Storie d’inverno

Le storie ambientate in inverno non sono tutte uguali, ma tutte ospitano quel sentimento in comune, quella dolce malinconia, come la neve che cade lenta e gentile e copre ogni cosa, quasi per nascondere un piccolo scrigno di emozioni da curare, per farle risplendere nelle stagioni che si susseguiranno.

L’inverno è un riposo, un letargo dell’anima e per prendere in prestito le parole della poesia di Ungaretti:

“Come la semente anche la mia anima ha bisogno del dissodamento nascosto di questa stagione”.

Ho scelto due letture invernali, la prima “Giorno di neve” rappresenta la meraviglia, lo stupore del giorno in cui abbiamo scoperto e visto la neve per la prima volta nella nostra vita, la seconda è “Lo zoo d’inverno”, un racconto quasi autobiografico dove il protagonista affronta l’inverno della sua anima, passando da momenti di sconforto a momenti di speranza per trovare il proprio splendore artistico.

Giorno di neve

di Komako Sakai

(edito da Babalibri)

Ci siamo mai chiesti cosa abbiamo provato la prima volta che abbiamo scoperto la neve? Meraviglia, entusiasmo, incanto, esser parte intrinseca di una magia senza tempo. La neve è così, lenta, silenziosa, delicata, trasmette una sensazione di appartenenza al mondo in cui viviamo.
Quale impressione può avere un bambino quando scopre la neve?
Komako Sakai è una autrice e illustratrice giapponese, nata a Hyogo nel 1966 e che, dopo gli studi artistici, inizia a disegnare tessuti per poi dedicarsi al mondo dell’infanzia e alle illustrazioni che piacciono sia ai bambini che agli adulti. La sua visione delicata e sensibile riesce a cogliere lo stupore di un bambino nelle sue prime emozioni e sensazioni, così una giornata di neve diventa un’occasione per percepire il mondo esterno, per scoprire l’importanza della lentezza e del silenzio.
Il piccolo coniglietto, protagonista del racconto, si sveglia, ma la mamma gli dice che può restare a letto perché quel giorno non c’è scuola, il pulmino è rimasto bloccato per la neve. Il coniglietto non sta più nella pelle, vuole uscire e scoprire la neve, toccarla, giocarci, immergersi in quella coltre morbida e bianca, ma la mamma gli dice che può solo fare una piccola uscita sul balcone. Il coniglietto e la mamma si affacciano e si guardano intorno e scoprono il silenzio, tutto è tranquillo, non ci sono automobili né passanti, solo piccoli fiocchi di neve che popolano il cielo, un cielo infinito e senza tempo, sembra tutto sospeso.
“Ascoltiamo il silenzio della neve che cade e si ha l’impressione di essere soli sulla terra”.
Un giorno di neve, una sopita lentezza che addolcisce la nostra esistenza e riscalda il cuore, perché ogni tanto rallentare il ritmo può fare solo che bene.
Un libro magico che educa alle emozioni fin da piccoli, una storia delicata che qualche anno fa mi è capitato di consigliare ad una collega di lavoro che aveva una bambina piccola e che ne è rimasta entusiasta, promuovendolo come una delle storie da leggere prima di andare a dormire.

Uno zoo d’inverno

di Jiro Taniguchi

(edito Rizzolilizard)

Si tratta di un manga one shot scritto e illustrato da Jiro Taniguchi ed edito in Italia nel 2010. La storia è inizialmente ambientata a Kyoto nel 1966, Hamaguchi è un diciottenne che ha il sogno di diventare designer, ma lavora come corriere per un’impresa di abbigliamento all’ingrosso. Un giorno si trasferisce a Tokyo e, grazie a un amico, ottiene un lavoro come assistente di un famoso mangaka. Nonostante il lavoro sia pesante e le scadenze moltissime, Hamaguchi capisce di aver trovato finalmente la sua vocazione. Nel suo tempo libero inizia a lavorare per la creazione di un manga tutto suo, non ha molta fiducia in se stesso e spesso interrompe il suo progetto, ma la conoscenza con una giovane ragazza dalla salute molto fragile gli farà riacquistare stima in se stesso e voglia di continuare. Passeggiare con lei e confidare le sue speranze e i suoi sogni sono la vera e propria forza che lo induce a superare quell’inverno nel cuore che lo tiene ancorato a non andare avanti, ma la vita gli presenterà altre prove da superare. Un manga che ha vinto molti premi e che per molti aspetti è quasi autobiografico. Lo consiglio per conoscere questo autore giapponese che è tra i più stimati del secolo.

Grazia

L’antica arte coreana della lotta

“La sofferenza è un’ottima insegnante. Ma nessuno vorrebbe frequentare le sue lezioni”.

Choi Hong-hi (maestro coreano di arti marziali)

Vi è mai capitato di seguire strenuamente le Olimpiadi e, consultando internet e programmi televisivi vari, accertarvi della posizione del vostro Stato nella classifica generale? Ammettiamolo: lo facciamo tutti ogni quattro anni, come se in mezzo ai campi da gioco ci fossimo direttamente noi. Ebbene, non sfugge certo all’attenzione che la Corea del Sud, nelle sue ultime partecipazioni, si sia collocata ad una posizione di un certo riguardo nel medagliere, con un’eccellenza particolare nelle discipline di lotta, di scherma e di arco. Nella realtà, quest’affezione coreana per le discipline sportive connesse alle arti marziali non è così strana, né di recente data, ma affonda le proprie radici nella tradizione.

Sicuramente, quando si pensa alla Corea, viene in mente il suo sport più rappresentativo e caratteristico per eccellenza, il taekwondo. Ricordo che ne rimasi affascinata da piccola, quando ancora in Italia non c’era una grande conoscenza relativamente alla cultura coreana e il taekwondo veniva schiacciato nel mezzo delle classiche arti marziali provenienti da Oriente (soprattutto, karate e judo). Il taekwondo (태권도), all’epoca, mi sembrò un mondo nuovo e particolare, come uscito da un libro di fiabe, e, difatti, fu accolto come sport ufficiale olimpico solo a partire da Sydney 2000 (dopo essere stato introdotto come sport dimostrativo proprio alle Olimpiadi di Seoul del 1988), portando insieme una ventata di novità e di tradizione nelle discipline olimpiche. Tuttavia, nonostante sia divenuto quasi lo sport coreano d’eccellenza, la sua nascita è relativamente moderna, visto che risale agli anni ’40 del XX secolo, immediatamente dopo la fine dell’occupazione giapponese, che aveva vietato la pratica di qualsiasi arte marziale autoctona e di qualsiasi pratica sportiva legata alla tradizione coreana, in un tentativo di sradicamento culturale. Gli sforzi della dominazione giapponese si concentrarono, in particolare, sull’eliminazione del taekkyeon (ovvero “l’arte del piede che lotta”), un’arte marziale coreana molto antica, già praticata all’epoca dei Tre Regni (come testimoniato dalle pitture rinvenute nelle tombe) e pare cara alla casta guerriera dei Hwarang del regno di Silla, a metà tra l’autodifesa e la danza, fondata sull’aerobica e sulla leggerezza dei movimenti corporei e su un notevole utilizzo delle gambe (con i calci aerei). Per eliminare l’affezione dei coreani nei confronti dell’antenato del taekwondo, i giapponesi si prodigarono nel diffondere le proprie arti marziali e nel costruire numerose scuole che le insegnavano. Furono proprio queste scuole che, al termine della guerra, videro fiorire una commistione tra le arti marziali imparate dagli invasori, quelle importate dagli esuli tornati dalla Manciuria e la volontà di recuperare un’antica pratica sportiva rimasta vietata per tanto tempo. Il merito di aver unificato tutte le pratiche importate dalle arti marziali nipponiche con l’antica arte coreana del calci è attribuito al generale Choi Hong-hi, maestro di arti marziali, che ricevette dal presidente Syngman Rhee l’obbligo di introdurre gli schemi di questa nuova arte marziale all’interno dell’esercito coreano, imponendola ufficialmente con il nome di taekwondo nel 1955. Ad oggi la commistione di pratiche che caratterizzano questo sport emerge dalla presenza del calci, tipici dell’antica arte del taekkyeon, e dei pugni o dei colpi con le mani, tipici delle arti marziali nipponiche, tutto mediato dalla disciplina dell’armonia e del vivere civile derivante dall’etica confuciana e che si traduce nei principi fondamentali di cortesia, integrità, perseveranza, autocontrollo e spirito indomito.

Ma il taekwondo non è l’unica arte marziale relativamente recente, eppure connessa alla tradizione. Sempre negli anni ’40 del XX secolo e successivamente alla dominazione giapponese, fu codificata anche la pratica dell’hapkido (합기도), un’arte marziale ancora poco nota in Occidente, ma che unisce la coordinazione con l’energia interna (ovvero “l’arte dell’energia armoniosa”) ed è considerata la prima arte marziale moderna di tipo misto. Ispirandosi all’arte giapponese del  Daitō-Ryū Aikijujūtsu e all’aikido, la sua pratica si focalizza sul centro del corpo dell’avversario, cercando di neutralizzarlo attraverso la sua stessa forza. Per questo motivo, può impiegare calci, diversi colpi derivanti dalle arti marziali (di punta o di taglio con la mano o con i gomiti), ma anche punti di pressione, leve, proiezioni, cadute, capriole e svincoli. Nella sua pratica, inoltre, è studiato anche l’utilizzo di alcune armi tradizionali coreane (come il Tan Bong, bastone corto con o senza corda, il Joong Bong, bastone medio, il Cian Bong, bastone lungo, il Kane o Cane o Tan Giang, bastone da passeggio, il Tan Gom, coltello, il Gum, spada, il Pho Bhak, corda o cintura), ma anche di molti altri oggetti di uso comune tenuti in mano o lanciati.

Le arti marziali coreane sono ancora in continua evoluzione. Colpite dal bando giapponese durante l’occupazione e costrette ad essere praticate nella clandestinità, hanno mantenuto la conservazione delle tecniche tradizionali solo come fattore culturale, mentre si sono trasformate attraverso quell’ibridazione tutta coreana, che tende ad accogliere trapianti esteri all’interno del proprio substrato culturale, mantenendo fortemente le proprie radici tradizionali. Oggi si stanno diffondendo anche le pratiche marziali di: Hwa Rang Do, che mischia pugilato, taekwondo, muay thai, leve dell’hapkido, proiezioni di judo e lotta a terra del brazilian ju-jitsu; Hwal Moo Do, che mescola l’antica arte del calci con la difesa personale; Kuk Sool Won, che si focalizza sul recupero della tradizione e della dimensione interiore.

La rinascita delle arti marziali tradizionali ha coinvolto anche le arti marziali per eccellenza dei guerrieri Hwarang, ovvero la spada e l’arco. Accanto alla scherma tradizionale (come disciplina olimpica), l’antica arte della spada coreana dell’Haidong Gumdo (해동 검도; letteralmente, “la via della spada del mare dell’Est”) combina il combattimento, la tecnica dell’estrazione e la tecnica del taglio della spada giapponese con le pratiche della spada dritta Jian, della sciabola Dao e dello spadone DaoDao di derivazione cinese, mischiandole alle proprie origini, risalenti all’epoca dei Tre Regni, senza dimenticare la tecnica mentale della meditazione e della respirazione, che si rifanno alle antiche pratiche meditative buddiste.

Per quanto riguarda il tiro con l’arco tradizionale, è forse oggi la disciplina sportiva più antica e quella che ha subito meno variazioni e meno ibridazioni, visto che la sua origine risale al V secolo a.C. e che, fino alle invasioni giapponesi del XVI secolo l’arco era anche l’arma principale utilizzata dall’esercito coreano. L’arco tradizionale coreano si chiama Gakgung (각궁) e, al contrario degli archi diffusi nel mondo, che sono generalmente ricurvi, è un arco riflesso: la sua curvatura a riposo forma una C, che offre una breve distanza tra i due flettenti. Questo implica libraggi molto alti, tiri lunghi e potenti e un’estrema precisione. Non c’è da stupirsi se guerrieri come i Hwarang lo preferissero spesso alla spada anche per la sua maggiore adattabilità per i lunghi percorsi a cavallo e per gli scatti. Quello che stupisce è che il suo recupero è oggi al centro di molte scuole di tiro con l’arco olimpico, proprio con la funzionalità di mantenere intatta la tradizione e aumentare l’esercizio ai fini delle competizioni (dove, infatti, la Corea del Sud eccelle particolarmente in tutto il mondo).

Infine, c’è un’ultima arte marziale tradizionale di cui è doveroso parlare, perché rimasta immutata nei secoli, nonostante i divieti giapponesi e le persecuzioni, priva di contaminazioni varie con altre discipline provenienti da altre culture. Il ssireum (o ssirŭm o 씨름) è forse l’arte più tradizionale, più antica e più connessa all’essenza stessa del popolo coreano, affondando le sue radici nell’epoca Goguryeo. Grazie al drama Like Flowers in Sand, si è diffusa oggi la conoscenza nel resto del mondo di questo tipo di lotta tradizionale coreana, che si basa sulla “tecnica del capovolgimento”, ovvero della neutralizzazione dell’avversario attraverso un ribaltamento dello stesso, anche nonostante la differenza di proporzioni. Braccia, gambe, dorso, ma soprattutto la posizione salda collaborano per rovesciare e far cadere l’avversario nella sabbia, dove si svolge la lotta, afferrandolo per il satpa, un pezzo di stoffa bianca che avvolge la vita, mentre, per logica opposta, vince colui che riesce a rimanere in piedi fino alla fine del combattimento. Mentre le arti marziali come il taekkyeon o la pratica di spada e arco facevano parte del background dei nobili guerrieri e, quindi, subirono una forte repressione da parte giapponese, il ssireum, seppur bandito perché parte della cultura tradizionale, era quasi impossibile da sradicare, perché concepito come divertimento del popolo e per il popolo, nato nella sabbia e quasi non codificato, ma appartenente all’anima dei più poveri. Come testimoniano le pitture tradizionali, il ssireum era il centro della festa del villaggio o, comunque, degli incontri che animavano i villaggi ed era visto come un incontro/scontro tra i giovani più forti e più promettenti della comunità: colui che riusciva vincitore negli incontri popolari veniva nominato changsa e riceveva in regalo un bue (che, nella cultura rurale antica, identificava la ricchezza). La rinascita delle antiche pratiche marziali coreane dopo la Seconda Guerra Mondiale ha coinvolto anche il ssireum, incrementando l’interesse nazionale, con una vera e propria codifica delle regole (e con i colori rossi e blu dei satpa per identificare i contendenti), un campionato e delle squadre. Tuttavia, la vera eco fortunata si è avuta negli anni ’80, quando maturò una vera e propria mania per gli incontri competitivi tra atleti professionisti di ssireum, grazie anche alla messa in onda in televisione. Proprio in questi anni, vinse più volte il titolo di Changsa (ovvero: il più forte) l’atleta Lee Man-ki, oggi docente universitario, politico e personalità pubblica molto nota in Corea, commentatore sportivo di ssireum con presenza fissa, che ha insegnato a diverse generazioni di coreani ad amare uno sport, che è anche pazienza, misura e studio delle posizioni giuste e dei momenti per agire, tattica lenta culminante in scatti momentanei, ma anche cuore di una cultura popolare che nessuno è riuscito a sottomettere.

Il ssireum è stato tratteggiato anche in un corto animato del 2014 (dal titolo “Ssireum“), diretto da Kwak Ki-hyun e presentato nel 2017 al Florence Korea Film Fest, proprio con lo scopo di diffondere una tradizione sportiva, che è anche culturale, al di fuori del territorio coreano.

Nel 2018 la lotta tradizionale del ssireum è stata iscritta nella lista rappresentativa del patrimonio immateriale dell’UNESCO su richiesta della Repubblica della Corea del Sud e della Repubblica Democratica Popolare della Corea del Nord, diventando oggi il primo patrimonio intangibile in comune delle due Coree. Perché è nella cultura e nella tradizione comune che è possibile superare le differenze ideologiche e politiche e il ssireum è, anzitutto, la tradizione comune di un unico popolo, al di là di qualsiasi divisione.

Laura

Come i fiori sulla sabbia – Like Flowers in Sand

“All’inizio tua madre era contraria a farti praticare il ssireum. Era la prima volta che litigavamo, ma alla fine mi diede ragione. Ai miei occhi, tu avevi molto più talento dei tuoi fratelli. Non essere precipitoso. Alcuni fiori sbocciano più tardi”.

Qualche volta ci sembra di dover fare tutto in fretta, di dover mostrare per forza risultati, per noi stessi e per le persone che ci vogliono bene, per coloro che tifano per noi, per la nostra famiglia, perché ogni fallimento è un dispiacere doppio, è un susseguirsi di sensi di colpa, di rimpianti e di tormenti, ma, quel tentativo vano di superare noi stessi e le nostre forze, ci deprime, ci stanca e ci abbandona nel baratro dell’inadeguatezza sociale.

Kim Baek-du (un bravissimo Jang Dong-yoon, “Daily Dose of Sunshine”) è un ex lottatore prodigio di ssireum, disciplina sportiva tradizionale coreana che somiglia un po’ al wrestling e alla lotta greco-romana, dove gli avversari, che si fronteggiano all’interno di un grosso ring pieno di sabbia, indossano una cintura (satba) che avvolge vita e coscia e lottano avvinghiati con il tentativo di buttare a terra l’altro, utilizzando la forza di braccia, gambe e dorso.

Kim Baek-du era ritenuto fin da piccolo un prodigio di ssireum perché aveva tecniche e abilità tutte sue, personali, ma in realtà le alte aspettative lo hanno portato a deprimersi e a perdere la stima per se stesso e per le sue capacità, non è mai riuscito a sfondare e ora, a trentadue anni, vorrebbe giocarsi un’ultima occasione per poter trovare riscatto nello sport. Cosa è successo a quel ragazzo prodigio che non è mai riuscito a vincere un titolo nazionale?

La vita.

La sua andatura cadenzata, goffa, dinoccolata, è simbolo della sua lenta resa, di quella pigrizia quasi imposta dal tempo che passa senza una qualsivoglia soddisfazione nella vita, lento cammina per la strada dalla palestra a casa sua, meditando ad un suo ritiro dalla scena sportiva, con la borsa pesantissima che pende da una spalla, ogni tanto accelerando il passo, ogni tanto discutendo con se stesso e dando libero sfogo a strambi monologhi  che riempiono il silenzio, mentre la sua ombra si perde nel colore blu del calar della sera e delle onde del mare della cittadina costiera di Geosan.

Un giorno, però, proprio nella vita di Baek-du ricompare una persona che non vedeva da venti anni e qualcosa accade nella sua esistenza. Una giovane donna misteriosa che cammina per il paese con un ombrello aperto per coprirsi dal sole dell’estate afosa e che è andata ad abitare presso la vecchia casa di Oh Du-sik. La donna si chiama Oh Yoo-kyung (interpretata da Lee Ju-myoung) ed è stata assunta come responsabile del team di gestione del Geosan County Office Ssireum Team. Baek-du, però, riconosce nella donna la sua vecchia amica d’infanzia Oh Du-sik che venti anni prima era stata costretta ad abbandonare la città con la sua famiglia dopo le accuse rivolte al padre relative all’omicidio di un lottatore di ssireum, compagno di squadra del padre della bambina.

L’arrivo della ragazza avviene qualche giorno dopo uno strano incidente dove qualcuno ha perso la vita cadendo con l’auto dentro il lago artificiale, qualcuno legato forse a quello che è successo venti anni prima e che è rimasto irrisolto.

Baek-du, però, non si arrende, appartiene a quella tipologia di persone tenaci che hanno in sé una punta di genuino intuito che loro stessi non riconoscono, per il ragazzo, infatti, Oh Yoo-kyung non è altro che Du-sik, quella bambina che, prima di sparire dalla sua vita e di lasciargli profonda tristezza nel cuore, gli aveva chiesto in lacrime: “Promettimi che sarai un campione da grande e che, quando lo diventerai, ti ricorderai di dire a tutti di me”.

Con la vicinanza della sua compagna di infanzia e con quella vecchia promessa fatta che aveva in sé il potere di un incantesimo, il cuore di Baek-du, rimasto congelato e inerme in qualche momento della sua vita, inizia a scaldarsi, a trovare quella voglia di rivalsa che riesce a tacitare la stanchezza degli anni che passano e delle delusioni. Solo l’esperienza legata alle cadute e ai fallimenti può portare ad una maturità e ad una riconciliazione con se stessi, trovando nella propria fisicità, non più così giovane e scattante, la soluzione a quel senso di inadeguatezza e di sconfitta che ha afflitto la sua esistenza. Lo sport in questo drama è la chiave della rinascita, tutta la città di Geosan ruota attorno al ssireum, alla preparazione per le gare nazionali, ad un senso di equilibrio che ogni personaggio della storia ricerca.

Indimenticabili alcuni personaggi, la madre di Baek-du (Jang Young-nam “Crash Course in Romance”, “It’s Okay to Not Be Okay”) che vede nel figlio le capacità sopite e che cerca di svegliarlo da quel sonno che gli ha affaticato le membra, il silenzio sofferto del padre (Choi Myung-soo, “The Good Bad Mother”) che da ex campione di ssireum avrebbe voluto vedere il successo del figlio, ma a lui viene affidata la frase più importante e commovente del drama con la quale ho iniziato la recensione,  Kwak Jin-soo (Lee Jae-joon) amico e  rivale di lunga data di Baek-doo, ex lottatore di ssireum e ora suo allenatore, la giovane Joo Mi-ran (Kim Bo-ra, “Finland Papa”, “Ghostderella”) la misteriosa proprietaria di una caffetteria in paese, Jo Seok-hee ( Lee Joo-seung, “Happiness”), amico di Baek-du e agente di polizia di Geosan.

“Come i fiori sulla sabbia” è un drama dal magnetismo incredibile, recitato benissimo, con un protagonista interpretato da Jang Dong-yoon che ha superato ogni aspettativa, con dei chili in più, con uno sguardo sempre tra il timido e l’impacciato e intorno a lui quella comunità che regala il senso di coralità che spesso i kdrama riescono a rendere perfettamente.

Una delle migliori serie viste ultimamente, emozioni e valori che scaldano il cuore, personaggi con i quali mi è sembrato di diventare amica, persone comuni, con i loro pregi e difetti a partire dal protagonista, non un supereroe, ma uno stralunato, ingenuo e malinconico ragazzo che deve conquistare la stima di se stesso.

“A volte mi sentivo così. Anche se avevo superato i 30 anni senza rendermene conto, mi sentivo ancora come un bambino di 11 anni, dentro. Pensavo che non ci sarebbero più state giornate belle e felici nella mia vita. Mi sforzavo di non ricordarle.

La vita è imprevedibile. A quanto pare, le giornate più belle e felici della mia vita, sono proprio queste”.

Grazia

Come suona la recensione?

Shinrin yoku – Il bagno nella foresta

“Shinrin yoku” significa letteralmente “bagno nella foresta” e non è solo un concetto, ma una vera e propria filosofia e stile di vita che serve a migliorare la propria esistenza, il proprio modo di vivere.

Negli anni Ottanta l’ente forestale giapponese introdusse il concetto di “Shinrin yoku” per invogliare soprattutto gli abitanti di grandi città come Tokyo, Kyoto e Osaka a staccare per un attimo dal ritmo frenetico della metropoli e a perdersi nella natura, nei boschi fuori dalla città o nelle aree di verde e fare riposare la mente soffocata da stress e da spossatezza fisica e psicologica.

Perdersi nei boschi equivale a immergersi completamente nel verde della natura, un vero e proprio bagno, camminando, venendo a contatto con i profumi del bosco, l’abbraccio degli alberi, il fruscio delle foglie, la luce tenue filtrata tra le fronde, connettersi con una propria dimensione interiore avvalendosi dei benefici della natura, dei colori attorno a sé, per celebrare quella esigenza di silenzio, di percezione di spazi aperti, soprattutto per chi abita e lavora in luoghi chiusi e piccoli.

Nell’ultimo decennio anche molti studi e ricerche mediche hanno valorizzato e riconosciuto i benefici dell’immersione nella natura come positivo per la salute fisica e mentale. La persona che si reca in una foresta e respira profondamente, oltre a curarsi da stress e depressione, ottiene diversi vantaggi a livello di salute fisica, diminuzione di pressione sanguigna e di frequenza cardiaca, maggiore ossigenazione, miglioramento dell’equilibrio psico-fisico con lo stesso effetto dell’aromaterapia anche grazie agli alberi che producono fitoncidi, cioè oli essenziali presenti nel legno e monoterpeni, aromi naturali prodotti dalle piante per proteggersi da virus e parassiti, ma benefici per l’essere umano.

Olfatto, vista e udito e tutta la sfera sensoriale sono piacevolmente colpiti dai vantaggi dello shinrin yoku, ma anche il tatto, che ha il potere percettivo di raccogliere esperienze e ricordi e che, anche a distanza di tempo, ci riporta la sensazione piacevole dell’esperienza tattile delle foglie, dei fili d’erba, proiettando la nostra mente alle emozioni di quell’esperienza vissuta in piena serenità e relax.  

Molti i luoghi in Giappone scelti dalle persone per immergersi nella natura. A venti minuti da Tokyo, ad esempio, uno dei luoghi più ricercati è la valle di Todoroki, che segue il corso del fiume Yazawa, in una passeggiata ci si potrà rilassare nei boschi di bambù, tra sorgenti di acqua naturale, templi antichi e piccoli bar disseminati lungo il cammino dove potersi ristorare soprattutto nelle giornate afose estive.

Ad un’ora di distanza da Tokyo, a Saitama, per gli appassionati dello Studio Ghibli, si trova la foresta che ha ispirato l’ambientazione di “Totoro”, è ormai diventata famosa e molti turisti vanno a visitarla, si tratta di una riserva naturale protetta e incontaminata, tranne per alcuni sentieri escursionistici. Camminando e fermandosi possiamo capire come mai Miyazaki l’abbia scelta per costruire il mondo fantastico delle sorelline Satsuki e Mei e quasi ci aspettiamo di incontrare da un momento all’altro Totoro!

Altra immersione anche a livello di importanza storica e culturale è quella della foresta incontaminata di Miyajima, famosa per flora e fauna, seguendo un percorso di trekking potrete arrivare anche a visitare il santuario di Itsukushima. Durante il cammino potete fermarvi e, come piccolo souvenir, comprarvi un mestolo di legno per prendere il riso, sembra che i mestoli di Miyajima siano i più famosi.

Altro luogo non distante da Tokyo è il monte Takao dove molte persone si concedono una pausa passeggiando tra la natura e dove si può ammirare dall’alto la città di Tokyo per intero.

Anche se non siete in Giappone, comunque, sappiate che dagli anni Ottanta in avanti il concetto di “shinrin yoku” è diventato universale e oggi è accettato in quasi tutto il mondo come percorso di beneficio psicofisico, l’abbandonarsi alla quiete e alla serenità che solo la natura può regalarci e che ci conduce ad un percorso di consapevolezza, mindfulness, che valorizza il bisogno di cura e rispetto di noi stessi.

Adesso ci manca solo da recuperare del tempo per noi stessi e decidere la meta dove immergerci nella natura!

Maria Grazia

Il canto delle haenyeo, le sirene del mare coreano

“Il mare è il posto migliore dove essere, quando si ha qualche problema: è tranquillo e nessuno ti dà fastidio qui”. – Ko Mi-ja (interpretata da Kim Mi-kyung in “Welcome to Samdal-ri”)

Il successo del k-drama Benvenuti a Samdal-ri ha fatto emergere in tutto il mondo la figura della quasi leggendaria pescatrice subacquea dell’isola di Jeju, conosciuta con il nome haenyo e divenuta caratteristica non solo dell’isola a Sud della Corea, ma anche della forza e della resilienza tacita della donne coreane, adattatisi nei secoli a lavori ardui, spesso in sostituzione di uomini costretti ad emigrare.

Mentre l’origine di questa professione naufraga ancora parzialmente nella leggenda, il termine haenyeo (in hangul 해녀 e in hanja 海女) significa letteralmente “donne del mare”, contenendo in sé l’essenza femminile (il radicale 女) e l’immensità della distesa marina con tutta la sua ricchezza di vita e di risorse (il radicale 海) e ammanta queste figure di donne pescatrici quasi di una parvenza lirica. Le prime testimonianze di immersione in acqua, pesca subacquea e apnea sull’isola di Jeju risalgono storicamente al 400 d.C. circa, confermando la propensione degli abitanti dell’isola a mantenersi pescando molluschi, crostacei, alghe e frutti di mare direttamente dal fondo marino. Si reputa che, inizialmente, la maggior parte dei pescatori subacquei fossero uomini, anche in considerazione alla pericolosità del lavoro e alla collocazione marginale della figura della donna. Il cambiamento sociale e demografico, che destabilizzò la Corea durante il XVII secolo, dovuto principalmente alle invasioni giapponesi con relativo arruolamento forzato della popolazione maschile e, successivamente, al vassallaggio coreano nei confronti dell’impero cinese con relativa traduzione in prigionia di un certo numero di forza lavoro maschile, gravò pesantemente sull’isola di Jeju, trasformando la professione di pescatore subacqueo in una tradizione femminile, quasi un sacerdozio rituale e ben catalogato, che le haenyeo trasmettono di madre in figlia, con una rigida scuola. Già durante il XVIII secolo le testimonianze storiografiche citavano che il numero delle donne impiegate in tale attività aveva superato quello degli uomini, anche per presupposti motivi che le avrebbero rese più resistenti alle correnti marine e ai freddi e più propense al galleggiamento.

Tuttavia, la vita delle haenyeo era turbata da eccessive imposizioni fiscali, in quanto lo Stato era ritenuto proprietario di tutta la vita vegetale e animale dei mari e, quindi, doveva essere remunerato di un elevato tributo proveniente dalla pesca delle haenyeo. Questa condizione, da una parte, le rese più esposte ai rischi e a morti precoci (le haenyeo spesso erano costrette ad immergersi a temperatore fredde e a profondità enormi anche durante la gravidanza); dall’altra, contribuì a scardinare il rigido comportamento maschilista derivante dalle regole confuciane dell’entroterra, facendo sorgere un vero e proprio matriarcato, in cui le haenyeo non solo erano coloro che provvedevano al sostentamento della famiglia, ma erano anche coloro che dovevano prendere le decisioni fondamentali per la comunità e a cui era affidato il compito di custodire le tradizioni e i segreti, come i riti misterici dello sciamanesimo. La figura delle haenyeo in questa cultura matriarcale e decentrata, dipendente dalle turbolenze marine e del vento, divenne connessa alla figura della sciamana, che tramandava il proprio potere e la propria comprensione del divino in linea femminile in seno alla famiglia. Era l’haenyeo, in quanto donna del mare, pescatrice volitiva e coraggiosa e sciamana, che ogni anno invocava la Yeondeungsin (영등신), la dèa del vento, colei che contribuiva a rendere ricca o parca la pesca delle haenyeo e che, non a caso, era il fulcro dell’essenza femminile e della forza tacita delle haenyeo stesse. In tutto ciò, infatti, le haenyeo hanno sempre vissuto a contatto diretto con la natura e con i suoi elementi, prendendo solo il necessario, senza spogliare le risorse e mantenendosi in equilibrio perfetto, come delle vere sacerdotesse.

Il matriarcato delle haenyeo divenne preponderante durante il XX secolo, ovvero dopo l’invasione giapponese e la perdita dell’indipendenza coreana, sia per l’eliminazione di dazi e di tributi da versare all’apparato statale Joseon e l’aumento del prezzo di abaloni e altri molluschi di mare al centro del mercato gestito dall’Impero giapponese, sia per una nuova forza che caratterizzò le donne nella loro autoprotezione costante di fronte alle brutalità dell’esercito nipponico. Risalgono a quel momento tradizioni che sono rimaste tuttora intatte sull’Isola di Jeju (e in altre isole coreane, affette dalla cultura haenyeo), tra cui: il dovere per gli uomini di rimanere a casa a prestare le proprie cure ai figli, mentre le mogli si immergevano in acqua per lavoro, ma anche il sovvertimento della tradizione della dote, che non doveva accompagnare la sposa al momento delle nozze, ma lo sposo, lasciando la libertà alla donna di scegliere in base alla ricchezza che il matrimonio poteva portare, e, infine, l’utilizzo da parte delle haenyeo di indumenti molto leggeri e quasi “succinti” per pescare, senza alcuna reprimenda sociale (le mute da sub furono introdotte solo dagli anni ’70, per cui, prima, le haenyeo si immergevano indossando un leggero costume di cotone, oggi divenuto simbolo dell’Isola di Jeju, che, talvolta, non riusciva a nascondere appieno le nudità).

Ancora oggi, nonostante il loro numero sia diminuito fortemente, anche per l’evoluzione di strumenti meccanici e di allevamenti ittici intensivi, le haeneyo iniziano l’addestramento molto giovani (intorno agli 11 anni o, al massimo, 15, mentre è molto raro che possano cominciare da adulte). La scuola, che comprende esercitazioni molto ardue e prove di apnea ed è gestita dalla haenyeo più esperte, dura almeno 7 anni. Dopo l’addestramento, le haenyo si distinguono in base alla propria esperienza e alla propria bravura in hagun (grado inferiore), junggun (grado intermedio) e sanggun (grado superiore).

La cultura delle haenyo fa parte oggi del patrimonio culturale dell’umanità tutelato dall’UNESCO, iscritto dalla Repubblica della Corea del Sud nel 2016, ed è tutelata in un museo appositamente dedicato sull’Isola di Jeju (lo stesso dove si reca il personaggio interpretato da Ji Chang-wook nel drama Benvenuti a Samdal-ri). Potete consultare la scheda Culture of Jeju Haenyeo (women divers) qui per scoprire le pratiche e le tradizioni delle haenyo, che vanno dalla pesca subacquea, alla cura della natura marina, al confezionamento di ceste e alla raccolta di piante e alghe fino alla preparazione di rituali e alla preservazione di tradizioni locali, come i loro canti del mare, che riecheggiano le onde e il verso dei delfini di Jeju.

La figura delle haenyeo è oggi stata portata all’attenzione del grande pubblico anche per essere apparsi in diversi prodotti televisivi, tra cui il già citato drama Benvenuti a Samdal-ri, ma anche Our Blues e Pachinko, in film come My Mother The Mermaid (noto anche con il titolo italiano Mia Madre La Sirena), dove l’attrice Jeon Do-yeon (Crash Course in Romance, A Man and a Woman) interpreta il ruolo della figlia di una haenyeo di Jeju che tenta di ricostruire il passato della madre sull’isola e della stessa madre da giovane. Recentemente, le haenyeo sono diventate protagoniste anche di alcuni romanzi di grande successo, tra cui “Le madri di vento e di sale” di Lisa See e “Figlie del mare” di Mary Lynn Bracht (che tratta anche la tematica delle comfort women in tempo di guerra).

Ma le haenyo sono state anche muse e sirene della poesia tradizionale coreana, figure quasi leggendarie, depositarie della cultura tradizionale e di quel legame, tutto femminile, con la natura, che si trasfonde nella linea dell’orizzonte tra l’azzurro del cielo e il verde acqua del mare.

“A Tongpo vidi delle haenyeo catturare abaloni…in piedi, nella loro
nudità, addentrarsi nelle profondità marine come fossero rane ed
uscirne come fossero uccelli. Non ebbi la forza di osservarle a lungo”.

Disse così di loro lo storico di epoca Joseon Wi Paek Kyu (위백규) nel 1791 nel suo Storia di un viaggio in barca all’isola di Geumdang (in hangul 금당도선유기; in hanja 金塘島船游記). E le consacrò alla storia.

Laura

Benvenuti a Samdal-ri – Ritornare a casa

“Avere un posto a cui tornare è un sollievo incredibile”.

Qualche anno fa, in un giorno da pendolare, sul treno per Milano, si erano seduti accanto a me alcuni bancari che parlavano tra loro, improvvisamente, però, fui attirata da una delle frasi esclamate: “No, la panca non la costruisco qui, lo faccio quando torno a casa. Lì ho il legno che mi serve, tutte le mie cose, c’è anche mia nonna. Sono a casa mia”. Questa frase mi rimase scolpita nella mente perché nel suo tono di voce c’era una carica di speranza e di orgoglio che non immaginava nemmeno lui.

Quando ho iniziato a guardare il drama “Benvenuti a Samdal-ri” ho ripensato a questa frase ascoltata anni fa e pronunciata da uno sconosciuto, perché la bellezza di questo mondo è che siamo tutti diversi, ma alla fine i sentimenti e le emozioni sono davvero universali.

Ritornare a casa, tornare nella propria città natale, per ricaricarsi, per ritrovare se stessi, per pensare a quel tempo trascorso che ci ha allontanato dai nostri pensieri, ma il ritorno non è una resa, è una riconquista di noi stessi, ha una funzione terapeutica come lo è questo comfort drama.

“Voglio essere un drago che si leva da un ruscello. Da grande cercherò una perla magica sul continente”. (Cho Sam-dal)

Cho Sam-dal (la sempre bravissima, Shin Hye Sun “Thirty but Seventeen”, “See You in My 19th Life”, “Angel’s Last Mission Love”) è una fotografa affermata e conosciuta nel suo mondo del lavoro con lo pseudonimo di Cho Eun-hye, è arrivata all’apice della carriera dopo anni di gavetta e dopo anni in cui ha concentrato tutta la sua vita nel costruire la sua professione e realizzare il proprio sogno, anche dopo aver fatto mille sacrifici, aver sopportato rimproveri, ammonizioni, senza fermarsi mai, lavorando giorno e notte, saltando pasti e gravando sul sonno, perché Sam-dal, originaria di Jeju è il drago che si è levato dal ruscello e da grande è arrivata sul continente per cercare quella perla magica che sognava già da bambina.

Sam-dal a Seoul vive con le sorelle, la maggiore, Cho Jin-dal (Shin Dong-mi, “It’s Beautiful Now”), ex assistente di volo, divorziata, onesta e coraggiosa che ha causato una tempesta nella famiglia ricca dell’ex marito accusandola di abuso di potere  e  la minore Cho Hae-dal ( Kang Mi-na, “I misteri del Caffè Minamdang”, “Hotel del Luna”) , vedova e madre di una bambina di nove anni, Cha Ha-yu (interpretata dalla adorabile Kim Do-eun che ha impreziosito la storia del drama).

Un giorno, la vita di Sam-dal viene investita da un vortice di cattiveria, una pioggia di calunnie e di diffamazioni che dilagano nella sua vita e in quella delle sorelle in modo talmente violento da far prendere loro la decisione di andare via e allontanarsi da Seoul, prendere un volo e tornare al loro paese, Samdal-ri.

Nella sua casa natale Sam-dal spera di rifugiarsi, di allontanare quello stato di disperazione che l’ha fatta sentire inerme davanti a tutti, nel tentativo di ricaricare le forze e cercare di riuscire a dimostrare la propria innocenza, dopo l’accusa di abuso di potere e di maltrattamenti ai danni di una collega di lavoro che ha tentato il suicidio. Un’accusa ingiusta per Sam-dal che non ha mai trattato male nessuno dei suoi colleghi, anzi è sempre stata comprensiva anche perché ha vissuto in prima persona lo stress da lavoro e i sacrifici degli anni passati.

All’inizio crede di riuscire a nascondersi a casa, ma la comunità, quella di Samdal-ri, la riconosce e, dopo aver creduto alla sua innocenza, la protegge e la culla come le onde del mare di Jeju, come i colori e la natura che abbracciano ogni momento della giornata, scandito da un ritmo molto più sereno e rilassante di quello lasciato in città. La comunità rappresentata soprattutto dalle haenyeo, le donne di Jeju, sommozzatrici, dedite alla raccolta di molluschi e alghe che rappresentano da sempre la struttura familiare semi-patriarcale della provincia stessa e la madre di Sam-dal, Go Mi-ja (una splendida e toccante interpretazione di Kim Mi-kyung, “Healer”) ne è la testimonianza.

Sam-dal inizia a rilassarsi e a ristorare la propria anima nella sua permanenza, anche se, in realtà, c’è qualcuno che non vorrebbe incontrare, una persona con la quale ha interrotto ogni contatto otto anni prima, Cho Yong-pil (un perfetto e malinconico Ji Chang-wook in una delle sue interpretazioni più sentite), amico d’infanzia ed ex fidanzato della ragazza.

“Allora avevamo ancora la frivolezza dei bambini. Lei sognava di levarsi da un piccolo ruscello come un drago, Lui di diventare il piccolo ruscello di lei.  Ma quando quella frivolezza scompare, lui e lei se ne renderanno conto? Forse un sogno è più bello quando resta tale”.

Cosa è successo otto anni prima? Cosa ha diviso per sempre i due ragazzi che fin da piccoli sono sempre stati legati?

Yong-pil, che lavora presso il centro di meteorologia di Jeju, non ha mai dimenticato Sam-dal, ha trascorso ogni giorno degli ultimi otto anni tra il lavoro, lo stare accanto al padre, rimasto vedovo venti anni prima e l’amore per la sua terra, avendo premura della vita delle haenyeo, soprattutto di Go Mi-ja che lui tratta da madre e che era la migliore amica di sua madre, morta in un incidente in mare durante il lavoro. Da allora Yong-pil è come un custode delle haenyeo, ha deciso di specializzarsi in meteorologia per dare il proprio contributo e cercare di non sbagliare mai alcuna previsione per la sicurezza delle persone.

Yong- pil, “il piccolo ruscello di lei”, che conserva ancora un vecchio gomitolo di lana rossa (non a caso il colore) che rappresenta i giorni felici con Sam-dal, la quale non appena rivede il suo vecchio amico e fidanzato inizia a provare quei sentimenti che erano solo sopiti, ma che sono rimasti immutati. La chimica tra i due protagonisti dona alla storia un’intensità e un valore in più che ci faranno affezionare al loro presente, ma anche al loro passato e ci faranno sperare in un futuro insieme.

Pian piano Sam-dal si riavvicinerà a Yong-pil e così al gruppo dei suoi vecchi amici d’ infanzia che uno alla volta, negli anni passati, dopo aver cercato di realizzare i propri sogni sul continente, sono tornati nella propria casa natale per trovare quella serenità che ora sta provando la ragazza.

La sussidiarietà della comunità, l’affetto della famiglia e degli amici, l’amore di Yong-pil, contribuiranno alla guarigione di Sam-dal, alla riappacificazione con se stessa, a ritrovare la propria forza e il coraggio.

“Una volta Yong -pil mi ha detto che nessun drago può levarsi da un ruscello da solo. Gli serve aiuto dai cobiti, dai pesci mandarino e dalle rane. Ci vuole un villaggio per crescere un drago”.

E nel suo paese natale Sam-dal riprenderà in mano la macchina fotografica e lì organizzerà, con il suo vero nome, la mostra più intimista, più bella mai fatta, perché, finalmente, ha ritrovato il posto dove essere se stessa, la sua città, la sua gente. Guardandosi intorno trova in loro se stessa e il suo percorso dentro di loro. 

Una storia che riempie il cuore e che ci spinge a fermarci per un attimo in questo mondo che continua a cambiare ogni giorno, fermarci per pensare e tornare nella nostra casa, tra i nostri affetti che non ci hanno mai voltato le spalle e che quando si è stanchi e spossati ti capiscono e ti chiedono come stai, perché:

“Ogni volta che ci manca il respiro, torniamo al posto di sempre.

Al nostro piccolo ruscello, Samdal-ri”.

Grazia

Come suona la recensione?

Strangers from Hell (ovvero: l’inferno dei vivi)

“Gli umani sono gli esseri più spaventosi”.

Avvertenza necessaria: questo non è un drama per tutti i palati e/o per tutti gli stomaci. Tutt’al più che, a parlare di palati e di stomaci, mi sento quasi in colpa, a giudicare da ciò che avviene all’interno della trama. Ma, soprattutto, Strangers from Hell (타인은 지옥이다, anche noto col titolo Hell is Other People, ispirato all’omonimo webtoon di Kim Yong-ki) non è quel drama che può farvi passare piacevolmente notti insonni per scoprire se i protagonisti prendono quella determinata decisione per la propria felicità, perché, se di un’insonnia si può parlare qui dentro, si tratta di un lento e abissale incubo capace di trascinarvi nel ventre della notte e, poi, nei meandri più cupi della mente umana. Però, se non avete timore di horror/thriller inquietanti e psicologici, non vi sconvolge il sangue e le nefandezze umane e non vi hanno impressionato, in genere, saghe truculente in stile Hannibal, allora potete continuare a leggere questa recensione e iniziare a pensare ad un diversivo valido e di grande valore al classico romance che imperversa ovunque, supportato da due interpretazioni straordinarie di Im Si-wan (Run On, Summer Strike, Unlocked) e Lee Dong-wook (Goblin, Bad and Crazy, Tale of the Nine-Tailed), l’uno la nemesi dell’altro, l’opposto e il suo naturale completamento, che si fondono insieme e si annullano. E accendete alto lo stereo, ché la colonna sonora è composta dai The Rose e si ascolta a tutto volume.

Yoon Jong-woo (Im Si-wan) è un giovane laureato disoccupato, che arriva a Seoul, dove vive e lavora già la sua fidanzata Min Ji-eun (Kim Ji-eun di Again My Life e One Dollar Lawyer). Nonostante sia stato una promessa letteraria all’università, la carenza di conoscenze adeguate, la lunga pausa dovuta al servizio di leva e le ristrettezze economiche lo portano ad accontentarsi di un vessatissimo posto come stagista nella start-up di un vecchio compagno di studi, Shin Jae-ho (Cha Rae-hyoung di Hunt), mentre, non avendo soldi sufficienti per la caparra d’affitto, va ad alloggiare nel goshiwon della signora Eom Bok-soon (inquietante e comica, al tempo stesso, Lee Jung-eun di Parasite, Daily Dose of Sunshine e When the Camellia Blooms).

Penso che, a questo punto, tutti gli spettatori vorrebbero urlare a Jong-woo di fuggire lontano mille miglia, viste le condizioni del goshiwon, i bagni sporchi in comune, gli insetti e la cattiva pulizia delle stanze, le cose andate a male nel frigo, le pareti di carta e le porte che non si chiudono. Solo che Jong-woo è determinato a resistere almeno sei mesi, in modo da avere i soldi per affittare un vero appartamento, e, per questo motivo, decide di sopportare sia la strana ilarità della signora Eom, sia il fatiscente ostello, sia, infine, gli strani ospiti che lì vi vivono: i gemelli Byeon Deuk-jong e Byeon Deuk-soo (entrambi interpretati magistralmente da Park Jong-hwan, visto anche in Concrete Utopia), apparentemente due soggetti con un basso Q.I. e un riconosciuto ritardo mentale, noti al vicinato come piromani e uccisori anonimi di gatti; il maniaco Hong Nam-bok (altro personaggio inquietante interpretato da Lee Jong-ok, visto anche in Strong Girl Nam-soon), un imprenditore fallito, condannato agli arresti domiciliari – con tanto di braccialetto alla caviglia – per crimini sessuali e che guarda porno 24 ore su 24 con la porta aperta della stanza; lo schizofrenico Yoo Gi-hyeok (interpretato da Lee Hyun-wook, già villain di Song for the Bandits), che gioca con coltelli e accetta e minaccia continuamente il protagonista di morte assicurata; il malavitoso Ahn Hee-joong (il caratterista del momento Hyun Bong-sik, anche in Gyeongseong Creature e Destined with You), un noto criminale che si è rifugiato nell’anonimato per non farsi trovare da polizia e da bande che ha truffato.

In questo clima di pazzi, dove avvengono cose strane e aleggia un costante mistero, Jung-woo si sente continuamente minacciato, costantemente sulla difensiva e pronto ad attaccare chiunque gli voglia fare del male. Solo una persona sembra capirlo all’interno di questo oscuro goshiwon, Seo Moon-jo (grandioso nel bene e nel male Lee Dong-wook), un dentista pallido e allampanato, che ama vestirsi di bianco anche quando il suo lavoro non lo richiederebbe e che ha un’idea assolutamente estetica del crimine (e dell’antropofagia). Perché, naturalmente, tanto per non farsi ingannare dalle apparenze, in realtà, il dentista è il vero capo della piccola e squallida umanità criminale che vive nel goshiwon, tutti atrocemente emuli delle sue gesta, tutti riluttanti servitori dipendenti dalle sue richieste, ivi compreso il fatto di lasciare vivo Jung-woo, in cui il dentista vede un possibile allievo ed erede.

Perché forse nessuno vede quello che vede il dentista nell’esile e nervosa figura di Jung-woo e che risiede nelle oscurità della sua coscienza, in quelle plaghe buie dell’anima, in quel sottosuolo dostoevskjano che tutti vorremmo (e dovremmo) placare. Ci sono delle voragini profonde, insidiate nell’animo di Jung-woo e disseminate nei propri ricordi, delle forti emozioni di incosciente rabbia, quell’ira cieca che si vorrebbe urlare al mondo e che fa serrare i pugni e la mascella nel tentativo di trattenerla. Un vortice nascosto che solo il dentista riesce ad intuire: “In realtà, è meglio dire ciò che vuoi e comportarti come vuoi, invece di borbottare dentro te tutto: è molto più umano, non credi?”.

Nel frattempo, allertata da Jung-woo e unica a rendersi conto di strane e inquietanti sparizioni nei pressi di quell’oscuro goshiwon, la poliziotta So Jung-hwa (bravissima e sempre più convincente Ahn Eun-jin di The Good Bad Mother e My Dearest) inizia ad indagare sulle attività connesse agli abitanti del goshiwon e, in particolare, sul ruolo del dentista, intuendo in parte la sua ossessiva influenza verso Jung-woo.

Senza fare spoiler, posso dire che il finale è in parte quello che lo spettatore può aspettarsi e forse anche sperare. Perlomeno, così pare ad una primissima lettura, perché, in realtà, c’è molto di più, con quella dose di inaspettato e di sconvolgente che lascia senza parole e che dall’oscuro legame della rabbia fa passare a quell’altrettanto oscuro legame della creazione, quel filo di amore/odio che unisce il creatore alla propria creatura. Jung-woo è, anzitutto, uno scrittore o, perlomeno, tale vorrebbe diventare e tenta di portare avanti la stesura del suo romanzo giallo, ambientato in un goshiwon pieno di criminali e assassini: crea parole, fatti ed eventi, che sconfinano in uno spazio sospeso tra la finzione e la realtà, spazio occupato dalle pagine di un libro e dalle parole che scorrono veloci e senza comando (come quel “Muori” o “Uccidi” ripetuto nella schermata del suo portatile, come un ordine automatico che attiva il cervello). Moon-jo è, a modo suo, un creatore: costruisce protesi, ricostruisce denti e montature o le cambia completamente, ma, al tempo stesso, crea incubi che si insidiano nella psiche di coloro con cui vuole rapportarsi, tanto da diventare egli stesso un incubo, indipendentemente se sia o meno una figura reale, quel demone sospeso nel vuoto di un sogno tetro, che diventa costante oppressione, come nelle opere di Fuessli.

Ma è Jung-woo ad aver creato l’idea ipnotica di incubo che si personifica in Moon-jo o, al contrario, è Moon-jo a creare la nevrosi e la psicosi persistente destinate a trasformare per sempre l’animo di Jung-woo? In questo rapporto titanico che quasi riecheggia Frankenstein (soprattutto nel confronto tra i due durante l’ultimo episodio), creatore e creatura sfumano i propri contorni e si confondono fino a creare una quasi totale identificazione in un’etica malevola e agghiacciante, ma anche perfettamente estetica. “Lo so, tesoro. Sei il più grande capolavoro che abbia mai creato“, sussurra ogni notte Moon-jo a Jung-woo mentre sta dormendo.

Frankenstein, però, non è l’unico riferimento letterario che questo drama cela nella sua trama, anche se forse è quello che risalta di più agli occhi dello spettatore con quell’ossessivo rapporto morboso tra creatore e creatura. Il titolo che ha ispirato l’opera di Kim Yong-ki, infatti, si rifà ad una disambiguazione di una frase presente nell’opera teatrale di Jean-Paul Sartre A porte chiuse: “L’inferno sono gli altri” (ovvero “Hell is Other People“, il secondo titolo con cui è noto il webtoon, poi diventato drama). Per la verità, l’inferno sartriano è costituito da piccole cellette o stanze buie e prive di aria, in cui sono condannati a vivere per l’eternità i suoi tre protagonisti, in modo tale da essere l’uno carnefice e vittima al tempo stesso dell’altro, in un circolo vizioso di insofferente molestia, che rappresenta l’onnipresente giudizio della società, quel muro (per citare un’altra opera sartriana) che irrompe prepotente ad emarginare e limitare la libertà e che diventa, poi, il concetto stesso di condanna alla libertà (“Noi siamo condannati ad essere liberi“). Nelle parole di Garçin, uno dei personaggi dell’opera sartriana, sembra, in effetti, palese il rimando al ragionamento insonne e pieno di incubi di Jung-woo nel drama e la propria ammissione della tendenza buia del proprio carattere, quei meandri oscuri del sottosuolo della sua anima: “Niente palpebre, niente sonno, è un tutt’uno. Ma come farò a sopportarmi? Io ho un carattere molesto, e pensi un po’… ho l’abitudine di molestarmi. Ma io non posso molestarmi senza sosta. Laggiù, almeno, c’erano le notti. Avevo il sonno pesante. Per compensazione”.

Altro riferimento letterario molto palese è con il racconto lungo (o romanzo breve) La Metamorfosi di Franz Kafka, l’unico libro veramente citato all’interno del webtoon/drama, lettura costante del dentista Moon-jo, colui che ha già subito la metamorfosi del suo intimo e che è, al tempo stesso, scarafaggio e umano, mentre tenta di far realizzare a Jung-woo la sua vera natura: non a caso, la scena della lettura del libro alle sue vittime incatenate è segno di un auto svelamento di se stesso, una metamorfosi che si dispiega nelle pagine della letteratura, perché impossibile da notare nella società che è “sartrianamente” condannata ad una falsa e molesta libertà.

Nota finale: nella realtà, i goshiwon non sono dei luoghi così spaventosi come sembrano apparire in questo drama; più simili ad una via di mezzo tra pensione e ostello, di solito prevedono stanze molto piccole (di 8/12 metri quadri, se comprensive di bagno interno, anche di 4 metri quadri, se con i servizi in comune), una cucina accessibile da parte di tutti e alcuni spazi comuni (come le terrazze) e servono spesso da alloggi per universitari, per i più poveri o anche per coloro che si stanno preparando per il concorso pubblico, a causa delle loro condizioni economiche vantaggiose (quasi tutti gli affitti di case in Corea prevedono l’accensione di un vero e proprio mutuo in banca e il versamento di una caparra consistente, che possono essere evitate nei goshiwon) e anche a causa della loro fama di isolamento, per cui raramente gli abitanti socializzano fra loro e ciò permette momenti di solitudine per chi deve studiare. Ecco, forse non è la prima scelta che consiglio per un possibile soggiorno coreano, ma, in ogni caso, voglio tranquillizzare sul fatto che non c’è nulla da temere nei goshiwon. Negli studi dentistici, invece, un po’ sì.

P.S.: piccolo cameo di Noh Jon-hyun (Duty after School); si piange, ma ne vale la pena.

Laura

Come suona la recensione?

Heidi

Nel dicembre del 2016 intrapresi un viaggio di qualche giorno per andare a visitare alcuni mercatini di Natale in Germania e per vedere finalmente il famoso castello di Neuschwanstein. Durante il viaggio di andata il mio pullman fece sosta in un’area di servizio svizzera dove già l’aria rarefatta di montagna riempiva i polmoni di noi viaggiatori scesi dal mezzo. Quando entrai nell’area di servizio vidi che il bancone del bar, l’angolo dell’edicola e persino l’indicazione della toilette erano segnalati da grandi cartelli con le immagini dell’anime “Heidi” e così scoprii che ero a pochi chilometri dalla casa di Heidi o, per lo meno, dai luoghi che avevano ispirato la scrittrice Johanna Spyri per la creazione del suo romanzo più famoso e di un personaggio letterario rimasto nel cuore di moltissime persone e che, forse, la stessa Spyri non avrebbe mai immaginato che le avventure della sua Heidi avrebbero un giorno attirato l’attenzione di uno studio di animazione giapponese a più di settant’anni dalla sua morte.

Nell’estate del 1973 Isao Takahata e Hayao Miyazaki (che fonderanno più avanti lo Studio Ghibli) e il character designer Yoichi Kotabe (che sarebbe poi diventato famoso come illustratore ufficiale di “Super Mario”), per conto dello studioZuiyo Eizo, si recarono in Svizzera per poter studiare meglio le location per la serie che stavano preparando, si trattava di “Heidi” che già dalla fine degli anni ’60 era in progetto. Sostarono un paio di giorni a Maienfeld, comune di circa tremila abitanti nel Canton Grigioni dove oggi tra i monumenti visitati c’è la “Heididorf”, nella frazione Rofels, cioè la “casa- museo” di Heidi dove la scrittrice Johanna Spyri aveva la casa di vacanza dei nonni e che ha ispirato la storia del romanzo.

Miyazaki, Takahata e Kotabe alloggiarono presso il rifugio Heidialp che venne preso come ispirazione per la baita del nonno di Heidi. Si dice che, in quei giorni, in un negozietto di souvenir locale, Kotabe vide una statuetta di legno e abbozzò così l’immagine del nonno della protagonista. Qualche giorno dopo si recarono a Francoforte, luogo dove è ambientata una parte della storia del romanzo, il luogo di residenza di Clara dove Heidi abita per un periodo della sua infanzia.

Sembra che per la casa di Clara si siano ispirati alla casa di Goethe a Francoforte, così come il famoso campanile ripreso in una delle scene più delicate e nostalgiche dell’anime: quando Heidi sale fino a sopra per cercare di scorgere le sue amate montagne che le mancano tanto.

Nel 1880 la scrittrice Johanna Spyri pubblicò Heidi, il 6 gennaio 1974 in Giappone andò in onda su Fuji television il primo episodio della serie animata Heidi e fu un grande successo che era destinato a dilagare non solo in Giappone, ma in tutta l’Asia, in Europa e in Sud America e fu tradotto in tante lingue.

La storia di Heidi, ambientata sulle Alpi svizzere, è nota, ma fa sempre piacere rileggerla attraverso quelle che sono le immagini diventate iconiche. La piccola Heidi, rimasta orfana molto presto, viene cresciuta dalla zia materna Dete che si occupa di lei fino all’età di cinque anni, ma quando la zia trova lavoro a Francoforte, non potendo più curare la bambina, la lascia all’unico parente vivente, il nonno paterno, un anziano burbero e misantropo chiamato “il Vecchio dell’Alpe” che abita in una baita in montagna presso Maienfeld, lontano da tutti, scendendo in paese poche volte l’anno solo per fare provviste.

Il nonno di Heidi accoglie la bambina di controvoglia, ma presto si affezionerà alla sua presenza allegra, entusiasta, un’anima semplice che riempie le sue giornate monotone di domande, della meraviglia mai scontata, di affetto e di ricchezza di sentimenti. Heidi si affeziona da subito alle montagne, un richiamo ancestrale che la attrae e la fa abituare subito alla nuova vita, alla natura incontaminata, ai cieli infiniti, alla neve, agli animali, alla scoperta delle bellezze del creato. Conosce Peter, un pastorello che ogni giorno porta al pascolo le capre degli abitanti del paese compreso le due caprette del nonno. Heidi, incuriosita dell’attività di Peter, si impone nelle abitudini quotidiane del bambino, nelle sue attività di montagna, imparerà ad occuparsi del pascolo, a riconoscere fiori ed erbe, a leggere il giorno attraverso lo spostamento delle nuvole e la luce del sole.

Un giorno, però, la zia Date torna a riprendere la bambina per portarla con sé a Francoforte dove Heidi potrà vivere a casa della famiglia Sesemann e fare da “dama di compagnia” a Clara, una ragazzina di dodici anni costretta su una sedia a rotelle dopo aver contratto da piccola la poliomielite. Heidi viene costretta a lasciare in lacrime il nonno e le sue amate montagne e la sua vita a Francoforte, così diversa dagli spazi aperti ai quali si era abituata, diventa una sofferenza. Prova da subito simpatia per Clara, ma fa fatica ad abituarsi alla nuova vita cittadina, alla signorina Rottenmeier, arcigna governante e istitutrice di Clara che con il suo carattere severo non fa altro che riprendere e sgridare continuamente la bambina. 

Clara, invece, si affeziona molto alla presenza di Heidi, sua unica amica, suo sguardo nel mondo, in un mondo che non conosce se non solo nei suoi libri, le montagne descritte dalla sua piccola amica, invece, sono così vive e meravigliose che la fanno sognare, le fanno desiderare una vita diversa, un soffio di libertà, sensazione per Clara quasi impossibile da percepire nella sua vita ritirata e chiusa, dove anche un alito di vento potrebbe spezzarla. La nonna Sesemann, che ogni tanto viene a trovare la nipote per le due bambine, diventa subito una compagna di giochi, una persona che porta allegria in quella casa bellissima, grande, ma così immensamente grigia. Nonna Sesemann è tra le poche persone che comprende la sofferenza di Heidi per la lontananza e la nostalgia di casa. Ricordo da piccola di aver compreso il senso di nostalgia e di depressione per la lontananza di casa e degli affetti proprio in questi episodi di Heidi che mi avevano colpito moltissimo perché l’anime riesce a far percepire allo spettatore ogni emozione.  

Episodio molto toccante è quando Heidi, dopo che la signorina Rottenmeier le impedisce di esprimere la propria gioia nel raccontare del nonno, di Peter e dei pascoli, reprime i suoi pensieri e inizia a soffrire di sonnambulismo per la tanta sofferenza che implode in lei.

Così, come Heidi è stata da aiuto a Clara che si è sentita incoraggiata a vivere, arriverà anche il momento per la bambina delle Alpi di tornare a casa riuscendo a convincere il padre di Clara a lasciarla andare, per rivedere le sue montagne e per riabbracciare il nonno. La missione di Heidi continuerà perché Clara andrà a trovare in estate la sua piccola amica là dove non avrebbe mai immaginato, in montagna a imparare a respirare, a sentirsi libera, a trovare il coraggio di andare avanti e di migliorare per guarire.

Heidi è una storia di formazione, una storia che può sembrare semplice, ma che è ricca di bellezza, la bellezza della meraviglia, quella provata costantemente dalla piccola protagonista che cresce insieme alla natura e la sensibile regia di Isao Takahata come sempre è riuscita a cogliere la magia di questa storia e a renderla senza tempo perché anche oggi quando riguardiamo gli episodi dell’anime ci sembra di ritrovare una persona amica che è sempre un piacere rivedere.

Ambientazioni e fondali di “Heidi” hanno fatto scuola anche per i successivi lavori e autori che si sono cimentati a trattare serie animate ispirate a libri per l’infanzia, il progetto World Masterpiece Theater (che aveva lo scopo di recuperare opere mondiali di letteratura dell’infanzia) nasce a seguito del successo di Heidi che in Giappone venne trasmesso per un anno intero dal 6 gennaio al 29 dicembre 1974. In Italia, invece, abbiamo atteso il 1978, ma il successo fu talmente tanto che tra il 1978 e il 1979 sempre nel nostro Paese la serie fu rimontata in tre lungometraggi che uscirono al cinema con i titoli, “Heidi in città”, “Heidi torna tra i monti”, “Heidi a scuola”. La famosissima sigla di apertura fu cantata da Elisabetta Viviani e ancora oggi è conosciuta da intere generazioni.

Quest’anno Heidi compie 50 anni e volevo renderle omaggio con un articolo dedicato a questo anime senza tempo che ha incantato milioni di persone, che ha fatto ridere e commuovere gli spettatori di ogni età, che ci ha regalato il colore del cielo più bello mai visto in un cartone animato, dall’azzurro limpido al color carta da zucchero dove perdersi tra le nuvole bianche in mezzo alle montagne, in un momento della nostra infanzia in cui abbiamo lasciato il nostro cuore nella meraviglia del mondo osservato come solo un bambino sa fare, come solo lo sguardo incantato può percepire.

Grazia

Come suona questa recensione?

Witch at Court

I legal drama sono una delle mie passioni, mi piace conoscere casi e comprendere situazioni che non avrei l’opportunità di affrontare in altri drama e che mi permettono di capire ancora meglio l’animo delle persone, perché si dice che di fronte alla giustizia e alla morte ogni persona mostra davvero se stessa, le proprie paure e le proprie debolezze.

Quando mi sono imbattuta in “Witch at Court” ho capito subito che la trama mi avrebbe preso a tal punto da guardare un episodio dietro l’altro senza riuscire a smettere, perché il filo conduttore, di grande attualità, riguarda la tematica femminile e quella dei minori, si parla, infatti, di crimini e di violenze contro donne e bambini.

Ma Yi-deum, interpretata da una bravissima Jung Ryeo-won (“Wok of Love”) è una procuratrice schietta e determinata, dall’esperienza eccezionale che non si limita a usare tecniche e modi di agire drastici pur di vincere le cause, ricorrendo spesso a spergiuri, fabbricazione di prove e indagini particolari. E’ reputata da tutti come una persona preparata, ma dal carattere impossibile in quanto sarcastica, egoista, carrierista, ma nessuno sa che nel passato di Yi-deum c’è una tragedia che ha fatto indurire il suo animo: quando era adolescente la madre sparì, dopo aver fatto da testimone per degli abusi sul lavoro.

Da allora Yi-deum ha concentrato tutte le sue forze e le sue capacità nello studio, e, pur avendo umili origini e poco aiuto economico, è riuscita meritatamente a laurearsi e a fare carriera nel ramo della legge.

Un giorno, dopo una causa abbastanza travagliata, Yi-deum, viene trasferita in una divisione speciale che si occupa di casi delicati come quelli di violenza sessuale ai danni di donne e abusi su minori. La ragazza, che fino ad allora ha sempre dimostrato un comportamento distaccato nei confronti di ogni causa affrontata, dovrà, all’inizio in modo molto riluttante, fare i conti con delle situazioni che metteranno a dura prova sensibilità ed emotività.

A capo della divisione speciale, il procuratore Min Ji-sook (interpretata dalla sempre brava Kim Yeo-jin, “Vincenzo”, “Itaewon Class”) che ha creato lei stessa questa divisione speciale per aiutare sempre più vittime e che venti anni prima aveva indagato sul caso di violenze sul lavoro del sovrintendente Jo Gap-soo, ma che per mancanza di prove sufficienti non era riuscita a farlo condannare.

All’interno della divisione speciale Yi-deum dovrà interfacciarsi con nuovi colleghi, soprattutto con Yeo Jin-wook (interpretato da Yoon Hyun-min, “My Holo Love”, “Bo-ra! Deborah”), un ex psichiatra pediatrico che, dopo un’esperienza che lo ha sconvolto a livello umano, ha deciso di studiare giurisprudenza e intraprendere una nuova professione, per cui è ai suoi primi anni da procuratore. Yeo Jin-wook ha un atteggiamento diverso nei confronti dei casi, delle vittime e delle procedure rispetto a Yi-deum. Jin-wook si fa facilmente coinvolgere a livello emotivo e prova empatia nei confronti delle vittime, cercando di essere vicino loro in ogni momento di preparazione per affrontare il processo. Yi-deum e Ji-wook si scontreranno spesso, ma pian piano riusciranno a capirsi e da un rapporto di profonda stima crescerà anche un sentimento di fiducia e di comprensione, soprattutto dopo che Ji-wook verrà a conoscenza della storia drammatica nel passato della collega.

Quasi in ogni episodio una storia diversa in cui la tematica della violenza e degli abusi è affrontata in modo delicato, ma senza togliere la drammaticità e il dolore che ogni vittima deve affrontare fino in tribunale e le cicatrici che rimarranno a vita in ognuno di loro.

Il filo conduttore del drama, però, è quello legato alla protagonista, al suo passato, alla scomparsa della madre e a Jo Gap-soo (interpretato da Jun Kwang-ryul), personaggio spregevole a cui, a causa dell’attivismo del padre contrario al governo dell’epoca, è stato impedito di diventare pubblico ministero, così che, dopo la carriera in polizia e dopo anni di accuse e violenze ai danni di gente innocente senza prove e testimoni, viene eletto come membro dell’Assemblea nazionale e si candida alla carica di sindaco di Yeong-pa.

“Witch at Court” è un legal drama davvero spettacolare con delle interpretazioni meravigliose, dai protagonisti ai secondari, alcuni episodi sono davvero complessi, emotivamente devastanti e lasciano il magone, ma la coppia protagonista riesce anche a stemperare i momenti di profonda drammaticità e sofferenza che vengono presentati in molte situazioni affrontate, dove spesso violenza fisica e psicologica catalizzano l’attenzione dello spettatore che riflette e si addolora per le vittime. Personalmente sono stata molto turbata dall’episodio dove la protagonista è una minorenne, dai sadismi sul luogo di lavoro e dalla descrizione realistica del male e di una società pervasa da sentimenti di disillusione e distacco che anche noi possiamo tristemente vedere ogni giorno nelle cronache di femminicidi e di violenza.

Consigliato per sensibilizzare ancora di più su argomenti di grande attualità, ma anche per guardare un legal drama diretto bene e interpretato magistralmente.

Piccola nota, Jung Ryeo-won e Yoon Hyun-min sono stati premiati nel 2017 come migliore coppia dell’anno in un drama e, a mio parere, meritatamente.

Grazia

Come suona la nostra recensione?

Onimusha – La saga del samurai che lotta contro gli zombie

“Non esiste nessuna battaglia che abbia senso”.

Appassionati di videogiochi e PS2, è arrivato il vostro momento! Sicuramente non mancherà nelle vostre nozioni questa saga videoludica creata da Capcom nel 2001 e che ha venduto milioni di copie fino al 2017. Basata sulla storia di un Giappone feudale con la figura centrale di un samurai senza paura e senza remore che lotta contro qualsiasi creatura infernale, la saga fu inizialmente elaborata sullo stesso filone di Resident Evil, che spopolava tra gli anni ’90 e gli anni 2000, fino a raggiungere un’autonomia tutta sua con la trilogia Onimusha – Warlords, Onimusha 2 – Samurai’s Destiny e Onimusha 3 – Demon Siege, il seguito Onimusha – Dawn of Dreams e la raccolta Onimusha Essentials. In tutto ciò, però, sembrava che il prodotto dovesse rimanere confinato solo alla console dei giochi, fino a quando Netflix non ha annunciato una trasposizione in una serie anime, prodotta da Takashi Miike (che, per intenderci, è il regista di 13 Assassini e L’ultimo Yakuza) e con la colonna sonora dei Maneskin (la famosa “The Loneliest”).

La trama dell’anime Onimusha (鬼武者) inizia nel periodo Edo, dominato dalle lotte tra samurai, dal predominio dello shogunato e dalla frammentazione del Giappone feudale. Praticamente, il classico scenario conosciuto dai film di Akira Kurosawa e dalle leggende. Solo che, in questo caso, ci sono gli zombie. E non sono gli unici mostri, visto che il mondo magico e demoniaco sembrano trovare un ambiente proprio. Protagonista il leggendario samurai Musashi Miyamoto, personaggio storico realmente esistito che visse nel XVI-XVII secolo e che ha inspirato sia la letteratura giapponese classica, che quella pop moderna. Musashi può contare non solo sulla sua superiorità come spadaccino e sulle sue abilità, ma anche sull’utilizzo di un guanto magico, denominato Oni, che gli conferisce poteri sovrumani, perché forgiato con formule mistiche. Per questo motivo, i samurai che si oppongono a lui lo definiscono un demone e, in effetti, lo stesso Musashi non sa nemmeno più cosa è veramente, se può considerarsi ancora un samurai o uno spadaccino assetato di sangue che lavora su commissione, né sa se può essere definito umano o mostro.

Le sue discussioni esistenziali si intrecciano con l’avventura di una ragazzina, che, come in Léon, assume Musashi per fare luce sul mistero della morte dei suoi genitori e con le avventure di una serie di persone che domandano al samurai con l’Oni magico di prestare loro soccorso da un’orda malefica di creature non ben definite, che, in apparenza, all’inizio, sembrano zombie, salvo, poi, diventare dei veri e propri demoni (con quattro braccia, ma con un cervello diabolicamente umano e astuto per sterminare la popolazione), capeggiati dal super cattivo Iemon.

E qui devo ammettere che, ad un certo punto, al di là dei minuti di azione senza sosta e di rumori molesti ovunque, accompagnati da uccisioni e spargimenti di sangue, non ho più capito nulla. Nel senso che l’anime va a due velocità, lento e velocissimo, proprio come nei videogame. Solo che, a differenza di Resident Evil, le due velocità si alternano in modo sbagliato e la tecnica da videogioco, inserita all’interno dell’animazione non giova affatto, rendendo troppo lenti alcuni combattimenti e non permettendo di cogliere i momenti salienti della storia, né di far emergere per bene i protagonisti.

Soprattutto, non affezionatevi mai a nessuno dei personaggi! So che è una frase classica dei film di zombie e degli horror in generale, ma, talvolta, la sopravvivenza dura meno di due secondi in quest’anime e, paradossalmente, vanno più avanti i personaggi che hanno meno battute e parti dialogate, che gli altri.

Però, nonostante il pastiche (che magari si riprenderà con una prossima stagione), bisogna segnalare la qualità e il pregio degli sfondi, che s’ispirano al disegnatore e fumettista coreano Kim Jun-gi, su cui vorrei aprire un capitolo a parte (anche perché è forse uno dei motivi che mi ha spinto a questo recupero). Kim Jung-gi, recentemente scomparso proprio mentre era in tournée con alcune mostre in Europa, ha reinventato lo stile del “fumetto”, riprendendo il tradizionale manga/manhwa/manhua e trasformandolo in arte vera e propria. Con le sue chine e i suoi inchiostri, alternati alle pennellate a tratti decise e a tratti a tinte leggere, il rifiuto di schizzi preparatori e il suo potere dell’immaginazione, Kim Jung-gi si è distinto per aver inserito nuove forme di prospettiva, come la prospettiva curvilinea per i suoi fondali, tecnica che ha decisamente ispirato i disegnatori degli sfondi di quest’anime, un’opera d’arte a sé, e che giustamente hanno dedicato il loro lavoro all’opera del maestro Kim Jung-gi.

E, allora, godetevi un po’ di questi fondali di un antico Estremo Oriente, dove albe e tramonti si alternano nel rosso fuoco e nel bianco neve, e perdete la mente in un viaggio lontano come tra i paraventi.

Laura

Come suona la recensione?