A Love so Beautiful – La purezza dei sentimenti

“Alla nostra gioventù che è stata, è, e sarà sempre bellissima”.

Vi è mai capitato di cercare un comfort drama non impegnativo e dagli episodi che non superassero i trenta minuti? Sfogliando la mia lista, una sera, sono incappata in “A Love so Beautiful” che non avevo mai iniziato prima d’ora, forse perché partivo dal “pregiudizio” che potesse essere una serie un po’ naif che parlasse solo di storie d’amore tra adolescenti e non è un genere che personalmente prediligo. Purtuttavia, leggendo il nome degli interpreti, mi sono imbattuta in So Joo-yeon che avevo apprezzato moltissimo in “Seasons of Blossom” e “ Lovestruck in the city” e che è stata pluripremiata per “Dr. Romantic 2 e 3”, così ho deciso di dare una possibilità a questo drama.

Premetto che ho guardato la versione sudcoreana che ha preso ispirazione dalla serie cinese omonima del 2017, tratta a sua volta dal romanzo “To Our Pure Little Beauty “di Zhao Qianqian.

Cosa rende questa storia così unica se ha tutte le premesse, cliché, ambientazioni e tematiche che potrebbero dare l’idea di essere già state viste? La particolarità di questa serie è proprio la semplicità nel raccontare una storia normale che potrebbe essere quella di chiunque, la leggerezza e l’innocenza dell’età, dall’adolescenza fino ai trent’anni, perché il drama termina con i protagonisti trentenni e la semplicità e l’ingenuità iniziali pian piano si rabbuiano con le complicazioni della vita, ma quello che conta sono quei valori, quei sentimenti che restano tali, cristallizzati, perché quelle emozioni genuine dell’inizio le vedremo fino alla fine, solo più maturate, e ogni personaggio ne sarà consapevole. Maturare significa avvalersi di quelle esperienze che raccogliamo durante la nostra esistenza, di quei ricordi che restano nella nostra memoria, di quelle cicatrici che ci accompagneranno fino alla fine, ma crescere significa anche dare prova di superare ogni momento di crisi e per tutti i personaggi di questo drama la crisi ha un volto diverso.

La serie è la storia di cinque ragazzi diciassettenni che frequentano le scuole superiori e del loro viaggio formativo e di crescita fino all’età adulta. Shin So-i (So Joo-yeon) è una studentessa dal carattere allegro, ma anche generosa nei confronti degli altri e pasticciona ed è da sempre innamorata del suo compagno di scuola, vicino di casa e amico d’infanzia Cha Heon (Kim Yo-han), completamente diverso da lei, schivo, dal carattere distaccato e molto studioso che si distingue in classe come uno degli studenti migliori e, proprio per questo, fin da piccolo, ha scelto che avrebbe studiato, un giorno, medicina.  

So-i non ha il minimo timore di esprimere i propri sentimenti nei confronti di Cha Heon e lo dimostra ogni giorno supportandolo e, addirittura, standogli talmente vicina da infastidirlo. Il ragazzo, infatti, più di una volta, le risponde che non è interessato, ma tutto ciò non guasta l’umore di So-i che non si arrende ai rifiuti del suo compagno di classe, anzi, è sicura che prima o poi cambierà idea. I modi di fare di So-i possono sembrare imbarazzanti e quasi da “stalking”, ma capiamo fin da subito che anche lo stesso Cha Heon prova qualcosa per la ragazza, solo che, contrariamente a lei, non riesce ad esprimere i propri sentimenti.

Accanto ai due protagonisti, altri ragazzi che impreziosiscono la storia. Woo Dae-seong (Yeo Hoe-hyun, “Short”, “Girls’ Generation 1979”) un nuotatore professionista a livello nazionale che, non appena si trasferisce nella scuola di So-i e Cha Heon, sconvolge le loro vite fin dal momento in cui si innamora di So-i, capendo, però, di non essere corrisposto, resta così quasi sempre nell’ombra accontentandosi del ruolo di amico e istaurando con la ragazza un rapporto speciale, chiamandola affettuosamente “fratello”. Dae-seong è un personaggio che non può non piacere, da subito crea una certa coesione nel gruppo dei cinque amici e anche in classe, non si impegna molto a scuola ed è quasi sempre svogliato perché concentrato sulla carriera sportiva che lo farà brillare anche da adulto e lo renderà ricco e famoso, ma sempre con una certa ironia e umiltà che lo contraddistinguono; è l’amico che tutti vorremmo, disposto anche a creare la neve finta a Natale per rendere la giornata indimenticabile.

Kang Ha-young (Jo Hye-joo, “Search: WWW”), la migliore amica di Shin Sol-i, una delle ragazze più brave della scuola, capoclasse e appassionata di astronomia, si innamora non corrisposta del medico dell’istituto scolastico, per poi fare un percorso di crescita interiore che la porterà ad accorgersi del suo compagno di classe Jeong Jin-hwan in un momento critico della sua vita, affrontando con grande maturità una delle prove più difficili, stare accanto ad una persona malata alla quale si è affezionati. Ha-young è difatti uno dei personaggi più sensibili, dietro all’apparente sicurezza c’è una ragazza che nel passato ha sofferto a scuola e che poi ha schermato ogni cosa presentandosi alla società con una maschera diversa, ma il suo cuore resta sempre emotivamente implicato quando vede qualcuno dei suoi amici che sta male.

Jeon Ji-hwan (interpretato da Jeon Ji-hwan, membro del gruppo musicale “The Man BLK”) uno dei ragazzi più simpatici della classe, sempre sorridente anche nell’affrontare la malattia, capace di accumulare diverse figuracce solo per farsi notare da Kang Ha-young che lo ignora per poi, invece, essergli vicina nei momenti più difficili. Ho apprezzato molto questa parte del drama, non esiste un’età per maturare emotivamente, ma esiste la sensibilità per avvicinarsi e capire i propri sentimenti.

Nello stesso modo anche la storia tra So-i e Cha Heon crescerà in qualcosa di più importante perché, con il tempo, quando il ragazzo comprenderà realmente di amare la sua amica d’infanzia, la vita proporrà diverse prove e ostacoli. Non si può mai dare per scontato un sentimento perché in una relazione non si può essere egoisti, ma si deve capire anche l’esigenza dell’altra persona che fino a quel momento ha mostrato vicinanza e comprensione.

“Solo in quel momento ho capito che avevo dato per scontato la nostra relazione. Nonostante tutto sono stato egoista fino all’ultimo. Mai nella mia vita ho provato una tale sensazione di oppressione e turbamento. Ogni giorno soffrivo di un dolore lancinante e così, quando ti ho rivista, ho finalmente capito che tu sei sempre stata la mia unica scelta, fin dal principio. Adesso so che rispetto all’egoista che sono io, tu sei una persona magnifica. Non solo mi accetti per ciò che sono, ma mi ami, persino.”

“A Love so Beautiful” è una storia delicata, leggera come gli anni migliori dell’adolescenza e della giovinezza che sfumano, ma che restano impressi in una fotografia ricordo o nelle immagini e negli schizzi della protagonista, disegnatrice di webtoon. Un arco di tempo dai diciassette ai trent’anni raccontato con armonia e con la leggerezza di un soffio di vento. Se all’inizio temevo di incappare in una storia banale e sdolcinata, mi sono trovata pian piano immersa nella vita di persone comuni che mi hanno coinvolta fino all’ultimo episodio, regalandomi emozioni e anche molti sorrisi, come ad esempio le scene del matrimonio, tra le più divertenti e rappresentative del rapporto di amicizia di questi ragazzi, anche con il passare degli anni.

“A Love so Beautiful” è un inno alla gioventù, quella di ognuno di noi, quella di ogni generazione, incastonata in una pietra che il tempo non riesce a scalfire.

Memoru Grace

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Attack on Titan: The Final Chapters (Part 2)

“I am a slave to liberty”. / “Sono uno schiavo della libertà”.

Jean-Paul Sartre diceva che siamo condannati ad essere liberi: è una condanna atavica e impressa nella nostra pelle, antica e sempre presente come il peccato originale. Nessuno di noi può fare a meno della libertà, si lega ad essa a doppio mandato con un sottile filo rosso e si incatena come elemento imprescindibile della vita, in una prigionia che si esplica nella nostra esistenza. L’umanità nasce libera e schiava al tempo stesso del proprio concetto di libertà e mantiene intatta tale natura, anche se sembra perdere formalmente la libertà fisica ed è costretta ad agire diversamente. La libertà di essere umani.

(Continua da Attack on Titan: The Final Chapters Part 1)

Abbiamo lasciato gli sguardi di Armin, Mikasa, Jean, Connie, Reiner e Levi attoniti a guardare impotenti il boato della terra e la marcia letale dei giganti colossali pronti a sterminare l’umanità e abbiamo lasciato Eren privo di se stesso, eppure onnipresente in ogni cosa, una voce nella mente di tutti gli Eldiani, unica connessione con i sentieri del loro destino.

=The Battle of Heaven and Earth=

Esiste una sottile linea di confine che separa beatitudine e dannazione, una lingua di terra invisibile tra terra e cielo, ed è lì che si combatte per la salvezza dell’umanità e di se stessi. Lì tentano l’assalto Mikasa, Jean, Connie, Reiner, Pieck e Levi (bendato e guercio da un occhio, ma lui c’è ed è sempre in prima fila). Lì Armin approda, sulle ossa gigantesche del suo vecchio amico Eren o, meglio, sulle ossa del Gigante Fondatore che lo ha inglobato e assorbito, con l’intenzione di trasformarsi in Gigante Colossale e, quindi, provocare l’esplosione che può liberare Eren dalla sua condanna. Ma la creatura che sta affrontando non è più né Eren, né la Fondatrice, quanto il ricordo atavico di tutti i giganti che hanno rappresentato il popolo di Ymir, le memorie di tutte quelle persone costrette, per qualche ragione, a vestire il potere dei giganti e a cedere il proprio corpo alla trasformazione e la propria vita alla sventura. Dalle ossa di Eren emergono tutti i giganti speciali che abbiamo visto per anni e anche quelli dei secoli precedenti, tutti coloro che sono stati giganti e che sono morti tali, come degli ectoplasmi che lasciano impronta di sé e del proprio doloroso passato in un riflesso di presente, ancora una volta, come in vita, privi di libertà e di volontà decisionale, condannati ad agire secondo le decisioni altrui, senza opporsi. Rivediamo il Gigante Colossale di Berthold che fa riesumare negli occhi di Armin i ricordi del suo senso di colpa, il Gigante Mascella di Ymir e quello di Pokko, il Gigante d’Attacco del padre di Eren e il Gigante Martello di Lara Tybur (che si conferma essere uno dei più potenti di sempre), all’infinito, senza limiti di riproduzione. Armin viene inglobato dalla massa delle memorie dei giganti e viene imprigionato nella dimensione della Coordinata, là dove i sentieri di tutti gli Eldiani si congiungono e si ritrovano.

Gli Eldiani in fuga e il popolo di Marley si confrontano e si temono l’un l’altro. Da una parte, percepiscono che potrebbero allearsi in nome di un comune sentire e per la salvezza dell’umanità; dall’altra parte, mentre gli Eldiani rabbrividiscono alla vista dei Marleyani per le torture subite per secoli, i Marleyani temono l’oscuro potere della maledizione che ha colpito il popolo eldiano. E, così, a un passo dal momento fatale per gli altri, come tutti gli esseri umani accecati dalla paura che diventa odio, diffidano senza trovare coesione.

Annie ritrova il coraggio e se stessa, comprende che la sua vita non potrà mai essere tranquilla se non riconquista quella libertà che le è sempre stata negata come parte del popolo di Ymir e torna indietro (con Gabi e Falco). Cerca immediatamente Armin, l’unica voce che ha sempre ascoltato durante il coma, e ritrova, poi, i suoi amici, compagni di sofferenze di un’infanzia negata dietro le mura del ghetto (Reiner e Pieck) e di un’adolescenza vissuta nel sangue e nella guerra (Mikasa, Jean e Connie).

Tutti sanno che stanno per andare a morire, eppure continuano ad avanzare, come faceva un tempo il Gigante di Eren. “Perché noi siamo il corpo di ricerca. E il corpo di ricerca non sa mai quando deve smettere” (Jean Kitschstein).

=A Long Dream=

Si tratta di un lungo vorticoso sogno che ci avvolge dalla più tenera età oppure è tutto reale? Siamo condannati a dormire e a vivere nel sonno con i nostri mostri interiori? E se, in realtà, tutti i nostri sentieri, tutti i nostri percorsi di vita fossero legati fra loro, pronti a congiungersi e separarsi in un frammento di esistenza?

Armin apre gli occhi nella dimensione della Coordinata, dove il tempo non esiste perché è la dimensione stessa a diventarne il tempo, e scorge Zeke, stanco e invecchiato, atto a costruire castelli di sabbia che si sfaldano come le vite stesse degli Eldiani che ha manipolato. Zeke spiega la sua prigionia, la sua visione di mondo, il motivo del suo piano estremo per l’eutanasia, perché, talvolta, si crede che non nascere sia il compenso più bello a cui possa aspirare l’essere umano, negando le sofferenze della vita, e si ritiene che sopprimere l’esistenza sia un dono pari a quello di sopprimere il dolore. Si ricrede Zeke, nell’incontro con le anime dei suoi ricordi, impresse nei sentieri incrociati degli umani, rivedendo il padre e il suo mentore, lanciando ancora una volta quella pallina da baseball, che era diventata così importante, come un contatto con l’umanità. Le carcasse svuotate d’anima dei giganti sembrano obbedirgli ancora per l’ultima volta e si rivoltano contro il piano apocalittico per concedere tregua ad Armin e ai suoi compagni, ma per lui è troppo tardi: la vita si ribella sempre contro chi ha tentato di estirparla e lo punisce in estremo con la vendetta di Levi.

Armin apre gli occhi e ritrova Eren, ma non il ragazzo accigliato e taciturno, che aveva lasciato a Paradis, l’anima sofferente, schiacciata dalla responsabilità di un destino che gli è caduto addosso, bensì il bambino litigioso e ribelle dei primi anni di amicizia, quello che voleva andare oltre le mura, vedere il mare ed esplorare il mondo, liberandolo dai giganti. Eren bambino ha la consapevolezza dell’adulto e narra ad Armin il suo destino, prima di cancellargli la memoria, tornare a trovarlo il giorno in cui hanno scoperto insieme il mare e cancellargli nuovamente la memoria. Il Gigante d’Attacco è il Gigante che avanza, ovvero può muoversi nel tempo attraverso i propri ricordi e quelli dei giganti prima o dopo di lui. Solo che Eren sa di essere l’ultimo gigante della cronologia e di essere destinato a caricarsi il Male dell’umanità per liberare il suo popolo dal “peccato originale” (in una visione quasi messianica): il suo sacrificio è dovuto, eppure così doloroso per l’umano Eren, qui non più quel gigante trasfigurato dei capitoli finali, ma un ragazzo come tanti, che vorrebbe vivere il suo amore per Mikasa, ma che non può evitare l’atto finale della sua tragedia umana, che, poi, è tragedia mondiale.

Chiudono gli occhi gli Eldiani, che vedono la creatura vermiforme che ha determinato secoli delle proprie vite e vengono trasformati in giganti puri, cedendo alla natura la propria umanità (N.B.: non proprio tutti, perché gli Ackermann sono immuni al potere dei giganti). Chiudono gli occhi Connie e Jean, aspettando insieme l’epilogo, la madre di Reiner e il padre di Annie, sempre in cerca dei propri figli. Chiudono gli occhi i Marleyani, soggetti ad un potere che non credevano così terribile.

Mikasa mette la sciarpa rossa. Si è preparata al finale estremo, spera ancora di poter salvare Eren, ma sa che il tempo che scorre la fa avvicinare sempre di più al suo tragico destino, investita di un compito più gravoso di qualsiasi essere umano. Nella sua mente, continuano a risuonare le parole di Eren, la sua raccomandazione a “gettare via quella vecchia sciarpa rossa” per non tenerla legata ad un passato di sofferenza. Tuttavia, è solo quel passato che la rende più forte e consapevole. Mikasa ora sa e ricorda gli incubi che tormentavano Eren e la sua disperazione degli ultimi anni, celata dietro nubi di feroce emicrania (dovuta ai tentativi di Eren di cancellarle la memoria). Comprende il lungo sonno mostruoso della fondatrice Ymir, una bambina imprigionata nell’angoscia e nella paura di un amore malsano verso il suo aguzzino, rimasta impressa in una natura violata e tormentata, che ha scelto lei, scrutando nella sua mente, perché l’unica in grado di capire l’amore. Tocca a Mikasa completare il sacrificio estremo di Eren, perché “Coloro che non riescono ad abbandonare nulla, non possono cambiare nulla” (Armin Arlert).

=Toward the Tree on That Hill=

Gli Eldiani sono liberi dal potere dei giganti, ovvero dal Male che li ha oppressi e li ha mutati nei secoli. Gli eroi cha hanno offerto il proprio cuore si materializzano per salutare i liberatori. Levi offre il suo cuore al Capitano Erwin Smith, ad Hanji Zoe e ai suoi compagni del Corpo di Ricerca. Il ricordo di Sasha saluta Jean e Connie.

Passano gli anni e nonostante Eldia non sia più il paradiso infernale di un tempo, le guerre non sono finite (non finiranno mai, purtroppo). Armin, Annie, Pieck, Reiner, Connie e Jean sono ora ambasciatori della pace e della vittoria nell’anniversario della liberazione e ricevono un encomio da parte della regina Historia, mentre Levi ha deciso di devolvere la sua vita a fare del bene al prossimo. Mikasa è seduta sotto l’albero presso cui giocava da bambina con Eren, ora diventato la sua sepoltura, e, avvolta nella sciarpa rossa, attende i segnali della sua anima lontana.

Trascorrono altri anni. Mikasa rimane devota a vegliare sulla tomba di Eren. Eldia si espande, diventa moderna e tecnologica. Trascorrono i secoli. Le guerre riprendono, più forti e gravose di prima, ed Eldia viene rasa al suolo. In mezzo alle carcasse di vecchi edifici bruciati, sopravvive solo l’albero di Eren, più contorto e aggrovigliato di un tempo, quasi più saggio e simile a quello che aveva incantato la giovane Ymir. Un bambino girovago col cane si avvicina all’enorme tronco e ne rimane attratto come da una potenza indescrivibile: è il potere della Vita e della Conoscenza.

“I don’t want to just live. The world is cruel, but I still love you. No matter what I sacrifice, I’ll still protect you, the shadow of the person I chose, the corpse of the one I threw away“.

Al termine di questo viaggio durato dieci anni e con le lacrime agli occhi, grazie per averci avvolto nella tua sciarpa. Ci rivedremo presto, Eren.

Captain-in-Freckles

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Panda! Go, Panda!

Negli anni Settanta iniziò in tutto il mondo una vera e propria “panda mania”, un’attenzione  particolare per questi bellissimi animali che piacevano molto anche ai bambini;  nel 1972 lo stesso Presidente americano Nixon, dopo la visita ufficiale in Cina, ricevette in dono due esemplari di panda che vennero accolti con una cerimonia ufficiale direttamente allo zoo nazionale di Washington, D.C. Sempre nell’ambito della “diplomazia dei panda”, per saldare le relazioni diplomatiche internazionali, anche in Giappone nel 1972 arrivarono in prestito allo Ueno Zoo due panda giganti direttamente dalla Cina e così nacque una vera e propria passione per questi animali, attrazione e curiosità di molti bambini che volevano andare a vedere i panda allo zoo.

In Giappone, al culmine di questa mania per i panda, il team formato da Isao Takahata (alla regia), Hayao Miyazaki (sceneggiatore e scenografo), Yōichi Kotabe (direttore dell’animazione) e Yasuo Ōtsuka (direttore dell’animazione e character designer) diede vita al film d’animazione “Panda! Go, Panda!” che fu un grandissimo successo al cinema, così che nel 1973 uscì sempre al cinema il sequel, “Il circo sotto la pioggia”.

Nel 1971 Takahata e Miyazaki si erano recati in Svezia per incontrare Astrid Lindgren, autrice di “Pippi Calzalunghe” perché avrebbero voluto ispirarsi alle avventure della protagonista del romanzo per un adattamento animato, ma, dopo il rifiuto della scrittrice, alcune idee che avevano già realizzato confluirono nell’opera “Panda Go, Panda!”, soprattutto per il personaggio di Mimiko, la bambina protagonista dell’anime.

La storia narra della piccola Mimiko, orfana di entrambi i genitori che, un giorno, resta da sola per via della partenza della nonna che si è recata a Nagasaki per la cerimonia funebre di suo nonno. Triste e sconsolata gira un po’ per i negozi del paese, poi, decide di intraprendere la strada verso casa attraverso un boschetto di bambù e qui incontra un cucciolo di panda di nome Panny (Pan-chan in originale) che dorme sulla soglia di casa sua. La bambina fa subito amicizia con il piccolo panda e lo invita a casa a mangiare, in quel momento, però, vengono raggiunti da un panda gigante, PapaPanda, padre di Panny. Mimiko istaura subito un rapporto di intesa e di amicizia con entrambi i panda, fino a quando Papapanda decide di fare da padre anche a Mimiko che non ha mai avuto dei genitori.

Iniziano così le avventure di questa strana e adorabile famiglia, Panny vorrebbe seguire a scuola Mimiko e, una volta arrivato lì, scatena paura e curiosità da parte di tutta la scuola che inizia ad inseguire il piccolo panda. Nel frattempo, il giorno dopo, il poliziotto locale va a fare visita alla bambina e qui vede che a casa di Mimiko vivono anche i due panda, corre, inquieto, ad avvisare lo zoo vicino e il guardiano dello zoo, che ha perso di vista Panny e Papapanda, chiede un aiuto per riportare sani e salvi i due animali nella loro casa. Polizia e funzionari dello zoo si mettono alla ricerca della bambina e dei due panda che hanno lasciato la casa di Mimiko per andare a fare una passeggiata e che, dopo aver terrorizzato dei bulli locali, perdono di vista il piccolo e vivace Panny che si ritroverà in una situazione pericolosa a rischio di vita. L’avventura, però, terminerà bene, i due panda saranno costretti a tornare allo zoo, ma a condizione di trascorrere del tempo con Mimiko durante la giornata.

Nel secondo capitolo, intitolato “Il circo sotto la pioggia” ritroveremo i nostri tre protagonisti che faranno amicizia con un cucciolo di tigre, Tiny, scappato dal circo arrivato in città. Una brutta tempesta renderà ancora più difficile ritrovare la strada di casa per riportare Tiny dalla sua mamma perché tutte le strade saranno inondate d’acqua. Anche in questo capitolo, però, non mancherà l’happy end, tutto si risolverà in meglio e nelle ultime scene vedremo Mimiko e i due panda assistere ad uno spettacolo al circo e poi verso casa mentre suonano corni d’ottone.

Se lo scopo di queste due opere di animazione era senza dubbio quello educativo, anche la tecnica usata e i colori ci fanno pensare a quello che ritroveremo nelle opere dello Studio Ghibli, fondato successivamente nel 1985.

Lo stesso   Papapanda ha ispirato il personaggio di “Totoro”, così come Mimiko per Mei e Satsuki, le due bambine protagoniste de “Il mio vicino Totoro”. Nel sequel “Il circo sotto la pioggia”, le scene della città inondata hanno ispirato “Ponyo sulla scogliera”, così come il treno che attraversa l’acqua lo possiamo rivedere in “Spirited Away”.

“Panda! Go, Panda!” e il suo sequel hanno avuto una certa valenza nel panorama di animazione internazionale e hanno fatto scoprire al pubblico delle figure rappresentative che si sarebbero fatte conoscere ancora meglio negli anni successivi con “Heidi”, “Anna dai capelli rossi”, “Conan, ragazzo del futuro” e i capolavori dello Studio Ghibli. Anche per questo motivo, provo, personalmente, un certo affetto per questi due anime con protagonisti i panda e che ho recuperato alcuni anni fa dopo aver visto tutte le opere di Takahata e Miyazaki ed essermene innamorata. 

Memoru Grace

Doona! (ovvero di una stella che cammina sui tetti e di un ragazzo che non conosceva l’amore)

“Non finirò per innamorarmi di te. Non accadrà mai, okay? Però, già che ci siamo, ascoltami: anche tu non devi innamorarti di me, va bene?”.

Mentre risuonano queste parole, lei saltella per il cortile, avvolta in una nube di fumo e una camicia cadente sulle spalle, immune al freddo e alle intemperie, illuminata dalla luna come una piccola divinità boschiva. Lui la guarda in seria contemplazione, nascondendo quello che il suo cuore ha capito da subito, non appena hanno incrociato gli sguardi. Lei è una ragazza strana che cammina sui tetti e sui cornicioni a piedi nudi e rompe bottiglie sulla testa di sconosciuti, un po’ come Holly Golightly in Colazione da Tiffany. Lui è uno ragazzo serioso che ride poco e studia molto, ma si perde in sogni ad occhi aperti. I confini si sfumano in silenzi carichi di rumore e in occhi che vogliono dire parole che le labbra non possono pronunciare. Il tempo si ferma per un momento, la terra smette di girare. Le attese diventano lunghi e meravigliosi incontri.

Doona! (이두나!) è quel drama che non ci aspettavamo. Tanto atteso come ritorno in grande stile di Lee Jeong-hyo (regista di Crash Landing On You) e forse aspettato come una ventata di aria fresca nella commedia romantica, si è rivelato più una piccola perla d’autore, vicino a certo cinema d’essai, che una vera rom-com a sfondo musicale. I personaggi vivono le proprie emozioni e mettono a nudo se stessi sullo sfondo di una fotografia perfetta, sfocata e sofisticata, montata con rallenty e piani sequenza che lasciano navigare da soli gli occhi (quelli bassi e fermi di Won-jun e quelli vaghi e liquidi di Doona) e si fermano su alcuni dettagli (le mani che si incrociano, le dita che si sfiorano o i passi che indietreggiano).

Lee Won-jun (un convincente Yang Se-jong di Still 17 e My Country: New Age) ha 22 anni e studia all’università ingegneria civile. Dopo diverso tempo da pendolare tra la campagna, dove vive con la madre e la sorella malata, e la città, riesce finalmente a trasferirsi a Seoul, trovando posto in un appartamento condiviso con altri due studenti, il riservato Koo Jung-hoon (Kim Do-hwan, Start Up, My Roomate is a Gumiho, che, insieme a Lee Se-wan di Alice The Last Weapon, forma una straordinaria coppia di secondari), che ha teorizzato l’etica della solitudine, e l’estroverso Seo Yun-taek (Kim Min-ho, Jirisan, The Uncanny Counter), alla disperata ricerca di una fidanzata. Nel cortile della nuova strana casa s’imbatte in Lee Doona (splendida e assolutamente in parte Bae Suzy di Start Up, Anna, Vagabond e molto altro, che ha messo una parte di se stessa e della sua vecchia vita da Idol in questo ruolo), una ragazza che sembra farsi scorrere la vita addosso come una spirale di fumo e che trascorre le sue giornate a contemplare la propria solitudine, mentre cerca di soffocare in un vortice d’acqua inesistente. In realtà, Doona è un’ex Idol, membro prezioso e centro della band k-pop Dream Sweet, che si è ritirata dopo un crollo nervoso sul palco di un concerto, vessata da Park In-wook (meravigliosa guest star di Lee Jin-wook di Bulgasal e Sweet Home), un manager che ne ha distrutto tutta la sicurezza sin da quando era bambina, e vive in incognito sperduta in un luogo dove nessuno la verrebbe mai a cercare.

I due si vedono e si incrociano e la terra smette di girare su se stessa. Più che incontrarsi, si scontrano, quasi soggetti ad una forza più grande che continua a spingerli l’uno verso l’altra e a richiamarli: prima, lei odia lui, che non la riconosce, ma si fa scoprire con una felpa della sua band e canta tra sé le sue canzoni e, soprattutto, che interferisce nella sua inedia, preoccupandosi della sua salute; poi, lui odia lei, che sembra ignorarlo e cercarlo al tempo stesso, che lo inonda di fumo e lo fa sentire in colpa per la sua esistenza, salvo seguirlo dappertutto in modo ossessivo e canzonarlo per quanto è adorabile. Poi, “la vita ha sempre delle trame inaspettate“, meglio di un film o di un romanzo.

Doona aiuta Won-jun a palesare i propri sentimenti con la ragazza di cui è sempre stato innamorato durante il liceo, Kim Jin-joo (Shin Ha-young, la sposa con l’abito rotto nel secondo episodio di Avvocata Woo, che personalmente ho trovato bravissima come secondaria) e non si accorge che lo aiuta a rendersi conto di cosa sia l’amore e a provare le farfalle nello stomaco. Won-jun aiuta Doona a tornare a sorridere e ad apprezzare se stessa e le cose semplici di cui è fatta la vita ordinaria, compreso avere delle amicizie sane e normali, e non sa che, più si accosta alla sua vicina pazza, più lei si apre con lui, con tutte le sue fragilità e i suoi traumi, bisognosa di affetto e di comprensione, come un gatto abbandonato, donando se stessa senza avvertire alcuna differenza e alcun rimpianto con la sua vecchia vita, perché “è passato davvero tanto tempo da quando è riuscita a ridere per l’ultima volta” e a fidarsi delle persone, che l’hanno sempre giudicata una voce senza anima e, come tale, hanno finito per condannarla all’oblio.

“Una volta, mi hai detto che veniamo da due mondi diversi e che nessuno si sarebbe mai immaginato che i nostri sentieri si incrociassero. Per cui ci troviamo seduti vicini solo per coincidenza o, forse, anche per uno scherzo del destino. (…) Forse hai ragione a dire che ci siamo incontrati per caso. Ma sono contenta che sia tu la persona che ho incontrato”.

Sentieri che si incrociano e che non siamo ancora in grado di capire se proseguiranno incrociati fino a fondersi in un unico cammino o se si separeranno, pur guardandosi l’un l’altro, correndo paralleli tra loro. Sentieri che sono come i binari del treno quando si è fermi al passaggio a livello, in attesa che la sbarra si apra e che venga consentito passare: binari che si uniscono per un breve tratto e binari che proseguono il loro cammino divisi solo da una stretta banchina; persone che fermano la loro corsa e proseguono dopo lo stop e persone che, durante quel momento di pausa, vedono chiaramente di fronte a sé e sono in grado di superare quelle barriere del passaggio al livello per ritrovare qualcuno che non incontravano da tempo. L’immagine dei binari è particolarmente evocativa nelle primissime scene degli ultimi episodi, dove il regista, con una tecnica narrativa particolare, impreziosisce l’intreccio con alcuni frame che sembrano non connessi al proseguimento della trama, ma quasi una prefigurazione di quello che può avvenire o che avverrà oppure sono una metafora delle vite dei protagonisti, della strana logica del destino che può decidere se e come farli incontrare e delle decisioni che ognuno realmente prenderà. La vita è come essere immersi in un campo rosa di muhly (Muhlenbergia capillaris), una graminacea che assume un colore caratteristico tra il rosato e il violaceo e che fiorisce come una spiga di poco meno di un metro tra la fine dell’estate e l’autunno: torna e gemma con una fioritura tardiva rispetto ai fiori di primavera oppure lascia sospesi e immersi in un sogno di quanto accaduto e di quanto potrebbe accadere?

Pur riprendendo le immagini del treno e del campo rosato, ho deciso di non scrivere volutamente nulla sul finale, ben sapendo che la caratteristica di finale aperto di solito lascia lo spazio a due partiti: quello dei pessimisti, che si fermano ad un’ultima parola o ad un ultimo sguardo di tristezza e che vedono una chiusura di qualsiasi speranza; quello degli ottimisti, che si aggrappano a mille straordinarie interpretazioni per affermare che, comunque vada, sarà un successo. Ahimè, questo è sempre il rischio dei prodotti tendenzialmente romance (e la spiegazione del motivo per cui tendo ad evitarli), ma quello che vorrei rimarcare è che penso che al regista non importa far sapere se finisce o meno bene tra i due amanti, perché l’importante è quel percorso che hanno fatto insieme e che è fiorito come le spighe rosa, quella guarigione reciproca che li ha formati come esseri umani, portandoli ad apprezzare se stessi, ad innamorarsi e a soffrire fino a riprendere le proprie vite in mano, ma anche ad affermare a voce alta, come la protagonista, “adesso, finalmente, mi amo“.

Piccola postilla: da vedere e rivedere più volte la scena in cui Doona e Won-jun vanno insieme ad un concerto e Doona, invitata dagli artisti che si esibiscono a salire sul palco, scopre di avere una voce, in tutti i sensi, non solo fisicamente (finalmente, riesce a cantare senza alcun crollo nervoso), ma anche metaforicamente perché riacquisisce consapevolezza di sé e del proprio futuro, che è, al tempo stesso, il vero turning point della trama, la frattura che si crea negli animi dei protagonisti. Inoltre, nella scena compaiono i Nerd Connection, band coreana molto attiva nel panorama pop rock e indie, che meritano l’ascolto indipendentemente dal drama.

Captain-in-Freckles

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Actors on the Road: Scotland

“There is magic in Scotland. It’s a country with a lot of pride and bravery“. (Gayle Rankin)

Avete presente quella Scozia fiabesca, quella in cui è possibile ammirare il verde intenso delle sue colline che si uniscono al cielo nuvoloso e incombente e alle merlature delle torri e dei castelli, dove spuntano fantasmi dimenticati nel tempo? Ecco, provate a fare un viaggio on the road con la/il vostra/o migliore amica/o, in giro a zonzo per le terre scozzesi, k-way alla mano per la pioggia intermittente, alla scoperta delle più antiche tradizioni che avete sempre amato nei libri (e non solo). Praticamente, è quello che hanno fatto insieme Jung Hae-in (Something in the Rain, A Piece of Your Mind, One Spring Night, Snowdrop, Connect, D.P.) e Im Si-wan (Run On, Summer Strike, Road to Boston, Unlocked, prossima stagione di Squid Game), due attori coreani che non condividono quasi nulla tra loro, se non l’amicizia e il sogno di andare insieme in Scozia, come solo la Rowling avrebbe voluto.

L’idea del programma itinerante Actors on the Road: Scotland (anche noto come Actors on a Journey o Scotland Travel, in originale  배우는 여행중) è arrivata al regista e produttore PD Oh Chung nel momento in cui ha visto i due attori incontrarsi per la prima volta ai premi Baeksang 2022 e diventare immediatamente amici, con una sintonia spontanea incredibile, pur non avendo mai avuto modo di lavorare insieme (noi lo sappiamo, perché in quei giorni Jung Hae-in ha inondato il suo profilo Instagram con selfie insieme agli amici Im Si-wan e Ahn Bo-hyun ai premi Baeksang). La curiosità della produzione è aumentata nel momento in cui è stato notato non solo che l’amicizia tra i due attori aumentava di giorno in giorno (entrambi affermano durante il programma di essersi dati appuntamento per il Busan Film Festival, anche perché Im Si-wan, nativo di Busan, doveva mostrare la città all’amico Jung Hae-in, nativo di Seoul), ma anche che avevano in comune molte più cose di quello che non si poteva pensare. Entrambi, ad esempio, avevano l’obiettivo di andare in Scozia: Jung Hae-in, perché adora viaggiare e registrare dei veri e propri V-log (ne è un esempio il programma Jung Hae-in’s Travel Log del 2019, in cui l’attore ha ripreso il suo viaggio a New York e che in rete è diventato un piccolo caso) e ha una fissa particolare per il golf; Im Si-wan, perché, da sempre anglofilo e appassionato di cultura britannica, legge Harry Potter e beve solo whisky scozzese. Ma la vera scintilla è stata notare le altre connessioni spontanee tra i due attori: entrambi nati nel 1988 (tanto che il primo titolo del programma era stato concepito come Learning on a Trip: First Time Traveling with ’88ers), esattamente ad 8 mesi di distanza (Jung Hae-in è nato il primo aprile, mentre Im Si-wan il primo dicembre) e con personalità simili, nonostante i MBTI-Myers Briggs opposti (Jung Hae-in è un ISTP e Im Si-wan un ENFJ). Come afferma il regista, le connessioni con il numero 8 tra i due, poi, sono infinite (con tanti di quei calcoli matematici che rendono felicissimo Im Si-wan, uno che nei programmi si mette a risolvere il cubo di Rubik in 2 minuti e zittisce tutti coloro che sono intorno, e lasciano inquieto Jung Hae-in, che con i numeri e i conti ha una dimestichezza così bassa, da lasciare pure il resto ai negozianti).

Avete mai avuto un amico / un’amica a cui siete molto legati e con cui amate viaggiare, nonostante i caratteri completamente diversi? Ebbene, è questo ciò che succede a questi due. Da una parte, ci sono la timidezza e il sorriso sincero di Jung Hae-in, che forse non credevamo così carino e affettuoso, uno che si prende cura degli amici in tutto e per tutto (anche portando le tisane giuste per la sera, i fermenti lattici per la mattina e le vitamine e i minerali da prendere, perché in viaggio ci si depaupera), si impegna in modo metodico e persistente in tutto quello che fa, si emoziona e si commuove facilmente (la sua espressione quando Im Si-wan lo definisce come uno dei suoi amici più cari è impagabile), parla poco di sé, ma, quando lo fa, apre se stesso e i suoi traumi (l’essere stato preso in giro da piccolo perché grasso, ad esempio) e, talvolta, si spaventa pure (il suo saltino in aria durante lo sparo del cannone di mezzogiorno al castello di Edimburgo è da vedere in loop). Dall’altra parte, c’è quella falsa sfrontatezza di Im Si-wan, estroverso atipico a cui non importa di fare colpo sugli altri, ma che agisce e reagisce da sé (proprio come un geek), parla con i locali (anche facilitato da un’ottima padronanza della lingua inglese e da una pronuncia perfetta) e soprattutto parla sempre a voce alta (anche con se stesso), contratta i prezzi, dialoga con tutti i pensionati scozzesi (che, seriamente, potrebbero invitarlo per una partita di bridge), mentre mostra come si veste double-face contro il freddo, sbaglia tutte le buche del golf, fa la sua camminata veloce in stile omino da film muto (generando un certo imbarazzo nel compagno di viaggio) o, allo scatto del flash della fotocamera, esclama “Potato!” in puro stile scozzese.

Obiettivo del viaggio è conoscere la storia e le tradizioni di Edimburgo, visitandola da cima a fondo e compiendo una serie di “missioni” prescritte nella loro ginkana (trovare i nomi dei personaggi della Rowling nel cimitero che l’ha ispirata è un esempio), partecipare a diverse degustazioni di whisky e scotch locali, ma anche giocare una partita di golf nel primo vero percorso dedicato a questo sport (il leggendario Old Course di St. Andrew’s Link, dove Jung Hae-in afferma con un certo orgoglio: “Magari, non ho giocato molto e non gioco bene, ma ho battuto tutti perché ho giocato dove è nato il golf!”), seguire e partecipare ai lavori di una distilleria di whisky (con tanto di foto ricordo con i maestri di questo pregiato alcolico), andare a pesca di salmoni in barca nel fiumi scozzesi.

In sei puntate, impariamo che Im Si-wan finge di rifarsi il letto ogni mattina (fino a quando non lo scopre Jung Hae-in), ma lascia all’amico la stanza più grande e spaziosa, che non sa fare le foto (taglia teste o sfoca l’obiettivo), che può mangiare fino all’inverosimile senza mettere un grammo, che ha una fiaschetta di alcool al collo camuffata da fotocamera (o, perlomeno, così millanta), ma che segue sempre il suo hyung in tutto ciò che vuole fare, anche con il rischio di rompere un vetro nella facciata storica di St. Andrew’s per un tiro di golf. Impariamo anche che Jung Hae-in odia guidare e, se può, delega agli altri, ma odia ancora di più le macchinette automatiche dei biglietti dell’autobus (perché non sa correre con i conti), che fa foto sempre instagrammabili e, piuttosto, fa spostare mezza popolazione della Scozia, e che, inspiegabilmente, appena entra in un locale senza avventori, fa subito tendenza e il posto diventa affollato (come gli spiega l’amico, “Si tratta della Haeiness, è una cosa genetica”).

Impossibile non adorare questa coppia strana e così incredibilmente umana di amici, che, dopo i primi minuti, ci sembra di conoscere da una vita: uno di una dolcezza e di una timidezza adorabili, l’altro un genio svagato e stralunato in modo incredibile. Non so se, dopo averli visti recitare in numerosi ruoli, me li aspettavo proprio così, ma so che, vedendoli, sono diventati da subito amici di sempre, come se ci fossimo incontrati tra i banchi di scuola e fossimo andati d’accordo immediatamente, a prima vista. Anche perché siamo tutti cresciuti sfogliando i libri di Harry Potter e seguire il loro viaggio mi ha riportato alla mente un posto che ho adorato visitare anni fa, la Scozia.

P.S.: è troppo sperare in un’altra stagione e in un altro viaggio con questi due?

Laura

Zombie 100 – Cento Cose da Fare Prima di Non-Morire

“Ti sei svegliato anche tu al mattino con la febbre alta? Ti sei sentito come se stessi per morire per il troppo lavoro? Dimmi: quando sei morto per davvero? Nessuno se ne andrà via finché non avremo finito”.

Questo è l’incipit del manga seinen ZOM 100: Bucket List of the Dead (ゾン100 -ゾンビになるまでにしたい100のこと,  Zon 100 ~ Zonbi ni naru made ni shitai 100 no koto, traducibile letteralmente come “Zom 100 – Cento cose che voglio fare prima di diventare uno zombie“), scritto da Haro Aso e disegnato da Kotaro Takata, serializzato e, poi, pubblicato in volumi tankobon in Giappone dal 2018 al 2023, fino all’arrivo del successo internazionale che ha interessato la sua trasformazione in una serie anime (prodotta da e trasmessa da Crunchyroll) e, in contemporanea, in un film live-action (con il patrocinio di Netflix), entrambi con il nome di Zombie 100 – Cento cose da fare prima di non-morire, e destinata a continuare fino ad esaurimento di tutte le storie contenute nel manga (e forse anche oltre). Perché, per parafrasare Douglas Adams, ZOM 100 nasce come una Guida galattica per emarginati sociali di ogni tipo che intendono sopravvivere ad un’apocalisse zombie, o, meglio ancora, alla degenerazione e all’alienazione della nostra umanità, ma con la leggerezza e il sorriso di un colorato video pop.

Akira Tendo (nel film interpretato da Eiji Akaso, Pending Train, Turn To Me Mukai-kun) è un giovane entusiasta che crede di aver trovato il lavoro dei suoi sogni, ma che presto si rende conto di affrontare l’amara realtà del mondo lavorativo e del suo sfruttamento: orari improponibili, mansioni da sfruttamento, sovraccarico emotivo, bullismo da parte dei capi coadiuvati dagli altri colleghi come co-mobber, gaslighting e senso di inadeguatezza che sminuisce la dignità dei lavoratori. Ogni giorno Akira si sveglia con le sue occhiaie che si fanno sempre più profonde e, come un automa, si reca al lavoro, pronto a ricevere umiliazioni non richieste, come se fossero il suo normale tributo da pagare al mondo, e mantiene il suo sorriso ebete e privo di vita sul volto; poi, torna a casa ad orari tardissimi e si chiude nel suo cubicolo abitativo ad attendere il passare della notte e la ripresa della prossima giornata lavorativa. Così, giorno dopo giorno, senza un’apparente fine. Una sera, Akira, che è arrivato al culmine della sopportazione e vorrebbe solo sparire dalla faccia della terra, va a dormire esprimendo il desiderio di non dover andare al lavoro il giorno dopo e, magari, anche quello dopo ancora, senza più preoccuparsi nemmeno del sostentamento quotidiano (“Per favore, lasciamo dormire e non farmi svegliare più“). Quando, il mattino dopo, si sveglia e si prepara per la giornata lavorativa, sente intorno a sé uno strano e spettrale silenzio: esce sulle scale del palazzo e nello spazio antistante, ma è come se ci fosse qualcosa di strano, quasi di elettrico nell’aria. Le persone camminano come in preda ad un incantesimo, senza parlare fra loro e ciondolando con gli arti; poi, si urtano e fanno versi strani, animaleschi, come in procinto di aggredirsi. Akira si rende conto di essere circondato da zombie o, meglio, si rende conto che l’ordine delle cose è stato sorprendentemente sovvertito e che è rimasto l’unico umano in zona con intorno un mare di zombie. E, tutto ad un tratto, come nessuno potrebbe mai immaginare, all’iniziale sorpresa, seguita da disgusto e da una punta di terrore, si sostituisce quell’irrazionale e grandioso senso di inaspettata libertà.

“Non devo più andare al lavoro! YATTAAAA!”.

Onestamente, non sentivo uno YATTA! urlato in modo così deciso e così convincente al cento di Tokyo dai tempi di Hiro Nakamura in Heroes (e, se non sapete di cosa parlo, pentitevi subito e andate a recuperare). Non solo Akira non si spaventa a trovarsi in mezzo agli zombie, ma, finalmente, esce fiducioso di affrontare il mondo e il futuro, o, meglio, il suo non-futuro, perché, in effetti, non sa nemmeno se e come sopravviverà all’apocalisse zombie, ma sa che non poteva più continuare a vivere in quel modo alienante con la sindrome da burn-out: “Non so nemmeno più perché lavoro. Adesso è arrivato il momento di riprendere il controllo sulla mia vita“. Ed è così che inizia a scrivere una lista di 100 cose da fare assolutamente prima di (non-)morire o di farsi trasformare in zombie, lista destinata ad allungarsi e a superare quota 100 perché i desideri umani sono infiniti e il desiderio di non morire li supera tutti: “Possiamo morire oggi o possiamo morire fra 60 anni. In ogni caso, non c’è mai abbastanza tempo per fare tutte le cose che si vogliono fare. Per cui scriverò una lista delle cose da fare per non-morire“. Anche perché, nella morte generale, Akira riesce finalmente a trovare una ragione di vita nelle proprie azioni: inizia a vivere e a diventare un supereroe (punto, peraltro, presente nella sua lista) e a salvare tutti dalla distruzione, che non è soltanto l’epidemia zombie che imperversa per le strade del Giappone, ma è la devastazione interiore, la perdita dell’anima, a cui tutti, di volta in volta, abbiamo rinunciato in nome di un’ignota obbedienza ad un macchinario onnisciente.

Nella sua lotta per riconquistare l’umanità interiore persa e per aprire gli occhi agli altri, si troverà a fianco l’amico di sempre Kenichiro Ryuzaki (Shuntaro Yanagi, che era Last Boss, il tizio tatuato con la lunga katana, in Alice in Borderland) e l’introversa e diffidente Shizuka Mikazuki (Mai Shiraisi, ex idol e componente della band femminile Nogizaka46 e apparsa nelle due stagioni di Stolen Identity e in Don’t Call It Mystery), ma troverà anche il suo ex capo che lo bullizzava al lavoro, Gonzo Kosugi (Kazuki Kitamura di Samurai Cat e Galileo), pronto a rivelarsi come la sua nemesi e a schiacciare la sua dignità, ma ad instaurare le regole della spietata gerarchia e della violenza lavorativa anche nel nuovo ordine post-apocalisse zombie. Per cui la missione da supereroe di Akira diventerà quella di aprire le coscienze degli altri e di non farli cadere nel baratro della disperazione, come viveva lui: “Sapete? Un tempo, anch’io ero come voi. Le lunghe e pesanti ore al lavoro mi avevano devastato e mi avevano fatto dimenticare come significasse vivere come un essere umano“.

Tutti viviamo come zombie, devoti a dire di sì e ad accettare le imposizioni che ci arrivano dalla società e dai contesti in cui vogliamo essere integrati, in primis dal piccolo mondo sociale che frequentiamo più spesso, il lavoro. Tutti viviamo di cieca e vuota routine quotidiana, sottostando a regole che crediamo di gestire e a ritagliando sempre di più il nostro mondo, la nostra fantasia e la nostra anima. Tutti ci copriamo il volto di un falso sorriso, per il buon vivere civile, senza mai palesare i nostri pensieri, ma siamo accondiscendenti con i cosiddetti capi, anche quando si tratta di uccidere noi stessi e la nostra umanità e, magari, pure di annichilire la dignità di un amico/conoscente/collega. Sragioniamo, credendo di essere nel giusto, seguiamo la corrente e ci divoriamo tra noi in un modo in cui non riusciamo nemmeno a distinguere i colori.

“Fino a ieri, vedevo il mondo con un unico colore, offuscato in una nube nera. I cieli azzurri, gli alberi verdi e il sangue rosso vivo! Avevo dimenticato che il mondo fosse così pieno di colori! Sono così felice da aver preso un giorno di riposo dal lavoro!“: afferma Akira in una verità che tutti conosciamo e che quasi ci imbarazza ammettere, quando cerchiamo quel riposo o quelle famigerate “ferie” per ritrovare noi stessi.

Divertente, allucinante e sopra le righe, nel suo mix di action. horror e comicità grottesca, Zombie 100 nasconde, in realtà, una forte critica alla società moderna e al mondo del lavoro, una società feroce e disumanizzata che porta all’annichilimento delle persone e a far perdere loro la salute fisica e mentale, senza un briciolo di compassione e senza mai fermarsi per dare spazio al fattore umano. In Giappone, Zombie 100 è calato come una vera e propria mannaia per colpire un mondo lavorativo degradante e da esaurimento, che pretende lavoratori sempre iper-efficienti e privi di orari, ma con una presenza e una disponibilità flessibile. Si calcola che, dal 2021 e dopo una parvenza di riduzione per 11 anni, il tasso di suicidi sia tornato a crescere in Giappone e gran parte di essi sono correlati allo stress e all’alienazione in ambito lavorativo (circa 30.000 suicidi l’anno, ovvero 80 al giorno e, quindi, uno ogni 15 minuti). Tuttavia, anche gli altri paesi della società capitalista stanno contando numeri e statistiche che dovrebbero portarsi a riflettere seriamente a quali soluzioni trovare per riparare una degenerazione che, per riprendere le parole di T.S. Elliott, ci rende degli “hollow-men”, dei gusci svuotati, in apparenza umani, ma privi di umanità e pronti ad annullarsi nel mondo.

Note sparse finali: a scena dello squalo zombie è sicuramente la più assurda in assoluto, ma per i fan di un certo tipo di genere e di splatter non è del tutto una novità, visto che appartiene agli elementi caratteristici e cita pure la saga di horror b-movie Sharkanado, un piccolo cult in rete; serie anime e film live-action ci mostrano che Akira, al momento, ha scritto solo 33 punti nella sua lista, per cui c’è ragione di credere che debba realizzare ancora molti desideri nel mezzo dell’epidemia zombie (consultare il manga per controllare).

Captain-in-Freckles

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Ma anche…

Behind Your Touch

Cos’è il Male? Perché siamo così terrorizzati se ne abbiamo spesso solo un concetto astratto? Che cos’è, quindi, il male? E’ l’assenza di bene, ma entrambi i concetti di bene e di male appartengono alla vita degli esseri umani dotati della capacità di scegliere di compiere determinate azioni e delle relative conseguenze.

Dopo la visione di “Behind Your Touch” mi sono posta tutti questi interrogativi. La cosa più incisiva, però, è il fatto che il drama, magistralmente, riesce a porci davanti scene di pura ironia, alle volte anche agli estremi del demenziale, in contemporanea a delle situazioni talmente verosimili e crudeli da farci accapponare la pelle.

Tutti i personaggi all’interno della storia giungono a delle scelte e decisioni che si ripercuotono sulla propria vita e su quella degli altri. Se nei primi due episodi siete riusciti a reggere e anche a ridere delle scene comiche e ironiche presentate, pian piano il drama scopre la vena del thriller cercando, però, di smorzare ogni tanto, quell’atmosfera che diventa oscura e orrida con dei siparietti simpatici anche grazie alla bravura dei protagonisti e di alcuni secondari che impreziosiscono l’andamento della storia.

Protagonista del drama è Bong Ye-boon (interpretata da una sempre bravissima Han Ji-min, “One Spring Night”, “Our Blues”, “A Year-End Medley”, “Two Lights: Relumino”), una veterinaria che vive nella pacifica e rurale città di Mujin e che, dopo una notte di pioggia di meteoriti, mentre è stata chiamata nella fattoria di un allevatore per curare la sua mucca, come per magia, diventa sensitiva e acquisisce un potere psicometrico: ogni volta che tocca il posteriore di persone e animali riesce a  vedere avvenimenti del loro passato o ricordi, questo perché, nel momento in cui il cielo si era riempito di pioggia di meteoriti, lei stava visitando la mucca e aveva posato la mano proprio in quella parte del corpo dell’animale, prima di essere colpita da una scheggia di meteorite.

Dopo aver preso coscienza del suo potere, Ye-boon soffre molto visto che avrebbe fatto a meno di possedere questa capacità; all’inizio, cerca, quindi, di usarlo solo nella sua professione perché, toccando gli animali che le portano in ambulatorio, riesce a capire le loro difficoltà, i loro malesseri e ad aiutare i rispettivi proprietari, ma quando si accorge che, tramite  i ricordi degli animali, può riuscire a vedere le azioni degli esseri umani registrate nella memoria degli animali stessi, la veterinaria va ancora più in apprensione per questo potere non richiesto. Ye-boon ha ereditato la clinica dal nonno, veterinario ormai in pensione che abita insieme alla figlia Jung Hyeon-o, zia di Ye-boon (interpretata da Park Sung-yeon, “Love Alarm”, “Never Give Up”, “Dodosolsollalasol” e “Bloody Heart”) divorziata e disillusa dell’amore, infermiera della clinica che sprona continuamente la nipote a guadagnare di più recandosi presso le fattorie del paese. Ye-boon vive con il nonno e la zia, ma non riesce ad avere una comunicazione diretta con il nonno ormai da quindici anni, da quando sua mamma è morta a causa di uno strano incidente, che è passato come suicidio; da allora il nonno, addolorato per la perdita della figlia e per le scelte che l’hanno portata alla morte, non parla più con la nipote che si sente sempre come un’estranea a casa dei familiari e non riesce a capire il comportamento ingiusto del nonno.

Un giorno, nella piccola stazione di polizia di Mujin arriva il detective Moon Jang-Yeol (interpretato da Lee Min-ki, “My Liberation Notes”; “Because this is My First Life”). Jang-Yeol, che apparteneva alla squadra investigativa sui crimini violenti a Seoul, è stato retrocesso a Mujin per via di alcuni fatti importanti e gravi avvenuti nell’ultimo anno di servizio che si collegano al suo comportamento sul lavoro. Il detective farà di tutto per tornare al suo dipartimento a Seoul, è abituato ad essere sempre in attività e, invece, a Mujin non succede mai niente, è tutto così monotono e tranquillo.

Le strade di Ye-boon e Jang-yeol si incrociano quasi subito e, direi anche male, visto che nei primi episodi i loro incontri sono molto agitati e strambi e i loro caratteri e modi di fare sono così diversi, per di più Jang-yeol inizia ad avere dei preconcetti sulla veterinaria soprattutto dopo essersi accorto dei suoi strani comportamenti e azioni, come ad esempio toccare il posteriore degli animali, e inizia, quindi, a considerarla una “pervertita”. Da parte sua, Ye-boon, che vorrebbe confidare a qualcuno questo suo potere, si sente a disagio nei confronti del detective che la guarda male e la tiene d’occhio continuamente credendola una persona svitata.

Quando, però, i due, dopo una serie di malintesi, riescono in qualche modo a capirsi e a trovare fiducia l’uno nell’altra, soprattutto da parte del detective che inizialmente non riesce a credere al potere della ragazza, in città avvengono alcuni omicidi spietati e la paura di un ipotetico serial killer entra nel cuore  e nella mente degli abitanti che fino ad allora si erano sempre sentiti al sicuro in una città dove l’unico problema poteva essere solo qualche animale fuggito da una fattoria.

A Mujin si inizia a sospettare di tutti, ma in modo particolare dei forestieri, come ad esempio del giovane Kim Sun-woo (Su-ho, cantante del gruppo EXO e interprete di “Rich Man, Poor Woman”) che ha un fascino e una dolcezza innati che colpiscono da subito Ye-boon, da quando il ragazzo, che si occupa di piccoli gattini randagi, li porta per le cure nella sua clinica. Ye-boon da subito nutre affetto per lui e per la sua generosità coperta da timidezza. Sun-woo lavora part time nel piccolo convenience-store vicino alla clinica veterinaria, è un ragazzo schivo e molto riservato che custodisce nel cuore un segreto che lo ha portato fino a Mujin e che lo renderà una delle prime persone sospettate da Jang-yeol e anche da altri abitanti del paese.

Quando gli omicidi aumentano e colpiscono personalmente anche la stessa Ye-boon, la ragazza insieme al detective iniziano a collaborare usando il suo potere psicometrico per cercare di battere in velocità la crudeltà della morte che sta infierendo nella piccola cittadina e per riportare quell’atmosfera serena che era tipica di Mujin. Riusciranno a trovare il colpevole tra tutti gli abitanti del paese oppure è una persona estranea che ha deciso di portare panico, paura e sofferenza?  

Tanti i personaggi interpretati da attori che arricchiscono il cast di questa serie, la migliore amica di Ye-boon, Bae Ok-hee, interpretata da Joo Min-kyung (“Something in the Rain”, “One Spring Night”, “Jirisan”) che è capace di regalare alla storia i momenti più comici, ma anche quelli emozionanti quando cerca di capire e di aiutare l’amica a venire a capo della sua depressione; l’estroso sciamano Park Jong-bae (interpretato da Park Hyuk-kwon (“Something in the Rain”, “A Time Called You”), abbandonato dalla moglie che è scappata in Australia con il figlio; l’avido politico Cha Ju-man (interpretato da Lee Seung-joon, “Doom at Your Service”, “Strong Girl Nam-Soon”, “All that We Loved”); il capo squadra di polizia ed ex innamorato della zia di Ye-boon, Won Jong-mook (interpretato da Kim Hee-won, “Unlocked”); l’allevatore Jeong Gwang-sik interpretato da Park-No-sik che supporterà i due protagonisti nella loro ricerca del colpevole degli omicidi seriali.

“Behind Your Touch” è un drama che inizia come una serie comica, si trasforma in giallo per poi prendere le tinte del thriller e spaventa, proprio in quella schietta crudeltà che coinvolge lo spettatore nel non prendere mai per scontato nessuno o meglio la maschera esterna che tutte le persone vestono quando si interfacciano con la società. L’amarezza che lascia la soluzione finale consiste proprio in questo, nel rendersi conto del male che spesso è forse troppo vicino ad ognuno di noi, un male che è privazione del bene e di alcun barlume di coscienza, un male che può inghiottire qualsiasi luce dell’anima. Mai, come in questo drama, ho provato la sensazione di vuoto che esiste nel rendersi conto come spesso il nostro piccolo mondo possa essere calpestato e capovolto una volta che ci si rende conto di aver giudicato non correttamente qualcuno, di aver sospettato della persona sbagliata e di aver riposto fiducia nella persona che, invece, ha tradito la nostra speranza.

Memoru Grace

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The King: Eternal Monarch (ovvero del destino delle scelte, della lirica del tempo incrociato e di un cavallo bianco)

“Se è destino, non ci sono coincidenze. Il nostro destino è la somma delle nostre scelte, ma certe volte… È il destino a scegliere per noi”.

Diciamo la verità: da bambine siamo state rovinate dalle fiabe o dai film Disney o, comunque, da tutti quei racconti fantastici in cui, così improvvisamente quasi dal nulla, compariva un bel principe azzurro vestito impeccabilmente e sul cavallo bianco, pronto in soccorso dell’eroina (in cui tendevamo a identificarci). Poi, siamo cresciute e abbiamo capito che, se andava bene, il nostro principe azzurro restava fermo in tangenziale e, con ogni probabilità, aveva pure lasciato a casa il suo cavallo bianco e anche parte della sua smagliante bellezza, della sua folta chioma e della sua incredibile eleganza. In definitiva, aveva lasciato a casa anche l’appellativo di principe azzurro ed era già tanto se era riuscito a liberarsi dal traffico in tangenziale. Ci siamo disilluse, abbiamo capito che le fiabe ci avevano nutrito di aspettative irrealistiche e siamo diventate grandi. Un giorno, però, abbiamo acceso la televisione e, nel mezzo di una metropoli notturna e fumosa, abbiamo visto apparire dal nulla Lee Min-ho, serio e regale sul suo cavallo bianco a guidare l’armata di cavalieri per soccorrere la donna amata, urlando forte: “Salvatela: è la futura regina di Corea!“.

Allora, abbiamo capito che le aspettative irrealistiche non sarebbero mai finite, ma che, anzi, avevano trovato alloggio e ormeggio in quella porta di congiunzione tra due mondi e in un tempo sospeso. E va bene anche così, perché è la terra ideale dove vengono costruiti i sogni e nessuno ha il diritto di scardinarla.

The King: Eternal Monarch (더 킹: 영원의 군주, Deo King: Yeong-won-ui gunju, che letteralmente vuol dire “Il monarca dell’eternità”) si colloca lì dove iniziano e si alimentano i sogni, in mezzo ad una foresta di bamboo fatata, sotto la prima neve che rende immobili tutte le cose, nelle luci soffuse della città addormentata di notte, in una lunga e sottile striscia di terra che travalica il mare per perdersi nell’orizzonte del tempo e dello spazio, perché il sogno costruisce sempre un’altra dimensione, che, per quanto onirica, forse è più reale di quanto si possa immaginare.

In un’altra dimensione parallela a quella a noi nota, la Corea ha vinto il Giappone all’inizio delle sue mire espansionistiche, reggendo il confronto durante la Seconda Guerra Mondiale e conservando la monarchia con tre capitali: Pyongyang è la capitale economica, dove hanno sede tutte le maggiori famiglie di chabeol; Seoul è la capitale politica, dove vive il primo ministro e si trovano il parlamento e il governo; Busan è la capitale culturale, dove è collocata anche la reggia del re, con l’istmo dominato dalla statua colossale dell’ammiraglio Yi Sun-sin a guardia del porto e di vedetta verso il vicino Giappone (chi è stato in Corea o conosce i più grandi monumenti, però, sa che la statua menzionata si trova a Seoul presso la Piazza Gwanghwamun). Tuttavia, la vita a corte non è delle più semplici: negli anni ’90, nonostante il potere sia stato ereditato in modo legittimo dal re Lee Ho (prezioso cameo di Kwon Se-in), il fratellastro Lee Rim (Lee Jung-jin, The K2, Pietà) muove contro una congiura di palazzo per prendere il potere. In una notte di sangue, riesce a uccidere il fratello e parte del suo seguito e a lasciare agonizzante il nipote, Lee Gon, un bambino di sei anni, fino a quando una figura misteriosa e vestita di nero non irrompe all’improvviso, salvando il giovane erede al trono e mettendo in fuga i congiurati. Lee Rim, però, riesce ad impadronirsi di una parte di un flauto magico di bamboo, che dà a coloro che lo possiedono il potere particolare di piegare il tempo e lo spazio. Vicino a Lee Gon, viene rinvenuto il tesserino di una detective della polizia di Seoul di nome Jeong Tae-ul, datato 11 novembre 2019 (11-11, data palindroma e speculare, che raffigura il doppio).

Passano gli anni, volge il 2019. Dalla sua traumatica infanzia, Lee Gon, ora divenuto re (e, tra l’altro, anche diventato Lee Min-ho, Pachinko, The Heirs, Boys Over Flowers), si è convinto che la sua misteriosa salvatrice proveniente dal futuro non sia altro che la sua donna ideale. Solo che trovarla nel suo regno è impossibile. Nel frattempo, continua a condurre ricerche sulla misteriosa scomparsa dello zio assassino e della metà del flauto magico, convinto che ci sia una spiegazione legata al suo potere e a variazioni infinitesimali nel tempo e nello spazio, variazioni che frangono il continuum e bloccano il mondo, seppure per attimi impercettibili a chiunque. I suoi studi matematici e scientifici lo conducono ad indagare in una misteriosa foresta di bamboo, la stessa che aveva fornito il materiale al flauto magico, cavalcando il suo destriero bianco e recando con sé la sua parte di flauto. E lì avviene la magia: improvvisamente, dal nulla, si apre un portale, che sembra uno specchio e che lo conduce in un’altra dimensione.

Autunno 2019. La detective Jeong Tae-ul (interpretata da Kim Go-eun di Goblin e Little Sisters) è bloccata nel traffico di una caotica Seoul serale, dopo una giornata pesante, impensierita da un’indagine complessa e dalla strana scomparsa e ricomparsa di persone dalla capitale. Giacché il traffico non accenna a muoversi, scende arrabbiata dall’auto per sincerarsi dell’impedimento per strada e trova Lee Gon sul suo cavallo bianco.

“Il tempo si è fermato per un momento. Però, grazie a questo, tutto è diventato più bello”.

Vorrei scrivere che il primo incontro è così idilliaco e poetico, come le immagini di una fotografia stupenda sembrano fare intuire, o che la logica del cavallo bianco abbia sortito effetto in una ragazza moderna, cresciuta a suon di fiabe e principi azzurri, ma non è così. Mentre Lee Gon rimane incantato da Tae-ul, anche perché riconosce la fisionomia della proprietaria del tesserino, Tae-ul scambia per pazzo un tale vestito di velluto, che si autodefinisce re di Corea e va a cavallo in mezzo alle automobili, e lo arresta immediatamente. Lee Gon si rende conto che i suoi sospetti sono fondati e che le antiche leggende sul flauto avevano ragione, giacché esistono tante e innumerevoli dimensioni parallele, che si inseriscono nello spazio infinitesimale tra gli oggetti reali e nel tempo di un fruscio d’ali di farfalla. Si rende anche conto che deve esserci un motivo se il portale ha aperto quel varco con una Repubblica della Corea del Sud, dove è presente la detective del suo salvataggio e dove tante tracce lo portano alla fuga dello zio, e che nessun elemento è a caso, ma sono tutti incastonati in una fitta tela di eventi concatenanti, di cui è necessario sbrogliare la matassa e che l’unica vera alleata può essere solo questa strana e determinata detective che, per qualche ignota ragione, è collegata al suo destino.

Perché le coincidenze non esistono, ma sono variabili ammesse in quell’enorme equazione matematica che è il tempo umano.

Le indagini di Lee Gon e Tae-ul si uniscono e si trovano ad essere speculari, facendo sorgere tra loro un’amicizia e una stima reciproca, che, col tempo, diventa un amore intenso, che travalica i confini dello spazio, del tempo e di qualsiasi dimensione, visto che i due iniziano a viaggiare tranquillamente tra le due dimensioni per aiutarsi e supportarsi a vicenda, ma anche perché non possono più fare a meno l’una dell’altro: “Ho atteso per 25 anni per incontrarti… Ho realizzato che non ti ho mai regalato un fiore. Ed è questa la ragione per cui ho attraversato l’universo per te. Ho realizzato anche che non ti ho mai detto di amarti. Ma io sono profondamente innamorato di te“.

Solo che Lee Gon e Tae-ul non sono gli unici viaggiatori nello spazio-tempo, visto che Lee Rim non solo è vivo e vegeto, ma, avendo scoperto che i due mondi sono perfettamente identici nelle persone che li costituiscono (per cui esiste una versione di ognuno di noi in ogni dimensione parallela), sfrutta la sua gestione del portale per operare una serie di delitti, che vanno da uccisioni, alla sostituzione di persone da un mondo all’altro, e mettere a compimento il suo piano di congiura, così bruscamente interrotto anni prima. Queste azioni non fanno altro che generare fratture a catena nel continuum spazio-temporale e a provocare un evento dietro l’altro, che, come un effetto farfalla, rischia di compromettere il genere umano e l’esistenza di entrambe le dimensioni, di riscrivere la storia, ma anche di far collassare il mondo, in un fragile e precario equilibrio matematico dove, come ne La Storia Infinita, il nulla può eliminare qualsiasi elemento numerico.

Intorno ai due protagonisti e ad un antagonista enorme e arcigno, un pletora di personaggi secondari e di tante storie ad incastro, che, talvolta, vanno a rubare la scena – meritatamente – alla storyline principale: c’è il Capitano Jo Yeong, la Spada Assoluta del re nella Corea monarchica, duro, ferreo e irreprensibile, che scopre di avere nel semplice e svagato Jo Eun-seob il suo doppio della Corea repubblicana e i siparietti tra i due doppi, ma anche gli assoli di ognuno di loro e gli improvvisi atti di coraggio sono una parte a sé in questo drama, che cementificano la bravura e la padronanza sulla scena di Woo Do-hwan (Bloodhounds), interprete di entrambi i ruoli; c’è il detective Kang Shin-jae (interpretato da un sofferente e melanconico Kim Kyung-nam di The One and Only e About Time), un personaggio che è chiave, ma anche effetto e vittima della congiunzione tra i due mondi e che reca su di sé le cicatrici delle flessioni spazio-tempo e delle decisioni umane; c’è la prima ministra della Corea monarchica Goo Sae-ryung (interpretata da Jung Eun-chae di Anna), una donna cinica e opportunista che unisce in sé tutte le caratteristiche del machiavellismo politico e qualcosa di più; c’è Myeong Na-ri (interpretata da Kim Yong-ji di Tale of the Nine-Tailed), la proprietaria di una caffetteria, che, in qualche modo, si trova più coinvolta di quanto possa pensare con le vicende dei due mondi; infine, c’è la mia preferita, la dama di corte Noh Ok-nam (interpretata da Kim Young-ok, anche definita la “nonna di Corea”, vista e amata in Hometown Cha-Cha-Cha, King The Land, Jirisan, Miss Hammurabi, Mouse, e molto altro), che, senza fare troppi spoiler, è unica nel suo genere, ma anche unica nei mondi.

A quest’ultima è demandata la lettura di diverse poesie di Kim Sowol, forse uno dei più grandi poeti coreani di sempre, morto prematuramente durante l’occupazione giapponese e creatore di una lirica malinconica e trasognata, che narra di decisioni umane e di altrettanto umane profonde rassegnazioni, di destini che si incrociano come fili intrecciati e che sono determinati da eventi più grandi, di coincidenze che nascono dal cuore e di emozioni che trascendono il tempo e lo spazio. E con i suoi versi vorrei terminare questa mia disamina di un drama fantasy romance, che non è perfetto e forse non raggiunge il livello di Goblin (degli stessi creatori), ma che ci apre un portale unico nella nostra anima poetica, perché il destino è la lirica del tempo incrociato i cui fili continuiamo a tirare ogni giorno con le nostre decisioni, seduti sul canale del tempo che scorre, custodendo i nostri ricordi.

“Per quale ragione facevi così? / Ti sedevi da sola presso il canale, / l’erba verde cresceva intorno / e l’acqua zampillava dalla sorgente. / Hai promesso che, anche se fossi andata via, / non saresti stata via per sempre, / questa era la tua promessa. / Io siedo ogni giorno presso il canale, / penso a qualcosa che non avrà mai fine. / Quando hai promesso che, anche se fossi andata via, / non saresti stata via per sempre, / mi stavi chiedendo di non dimenticarti?” . (traduzione mia)

Laura

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Mary e il fiore della strega

“Sembra che in passato pure le streghe ne andassero in cerca.” “Le Streghe?” “Già. È il fiore della strega”.

Lo Studio Ponoc nasce nel 2015 fondato da Hiromasa Yonebayashi e Yoshiaki Nishimura che avevano in precedenza lavorato per lo Studio Ghibli. Il nome dello Studio Ponoc deriva dalla parola serbo-croata “ponoc”, cioè “mezzanotte”, “il momento in cui finisce un giorno e ne inizia un altro”. Una delle primissime opere dello Studio è il lungometraggio animato, “Mary e il fiore della strega”.

Quando andai a vederlo al cinema nel 2018 speravo tanto di ritrovare in questo film la stessa magia e fascino delle opere dello Studio Ghibli e, seppur il raggiungere la perfezione dello Studio Ghibli sia un’impresa quasi impossibile, ricordo di aver promosso pienamente il film che era riuscito ad emozionarmi.

Il regista Hiromasa Yonebayashi (“Arietty”, “Quando c’era Marnie”) sceglie la trasposizione cinematografica della storia tratta dal romanzo di narrativa d’infanzia, “The Little Broomstick” (“La piccola scopa”), della scrittrice inglese Mary Stewart, famosa per il ciclo di romanzi “Le cronache di Merlino”, la storia di Re Artù vista dagli occhi di Mago Merlino.

La protagonista, Mary Smith, una ragazzina di dieci anni, dai capelli rossi che, fin dall’inizio, si lamenta della sua vita ordinaria, a partire dal suo nome così comune, viene mandata a trascorrere l’estate nella casa di campagna della prozia Charlotte. Peter, un ragazzo che abita nei pressi dell’abitazione della zia, inizia a prendere in giro Mary a causa dei suoi capelli rossi e ribelli e dei suoi atteggiamenti goffi. Mary cerca di trascorrere da sola ogni ora, senza stringere amicizia con nessuno. Un giorno, però, inseguendo due gattini di nome Tib e Gib si ritrova in un bosco vicino dove viene attirata da uno strano fiore azzurro che emana una luce particolare e Mary lo raccoglie. Di lì a poco trova anche una scopa che sembra come quella che usano le streghe per volare, Mary non crede a tutto ciò, ma, una volta salita sulla scopa per giocare, scopre che si tratta di una scopa magica che vola e così Mary inizia a viaggiare per il cielo e le nuvole e a dimenticare i propri dispiaceri e insicurezze, fino a quando la scopa non la porta all’Endor College, una vera e propria scuola di magia. Mary viene accolta dalla rettrice Madama Mumblechook e dal Dottor Dee che studiano magia metamorfica e sono attirati dal fiore raccolto dalla ragazza. Sembra che quel fiore molto ambito, che si chiama anche “Volo notturno”, sia un fiore raro che sboccia ogni sette anni e, per la sua rarità, è ricercato dalle streghe perché potenzia le loro abilità e poteri magici.

Quando Madama Mumblechook e il Dottor Dee tentano in tutti i modi di farsi lasciare da Mary il fiore azzurro, la ragazzina capisce che in quella scuola c’è qualcosa che non va, qualcosa che tutti nascondono, le metamorfosi di animali ed esseri umani, gli esperimenti nascosti e la sparizione improvvisa di Peter.

Riuscirà Mary a ricostruire tutti i pezzi mancanti per capire cosa possa essere accaduto? Sarà in pericolo dopo che non permetterà ai due di rubarle il fiore magico?

Vi anticipo solo che la piccola scopa condurrà Mary in una vera e propria avventura di vita e di crescita, la porterà anche in un cottage disabitato, situato su una piccola isola deserta e, all’interno della casa, troverà un libro di appunti di incantesimi e uno specchio grande da dove vede la prozia giovane che cerca di comunicare con lei.

A mio parere il punto di forza di “Mary e il fiore della Strega” è la critica alla magia stessa, cioè all’uso inappropriato della magia, come per esempio gli esperimenti di Madama Mumblechook e del Dottor Dee che prevaricano qualsiasi principio etico e per questo la storia è di una modernità incredibile anche se il libro a cui è ispirata è stato pubblicato nel 1971. Grazie alla magia, Mary riuscirà a liberarsi e a superare le difficoltà, ma la magia è solo un mezzo momentaneo e non lo scopo, il fine ultimo; Mary affermerà che gli esseri umani non hanno bisogno di magia, ma hanno bisogno di sentirsi a casa. Il messaggio del film è un messaggio di puro realismo all’interno di una storia fantastica ed è questa una delle caratteristiche che contraddistingue maggiormente questa storia e che il regista ha deciso di scegliere per lasciare al pubblico una riflessione senza tempo.

Da ricordare la colonna sonora affidata a Takatsugu Muramatsu, già compositore per il film “Quando c’era Marnie” e alla collaborazione di altri musicisti tra cui Joshua Messick, uno dei più famosi suonatori di dulcimer, strumento a corde pizzicate o percosse e appartenente alla famiglia dei liuti.

Se non avete mai visto “Mary e il fiore della strega”, vi consiglio di recuperarlo perché conserva la freschezza di un fantasy lineare che convoglia in sé tutti gli elementi magici e costanti del genere, oltre ad essere stato di ispirazione ad altre narrazioni fantastiche o di essersi ispirato a sua volta ad altre opere esistenti. Solo io ho pensato che il nome della protagonista, Mary, sia stato un omaggio alla scrittrice inglese Frances Hodgson Burnett e alla sua Mary Lennox, protagonista de “Il giardino segreto”? La scopa magica che accompagna la protagonista dell’anime è invece un omaggio del regista all’opera di Miyazaki, “Kiki, consegne a domicilio”. Il famiglio, che nell’anime è il gatto della protagonista, è di solito l’animale che accompagna ogni strega, non vi sembra un po’ un immergervi nell’atmosfera di Hogwarts?

Ogni elemento magico presente in questo film rende la storia una avventura incantevole e unica che affascinerà adulti e bambini.

Memoru Grace

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Song of the Bandits (ovvero il canto dell’acciaio, del fuoco e della libertà)

“Combatteremo. Se combatti per il tuo paese, sei considerato un soldato. Se combatti per proteggere la tua famiglia, sei, invece, un bandito. Non è così?”.

Polvere. Paesaggio assolato. Raggi luminosi che accecano gli occhi. Un alito di vento che solleva ancora più polvere e nasconde il sole. Stivali sporchi di fango e di terra ocra. Rumore di passi. Musica sottile che viene dal fondo. Occhi nascosti da un cappello. Piano sequenza lunghissimo. Stacco. Movimento di braccio fulmineo come in cerca di qualcosa. Una lama di luce sugli occhi. La canna di un fucile. Stallo alla messicana. Interminabile immutabilità. Fuoco.

Sembra un film di Sergio Leone quest’epopea un po’ romantica e decadente della storia dell’indipendenza coreana dalla supremazia giapponese. E, in effetti, la narrativa e lo stile ricordano in toto il genere western della ricerca della frontiera americana, ma riletto con la malinconia trasognata leoniana, che si appiccica ai personaggi come una seconda pelle e che sa scindere tra l’irraggiungibile eroismo dell’epica e l’umanità stropicciata e delusa della vita, ma che sa diventare grande da sola. Come i personaggi protagonisti dell’interpretazione western di Sergio Leone, non abbiamo di fronte degli eroi, dei guerrieri o dei patrioti, uomini buoni in tutto e per tutto, ma dei cosiddetti “banditi”, uomini feriti dalla vita e dal passato, che sanno di diventare fuorilegge, ma che vivono in tal modo per la loro patria più grande: la propria famiglia. E la terra di confine di Gando (Jiandao in cinese e Kanto in giapponese), una regione paludosa e desertica lungo il fiume Tumen, zona di confine tra Corea, Cina e Siberia, soggetta ai venti di sabbia del Deserto del Gobi e alla natura selvaggia della Manciuria, si presta benissimo come teatro di un dramma di frontiera che è, anzitutto, dramma di libertà.

All’indomani della fine della guerra russo-giapponese (1904-1905) e della perdita d’indipendenza della Corea (che divenne protettorato giapponese nel 1905 e ufficialmente sua colonia nel 1910), l’ex schiavo Lee Yoon (interpretato da Kim Nam-gil, perfetto action man anche in The Priest e Island part 1 e part 2) abbandona la truppa coreana nell’esercito giapponese e il suo ex padrone Lee Kwang-il (il segalino Lee Hyun-wook, visto anche in Matrimonio e Desideri e Strangers From Hell) ed emigra verso Gando, una terra di nessuno o, meglio, una terra “dove l’autorità è cinese, i soldi sono giapponesi e la popolazione è coreana“, come dice l’ex schiava Kim Seon-bok (Cha Chung-hwa, caratterista d’eccezione in Crash Landing on You, Hometown Cha-Cha-Cha, See You in 19th Life e tanti altri), liberatasi e diventata una ricca contrabbandiera in questa strana e polverosa no man’s land. Le strade di Gando, infatti, sono battute dalle truppe giapponesi, che, però, non possono intervenire in autorità, visto che il dominio governativo è cinese e lasciano il lavoro “sporco” a bande di banditi cino-mongoli, il cui compito è stanare ed eliminare ipotetici nemici dell’impero nipponico – coreani indipendentisti, in primis. In questo caos generale, si sopravvive, senza far mai trasparire le proprie idee e le proprie opinioni; si mantengono buoni rapporti con tutti, ma con il fucile nascosto sotto il tavolo; si guadagnano tanti soldi, se non si ha alcuno scrupolo, e ci si trasforma presto in fuorilegge.

Lee Yoon, però, vive dei sensi di colpa perché, nel passato, ha tracciato e indicato all’esercito nippo-coreano la strada del villaggio dove si rifugiavano i nazionalisti coreani e si considera, quindi, la causa indiretta di un massacro. Per lui, il viaggio a Gando è un incontro con se stesso e con il proprio destino, in cerca di una punizione letale, che non riesce ad infliggersi da solo. Ed è in questo stato d’animo che si imbatte in Choi Chung-soo (interpretato da Yoo Jae-myung, grandissimo attore, visto già come villain principale di Itaewon Class e avvocato idealista in Vincenzo), nobile Joseon ed ex generale invincibile dell’esercito reale coreano, ma anche capo dei Giusti, gruppo nazionalista e indipendentista di matrice cristiana che si opponeva alla prima invasione giapponese e che era stato massacrato anni prima (“Ho tentato di salvare il mio paese al di là delle mie possibilità e non sono riuscito a salvare la mia famiglia, la cosa più preziosa“). Lee Yoon, che si sente responsabile per le perdite di Choi Chung-soo, si confessa e chiede la morte. Al contrario, non solo trova misericordia, ma anche accoglienza, come se fosse parte non tanto di un gruppo di compatrioti sfollati, quanto di una vera e propria famiglia: “Vivi la tua vita in modo tale che tu non abbia rimpianti. Così, io vivrò la mia in modo tale che non abbia alcun rimpianto“.

Lee Yoon giura di proteggere la sua nuova famiglia e gli sfollati coreani ad ogni costo, anche diventando un bandito in quel mondo fatto solo di sparatorie e di violenza, dove la vita di ognuno è effimera e soggetta al cambiamento repentino di autorità. Per questo motivo, rafforza il suo piccolo gruppo di vigilanti con elementi degni da I Magnifici Sette, La Collina degli Stivali o altri elementi corali della migliore narrativa western: Chorang-y (Lee Jae-kyoon, Secret Royal Inspector and Joy), un acrobata da circo sempre su di giri e specialista di coltelli; Kang San-gu (Kim Do-yoon), un cecchino nevrotico e oppiomane, munito di occhialini; Geum-so (Cha Yeop), un gigante grande e grosso che non usa mai le armi, ma dà pugni in testa degni di Bud Spencer.

Gli anni passano, la famiglia di Lee Yoon trova il suo posto saldo a Myeongjeong contro esercito giapponese e banditi cinesi (capeggiati da Jang Ki-ryong, interpretato da un Han Gyu-won così feroce che sembra Gengis Khan). Iniziano gli anni ’20, storicamente i più complessi per la storia dell’indipendenza coreana. La morsa giapponese è diventata sempre più violenta in patria, soprattutto dopo il fallimento del Movimento del Primo Marzo (di cui abbiamo parlato a proposito del poeta Dong-ju e dell’attivista per l’indipendenza Yu Gwan-su), e gli indipendentisti si riorganizzano con il governo in esilio in Manciuria. Per portare avanti la propria missione richiedono una certa somma di soldi, custodita da Nam Hee-shin (Seohyun delle Girls’ Generation, vista anche in Love and Leashes, So I Married An Anti-Fan e Moon Lovers), nobile e funzionaria delle ferrovie dalla doppia vita di indipendentista e di fidanzata del maggiore del 37esimo reggimento di fanteria Lee Kwang-il, ora detto Miura. Compito di Hee-shin è fingere un viaggio di lavoro e portare i soldi dalla Corea alla Manciuria attraverso la terra di Gando, sfidando sia le autorità locali e l’esercito giapponese, sia gli innumerevoli banditi che, in qualche modo, vogliono impossessarsi del denaro, sia, infine, i nazionalisti coreani, che vogliono minare la ferrovia per non consentire il passaggio ai giapponesi. In mezzo alle insidie, però, si imbatte in Lee Yoon, che, non a caso, l’aveva conosciuta anni prima, quando era solo uno schiavo, e che, dal loro primo incontro, continua ad amarla silenziosamente: “Strano come mi sia venuta in mente non appena sono arrivato qui. Lei è stata la mia prima volta in molte cose: è stata la prima nobile che si è rivolta a me e ha chiesto il mio nome e non quello del mio padrone, la prima a prendermi la mano e a sorridermi ed è stata la prima persona che mi ha reso felice con un semplice sguardo“. Lee Yoon giura di proteggere Hee-shin e di farle portare a termine la sua missione “per la speranza e per il bene di Joseon“.

Le strade della vita trovano strani e complicati incroci e, mentre Hee-shin non riconosce Lee Yoon, ma si fida ciecamente di lui e Kwang-il la insegue come corriere indipendentista, ignorando che sia la sua fidanzata, ex schiavo ed ex padrone si incontrano e si scontrano, generando un duello che inizia e riprende a più fasi e che persegue tutto il drama, talvolta in solitaria (con momenti carichi di tensione, battute che suonano come minacce e fendenti sospesi e, infine, tanti stalli alla messicana, che farebbero impazzire di gioia Quentin Tarantino, e con rimando nemmeno tanto nascosto alla storia dell’ex schiavo Django), e talvolta portandosi dietro tutti i propri eserciti personali (con assedi da I Magnifici Sette e scontri epici da Sfida all’O.K. Corral, ma anche con assalti ai treni e corse a cavallo degne di Giù la testa) in un canto di spade e di fuoco che incanta e corre in modo dirompente in mezzo alle tempeste di sabbia: “Quello che abbiamo potuto sentire attraverso il suono delle nostre spade: è il momento che lasciamo sentire ai giapponesi questo canto. Il canto dei banditi“.

In tutta questa diatriba, s’inserisce quella piccola scheggia impazzita di Eon-nyeon (interpretata da Lee Ho-jung, secondaria in Nevertheless;), fuorilegge, assassina a pagamento e cacciatrice di taglie senza scrupoli e disillusa (“Per me, il vero paradiso sono i soldi“), che è il personaggio più leoniano di tutta la serie, una che sembra uscita direttamente da Il buono, il brutto e il cattivo, ma non come comparsa, quanto come protagonista (“Posso lavorare nella parte pericolosa, ma vivo la mia vita in quella sicura“). E, se, voi che leggete, avete una personale classifica di badass queens dei drama, fate molta attenzione, perché dovete rivederla completamente dopo aver conosciuto questo personaggio. Basti solo pensare a come si introduce senza sospetto nella storia, nelle vesti di una semplicissima figlia orfana di Joseon, povera e affranta, ma in attesa di Lee Yoon per ucciderlo; per non dimenticare la sua carneficina nella casa da tè, che supera in tutto e per tutto Kill Bill; per finire a come ricompare anni dopo, vestita perfettamente di nero come Lee Van Cleef (da vedere sia la scena del treno, che quella in cui divora letteralmente le patate bollite, rimodellate sul personaggio del Colonnello in Per qualche dollaro in più), con tanto di sigaro in bocca e risata sghemba e di traverso, più matura e pronta a prendere le proprie decisioni di vita, qualsiasi cosa potrà dire il destino (“Combattere con le unghie e con i denti per la propria vita mi ha cambiata. Credo che sia inutile nutrirsi di rabbia e di vendetta. Prendermi cura di me stessa è tutto ciò che m’importa“). Tra lei e Lee Yoon c’è un rapporto unico che parte dall’odio e dalla rivalità per arrivare alla reciproca stima e fiducia, un’amicizia e una cooperazione che solo in un’epica western era possibile trovare e che, credetemi, supera qualsiasi venatura romance (il momento del loro combattimento, soli contro tutti, per liberare gli ostaggi coreani è una delle sequenze più belle del genere).

Song of the Bandits (도적: 칼의 소리, traducibile con Thief: Sound of the Sword) è un period drama diretto da Hwang Jun-hyeo e scritto da Han Jeong-hoon, di genere action e western (o, meglio, eastern, come alcuni cultori del cinema amano definire questa rilettura in terra distante dalla frontiera americana), che s’inserisce benissimo in uno stile già bazzicato e curato in precedenza dal cinema coreano (vedi l’estroso Il buono, il matto e il cattivo, ma anche lo spy-crime The Assassination) e che ha il merito di rendere più fruibile una parte di storia, altrimenti poco nota, anche per l’ammassarsi di tragici eventi avvenuti.

Gando era, in effetti, una terra di confine in quel periodo o, meglio, era una regione che s’insinuava nel territorio cinese, ma era abitata da popolazione in prevalenza coreana: con l’arrivo del Giappone e la caduta del regno (nelle ultime fasi, impero) di Joseon sotto il suo dominio, Gando si riempì ancora di più di immigrati coreani (insediatisi anche in Manciuria) e il Giappone iniziò a rivendicarne la propria autorità (è del 1907 il cosiddetto Massacro di Gando, compiuto da un’infiltrazione dell’esercito giapponese nel territorio cinese ai danni dei nazionalisti coreani rifugiatisi e ben narrato all’interno del drama). Le frizioni tra il governo imperiale giapponese e l’impero cinese dei Qing produssero un accordo secondo il quale il Giappone riconosceva i diritti sul territorio della Cina in cambio di concessioni economiche e territoriali in Manciuria (Accordo di Gando del 1909). Di fatto, però, giacché il Giappone, dopo l’annessione totale della Corea nel 1910, iniziò a considerare tutti i coreani come propri cittadini, per diversi anni e fino alla drammatica conquista della Manciuria, pretese di avere giurisdizione sulla maggior parte degli abitanti di Gando di origine coreana (motivo per cui rimaneva di stanza sia l’esercito che la polizia del consolato e, come è possibile vedere nel drama, i due contingenti andavano spesso in scontro tra loro). Tuttora, la regione, che oggi appartiene alla Repubblica Popolare di Cina, conserva la sua caratteristica etnica e culturale coreana, tanto da essere diventata dal punto di vista amministrativo la Prefettura Autonoma Coreana di Yanbian nella Provincia di Jinlin. Nel drammatico periodo dell’occupazione giapponese, in Manciuria si nascondeva, in effetti, il governo in esilio della Corea, che scrisse, tra l’altro, la prima Costituzione coreana nel 1919 e Gando era una zona di passaggio per i corrieri di informazioni e denaro ai gruppi indipendentisti, sia di matrice conservatrice e nazionalista (per la restaurazione di Joseon), sia di ispirazione comunista (per l’instaurazione di una repubblica socialista). La comunità cristiana ha svolto un ruolo importante nella lotta per l’indipendenza della Corea, tanto da avere avuto una notevole influenza sul Movimento del Primo Marzo e sugli intellettuali del periodo, che univano le istanze di libertà comprese nel messaggio evangelico alla lotta contro il regime.

Consigliato: a tutti, perché, anche se ci sono scene violente (tra sparatorie e interrogatori-tortura, il drama non risparmia certo sangue), è un prodotto scorrevole e coinvolgente, che sa di cinema di una volta e che cattura l’attenzione sempre; ma, in particolare, a chi, come la sottoscritta, è cresciuto a pane e antologia western e sa a memoria tutti i film di Sergio Leone perché “Questo treno ferma [sempre] a Tucumcari”. E non c’è altro da aggiungere.

Captain-in-Freckles

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