nutrito per lei stima e affetto sempre più profondi. Quando sembra che Ha Sang-soo possa essere riuscito a far abbassare il muro incrollabile di diffidenza della ragazza, avviene un avvenimento che nuovamente li allontana o, perlomeno, fa allontanare bruscamente lei e farà crollare ogni tentativo da parte di lui di capire cosa abbia realmente ferito il cuore di lei e come possa rimediare. Han Sang-soo farà di tutto, ma inutilmente.

Mesi dopo, mentre Sang-soo si strugge ancora di dolore per non essere riuscito a capire e ad avvicinarsi nuovamente a Soo-young (questo atteggiamento lo vedremo per tutta la storia), la ragazza sembra essere coinvolta, invece, da Jung Jong-hyun (interpretato da Jung Ga-ram, “Love Alarm”, “When the Camellia Blooms”), giovane guardia giurata che lavora presso la KGU Bank, si sta preparando per il concorso ufficiale per entrare nelle forze di polizia, ma ha diversi problemi economici per via della salute del padre che richiede cure mediche costose.

Jong-hyun è innamorato di Soo-young, anche se lei, soprattutto all’inizio, lo vede come un fratello, ha una certa affezione per lui, lo aiuta in diversi momenti, poi la situazione sembra trasformarsi in qualcosa di più importante.

Nel frattempo, nella filiale di Yeongpo, arriva una nuova impiegata, l’assistente manager Park Mi- kyung (interpretata da Geum Sae-rok, “Youth of May”), ex compagna di università di Ha Sang-soo nei confronti del quale dimostra subito affabilità e riguardo e cerca di poter catturare in tutti i modi l’attenzione del ragazzo. Park Mi-kyung è erede di una famiglia ricchissima, pur tuttavia non è altezzosa e sembra collaborativa con il resto dei colleghi anche con la stessa Ahn Soo-young pur intuendo l’amore non corrisposto di Sang-soo per la collega.

Mi-kyung è in tutto il drama il personaggio più onesto a mostrare i propri sentimenti anche contrastando il volere della sua ricca famiglia e aprendo il suo cuore a Ha Sang-soo, mostrando le proprie debolezze, inondandolo di attenzioni e affetto. Sang-soo si troverà ad acconsentire ad iniziare una relazione con lei, ma difatti il suo pensiero sarà sempre per Soo-young e in tutta la storia non sarà mai veramente attratto da Mi-kyung, nonostante l’insistenza di lei.

Questo clima di sofferenza e di incomunicabilità sarà maggiormente visibile dall’undicesimo episodio in avanti, i protagonisti sono destinati quindi con il tempo a lasciarsi, a prendere altre decisioni, a fare altre scelte o a sparire, quasi esiliandosi in un’altra filiale o in un altro Paese all’estero, per poi incontrarsi nuovamente.

Ha Sang-soo ha sempre creduto che la felicità nascesse dall’ordinarietà, da una vita normale, stabile, dal non avere rimpianti e invece nella sua strada ha incontrato Ahn Soo-young, la variabile che ha fatto crollare le sue convinzioni. Per Ahn Soo-young, che ha sempre creduto di non meritare nessuna felicità, l’aver incontrato Ha Sang-soo è stato un cedere alla tentazione di cambiare modo di vivere, ma lo sparire non l’ha condotta a dimenticare, anzi a fare i conti con le proprie scelte e con se stessa.

Entrambi i ragazzi hanno in comune il lasciarsi amare dagli altri, ma raramente fanno un passo indietro per cercare di mettere di lato per un attimo le proprie convinzioni e capire le persone che provano affetto per loro.

Entrambi sono due viaggiatori su un binario ferroviario con in sottofondo “il valzer dell’addio” di Chopin, potrebbero incontrarsi e camminare insieme lungo “la collina dell’oblio” come, non a caso, viene chiamata nella storia la strada che porta all’università che ha frequentato il protagonista, ma, entrambi, dietro di loro, hanno lasciato macchie di sofferenza a causa della poca linearità del loro comportamento, soprattutto Ahn Soo-young che continua a chiedersi quotidianamente cosa sia davvero l’amore e se possa coinvolgere due persone nello stesso modo senza lasciare vuoti o  rimpianti.

“The Interest of Love” è un drama sull’amore, ma non è una commedia romantica, è una storia che parla delle irrisolvibili fragilità umane che si riversano sull’amore e sulla felicità, questo è il merito che trovo in una serie che personalmente, purtroppo, non mi ha emozionata e mi ha lasciato profondo sconforto proprio per non essere riuscita a trovare una crescita interiore nel comportamento dei due protagonisti che restano due isole in un mare di invalicabili ostacoli del cuore.

Memoru Grace

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Laputa – Il castello nel cielo

“Per quanto terrificanti siano le armi di cui si dispone, per quanto numerosi siano i poveri robot che si manovrano, vivere distaccati dal suolo non è possibile!”.

Alzi la mano chi non ha mai sognato di volare. E non solo come Icaro con le sue ali di cera al cospetto del sole. Ci basterebbe anche solo fluttuare leggeri nel cielo sfidando la forza di gravità e, almeno, una decina di leggi fisiche, magari sorvolando la terra a bordo di una nuvola. L’umanità ha sempre sognato di volare e, già prima che inventasse gli aeroplani, ha codificato tutto un mondo segreto e aeriforme di leggende che riguardavano navi volanti, pirati dell’aria e continenti che vanno al largo della volta celeste insieme alle nubi. Il signor Lemuel Gulliver, protagonista de “I viaggi di Gulliver” di Jonathan Swift, s’imbatté per caso proprio in uno di questi continenti erranti nel cielo, un’isola, per la verità, di nome Laputa, manovrata meccanicamente dai suoi abitanti scienziati attraverso un magnete, che agiva sulla base di adamante dell’isola, e dotata di tutta la tecnologia e l’equipaggiamento bellico più avveniristico che si potesse immaginare. Dopo il signor Gulliver, toccò ad Hayao Miyazaki, uno dei fondatori dello Studio Ghibli e uno dei più grandi registi d’animazione di tutti i tempi, approdare sull’isola volante. E fu un viaggio fortunato, perché, illuminato dal successo di una serie come Conan, il ragazzo del futuro (1978) e di una pellicola come Nausicaa nella valle del vento (1985). Il viaggio verso Laputa fu il primo in assoluto marcato Studio Ghibli e data 1986, anche se la trama di Laputa – Il castello nel cielo inizia molti anni prima o molti anni più tardi, sospesa in un universo steampunk che è un po’ futuro tecnologico e un po’ XIX secolo.

In un mondo dove imperversano i pirati del cielo, che si fanno la guerra fra loro usando delle aeronavi degne di Jules Verne e del suo “Robur il Conquistatore“, una ragazzina solitaria di nome Sheeta viene inseguita da criminali di ogni tipo, che si vogliono impossessare di una strana pietra che porta al collo e che diffonde una luce sinistra intorno a sé (e vi riecheggerà nella mente anche qualcosa della serie anime Il mistero della pietra azzurra, che s’ispira sempre ai romanzi di Verne). Mentre cerca la salvezza, fuggendo dal finestrino dell’aeronave, precipita e cade addosso a Pazu, un giovane minatore di buon cuore, che vaga sui tetti e parla con i colombi e che racconta a Sheeta la leggenda di un’isola errante nel cielo di nome Laputa, i cui abitanti pare che si siano estinti per un cattivo uso delle armi. Insieme a Pazu, Sheeta si sente talmente sicura e protetta da rivelargli il segreto del suo nome completo (Lusheeta Toel Ul Laputa) e le strofe di una vecchia ninna nanna che si tramanda nella sua famiglia (“Mettendo radici nel suolo, viviamo insieme col vento! | Si passi l’inverno insieme coi semi! | Cantiamo la primavera insieme con gli uccelli!“). Tuttavia, solo il vecchio minatore Nonno Pom è in grado di rivelarle qualcosa riguardo alla pietra che porta e al motivo per cui tutti la vogliono: “In quella pietra vi è un forte potere. Avendo vissuto in compagnia delle sole pietre io posso ben capirlo, però… Sappi che le pietre in cui vi è potere, così come possono rendere felici le persone, possono pure richiamare la disgrazia. Per di più quella pietra è creata da mani umane, il che… mi dà da pensare“.

I pirati sono solo l’ultimo dei problemi di Sheeta. Il vero inseguitore, infatti, si rivela essere ben presto il colonnello Muska, un tizio alto e biondo come un vichingo, ma con gli occhialini del Dottor Stranamore di Kubrick e la follia insita di un Hitler. Muska, che ha asservito ai suoi ordini esercito e tutte le istituzioni, rivela a Sheeta la grandezza nascosta dietro la pietra, che non è altro che un residuo della grandezza di Laputa e serve ad annullare la forza di gravità e a risvegliare la potenza tecnologica e bellica dell’isola nel cielo, rappresentata da enormi automi militari in grado di svolgere le guerre a distanza e di devastare ogni cosa. Sheeta, a questo punto, scopre di essere l’erede della grandezza di Laputa e recupera i vecchi ricordi insegnati dalla nonna e che nascondevano nelle parole magiche di qualche filastrocca dei veri e propri comandi per dispiegare la forza di Laputa. Scopre, col tempo, anche la potenza distruttiva sia della pietra, sia delle parole magiche, che, infine, della tecnologia stessa di Laputa, che l’ha portata alla rovina e alla morte, già per il fatto di avere avuto la presunzione di fondare le proprie radici nelle nuvole. “Adesso, perché Laputa si sia estinta io lo capisco bene. (…) Per quanto terrificanti siano le armi di cui si dispone, per quanto numerosi siano i poveri robot che si manovrano, vivere distaccati dal suolo non è possibile!“.

La fuga dei ragazzi dall’esercito e dal colonnello Muska diventa rocambolesca e affannata e passa dalle viscere della terra, dove si trova la miniera presso cui lavora Pazu, alle nubi del cielo, dove hanno sede le aeromobili dei pirati che perseguitano Sheeta e l’esercito di Muska. Però, grazie alla nave pirata di Dola, un’arzilla piratessa non più giovane che tiranneggia i suoi figli adulti come unico equipaggio della propria nave, Sheeta e Pazu riescono a fuggire periodicamente da Muska, ostacolandolo nella realizzazione dei suoi progetti e, quindi, nello svolgimento di una “guerra totale” e nel tentativo di risvegliare sull’isola volante una potente arma di distruzione di massa che lo avrebbe reso padrone di tutto il pianeta, massacrando gran parte del genere umano. Solo che fuggire non è sufficiente, quando si incontra una simile e malevola depravazione e, ad un certo punto, Sheeta è costretta a fermarsi, a recuperare la memoria atavica dei suoi avi e i segreti del potenziale distruttivo di Laputa e ad affrontare direttamente Muska e, con lui, tutti coloro che corrono verso la distruzione e che hanno elevato la guerra a proprio idolo (“Vi farò vedere… la folgore di Laputa! […] Nell’Antico Testamento è il celeste fuoco che devastò Sodoma e Gomorra, mentre nel Rāmāyaṇa lo si tramanda come la freccia di Indra: il mondo intero verrà nuovamente a prostrarsi ai piedi di Laputa“).

Laputa – Il castello nel cielo (天空の城ラピュタ Tenkū no shiro Rapyuta) non è solo il primo film anime dello Studio Ghibli, ma è anche il primo manifesto di quelli che sono i temi cari ad Hayao Miyazaki e che è possibile trovare un po’ in tutti i suoi film: l’antimilitarismo, il pacifismo e il rifiuto della guerra da parte di una generazione che ha conosciuto la distruzione del conflitto mondiale e le sue conseguenze (tema che raggiungerà le sue vette estreme in Si Alza il Vento); l’accettazione della sconfitta in grado di costruire un’autocritica di se stessi per migliorarsi; l’importanza della preservazione dell’ambiente e il contatto uomo-natura (che diventerà tematica centrale in Principessa Mononoke e in Ponyo sulla scogliera); il tentativo di riportare la tecnologia alla sua purezza originaria per cui deve segnare un progresso del genere umano e non la sua distruzione (emblematico lo scambio di fiori tra Sheeta e il gigantesco automa di Laputa, che fa rivivere la scena di “Frankenstein” di Mary Shelley); la contrarietà nei confronti delle istituzioni corrotte ed erose di potere e l’aspirazione a costruire un mondo nuovo a partire dall’umanità stessa (tematica ripresa in Porco Rosso); la crescita e la formazione attraverso l’amicizia (come in Kiki – Consegne a Domicilio e in Il mio vicino Totoro). Il castello nel cielo, inoltre, costruisce, per la prima volta in un film anime giapponese, un grande personaggio femminile, riprendendo parzialmente la determinazione della giovane Nausicaa, protagonista del precedente film d’animazione Nausicaa nella valle del vento, ma liberandolo da alcune caratteristiche stereotipate e rendendolo indipendente e unico a partire anche dal vasto spettro emotivo dei suoi sentimenti. Tutto ciò, nel non troppo lontano 1986, cominciò a sovvertire la cultura maschilista nipponica e a creare la galleria di grandi personaggi femminili che caratterizzano, solitamente, i lavori di Hayao Miyazaki, anche perché, per dirla con la piratessa Dola, “L’audacia è femmina“.

Ultima postilla sulla colonna sonora composta dal celebre musicista giapponese Joe Hisaishi, che fu, in ordine cronologico, la seconda collaborazione con Hayao Miyazaki e la prima con lo Studio Ghibli e che segnò un sodalizio tuttora vivo e presente (Hisaishi ha composto anche la colonna sonora dell’ultimo segreto film di Miyazaki, ma questa è un’altra storia, che speriamo segnerà l’inizio di tante altre storie).

Consigliato: a tutti gli amanti dello Studio Ghibli e agli amanti degli anime, perché è una pietra miliare della storia dell’animazione, considerata all’epoca il terzo miglior film d’animazione dopo Neon Genesis Evangelion e Nausicaa nella valle del vento; a tutti coloro che amano la narrativa fantastica e di fantascienza e divoravano da bambini i romanzi d’avventura di Jules Verne (e forse li divorano ancora); a chi crede che valga sempre la pena vedere un inno contro la guerra.

Captain-in-Freckles

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