C’è posta per te: Una Valle di Lacrime Special Edition!

Torna la rubrica “No Maria, io esco!”, questa volta incentrata sui migliori drama che sono riusciti nell’impresa di lasciare un segno indelebile dentro di noi, toccando le corde della nostra anima e facendoci finire in una valle di lacrime. Vi proponiamo quei drama da vedere con le istruzioni per la visione -ossia con la scorta di fazzoletti a portata di mano- scelti dalle amministratrici tra quelli recensiti da loro e che, a distanza di tempo, ancora sono in grado di emozionarci al solo ricordo per le tematiche affrontate.

Lor schiera ThirtyNine e Tomorrow… una nuova occasione per vivere

Non è stato facile scegliere i due drama dalla “lacrima sicura”. Partiamo dalla premessa che ci sono serie che entrano nel cuore in punta di piedi, piano piano, altre che ti travolgono fin dai primi secondi come un uragano. E c’è una cosa che accomuna questi due tipi di storie: entrambe riescono a commuoverci al punto che neanche Maria de Filippi riuscirebbe a resistere.

Il primo drama, forse quello che più mi ha scosso negli ultimi anni, è sicuramente Thirty-nine. Una storia delicata, dove fin dal primo episodio scopriamo che una delle protagoniste non arriverà alla fine e iniziamo a singhiozzare perché -volenti o nolenti- tutti noi ci siamo trovati ad un certo punto della vita in una situazione simile, con un familiare, un amico/a, costretto a lottare contro una malattia devastante, non sapendo come poterci muovere né come poterli aiutare. In questo caso, l’amica scopre durante il check-up annuale di esser malata di cancro al pancreas, già allo stadio terminale, e non vuole neanche provare alcuna terapia; la ragazza decide, infatti, di passare le ultime settimane che le restano a lasciare la sua impronta nel mondo, un bel ricordo di sè, realizzando i sogni delle sue amiche ma anche i propri. Questa è la parte che mi ha stesa, letteralmente. È inevitabile, ad un certo punto della propria vita, fare i conti con se stessi, confrontarci con ciò che sognavamo e quello che siamo diventati. E se alcuni di quei sogni sono impossibili (sì, sposare Babbo Natale è impossibile, sposare un IDOL ci si può sempre provare cit. Una delulu qualunque di nome Lor), altri possono invece trasformarsi da sassolini in pietre miliari, in piccole soddisfazioni che vanno a colmare i vuoti creati dalle nostre paure ed insicurezze che non ci hanno permesso di insistere a suo tempo nel provare a realizzarli (come cercare la madre naturale di una delle protagoniste o partecipare ad un’audizione come l’amica). Sappiamo tutti che la vita ha una durata limitata ma è solo quando ci ritroviamo in queste situazioni che prendiamo consapevolezza della sua fragilità, dello scandire del tempo e di quella data di scadenza a noi sconosciuta ma che c’è e bisogna prenderne atto. E allora forse è il caso di iniziare prima a realizzare quei piccoli sogni per cui vale la pena di lottare, anche solo per poter dire a noi stessi di aver provato e non avere rimpianti.

Più o meno sulla stessa lunghezza d’onda, con una tematica simile, si piazza Tomorrow, il drama che non mi aspettavo avesse una tale portata emotiva. Non c’è un singolo episodio nel quale non si può fare a meno di empatizzare con i protagonisti di turno, pronti a farla finita, che vengono salvati dal miglior team di Grim Reapers Anti-suicidio mai visto prima. È facile ritrovarsi nelle loro storie, commuoversi davanti all’episodio del cagnolino malato che vuole farla finita e per non far soffrire il suo “padrone” scappa di casa; o della storia delle “donne di conforto”; o, ancora quando trattano il tema della violenza sessuale che uccide la vittima lentamente, a più riprese, all’atto fisico e quando si arriva al processo con la stampa e l’opinione pubblica pronta a scagliarsi -la maggior parte delle volte- contro la vittima e non il carnefice.

Sono tematiche importanti, sempre attuali e familiari. Per questo vanno affrontate con il giusto spirito, prendendo consapevolezza che ci stanno dando la lezione più importante di tutte: la vita è una, va vissuta fino in fondo ma soprattutto non dobbiamo mai arrenderci con noi stessi e darci una nuova possibilità di esser felici e ricominciare a vivere. Questi sono i drama che più mi hanno fatto piangere, ho cercato di farmi la pelle dura nel frattempo ma non garantisco di non trovarne altri di questo genere in futuro! Siete avvisati….preparate un vagone di fazzoletti se volete guardarli!

Memoru Grace sceglie Just Between Lovers e Navillera… l’importanza dei ricordi

Entrambi questi drama hanno in comune una tematica a me molto cara, i ricordi. In entrambi i drama i protagonisti non sono dei vincenti, lottano, non si arrendono, vanno avanti attraverso sofferenze e quasi si annullano in quel dolore, in quel grido disperato di vita, perché hanno scontato la loro esistenza sopravvivendo al crollo di un centro commerciale, all’angoscia e al senso di colpa per essere sopravvissuti come in Just Between Lovers o alla vita in punta di piedi di un mite postino ormai in pensione che nutriva fin da piccolo il sogno della danza e che tanto la sua vita è stata ordinaria e monotona che adesso vuole cogliere ogni istante di lucidità e accelerare il ritmo per assaporare quel sogno accantonato in un cantuccio prima che l’oblio possa cancellare ogni memoria e inghiottire ogni ricordo, così uno dei due protagonisti di Navillera, dopo aver appreso di essere affetto da Alzheimer.

In Just Between Lovers, percorriamo un vero e proprio viaggio nelle anime di due ragazzi, Lee Kang-doo e Ha Moon-soo, sopravvissuti dodici anni prima al crollo di un centro commerciale in cui hanno perso rispettivamente il padre e la sorellina. Ha Moon-soo ha quasi voluto sotterrare i momenti più angoscianti del ricordo, mentre per Lee Kang-doo il ricordo è un incubo ricorrente, una ferita che sanguina e che ogni giorno gli rammenta che è vivo fisicamente, ma emotivamente qualcosa lo strozza in ogni momento, lo priva di qualsiasi sorriso, lo carica di collera e di dolore. I due ragazzi si incontrano dodici anni dopo il drammatico avvenimento, Kang-doo riconosce la ragazza, ma Moon-so non riconosce lui, l’incontro tra i due, però, è salvifico, inizia per entrambi un percorso di guarigione interiore, alla scoperta delle proprie ferite mai curate e al conforto delle proprie anime così sofferenti, ma così pure e splendide.

In Navillera, il tratto distintivo della storia è quello di partire dai propri sogni, proprio quelli che durante la vita non si sono mai realizzati. Il protagonista, Shim Deok-chul, un postino andato in pensione, ha dedicato tutta la sua vita al lavoro e alla famiglia, ma ha da sempre nutrito il sogno di danzare e decide di iscriversi ad un corso di danza classica, prima che la malattia di cui è affetto lo avvolga nelle tenebre della dimenticanza. Lee Chae-rok è un giovane ragazzo che ha abbandonato il mondo del calcio per esercitarsi a migliorare la danza e diventare un professionista, la madre ex ballerina di danza classica è morta anni prima e il padre, con il quale non va d’accordo, sta per uscire da prigione, ma per Chae-rok esiste solo la solitudine e il lasciarsi vivere con addosso solo una coperta di amarezza. Le strade di Shim Deok-chul e di Lee Chae-rok sono destinate ad incrociarsi, a capire l’uno i sogni dell’altro, a trovare un amico, quasi un nipote per Deok-chul e una famiglia per Chae-rok. La dignità della vita, il coraggio dei sogni, il rispetto tra generazioni, l’importanza della memoria, tutto in questo drama fa commuovere.

Il valore dei ricordi accomuna entrambi i drama, rendendoli dei piccoli preziosi capolavori indimenticabili.

Captain-in-Freckles opta per Move to Heaven e The Good Bad Mother… saper perdonare se stessi

Nella realtà, esistono diversi motivi per cui, talvolta, mi fiondo a guardare horror e thriller o quei prodotti in stile Squid Game, per cui servono stomaco, fegato, cuore e quant’altro, ma che preservano i dotti lacrimali. Uno dei motivi validi è proprio il fatto che non si è costretti a cadere in quel dolce e melanconico torpore che sanno trasmettere alcuni drama, che non solo riescono a farti piangere nel finale, ma ti fanno singhiozzare di filato dal primo all’ultimo frammento, costruendo delle scene quasi mute, che ti stringono in una morsa l’animo. E, per me, su tutti, eccellono il breve e intenso Move to Heaven (che, se avesse avuto anche solo due episodi in più, non mi avrebbe più fatto risalire dalla sedia) e l’indiscusso capolavoro The Good Bad Mother. Entrambi, inoltre, hanno l’aggravante di essere muniti di cast perfetti e di attori straordinariamente bravi, ma, soprattutto, di essere capeggiati da due interpreti che riescono a commuovermi non appena entrano in scena: Ji Jin-hee, che interpreta il padre del ragazzo nello spettro autistico protagonista di Move to Heaven, un attore che, quando caratterizza l’uomo probo, onesto e con alti principi morali, guarda con due occhi nostalgici da suscitare tutte le lacrime di questo mondo; Ra Mi-ran, che interpreta la pessima madre ideale del protagonista Lee Do-hyun in The Good Bad Mother, una di quelle rare attrici che, come Anna Magnani, non interpretano, ma vivono una storia, con lo sguardo, i gesti, le mani, le rughe, ogni più piccolo e intenso movimento e che iniziano a farti piangere dal primissimo momento in cui puntano gli occhi sulla cinepresa.

Entrambi i drama si aprono già con un tratto in comune, che garantisce quelle lacrime da primo episodio, per cui lo spettatore rimane allibito e attonito, conscio che sarà un momento iniziale, un forte sprone emotivo per dar il via alla storia e non potrà essere sempre tutto così (sbagliando di grosso, perché le lacrime prodotte successivamente saranno più copiose e variegate). Il primo episodio di Move to Heaven presenta l’agenzia della pulizia del lutto gestita da Han Joeng-woo (Ji Jin-hee, appunto) e da suo figlio Han Geu-ru (Tang Jung-sang) con un tatto e un’empatia unica e straordinaria, tanto da avvicinare immediatamente lo spettatore ai sentimenti e alle emozioni provate dai personaggi (il lutto dei genitori sordomuti che hanno perso il figlio per un incidente sul lavoro); in modo quasi speculare, anche The Good Bad Mother si apre presentando l’impresa agricola familiare della “fattoria felice” gestita da Jin Young-soon (Ra Mi-ran) e da suo marito Choi Hae-sik (Cho Jin-woong), due agricoltori ignari delle disonestà del mondo e ricchi solo di piccoli sogni, come quello di far crescere una famiglia felice. In entrambi i casi, il primo episodio si chiude con un grosso dramma che ridetermina e ricostruisce la trama, destabilizzando lo spettatore: in Move to Heaven, Han Jeong-woo, già sofferente di cuore, muore per un infarto improvviso e lascia il figlio orfano ad occuparsi del lutto degli altri; in The Good Bad Mother, Choi Hae-sik, credendo nella bontà intrinseca di coloro che volevano togliergli il terreno della fattoria, va a discutere con loro e viene barbaramente ucciso (con simulazione di un suicidio), lasciando da sola la moglie agli ultimi mesi di gravidanza. Quella squadra quasi familiare che era stata presentata da subito si frange e si spezza, sola di fronte al mondo e alla tristezza. Ed è qui che entra in gioco il terzo giocatore, lo zio Cho Sang-gu (Lee Je-hoon) in Move to Heaven e il figlio Choi Kang-ho (Lee Do-hyun) in The Good Bad Mother, due attori di una bravura tale che porteranno via un pezzo di anima e a cui sarà devoluto il carico della risoluzione della trama e una parte fondamentale del messaggio che il drama vuole portare avanti. Perché il trauma iniziale è solo il primo pretesto per la trama e porta ad immergersi nella ricerca di se stessi, ma anche della propria autoassoluzione e del proprio posto nel mondo (in Move to Heaven) e della capacità di perdonare e di tornare ad emozionarsi (in The Good Bad Mother).

Saper perdonare se stessi è forse la cosa più difficile da fare per qualsiasi essere umano, abituato a vestire una maschera di imperturbabile immutabilità e a nascondere i propri sentimenti e forse anche la propria umanità: in Move to Heaven, Cho Sang-gu, ex pugile, reo di omicidio colposo durante un incontro di boxe, si è automunito della maschera della persona abituata alla durezza e all’asprezza della vita, che ha eliminato qualsiasi fragilità umana, ma, incontrando il nipote, che, chiuso nel suo Asperger, ha difficoltà ad esprimere le proprie emozioni e che lo porta a conoscere il ricordo postumo di una fratellanza mancata, inizia a frangersi, mostrando la sua umanità; in The Good Bad Mother, Jin Young-soon, vedova, madre, imprenditrice lasciata da sola ad affrontare tutte le avversità, si veste della maschera della madre-drago, inflessibile e inamovibile nella sua severità nei confronti di un figlio, che deve essere educato ad essere un vincente e a non farsi prevaricare da nessuno, ma, quando il figlio torna bambino, dopo l’incidente, va a confliggere contro la se stessa del passato, pentendosi di non aver mai saputo porgere il proprio amore e boccheggiando per aggrapparsi alla sua seconda possibilità.

Tutti abbiamo vissuto dei traumi e la vita non è mai rosea, ma un lungo chiaroscuro costellato di qualche solitaria luce, ma tutti abbiamo diritto a fermarci, ritirarci in noi stessi e ripartire, scoprendo la possibilità di diventare persone nuove, ritrovando in noi l’empatia verso gli altri e l’amore per il futuro. Perché essere felici è la risposta migliore nei confronti di qualsiasi bruttura possiamo incontrare e la felicità dipende dalla capacità di riuscire a considerarci come esseri umani e di saperci auto-perdonare e chiedere perdono a coloro a cui abbiamo fatto del male. E anche dalla capacità di saper piangere ed emozionarci senza problemi, senza la paura di essere considerati piccoli e fragili, ma consapevoli della grandezza delle nostre lacrime, che sanno dire “mi dispiace”, “scusami”, “ti voglio bene”, che sanno mostrare risate e malinconia e che parlano di noi stessi, senza aver bisogno di parole. Piangere fa bene: aiuta la vista, attenua le sensazioni di dolore, tranquillizza l’animo e dà modo di liberarci dai pesi della tristezza e della depressione, ma soprattutto aiuta ad essere noi stessi con tutta la nostra effimera eppure splendida umanità.

Lor & Memoru Grace & Captain-in-Freckles

Il castello invisibile

“Non me la sento di continuare a vivere, troppo faticoso decidere di morire, vorrei solo sparire”.

Kokoro ha tredici anni e da quando a scuola ha subito diversi atti di bullismo e di persecuzione ha deciso di trascorrere le giornate nella sua stanza, abbandonando la propria mente solo al brusio della televisione sempre accesa che possa coprire i rumori provenienti da fuori. Per Kokoro la decisione di fuggire la vita e la realtà fuori dalle pareti di casa è l’unica arma di difesa per rispondere al disagio e alla depressione. Scomparire da tutti e dal mondo!

Un giorno, però, una luce dentro lo specchio della propria camera da letto la rapisce e la trasporta in un castello abitato solo da una bambina con una maschera da lupo e da altri sei ragazzi che come lei sono stati rapiti dalle proprie stanze con la stessa modalità. Cosa accomuna questi sette ragazzi? Il voler sparire dal mondo, il soffocare i propri sogni, il coraggio di accettare se stessi.

Esiste per caso un manuale per vivere? No, ma la bambina propone loro un gioco che li aiuterà a scoprire il vero motivo che li ha portati fino a lì. Kokoro e gli altri sei ragazzi potranno accedere tramite lo specchio ogni volta che vorranno a tutte le stanze del castello e la loro missione sarà ritrovare una misteriosa chiave entro un tempo limite, chi la troverà potrà realizzare un desiderio, ma in quel caso tutto verrà cancellato dalla memoria di ognuno di loro. Unica regola da rispettare è il non rimanere all’interno del castello oltre le cinque del pomeriggio, chiunque trasgredirà questa regola sarà divorato da un lupo, come punizione.

“Il castello invisibile” (Lonely Castle in the Mirror, in originale かがみの孤城 Kagami no Kojō, ovvero Il castello solitario di Kagami) è una storia di crescita e di formazione, ma è anche una forte critica sociale nei confronti di un determinato stile di vita, di una società che fa finta di non capire i disagi e le insicurezze degli adolescenti e degli eventuali e sfortunati risvolti che possono crearsi nella loro vita. Non è una storia semplice, anche perché l’apparenza da fiaba sconfina immediatamente nell’inconscio e nella psicoanalisi e scava dei tunnel nel profondo dello spettatore. Per questo motivo, al termine della visione al cinema (evento speciale di settembre nelle sale italiane), abbiamo voluto mettere su carta le nostre impressioni e le nostre emozioni post-visione.

Che sensazione ti ha trasmesso questo film?

MEMORU GRACE

Ho provato la sensazione di trovarmi di fronte ad un messaggio forte e universale, non solo per le nuove generazioni, ma anche per chi ha passato l’età dell’adolescenza in un momento della propria vita che è ancora sospeso nel tempo a causa di un ricordo traumatico o di una tristezza ricorrente (e non per niente la storia parla anche di archi temporali). Chiunque si sia sentito solo e incompreso nel passato o si senta indifeso in questo momento, nel presente, riesce a comprendere perfettamente la storia di questo anime che è come una carezza consolatoria, quella carezza che serve a tirarsi su, non restare ancorato ad un ricordo doloroso passato o ad una ingiustizia presente perché si lotta quotidianamente per cogliere la consapevolezza di essere importanti prima di tutto per se stessi e non di farsi annullare dall’arroganza altrui. Il messaggio della storia è quello di aiutare a trovare se stessi e solo una fiaba con i propri archetipi è capace di rivelare tutto ciò, perché la fiaba parla a tutti senza barriere o limiti temporali, usando un linguaggio universale che non è la parola, ma è la percezione e per me “Il Castello Invisibile” ha colto pienamente questo dono.

CAPTAIN-IN-FRECKLES

“L’Altrove è uno specchio in negativo.  Il viaggiatore riconosce il poco che è suo, scoprendo il molto che non ha avuto e non avrà“. (Italo Calvino) Guardando questo film anime, mi è venuta in mente questa frase de La città invisibile di Calvino, un Altrove non ben definito, speculare, negativamente parlando, della situazione nota, eppure agognato come viaggio estremo al di fuori della nostra vita, ma dentro noi stessi. Si tratta di un Altrove straniante e confortante al tempo stesso, quello che si concretizza quando si vuole sparire e si tenta di perdersi in un luogo che non esiste, perlomeno non fisicamente, ma che ci protegge dalle intemperie esterne: è un viaggio mentale e psicologico, più che fisico, un tentativo di perdersi in se stessi per riconciliarsi con il proprio passato e superare i propri dolori. Non esistono né il tempo, né lo spazio, né limitazioni, se non poche semplici regole, che prevedono punizioni estreme e crudeli, perché trasgredirle sarebbe come violare il legame più autentico che si ha con se stessi. Anch’io, come i personaggi del film anime, ho provato la medesima sensazione di perdermi nell’Altrove dell’inconscio per ritrovare me stessa.

L’elemento o l’emozione ricorrente nel film?

MEMORU GRACE

Gli elementi ricorrenti nella storia sono molti a partire soprattutto dai ragazzi protagonisti, tutti hanno un problema di socialità e di accettazione provocato da disagio, da bullismo, da abusi, da lutti familiari o da confusione mentale per i cambi repentini che la società richiede ogni giorno. La tematica della salute mentale è uno degli argomenti più importanti di questo anime e viene affrontato con una delicatezza e sensibilità rare che ho apprezzato moltissimo, in molti frangenti anche le situazioni più violente e gravi sono state presentate con l’occhio attento della fiaba, senza provocare fragore o incisività visiva, ma creando un tempo sospeso in cui incapsulare la situazione dolorosa, comprenderla e superarla. Elementi emblematici che appartengono alla dimensione onirica e della fiaba sono la presenza della bambina lupo che mostra ai ragazzi i pericoli in cui possono incorrere nel caso non dovessero attenersi alle regole del castello, fa da tramite tra la realtà e il mondo parallelo, ammonisce e cerca di capire i comportamenti dei protagonisti, altro elemento simbolico è il passaggio dalla realtà quotidiana a quella parallela rappresentato dall’attraversamento dello specchio, altro archetipo così come altri elementi tipici della fiaba, in particolar modo “Il lupo e i sette agnelli” e la ricerca della chiave come soluzione a tutto. Emozione ricorrente è la forza rappresentata dall’amicizia che si instaura tra i sette ragazzi che si ritrovano per caso, si conoscono, si comprendono e si supportano, un’affinità tra anime soffocate dal dolore e dalla solitudine.

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Guardare questo film è catartico, come immergersi in una fiaba. Sono presenti, infatti, tutti gli elementi tipici di una fiaba (o, meglio, di più fiabe combinate insieme), archetipi dell’inconscio e della formazione psicologica, a cominciare dalla ragazza con la maschera di lupo che accoglie i protagonisti nel castello invisibile e che detta loro le condizioni e le regole per la loro permanenza, tipico narratore onniscente e magico delle fiabe, di cui è difficile capire immediatamente le finalità buone o malvage e che, al tempo stesso, rappresenta la chiave di tutto. I protagonisti stessi sono definiti “cappuccetti rossi” dalla fanciulla-lupo, ma, in realtà, vivono delle caratteristiche di altri personaggi da fiaba (in particolare, “Il lupo e i sette agnelli”, ma anche “Attraverso lo specchio e quello che Alice vi trovo”, seguito di “Alice nel paese delle meraviglie”) e compiono un viaggio di trasformazione e di formazione in se stessi, perché lo specchio non fa altro che catapultare in un’altra dimensione che è parte di sé. Altri elementi fabulistici e simbolici, come il viaggio stesso, la ricerca di qualcosa quasi da caccia al tesoro, i segni da decifrare, la chiave come elemento magico che apre il proprio intimo, il sogno nella sua dimensione più sospesa e più distante dalla realtà, per non esserne pregiudicato, etc… contribuiscono a costruire un’emozione ricorrente in cui non si trovano immersi solo i protagonisti, ma anche lo spettatore. Si sta bene all’interno del castello: le sue mura sono così confortevoli che nessuno ne vorrebbe uscire, tanto da ignorare la presenza della chiave magica e da superare insieme la solitudine.

Personaggi

MEMORU GRACE

La protagonista si chiama Kokoro che significa “cuore”, ma anche “mente”, “sentimenti”, a lei è affidata la visione globale della storia, raccoglie le emozioni di tutti, è lei la vera e propria chiave del castello. I suoi sei compagni di avventura rappresentano diverse tematiche che la storia vuole affrontare con sensibilità e tatto. La bambina custode del castello che indossa una maschera da lupo rappresenta la regista della dimensione fantastica dove i ragazzi fuggono per non pensare alla loro realtà, ma è l’unico contatto che collega le loro vite tra i due mondi. Il legame che va ad instaurarsi tra i ragazzi consolida la loro amicizia e il comunicarsi le loro esperienze non fa altro che rafforzare ogni scudo per affrontare il mondo fuori da casa e riuscire ad imporre se stessi nella società. Infine, va ricordata la funzione del castello invisibile, solitario, che raccoglie le emozioni non ascoltate da nessuno, luogo di conforto, ma anche di esercizio per affrontare le proprie paure e carezza per la propria anima. Un castello per liberare se stessi.

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Tutti i personaggi sono accumunati da un elemento che qualifica e descrive la propria vita sociale o, meglio, l’incapacità di averne una, perché, pur in momenti, luoghi e tempi diversi, costretti a sopportare i soprusi e gli abusi che si accompagnano alla crescita (dall’incomprensione della società che li circonda, alla violenza familiare e scolastica, fino alla piaga sociale del bullismo tra i coetanei e all’isolamento volontario, quasi muto dalla vita). Ho letto che, secondo una certa critica, i personaggi sarebbero tutti degli hikikomori, un termine che, per la verità, ha assunto spesso accezioni negative nella cultura giapponese e che indica persone che si vogliono autoescludere dal mondo e dalla realtà. Non sono del tutto d’accordo con questa definizione per il film perché, anche se ognuno cerca di sparire dal mondo, tutti sono accumunati anche da un sogno, che credono di poter realizzare per vivere (il ritrovamento della chiave che dà diritto ad esaudire un desiderio, ma che cancella anche la memoria del tempo trascorso in sospeso tra sogno e realtà).

Formazione, magia o ricordo?

MEMORU GRACE

Un perfetto equilibrio tra realtà e fiaba, per capire la realtà bisogna prima immergersi nella fiaba, superare gli ostacoli e riportare quella forza e coraggio acquisiti nella nostra realtà quotidiana, solo così possiamo vincere le paure, i timori e l’ansia del futuro e dell’ignoto. Si tratta di una storia di formazione che riesce a condividere tutti i canoni più preziosi e importanti delle fiabe, dei racconti realistici e intimisti con un apprezzabile potere catartico che coinvolge ogni persona sensibile che si avvicina alla narrazione di questo anime. Il castello simboleggia il luogo dove sparire, fuggire dalla realtà e dai problemi quotidiani, ma poi diventa il posto del cuore, dove trovare supporto, sicurezza e dove potersi appoggiarsi l’un l’altro. “Il castello invisibile” è una riflessione sull’adolescenza, ma anche sulla vita.

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Si tratta di un equilibrio che non si sgretola, ma che, anzi, è costruito con finezza e sensibilità, in perfetta armonia tra le varie anime sofferenti che trovano rifugio in questa dimensione sospesa. Ci si forma, si riesce ad esternare i propri traumi e le proprie paure, si prova a superare insieme i timori (quel “domani vado a scuola, venite anche voi, così so di non essere più solo” è emblematico). Si guarda il futuro con incertezza e quasi terrore perché il presente offre solo miseria, tanto che ci si vorrebbe nascondere, eppure si trova la propria forza nella costanza del ricordo passato, che diventa quasi una luce per andare avanti. “Il castello invisibile” è una visione che rimane nell’animo e scava nel profondo, consci forse del fatto di esserci sperduti tutti, per qualche momento della nostra vita, nel nostro castello e di esserne riemersi consapevoli di noi stessi.

“Il Castello invisibile” è un film anime diretto da Keiichi Hara (Colorful, Miss Hokusai) e ispirato al romanzo omonimo di Mizuki Tsujimura, classe 1980, una che prima ancora di scrittrice si autodefinisce “lettrice appassionata” sin dall’infanzia e che per questo romanzo ha vinto numerosi riconoscimenti, tra cui il Japan Booksellers’ Award per le copie vendute. “Leggere è essere trasportati in un mondo diverso. Il castello nel mio romanzo è una metafora di questo: entrarci equivale ad aprire le pagine di un libro, perdercisi dentro e uscirne trasformati”. Queste sono le parole di presentazione di Mizuki Tsujimura e con le sue parole riassumiamo la tematica della trasformazione e della crescita che questa storia ci lascia con delle immagini e delle scene meravigliose e una morale che resta nel cuore dello spettatore. La colonna sonora è affidata alla compositrice Harumi Fuuki, ma è da segnalare anche la bellissima canzone merry-go-round di Yuuri, che accompagna i titoli di coda. E, come tale, vogliamo immergervi nella magia della musica di questo anime.

Come suona la nostra recensione?

Memoru Grace & Captain-in-Freckles

My Mister

Sulla città sta calando il buio della sera.

Per le strade di un quartiere di periferia, là dove la luce flebile dei lampioni evidenzia appena le ombre dei passanti, un uomo sta tornando a casa, o ovunque possa dimenticare la giornata appena trascorsa. Indossa un cappotto a tre quarti e una borsa a tracolla dalla quale non si separa mai; la sua schiena è curva, la testa china; è un uomo buono, uno che non tradirebbe mai la fiducia di nessuno, è solido, leale, onesto, eppure sorride raramente, trascinandosi dietro una vita irrisolta.

E mentre cammina piano, perso nella sua tristezza, non si accorge che una giovanissima donna, resa impavida dalla disperazione, lo segue nel buio, ascoltando ogni sua parola, ogni suo respiro: ha due grandi occhi, bocca tumefatta e cuffiette nelle orecchie. Pagata da qualcuno per incastralo, ha inserito una microspia nel suo cellulare alla ricerca di frasi compromettenti, ma mentre lo ascolta, si fa cullare da quella voce calda e buona, da quei sospiri infelici e da certi silenzi dolorosi e significativi, come una rassicurante ninna nanna. Imparerà ad amarlo.

L’uomo e la ragazza lavorano nella stessa azienda, abitano nello stesso quartiere, prendono la metropolitana negli stessi orari, ma la distanza tra i due è siderale. Park Dong-hoon è un ingegnere edile, vessato dai suoi superiori e amato dai suoi sottoposti, infelicemente sposato, ben oltre i quarant’anni; Lee Ji-an è una stagista di vent’anni (o di trentamila anni?), provata dall’indigenza e dai soprusi, ostile, taciturna, tenuta a distanza da tutti. Un animaletto feroce e impaurito, silenziosa e accorta come un felino.

Quando qualcuno ai vertici dell’azienda vorrebbe sbarazzarsi di Park Dong-hoon e gli fa recapitare una busta piena di denaro affinché possa essere licenziato, Lee Ji-an compie un’azione che cambierà il corso degli eventi e, nel bene e nel male, per soldi e per amore, diventerà la sua ombra.

Dapprima sarà la pietà reciproca ad avvicinarli, il senso di protezione da parte di lui (“È la bambina più pietosa al mondo“, dirà) e lo stupore ritroso di lei di fronte a tanta onestà, poi una tenerezza senza nome, quella che lambisce i confini dei diversi tipi di amore, ma che Amore rimane: profondo, non detto, trattenuto, doloroso. Nel dono di sé e nel coraggio di rischiare per l’altro, i due mondi distanti anni luce si toccheranno quel tanto da trasformare l’esistenza dell’uno e dell’altra in una vita degna di chiamarsi tale.

Sullo sfondo, nitidi e ben scolpiti, i fratelli di Park Dong-hoon, litigiosi e umiliati dalla vita, legati l’un l’altro da un affetto che è quasi animale, nati e cresciuti in una periferia urbana che ha il sapore di un villaggio di campagna, in cui tutti si conoscono, si proteggono e bevono insieme finché la tristezza e la stanchezza non siano passate; inoltre, una moglie bellissima con il cuore altrove, una vecchia madre energica ma stanca, una fidanzata abbandonata per un diverso tipo di amore e un’altra che invece vorrebbe riscattarsi e riscattare il suo amore, saranno le voci femminili di un drama corale, in cui è fondamentale la solidarietà reciproca e il senso di appartenenza.

Un pensiero speciale alla nonna di lei. Una vecchina piccola come una foglia, che non può parlare, né sentire, né camminare, pur continuando a sorridere nonostante una vita ai confini di tutto, perfino della dignità. Indimenticabile quando, avvolta in una coperta e rannicchiata nel carrello del supermercato, osserva con occhi grati e tristi una luna troppo grande, nella quale vorrebbe definitivamente perdersi; poetica, quando chiede a Ji-an “I fiori quando cadono che rumore fanno?”

Infine il cattivo Kwang-il, lo strozzino crudele e violento, che picchia i deboli e perseguita Ji-an. Occhi sbarrati, naso affilato e pugni chiusi, avrà un cedimento di fronte al Bene che lo incalza da vicino? Vedete My Mister e lo scoprirete.

Lee Sun kyun (Pasta, Coffe Prince, Parasite, L’alba della vendetta, Dr.Brain, ecc.), attore di pregio, vincitore di molti premi nazionali e internazionali, commuove ed emoziona sempre: quando contrae le mascelle per nascondere quello che prova, quando china la testa umiliato, quando tende la mano, quando vorrebbe ma non può, quando finalmente sorride, quando finalmente piange. Un monumento di imperfezione e di umanità, un gigante di bravura. Bravissimo in quel suo essere dolce e fermo, appassionato e trattenuto, figlio, fratello, padre, amico, uomo.

IU (Moon Lovers, Persona, Hotel del Luna, Le Buone Stelle – Broker, Dream), cantautrice e attrice di rara sensibilità, dà i brividi solo sgranando i suoi grandi occhi nel buio o muovendo appena quelle labbra da bambina. Delicata e crudele, convince con la forza della disperazione nei gesti e negli sguardi, rendendo l’aria intorno rarefatta. Ma quando finalmente sorride, tutto cambia.

Voto: 10 e lode.

Barbara (Fatina Nera di @attraversamentofatine)

Yu Gwan-sun e le altre: le donne che hanno lottato per l’indipendenza coreana

“Today, when the world claims peace (…), we must live under the rule of law, but we must live without fear and fear for our own children. It is our duty to become an active new nation under the rule of independence and to follow these teachers in the basement of Gucheon without any difficulties. With tears rising from the soy sauce and hard work coming from the music, we will lie down on our beloved fellow Koreans! Do not let the time be too early to do anything; let the work run fast.” (Dichiarazione d’Indipendenza delle donne di Corea)

La storia della Corea è costellata di donne determinate, ostinate e coraggiose, che, malgrado una società arcaica e periodi storici brutali, si sono attivate per il proprio popolo e per l’indipendenza del proprio Stato. Il loro ruolo ha assunto dimensioni sempre più grandi durante l’invasione giapponese della penisola coreana, che determinò la fine del regno di Joseon (1905) e la riduzione della Corea a colonia dell’impero giapponese (1910-1945).

Tra di esse, spicca Yu Gwan-sun (o Ryu Gwan-sun, in hangul 유관순, in hanja 柳寬順), a tutti gli effetti considerata la “madre” dell’indipendenza coreana, colei che scrisse e diffuse la Dichiarazione d’indipendenza delle donne di Corea e che è rimasta nei cuori della popolazione per la sua determinazione, la sua saggezza e il suo coraggio. Una Giovanna d’Arco di Corea, come lei stessa soleva definirsi, aspirando a quel ruolo di liberatrice dalla schiavitù del proprio popolo (“I will be a woman who saves the worls like Jeanne D’Arc. Wouldn’t it be possible for anyone if people put their efforts? Also, I will be a kind-hearted woman like Nightingale”). Yu Gwan-sun, del clan Ryu di Goheung, nacque nel 1902 a Cheonan in una famiglia cristiana protestante colta e benestante e fu abituata sin da piccola alla lettura e alla scrittura sia dei testi sacri (conosceva a memoria interi passaggi della Bibbia), sia di testi politici e filosofici, influenzati dalle idee liberali europee. Ragazza particolarmente intelligente e brillante, più avanti dei suoi coetanei, fu mandata a studiare a Seoul alla Ewha High School, prima, e alla Ewha Women’s University, poi, due istituti di eccellenza nell’istruzione e nella formazione delle giovani donne. Fu proprio durante gli anni del liceo e dell’università che venne in contatto con gli intellettuali coreani dell’epoca e con le idee indipendentiste contro l’egemonia giapponese. Aveva solo 17 anni, quando si unì al Movimento per l’Indipendenza del Primo Marzo e convinse la compagne di scuola a marciare per le strade di Seoul in protesta contro il governo coloniale giapponese e fu arrestata per la prima volta. Liberata grazie all’intervento dei missionari della sua chiesa e della sua scuola e spedita a casa, anche per la chiusura forzata da parte delle autorità giapponesi di tutte le scuole che avevano aderito alla protesta, Yu Gwan-su riorganizzò nuovamente le forze, contando su diversi contatti che aveva ormai conosciuto all’interno dei movimenti indipendentisti coreani e coinvolgendo anche la propria famiglia nella medesima battaglia. Quello stesso anno organizzò una protesta di oltre 3000 persone, che scesero in piazza cantando “Lunga vita all’indipendenza coreana!” (“대한독립만세”) e portò ovunque il verbo dell’indipendenza e della libertà con una vera e propria campagna porta a porta. Per questo motivo, fu arrestata nuovamente dalle autorità militari giapponesi, che la minacciarono sotto tortura e le offrirono una pena lieve se avesse collaborato contro i compagni di indipendenza. Yu Gwan-sun sopportò le torture e rifiutò la collaborazione: andò al processo da sola, sostenendo l’ingiustizia di essere giudicata da un tribunale giapponese sulla base di norme applicabili solo in Giappone e non in Corea, e venne condannata per sedizione e violazione delle norme sulla sicurezza a cinque anni di prigione, da scontare tra la prigione militare di Cheonan e quella di Gongju. Tuttavia, anche dalla prigione, Yu Gwan-su riuscì a riorganizzare le forza, divenendo, a tutti gli effetti, l’ispiratrice della ribellione pro indipendenza, anche grazie al suo esempio e alla sua fermezza. Spostata più volte in isolamento, separata dagli altri prigionieri politici, a causa del suo coinvolgente carisma, e vessata sempre di torture e maltrattamenti, si spense per le privazioni fisiche il 28 novembre 1920. Doveva ancora compiere 18 anni.

“Even if my fingernails are torn out, my nose and ears are ripped apart, and my legs and arms are crushed, this physical pain does not compare to the pain of losing my nation. […] My only remorse is not being able to do more than dedicating my life to my country. […] Japan will fail”.

Yu Gwan-sun fu la prima donna ad aprire la frontiera dell’attivismo politico delle donne coreane. Il suo esempio fu seguito da tante altre donne che lottarono contro l’occupazione imperialista giapponese fino al 1945 e di cui parleremo prossimamente. Solo alcuni nomi, che meriterebbero una trattazione a sé: Kim Maria, Yoo Hae-soon, Kwon Ki-ok, Choe Eun-hui, oltre che la lega delle gisaeng che sostennero, economicamente e politicamente, gli indipendentisti coreani. Se vi aggrada, vi daremo appuntamento per le prossime volte.

Captain-inFreckles

I romanzi dello Studio Ghibli – StrangerBookClub

Spesso i grandi capolavori dello Studio Ghibli hanno preso ispirazione da romanzi più o meno conosciuti o che abbiamo imparato a conoscere grazie ai film.

Kiki – consegne a domicilio, ad esempio, è ispirato al romanzo “Majo no takkyūbin – Le consegne espresse della strega” (魔女の宅急便 ) della scrittrice giapponese Eiko Kadono che nel 2018 ha vinto il premio Hans Christian Andersen coronando la sua carriera di scrittrice di romanzi di infanzia iniziata molto tempo fa. Eiko Kadono è della classe del 1935 e scrive dalla fine degli anni Sessanta, il suo primo romanzo “Luizinho Shonen Brazil o Tazunete” è un racconto di fatti reali di vita vissuta quando la scrittrice emigrò in Brasile.

“Arietty – Il mondo segreto sotto il pavimento” diretto da Yonebayashi Hiromasa, ha trovato ispirazione nel romanzo della scrittrice inglese Mary Norton, “Gli Sgraffignoli “(The Borrowers), racconto fantasy che aveva già ispirato il film del 1997 “I rubacchiotti”. Unica disdetta è che purtroppo Mary Norton è morta nel 1992 e non ha potuto vedere nessuna delle due trasposizioni.

Joan Gale Robinson, scrittrice inglese, ha pubblicato nella sua vita una trentina di romanzi e nel 1953 la fortunata serie “Teddy Robinson”, le storie dell’orsetto di peluche della figlia Deborah. Il suo romanzo “When Marnie Was There – Quando c’era Marnie” del 1967 è stato da sempre amato dallo Studio Ghibli coì che nel 2014 il regista Hiromasa Yonebayashi ha diretto il film ispirandosi alla storia del romanzo.

Il bellissimo film, “La storia della Principessa Splendente “, diretto da Isao Takahata, ha tratto ispirazione dall’antico racconto popolare giapponese Taketori monogatari (“Il racconto di un tagliabambù”).

“Ponyo sulla scogliera” di Hayao Miyazaki è basato sul racconto “Iya Iya En” della scrittrice giapponese Rieko Nakagawa che aveva collaborato con lo stesso Miyazaki per la sigla di apertura del film “Il mio vicino Totoro”. La Nakagawa ha pubblicato nel 1962 “Iya Iya En” e da allora ha pubblicato moltissimi libri per ragazzi, vincendo anche il prestigioso premio Kikuchi Kan.

Diana Wynne Jones, scrittrice britannica che ha influenzato diversi talenti letterari come J.K. Rowling e Neil Gaiman, è l’autrice della famosa “Trilogia di Howl” composta da “Il castello errante di Howl”, “Il castello in aria” e “La casa per Ognidove”. Miyazaki ha preso ispirazione dal primo dei libri della trilogia “Il castello errante di Howl” per la sua opera omonima conosciuta e amata da tutti.

Per “I sospiri del mio cuore”, Yoshifumi Kondō si è ispirato al manga “Sussurri del cuore” di Aoi Hiiragi, pubblicato la prima volta nel 1989 e che ha visto anche un seguito .

Il meraviglioso “Si alza il vento” si è ispirato un po’ al romanzo di Tatsuo Hori che narra alcune vicende biografiche della vita di Jirō Horikoshi, ingegnere aeronautico giapponese noto per aver progettato i caccia giapponesi della Seconda Guerra Mondiale, tra cui i famosi Zero.

Grazia

Kitamura Tokoku e il Romanticismo in epoca Meiji

Alla fine del periodo Meiji, in particolar modo dal 1889 al 1904, nasce in Giappone la corrente letteraria del Romanticismo il cui più grande e illustre esponente fu Kitamura Tokoku.

Kitamura Tokoku fu poeta, scrittore e critico letterario, proveniente da una famiglia della classe samuraica, fin dalla giovanissima età prese parte al “Movimento per la libertà e per i diritti del popolo”, per poi discostarsene forse perché deluso. Diventò uno scrittore e, come altri letterati del suo periodo, si interessò di letteratura occidentale, traducendo opere e introducendo nella letteratura giapponese tematiche riguardanti la visione del mondo e della società, adattandoli alle tematiche di tradizione nipponica.

Nel 1889 fondò con altri l’Associazione pacifista giapponese ( Nihon heiwa kai), collaborò alla rivista Bungakukai del 1893 insieme a Shimazaki Toson e altri letterati, iniziando a dar vita alla corrente del Romanticismo. Personalmente, Kitamura Tokoku fu influenzato dagli autori Byron e Ralph Waldo Emerson e dai concetti di individuo e libertà, fino ad allora abbastanza ignorati in patria.

Del Romanticismo occidentale fu importato il concetto di amore e attenzione all’ “io interiore” e alla propria interiorità.

Attraverso l’attenzione alla propria interiorità, infatti, si arrivava ad un concetto più completo e profondo di libertà. Kitamura Tokoku affrontò nei suoi scritti le tematiche care al Romanticismo quali natura e io interiore in contrasto con la visione tradizionale del rispetto delle apparenze e della forma. Da sottolineare anche il fatto che, dopo anni di isolamento del Paese dal punto di vista politico e culturale, Tokoku e altri esponenti del Romanticismo si trovarono a relazionarsi con uno sviluppo e un cambiamento tali che facilitavano i contatti con l’Occidente e lo studio delle opere letterarie e delle correnti filosofiche, così come anche l’ avvicinarsi al Cristianesimo (lo stesso Kitamura Tokoku si fece battezzare nel 1888). Nacquero in questo periodo anche diversi neologismi che potessero indicare dei concetti importati dall’estero e soggetti a studio.

La crescita spirituale dell’individuo e la vicinanza alla Natura, discostandosi dalla società e dalla vita materiale, sono le tematiche care al Romanticismo giapponese così come l’estrema importanza dell’interiorità, il rapporto con se stessi in quanto individui e il concetto di amore, il cui termine cambia anche dal punto di vista lessicale. L’amore, secondo la visione romantica, è una esperienza che dona salvezza e ricchezza all’animo umano, è un’elevazione spirituale, una fonte di Bellezza.

Ispirandosi a Byron, Kitamura Tokoku scrisse ad esempio “Il canto del monte Horai” (Hōrai kyoku) sotto forma di opera teatrale, dove poesia tipica giapponese si fonde con visioni letterarie e ispirazioni occidentali.

Kitamura Tokoku morì suicida ancora giovanissimo all’età di venticinque anni, l’anno prima aveva pubblicato il trattato “Saggio sulla vita interiore” ( Naibu seimen ron), un vero e proprio manifesto per il Romanticismo nipponico.

Memoru Grace

Della crescita, del mondo, della sofferenza – StrangerBookClub

Scrivere di crescita non è semplice, forse perché è la parte della vita che più ci affligge e ci determina. Avanziamo passo passo negli anni, ci imbattiamo in noi stessi durante l’adolescenza, ci formiamo nel carattere e nella personalità e veniamo a conoscere il mondo, scontrandoci talvolta anche in modo brutale. Quel passaggio di crescita è come una cicatrice che rimane impressa a fuoco sulla pelle: tutto ciò che viene dopo parte da questo momento e da come lo abbiamo vissuto. E si incontra una sofferenza senza fine, perché la crescita è anche la fase in cui meno ci riconosciamo nel mondo circostante, ancora chiusi nel nostro bozzolo, pronti a fuoriuscire e a schermarci, al tempo stesso, desiderosi di scoprire e, poi, offesi dalle nostre stesse scoperte, come feriti da una mancanza di lealtà, che il mondo ci offre impunemente, un tradimento dei nostri ideali e dei nostri sogni, eppure ancora così ostinati a realizzarli.

I romanzi di formazione sono sempre stati quelli che più mi hanno affascinato sin sa ragazzina, perché, prendendo spunto dalla costruzione di un personaggio e della sua personalità, affondano la punta della penna direttamente nell’analisi psicologica e nei cambiamenti dell’animo di tutti i protagonisti, persino di quelli meno tratteggiati (o tratteggiati a pennellate miste e apparentemente non impegnative). Per questo motivo, ho deciso di iniziare le mie recensioni “libresche” con questo viaggio diretto nella fase della crescita e nella sua sofferenza, quella che si scontra con il mondo esteriore e con il mondo interiore, dove i protagonisti si sentono al margine di una società in cui non si riconoscono, ma che comprendono meglio di chiunque altro. C’è una linea di connessione sottile, ma ben delineata tra il giovane protagonista del romanzo di formazione Almond, che parla da sé e, nel farlo, rilegge se stesso e ciò che lo circonda, e il personaggio principale del thriller Lemon, che si sviluppa nel corso di quasi vent’anni e attraverso le voci discordanti e disarmoniche di diversi narratori. C’è il filo della persistenza e della costanza, ma anche della capacità di affrontare un trauma e di superarlo, ognuno a suo modo, e di quello strano potere “magico” di essere “diversi” e “unici” all’interno della società, forse perché con le amigdale poco sviluppate o perché decisi a modificare il proprio aspetto. Sono due opere brevi, ma intense che vanno lette a qualsiasi età, perché aprono uno spiraglio su noi stessi.

Almond – Come una mandorla (아몬드)

di Sohn Won-pyung

(edizioni HarperCollins)

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L’alessitmia è una condizione psicofisica che identifica l’incapacità di identificare ed esprimere i propri sentimenti, a causa di mancata “crescita” delle amigdale, due neuroni a forma di mandorla che immagazzinano tutto lo spettro emotivo, rendendoci capaci di distinguere emozioni e sentimenti, di provare paura, di piangere, di sorridere. Solo che tutto ciò non è concesso a Yun-jae, apparentemente un comune adolescente, ma privo di pianto e di sorriso, quasi una tabula rasa nei confronti di emozioni che non è in grado di comprendere e di esternare. Per questo motivo, quest’apparenza fredda lo fa erroneamente reputare un mostro. Il lettore segue la vita di Yun-jae e la sua educazione emotiva, quasi facendosi prendere per mano da lui, scoprendo l’odore dei vecchi libri usati, la tenerezza di un abbraccio familiare, l’amicizia che travalica qualsiasi barriera, il batticuore inaspettato del primo amore e il timore di perdere gli affetti più cari. C’è tanto dolore, tanta inesprimibile sofferenza nella crescita emotiva e armoniosa di Yun-jae, tanta sopita empatia che rende questo ragazzo monocorde di una umanità incredibile, in un crescendo di sentimenti che lo forgiano ex novo.

Avvertenze: si inizia a lacrimare presto e, se le nostre amigdale sono così recettive a percepire le variazioni emotive, non si finirà facilmente, anche perché questo libro rimarrà nella mente e nell’animo, scavando un solco per sempre.

Postilla: sapete che questo libro è stato amato particolarmente da RM e Suga dei BTS, tanto che quest’ultimo gli ha dedicato la canzone “Amygdala”? Provate a leggerlo con queste note in cuffia.

Lemon (레몬)

di Kwon Yeo-sun

(edizioni ilSaggiatore)

“Nascere, vivere e morire: questo è quello che comunemente viene definito il ciclo della vita. Purtroppo non si può nascere, vivere e, tantomeno, morire in tranquillità. la vita è paurosa e terrificante, ma rinunciare a tutto questo, che in altre parole non è altro che la realtà, ci porterebbe ad un’esistenza piatta e banale”.

Iniziamo col dire che “Lemon” non è un libro semplice, eppure è un libro celere. O, meglio, è uno di quei romanzi, cha costruisce un rapporto quasi ipnotico con il lettore, breve, denso, a tratti lievi e fortemente colorati, a pensieri discostanti e variegati: si inizia a leggerlo e quasi non ci si ferma più fino alla parola fine (che, poi, una fine vera e propria non è). Al tempo stesso, però, è un romanzo complesso, bello e levigato come una pietra di fiume a cui sono rimasti intatte le punte acuminate. Non a caso, molti lo hanno paragonato alla prosodia lenta e stridente, ma anche verista e ipnotica di “Parasite”, che mette a nudo le onde più oscure della società sudcoreana, e, se dovessi paragonare a qualcuno la lucidità e la chiarezza della prosa di Kwon Yeo-sun, una delle più acclamate e apprezzate autrici sudcoreane, sarebbe immediato il confronto con il regista Bong Joon-ho.

La storia è tutta legata all’indagine (o, meglio, alle indagini) di Da-on sulla morte della sorella, Hae-on o Hye-eun, una ragazza di una bellezza incredibile e inarrivabile “sensualmente e meravigliosamente viva, come un uccello che sta per spiccare il volo”, ma anche inconsapevole della propria bellezza, svagata e infantile come una bambina, che perde la vita in un “abbagliante tramonto di giugno”, mentre si gioca la finale dei Mondiali di Calcio. Le indagini cadono subito su due compagni di scuola, il povero e stupido Han Manu, che, però, appare estraneo ai fatti, e il ricco rampollo di buona famiglia Jeong-jun, che ha un alibi di ferro. Passano gli anni e non viene mai trovato il responsabile del delitto, ma, in una catena di comportamenti equivoci, di voci nascoste e di sottili e orrende gelosie, Da-on si muove quasi in incognito, ossessionata dalla bellezza di una sorella che accudiva come una bambina e decisa se non a comprendere la verità, a scarnificare l’immagine dell’omicida e ad arrivare alla realizzazione di un suo senso di giustizia, un equilibrio ripristinato quello per cui potrà riniziare a credere in Dio.

Laura

Manga d’estate (parte seconda) – StrangerBookClub

Ho sempre preferito leggere in estate, perché l’estate è quella stagione che, con la sua luminosa continuità e il suo caldo ostinato, offre uno spazio di ombra e di frescura solitaria, quasi un riparo dalla routine dell’anno. Quando tutti partono per i luoghi di villeggiatura e le città vengono svuotate, si ha la possibilità di staccarsi da tutto e di godersi la meritata calma. Poi, l’estate è anche quella stagione meravigliosa della vita in cui non si è più piccoli, ma nemmeno grandi, in cui si ha fretta di crescere, ma si desidera anche frenare, per prolungare il più a lungo possibile quel tempo di passaggio, che è la formazione di se stessi e dei propri sogni.

Queste sono le sensazioni che mi hanno trasmesso due manga prettamente “estivi”, non solo perché ambientati (almeno in parte in estate), ma perché tratteggiano la stagione estiva come la stagione della crescita e della formazione dei protagonisti.

“Estate Infinita” (Mùa hè bât tân)

di Hoàng Truc Lam

(edizioni Toshokan)

“Solo quando prendi da sola le tue decisioni puoi essere te stessa. Che cosa vuoi veramente?”.

Questa graphic novel di un solo volume della giovane autrice vietnamita Lâm Hoàng Trúc è stata una scoperta piacevole e inaspettata. Quel tramonto appena accennato di rosa sul mare presente in copertina mi ha richiamato inconsapevolmente in libreria, quasi a dirmi che lì c’erano quei pensieri mancati di un tempo, le gioie, le speranze, la nostalgia dell’estate della nostra vita, quando tutte le nostre riflessioni fluttuano e navigano insieme ad un cielo immutato e mutevole, infinito nel suo clima estivo. I protagonisti sono due adolescenti, che, casualmente e pur essendo di genere diverso, portano lo stesso nome, Phuang, come se le loro anime di fossero riconosciute. Entrambi lottano per capire che cosa la vita e il futuro vogliono da loro, ma soprattutto cosa vogliono loro dal presente e crescono insieme, prendendosi per mano per affrontare l’inquietudine interiore di lui e l’ansia di decidere di lei, senza cedere al gorgo delle pressioni e delle onde. Una piccola storia delicata e lirica, divisa in sei capitoli (“Sono un piccola rosa”, “Salve Tristezza”, “Vorrei”, “Raggio di sole, goccia di pioggia”, “Amare la vita, amare le persone”, “Ritorno alla purezza”), ognuno in riferimento ad una canzone vietnamita, perché note e parole sono un tutt’uno di questa girovagare della vita che è la crescita.

“Mermaid Prince” (Ningyo Ōji 人魚王子)

di Kaori Ozaki

(edizioni JPop)

“Se si entra nella grotta sottomarina ci si può imbattere in una sirena. Nel caso in cui si riesca a vederla qualsiasi desiderio verrà esaudito”. 

6 capitoli, 3 racconti, 1 raccolta, diverse modalità e diversi spettri emotivi per affrontare la crescita al femminile. Il manga presenta tre racconti distinti, non connessi fra loro né per la storia né per i personaggi, ma con una sottile linea di unione nell’intento di scavare nell’animo femminile.
Il primo racconto, “Ametsukigahara”, divisa in due capitoli è la storia di un’adolescente, Akari, che odia gli uomini e le regole e che vuole passare tutto il tempo con la sua migliore amica Fumika, che prova un terrore enorme per gli uomini, anche a causa di una brutta esperienza passata. Le due ogni giorno prendono il treno per la scuola di Ametsukigahara, ridono insieme, sognano e progettano di saltare le lezioni. Un giorno, però, Fumika si innamora, ricambiata, di un compagno di scuola e gli equilibri fra le due amiche si incrinano e Akari, sentendosi abbandonata dall’amica, inizia a mostrare tutti i suoi segni di ribellione e di critica nel non adattarsi alla società.
Il secondo racconto, “Giorno di neve”, costituito da un capitolo unico, è la storia di un bibliotecaria solitaria che, un giorno, accoglie in biblioteca un uomo e un bambino vagabondi, mentre uno strano cinghiale, forse magico, forse elemento impazzito della natura, imperversa in città in cerca di cibo per i suoi piccoli nel gelo dell’inverno.
Il terzo racconto, “Mermaid Prince”, che dà il nome a tutta la raccolta e che, giustamente, è diventato nel tempo anche il più famoso, è composto di tre capitoli e ha come protagonisti Mugi, uno studente pallido e malaticcio, che si è appena trasferito su un’isola a Sud del Giappone dall’entroterra, e Matori, una ragazza esuberante e piena di vita, che si professa migliore amica di Mugi “a prima vista”. Più il ragazzo è schivo, indolente, introverso e sofferente di un mal di vivere tipico della sua età, che lo fa sentire non accettato da tutti, a cominciare dalla sua famiglia, più Matori è solare, estroversa e legata alle tradizioni, tanto da renderle semplice la comunicazione con tutti, al di là di qualsiasi gap generazionale. E, mentre considera Mugi il suo “mermaid prince”, scopre un’antica leggenda su una sirena, che può esaudire i desideri di coloro che la vedono. Alla ricerca del soprannaturale, Mugi e Matori si perdono e ritrovano se stessi, nella realtà dei propri sogni, sapendo che possono contare l’uno sull’altra.
Personalmente, mi aspettavo qualcosa di più da quest’opera, conoscendo l’autrice. Forse sarà perché, avendo apprezzato molto l’ultimo racconto anche nella delicatezza con cui viene tratteggiata la crescita dei protagonisti, non ho reputato gli altri due racconti allo stesso livello (in particolare, il primo, della cui protagonista non riesco tuttora a comprendere le scelte e i comportamenti). Nonostante tutto, l’opera costituisce sicuramente tre diversi aspetti della crescita e tre diversi modi di affrontare i cambiamenti e di accettare il futuro, come le maree improvvisate nelle grotte marine.
Piccola nota: non c’è alcuna connessione tra l’ultimo racconto della raccolta e il kdrama omonimo con il compianto Moonbin degli Astro. Tuttavia, anche il drama “The Mermaid Prince” affronta con delicatezza e sensibilità le tematiche della crescita e dell’accettazione di sé e delle proprie crisi interiori.

Laura

Manga d’estate (parte prima) – StrangerBookClub

Quest’estate ho deciso di rileggere e di consigliare nell’angolo dei libri due manga la cui tematica è quella della crescita, delle speranze per il futuro e del capire se stessi, perché, attraverso il mondo onirico di questi due manga, i protagonisti cercano di leggere nei propri sogni e in quelle che sono le loro aspirazioni.

La storia è ambientata dal 1989 ai primi anni Novanta per cui i due protagonisti adolescenti non li vedrete mai con in mano un cellulare, ma questo, soprattutto se letto adesso, rende ancora più affascinante la narrazione e la veste di un’aura misteriosa.  

SUSSURRI DEL CUORE

(titolo originale “Mimi wo sumaseba” – 耳をすませば)

“Sussurri del cuore” è un manga del 1989 ha ispirato il film anime dello Studio Ghibli, “I sospiri del mio cuore“, diretto da Yoshifumi Kondō.

Vi svelo che è il manga che ho letto più volte nella mia vita e la prima edizione italiana è del 2003, pubblicata da #starcomics

Shizuku Tsukishima è una ragazzina che frequenta le scuole medie, ha una grande passione per la lettura e i libri, ama le storie fantastiche e nutre nel suo cuore il sogno di diventare da grande una scrittrice. Un giorno d’estate, Shizuku nota, dalle schede dei prestiti bibliotecari, che un certo Seiji Amasawa legge prima di lei gli stessi testi che lei stessa prende in prestito in biblioteca. Shizuku è incuriosita e si chiede chi sia questo ragazzo, le piacerebbe conoscerlo, ma non ha idea di chi possa essere. Un pomeriggio assolato, mentre sta terminando una commissione in città, segue uno strano gatto che è entrato in metropolitana e arriva fino ad un negozio d’antiquariato, qui, forse per destino, incontra Seiji Amasawa che non è altro che il ragazzo antipatico che ha incontrato un paio di volte a scuola. Nonostante i battibecchi iniziali, i due ragazzi finiscono per innamorarsi, ma, nel frattempo, l’adolescenza, con le proprie difficoltà, li porrà di fronte a delle scelte della vita importanti per il futuro e l’età matura.

Aoi Hiiragi, autrice del manga, firma una bella opera che ancora adesso è citatissima dagli appassionati e apprezzata per la sensibilità con la quale vengono proposti gli argomenti e, se non avete ancora recuperato il film dello Studio Ghibli che si è ispirato a questo manga e che abbiamo recensito anche nel nostro blog, vi consiglio di farlo perché la storia vi catturerà per la delicatezza dei sentimenti descritti che anche il manga propone già dalle prima pagine.

Nel 2005 la casa editrice giapponese Shūeisha ha pubblicato il romanzo di Masami Tanaka, “Mimi wo sumaseba”, tratto dal manga “Sussurri del cuore”, esistono anche trasposizioni televisive da non perdere.

SUSSURRI DEL CUORE – ORE FELICI

(titolo originale “Mimi wo sumaseba – Shiawase na jikan” – 耳をすませば – 幸せな時間)

Nel 1995 Aoi Hiiragi riprende la storia di Shizuku Tsukishima e Seiji Amasawa per un sequel, “Sussurri del cuore – Ore felici” che viene serializzato sulla rivista “Ribon Original”, specializzata in manga shōjo, mentre l’anno dopo viene raccolta in un unico volume.

La storia è ambientata due anni dopo gli avvenimenti raccontati nel primo volume, “Sussurri del cuore” e qui Shizuko, che è diventata più grande, sta attraversando un periodo difficile, pieno di dubbi e insicurezze e per di più ci si mette anche la stanchezza per l’impegno scolastico sempre più pressante.

Un giorno si reca dal nonno di Seiji e l’anziano gli mostra le ali di una nitticora. Queste ali dopo che sono state esposte tre volte alla luce della luna permettono alla persona che le indossa di riuscire a volare, ma c’è anche un lato oscuro dietro la leggenda di queste ali, il peso e la consapevolezza della morte. Shizuko ha un brutto presentimento relativo soprattutto a Seiji che le sembra in pericolo, inizia ad indagare alla biblioteca dei gatti, ma quando sembra arrivare ad una soluzione, qualcosa le sfugge sempre di mano, poi, improvvisamente si sveglia. Si trattava di un incubo, ma restano le preoccupazioni della crescita, delle responsabilità e del futuro dell’età adulta che il sogno riflette nella mente della ragazza. La storia è un altro piccolo gioiello che rappresenta le difficoltà dell’adolescenza e le paure del futuro, ma Shizuko è una ragazza che crea nel proprio mondo immaginario una forza che le permette anche nella realtà di combattere e di andare avanti.

Nello stesso volume, l’autrice ci lascia un’altra storia che non ha nessuna connessione con Shizuko e Seiji, si tratta di un altro racconto delicato, intitolato “Quando fioriscono le campanule”, dove il protagonista, Takayuki Tsuge è un ragazzo che un giorno nota una ragazza ferma ad osservare le campanule del suo giardino e riconosce in lei la stessa ragazza incontrata qualche anno prima. La ragazza di allora piangeva davanti alle campanule, sotto la pioggia e questo lo aveva molto colpito. Come mai il suo volto è sempre così malinconico? Tsuge vorrebbe scoprirlo, così, cerca in qualche modo di conoscere la ragazza delle campanule.

“Sussurri del cuore – Ore felici” è stato pubblicato in Italia da Star Comics e resta una piccola gemma per collezionisti.

Piccola particolarità: Per chi ha già visto “I sospiri del mio cuore”, anime dello Studio Ghibli diretto da Yoshifumi Kondō, il nome “Baron” gli farà venire in mente un personaggio molto importante legato alla storia che vi abbiamo raccontato, ma anche qualcosa legato allo spin off “La ricompensa del gatto”, anime uscito nel 2002 e di cui abbiamo parlato nel blog, dove Baron ha un ruolo principale ed è uno dei personaggi più amati dagli appassionati di anime. “La ricompensa del gatto” è ispirato all’opera autoconclusiva “Baron – Neko no Danshaku “, sempre di Aoi Hiiragi. Chi non ha visto il film dello Studio Ghibli e non ha ancora letto i manga di Aoi Hiiragi, lascio la curiosità di scoprire chi è Baron 😉

L’autrice: Aoi Hiiragi è una mangaka giapponese nata il 22 novembre del 1962 a Kamifukuoka, nella Prefettura di Saitama. Diventò famosa ancora prima de “I sospriri del mio cuore”, nel 1986 quando fece uscire il manga “Hoshi no Hitomi no Silhouette”, pubblicato sulla rivista “Ribon” e ancora oggi considerato uno dei manga più rappresentativi del genere shoujo nonché ispirazione per altre autrici e autori. Negli anni Novanta l’autrice ha poi pubblicato altri due volumi sequel di “Hoshi no Hitomi no Silhouette”.  Aoi Hiiragi ha fatto il suo debutto nel mondo dei manga nel 1984 con “Cobalt Blue no Hitoshizuku”. Tutte le storie di Aoi Hiiragi sono raccontate con una delicatezza e una visione sensibile rara, i personaggi spesso rivelano la timidezza dell’approcciarsi al mondo e dei loro sentimenti così genuini che si svelano pian piano come in una musica soffusa.

Grazia

In viaggio con noi stessi – StrangerBookClub

Quando ho riflettuto sulla tematica che accomunasse due romanzi scelti per la nostra rubrica dei libri ho pensato alla tematica del viaggio, ma non quello classico, io intedendevo il nostro viaggio, quello con noi stessi. Forse ero ancora emotivamente immersa nell’atmosfera del drama “One Day Off” che avevo appena terminato e adorato o ripensavo anche ad un altro bellissimo drama che ho guardato quest’anno, “Meet Yourself”, ma in realtà ognuno di noi, credo, che abbia un immenso bisogno di viaggiare con se stesso, nella sconfinata ed infinita valle di emozioni che soffochiamo ogni giorno per via della routine, del lavoro, delle incombenze, delle interminabili difficoltà da affrontare e problemi da risolvere.

Il viaggio con noi stessi non ha bisogno di una meta precisa, la destinazione è la nostra felicità o per lo meno il carpire un angolo di felicità tutto nostro in cui non far entrare nessun altro, perché, come spesso ripeto, tutti abbiamo bisogno di dare un appuntamento con noi stessi per capirci, ascoltarci e liberare qualsiasi fardello di negatività.

Il primo libro che ho scelto è “Un viaggio chiamato vita” della scrittrice giapponese Banana Yoshimoto e pubblicato nel 2006. Si tratta di un saggio o di un diario di viaggio di emozioni e ricordi a cui la scrittrice affida il suo pensiero, le sue riflessioni e le speranze future, un’opera molto intimista in cui l’autrice si apre con i suoi lettori e ci racconta di sé, dei suoi viaggi, delle sue paure, ma anche di quei tocchi di felicità raccolti in un cielo del mattino, nel tramonto di un posto lontano, negli occhi di un cane fedele ormai anziano, in una piccola pianta di rosmarino.

Un viaggio chiamato vita

di Banana Yoshimoto

(edizioni Feltrinelli, 2006)

“Ogni persona è unica. E’ la cosa più importante di tutte, eppure troppo spesso ce ne dimentichiamo”.

Con questa frase la scrittrice giapponese Banana Yoshimoto ci fa entrare nel cuore del viaggio della sua vita, perché questo saggio, anche per chi non ha mai letto niente della Yoshimoto, non è altro che un toccasana per ritrovare se stessi.

La vita è un viaggio e i viaggi si compongono di ricordi, così ci troveremo insieme all’autrice tra le piramidi di Giza, a fare una passeggiata a Palermo: “Il cielo azzurro e le montagne maestose. Nella luce di quel tramonto c’era una bellezza dimenticata, di cui avevo come nostalgia. La sensazione di tornare a casa (…)”. Così il suo amore per l’Italia, per l’arte, per le città a cui dedica dei ricordi meravigliosi nelle pagine di questo saggio.

A Taiwan, nel mercato delle pietre, che non sono altro che giada, di ogni tipo, alcune a forma di animali, di piante o amuleti, in Australia a trovare un po’ di Giappone mentre scriveva il suo romanzo “Honeymoon”, nel piccolo appartamento a Tokyo in compagnia di una piantina di rosmarino, quante riflessioni e pensieri affidiamo ai colori e ai profumi di una giornata compreso alla vegetazione che ci fa compagnia: “I ricordi delle piante rendono la vita profonda”.

L’ultimo viaggio con il proprio cane a Okinawa quasi per godere degli ultimi giorni meravigliosi con un amico fedele, vivere insieme dei bellissimi momenti da accumulare alla memoria della propria esistenza, quei ricordi che ci aiutano a sopravvivere quando viviamo una perdita o quando il nostro cielo diventa improvvisamente buio.

Banana Yoshimoto attraverso questo saggio si racconta, con quell’incanto che la contraddistingue e ci porterà nel cuore del ricordo, nell’importanza di una promessa, nel potere della malinconia e nella ricerca della felicità nelle piccole cose, dal rumore della pioggia, all’emozione di una luce che filtra da una finestra,  dalla magia del primo amore, all’emozione della maternità, ci perderemo nei suoi viaggi, ma ritroveremo anche i nostri, ripensando alla nostra vita, a quello che sono stati i nostri viaggi, soprattutto quelli interiori, perché: “Un viaggio, per quanto terribile possa essere, nel ricordo si trasforma in qualcosa di meraviglioso”.

Il secondo libro scelto è “Un’estate con la Strega dell’Ovest” di Kaho Nashiki.  L’autrice nel post scriptum all’edizione giapponese del 2017 ci racconta che sono ormai trascorsi venticinque anni da quando ha scritto il romanzo, riflette sui cambiamenti e sul valore che può ancora comunicare la sua storia, poi affida al libro stesso le sue parole: “Allora, buon viaggio. Ti prego di raggiungere, senza distinzioni, coloro che potrebbero avere bisogno di te (…), di sostenerli con tutta la forza che hai, di incoraggiarli. E di sussurrare loro queste parole: non abbiamo una voce forte, ma possiamo comunque trasmettere il nostro messaggio, parlando tra noi a bassa voce”. Un libro è anche un viaggio con noi stessi, per questo, spesso, affidiamo i nostri pensieri alle parole lette.

Un’estate con la Strega dell’Ovest

di Kaho Nashiki

(Edizioni Feltrinelli, giugno 2019)

“Per ottenere le cose che per te hanno più valore, quelle che desideri di più, può darsi che tu debba superare le prove più difficili”.

Kaho Nashiki ci regala una storia commovente, delicata, nella quale tutti potremmo immedesimarci, una fiaba moderna, un racconto che valorizza la semplicità della vita.

Mai ha tredici anni e non vuole più frequentare la scuola, la madre è preoccupata e decide, quindi, di mandarla per un po’ dalla nonna che vive in una casa in campagna nella pace e nella serenità della natura. La nonna è una signora inglese, ormai vedova, che è rimasta in Giappone per amore molti anni prima. La nonna viene chiamata la “Strega dell’Ovest”, ma Mai ne ignora il motivo fino a quando è la nonna stessa che le rivela di possedere dei poteri magici e le chiede se vuole affrontare anche lei l’addestramento per diventare strega. Mai è incredula, spaventata, ma alla fine decide di accettare la proposta.

Immerse nella natura incontaminata di un Giappone quasi remoto, nonna e nipote trascorreranno insieme molte settimane nel raccoglimento, nel silenzio e nella serenità, lontane dalla vita rumorosa della città, dalle corse, ma dedicandosi a se stesse, a raccogliere le erbe selvatiche, a cucinare, a leggere e, in un incanto da fiaba, Mai supererà la propria inquietudine interiore e le proprie paure.

L’autrice ci fa immergere letteralmente in una storia catartica, dove guarderemo tutto con gli occhi delle due protagoniste. Nel libro sono raccolti altri tre racconti della stessa autrice che vale la pena recuperare, in tutti troveremo lo stesso tocco delicato e nostalgico.

Nel 2008 è uscito il film omonimo ispirato al romanzo di Kaho Nashiki.

Grazia