Sweet Home 2 (ovvero dell’adattamento, dell’estinzione, dell’umanità)

“Che cosa stai facendo?”. “Non lo so. Che cosa credi che dovremmo fare?”.

Fan rimasti in sospeso con quella neve innaturale di settembre, divoratori di webtoon notturni e psicologici, amanti del genere post-apocalittico e catastrofistico, apprezzatori di questo prodotto di nicchia che, col tempo, ha conquistato il mondo, il momento che abbiamo aspettato da più di tre anni è arrivato: la seconda stagione di Sweet Home è finalmente stata girata e prodotta da Netflix, seguendo, bene o male, le linee della graphic novel omonima di Kim Kan-bi (o Kim Carby) e Hwang Young-chan, che oggi è stata stampata e tradotta ovunque. E, se la drammaticità e la complessità della prima stagione hanno meravigliato e stupito sin dalle prime battute, la seconda stagione non ha mancato di destrutturare quell’artificioso e inquietante universo di mostri che avevamo imparato a conoscere per immetterci in un mondo ancora più apocalittico, ancora più controverso, fatto di angoscianti attese e di chiaroscuri cupi, quanto le anime tormentate dei sopravvissuti alla catastrofe o, meglio, alla “mostrificazione”, come viene definito questo processo di decostruzione e ricostruzione umana.

Prendete un attimo di fiato. Rileggete la recensione della prima stagione di Sweet Home. Chiudete gli occhi e salutate silenziosamente tutti coloro che abbiamo perso nella lotta per la sopravvivenza all’interno della Casa Verde. Poi, riaprite gli occhi in mezzo ai ruderi di un mondo disfatto e a brandelli e proseguite questa lettura.

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“La Terra esiste da più di quattromila miliardi di anni. L’uomo è comparso su questa terra meno di tre milioni di anni fa. Praticamente, paragonandola con il tempo della Terra, l’esistenza dell’uomo è pari a meno di tre secondi. Un nulla se si considera da quanto tempo esiste la terra. E, appena è apparso, l’uomo ha iniziato immediatamente a dare fastidio alla Terra. Ed è per questo motivo che la Terra ha concepito un modo per difendersi e annullare l’uomo. L’uomo è il virus. L’epidemia è il vaccino con cui si cura la Terra”.

Così, l’incipit di questa seconda stagione, con la voce sussurrata del Dr. Lim (il bravissimo Oh Jung-se di It’s Okay to Not Be Okay, Jirisan e When the Camellia Blooms), in mezzo al buio e alla fredda luce del laboratorio dove studia, taglia e seziona le creature (ovvero gli umani “mostrificati”), con la ferocia e la meraviglia dello scienziato nei confronti delle proprie cavie. Il Dr. Lim non crede nell’umanità o, meglio, tifa per la sua estinzione totale, a meno di un’evoluzione e di un adattamento, di una trasformazione mostruosa che renderebbe possibile un nuovo mondo e una nuova selezione. Per questo motivo, il Dr. Lim attende con ansia l’arrivo dell’unico prototipo di umano trasformato che sembra resistere alla mostrificazione, Cha Hyun-soo (Song Kang di Navillera, Love Alarm e Nevertheless, qui in un’interpretazione unica, quasi estraniato e trasfigurato in un mondo irreale). Hyun-soo sa che la sua consegna all’esercito potrebbe implicare la morte e il dolore, ma vede nella sua trasformazione la possibile salvezza per l’umanità: la ricerca di una cura, un vaccino, che possa aiutare gli umani a non ammalarsi e/o a guarire e che possa ristabilire le cose.

Solo che il mondo non vuole ristabilirsi, atto com’è alla sua degenerazione fisica e morale: come il Dr. Lim spera nell’estinzione dell’umanità per la creazione di un nuovo genere umano, più forte e più perfetto del precedente, così da subentrare al vecchio mondo, un governo quasi del tutto mostrificato progetta un piano di distruzione globale e bombarda i luoghi dove si sono rifugiati i sopravvissuti, mentre il vaccino prodotto pare essersi consumato per sempre. Sembra un mondo che corre verso la fine, dove forse ha ragione Kim Wooi-myung (che ha perso le sembianze fisiche date dal Kim Sung-cheol di Our Beloved Summer – e presto nel seguito di Hellbound – per acquisire quelle del Lee Jin-wook di Bulgasal), il quale porta sulla sua anima e sulla sua mente le piaghe di essere stato trattato come cavia da laboratorio e aspira ad un nuovo sistema, in cui i mostri possano governare su tutto e su tutti. Nello stesso modo, l’esercito, che doveva proteggere gli umani rimasti, si squassa e si corrode, in prima linea per perdere la propria mente a causa della follia generale, laddove l’epidemia è anzitutto – secondo le parole del Dr. Lim – una malattia mentale che trasforma il fisico.

Un piccolo e sparuto gruppo proveniente dal Plotone Corvo Nero, una squadra di salvataggio quasi suicida che tenta di eliminare i mostri (o, perlomeno, i mostri più violenti) e capeggiata dal sergente maggiore Tak In-wan (Yoo Oh-sung, in questo momento nel drama romantico Welcome to Samdal-ri), si fonde con gli ultimi residui dei corpi speciali comandati dal sergente Kim Young-hoo (interpretato da Kim Mu-yeol, visto in La Giudice e Eungyo – Una Musa) con l’obiettivo di proteggere il rifugio di umani allo stadio, su cui supervisiona la comandante Ji (Kim Shin-rok di Hellbound e One Ordinary Day). Ed è qui che ritroviamo (almeno, parzialmente) i sopravvissuti della Casa Verde, dopo averli seguiti nel loro esodo dalla casa, lungo il tunnel attaccato da mostri, in un autobus sbandato in fuga verso i ruderi del vecchio condominio, allo stadio durante il bombardamento e giù per le viscere della terra, supportati dal soldato di leva ed ex giocatore di baseball Park Chan-young (Jung Jin-young dei B1A4), forse uno dei personaggi più umani, empatici e altruisti di questa stagione di Sweet Home. Qui Lee Eun-yoo (Go Min-si di Love Alarm, Jirisan e Youth of May), reputata una pazza per aver ucciso il marito della comandante Ji, non crede nell’allontanamento di Hyun-soo, certa del suo ritorno e della sua protezione, e nella morte del fratello Lee Eun-hyuk (Lee Do-hyun, protagonista amato di tanti drama, come Melancholia, 18 Again, The Glory e The Good Bad Mother), certa della sua ricomparsa. Qui ricompare anche Seo Yi-kyung (Lee Si-young), con la sua personale tragedia, seguita dal frutto della sua gravidanza Ah Yi (Kim Shi-ah, la bambina prodigio di The Silent Sea e Kingdom – Ashin of the North).

L’umanità è destinata all’estinzione o all’evoluzione? E quanto le due cose coincidono in un adattamento forzato dettato dall’umanità stessa? Cosa sono i mostri se non i desideri più oscuri e reconditi, ma anche quelli più chiari e luminosi, che, però, rimangono irrisolti per la dimidiatezza umana? Si desidera, si vive protendendosi verso un’aspirazione impossibile, verso un futuro che non si crede di realizzare, e ci si trasforma, staccandosi dalla realtà presente. Il monstrum risiede in noi e nella nostra volontà, nel dialogo interiore tra il nostro Bene e il nostro Male, la nostra esistenza e il nostro essere più profondo, in quella dialettica parmenidea onnipresente nelle azioni umane. Ci si “mostrifica” interiormente, prima ancora che esteriormente, e ci si “mostrifica” talvolta senza trasformarsi in mostri, in una erosione del proprio essere. La tragedia piccola e intima della prima stagione, chiusa tra le quattro pareti della casa dei sopravvissuti, diventa globale, ancora più disperata nel dramma collettivo di un’umanità che va a pezzi grazie ai propri desideri e che vede nel processo di “mostrificazione” l’unica vera speranza per continuare a credere in qualcosa di possibile, camminando nel rumore vuoto che assorda e offusca le menti, isolati dentro se stessi (come nella bellissima scena di quando Yoon Ji-su, interpretata da Park Gyu-young di DaLì and the Cocky Prince e Celebrity, perde l’udito per affrontare un mostro che minaccia la sua piccola famiglia).

Personalmente, pur avendo apprezzato molto questa seconda stagione, non l’ho trovata ai livelli della prima. Più che altro, mi ha destabilizzato la perdita del luogo che conoscevo e i continui cambiamenti e sfasamenti, anche temporali, sospesi nel vuoto di un’attesa che diventa angosciante e terribilmente cupa prima dello scoppio. Tuttavia, si comprende come questa seconda stagione sia solo un momento di passaggio dal nido chiuso della prima, dove Hyun-soo diventa mostro e acquisisce, al tempo stesso, la sua umanità, e la tragedia conclusiva della terza stagione, in arrivo sempre su Netflix per l’estate del 2024. Sono ancora tante le domande rimaste senza risposta e ancora di più i nuovi dubbi che si sono creati, in una trama vischiosa che porta a riflettere sul ruolo della scienza nel mondo e su come ognuno può perdere e ritrovare, allo stesso tempo, se stessi. Che non tutti i mostri sono tali, lo avevamo già appreso nella prima stagione. Che alcuni mostri, nella trasformazione fisica, riescono ad elevare la propria mente e a “controllarla” o meglio ad “usarla”, abbiamo iniziato a capirlo dall’invasione Wooi-myung, ma continuiamo ad apprenderlo con nuovi casi (come il bambino neonato diventato mostro perché desiderava la madre o la sposa rimasta vedova nel suo giorno di nozze che continua a cercare il marito), fino a chiederci se non siamo tutti destinati alla “mostrificazione” per diventare nuovamente umani.

Ultima postilla: attenzione alle ultime scene, poco prima dei titoli di coda, perché forse non siamo pronti a certi ritorni, ma sono i ritorni che tutti aspettavamo e che confermano cosa sia il monstrum come intruso nell’animo umano.

Captain-in-Freckles

Come suona la recensione?

Miyo – Un amore felino

“Sembra come se fosse sparito tutto…il mondo è pieno di cose che odio e cose di cui non ho bisogno…Ma se non ci fosse più niente quando torno là fuori…Almeno questo vorrei che non sparisse…”

E se una maschera potesse trasformarci, dare un’altra idea di noi stessi agli altri, regalarci l’opportunità di migliorarci per realizzare i nostri sogni?

“Miyo – Un amore felino”, parla proprio di questo e affronta l’argomento in modo molto delicato come ci ha abituati la scrittura sensibile di Mari Okada (“Dragon Pilot”, “Toradora”) e dalle tinte pastello, quasi per raccontarci in modo semplice, gentile, ma anche fantastico, questa bellissima storia di maschere, di umani e di gatti.

Le maschere sono utilizzate nella cultura giapponese per rappresentare personaggi teatrali, divinità o spiriti tipici del folklore, possono avere valenza negativa oppure positiva, ma anche buffa e spiritosa, le maschere rappresentano i diversi stati d’animo e il mondo delle emozioni umane.

La nostra storia si apre con Miyo Sasaki, detta Muge, studentessa quattordicenne segretamente innamorata del suo compagno Kento Hinode, ma non ricambiata e che, durante una festa tradizionale, si avvicina ad una bancarella colorata dove un gatto affascinante e magico vende delle maschere singolari a forma di musetto di gatto. Questo strano mercante di maschere cerca di vendere le sue maschere agli esseri umani infelici che vogliono cambiare vita o semplicemente vogliono fuggire dal mondo e non farsi più trovare da nessuno.

Queste maschere, in realtà, hanno un potere segreto: se si indossa una delle maschere e si fa una capriola, ci si trasforma in un gatto. Miyo lo fa e si trasforma in una dolcissima gattina bianca.

Da gatta, Miyo riesce ad avvicinarsi senza timore e timidezza a Kento che si affeziona subito alla gattina credendola una trovatella, ma, più va avanti questo inganno più Miyo si trova impelagata in un mondo pieno di bugie e sensi di colpa e si ritrova a dovere affrontare un’altra dimensione, quella della magia e lo fa a sue spese perché non riesce più a tornare nella sua forma umana.

Cosa sarà successo? Come potrà tornare indietro e stringere un nuovo contratto con il gatto magico della bancarella?

Per Miyo inizierà un viaggio complesso e sarà accompagnata dallo stesso Kento, con il quale si troverà in una terra dominata da gatti che si comportano come esseri umani con pregi e difetti. In questa dimensione temporale felina Miyo dovrà cercare di recuperare la maschera umana che le permetterà di tornare ad essere se stessa.

Se una maschera l’ha aiutata ad avvicinarsi alla persona che ama, a scoprire i lati malinconici e tristi di Kento, lati che non conosceva, ora Miyo sa che deve riprendere la sua maschera da umana per riconoscersi e accettare se stessa e imporsi nel mondo, immergendosi nella società. Non serve una maschera per nascondersi e annullarsi o un incantesimo o una magia speciale, la vera soluzione è credere in se stessi e Miyo ne prenderà atto per costruire il suo futuro, per uscire dalla sua patina di depressione mascherata da finta allegria. Perché non si può coprire una maschera indossandone un’altra.

Una storia profonda di formazione e di coraggio, seguiremo la protagonista nel suo tenace tentativo di uscire da un incubo, quello di tutti noi quando indossiamo una maschera per affrontare il mondo fuori da casa nostra, per non inciampare e, quando poi posiamo la maschera, stanchi, la sera, per riuscire a raccoglierci nel nostro io interiore.

“Miyo – Un amore felino” è anche conosciuto con il titolo inglese “A Whisker Away”, è un film del 2020 diretto da Jun’ichi Satō (“Sailor Moon”, “Keroro”) e Tomotaka Shibayama (“La ragazza che saltava nel tempo”), da recuperare anche la ricca colonna sonora.

Memoru Grace

Strong Woman Do Bong-soon vs. Strong Girl Nam-soon (ovvero dei superpoteri delle donne)

“There is no limit to what we, as women, can accomplish”. (Michelle Obama)

Sì, lo so, straordinariamente non ho iniziato con una frase tratta dal drama che devo recensire qui. Anche perché, per una volta, volevo parlare di ben due drama, considerati non tanto come l’uno il seguito dell’altro, ma quanto l’uno l’ispirazione dell’altro. Nel non lontano 2017, quando ancora l’Europa non era pervasa dall’onda coreana, che iniziava timidamente ad affacciarsi nel Nord America (al contrario dell’America latina e del resto dell’Asia dove il 2016, detto “l’anno dei k-drama perfetti” aveva dettato le regole per una nuova serialità), venne prodotto il drama Strong Woman Do Bong-soon (힘쎈여자 도봉순, anche conosciuto come Strong Girl Do Bong-soon), un mix inaspettato di umorismo, commedia romantica, thriller e azione da supereroi: quasi un azzardo in salsa kimchi, visto che in quegli anni ricevevano grande eco i film della Marvel, considerati in tutto e per tutto i nuovi kolossal del cinema. Un azzardo che si rivelò vincente, tanto che ad oggi Strong Woman è uno dei drama più seguiti di sempre (in Corea del Sud e non solo) e ha uno dei più alti rating mai associati per un prodotto televisivo, contribuendo a diffondere i prodotti coreani in tutto il mondo, ma anche a scardinare la visione della fanciulla in difficoltà che deve essere salvata da un principe di tanti altri k-drama.

Il successo ha portato la produzione a voler ricreare le stesse atmosfere e la stessa magia in chiave comico-thriller-romantico-supereroistica con uno spin off, che potrebbe anche definirsi sidequel, Strong Girl Nam-soon (힘쎈여자 강남순), dove i personaggi originari non compaiono, se non di sfuggita in un piccolo cameo che impreziosisce la serie, ma con una storia incentrata nuovamente su una piccola e casuale eroina dotata di super forza.

Ma quanti gradi di separazione esistono tra le due serie? Andiamo a trattare separatamente le loro trame.

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STRONG WOMAN DO BONG-SOON (ovvero da grandi poteri derivano grandi responsabilità)

Era così la frase che lascia lo zio di Peter Parker al nipote e che gli dà la forza e il coraggio di diventare Spiderman o sbaglio?

Nella famiglia di Do Bong-soon (meravigliosa Park Bo-young di Daily Dose of Sunshine, Concrete Utopia e Doom at Your Service), tutte le donne nascono con un potere leggendario: una super-forza che viaggia solo nel DNA femminile, ma che può essere persa se usata a fin di male. Ma la super-forza per Bong-soon è anche un peso e una caratteristica da nascondere, visto che il suo sogno più grande sarebbe quello di vivere una vita normale, trovando un lavoro normale, senza rompere tavoli e pavimenti per un’azione non controllata, e magari sposando l’uomo dei suoi sogni, il poliziotto In Gook-do (Ji Soo, già 14esimo principe di Moon Lovers), suo vecchio amico di infanzia e sua eterna cotta non corrisposta. Un giorno, però, la super-forza di Bong-soon torna utile per salvare i bambini dell’asilo di un bus bloccato da alcuni gangster (su tutti Kim Kwang-bok, interpretato dal caratterista d’eccezione Kim Won-hae). Solo che al suo intervento assiste anche An Min-hyuk (adorabile in questo ruolo Park Hyung-sik di Hwarang, Relumino, Happiness, Soundtrack #1 e Our Blooming Youth), giovane CEO di una compagnia di videogiochi, nella quale Bong-soon sognerebbe di lavorare. Min-hyuk salva il suo desiderio di anonimato, ma, poi, insiste per assumerla come sua guardia del corpo personale, anche perché si trova al centro di una serie di minacce che impediscono la sua attività economica. Bong-soon accetta dietro la promessa di entrare nel Dipartimento di strategia per sviluppare il suo videogioco, una volta preso il ricattatore, e, ovviamente, con la pretesa di non diffondere voci sulla sua super-forza, soprattutto con Gook-do. Da qui partono una serie di scenette esilaranti tra un CEO folle e su di giri, che finge pure di essere gay per avvicinare a sé Bong-soon, e una ragazza che non sa controllare la propria forza, con cui può stendere tutti al tappeto, ma che ha un cuoricino soffice, in attesa di ricevere amore.

E Min-hyuk non solo ha tanto amore da dare, celato dietro una maschera di falsa leggerezza per simulare il suo senso di solitudine, ma ama Bong-soon al di là di qualsiasi sua caratteristica particolare: lei è adorabile sia con la super-forza che senza, perché, quando l’uno/a guarda negli occhi dell’altro/a, rivede se stesso/a. Min-hyuk supporta sempre e costantemente Bong-soon, aiutandola nel suo percorso di riscoperta di sé, capendo come gestire e controllare la sua forza (quando ridurla e quando usarla e con quale intensità) e, soprattutto, non limitandola mai, in alcun modo e in nessun momento, in una parità perfetta e in una stima reciproca che, mano a mano, cresce per avvolgerli completamente in un unicum. Perché “diventare innamorati partendo dall’essere amici è semplice: basta che uno faccia un passo in avanti verso l’altro” (semicit.).

Anche Bong-soon fa un passo avanti e, andando avanti, inizia a liberarsi da tutte le insicurezze che la tenevano legata e che non le permettevano di crescere: la sua forza non è una maledizione di famiglia, né una condanna, ma un premio per proteggere e salvaguardare i più deboli, un quid in più che le può permettere di agire, ma anche un’estensione del superpotere con cui sono nate le donne e che il mondo violento vorrebbe tacciare e soggiogare.

Perché dobbiamo vivere nell’insicurezza? Perché una donna non può permettersi di uscire da sola di notte? Si chiede Bong-soon (e con lei ce lo chiediamo sempre anche noi, ogni qual volta sentiamo una notizia di ordinaria violenza contro le donne e contiamo, giorno dopo giorno, tutti quei delitti che vengono commessi contro vittime proprio perché donne). Il Male è qui rappresentato da un uomo che usa la propria forza per fare del male alle donne, un novello Barbablù che ha l’obiettivo di rapire e mettere alla fame sette ragazze, come le sette mogli del cattivo da fiaba, semplicemente perché gode nel sentirsi potente su di loro e nel sentirle implorare per la propria vita. Un uomo tossico e terribile, un villain da film dell’orrore, che rappresenta anche la paura ancestrale insita in tutte le donne: quella del maniaco, del sequestratore, del violentatore, della violenza maschile irrefrenabile e sadica che non permette la libertà e l’emancipazione femminile.

Il cast è completato da: Shim Hye-jin (Green Fish, Acacia, Goodbye Franceska) e Yoo Jae-myung (Vincenzo, Itaewon Class, Song of the Bandits) nei ruoli dei genitori di Bong-soon; Ahn Woo-yeon (King the Land, Mad for Each Other) nel ruolo del fratello di Bong-soon; Jeon Seok-ho (Kingdom) nel ruolo del segretario Gong; Im Won-hee (Move to Heaven, Chief of Staff) nel ruolo del gangster Baek Soo-tak); e, poi, naturalmente, Kim Won-hae, che ha un doppio ruolo, di cui non rivelo nulla.

PUNTI DI FORZA: tanti, tantissimi, ma soprattutto gli spunti di riflessione che oggi, come sempre, dovrebbero portarci a pensare sull’aumento spropositato di atti di violenza nei confronti delle donne e sulla ferocia di una società che ha solo apparentemente accettato la parità, ma che tende a relegare la dimensione femminile in una nicchia accessoria. Uno dei grandi meriti di questa serie è narrare di crimini aberranti e di formazione femminile in modo delicato, leggero e mai banale, facendoci sorridere e senza mai perdere il perfetto discernimento tra bene e male.

PUNTI DEBOLI: per chi non è abituato ai k-drama di quel periodo, potrebbe rimanere un po’ allibito da alcuni cliché usati o da alcune battute, che forse da noi sarebbero un po’ rudi o quasi anni ’80-’90 (così le macchiette stereotipate sugli omosessuali). Nonostante tutto, sono punti trascurabili, vista la perfezione di tutto il prodotto.

PLUS: Ragazze, trovate un ragazzo come Park Hyung-sik e badate bene a tutti coloro che vi urlano in faccia, vi sgridano per qualsiasi cosa, vi criticano per come vi vestite e vi mostrano diverse volte tante asprezze, perché l’amore è stima, non cieca gelosia. Meritate (meritiamo) questo e altro, la dolcezza – anche se troppa – e la sincerità, la libertà di piangere e di sorridere a proprio piacere, il sostegno reciproco in qualsiasi emozione e in qualsiasi particolarità, anzi a prescindere da queste, qualcuno che vi entri nel cuore e che vi custodisca sempre nel proprio.

Come suona la recensione?

STRONG GIRL NAM-SOON (ovvero è iniziato il matriarcato)

Era così la frase che Nairobi, nella serie La casa di carta, annuncia al Professore, dopo aver legato Berlino o sbaglio?

Nella famiglia di Gang Nam-soon (la piccola Lee Yoo-mi, che era riuscita a farci piangere tutte le lacrime di questo mondo in Squid Game e All of us are dead), tutte le donne nascono con un potere leggendario: una super-forza che viaggia solo nel DNA femminile, ma che può essere persa se usata a fin di male. Solo che un padre sbadato (Lee Seung-joon di Behind Your Touch), forse anche un po’ troppo soggiogato da una moglie-drago, la perde in mezzo alla steppa mongola, mentre fotografa le stelle. La bambina cresce così, selvaggia e felice, con i suoi genitori adottivi in Mongolia, fino a quando non si ricorda di essere coreana. Decide, allora, di imparare la lingua, mettere di lato i soldi che guadagna con la pastorizia e recarsi in Corea per conoscere i suoi genitori naturali e sposare un ragazzo coreano, bello, simpatico e da proteggere. Già appena arriva, si fa notare subito, visto che usa la sua super-forza (e anche gli altri super poteri, perché stavolta la fanciulla è anche dotata di levitazione e super-velocità) per bloccare l’aereo su cui viaggia e desta l’attenzione del poliziotto Gang Hee-sik (Ong Seong-wu di Would You Like a Cup of Coffee? e More Than Friends) e del narcotrafficante Ryu Si-oh (Byeon Woo-seok di Soulmate e 20th Century Girl). Quante probabilità ci sono di arrivare come turista dalla Mongolia, parlare scorrettamente il coreano usando solo il linguaggio informale, farsi perquisire per droga, farsi truffare su Air BnB, costruire una tenda tipica mongola sul fiume Han, diventare capo dei clochard di Seoul e, al tempo stesso, affascinare un criminale, senza minimamente preoccuparsi di nascondere la propria super-forza, ma trovando, in ogni caso, la propria famiglia d’origine, composta da tante supereroine? Più o meno, le stesse probabilità di un fumetto supereroistico alla Marvel, che sembra essere la vera ispirazione di questo spin-off. Così come la famiglia di Nam-soon sembra lo Shield.

Per casi non ben spiegati, infatti, nel ricco quartiere di Gangnam, le donne della famiglia di Nam-soon vivono da decenni come delle vere e proprie vigilanti, a vegliare dai tetti la città, punire i criminali per le loro malefatte e usare la propria super-forza per ripristinare la giustizia. Ma, in più, sono ricche e in possesso di un caveau segreto con tutti i gadget del caso, come Batman, e hanno una perfetta e fulva chioma fluente, come la Vedova Nera. La madre di Nam-soon (Kim Jung-eun di Peninsula e Lovers in Paris) ha fatto fortuna con un ristorante di ossa di manzo e adesso gestisce un banco dei pegni più grande di una banca, senza dimenticare la sua vena supereroistica. Per cui, una volta riparato senza grandi stravolgimenti il dolore per la scomparsa della figlia e accolta in casa Nam-soon, la educa subito a diventare come lei, usando le sue capacità a fin di bene.

Solo che Nam-soon ha anche il compito di preservare la sua unicità, che, in questo caso, vuol dire trovare l’uomo ideale, sposarlo e concepire figlie femmine, le uniche in grado di ereditare il potere e di continuare il matriarcato (visto che gli uomini della famiglia sono inutili, deboli e pure piuttosto ipocondriaci). Ma Nam-soon si mette al servizio del prossimo nell’indagine di polizia condotta da Hee-sik e si finge Khang Tsetseng, magazziniera presso l’azienda di Si-oh.

Qui dovrei aprire un capitolo a parte su questo super cattivo, che è il vero frutto degli sbagli e delle oscurità della società. Si-oh è nato senza famiglia e senza amore, cresciuto nell’odio e nella paura, affidato a famiglie che erano in realtà gruppi criminali e, come tale, espatriato in Russia con il nome di Anton, affiliato ad una cosca che ha soppresso la sua infanzia e la sua purezza (in una presentazione che sembra Educazione siberiana). Si-oh è un criminale che fa di se stesso un’aberrazione naturale: non limitandosi ad esportare e vendere la droga e il medicinale antidoto che l’organizzazione criminale gli impone, sperimenta su di sé l’effetto delle droghe per trasformare gradualmente il suo corpo, acquisire la super-forza e diventare un mostro, come la società lo ha sempre condannato sin da bambino. Si tratta di un personaggio gigantesco e drammatico, che, ad un certo punto, oscura quel sorriso forzato e perbenista dei supereroi di Gangnam.

Il cast è completato da: Joo Woo-jae (Beat Coin, Love Catchers in Bali) nel ruolo di un imprenditore rovinato dai bit-coin e finito sul lastrico; Kim Hae-suk (Tomorrow, Start Up) nel ruolo della nonna di Nam-soon; Kim Ki-doo nel ruolo dello zio pigro e malaticcio e Harrison Xu nel ruolo del fratello obeso che si mette a dieta; Jeong Bo-seok nei panni del fidanzato/amante della nonna (in una delle storyline più imbarazzanti e inutili di sempre); Choi Hee-jin (Snowdrop) come falsa sorella.

PUNTI DI FORZA: la simpatia, il coraggio, la brillantezza di Lee Yoo-mi e la volontà di Ong Seung-wu, la bravura sopra tutti di Byeon Woo-seok, gli effetti speciali ben curati, l’ingenuità in stile Pippi Calzelughe della protagonista che fa sorridere e avvicina gli spettatori a lei, il cameo dei due protagonisti della prima serie (perché sì, Park Hyung-sik, attendevo proprio te mentre aprivi con disinvoltura le sliding doors e i tornelli a tempo di musica), la riflessione sulla droga, sul bullismo e sulla cattiveria sociale. Ma…

PUNTI DEBOLI: dovrei aprire un capitolo a sé, perché questa seconda serie è un grande ed enorme fumettone (per prendere in prestito le parole di un’amica), che mi ha lasciato a tratti basita e sconfortata e, per lunghi momenti, pure imbarazzata dalla presenza di personaggi troppo esagerati, quasi plastificati, che rovinano la bellezza delle caratteristiche dei k-drama e lo avvicinano al mondo seriale USA (solo che questo non è un complimento) e, per farlo, degradano quell’elemento umano fondamentale nelle serie coreane. Il problema è che è mancato anche il messaggio di base della prima serie, quella forza tacita e costante delle donne, quei super-poteri che non abbiamo bisogno di dichiarare per scoprire noi stesse e la risposta alla violenza che ci insegue. In poche parole, è stata un’occasione mancata, a tratti ancora poco comprensibile, con storyline che hanno banalizzato la profondità del messaggio proveniente dalle infanzie violate di Si-oh e di altri ex bambini, destinati a trasformarsi in mostri.

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Captain-in-Freckles

Bastions – Let’s Rock the World!

“We’ll get it done / We’ll work as one / We’ll get it done / You and I got the power”.

No, non è un video dei BTS o di qualche altra grande star del K-pop, né uno spot coloratissimo e sfavillante, di quelli che entrano in mente a partire dal jingle e che canti e ricanti sovrappensiero. Anche se, a pensarci bene, la serie anime Bastions (베스티언즈) mi ha dato proprio le stesse vibes di una playlist Spotify ben fornita, ovvero, più che vederla, l’ho quasi cantata. E non sto scherzando. Un palato fine e abituato agli anime così ben strutturati e pregnanti degli ultimi anni forse potrebbe rimanere un po’ basito, mentre, al contrario, un fan del k-pop che ha sempre ignorato il mondo manga potrebbe anche gettarsi a capofitto su questa visione e gradirla appieno, senza focalizzarsi troppo sui temi. Per cui è necessario parlare per gradi: da una parte, la serie anime; dall’altra, il mondo musicale che la racchiude e la circonda come una spirale colorata.

“We’ll save the planet. We love this planet“.

Digger, Almon e JJ sono tre amici inseparabili che lavorano come fattorini per un ristorante di pollo fritto (il 치킨, sapete quello tipico coreano, che fa una crosticina croccante sopra e viene accostato ad una salsina agrodolce o piccante?). I tre ragazzi, però, nascondono un segreto: in qualche modo inspiegabile (sul serio, perché nella serie non viene mai specificato), hanno acquisito dei poteri straordinari e delle abilità fuori dal comune, che li rendono, in tutto e per tutto, dei supereroi. Ed è, così che, mascherati e in incognito, i tre ragazzi tentano di intervenire come “vigilanti” del quartiere, prendendo come modello il duo di supereroi Miki e Michi. Quello che non sanno, però, è che, al di là dei loro incredibili poteri, Miki e Michi non sono altro che un grande bluff, pagati da una grossa società di chabeol per fingere di salvare il mondo, nascondendo, in realtà, tutti gli affari loschi della società, compreso la diffusione di prodotti malsani, la riqualificazione di quartieri che vengono demoliti, la costruzione di ecomostri che divorano la città e lo sversamento di inquinamento nocivo (la tematica ambientale è particolarmente sentita in questo anime, anche per la battaglia che diverse associazioni conducono in Corea contro le polveri sottili o contro prodotti alimentari edulcorati e OGM). Praticamente, Miki e Michi avrebbero una fedina penale ben lunga per connivenza con la criminalità organizzata e associazioni a delinquere di ogni tipo, ma hanno anche dei difetti: sono superbi, isterici, polemici e non guardano in faccia nessuno per realizzare i propri obiettivi, anche a costo di farli fuori fisicamente. Naturalmente, tutto ciò fino a quando non intervengono i Bastions, che sono di un’ingenuità e di un candore incredibili, credono nella bontà del mondo e vogliono migliorare l’umanità e, soprattutto, sono convinti che Miki e Michi siano buoni e che possono aiutarli, agendo proprio contro quella criminalità organizzata che li finanzia e, quindi, mettendo loro i bastoni tra le ruote. Missione dopo missione, scontro dopo scontro, gli obiettivi dei Bastions si fanno sempre più chiari: non più essere vigilanti di quartiere, ma diventare dei veri e propri supereroi, perché l’umanità e il pianeta ne hanno bisogno e perché non si meritano dei falsi eroi come Miki e Michi.

“We singin’, we dancin’. You could feel the air“.

Ma Digger, Almon e JJ non condividono solo il lavoro, il segreto di abilità sovrumane e l’obiettivo di proteggere il pianeta. Insieme i tre hanno il sogno di sfondare nel mondo k-pop, per cui Bastions diventa sia il nome del trio di supereroi che sta riportando giudizio a Seoul, sia il nome di una band che vuole farsi notare in ambito musicale. Ed è così che assistiamo a tutte quelle piccole e grandi battaglie giornaliere che possono soffrire le band k-pop. Digger, Almon e JJ, però, non sono nemmeno trainee (per conoscere il significato di questo e altri termini, leggete qui) e non hanno il supporto di alcuna casa discografica, né di un manager alle spalle, per cui sono costretti a esercitarsi da soli in palestra e ovunque, fino a quando non riescono a trovare in uno street dancer (che somiglia molto al j-hope degli esordi) il coreografo ideale per le loro performance. Questa storyline così musicale, che si incrocia con la vena supereroistica in stile My Hero Academia (forse prima vera ispirazione di Bastions), è anche la caratteristica fondamentale della serie, che nasce proprio come una grande festa del K-pop e che vanta la canzone The Planet dei BTS come opening di ogni singolo episodio (citazione che ho richiamato in epigrafe). D’altronde, sappiamo che gli stessi BTS si sono sempre professati fan di anime, manga, videogiochi e un certo universo nerd: Jin colleziona gadget di SuperMarioBros e vecchi manga, RM ha sponsorizzato Oshi no Ko ed è appassionato di Studio Ghibli, Jungkook ha pianto fiumi di lacrime davanti alle ultime stagioni di Demon Slayer e Attack on Titan (praticamente, come me, caro JK). La serie, inoltre, ha una delle OST più curate di sempre: vi hanno partecipato HEIZE con Run Away, LE SSERAFIM con Guardian, che è anche la canzone dell’esibizione live dei Bastions, le Brave Girls con Shiny World, Kang Min Seo con The Night Without An Umbrella, Seo J con Like a Fool e AleXa con Shining Star. E vi avviso: ogni momento musicale all’interno degli episodi dura quasi metà episodio.

“You’re one in a million. So let all your colors shine“.

Nonostante la serie anime in sé non sia un prodotto grandioso ed emozionante (in parte per colpa mia, che sono troppo viziata in materia, ma in parte per un’animazione in 3D che credo abbia penalizzato il montaggio e la velocità del girato), gli ultimi episodi mi hanno scosso per il messaggio che, quasi timidamente, riescono a dare. Trattano tutti la storia di una ragazzina schiva e riservata, costantemente bullizzata dai compagni di scuola, che scopre in un cattivo prodotto energetico la forza e il coraggio di rispondere violentemente ai suoi aguzzini fino a perdere l’umanità e a diventare un vero e proprio mostro, un fascio di muscoli e di nervi privi di voce. Quando non riesce più a recuperare la forma umana e tenta di vivere nascosta dal mondo, quest’ultimo si rende conto di lei: la scova, la giudica e la condanna, senza mai porsi alcun problema su come una ragazza indifesa abbia potuto trasformare se stessa e su cosa abbia dovuto soffrire, nel silenzio della società. Perché anche il bullismo non è altro che il sintomo di una società malata, che ha avvelenato i propri figli in tanti e molteplici modi, educandoli alla violenza e alla brutalità e facendo loro perdere se stessi. Mentre il mondo vuole eliminare fisicamente quel malfunzionamento personificato nella ragazza-mostro, i Bastions intervengono per comprenderla e aiutarla a riemergere dal baratro in cui la paura l’aveva gettata, facendole riscoprire la sua unicità e la sua bellezza e portandola ad apprezzare se stessa, senza giudizi altrui, per farla risplendere di nuovo. Credo che questo sia uno dei messaggi che ci è anche più rimasto impresso della narrativa dei testi K-pop (in primis, dei BTS) e che ci ha portato piano piano ad apprezzarne il genere musicale, perché in quella K è nascosto qualcosa di universale e di personale al tempo stesso, come la riscoperta di noi stessi.

Senza distruggerci, impariamo ad amarci e ad apprezzarci, perché essere supereroi non è così difficile se si crede fortemente che un cambiamento è possibile e che non si è mai soli nella condivisione dei valori.

“‘Cause wherever you go, I’m goin’. And you know it“.

Laura

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Daily Dose of Sunshine – Domani sarà un giorno migliore

“La felicità è come quando si inghiotte improvvisamente uno spicchio splendente di sole nel pomeriggio”. (Katherine Mansfield)

Quando ho iniziato a guardare “Daily Dose of Sunshine”, ho pensato a questa frase di Katherine Mansfield, quello spicchio di sole, quel raggio di sole al giorno, una medicina per la nostra anima, che quotidianamente attende la marea, il flusso e il riflusso dell’acqua, elemento che la sensibile attenzione di regia e sceneggiatura hanno presentato più volte nella storia per rendere allo spettatore il conflitto nella psiche dei personaggi.

“Daily Dose of Sunshine” è una serie che affronta il tema della salute mentale e ne parla in tono delicato, a tratti onirico, lo vediamo dagli occhi della protagonista Jung Da-eun, una immensa Park Bo-young (“Doom at Your Service”, “Strong Girl Bong-soon”), un’infermiera che viene trasferita dalla medicina interna al dipartimento di psichiatria dell’Ospedale Universitario di Myungshin e ci perdiamo con lei alla ricerca della luce che, attraverso l’arma potente della gentilezza, può essere scoperta e può essere la vera cura alla malattia e al disagio vissuto dai pazienti. Da-eun ha un animo gentile e sensibile, forse fin troppo secondo i vecchi colleghi che tendono a descrivere l’empatia della ragazza come penalizzante nella professione di infermiera. Da-eun, con la sua delicatezza, riesce a vivere le esperienze e le emozioni delle persone che sono ricoverate in reparto, prima la notiamo impegnarsi pienamente e imparare dai suoi stessi errori, poi pian piano la vedremo immergersi nella malattia, nel baratro oscuro della depressione e scegliere di capire come affrontarla e fronteggiarla dall’interno, dopo essersi guardata da fuori: il primo passo per il riconoscimento dello stato emotivo del malessere interiore.

Da-eun riesce a percepire le emozioni delle persone, le catalizza dentro di sé per cercare di aiutarle, il suo altruismo inonda di luce le persone che le sono accanto e che riescono a comprendere questo suo grande dono. Primo fra tutti il suo amico d’infanzia, Song Yu-chan (Jang Dong-yoon, “School 2017”), affetto da disturbo da panico che si è licenziato dalla azienda per la quale lavorava perché non riusciva più a mantenere i ritmi frenetici della vita lavorativa, grazie all’amica riesce a capire e ad affrontare le sue difficoltà e decide di curarsi. Il proctologo Dong Go-yun (Yeon Woo-jin, “39”, “My Shy Boss”) che riconosce in Da-eun il suo raggio di sole per liberarsi dai suoi lati bui e che, a sua volta, sarà importante per la ragazza nei momenti in cui avrà bisogno di comprensione perché, come spesso si dice, il vero conforto è trovare una persona con la quale stare sotto la pioggia quando è impossibile ripararsi.

La madre di Da-eun, interpretata Hwang Young-hee (“The King: Eternal Monarch”) da sola avrebbe bisogno di un capitolo a parte, dedicato al coraggio, alla perseveranza e all’affetto che solo una madre riesce a dare ad una figlia, a comprenderla nei momenti di forza e in quelli di necessità.

Infine, il personale del dipartimento di psichiatria al quale, nel corso della storia, ci affezioneremo, a partire dalla capo infermiera Song Hyo-shin interpretata dalla sempre sorprendente Lee Jung-eun (“Parasite”, “Our Blues”, “When the Camellia Blooms“) a lei sono affidati alcuni dei dialoghi più intensi della serie, al medico  Hwang Yeo-hwan (Jang Ryul di “My Name”) amico della protagonista e innamorato dell’infermiera Min Deul-re (Lee E-Dam), alla dolce Hong Jeong-ran (Park Ji-yeon), amica e collega infermiera che supporta  Da-eun dal primo giorno di lavoro in avanti, al giovane medico Kong Cheol-woo ( Im Jae-hyuk, “All of Us Are Dead”, “Summer Strike”) pieno di aspettative, ma anche di dubbi e timori, allo stagista Ji Seung-jae (Yoo In-soo , “All of Us Are Dead”, “The Good Bad Mother”, “Alchemy of Souls”) bravissimo nell’interpretare uno studente di infermieristica che soffre di disturbi di panico.

Infine, c’è la vera protagonista della storia, la malattia mentale, un disturbo imprevedibile che può colpire chiunque in qualunque momento, senza avvisi perché nessuno sceglie di ammalarsi.

Da cosa dipende la malattia mentale? Dalla perdita, perché tutti noi “siamo dei sopravvissuti destinati a fare i conti con la perdita”.

“La perdita è la causa di tutti i malesseri. Si può perdere una cosa preziosa o se stessi o si possono perdere i momenti felici. In quei momenti possiamo solo aggrapparci ad una cosa all’apparenza un po’ superata. Alla Speranza. A quel cliché. Perché, in fondo, siamo tutti in cerca di un barlume di speranza”.

Altra tematica importante che il drama vuole sottolineare è il pregiudizio a cui sono spesso soggette le persone che sono affette o che sono state affette da problemi di salute mentale che si ritrovano escluse dalla società, emarginate o discriminate sul luogo di lavoro o a scuola, quasi solo a rinvigorire un senso di vergogna che non dovrebbe sussistere, ostacolando e schiacciando la vita degli individui, perché nessuna malattia deve scatenare il giudizio degli altri, ricordando che nessuno è immune ai crolli psicofisici: “Siamo in equilibrio su una fune chiamata presente”.

La nostra vita è un percorso irto di difficoltà in cui il trambusto del mondo fuori soffoca anche il nostro io, si dà priorità a tutto il resto prima che a se stessi, alle parole ascoltate che come pugnali scalfiscono il nostro cuore e quasi non ce ne accorgiamo, il nostro bisogno di approvazione ci porta spesso a scolpire noi stessi nella versione che vogliono gli altri, in una società della fretta, del lavoro 24 ore su 24, di rapporti incostanti, della scarsa considerazione di se stessi e tutto ciò porta ad uno stato di afflizione costante.

Nel drama le interazioni tra la protagonista Da-eun e i pazienti del reparto sono significative, profonde, toccanti, non potremo mai dimenticare il sorriso e l’ultimo sguardo di Kim Seo-wan (intensa interpretazione di Roh Jae-won, “D.P.”, “Once Upon a Small Town”), il paziente che resta più nel cuore di Da-eun e anche nel nostro e che insieme a lui capiremo che sarà importante sconfiggere i draghi con le proprie forze, ma anche con quelle delle persone che ci stanno accanto perché è la nostra vita da proteggere e non le aspettative altrui.

“Daily Dose of Sunshine” è un comfort drama, perché nel vederlo non vi sentirete sicuramente soli e anche un attacco di panico o un periodo di depressione vi sembrerà una esternazione naturale di un nostro malessere interiore o di una nostra debolezza che non è altro che ansia di guarigione e un richiamo a fermarsi un attimo per recuperare le proprie forze ed emergere dall’acqua.

“Siamo tutti al limite. Nella vita tutti oscilliamo tra momenti bui e momenti luminosi. Tutti siamo al limite della normalità”.

Memoru Grace

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A Love so Beautiful – La purezza dei sentimenti

“Alla nostra gioventù che è stata, è, e sarà sempre bellissima”.

Vi è mai capitato di cercare un comfort drama non impegnativo e dagli episodi che non superassero i trenta minuti? Sfogliando la mia lista, una sera, sono incappata in “A Love so Beautiful” che non avevo mai iniziato prima d’ora, forse perché partivo dal “pregiudizio” che potesse essere una serie un po’ naif che parlasse solo di storie d’amore tra adolescenti e non è un genere che personalmente prediligo. Purtuttavia, leggendo il nome degli interpreti, mi sono imbattuta in So Joo-yeon che avevo apprezzato moltissimo in “Seasons of Blossom” e “ Lovestruck in the city” e che è stata pluripremiata per “Dr. Romantic 2 e 3”, così ho deciso di dare una possibilità a questo drama.

Premetto che ho guardato la versione sudcoreana che ha preso ispirazione dalla serie cinese omonima del 2017, tratta a sua volta dal romanzo “To Our Pure Little Beauty “di Zhao Qianqian.

Cosa rende questa storia così unica se ha tutte le premesse, cliché, ambientazioni e tematiche che potrebbero dare l’idea di essere già state viste? La particolarità di questa serie è proprio la semplicità nel raccontare una storia normale che potrebbe essere quella di chiunque, la leggerezza e l’innocenza dell’età, dall’adolescenza fino ai trent’anni, perché il drama termina con i protagonisti trentenni e la semplicità e l’ingenuità iniziali pian piano si rabbuiano con le complicazioni della vita, ma quello che conta sono quei valori, quei sentimenti che restano tali, cristallizzati, perché quelle emozioni genuine dell’inizio le vedremo fino alla fine, solo più maturate, e ogni personaggio ne sarà consapevole. Maturare significa avvalersi di quelle esperienze che raccogliamo durante la nostra esistenza, di quei ricordi che restano nella nostra memoria, di quelle cicatrici che ci accompagneranno fino alla fine, ma crescere significa anche dare prova di superare ogni momento di crisi e per tutti i personaggi di questo drama la crisi ha un volto diverso.

La serie è la storia di cinque ragazzi diciassettenni che frequentano le scuole superiori e del loro viaggio formativo e di crescita fino all’età adulta. Shin So-i (So Joo-yeon) è una studentessa dal carattere allegro, ma anche generosa nei confronti degli altri e pasticciona ed è da sempre innamorata del suo compagno di scuola, vicino di casa e amico d’infanzia Cha Heon (Kim Yo-han), completamente diverso da lei, schivo, dal carattere distaccato e molto studioso che si distingue in classe come uno degli studenti migliori e, proprio per questo, fin da piccolo, ha scelto che avrebbe studiato, un giorno, medicina.  

So-i non ha il minimo timore di esprimere i propri sentimenti nei confronti di Cha Heon e lo dimostra ogni giorno supportandolo e, addirittura, standogli talmente vicina da infastidirlo. Il ragazzo, infatti, più di una volta, le risponde che non è interessato, ma tutto ciò non guasta l’umore di So-i che non si arrende ai rifiuti del suo compagno di classe, anzi, è sicura che prima o poi cambierà idea. I modi di fare di So-i possono sembrare imbarazzanti e quasi da “stalking”, ma capiamo fin da subito che anche lo stesso Cha Heon prova qualcosa per la ragazza, solo che, contrariamente a lei, non riesce ad esprimere i propri sentimenti.

Accanto ai due protagonisti, altri ragazzi che impreziosiscono la storia. Woo Dae-seong (Yeo Hoe-hyun, “Short”, “Girls’ Generation 1979”) un nuotatore professionista a livello nazionale che, non appena si trasferisce nella scuola di So-i e Cha Heon, sconvolge le loro vite fin dal momento in cui si innamora di So-i, capendo, però, di non essere corrisposto, resta così quasi sempre nell’ombra accontentandosi del ruolo di amico e istaurando con la ragazza un rapporto speciale, chiamandola affettuosamente “fratello”. Dae-seong è un personaggio che non può non piacere, da subito crea una certa coesione nel gruppo dei cinque amici e anche in classe, non si impegna molto a scuola ed è quasi sempre svogliato perché concentrato sulla carriera sportiva che lo farà brillare anche da adulto e lo renderà ricco e famoso, ma sempre con una certa ironia e umiltà che lo contraddistinguono; è l’amico che tutti vorremmo, disposto anche a creare la neve finta a Natale per rendere la giornata indimenticabile.

Kang Ha-young (Jo Hye-joo, “Search: WWW”), la migliore amica di Shin Sol-i, una delle ragazze più brave della scuola, capoclasse e appassionata di astronomia, si innamora non corrisposta del medico dell’istituto scolastico, per poi fare un percorso di crescita interiore che la porterà ad accorgersi del suo compagno di classe Jeong Jin-hwan in un momento critico della sua vita, affrontando con grande maturità una delle prove più difficili, stare accanto ad una persona malata alla quale si è affezionati. Ha-young è difatti uno dei personaggi più sensibili, dietro all’apparente sicurezza c’è una ragazza che nel passato ha sofferto a scuola e che poi ha schermato ogni cosa presentandosi alla società con una maschera diversa, ma il suo cuore resta sempre emotivamente implicato quando vede qualcuno dei suoi amici che sta male.

Jeon Ji-hwan (interpretato da Jeon Ji-hwan, membro del gruppo musicale “The Man BLK”) uno dei ragazzi più simpatici della classe, sempre sorridente anche nell’affrontare la malattia, capace di accumulare diverse figuracce solo per farsi notare da Kang Ha-young che lo ignora per poi, invece, essergli vicina nei momenti più difficili. Ho apprezzato molto questa parte del drama, non esiste un’età per maturare emotivamente, ma esiste la sensibilità per avvicinarsi e capire i propri sentimenti.

Nello stesso modo anche la storia tra So-i e Cha Heon crescerà in qualcosa di più importante perché, con il tempo, quando il ragazzo comprenderà realmente di amare la sua amica d’infanzia, la vita proporrà diverse prove e ostacoli. Non si può mai dare per scontato un sentimento perché in una relazione non si può essere egoisti, ma si deve capire anche l’esigenza dell’altra persona che fino a quel momento ha mostrato vicinanza e comprensione.

“Solo in quel momento ho capito che avevo dato per scontato la nostra relazione. Nonostante tutto sono stato egoista fino all’ultimo. Mai nella mia vita ho provato una tale sensazione di oppressione e turbamento. Ogni giorno soffrivo di un dolore lancinante e così, quando ti ho rivista, ho finalmente capito che tu sei sempre stata la mia unica scelta, fin dal principio. Adesso so che rispetto all’egoista che sono io, tu sei una persona magnifica. Non solo mi accetti per ciò che sono, ma mi ami, persino.”

“A Love so Beautiful” è una storia delicata, leggera come gli anni migliori dell’adolescenza e della giovinezza che sfumano, ma che restano impressi in una fotografia ricordo o nelle immagini e negli schizzi della protagonista, disegnatrice di webtoon. Un arco di tempo dai diciassette ai trent’anni raccontato con armonia e con la leggerezza di un soffio di vento. Se all’inizio temevo di incappare in una storia banale e sdolcinata, mi sono trovata pian piano immersa nella vita di persone comuni che mi hanno coinvolta fino all’ultimo episodio, regalandomi emozioni e anche molti sorrisi, come ad esempio le scene del matrimonio, tra le più divertenti e rappresentative del rapporto di amicizia di questi ragazzi, anche con il passare degli anni.

“A Love so Beautiful” è un inno alla gioventù, quella di ognuno di noi, quella di ogni generazione, incastonata in una pietra che il tempo non riesce a scalfire.

Memoru Grace

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Attack on Titan: The Final Chapters (Part 2)

“I am a slave to liberty”. / “Sono uno schiavo della libertà”.

Jean-Paul Sartre diceva che siamo condannati ad essere liberi: è una condanna atavica e impressa nella nostra pelle, antica e sempre presente come il peccato originale. Nessuno di noi può fare a meno della libertà, si lega ad essa a doppio mandato con un sottile filo rosso e si incatena come elemento imprescindibile della vita, in una prigionia che si esplica nella nostra esistenza. L’umanità nasce libera e schiava al tempo stesso del proprio concetto di libertà e mantiene intatta tale natura, anche se sembra perdere formalmente la libertà fisica ed è costretta ad agire diversamente. La libertà di essere umani.

(Continua da Attack on Titan: The Final Chapters Part 1)

Abbiamo lasciato gli sguardi di Armin, Mikasa, Jean, Connie, Reiner e Levi attoniti a guardare impotenti il boato della terra e la marcia letale dei giganti colossali pronti a sterminare l’umanità e abbiamo lasciato Eren privo di se stesso, eppure onnipresente in ogni cosa, una voce nella mente di tutti gli Eldiani, unica connessione con i sentieri del loro destino.

=The Battle of Heaven and Earth=

Esiste una sottile linea di confine che separa beatitudine e dannazione, una lingua di terra invisibile tra terra e cielo, ed è lì che si combatte per la salvezza dell’umanità e di se stessi. Lì tentano l’assalto Mikasa, Jean, Connie, Reiner, Pieck e Levi (bendato e guercio da un occhio, ma lui c’è ed è sempre in prima fila). Lì Armin approda, sulle ossa gigantesche del suo vecchio amico Eren o, meglio, sulle ossa del Gigante Fondatore che lo ha inglobato e assorbito, con l’intenzione di trasformarsi in Gigante Colossale e, quindi, provocare l’esplosione che può liberare Eren dalla sua condanna. Ma la creatura che sta affrontando non è più né Eren, né la Fondatrice, quanto il ricordo atavico di tutti i giganti che hanno rappresentato il popolo di Ymir, le memorie di tutte quelle persone costrette, per qualche ragione, a vestire il potere dei giganti e a cedere il proprio corpo alla trasformazione e la propria vita alla sventura. Dalle ossa di Eren emergono tutti i giganti speciali che abbiamo visto per anni e anche quelli dei secoli precedenti, tutti coloro che sono stati giganti e che sono morti tali, come degli ectoplasmi che lasciano impronta di sé e del proprio doloroso passato in un riflesso di presente, ancora una volta, come in vita, privi di libertà e di volontà decisionale, condannati ad agire secondo le decisioni altrui, senza opporsi. Rivediamo il Gigante Colossale di Berthold che fa riesumare negli occhi di Armin i ricordi del suo senso di colpa, il Gigante Mascella di Ymir e quello di Pokko, il Gigante d’Attacco del padre di Eren e il Gigante Martello di Lara Tybur (che si conferma essere uno dei più potenti di sempre), all’infinito, senza limiti di riproduzione. Armin viene inglobato dalla massa delle memorie dei giganti e viene imprigionato nella dimensione della Coordinata, là dove i sentieri di tutti gli Eldiani si congiungono e si ritrovano.

Gli Eldiani in fuga e il popolo di Marley si confrontano e si temono l’un l’altro. Da una parte, percepiscono che potrebbero allearsi in nome di un comune sentire e per la salvezza dell’umanità; dall’altra parte, mentre gli Eldiani rabbrividiscono alla vista dei Marleyani per le torture subite per secoli, i Marleyani temono l’oscuro potere della maledizione che ha colpito il popolo eldiano. E, così, a un passo dal momento fatale per gli altri, come tutti gli esseri umani accecati dalla paura che diventa odio, diffidano senza trovare coesione.

Annie ritrova il coraggio e se stessa, comprende che la sua vita non potrà mai essere tranquilla se non riconquista quella libertà che le è sempre stata negata come parte del popolo di Ymir e torna indietro (con Gabi e Falco). Cerca immediatamente Armin, l’unica voce che ha sempre ascoltato durante il coma, e ritrova, poi, i suoi amici, compagni di sofferenze di un’infanzia negata dietro le mura del ghetto (Reiner e Pieck) e di un’adolescenza vissuta nel sangue e nella guerra (Mikasa, Jean e Connie).

Tutti sanno che stanno per andare a morire, eppure continuano ad avanzare, come faceva un tempo il Gigante di Eren. “Perché noi siamo il corpo di ricerca. E il corpo di ricerca non sa mai quando deve smettere” (Jean Kitschstein).

=A Long Dream=

Si tratta di un lungo vorticoso sogno che ci avvolge dalla più tenera età oppure è tutto reale? Siamo condannati a dormire e a vivere nel sonno con i nostri mostri interiori? E se, in realtà, tutti i nostri sentieri, tutti i nostri percorsi di vita fossero legati fra loro, pronti a congiungersi e separarsi in un frammento di esistenza?

Armin apre gli occhi nella dimensione della Coordinata, dove il tempo non esiste perché è la dimensione stessa a diventarne il tempo, e scorge Zeke, stanco e invecchiato, atto a costruire castelli di sabbia che si sfaldano come le vite stesse degli Eldiani che ha manipolato. Zeke spiega la sua prigionia, la sua visione di mondo, il motivo del suo piano estremo per l’eutanasia, perché, talvolta, si crede che non nascere sia il compenso più bello a cui possa aspirare l’essere umano, negando le sofferenze della vita, e si ritiene che sopprimere l’esistenza sia un dono pari a quello di sopprimere il dolore. Si ricrede Zeke, nell’incontro con le anime dei suoi ricordi, impresse nei sentieri incrociati degli umani, rivedendo il padre e il suo mentore, lanciando ancora una volta quella pallina da baseball, che era diventata così importante, come un contatto con l’umanità. Le carcasse svuotate d’anima dei giganti sembrano obbedirgli ancora per l’ultima volta e si rivoltano contro il piano apocalittico per concedere tregua ad Armin e ai suoi compagni, ma per lui è troppo tardi: la vita si ribella sempre contro chi ha tentato di estirparla e lo punisce in estremo con la vendetta di Levi.

Armin apre gli occhi e ritrova Eren, ma non il ragazzo accigliato e taciturno, che aveva lasciato a Paradis, l’anima sofferente, schiacciata dalla responsabilità di un destino che gli è caduto addosso, bensì il bambino litigioso e ribelle dei primi anni di amicizia, quello che voleva andare oltre le mura, vedere il mare ed esplorare il mondo, liberandolo dai giganti. Eren bambino ha la consapevolezza dell’adulto e narra ad Armin il suo destino, prima di cancellargli la memoria, tornare a trovarlo il giorno in cui hanno scoperto insieme il mare e cancellargli nuovamente la memoria. Il Gigante d’Attacco è il Gigante che avanza, ovvero può muoversi nel tempo attraverso i propri ricordi e quelli dei giganti prima o dopo di lui. Solo che Eren sa di essere l’ultimo gigante della cronologia e di essere destinato a caricarsi il Male dell’umanità per liberare il suo popolo dal “peccato originale” (in una visione quasi messianica): il suo sacrificio è dovuto, eppure così doloroso per l’umano Eren, qui non più quel gigante trasfigurato dei capitoli finali, ma un ragazzo come tanti, che vorrebbe vivere il suo amore per Mikasa, ma che non può evitare l’atto finale della sua tragedia umana, che, poi, è tragedia mondiale.

Chiudono gli occhi gli Eldiani, che vedono la creatura vermiforme che ha determinato secoli delle proprie vite e vengono trasformati in giganti puri, cedendo alla natura la propria umanità (N.B.: non proprio tutti, perché gli Ackermann sono immuni al potere dei giganti). Chiudono gli occhi Connie e Jean, aspettando insieme l’epilogo, la madre di Reiner e il padre di Annie, sempre in cerca dei propri figli. Chiudono gli occhi i Marleyani, soggetti ad un potere che non credevano così terribile.

Mikasa mette la sciarpa rossa. Si è preparata al finale estremo, spera ancora di poter salvare Eren, ma sa che il tempo che scorre la fa avvicinare sempre di più al suo tragico destino, investita di un compito più gravoso di qualsiasi essere umano. Nella sua mente, continuano a risuonare le parole di Eren, la sua raccomandazione a “gettare via quella vecchia sciarpa rossa” per non tenerla legata ad un passato di sofferenza. Tuttavia, è solo quel passato che la rende più forte e consapevole. Mikasa ora sa e ricorda gli incubi che tormentavano Eren e la sua disperazione degli ultimi anni, celata dietro nubi di feroce emicrania (dovuta ai tentativi di Eren di cancellarle la memoria). Comprende il lungo sonno mostruoso della fondatrice Ymir, una bambina imprigionata nell’angoscia e nella paura di un amore malsano verso il suo aguzzino, rimasta impressa in una natura violata e tormentata, che ha scelto lei, scrutando nella sua mente, perché l’unica in grado di capire l’amore. Tocca a Mikasa completare il sacrificio estremo di Eren, perché “Coloro che non riescono ad abbandonare nulla, non possono cambiare nulla” (Armin Arlert).

=Toward the Tree on That Hill=

Gli Eldiani sono liberi dal potere dei giganti, ovvero dal Male che li ha oppressi e li ha mutati nei secoli. Gli eroi cha hanno offerto il proprio cuore si materializzano per salutare i liberatori. Levi offre il suo cuore al Capitano Erwin Smith, ad Hanji Zoe e ai suoi compagni del Corpo di Ricerca. Il ricordo di Sasha saluta Jean e Connie.

Passano gli anni e nonostante Eldia non sia più il paradiso infernale di un tempo, le guerre non sono finite (non finiranno mai, purtroppo). Armin, Annie, Pieck, Reiner, Connie e Jean sono ora ambasciatori della pace e della vittoria nell’anniversario della liberazione e ricevono un encomio da parte della regina Historia, mentre Levi ha deciso di devolvere la sua vita a fare del bene al prossimo. Mikasa è seduta sotto l’albero presso cui giocava da bambina con Eren, ora diventato la sua sepoltura, e, avvolta nella sciarpa rossa, attende i segnali della sua anima lontana.

Trascorrono altri anni. Mikasa rimane devota a vegliare sulla tomba di Eren. Eldia si espande, diventa moderna e tecnologica. Trascorrono i secoli. Le guerre riprendono, più forti e gravose di prima, ed Eldia viene rasa al suolo. In mezzo alle carcasse di vecchi edifici bruciati, sopravvive solo l’albero di Eren, più contorto e aggrovigliato di un tempo, quasi più saggio e simile a quello che aveva incantato la giovane Ymir. Un bambino girovago col cane si avvicina all’enorme tronco e ne rimane attratto come da una potenza indescrivibile: è il potere della Vita e della Conoscenza.

“I don’t want to just live. The world is cruel, but I still love you. No matter what I sacrifice, I’ll still protect you, the shadow of the person I chose, the corpse of the one I threw away“.

Al termine di questo viaggio durato dieci anni e con le lacrime agli occhi, grazie per averci avvolto nella tua sciarpa. Ci rivedremo presto, Eren.

Captain-in-Freckles

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Panda! Go, Panda!

Negli anni Settanta iniziò in tutto il mondo una vera e propria “panda mania”, un’attenzione  particolare per questi bellissimi animali che piacevano molto anche ai bambini;  nel 1972 lo stesso Presidente americano Nixon, dopo la visita ufficiale in Cina, ricevette in dono due esemplari di panda che vennero accolti con una cerimonia ufficiale direttamente allo zoo nazionale di Washington, D.C. Sempre nell’ambito della “diplomazia dei panda”, per saldare le relazioni diplomatiche internazionali, anche in Giappone nel 1972 arrivarono in prestito allo Ueno Zoo due panda giganti direttamente dalla Cina e così nacque una vera e propria passione per questi animali, attrazione e curiosità di molti bambini che volevano andare a vedere i panda allo zoo.

In Giappone, al culmine di questa mania per i panda, il team formato da Isao Takahata (alla regia), Hayao Miyazaki (sceneggiatore e scenografo), Yōichi Kotabe (direttore dell’animazione) e Yasuo Ōtsuka (direttore dell’animazione e character designer) diede vita al film d’animazione “Panda! Go, Panda!” che fu un grandissimo successo al cinema, così che nel 1973 uscì sempre al cinema il sequel, “Il circo sotto la pioggia”.

Nel 1971 Takahata e Miyazaki si erano recati in Svezia per incontrare Astrid Lindgren, autrice di “Pippi Calzalunghe” perché avrebbero voluto ispirarsi alle avventure della protagonista del romanzo per un adattamento animato, ma, dopo il rifiuto della scrittrice, alcune idee che avevano già realizzato confluirono nell’opera “Panda Go, Panda!”, soprattutto per il personaggio di Mimiko, la bambina protagonista dell’anime.

La storia narra della piccola Mimiko, orfana di entrambi i genitori che, un giorno, resta da sola per via della partenza della nonna che si è recata a Nagasaki per la cerimonia funebre di suo nonno. Triste e sconsolata gira un po’ per i negozi del paese, poi, decide di intraprendere la strada verso casa attraverso un boschetto di bambù e qui incontra un cucciolo di panda di nome Panny (Pan-chan in originale) che dorme sulla soglia di casa sua. La bambina fa subito amicizia con il piccolo panda e lo invita a casa a mangiare, in quel momento, però, vengono raggiunti da un panda gigante, PapaPanda, padre di Panny. Mimiko istaura subito un rapporto di intesa e di amicizia con entrambi i panda, fino a quando Papapanda decide di fare da padre anche a Mimiko che non ha mai avuto dei genitori.

Iniziano così le avventure di questa strana e adorabile famiglia, Panny vorrebbe seguire a scuola Mimiko e, una volta arrivato lì, scatena paura e curiosità da parte di tutta la scuola che inizia ad inseguire il piccolo panda. Nel frattempo, il giorno dopo, il poliziotto locale va a fare visita alla bambina e qui vede che a casa di Mimiko vivono anche i due panda, corre, inquieto, ad avvisare lo zoo vicino e il guardiano dello zoo, che ha perso di vista Panny e Papapanda, chiede un aiuto per riportare sani e salvi i due animali nella loro casa. Polizia e funzionari dello zoo si mettono alla ricerca della bambina e dei due panda che hanno lasciato la casa di Mimiko per andare a fare una passeggiata e che, dopo aver terrorizzato dei bulli locali, perdono di vista il piccolo e vivace Panny che si ritroverà in una situazione pericolosa a rischio di vita. L’avventura, però, terminerà bene, i due panda saranno costretti a tornare allo zoo, ma a condizione di trascorrere del tempo con Mimiko durante la giornata.

Nel secondo capitolo, intitolato “Il circo sotto la pioggia” ritroveremo i nostri tre protagonisti che faranno amicizia con un cucciolo di tigre, Tiny, scappato dal circo arrivato in città. Una brutta tempesta renderà ancora più difficile ritrovare la strada di casa per riportare Tiny dalla sua mamma perché tutte le strade saranno inondate d’acqua. Anche in questo capitolo, però, non mancherà l’happy end, tutto si risolverà in meglio e nelle ultime scene vedremo Mimiko e i due panda assistere ad uno spettacolo al circo e poi verso casa mentre suonano corni d’ottone.

Se lo scopo di queste due opere di animazione era senza dubbio quello educativo, anche la tecnica usata e i colori ci fanno pensare a quello che ritroveremo nelle opere dello Studio Ghibli, fondato successivamente nel 1985.

Lo stesso   Papapanda ha ispirato il personaggio di “Totoro”, così come Mimiko per Mei e Satsuki, le due bambine protagoniste de “Il mio vicino Totoro”. Nel sequel “Il circo sotto la pioggia”, le scene della città inondata hanno ispirato “Ponyo sulla scogliera”, così come il treno che attraversa l’acqua lo possiamo rivedere in “Spirited Away”.

“Panda! Go, Panda!” e il suo sequel hanno avuto una certa valenza nel panorama di animazione internazionale e hanno fatto scoprire al pubblico delle figure rappresentative che si sarebbero fatte conoscere ancora meglio negli anni successivi con “Heidi”, “Anna dai capelli rossi”, “Conan, ragazzo del futuro” e i capolavori dello Studio Ghibli. Anche per questo motivo, provo, personalmente, un certo affetto per questi due anime con protagonisti i panda e che ho recuperato alcuni anni fa dopo aver visto tutte le opere di Takahata e Miyazaki ed essermene innamorata. 

Memoru Grace

Doona! (ovvero di una stella che cammina sui tetti e di un ragazzo che non conosceva l’amore)

“Non finirò per innamorarmi di te. Non accadrà mai, okay? Però, già che ci siamo, ascoltami: anche tu non devi innamorarti di me, va bene?”.

Mentre risuonano queste parole, lei saltella per il cortile, avvolta in una nube di fumo e una camicia cadente sulle spalle, immune al freddo e alle intemperie, illuminata dalla luna come una piccola divinità boschiva. Lui la guarda in seria contemplazione, nascondendo quello che il suo cuore ha capito da subito, non appena hanno incrociato gli sguardi. Lei è una ragazza strana che cammina sui tetti e sui cornicioni a piedi nudi e rompe bottiglie sulla testa di sconosciuti, un po’ come Holly Golightly in Colazione da Tiffany. Lui è uno ragazzo serioso che ride poco e studia molto, ma si perde in sogni ad occhi aperti. I confini si sfumano in silenzi carichi di rumore e in occhi che vogliono dire parole che le labbra non possono pronunciare. Il tempo si ferma per un momento, la terra smette di girare. Le attese diventano lunghi e meravigliosi incontri.

Doona! (이두나!) è quel drama che non ci aspettavamo. Tanto atteso come ritorno in grande stile di Lee Jeong-hyo (regista di Crash Landing On You) e forse aspettato come una ventata di aria fresca nella commedia romantica, si è rivelato più una piccola perla d’autore, vicino a certo cinema d’essai, che una vera rom-com a sfondo musicale. I personaggi vivono le proprie emozioni e mettono a nudo se stessi sullo sfondo di una fotografia perfetta, sfocata e sofisticata, montata con rallenty e piani sequenza che lasciano navigare da soli gli occhi (quelli bassi e fermi di Won-jun e quelli vaghi e liquidi di Doona) e si fermano su alcuni dettagli (le mani che si incrociano, le dita che si sfiorano o i passi che indietreggiano).

Lee Won-jun (un convincente Yang Se-jong di Still 17 e My Country: New Age) ha 22 anni e studia all’università ingegneria civile. Dopo diverso tempo da pendolare tra la campagna, dove vive con la madre e la sorella malata, e la città, riesce finalmente a trasferirsi a Seoul, trovando posto in un appartamento condiviso con altri due studenti, il riservato Koo Jung-hoon (Kim Do-hwan, Start Up, My Roomate is a Gumiho, che, insieme a Lee Se-wan di Alice The Last Weapon, forma una straordinaria coppia di secondari), che ha teorizzato l’etica della solitudine, e l’estroverso Seo Yun-taek (Kim Min-ho, Jirisan, The Uncanny Counter), alla disperata ricerca di una fidanzata. Nel cortile della nuova strana casa s’imbatte in Lee Doona (splendida e assolutamente in parte Bae Suzy di Start Up, Anna, Vagabond e molto altro, che ha messo una parte di se stessa e della sua vecchia vita da Idol in questo ruolo), una ragazza che sembra farsi scorrere la vita addosso come una spirale di fumo e che trascorre le sue giornate a contemplare la propria solitudine, mentre cerca di soffocare in un vortice d’acqua inesistente. In realtà, Doona è un’ex Idol, membro prezioso e centro della band k-pop Dream Sweet, che si è ritirata dopo un crollo nervoso sul palco di un concerto, vessata da Park In-wook (meravigliosa guest star di Lee Jin-wook di Bulgasal e Sweet Home), un manager che ne ha distrutto tutta la sicurezza sin da quando era bambina, e vive in incognito sperduta in un luogo dove nessuno la verrebbe mai a cercare.

I due si vedono e si incrociano e la terra smette di girare su se stessa. Più che incontrarsi, si scontrano, quasi soggetti ad una forza più grande che continua a spingerli l’uno verso l’altra e a richiamarli: prima, lei odia lui, che non la riconosce, ma si fa scoprire con una felpa della sua band e canta tra sé le sue canzoni e, soprattutto, che interferisce nella sua inedia, preoccupandosi della sua salute; poi, lui odia lei, che sembra ignorarlo e cercarlo al tempo stesso, che lo inonda di fumo e lo fa sentire in colpa per la sua esistenza, salvo seguirlo dappertutto in modo ossessivo e canzonarlo per quanto è adorabile. Poi, “la vita ha sempre delle trame inaspettate“, meglio di un film o di un romanzo.

Doona aiuta Won-jun a palesare i propri sentimenti con la ragazza di cui è sempre stato innamorato durante il liceo, Kim Jin-joo (Shin Ha-young, la sposa con l’abito rotto nel secondo episodio di Avvocata Woo, che personalmente ho trovato bravissima come secondaria) e non si accorge che lo aiuta a rendersi conto di cosa sia l’amore e a provare le farfalle nello stomaco. Won-jun aiuta Doona a tornare a sorridere e ad apprezzare se stessa e le cose semplici di cui è fatta la vita ordinaria, compreso avere delle amicizie sane e normali, e non sa che, più si accosta alla sua vicina pazza, più lei si apre con lui, con tutte le sue fragilità e i suoi traumi, bisognosa di affetto e di comprensione, come un gatto abbandonato, donando se stessa senza avvertire alcuna differenza e alcun rimpianto con la sua vecchia vita, perché “è passato davvero tanto tempo da quando è riuscita a ridere per l’ultima volta” e a fidarsi delle persone, che l’hanno sempre giudicata una voce senza anima e, come tale, hanno finito per condannarla all’oblio.

“Una volta, mi hai detto che veniamo da due mondi diversi e che nessuno si sarebbe mai immaginato che i nostri sentieri si incrociassero. Per cui ci troviamo seduti vicini solo per coincidenza o, forse, anche per uno scherzo del destino. (…) Forse hai ragione a dire che ci siamo incontrati per caso. Ma sono contenta che sia tu la persona che ho incontrato”.

Sentieri che si incrociano e che non siamo ancora in grado di capire se proseguiranno incrociati fino a fondersi in un unico cammino o se si separeranno, pur guardandosi l’un l’altro, correndo paralleli tra loro. Sentieri che sono come i binari del treno quando si è fermi al passaggio a livello, in attesa che la sbarra si apra e che venga consentito passare: binari che si uniscono per un breve tratto e binari che proseguono il loro cammino divisi solo da una stretta banchina; persone che fermano la loro corsa e proseguono dopo lo stop e persone che, durante quel momento di pausa, vedono chiaramente di fronte a sé e sono in grado di superare quelle barriere del passaggio al livello per ritrovare qualcuno che non incontravano da tempo. L’immagine dei binari è particolarmente evocativa nelle primissime scene degli ultimi episodi, dove il regista, con una tecnica narrativa particolare, impreziosisce l’intreccio con alcuni frame che sembrano non connessi al proseguimento della trama, ma quasi una prefigurazione di quello che può avvenire o che avverrà oppure sono una metafora delle vite dei protagonisti, della strana logica del destino che può decidere se e come farli incontrare e delle decisioni che ognuno realmente prenderà. La vita è come essere immersi in un campo rosa di muhly (Muhlenbergia capillaris), una graminacea che assume un colore caratteristico tra il rosato e il violaceo e che fiorisce come una spiga di poco meno di un metro tra la fine dell’estate e l’autunno: torna e gemma con una fioritura tardiva rispetto ai fiori di primavera oppure lascia sospesi e immersi in un sogno di quanto accaduto e di quanto potrebbe accadere?

Pur riprendendo le immagini del treno e del campo rosato, ho deciso di non scrivere volutamente nulla sul finale, ben sapendo che la caratteristica di finale aperto di solito lascia lo spazio a due partiti: quello dei pessimisti, che si fermano ad un’ultima parola o ad un ultimo sguardo di tristezza e che vedono una chiusura di qualsiasi speranza; quello degli ottimisti, che si aggrappano a mille straordinarie interpretazioni per affermare che, comunque vada, sarà un successo. Ahimè, questo è sempre il rischio dei prodotti tendenzialmente romance (e la spiegazione del motivo per cui tendo ad evitarli), ma quello che vorrei rimarcare è che penso che al regista non importa far sapere se finisce o meno bene tra i due amanti, perché l’importante è quel percorso che hanno fatto insieme e che è fiorito come le spighe rosa, quella guarigione reciproca che li ha formati come esseri umani, portandoli ad apprezzare se stessi, ad innamorarsi e a soffrire fino a riprendere le proprie vite in mano, ma anche ad affermare a voce alta, come la protagonista, “adesso, finalmente, mi amo“.

Piccola postilla: da vedere e rivedere più volte la scena in cui Doona e Won-jun vanno insieme ad un concerto e Doona, invitata dagli artisti che si esibiscono a salire sul palco, scopre di avere una voce, in tutti i sensi, non solo fisicamente (finalmente, riesce a cantare senza alcun crollo nervoso), ma anche metaforicamente perché riacquisisce consapevolezza di sé e del proprio futuro, che è, al tempo stesso, il vero turning point della trama, la frattura che si crea negli animi dei protagonisti. Inoltre, nella scena compaiono i Nerd Connection, band coreana molto attiva nel panorama pop rock e indie, che meritano l’ascolto indipendentemente dal drama.

Captain-in-Freckles

Come suona la nostra recensione?

Actors on the Road: Scotland

“There is magic in Scotland. It’s a country with a lot of pride and bravery“. (Gayle Rankin)

Avete presente quella Scozia fiabesca, quella in cui è possibile ammirare il verde intenso delle sue colline che si uniscono al cielo nuvoloso e incombente e alle merlature delle torri e dei castelli, dove spuntano fantasmi dimenticati nel tempo? Ecco, provate a fare un viaggio on the road con la/il vostra/o migliore amica/o, in giro a zonzo per le terre scozzesi, k-way alla mano per la pioggia intermittente, alla scoperta delle più antiche tradizioni che avete sempre amato nei libri (e non solo). Praticamente, è quello che hanno fatto insieme Jung Hae-in (Something in the Rain, A Piece of Your Mind, One Spring Night, Snowdrop, Connect, D.P.) e Im Si-wan (Run On, Summer Strike, Road to Boston, Unlocked, prossima stagione di Squid Game), due attori coreani che non condividono quasi nulla tra loro, se non l’amicizia e il sogno di andare insieme in Scozia, come solo la Rowling avrebbe voluto.

L’idea del programma itinerante Actors on the Road: Scotland (anche noto come Actors on a Journey o Scotland Travel, in originale  배우는 여행중) è arrivata al regista e produttore PD Oh Chung nel momento in cui ha visto i due attori incontrarsi per la prima volta ai premi Baeksang 2022 e diventare immediatamente amici, con una sintonia spontanea incredibile, pur non avendo mai avuto modo di lavorare insieme (noi lo sappiamo, perché in quei giorni Jung Hae-in ha inondato il suo profilo Instagram con selfie insieme agli amici Im Si-wan e Ahn Bo-hyun ai premi Baeksang). La curiosità della produzione è aumentata nel momento in cui è stato notato non solo che l’amicizia tra i due attori aumentava di giorno in giorno (entrambi affermano durante il programma di essersi dati appuntamento per il Busan Film Festival, anche perché Im Si-wan, nativo di Busan, doveva mostrare la città all’amico Jung Hae-in, nativo di Seoul), ma anche che avevano in comune molte più cose di quello che non si poteva pensare. Entrambi, ad esempio, avevano l’obiettivo di andare in Scozia: Jung Hae-in, perché adora viaggiare e registrare dei veri e propri V-log (ne è un esempio il programma Jung Hae-in’s Travel Log del 2019, in cui l’attore ha ripreso il suo viaggio a New York e che in rete è diventato un piccolo caso) e ha una fissa particolare per il golf; Im Si-wan, perché, da sempre anglofilo e appassionato di cultura britannica, legge Harry Potter e beve solo whisky scozzese. Ma la vera scintilla è stata notare le altre connessioni spontanee tra i due attori: entrambi nati nel 1988 (tanto che il primo titolo del programma era stato concepito come Learning on a Trip: First Time Traveling with ’88ers), esattamente ad 8 mesi di distanza (Jung Hae-in è nato il primo aprile, mentre Im Si-wan il primo dicembre) e con personalità simili, nonostante i MBTI-Myers Briggs opposti (Jung Hae-in è un ISTP e Im Si-wan un ENFJ). Come afferma il regista, le connessioni con il numero 8 tra i due, poi, sono infinite (con tanti di quei calcoli matematici che rendono felicissimo Im Si-wan, uno che nei programmi si mette a risolvere il cubo di Rubik in 2 minuti e zittisce tutti coloro che sono intorno, e lasciano inquieto Jung Hae-in, che con i numeri e i conti ha una dimestichezza così bassa, da lasciare pure il resto ai negozianti).

Avete mai avuto un amico / un’amica a cui siete molto legati e con cui amate viaggiare, nonostante i caratteri completamente diversi? Ebbene, è questo ciò che succede a questi due. Da una parte, ci sono la timidezza e il sorriso sincero di Jung Hae-in, che forse non credevamo così carino e affettuoso, uno che si prende cura degli amici in tutto e per tutto (anche portando le tisane giuste per la sera, i fermenti lattici per la mattina e le vitamine e i minerali da prendere, perché in viaggio ci si depaupera), si impegna in modo metodico e persistente in tutto quello che fa, si emoziona e si commuove facilmente (la sua espressione quando Im Si-wan lo definisce come uno dei suoi amici più cari è impagabile), parla poco di sé, ma, quando lo fa, apre se stesso e i suoi traumi (l’essere stato preso in giro da piccolo perché grasso, ad esempio) e, talvolta, si spaventa pure (il suo saltino in aria durante lo sparo del cannone di mezzogiorno al castello di Edimburgo è da vedere in loop). Dall’altra parte, c’è quella falsa sfrontatezza di Im Si-wan, estroverso atipico a cui non importa di fare colpo sugli altri, ma che agisce e reagisce da sé (proprio come un geek), parla con i locali (anche facilitato da un’ottima padronanza della lingua inglese e da una pronuncia perfetta) e soprattutto parla sempre a voce alta (anche con se stesso), contratta i prezzi, dialoga con tutti i pensionati scozzesi (che, seriamente, potrebbero invitarlo per una partita di bridge), mentre mostra come si veste double-face contro il freddo, sbaglia tutte le buche del golf, fa la sua camminata veloce in stile omino da film muto (generando un certo imbarazzo nel compagno di viaggio) o, allo scatto del flash della fotocamera, esclama “Potato!” in puro stile scozzese.

Obiettivo del viaggio è conoscere la storia e le tradizioni di Edimburgo, visitandola da cima a fondo e compiendo una serie di “missioni” prescritte nella loro ginkana (trovare i nomi dei personaggi della Rowling nel cimitero che l’ha ispirata è un esempio), partecipare a diverse degustazioni di whisky e scotch locali, ma anche giocare una partita di golf nel primo vero percorso dedicato a questo sport (il leggendario Old Course di St. Andrew’s Link, dove Jung Hae-in afferma con un certo orgoglio: “Magari, non ho giocato molto e non gioco bene, ma ho battuto tutti perché ho giocato dove è nato il golf!”), seguire e partecipare ai lavori di una distilleria di whisky (con tanto di foto ricordo con i maestri di questo pregiato alcolico), andare a pesca di salmoni in barca nel fiumi scozzesi.

In sei puntate, impariamo che Im Si-wan finge di rifarsi il letto ogni mattina (fino a quando non lo scopre Jung Hae-in), ma lascia all’amico la stanza più grande e spaziosa, che non sa fare le foto (taglia teste o sfoca l’obiettivo), che può mangiare fino all’inverosimile senza mettere un grammo, che ha una fiaschetta di alcool al collo camuffata da fotocamera (o, perlomeno, così millanta), ma che segue sempre il suo hyung in tutto ciò che vuole fare, anche con il rischio di rompere un vetro nella facciata storica di St. Andrew’s per un tiro di golf. Impariamo anche che Jung Hae-in odia guidare e, se può, delega agli altri, ma odia ancora di più le macchinette automatiche dei biglietti dell’autobus (perché non sa correre con i conti), che fa foto sempre instagrammabili e, piuttosto, fa spostare mezza popolazione della Scozia, e che, inspiegabilmente, appena entra in un locale senza avventori, fa subito tendenza e il posto diventa affollato (come gli spiega l’amico, “Si tratta della Haeiness, è una cosa genetica”).

Impossibile non adorare questa coppia strana e così incredibilmente umana di amici, che, dopo i primi minuti, ci sembra di conoscere da una vita: uno di una dolcezza e di una timidezza adorabili, l’altro un genio svagato e stralunato in modo incredibile. Non so se, dopo averli visti recitare in numerosi ruoli, me li aspettavo proprio così, ma so che, vedendoli, sono diventati da subito amici di sempre, come se ci fossimo incontrati tra i banchi di scuola e fossimo andati d’accordo immediatamente, a prima vista. Anche perché siamo tutti cresciuti sfogliando i libri di Harry Potter e seguire il loro viaggio mi ha riportato alla mente un posto che ho adorato visitare anni fa, la Scozia.

P.S.: è troppo sperare in un’altra stagione e in un altro viaggio con questi due?

Laura