Naruto: il ninja che cammina al di là delle tenebre

“Io dico le cose così come stanno e non cambio idea! Anche questo fa parte del mio credo ninja. (…) Se per essere saggio, devo rinunciare a tutto ciò in cui credo, allora preferisco essere folle”.

Correva l’anno 1999, quando apparve nel mondo dei manga shonen un nuovo aspirante ninja. Stavolta, però, non era uno dei tanti, forte e coraggioso, con qualche problema irrisolto di autoidentificazione in un eroe, pronto a menar le mani con tutti, ma, nella destrutturazione tipica della fine degli anni ’90, si trattava di un ragazzo basso ed esile, con la folta chioma bionda, gli occhi celesti e un’apparente fragilità. E, per di più, era pure pazzo. L’universo anime doveva ancora abituarci al Monkey D. Luffy di One Piece e ci aveva già portato ad affezionarci al Goku di Dragon Ball, ci aveva permesso di conoscere tanti piccoli e geniali anti-eroi, che, col tempo, avevano avuto la loro rivalsa, ma dovevamo ancora conoscere l’esuberanza e la luminosità di un ragazzo pieno di vita, che contiene l’oscuro in sé. Ed è così che abbiamo fatto la conoscenza di Naruto Uzumaki, protagonista del manga/anime Naruto (NARUTO -ナルト), ed è stato amore a prima vista.

Creato a Masashi Koshimoto proprio con l’intento di sovvertire i canoni e serializzato dal 1999 al 2014 per Weekly Shonen (con ben 72 volumi), Naruto è diventato un anime tre anni dopo, nel 2002, con la bellezza di 220 episodi, e ha dato vita anche alla serie Naruto Shippuden (circa 500 episodi) e a ben 11 film, con un universo tutto suo, dominato dalle arti magiche (忍術 ninjutsu), le arti marziali (体術 taijutsu) e le arti illusorie (幻術 genjutsu) e con un glossario che è diventato famoso di per sé e ha consacrato il suo protagonista come uno dei personaggi più amati nel mondo anime/manga. Ma perché tutto questo successo?

Ingenuo, sprovveduto, ilare, ottimista e, a tratti, anche stupido, Naruto è convinto che, prima o poi, diventerà un ninja, anzi un hokage, che è il massimo grado dei ninja, devoluto a coloro che si occupano dell’amministrazione e delle mansioni militari e che hanno il massimo della conoscenza sia nell’uso delle armi, sia nelle tecniche e nelle arti magiche, oltre alla massima comprensione sull’impostazione dei chakra. Solo che Naruto è un po’ inetto e ottuso ad imparare, non brilla per forza fisica, non sa come usare le armi e, per di più, al Villaggio della Foglia viene evitato da tutti, perché considerato come una fonte di sfortuna, a causa dell’oscura morte dei suoi genitori, Minato Namizake, quarto hokage, e Kushina Uzumaki, forza portante della creatura mitologica e malefica della Volpe a Nove Code, proprio il giorno della sua nascita (il 10 ottobre). Per di più, anche il nome stesso del ragazzo è alquanto strano e suscita derisione: Naruto, che indica il vortice, il gorgo improvviso di acqua marina, identifica anche un tipo di kamakobo che viene messo come decorazione nel ramen (per intenderci, è quel pezzetto di surimi con disegnata una spirale sopra), mentre Uzumaki è un gioco di parole che rimanda sempre alla forma della spirale. Completamente ignaro di come possa sembrare sospetto, Naruto usa il simbolo dei vortici spiraliformi per designare se stesso, portandoli sui suoi vestiti e in tutti i suoi oggetti, quasi come una firma, mangia scodelle fumanti di ramen con tanta gioia e, nonostante le bocciature, si iscrive all’accademia per diventare ninja. Perché a qualsiasi presa in giro è lesto a rispondere: “Ascoltate! Mi chiamo Naruto Uzumaki e nessuno di voi può pensare di riuscire a sconfiggermi, è chiaro?“.

Anche se non è un allievo particolarmente brillante e sembra piuttosto credulone, vittima degli inganni del perfido Mizuki, che lo spinge a rubare il rotolo con le tecniche proibite, Naruto ha un cuore puro e semplice come quello di un bambino, si affeziona subito ai suoi compagni in accademia e ai suoi maestri e mostra il massimo dell’altruismo. Tanto che, in modo quasi inaspettato, proprio utilizzando una tecnica proibita, salva la vita al suo maestro Iruka e sale di grado, diventando genin (il livello più basso di ninja) e venendo ammesso nel gruppo d’élite destinato a dominare i chakra, capeggiato da Kakashi, il più forte dei ninja (e anche uno dei personaggi più affascinanti della serie), insieme a Sakura Haruno, aspirante ninja empatica e particolarmente dotata per le arti mediche e scientifiche, e Sasuke Uchina, un ragazzo riservato e indifferente, dalle notevoli capacità fisiche e di combattimento, che reca in sé il dolore per la feroce scomparsa dei suoi genitori e il desiderio di vendetta. Mentre, col passare del tempo, le competenze di Sakura saranno reclamate sempre di più in campo medico, fino ad abbandonare quasi del tutto “il campo di battaglia” dei ninja, Sasuke si farà attrarre dal lato oscuro, in grado di potenziarlo e di fargli vendicare i genitori, ma anche capace di trasformarlo, fino a fargli dannare completamente l’anima. Naruto è il solo che continua a credere alla bontà di fondo dell’amico e a lottare affinché possa tornare al suo percorso luminoso, perché, alla fine, è lui la vera forza del gruppo, colui che cerca di rivitalizzare tutti e che non perde mai la fiducia nel prossimo, pronto anche a sacrificarsi per ridefinire tutto. “Sasuke è mio amico. Qualcuno con cui ero finalmente riuscito a creare un legame. Non mi importa chi devo combattere! Se mi strapperà le braccia, lo calcerò a morte! Se mi strapperà le gambe, lo morderò a morte! Se mi strapperà la testa, lo fisserò a morte! E se mi caverà gli occhi, lo maledirò dalla tomba! Anche se sarò fatto a brandelli, riprenderò Sasuke da Orochimaru!“.

Quello che molti ignorano è che Naruto è tenace e combattivo, determinato a far vincere la luce sulle tenebre perché sa cosa è davvero l’oscurità, visto che la reca in sé. Quando i genitori sono morti, alla sua nascita, per salvare il villaggio, infatti, la metà “positiva” della Volpe a Nove Code è rimasta sigillata in lui, celata nel suo animo, costringendolo a vivere perennemente in un fermento interiore di cui nessuno sa nulla, una solitudine abissale interna, che il ragazzo riesce a mascherare con il suo carattere estroverso e con il suo sorriso perenne, pronto e umile a comprendere e a contenere il potere del demone nascosto in lui, ma anche allerta per non farsi sopraffare da quel lato oscuro, che stagna invisibile nei meandri di ciascuno di noi.

“Mica è cosi facile, scemo! Perché significa diventare un Hokage… il ninja migliore del villaggio… dopo averne passate di tutti i colori… e aver nutrito mille dubbi… ho ottenuto il rispetto… di una sola persona… e per riuscirci ho fatto una fatica del diavolo! Ci vuole grande determinazione… per ottenere il rispetto di tutti… e diventare Hokage… ti assicuro… che non esistono scorciatoie!”.

Le avventure che si intersecano nell’universo di Naruto e i personaggi che lo popolano sono molteplici e non è possibile sintetizzarli tutti in una breve recensione, perché il Villaggio della Foglia è il centro di un mondo dominato dal codice ninja, da creature di ogni sorta, da demoni prigionieri e da organizzazioni criminali, ma è anche un piccolo mondo che lo spettatore/ il lettore si trova a vivere e a scoprire passo passo, dagli anni in accademia ad imparare le arti magiche e il combattimento con Naruto e compagni, fino alla lotta contro l’organizzazione Alba e il crollo di Sasuke, le guerre ninja e il riscatto di Naruto, consacrato come il migliore ninja tra tutti. Dacché si comprende la popolarità di un anime/manga che ha influito notevolmente sul genere (tanto da trasmettere la sua impronta a Demon Slayer o a Jujutsu Kaisen), perché mette al centro un personaggio che, in apparenza, non sembrerebbe eroico, ma che sa donare se stesso per gli altri e lo fa con un entusiasmo coinvolgente. Ma, soprattutto, sa che la tenacia e la determinazione pagano sempre e che non bisogna mai farsi abbattere dalle maldicenze e dal bullismo che la cattiveria umana produce, perché, come direbbe Naruto, “quelli del villaggio sono importanti, ma prima di loro devo fidarmi di un’altra persona. Devo credere in me stesso“.

Per cui, grazie, Naruto, se crescendo, abbiamo imparato ad amarci e a fidarci di noi stessi, a sopportarci e a supportarci in ogni più piccolo difetto e in ogni caratteristica, ma, soprattutto, grazie per averci insegnato che si può diventare forti con il fallimento. Perché fallire è normale, ma l’importante è provare e riprovare senza mai abbattersi.

Captain-in-Freckles

Come suona la recensione?

You, Me and Bach

“Tutti gli strumenti sono facili da suonare. Tutto sta nel pigiare il tasto giusto al momento giusto e lo strumento suonerà da solo.” (J.S. Bach)

In un centro commerciale, una donna, in piedi, su un palco, suona con il suo violino la famosa “Aria sulla quarta corda “di Bach. La donna si chiama Mao ed è un’insegnante di una scuola di musica che promuove al centro commerciale lezioni speciali per adulti, per chi per la prima volta ha voglia di intraprendere lo studio di uno strumento musicale.

Intorno al palco molti curiosi passeggiano e ascoltano la musica, ma Mao è ignara che quel suo brano musicale possa aver colpito il cuore di tre persone che non si conoscono tra loro, ma che, in quel frangente, stanno attraversando un momento particolarmente difficile della vita e quella dolce musica non ha fatto altro che svegliare in loro la voglia di conoscere quella parte di se stessi che coincide con la curiosità di immergersi in un mondo diverso, lontano dai ritmi frenetici e dalla banale quotidianità.

I tre personaggi, incantanti dalle note di Bach e illuminati dal chiarore della musica, restano fino alla chiusura, poi, per accontentare quella parte di sé che grida necessità di fare qualcosa di nuovo per non soffocare, decidono di voler imparare a suonare quell’aria, iscrivendosi ai corsi di musica destinati agli adulti.

Yaeko Kogure (Haru, “Turn to me Mukai-kun”) è un’impiegata di ventisette anni che vaga sola per il centro commerciale, dopo essere stata lasciata dal fidanzato poco prima delle nozze e dopo essersi dimessa dal lavoro, sicura di rifarsi una vita migliore dopo il matrimonio. Yaeko, quindi, è rimasta sola, senza più un impiego, né un fidanzato, con in mano un bouquet di fiori che le hanno regalato a lavoro nel suo ultimo giorno, non sa se il destino si sia preso gioco di lei o se meritava davvero tutto questo, poi, improvvisamente quel richiamo musicale…

Rihito Kase (Taishi Nakagawa, “Burn the House down”) è un giovane ragazzo universitario che si trova al centro commerciale insieme a degli amici, ma che, in un momento di distrazione, riconosce nella violinista, Mao, l’ex fidanzata di suo fratello, di cui egli è sempre stato segretamente innamorato. Il fratello ha lasciato tempo fa Mao per sposarsi con un’altra ragazza da cui ha avuto un figlio. Rihito si è sempre sentito in colpa nei confronti di Mao perché l’ha vista soffrire dopo la fine della relazione. Quel richiamo musicale è forse una seconda possibilità? Un modo per farsi riconoscere dalla stessa Mao e così poterle stare vicino?

Yukie Kitagawa (la bravissima Matsushita Yuki) è una casalinga che ha superato i cinquant’anni, è sposata e ha una bambina di undici anni a cui dedica le sue giornate e il suo tempo, è, però, infelice della sua vita, della suocera che vive con loro e che non perde mai l’occasione di trattenere alcuna cattiveria nei suoi confronti ed è delusa da un marito che la tradisce quotidianamente facendola sentire una nullità. Quel richiamo musicale fa nascere in lei un’estrema voglia di rivalsa, di riscoprire le proprie capacità, di mettere ordine alla propria esistenza, decide, quindi, di iscriversi al corso di violino per imparare quell’aria di Bach e poterla suonare in duetto con la figlia che sta imparando il pianoforte.

Yaeko, Rihito e Yukie si iscrivono al corso di violino per adulti principianti, si trovano nella stessa classe, la cui insegnante è Mao, ma i tre decidono presto di esercitarsi insieme e di incontrarsi in un luogo acusticamente isolato, la scelta, infatti, ricade su una saletta di karaoke, dove i nostri tre protagonisti inizieranno a strimpellare il violino, pian piano faranno piccoli progressi e infine riusciranno a creare un trio musicale. I tre si confideranno tra loro, cercheranno l’appoggio l’uno dell’altro e ognuno di loro si affezionerà all’ora di violino e alla presenza degli atri due, perché insieme condivideranno la crescita musicale, le emozioni, i fallimenti, ma anche le gioie e la cura delle proprie ferite dell’anima, si confideranno nei loro silenzi, nelle incomprensioni e nascerà un sentimento di stima e di amicizia.

Yaeko lavorerà sulla propria autostima, Rihito cercherà di ricucire il rapporto con il fratello, mentre Yukie scoprirà inaspettatamente nella suocera un’alleata dopo che quest’ultima capirà le esigenze della nuora e la crisi familiare in atto. Una scena meravigliosa è quella in cui il trio si esibisce per la prima volta in pubblico, un pubblico formato dalle proprie famiglie e dai compagni di università di Rihito, una esibizione non perfetta, ma importante per la loro crescita e per il coraggio di mettersi in gioco e di esserci, nonostante le difficoltà di ogni giorno.

Il trio dell’”Aria sulla quarta corda di Bach” è unito dalla passione per il violino e da un’amicizia che non conosce età, ma solo voglia di comprendere l’altro per capire meglio se stessi. Spesso persone che non hanno nulla in comune, che sono lontane, ma che si trovano a condividere la stessa passione possono solamente farsi del bene e trovare la motivazione giusta per andare avanti, migliorare e provare quello stupore necessario che gratifica la nostra esistenza.

La musica aiuta a non sentire dentro il silenzio che c’è fuori. (J. S. Bach)

Gli adulti, spesso, creano un posto in cui tornare e il luogo in cui i tre personaggi di questa serie amano tornare è proprio la musica.

La musica è qualcosa che incontri in quel momento, nel momento giusto, quando si ha necessità, per coprire quel silenzio assordante da cui siamo circondati nella nostra giornata, per nasconderci e proteggerci.

Quel filo che unisce le vite dei tre protagonisti è come la corda di un violino che nell’oscillazione produce energia acustica che si propaga nell’aria, così come l’energia emotiva che viene creata attraverso la musica stessa e che guarisce i tre dallo stress e dai dispiaceri personali.

“You, Me and Bach”, ispirato all’omonimo manga, è una serie che stupisce, che regala molte emozioni, sorrisi e anche qualche lacrima di commozione, una serie dedicata alla musica e al suo grande potere di guarigione che oltrepassa le barriere del tempo, le conflittualità generazionali e le difficoltà dell’età, perché la musica è armonia, è tendenza all’infinito e, secondo Bach, vero ristoro dell’anima.

Memoru Grace

I tempi dell’Arcadia felice: Capitan Harlock

Un pirata tutto nero che per casa ha solo il ciel
ha cambiato in astronave il suo velier [ urrà! ] – il suo teschio è una bandiera che vuol dire libertà,
vola all’arrembaggio però un cuore grande ha – Capitan Harlock, Capitan Harlock…

Dite la verità: non l’avete letta cantando, ma proprio urlando a squarciagola, sull’attenti con la mano sul cuore, come se fosse l’inno nazionale alla finale dei Mondiali. Lo so, non nascondetevi, so bene cosa si prova: è come se improvvisamente tutti i sogni di infanzia di far razzie e avventure piratesche per i sette mari e scoprire mondi alieni per gli universi si unissero e collidessero insieme fino a creare un grande ed enorme sogno ad occhi aperti da cui è difficile risvegliarsi. Praticamente, come se Jack Sparrow e James T. Kirk si incontrassero per stipulare un’alleanza: quanti di noi sarebbero pronti ad arruolarsi come volontari?

Il suo teschio è una bandiera che vuol dire libertà,
vola all’arrembaggio però un cuore grande ha

Se, poi, c’è quell’ingrediente in più, quella malinconica nostalgia di un uomo che canta da solo per la libertà, allora il gioco è fatto. Perché Capitan Harlock (che in originale è 宇宙海賊キャプテンハーロック Uchū kaizoku kyaputen Hārokku) non è altro che il vero rappresentante di quegli ideali che il mondo e la società, con la loro grettezza e la loro aridità, minacciano di far scomparire: la chiarezza, la giustizia e la purezza della libertà, la volontà di far luce tra le tenebre che offuscano la mente e di spezzare le catene che imprigionano, come dei vincoli invisibili, il nostro giudizio e i nostri valori, dove il viaggio e la lotta vanno a coniugarsi nel mare della conoscenza, perché scoprire nuovi mondi e imparare a conoscere e a rispettare gli altri aiuta a comprendere come liberarsi dall’oppressione di un autoritarismo che schiaccia la mente.

Fammi provare Capitano un’avventura
dove io son l’eroe che combatte accanto a te,
fammi volare Capitan senza una meta
tra i pianeti sconosciuti per rubare a chi ha di più

E, giacché, per parafrasare le parole di Jack Sparrow, quello che una nave rappresenta è sempre la libertà, l’astronave di Capitan Harlock si chiama Arcadia, come quella regione dell’antica Grecia, trasfigurazione di poeti, artisti e letterati e della loro vita libera e pastorale, elevata alla comprensione della bellezza dell’universo. L’Arcadia di Capitan Harlock, però, viaggia nell’anno 2977 e, oltre ad essere un’astronave spaziale super accessoriata e ricca di qualsiasi equipaggiamento, è anche famosa per essere un mezzo che ospita rifugiati e dissidenti politici, ricercati dal Governo Unificato della Terra, che ha instaurato una grande e fallace utopia di pace e unità. Infatti, mentre i terrestri credono di vivere in pace, forti di un Primo Ministro e di un Governo che li tutela e che evita l’insorgere delle guerre, la vita sulla terra è regolata dalla mancanza di idee personali e dall’appiattimento di pensiero in un’unica grande mente unificata. In questo senso generale di benessere e di pace, gli uomini vivono una vita fittizia: coadiuvati dalle macchine, a cui sono demandati i lavori più umili, e incapaci di formulare un pensiero proprio, non si rendono conto che le risorse sulla Terra si sono esaurite, che la ricchezza di cui gode il pianeta proviene dallo sfruttamento di altri pianeti e che il prosciugamento dei mari incide negativamente sull’autodistruzione della terra. Nessuno si sveglia da questo sonno generale della ragione, nemmeno quando, dopo la caduta sulla Terra di un simil-meteorite (per la verità, un oggetto alieno proveniente dal pianeta Mazone), alcuni alti funzionari del governo iniziano ad essere assassinati da donne evanescenti come fantasmi che prendono fuoco quando devono sparire.

Harlock, che è già reputato un fuorilegge e un personaggio sopra le righe a capo di una ciurma sbandata di dissidenti, è l’unico ad insospettirsi e ad indagare sui fatti strani accaduti sulla Terra. E, nonostante quest’ultima lo abbia sempre rifiutato, inizia la sua piccola lotta personale per salvaguardarla e prevenire un’invasione aliena in uno slancio di libertà e amore per la stirpe umana.

Come un lampo è il suo pugnale che lui lancia contro il mal,
ma è un uomo generoso come il mar – nel suo occhio c’è l’azzurro, nel suo braccio acciaio c’è,
nero è il suo mantello, mentre il cuore bianco è [ urrà! ]

L’aspetto da pirata, il mantello nero, la cicatrice sull’occhio, quell’aria di fascino e di mistero che trasuda nella sua figura… Tutto concorre a formare le caratteristiche da fuorilegge di questo pirata dello spazio, taciturno e terribile nella vendetta, generoso e malinconico nella dolcezza dei ricordi, un uomo che si isola e ama di nascosto il suo pianeta e le sue creature, che lotta contro diversi eserciti e dedica le sue veglie notturne a riflettere fissando il cielo e suonando in solitaria la sua ocarina, che è legato al suo migliore amico, Tochiro Oyama, il costruttore dell’Arcadia, ora rimasto nella sua intelligenza artificiale, e alla sua famiglia (la piccola Mayu, che va a trovare in un orfanotrofio sulla Terra) e che preferisce sacrificare se stesso per aiutare il prossimo.

A circondare Capitan Harlock, il suo equipaggio composto da: Tadashi Daibo (o Tadashi Daio), figlio adolescente (e irruente) del dottor Dayu, scienziato amico di Harlock e ucciso dalla comparsa aliena, pronto a vendicare la morte del padre; Kei Yuki, ragazza bionda e alta, che fa da vicecomandante e da ufficiale scientifico sull’Arcadia (e che parte degli spettatori shippavano con Harlock e parte con Tadashi); Meeme, donna empatica e spirituale, creatura aliena e diafana, quasi impalpabile, che fa da confidente ad Harlock e che lo solleva con i giusti consigli; Yattaran, guerriero buffo e comico, grande matematico e amico leale di Harlock; Dr. Zero, ufficiale medico di bordo, Masu, capo-cuoca e tuttofare dell’Arcadia, Maji, capo-ingegnere. E non mancano i cattivi, come la Regina Rafflesia e tutte le sue seguaci del pianeta di Mazone, pronte a invadere il Pianeta Terra, ma a cui è necessario tributare tutti gli onori, perché sono delle antagoniste incredibili. Oltre a Emeraldas, madre di Mayu e regina aliena di un re spodestato.

The sea of space is my sea
my limitless yearning
The song of Earth is my song
the homeland I don’t abandon
My friend, even though I know it’s a star without a tomorrow,
I’ll still fight to protect it 
I’ll throw away my life and live

Confesso che ho visto per la prima volta l’anime colpevolmente (o forse no) tardi. Per la precisione, il manga, opera del compianto maestro Leiji Matsumoto, che ci ha lasciato all’inizio del 2023, comparve in Giappone tra il 1977 e il 1979 e, forte dell’immediato successo, divenne subito un anime, diretto da Rintaro e prodotto dalla Toei Animation, tra il 1978 e il 1979, arrivando in Italia nel 1979 e acquisendo un primato unico, cult fra tutti i prodotti d’animazione dell’epoca (con una sigla cantata dalla Banda dei Bucanieri). Solo che io, all’epoca, non ero ancora nata e ho sempre sentito decantare le lodi di questa serie d’animazione da tutti senza poter fare un vero confronto. Poi, un giorno, mentre studiavo all’università, mi sono decisa a recuperare: precisamente, era il giorno del mio compleanno, non ricordo più quale esame stavo preparando (credo per qualche pre-appello di dicembre), ma avevo voglia di prendere un giorno di riposo per conto mio, per cui, rimasta sola in casa, ha piazzato la chiavetta con la serie ed è stato amore a prima vista. Mi sono bastati meno di due minuti per sentirmi parte dell’Arcadia e forse solo tre per chiedermi se, nella ciurma di dissidenti e oppositori di Harlock, ci fosse spazio anche per me. Ho divorato la serie in un attimo, in quel 12 dicembre di anni fa, pronta quasi a riniziarla da capo, quando mi resi conto che era sceso il buio e che stavo terminando la giornata.

L’anno scorso, il 12 dicembre 2022, un’altra volta il mio compleanno, fu reso noto che, circa una settimana prima, era deceduto a Tokyo Toshio Hayakawa, noto al grande pubblico come Ichiro Mizuki (o con il nomignolo Aniking), la voce storica della sigla originale di tanti anime, tra cui Capitan Harlock, Mazinga, Jeeg Robot, Ryu e Kamen Rider, e uno dei cantanti giapponesi più noti in tutto il mondo, presenza sicura tra i vinili di tutti quei bambini cresciuti tra gli anni ’60 e gli anni ’80. Ed io, che avevo recuperato quel mare inesauribile di animazione dell’epoca solo dopo i miei vent’anni con la sua voce ad accompagnamento delle sigle originali, mi sono sentita un po’ orfana e un po’ abbandonata, pronta a riprendere la visione e a tornare ad immergermi nello spazio per riportare la libertà sul pianeta Terra. Come un viaggio in solitaria nell’Arcadia felice di un tempo passato.

Postilla: Harlock è uno dei personaggi comprimari di Galaxy Express 999, altro grande manga del maestro Leiji Matsumoto. Ma questa è un’altra storia (e non la racconterò necessariamente io).

Captain-in-Freckles

Never Give Up – Mai arrendersi (Un inno alla gentilezza)

Gu Pil-su: “Vieni ricompensato per aver fatto una buona azione. Vedere i clienti che venivano al ristorante mi ha fatto pensare. Dicono che il mondo sia un posto difficile, ma credo che al mondo ci siano molte più persone gentili”.

Cheon Man-geum: “Sei circondato da persone gentili, Pil-su, perché sei uno di loro.”

“Never Give Up” è un inno alla gentilezza, quella che non fa mai notizia, ma che in apparente silenzio riesce anche ad ottenere i miracoli. Un k-drama che consiglio con tutto il cuore perché un toccasana, una ventata di ottimismo, un vero comfort drama nei momenti in cui ci sembra di non riuscire a farcela, di perdere la speranza, perché ciò che conta realmente è “non arrendersi mai”.

Se per Schopenaur la gentilezza era ciò che è il calore per la cera, per il protagonista di questa serie, Gu Pil-su (interpretato dal bravissimo Kwak Do-won, “Steel Rain“), un personaggio che sembra essere uscito da un film di Frank Capra, la gentilezza è un dono, capace di migliorare la giornata delle persone accanto a sé, di spronare a fare sempre meglio, di vivere la vita assaporando ogni piccolo momento senza mai accelerare un risultato, ma coltivando la pazienza dell’attesa.

Gu Pil-su, un uomo di mezza età, ex campione di lotta tradizionale, terminata la carriera sportiva, ha praticato diversi lavori e ormai da anni ha impiantato una piccola attività, un ristorante di pollo fritto con il quale sbarca il lunario, tra mille difficoltà, cercando di contribuire assieme alla moglie Nam Seong-Mi (Han Go-eun) alle spese della famiglia e a quelle scolastiche del figlio adolescente Gu Jun-pyo (Jung Dong-won).

Un giorno, Pil-su viene sfrattato da casa e, nella disperata ricerca di trovare una nuova abitazione, incontra una anziana signora che gli propone di andare a vivere, insieme alla famiglia, nella sua grande casa dove potrà poi decidere come sistemarsi. Non avendo molte proposte o possibilità di scelta, Pil-su si trasferisce a casa della signora insieme alla moglie e al figlio. Da subito la vita in quella casa molto lussuosa ed elegante sembra strana ai tre nuovi abitanti, così come la padrona di casa che invita loro a girare dappertutto nella abitazione tranne che in cantina, suscitando curiosità, ma anche una certa ansia.

La vita di Pil-su, persona genuina, semplice, mai arrogante o presupponente, è destinata ad incrociare la vita di Jung Suk (Yoon Doo-joon, leader della band “Highlight” e visto in “Radio Romance”),  giovane imprenditore e sviluppatore di software che si trova in pochi giorni sul lastrico dopo che il padre viene incarcerato per bancarotta e dopo che il suo miglior amico gli ha rubato le idee per lo sviluppo di una start-up con la possibilità di essere finanziata da una grande società.

Pil-su, per una strana sequenza di coincidenze, conosce Jung Suk prima di ritrovarlo come coinquilino a casa della anziana signora dove ha affittato una stanza e dove cerca di convincere la signora a finanziare una sua futura attività.

Come mai l’anziana Cheon Man-geum (Park Won-Suk, “Coffee Prince”), la padrona di casa, ha affittato loro la sua casa e perché è sempre così circospetta da tutto e tutti? Nasconde qualche segreto?

Dopo una prima serie di battibecchi e litigi, Pil-su e Jung Suk diventano amici, prima per scoprire il segreto di Man-geum, poi perché il ragazzo vorrebbe ritornare sulla scena tecnologica, dopo la delusione cocente che ha subito dal suo ex amico e collega, che gli ha rubato le idee. Pil-su decide quindi di essere il direttore della start up impiantata da Jung Suk che nel frattempo ha trovato due nuovi collaboratori, la grafica Oh Seul-ki (Jeong Da-eun, “Mystic Pop Up Bar”) e il programmatore Jung.

Grazie alle idee stralunate e stravaganti di Pil-su, Jung suk e i suoi due collaboratori iniziano a far conoscere la loro nuova app VICINO 24 nel panorama tecnologico, prima aprendo la “sala dei ricordi”, uno spazio dove coloro che scaricano la app possono condividere i loro ricordi anche ricercando fotografie, persone ed emozioni dimenticate, come nel caso dei Mondiali del 2002, scene di flashback esilaranti all’interno del drama, poi via via, aprendo nuove sale destinate a scambi, amicizia, una vera app lifestyle.

VICINO 24 riesce ad andare avanti nella selezione del concorso delle app più promettenti dell’anno con la possibilità di essere finanziata e, in questo cammino, Jung Suk rincontra anche l’ex collega che gli aveva rubato in precedenza le idee, grazie, però, all’aiuto di Pil-su, che, oltre ad essersi “autoeletto” direttore delle relazioni di Vicino 24, è anche il vero e proprio life coach della squadra, il coraggio e la tenacia non mancano mai.

Molte le tematiche trattate in questa storia straordinaria, a partire proprio dalle relazioni e dal rispetto generazionale, Pil-su e Jung suk che spesso si scambiano frecciatine e battute sulla differenza di età e di generazione, l’anziana Cheon Man-geum che scopriremo che nella vita è stata una strozzina e che adesso vorrebbe rimediare e avere una seconda possibilità che vede proprio nei suoi coinquilini, nella splendida e giovane vivacità intellettiva di Jung suk, nel gentile e genuino approcciarsi alla vita di Pil-su, nella dolcezza di un nipote mancato come  Jun-pyo e nel ritrovare in Seong-Mi la cura e la premura di una figlia.

Coltivare i propri sogni al di là dell’età, della differenza sociale, del proprio passato, questa è una delle telematiche più importanti del drama che ho apprezzato moltissimo.

La passione nel coltivare i propri sogni vista dell’ottica del giovanissimo Jung-pyo che testa il proprio talento come rapper e compositore, Seong-Mi che ha accantonato i suoi sogni nell’ambito letterario e che rincontra un vecchio compagno di università, Hwang Eun-ho ( Kim Tae-hun, “Romance is a Bonus Book“, “Navillera“) da sempre innamorato di lei, ma, dopo un momento di confusione ritroverà la propria strada e gli affetti più cari, Pil-su e Jung suk che, dopo l’incontro dei talenti delle start up più significative, si scambiano delle riflessioni sulle idee, sul lavoro dei giovani e sulle possibilità che spesso vengono loro negate:

“Sono stati tutti fantastici. Se ottenessero tutti degli investimenti spiccherebbero il volo come razzi”.

“Più che razzi, li paragonerei ad aquiloni. Puoi avere l’aquilone più bello del mondo, ma serve qualcuno che lo alzi per farlo volare in alto”.

Discorso a parte è quello relativo all’app VICINO 24, personalmente non ho molta preparazione in merito, ma il pensare ad una app testata in un quartiere e che prova a reintrodurre il tradizionale scambio di prestazioni lavorative con l’intento di aiutare il quartiere stesso, le piccole imprese, fornire scambi di ricordi, annunci, mercati dell’usato, attività di club e uno spazio per mettere a disposizione il proprio talento, mi ha davvero incuriosita. In questo drama ho apprezzato molto il principio di sussidiarietà che viene presentato nei piccoli gesti, in quell’aiuto che cambia la situazione di una famiglia o di un padre disperato rimasto solo con un bambino, o il semplice scambio di esperienze che fanno crescere in meglio anche la più piccola attività.

“Never Give Up” è una piccola storia che scalda davvero il cuore, una storia semplice, di persone ordinarie, una storia che è come una carezza, perché non è mai troppo tardi per essere giovani nel cuore e nell’affrontare la vita come Pil-su, con sincero spirito di ottimismo che si espande piacevolmente a tutti coloro che gli sono vicini, con la sensibilità di Jung suk che nasconde i suoi momenti di tenerezza in un sorriso accennato e timido e con il motto che ci terrà compagnia fino alla fine della visione, quando il protagonista chiude la porta del suo piccolo ristorante di pollo fritto ed esclama: “Ottimo lavoro!”, quello che dovremmo dire a noi stessi, sempre, a fine giornata.

Memoru Grace

Sweet Home 2 (ovvero dell’adattamento, dell’estinzione, dell’umanità)

“Che cosa stai facendo?”. “Non lo so. Che cosa credi che dovremmo fare?”.

Fan rimasti in sospeso con quella neve innaturale di settembre, divoratori di webtoon notturni e psicologici, amanti del genere post-apocalittico e catastrofistico, apprezzatori di questo prodotto di nicchia che, col tempo, ha conquistato il mondo, il momento che abbiamo aspettato da più di tre anni è arrivato: la seconda stagione di Sweet Home è finalmente stata girata e prodotta da Netflix, seguendo, bene o male, le linee della graphic novel omonima di Kim Kan-bi (o Kim Carby) e Hwang Young-chan, che oggi è stata stampata e tradotta ovunque. E, se la drammaticità e la complessità della prima stagione hanno meravigliato e stupito sin dalle prime battute, la seconda stagione non ha mancato di destrutturare quell’artificioso e inquietante universo di mostri che avevamo imparato a conoscere per immetterci in un mondo ancora più apocalittico, ancora più controverso, fatto di angoscianti attese e di chiaroscuri cupi, quanto le anime tormentate dei sopravvissuti alla catastrofe o, meglio, alla “mostrificazione”, come viene definito questo processo di decostruzione e ricostruzione umana.

Prendete un attimo di fiato. Rileggete la recensione della prima stagione di Sweet Home. Chiudete gli occhi e salutate silenziosamente tutti coloro che abbiamo perso nella lotta per la sopravvivenza all’interno della Casa Verde. Poi, riaprite gli occhi in mezzo ai ruderi di un mondo disfatto e a brandelli e proseguite questa lettura.

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“La Terra esiste da più di quattromila miliardi di anni. L’uomo è comparso su questa terra meno di tre milioni di anni fa. Praticamente, paragonandola con il tempo della Terra, l’esistenza dell’uomo è pari a meno di tre secondi. Un nulla se si considera da quanto tempo esiste la terra. E, appena è apparso, l’uomo ha iniziato immediatamente a dare fastidio alla Terra. Ed è per questo motivo che la Terra ha concepito un modo per difendersi e annullare l’uomo. L’uomo è il virus. L’epidemia è il vaccino con cui si cura la Terra”.

Così, l’incipit di questa seconda stagione, con la voce sussurrata del Dr. Lim (il bravissimo Oh Jung-se di It’s Okay to Not Be Okay, Jirisan e When the Camellia Blooms), in mezzo al buio e alla fredda luce del laboratorio dove studia, taglia e seziona le creature (ovvero gli umani “mostrificati”), con la ferocia e la meraviglia dello scienziato nei confronti delle proprie cavie. Il Dr. Lim non crede nell’umanità o, meglio, tifa per la sua estinzione totale, a meno di un’evoluzione e di un adattamento, di una trasformazione mostruosa che renderebbe possibile un nuovo mondo e una nuova selezione. Per questo motivo, il Dr. Lim attende con ansia l’arrivo dell’unico prototipo di umano trasformato che sembra resistere alla mostrificazione, Cha Hyun-soo (Song Kang di Navillera, Love Alarm e Nevertheless, qui in un’interpretazione unica, quasi estraniato e trasfigurato in un mondo irreale). Hyun-soo sa che la sua consegna all’esercito potrebbe implicare la morte e il dolore, ma vede nella sua trasformazione la possibile salvezza per l’umanità: la ricerca di una cura, un vaccino, che possa aiutare gli umani a non ammalarsi e/o a guarire e che possa ristabilire le cose.

Solo che il mondo non vuole ristabilirsi, atto com’è alla sua degenerazione fisica e morale: come il Dr. Lim spera nell’estinzione dell’umanità per la creazione di un nuovo genere umano, più forte e più perfetto del precedente, così da subentrare al vecchio mondo, un governo quasi del tutto mostrificato progetta un piano di distruzione globale e bombarda i luoghi dove si sono rifugiati i sopravvissuti, mentre il vaccino prodotto pare essersi consumato per sempre. Sembra un mondo che corre verso la fine, dove forse ha ragione Kim Wooi-myung (che ha perso le sembianze fisiche date dal Kim Sung-cheol di Our Beloved Summer – e presto nel seguito di Hellbound – per acquisire quelle del Lee Jin-wook di Bulgasal), il quale porta sulla sua anima e sulla sua mente le piaghe di essere stato trattato come cavia da laboratorio e aspira ad un nuovo sistema, in cui i mostri possano governare su tutto e su tutti. Nello stesso modo, l’esercito, che doveva proteggere gli umani rimasti, si squassa e si corrode, in prima linea per perdere la propria mente a causa della follia generale, laddove l’epidemia è anzitutto – secondo le parole del Dr. Lim – una malattia mentale che trasforma il fisico.

Un piccolo e sparuto gruppo proveniente dal Plotone Corvo Nero, una squadra di salvataggio quasi suicida che tenta di eliminare i mostri (o, perlomeno, i mostri più violenti) e capeggiata dal sergente maggiore Tak In-wan (Yoo Oh-sung, in questo momento nel drama romantico Welcome to Samdal-ri), si fonde con gli ultimi residui dei corpi speciali comandati dal sergente Kim Young-hoo (interpretato da Kim Mu-yeol, visto in La Giudice e Eungyo – Una Musa) con l’obiettivo di proteggere il rifugio di umani allo stadio, su cui supervisiona la comandante Ji (Kim Shin-rok di Hellbound e One Ordinary Day). Ed è qui che ritroviamo (almeno, parzialmente) i sopravvissuti della Casa Verde, dopo averli seguiti nel loro esodo dalla casa, lungo il tunnel attaccato da mostri, in un autobus sbandato in fuga verso i ruderi del vecchio condominio, allo stadio durante il bombardamento e giù per le viscere della terra, supportati dal soldato di leva ed ex giocatore di baseball Park Chan-young (Jung Jin-young dei B1A4), forse uno dei personaggi più umani, empatici e altruisti di questa stagione di Sweet Home. Qui Lee Eun-yoo (Go Min-si di Love Alarm, Jirisan e Youth of May), reputata una pazza per aver ucciso il marito della comandante Ji, non crede nell’allontanamento di Hyun-soo, certa del suo ritorno e della sua protezione, e nella morte del fratello Lee Eun-hyuk (Lee Do-hyun, protagonista amato di tanti drama, come Melancholia, 18 Again, The Glory e The Good Bad Mother), certa della sua ricomparsa. Qui ricompare anche Seo Yi-kyung (Lee Si-young), con la sua personale tragedia, seguita dal frutto della sua gravidanza Ah Yi (Kim Shi-ah, la bambina prodigio di The Silent Sea e Kingdom – Ashin of the North).

L’umanità è destinata all’estinzione o all’evoluzione? E quanto le due cose coincidono in un adattamento forzato dettato dall’umanità stessa? Cosa sono i mostri se non i desideri più oscuri e reconditi, ma anche quelli più chiari e luminosi, che, però, rimangono irrisolti per la dimidiatezza umana? Si desidera, si vive protendendosi verso un’aspirazione impossibile, verso un futuro che non si crede di realizzare, e ci si trasforma, staccandosi dalla realtà presente. Il monstrum risiede in noi e nella nostra volontà, nel dialogo interiore tra il nostro Bene e il nostro Male, la nostra esistenza e il nostro essere più profondo, in quella dialettica parmenidea onnipresente nelle azioni umane. Ci si “mostrifica” interiormente, prima ancora che esteriormente, e ci si “mostrifica” talvolta senza trasformarsi in mostri, in una erosione del proprio essere. La tragedia piccola e intima della prima stagione, chiusa tra le quattro pareti della casa dei sopravvissuti, diventa globale, ancora più disperata nel dramma collettivo di un’umanità che va a pezzi grazie ai propri desideri e che vede nel processo di “mostrificazione” l’unica vera speranza per continuare a credere in qualcosa di possibile, camminando nel rumore vuoto che assorda e offusca le menti, isolati dentro se stessi (come nella bellissima scena di quando Yoon Ji-su, interpretata da Park Gyu-young di DaLì and the Cocky Prince e Celebrity, perde l’udito per affrontare un mostro che minaccia la sua piccola famiglia).

Personalmente, pur avendo apprezzato molto questa seconda stagione, non l’ho trovata ai livelli della prima. Più che altro, mi ha destabilizzato la perdita del luogo che conoscevo e i continui cambiamenti e sfasamenti, anche temporali, sospesi nel vuoto di un’attesa che diventa angosciante e terribilmente cupa prima dello scoppio. Tuttavia, si comprende come questa seconda stagione sia solo un momento di passaggio dal nido chiuso della prima, dove Hyun-soo diventa mostro e acquisisce, al tempo stesso, la sua umanità, e la tragedia conclusiva della terza stagione, in arrivo sempre su Netflix per l’estate del 2024. Sono ancora tante le domande rimaste senza risposta e ancora di più i nuovi dubbi che si sono creati, in una trama vischiosa che porta a riflettere sul ruolo della scienza nel mondo e su come ognuno può perdere e ritrovare, allo stesso tempo, se stessi. Che non tutti i mostri sono tali, lo avevamo già appreso nella prima stagione. Che alcuni mostri, nella trasformazione fisica, riescono ad elevare la propria mente e a “controllarla” o meglio ad “usarla”, abbiamo iniziato a capirlo dall’invasione Wooi-myung, ma continuiamo ad apprenderlo con nuovi casi (come il bambino neonato diventato mostro perché desiderava la madre o la sposa rimasta vedova nel suo giorno di nozze che continua a cercare il marito), fino a chiederci se non siamo tutti destinati alla “mostrificazione” per diventare nuovamente umani.

Ultima postilla: attenzione alle ultime scene, poco prima dei titoli di coda, perché forse non siamo pronti a certi ritorni, ma sono i ritorni che tutti aspettavamo e che confermano cosa sia il monstrum come intruso nell’animo umano.

Captain-in-Freckles

Come suona la recensione?

Miyo – Un amore felino

“Sembra come se fosse sparito tutto…il mondo è pieno di cose che odio e cose di cui non ho bisogno…Ma se non ci fosse più niente quando torno là fuori…Almeno questo vorrei che non sparisse…”

E se una maschera potesse trasformarci, dare un’altra idea di noi stessi agli altri, regalarci l’opportunità di migliorarci per realizzare i nostri sogni?

“Miyo – Un amore felino”, parla proprio di questo e affronta l’argomento in modo molto delicato come ci ha abituati la scrittura sensibile di Mari Okada (“Dragon Pilot”, “Toradora”) e dalle tinte pastello, quasi per raccontarci in modo semplice, gentile, ma anche fantastico, questa bellissima storia di maschere, di umani e di gatti.

Le maschere sono utilizzate nella cultura giapponese per rappresentare personaggi teatrali, divinità o spiriti tipici del folklore, possono avere valenza negativa oppure positiva, ma anche buffa e spiritosa, le maschere rappresentano i diversi stati d’animo e il mondo delle emozioni umane.

La nostra storia si apre con Miyo Sasaki, detta Muge, studentessa quattordicenne segretamente innamorata del suo compagno Kento Hinode, ma non ricambiata e che, durante una festa tradizionale, si avvicina ad una bancarella colorata dove un gatto affascinante e magico vende delle maschere singolari a forma di musetto di gatto. Questo strano mercante di maschere cerca di vendere le sue maschere agli esseri umani infelici che vogliono cambiare vita o semplicemente vogliono fuggire dal mondo e non farsi più trovare da nessuno.

Queste maschere, in realtà, hanno un potere segreto: se si indossa una delle maschere e si fa una capriola, ci si trasforma in un gatto. Miyo lo fa e si trasforma in una dolcissima gattina bianca.

Da gatta, Miyo riesce ad avvicinarsi senza timore e timidezza a Kento che si affeziona subito alla gattina credendola una trovatella, ma, più va avanti questo inganno più Miyo si trova impelagata in un mondo pieno di bugie e sensi di colpa e si ritrova a dovere affrontare un’altra dimensione, quella della magia e lo fa a sue spese perché non riesce più a tornare nella sua forma umana.

Cosa sarà successo? Come potrà tornare indietro e stringere un nuovo contratto con il gatto magico della bancarella?

Per Miyo inizierà un viaggio complesso e sarà accompagnata dallo stesso Kento, con il quale si troverà in una terra dominata da gatti che si comportano come esseri umani con pregi e difetti. In questa dimensione temporale felina Miyo dovrà cercare di recuperare la maschera umana che le permetterà di tornare ad essere se stessa.

Se una maschera l’ha aiutata ad avvicinarsi alla persona che ama, a scoprire i lati malinconici e tristi di Kento, lati che non conosceva, ora Miyo sa che deve riprendere la sua maschera da umana per riconoscersi e accettare se stessa e imporsi nel mondo, immergendosi nella società. Non serve una maschera per nascondersi e annullarsi o un incantesimo o una magia speciale, la vera soluzione è credere in se stessi e Miyo ne prenderà atto per costruire il suo futuro, per uscire dalla sua patina di depressione mascherata da finta allegria. Perché non si può coprire una maschera indossandone un’altra.

Una storia profonda di formazione e di coraggio, seguiremo la protagonista nel suo tenace tentativo di uscire da un incubo, quello di tutti noi quando indossiamo una maschera per affrontare il mondo fuori da casa nostra, per non inciampare e, quando poi posiamo la maschera, stanchi, la sera, per riuscire a raccoglierci nel nostro io interiore.

“Miyo – Un amore felino” è anche conosciuto con il titolo inglese “A Whisker Away”, è un film del 2020 diretto da Jun’ichi Satō (“Sailor Moon”, “Keroro”) e Tomotaka Shibayama (“La ragazza che saltava nel tempo”), da recuperare anche la ricca colonna sonora.

Memoru Grace

Strong Woman Do Bong-soon vs. Strong Girl Nam-soon (ovvero dei superpoteri delle donne)

“There is no limit to what we, as women, can accomplish”. (Michelle Obama)

Sì, lo so, straordinariamente non ho iniziato con una frase tratta dal drama che devo recensire qui. Anche perché, per una volta, volevo parlare di ben due drama, considerati non tanto come l’uno il seguito dell’altro, ma quanto l’uno l’ispirazione dell’altro. Nel non lontano 2017, quando ancora l’Europa non era pervasa dall’onda coreana, che iniziava timidamente ad affacciarsi nel Nord America (al contrario dell’America latina e del resto dell’Asia dove il 2016, detto “l’anno dei k-drama perfetti” aveva dettato le regole per una nuova serialità), venne prodotto il drama Strong Woman Do Bong-soon (힘쎈여자 도봉순, anche conosciuto come Strong Girl Do Bong-soon), un mix inaspettato di umorismo, commedia romantica, thriller e azione da supereroi: quasi un azzardo in salsa kimchi, visto che in quegli anni ricevevano grande eco i film della Marvel, considerati in tutto e per tutto i nuovi kolossal del cinema. Un azzardo che si rivelò vincente, tanto che ad oggi Strong Woman è uno dei drama più seguiti di sempre (in Corea del Sud e non solo) e ha uno dei più alti rating mai associati per un prodotto televisivo, contribuendo a diffondere i prodotti coreani in tutto il mondo, ma anche a scardinare la visione della fanciulla in difficoltà che deve essere salvata da un principe di tanti altri k-drama.

Il successo ha portato la produzione a voler ricreare le stesse atmosfere e la stessa magia in chiave comico-thriller-romantico-supereroistica con uno spin off, che potrebbe anche definirsi sidequel, Strong Girl Nam-soon (힘쎈여자 강남순), dove i personaggi originari non compaiono, se non di sfuggita in un piccolo cameo che impreziosisce la serie, ma con una storia incentrata nuovamente su una piccola e casuale eroina dotata di super forza.

Ma quanti gradi di separazione esistono tra le due serie? Andiamo a trattare separatamente le loro trame.

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STRONG WOMAN DO BONG-SOON (ovvero da grandi poteri derivano grandi responsabilità)

Era così la frase che lascia lo zio di Peter Parker al nipote e che gli dà la forza e il coraggio di diventare Spiderman o sbaglio?

Nella famiglia di Do Bong-soon (meravigliosa Park Bo-young di Daily Dose of Sunshine, Concrete Utopia e Doom at Your Service), tutte le donne nascono con un potere leggendario: una super-forza che viaggia solo nel DNA femminile, ma che può essere persa se usata a fin di male. Ma la super-forza per Bong-soon è anche un peso e una caratteristica da nascondere, visto che il suo sogno più grande sarebbe quello di vivere una vita normale, trovando un lavoro normale, senza rompere tavoli e pavimenti per un’azione non controllata, e magari sposando l’uomo dei suoi sogni, il poliziotto In Gook-do (Ji Soo, già 14esimo principe di Moon Lovers), suo vecchio amico di infanzia e sua eterna cotta non corrisposta. Un giorno, però, la super-forza di Bong-soon torna utile per salvare i bambini dell’asilo di un bus bloccato da alcuni gangster (su tutti Kim Kwang-bok, interpretato dal caratterista d’eccezione Kim Won-hae). Solo che al suo intervento assiste anche An Min-hyuk (adorabile in questo ruolo Park Hyung-sik di Hwarang, Relumino, Happiness, Soundtrack #1 e Our Blooming Youth), giovane CEO di una compagnia di videogiochi, nella quale Bong-soon sognerebbe di lavorare. Min-hyuk salva il suo desiderio di anonimato, ma, poi, insiste per assumerla come sua guardia del corpo personale, anche perché si trova al centro di una serie di minacce che impediscono la sua attività economica. Bong-soon accetta dietro la promessa di entrare nel Dipartimento di strategia per sviluppare il suo videogioco, una volta preso il ricattatore, e, ovviamente, con la pretesa di non diffondere voci sulla sua super-forza, soprattutto con Gook-do. Da qui partono una serie di scenette esilaranti tra un CEO folle e su di giri, che finge pure di essere gay per avvicinare a sé Bong-soon, e una ragazza che non sa controllare la propria forza, con cui può stendere tutti al tappeto, ma che ha un cuoricino soffice, in attesa di ricevere amore.

E Min-hyuk non solo ha tanto amore da dare, celato dietro una maschera di falsa leggerezza per simulare il suo senso di solitudine, ma ama Bong-soon al di là di qualsiasi sua caratteristica particolare: lei è adorabile sia con la super-forza che senza, perché, quando l’uno/a guarda negli occhi dell’altro/a, rivede se stesso/a. Min-hyuk supporta sempre e costantemente Bong-soon, aiutandola nel suo percorso di riscoperta di sé, capendo come gestire e controllare la sua forza (quando ridurla e quando usarla e con quale intensità) e, soprattutto, non limitandola mai, in alcun modo e in nessun momento, in una parità perfetta e in una stima reciproca che, mano a mano, cresce per avvolgerli completamente in un unicum. Perché “diventare innamorati partendo dall’essere amici è semplice: basta che uno faccia un passo in avanti verso l’altro” (semicit.).

Anche Bong-soon fa un passo avanti e, andando avanti, inizia a liberarsi da tutte le insicurezze che la tenevano legata e che non le permettevano di crescere: la sua forza non è una maledizione di famiglia, né una condanna, ma un premio per proteggere e salvaguardare i più deboli, un quid in più che le può permettere di agire, ma anche un’estensione del superpotere con cui sono nate le donne e che il mondo violento vorrebbe tacciare e soggiogare.

Perché dobbiamo vivere nell’insicurezza? Perché una donna non può permettersi di uscire da sola di notte? Si chiede Bong-soon (e con lei ce lo chiediamo sempre anche noi, ogni qual volta sentiamo una notizia di ordinaria violenza contro le donne e contiamo, giorno dopo giorno, tutti quei delitti che vengono commessi contro vittime proprio perché donne). Il Male è qui rappresentato da un uomo che usa la propria forza per fare del male alle donne, un novello Barbablù che ha l’obiettivo di rapire e mettere alla fame sette ragazze, come le sette mogli del cattivo da fiaba, semplicemente perché gode nel sentirsi potente su di loro e nel sentirle implorare per la propria vita. Un uomo tossico e terribile, un villain da film dell’orrore, che rappresenta anche la paura ancestrale insita in tutte le donne: quella del maniaco, del sequestratore, del violentatore, della violenza maschile irrefrenabile e sadica che non permette la libertà e l’emancipazione femminile.

Il cast è completato da: Shim Hye-jin (Green Fish, Acacia, Goodbye Franceska) e Yoo Jae-myung (Vincenzo, Itaewon Class, Song of the Bandits) nei ruoli dei genitori di Bong-soon; Ahn Woo-yeon (King the Land, Mad for Each Other) nel ruolo del fratello di Bong-soon; Jeon Seok-ho (Kingdom) nel ruolo del segretario Gong; Im Won-hee (Move to Heaven, Chief of Staff) nel ruolo del gangster Baek Soo-tak); e, poi, naturalmente, Kim Won-hae, che ha un doppio ruolo, di cui non rivelo nulla.

PUNTI DI FORZA: tanti, tantissimi, ma soprattutto gli spunti di riflessione che oggi, come sempre, dovrebbero portarci a pensare sull’aumento spropositato di atti di violenza nei confronti delle donne e sulla ferocia di una società che ha solo apparentemente accettato la parità, ma che tende a relegare la dimensione femminile in una nicchia accessoria. Uno dei grandi meriti di questa serie è narrare di crimini aberranti e di formazione femminile in modo delicato, leggero e mai banale, facendoci sorridere e senza mai perdere il perfetto discernimento tra bene e male.

PUNTI DEBOLI: per chi non è abituato ai k-drama di quel periodo, potrebbe rimanere un po’ allibito da alcuni cliché usati o da alcune battute, che forse da noi sarebbero un po’ rudi o quasi anni ’80-’90 (così le macchiette stereotipate sugli omosessuali). Nonostante tutto, sono punti trascurabili, vista la perfezione di tutto il prodotto.

PLUS: Ragazze, trovate un ragazzo come Park Hyung-sik e badate bene a tutti coloro che vi urlano in faccia, vi sgridano per qualsiasi cosa, vi criticano per come vi vestite e vi mostrano diverse volte tante asprezze, perché l’amore è stima, non cieca gelosia. Meritate (meritiamo) questo e altro, la dolcezza – anche se troppa – e la sincerità, la libertà di piangere e di sorridere a proprio piacere, il sostegno reciproco in qualsiasi emozione e in qualsiasi particolarità, anzi a prescindere da queste, qualcuno che vi entri nel cuore e che vi custodisca sempre nel proprio.

Come suona la recensione?

STRONG GIRL NAM-SOON (ovvero è iniziato il matriarcato)

Era così la frase che Nairobi, nella serie La casa di carta, annuncia al Professore, dopo aver legato Berlino o sbaglio?

Nella famiglia di Gang Nam-soon (la piccola Lee Yoo-mi, che era riuscita a farci piangere tutte le lacrime di questo mondo in Squid Game e All of us are dead), tutte le donne nascono con un potere leggendario: una super-forza che viaggia solo nel DNA femminile, ma che può essere persa se usata a fin di male. Solo che un padre sbadato (Lee Seung-joon di Behind Your Touch), forse anche un po’ troppo soggiogato da una moglie-drago, la perde in mezzo alla steppa mongola, mentre fotografa le stelle. La bambina cresce così, selvaggia e felice, con i suoi genitori adottivi in Mongolia, fino a quando non si ricorda di essere coreana. Decide, allora, di imparare la lingua, mettere di lato i soldi che guadagna con la pastorizia e recarsi in Corea per conoscere i suoi genitori naturali e sposare un ragazzo coreano, bello, simpatico e da proteggere. Già appena arriva, si fa notare subito, visto che usa la sua super-forza (e anche gli altri super poteri, perché stavolta la fanciulla è anche dotata di levitazione e super-velocità) per bloccare l’aereo su cui viaggia e desta l’attenzione del poliziotto Gang Hee-sik (Ong Seong-wu di Would You Like a Cup of Coffee? e More Than Friends) e del narcotrafficante Ryu Si-oh (Byeon Woo-seok di Soulmate e 20th Century Girl). Quante probabilità ci sono di arrivare come turista dalla Mongolia, parlare scorrettamente il coreano usando solo il linguaggio informale, farsi perquisire per droga, farsi truffare su Air BnB, costruire una tenda tipica mongola sul fiume Han, diventare capo dei clochard di Seoul e, al tempo stesso, affascinare un criminale, senza minimamente preoccuparsi di nascondere la propria super-forza, ma trovando, in ogni caso, la propria famiglia d’origine, composta da tante supereroine? Più o meno, le stesse probabilità di un fumetto supereroistico alla Marvel, che sembra essere la vera ispirazione di questo spin-off. Così come la famiglia di Nam-soon sembra lo Shield.

Per casi non ben spiegati, infatti, nel ricco quartiere di Gangnam, le donne della famiglia di Nam-soon vivono da decenni come delle vere e proprie vigilanti, a vegliare dai tetti la città, punire i criminali per le loro malefatte e usare la propria super-forza per ripristinare la giustizia. Ma, in più, sono ricche e in possesso di un caveau segreto con tutti i gadget del caso, come Batman, e hanno una perfetta e fulva chioma fluente, come la Vedova Nera. La madre di Nam-soon (Kim Jung-eun di Peninsula e Lovers in Paris) ha fatto fortuna con un ristorante di ossa di manzo e adesso gestisce un banco dei pegni più grande di una banca, senza dimenticare la sua vena supereroistica. Per cui, una volta riparato senza grandi stravolgimenti il dolore per la scomparsa della figlia e accolta in casa Nam-soon, la educa subito a diventare come lei, usando le sue capacità a fin di bene.

Solo che Nam-soon ha anche il compito di preservare la sua unicità, che, in questo caso, vuol dire trovare l’uomo ideale, sposarlo e concepire figlie femmine, le uniche in grado di ereditare il potere e di continuare il matriarcato (visto che gli uomini della famiglia sono inutili, deboli e pure piuttosto ipocondriaci). Ma Nam-soon si mette al servizio del prossimo nell’indagine di polizia condotta da Hee-sik e si finge Khang Tsetseng, magazziniera presso l’azienda di Si-oh.

Qui dovrei aprire un capitolo a parte su questo super cattivo, che è il vero frutto degli sbagli e delle oscurità della società. Si-oh è nato senza famiglia e senza amore, cresciuto nell’odio e nella paura, affidato a famiglie che erano in realtà gruppi criminali e, come tale, espatriato in Russia con il nome di Anton, affiliato ad una cosca che ha soppresso la sua infanzia e la sua purezza (in una presentazione che sembra Educazione siberiana). Si-oh è un criminale che fa di se stesso un’aberrazione naturale: non limitandosi ad esportare e vendere la droga e il medicinale antidoto che l’organizzazione criminale gli impone, sperimenta su di sé l’effetto delle droghe per trasformare gradualmente il suo corpo, acquisire la super-forza e diventare un mostro, come la società lo ha sempre condannato sin da bambino. Si tratta di un personaggio gigantesco e drammatico, che, ad un certo punto, oscura quel sorriso forzato e perbenista dei supereroi di Gangnam.

Il cast è completato da: Joo Woo-jae (Beat Coin, Love Catchers in Bali) nel ruolo di un imprenditore rovinato dai bit-coin e finito sul lastrico; Kim Hae-suk (Tomorrow, Start Up) nel ruolo della nonna di Nam-soon; Kim Ki-doo nel ruolo dello zio pigro e malaticcio e Harrison Xu nel ruolo del fratello obeso che si mette a dieta; Jeong Bo-seok nei panni del fidanzato/amante della nonna (in una delle storyline più imbarazzanti e inutili di sempre); Choi Hee-jin (Snowdrop) come falsa sorella.

PUNTI DI FORZA: la simpatia, il coraggio, la brillantezza di Lee Yoo-mi e la volontà di Ong Seung-wu, la bravura sopra tutti di Byeon Woo-seok, gli effetti speciali ben curati, l’ingenuità in stile Pippi Calzelughe della protagonista che fa sorridere e avvicina gli spettatori a lei, il cameo dei due protagonisti della prima serie (perché sì, Park Hyung-sik, attendevo proprio te mentre aprivi con disinvoltura le sliding doors e i tornelli a tempo di musica), la riflessione sulla droga, sul bullismo e sulla cattiveria sociale. Ma…

PUNTI DEBOLI: dovrei aprire un capitolo a sé, perché questa seconda serie è un grande ed enorme fumettone (per prendere in prestito le parole di un’amica), che mi ha lasciato a tratti basita e sconfortata e, per lunghi momenti, pure imbarazzata dalla presenza di personaggi troppo esagerati, quasi plastificati, che rovinano la bellezza delle caratteristiche dei k-drama e lo avvicinano al mondo seriale USA (solo che questo non è un complimento) e, per farlo, degradano quell’elemento umano fondamentale nelle serie coreane. Il problema è che è mancato anche il messaggio di base della prima serie, quella forza tacita e costante delle donne, quei super-poteri che non abbiamo bisogno di dichiarare per scoprire noi stesse e la risposta alla violenza che ci insegue. In poche parole, è stata un’occasione mancata, a tratti ancora poco comprensibile, con storyline che hanno banalizzato la profondità del messaggio proveniente dalle infanzie violate di Si-oh e di altri ex bambini, destinati a trasformarsi in mostri.

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Captain-in-Freckles

Bastions – Let’s Rock the World!

“We’ll get it done / We’ll work as one / We’ll get it done / You and I got the power”.

No, non è un video dei BTS o di qualche altra grande star del K-pop, né uno spot coloratissimo e sfavillante, di quelli che entrano in mente a partire dal jingle e che canti e ricanti sovrappensiero. Anche se, a pensarci bene, la serie anime Bastions (베스티언즈) mi ha dato proprio le stesse vibes di una playlist Spotify ben fornita, ovvero, più che vederla, l’ho quasi cantata. E non sto scherzando. Un palato fine e abituato agli anime così ben strutturati e pregnanti degli ultimi anni forse potrebbe rimanere un po’ basito, mentre, al contrario, un fan del k-pop che ha sempre ignorato il mondo manga potrebbe anche gettarsi a capofitto su questa visione e gradirla appieno, senza focalizzarsi troppo sui temi. Per cui è necessario parlare per gradi: da una parte, la serie anime; dall’altra, il mondo musicale che la racchiude e la circonda come una spirale colorata.

“We’ll save the planet. We love this planet“.

Digger, Almon e JJ sono tre amici inseparabili che lavorano come fattorini per un ristorante di pollo fritto (il 치킨, sapete quello tipico coreano, che fa una crosticina croccante sopra e viene accostato ad una salsina agrodolce o piccante?). I tre ragazzi, però, nascondono un segreto: in qualche modo inspiegabile (sul serio, perché nella serie non viene mai specificato), hanno acquisito dei poteri straordinari e delle abilità fuori dal comune, che li rendono, in tutto e per tutto, dei supereroi. Ed è, così che, mascherati e in incognito, i tre ragazzi tentano di intervenire come “vigilanti” del quartiere, prendendo come modello il duo di supereroi Miki e Michi. Quello che non sanno, però, è che, al di là dei loro incredibili poteri, Miki e Michi non sono altro che un grande bluff, pagati da una grossa società di chabeol per fingere di salvare il mondo, nascondendo, in realtà, tutti gli affari loschi della società, compreso la diffusione di prodotti malsani, la riqualificazione di quartieri che vengono demoliti, la costruzione di ecomostri che divorano la città e lo sversamento di inquinamento nocivo (la tematica ambientale è particolarmente sentita in questo anime, anche per la battaglia che diverse associazioni conducono in Corea contro le polveri sottili o contro prodotti alimentari edulcorati e OGM). Praticamente, Miki e Michi avrebbero una fedina penale ben lunga per connivenza con la criminalità organizzata e associazioni a delinquere di ogni tipo, ma hanno anche dei difetti: sono superbi, isterici, polemici e non guardano in faccia nessuno per realizzare i propri obiettivi, anche a costo di farli fuori fisicamente. Naturalmente, tutto ciò fino a quando non intervengono i Bastions, che sono di un’ingenuità e di un candore incredibili, credono nella bontà del mondo e vogliono migliorare l’umanità e, soprattutto, sono convinti che Miki e Michi siano buoni e che possono aiutarli, agendo proprio contro quella criminalità organizzata che li finanzia e, quindi, mettendo loro i bastoni tra le ruote. Missione dopo missione, scontro dopo scontro, gli obiettivi dei Bastions si fanno sempre più chiari: non più essere vigilanti di quartiere, ma diventare dei veri e propri supereroi, perché l’umanità e il pianeta ne hanno bisogno e perché non si meritano dei falsi eroi come Miki e Michi.

“We singin’, we dancin’. You could feel the air“.

Ma Digger, Almon e JJ non condividono solo il lavoro, il segreto di abilità sovrumane e l’obiettivo di proteggere il pianeta. Insieme i tre hanno il sogno di sfondare nel mondo k-pop, per cui Bastions diventa sia il nome del trio di supereroi che sta riportando giudizio a Seoul, sia il nome di una band che vuole farsi notare in ambito musicale. Ed è così che assistiamo a tutte quelle piccole e grandi battaglie giornaliere che possono soffrire le band k-pop. Digger, Almon e JJ, però, non sono nemmeno trainee (per conoscere il significato di questo e altri termini, leggete qui) e non hanno il supporto di alcuna casa discografica, né di un manager alle spalle, per cui sono costretti a esercitarsi da soli in palestra e ovunque, fino a quando non riescono a trovare in uno street dancer (che somiglia molto al j-hope degli esordi) il coreografo ideale per le loro performance. Questa storyline così musicale, che si incrocia con la vena supereroistica in stile My Hero Academia (forse prima vera ispirazione di Bastions), è anche la caratteristica fondamentale della serie, che nasce proprio come una grande festa del K-pop e che vanta la canzone The Planet dei BTS come opening di ogni singolo episodio (citazione che ho richiamato in epigrafe). D’altronde, sappiamo che gli stessi BTS si sono sempre professati fan di anime, manga, videogiochi e un certo universo nerd: Jin colleziona gadget di SuperMarioBros e vecchi manga, RM ha sponsorizzato Oshi no Ko ed è appassionato di Studio Ghibli, Jungkook ha pianto fiumi di lacrime davanti alle ultime stagioni di Demon Slayer e Attack on Titan (praticamente, come me, caro JK). La serie, inoltre, ha una delle OST più curate di sempre: vi hanno partecipato HEIZE con Run Away, LE SSERAFIM con Guardian, che è anche la canzone dell’esibizione live dei Bastions, le Brave Girls con Shiny World, Kang Min Seo con The Night Without An Umbrella, Seo J con Like a Fool e AleXa con Shining Star. E vi avviso: ogni momento musicale all’interno degli episodi dura quasi metà episodio.

“You’re one in a million. So let all your colors shine“.

Nonostante la serie anime in sé non sia un prodotto grandioso ed emozionante (in parte per colpa mia, che sono troppo viziata in materia, ma in parte per un’animazione in 3D che credo abbia penalizzato il montaggio e la velocità del girato), gli ultimi episodi mi hanno scosso per il messaggio che, quasi timidamente, riescono a dare. Trattano tutti la storia di una ragazzina schiva e riservata, costantemente bullizzata dai compagni di scuola, che scopre in un cattivo prodotto energetico la forza e il coraggio di rispondere violentemente ai suoi aguzzini fino a perdere l’umanità e a diventare un vero e proprio mostro, un fascio di muscoli e di nervi privi di voce. Quando non riesce più a recuperare la forma umana e tenta di vivere nascosta dal mondo, quest’ultimo si rende conto di lei: la scova, la giudica e la condanna, senza mai porsi alcun problema su come una ragazza indifesa abbia potuto trasformare se stessa e su cosa abbia dovuto soffrire, nel silenzio della società. Perché anche il bullismo non è altro che il sintomo di una società malata, che ha avvelenato i propri figli in tanti e molteplici modi, educandoli alla violenza e alla brutalità e facendo loro perdere se stessi. Mentre il mondo vuole eliminare fisicamente quel malfunzionamento personificato nella ragazza-mostro, i Bastions intervengono per comprenderla e aiutarla a riemergere dal baratro in cui la paura l’aveva gettata, facendole riscoprire la sua unicità e la sua bellezza e portandola ad apprezzare se stessa, senza giudizi altrui, per farla risplendere di nuovo. Credo che questo sia uno dei messaggi che ci è anche più rimasto impresso della narrativa dei testi K-pop (in primis, dei BTS) e che ci ha portato piano piano ad apprezzarne il genere musicale, perché in quella K è nascosto qualcosa di universale e di personale al tempo stesso, come la riscoperta di noi stessi.

Senza distruggerci, impariamo ad amarci e ad apprezzarci, perché essere supereroi non è così difficile se si crede fortemente che un cambiamento è possibile e che non si è mai soli nella condivisione dei valori.

“‘Cause wherever you go, I’m goin’. And you know it“.

Laura

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Daily Dose of Sunshine – Domani sarà un giorno migliore

“La felicità è come quando si inghiotte improvvisamente uno spicchio splendente di sole nel pomeriggio”. (Katherine Mansfield)

Quando ho iniziato a guardare “Daily Dose of Sunshine”, ho pensato a questa frase di Katherine Mansfield, quello spicchio di sole, quel raggio di sole al giorno, una medicina per la nostra anima, che quotidianamente attende la marea, il flusso e il riflusso dell’acqua, elemento che la sensibile attenzione di regia e sceneggiatura hanno presentato più volte nella storia per rendere allo spettatore il conflitto nella psiche dei personaggi.

“Daily Dose of Sunshine” è una serie che affronta il tema della salute mentale e ne parla in tono delicato, a tratti onirico, lo vediamo dagli occhi della protagonista Jung Da-eun, una immensa Park Bo-young (“Doom at Your Service”, “Strong Girl Bong-soon”), un’infermiera che viene trasferita dalla medicina interna al dipartimento di psichiatria dell’Ospedale Universitario di Myungshin e ci perdiamo con lei alla ricerca della luce che, attraverso l’arma potente della gentilezza, può essere scoperta e può essere la vera cura alla malattia e al disagio vissuto dai pazienti. Da-eun ha un animo gentile e sensibile, forse fin troppo secondo i vecchi colleghi che tendono a descrivere l’empatia della ragazza come penalizzante nella professione di infermiera. Da-eun, con la sua delicatezza, riesce a vivere le esperienze e le emozioni delle persone che sono ricoverate in reparto, prima la notiamo impegnarsi pienamente e imparare dai suoi stessi errori, poi pian piano la vedremo immergersi nella malattia, nel baratro oscuro della depressione e scegliere di capire come affrontarla e fronteggiarla dall’interno, dopo essersi guardata da fuori: il primo passo per il riconoscimento dello stato emotivo del malessere interiore.

Da-eun riesce a percepire le emozioni delle persone, le catalizza dentro di sé per cercare di aiutarle, il suo altruismo inonda di luce le persone che le sono accanto e che riescono a comprendere questo suo grande dono. Primo fra tutti il suo amico d’infanzia, Song Yu-chan (Jang Dong-yoon, “School 2017”), affetto da disturbo da panico che si è licenziato dalla azienda per la quale lavorava perché non riusciva più a mantenere i ritmi frenetici della vita lavorativa, grazie all’amica riesce a capire e ad affrontare le sue difficoltà e decide di curarsi. Il proctologo Dong Go-yun (Yeon Woo-jin, “39”, “My Shy Boss”) che riconosce in Da-eun il suo raggio di sole per liberarsi dai suoi lati bui e che, a sua volta, sarà importante per la ragazza nei momenti in cui avrà bisogno di comprensione perché, come spesso si dice, il vero conforto è trovare una persona con la quale stare sotto la pioggia quando è impossibile ripararsi.

La madre di Da-eun, interpretata Hwang Young-hee (“The King: Eternal Monarch”) da sola avrebbe bisogno di un capitolo a parte, dedicato al coraggio, alla perseveranza e all’affetto che solo una madre riesce a dare ad una figlia, a comprenderla nei momenti di forza e in quelli di necessità.

Infine, il personale del dipartimento di psichiatria al quale, nel corso della storia, ci affezioneremo, a partire dalla capo infermiera Song Hyo-shin interpretata dalla sempre sorprendente Lee Jung-eun (“Parasite”, “Our Blues”, “When the Camellia Blooms“) a lei sono affidati alcuni dei dialoghi più intensi della serie, al medico  Hwang Yeo-hwan (Jang Ryul di “My Name”) amico della protagonista e innamorato dell’infermiera Min Deul-re (Lee E-Dam), alla dolce Hong Jeong-ran (Park Ji-yeon), amica e collega infermiera che supporta  Da-eun dal primo giorno di lavoro in avanti, al giovane medico Kong Cheol-woo ( Im Jae-hyuk, “All of Us Are Dead”, “Summer Strike”) pieno di aspettative, ma anche di dubbi e timori, allo stagista Ji Seung-jae (Yoo In-soo , “All of Us Are Dead”, “The Good Bad Mother”, “Alchemy of Souls”) bravissimo nell’interpretare uno studente di infermieristica che soffre di disturbi di panico.

Infine, c’è la vera protagonista della storia, la malattia mentale, un disturbo imprevedibile che può colpire chiunque in qualunque momento, senza avvisi perché nessuno sceglie di ammalarsi.

Da cosa dipende la malattia mentale? Dalla perdita, perché tutti noi “siamo dei sopravvissuti destinati a fare i conti con la perdita”.

“La perdita è la causa di tutti i malesseri. Si può perdere una cosa preziosa o se stessi o si possono perdere i momenti felici. In quei momenti possiamo solo aggrapparci ad una cosa all’apparenza un po’ superata. Alla Speranza. A quel cliché. Perché, in fondo, siamo tutti in cerca di un barlume di speranza”.

Altra tematica importante che il drama vuole sottolineare è il pregiudizio a cui sono spesso soggette le persone che sono affette o che sono state affette da problemi di salute mentale che si ritrovano escluse dalla società, emarginate o discriminate sul luogo di lavoro o a scuola, quasi solo a rinvigorire un senso di vergogna che non dovrebbe sussistere, ostacolando e schiacciando la vita degli individui, perché nessuna malattia deve scatenare il giudizio degli altri, ricordando che nessuno è immune ai crolli psicofisici: “Siamo in equilibrio su una fune chiamata presente”.

La nostra vita è un percorso irto di difficoltà in cui il trambusto del mondo fuori soffoca anche il nostro io, si dà priorità a tutto il resto prima che a se stessi, alle parole ascoltate che come pugnali scalfiscono il nostro cuore e quasi non ce ne accorgiamo, il nostro bisogno di approvazione ci porta spesso a scolpire noi stessi nella versione che vogliono gli altri, in una società della fretta, del lavoro 24 ore su 24, di rapporti incostanti, della scarsa considerazione di se stessi e tutto ciò porta ad uno stato di afflizione costante.

Nel drama le interazioni tra la protagonista Da-eun e i pazienti del reparto sono significative, profonde, toccanti, non potremo mai dimenticare il sorriso e l’ultimo sguardo di Kim Seo-wan (intensa interpretazione di Roh Jae-won, “D.P.”, “Once Upon a Small Town”), il paziente che resta più nel cuore di Da-eun e anche nel nostro e che insieme a lui capiremo che sarà importante sconfiggere i draghi con le proprie forze, ma anche con quelle delle persone che ci stanno accanto perché è la nostra vita da proteggere e non le aspettative altrui.

“Daily Dose of Sunshine” è un comfort drama, perché nel vederlo non vi sentirete sicuramente soli e anche un attacco di panico o un periodo di depressione vi sembrerà una esternazione naturale di un nostro malessere interiore o di una nostra debolezza che non è altro che ansia di guarigione e un richiamo a fermarsi un attimo per recuperare le proprie forze ed emergere dall’acqua.

“Siamo tutti al limite. Nella vita tutti oscilliamo tra momenti bui e momenti luminosi. Tutti siamo al limite della normalità”.

Memoru Grace

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A Love so Beautiful – La purezza dei sentimenti

“Alla nostra gioventù che è stata, è, e sarà sempre bellissima”.

Vi è mai capitato di cercare un comfort drama non impegnativo e dagli episodi che non superassero i trenta minuti? Sfogliando la mia lista, una sera, sono incappata in “A Love so Beautiful” che non avevo mai iniziato prima d’ora, forse perché partivo dal “pregiudizio” che potesse essere una serie un po’ naif che parlasse solo di storie d’amore tra adolescenti e non è un genere che personalmente prediligo. Purtuttavia, leggendo il nome degli interpreti, mi sono imbattuta in So Joo-yeon che avevo apprezzato moltissimo in “Seasons of Blossom” e “ Lovestruck in the city” e che è stata pluripremiata per “Dr. Romantic 2 e 3”, così ho deciso di dare una possibilità a questo drama.

Premetto che ho guardato la versione sudcoreana che ha preso ispirazione dalla serie cinese omonima del 2017, tratta a sua volta dal romanzo “To Our Pure Little Beauty “di Zhao Qianqian.

Cosa rende questa storia così unica se ha tutte le premesse, cliché, ambientazioni e tematiche che potrebbero dare l’idea di essere già state viste? La particolarità di questa serie è proprio la semplicità nel raccontare una storia normale che potrebbe essere quella di chiunque, la leggerezza e l’innocenza dell’età, dall’adolescenza fino ai trent’anni, perché il drama termina con i protagonisti trentenni e la semplicità e l’ingenuità iniziali pian piano si rabbuiano con le complicazioni della vita, ma quello che conta sono quei valori, quei sentimenti che restano tali, cristallizzati, perché quelle emozioni genuine dell’inizio le vedremo fino alla fine, solo più maturate, e ogni personaggio ne sarà consapevole. Maturare significa avvalersi di quelle esperienze che raccogliamo durante la nostra esistenza, di quei ricordi che restano nella nostra memoria, di quelle cicatrici che ci accompagneranno fino alla fine, ma crescere significa anche dare prova di superare ogni momento di crisi e per tutti i personaggi di questo drama la crisi ha un volto diverso.

La serie è la storia di cinque ragazzi diciassettenni che frequentano le scuole superiori e del loro viaggio formativo e di crescita fino all’età adulta. Shin So-i (So Joo-yeon) è una studentessa dal carattere allegro, ma anche generosa nei confronti degli altri e pasticciona ed è da sempre innamorata del suo compagno di scuola, vicino di casa e amico d’infanzia Cha Heon (Kim Yo-han), completamente diverso da lei, schivo, dal carattere distaccato e molto studioso che si distingue in classe come uno degli studenti migliori e, proprio per questo, fin da piccolo, ha scelto che avrebbe studiato, un giorno, medicina.  

So-i non ha il minimo timore di esprimere i propri sentimenti nei confronti di Cha Heon e lo dimostra ogni giorno supportandolo e, addirittura, standogli talmente vicina da infastidirlo. Il ragazzo, infatti, più di una volta, le risponde che non è interessato, ma tutto ciò non guasta l’umore di So-i che non si arrende ai rifiuti del suo compagno di classe, anzi, è sicura che prima o poi cambierà idea. I modi di fare di So-i possono sembrare imbarazzanti e quasi da “stalking”, ma capiamo fin da subito che anche lo stesso Cha Heon prova qualcosa per la ragazza, solo che, contrariamente a lei, non riesce ad esprimere i propri sentimenti.

Accanto ai due protagonisti, altri ragazzi che impreziosiscono la storia. Woo Dae-seong (Yeo Hoe-hyun, “Short”, “Girls’ Generation 1979”) un nuotatore professionista a livello nazionale che, non appena si trasferisce nella scuola di So-i e Cha Heon, sconvolge le loro vite fin dal momento in cui si innamora di So-i, capendo, però, di non essere corrisposto, resta così quasi sempre nell’ombra accontentandosi del ruolo di amico e istaurando con la ragazza un rapporto speciale, chiamandola affettuosamente “fratello”. Dae-seong è un personaggio che non può non piacere, da subito crea una certa coesione nel gruppo dei cinque amici e anche in classe, non si impegna molto a scuola ed è quasi sempre svogliato perché concentrato sulla carriera sportiva che lo farà brillare anche da adulto e lo renderà ricco e famoso, ma sempre con una certa ironia e umiltà che lo contraddistinguono; è l’amico che tutti vorremmo, disposto anche a creare la neve finta a Natale per rendere la giornata indimenticabile.

Kang Ha-young (Jo Hye-joo, “Search: WWW”), la migliore amica di Shin Sol-i, una delle ragazze più brave della scuola, capoclasse e appassionata di astronomia, si innamora non corrisposta del medico dell’istituto scolastico, per poi fare un percorso di crescita interiore che la porterà ad accorgersi del suo compagno di classe Jeong Jin-hwan in un momento critico della sua vita, affrontando con grande maturità una delle prove più difficili, stare accanto ad una persona malata alla quale si è affezionati. Ha-young è difatti uno dei personaggi più sensibili, dietro all’apparente sicurezza c’è una ragazza che nel passato ha sofferto a scuola e che poi ha schermato ogni cosa presentandosi alla società con una maschera diversa, ma il suo cuore resta sempre emotivamente implicato quando vede qualcuno dei suoi amici che sta male.

Jeon Ji-hwan (interpretato da Jeon Ji-hwan, membro del gruppo musicale “The Man BLK”) uno dei ragazzi più simpatici della classe, sempre sorridente anche nell’affrontare la malattia, capace di accumulare diverse figuracce solo per farsi notare da Kang Ha-young che lo ignora per poi, invece, essergli vicina nei momenti più difficili. Ho apprezzato molto questa parte del drama, non esiste un’età per maturare emotivamente, ma esiste la sensibilità per avvicinarsi e capire i propri sentimenti.

Nello stesso modo anche la storia tra So-i e Cha Heon crescerà in qualcosa di più importante perché, con il tempo, quando il ragazzo comprenderà realmente di amare la sua amica d’infanzia, la vita proporrà diverse prove e ostacoli. Non si può mai dare per scontato un sentimento perché in una relazione non si può essere egoisti, ma si deve capire anche l’esigenza dell’altra persona che fino a quel momento ha mostrato vicinanza e comprensione.

“Solo in quel momento ho capito che avevo dato per scontato la nostra relazione. Nonostante tutto sono stato egoista fino all’ultimo. Mai nella mia vita ho provato una tale sensazione di oppressione e turbamento. Ogni giorno soffrivo di un dolore lancinante e così, quando ti ho rivista, ho finalmente capito che tu sei sempre stata la mia unica scelta, fin dal principio. Adesso so che rispetto all’egoista che sono io, tu sei una persona magnifica. Non solo mi accetti per ciò che sono, ma mi ami, persino.”

“A Love so Beautiful” è una storia delicata, leggera come gli anni migliori dell’adolescenza e della giovinezza che sfumano, ma che restano impressi in una fotografia ricordo o nelle immagini e negli schizzi della protagonista, disegnatrice di webtoon. Un arco di tempo dai diciassette ai trent’anni raccontato con armonia e con la leggerezza di un soffio di vento. Se all’inizio temevo di incappare in una storia banale e sdolcinata, mi sono trovata pian piano immersa nella vita di persone comuni che mi hanno coinvolta fino all’ultimo episodio, regalandomi emozioni e anche molti sorrisi, come ad esempio le scene del matrimonio, tra le più divertenti e rappresentative del rapporto di amicizia di questi ragazzi, anche con il passare degli anni.

“A Love so Beautiful” è un inno alla gioventù, quella di ognuno di noi, quella di ogni generazione, incastonata in una pietra che il tempo non riesce a scalfire.

Memoru Grace

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