Miniepisodes dolce-amari: Some Light & Things That May Occur To You (Today)

Poco tempo, ma tanta voglia di guardare un drama, che sia romantico, ma non troppo, sognante, eppure così realistico da farci dire “potrebbe capitare/ è capitato anche a me”, quasi in un’identificazione automatica con i personaggi, come se fossero amici della vita di tutti i giorni? Di seguito, due piccoli consigli da guardare d’un fiato.

Some Light – Musical/Romance di 6 episodi da 4 minuti ciascuno (2017)

Nancy (interpretata dalla cantante e attrice Nancy) sogna il vero amore, ma si ritrova incastrata in un appuntamento al buio deciso dagli amici. Mentre si reca all’appuntamento, inizia ad accumulare una serie di piccoli imprevisti, che la fanno tardare, fino a finire quasi investita da un’auto guidata da un ragazzo nervoso e privo di sonno per troppo stacanovismo lavorativo (Ha Min-woo, degli ZE:A), che si sta recando ad un appuntamento al buio. Si tratta solo di un attimo e i due capiscono che sono fatti l’una per l’altro, come se il tempo fosse sospeso in una dimensione da musical colorato. Ma non sempre il romanticismo può colmare tutto nella vita e, dopo quei primi momenti rosa in cui sembra fantastico camminare sulle nuvole, la normalità di ogni giorno sveglia brutalmente. Così, lui cerca di emergere al lavoro e inizia a saltare gli appuntamenti e a trascurare la loro storia appena nata, mentre lei si trova sempre più delusa da una relazione che aveva immaginato in modo diverso. E, così, lentamente e quasi senza dirsi nulla i due scivolano verso l’oblio e si allontanano ignorandosi, come una festa di compleanno dimenticata nel vuoto. Ma è davvero possibile dimenticarsi dei sentimenti reciproci così in un attimo ed evitarsi per sempre? Cosa succede se si incrocia lo sguardo?

Piccolo drama musical costruito in stile “La La Land“, dove i protagonisti s’incontrano quasi per caso, si frequentano in amicizia e finiscono inevitabilmente per innamorarsi, per, poi, perdersi e ritrovarsi ancora in un insieme brillante di colori e musica. La “luce” del titolo è proprio quella verde e rossa del semaforo, quasi metafora delle chances che sappiamo e non sappiamo cogliere nella vita di tutti i giorni.

P.S.: è interessante notare che il drama sottende anche un intento didattico, visto che il semaforo indica il codice stradale e ogni episodio termina con un brevissimo memorandum su atteggiamenti da evitare come automobilista/pedone.

Things That May Occur to You (Today) – Comedy/Romance di 3 episodi da 10 minuti (2019)

Jung Ah-yoon (Park Shi-an) è un’internauta e una gamer incallita in procinto di laurearsi. Ed è anche felicemente fidanzata con un ragazzo con cui condivide diverse passioni, per cui nulla nella sua vita potrebbe andare male, tanto che si dispiace un po’ per le amiche che le narrano di amori non corrisposti o di tradimenti e relazioni impossibili. Poco importa che il fidanzato si sia laureato e che non possano più vedersi all’università, se possono incontrarsi sempre fuori. E, anche se il fidanzato ha iniziato un lavoro estenuante che lo tiene sempre impegnato e gli fa saltare gli appuntamenti, possono sempre vivere come in una relazione a distanza, comunicare con messaggi e in chat, stare per ore in videochiamata oppure giocare online tutte le notti come veri gamer. E, se le lunghe sezioni di gioco iniziano a diventare sempre più brevi per diradarsi completamente, visto che il fidanzato è sempre stanco, Ah-yoon non è una ragazza esigente, ma è paziente, può aspettare e accontentarsi di brevissimi messaggi di saluto al mattino e alla sera, visto che il loro rapporto è molto più forte e maturo di quello che lega tanti coetanei. Nulla di ciò che accade altri altri può succedere a lei e nulla può turbare la sua relazione, fino a quando non arriva Jung Min-gyu (Jung Min-gyu), un ragazzo impertinente e antipatico con il sogno di diventare un videomaker, che gli dice quello che nessuno aveva mai avuto il coraggio di dirle, aprendole gli occhi sul fatto che la sua relazione non è nulla di speciale e che ciò che accade agli altri può capitare anche a lei, compreso subire un tradimento da parte del fidanzato.

“La verità è che non gli piaci abbastanza“, come diceva il titolo di un romanzo e di un film, si concretizza per davvero nella vita di tutti i giorni, quando crediamo di essere speciali e quasi inattaccabili dal dolore e dalla banalità della sofferenza, per, poi, renderci conto che non è così, ma che la vita può avere aspetti gradevoli, alternati ad altri amari, e talvolta non si può fare nulla se non rassegnarsi ed accettare le conseguenze, anche se emotivamente devastanti, consci del fatto che capita a tutti, ma dura un attimo, quello giusto per l’autocommiserazione e per rialzarsi più forti di prima, pronti ad affrontare nuovamente il mondo.

Pronti anche a sbagliare, ma a farlo con passione e decisione.

Laura

Love Next Door

“Non sforzarti di ridere se ti viene da piangere”.

Quante volte avremmo voluto sentirci dire queste parole, quando abbiamo inghiottito le lacrime e abbiamo fatto finta di niente, cercando di fingere un sorriso compassato oppure una risata che nascondeva tristezza o amarezza? Quante volte abbiamo fatto finta di niente, di non aver mai ascoltato qualcuno che parlava male di noi oppure aver avvertito lo sconforto dei nostri cari per aver preso una decisione che non era quella attesa? O quante volte abbiamo nascosto i nostri fallimenti dietro un sorriso di convenienza per stemperare l’atmosfera e rendere il tutto naturale?

Quante volte ci siamo sentiti sulle spalle il peso del mondo?

Credo che “Love Next Door” sia uno di quei comfort drama che sia riuscito a rappresentare meglio questa sensazione che nella nostra vita almeno una volta abbiamo provato e accanto ad altri titoli usciti quest’anno come “ Doctor Slump” e “ Benvenuti a Samdal-ri” porta avanti una storia le cui tematiche sono quelle che più rappresentano l’uomo moderno, ovvero il tentativo di cercare un appiglio per sopravvivere, per non finire nel baratro della sofferenza buia in cui ognuno di noi rischia di rimanere soffocato, la depressione.

Bae Seok-ryu (Jung So-min, “Because this is my First Life”, “Il suono del tuo cuore”) torna in Corea dopo diversi anni all’estero, negli Stati Uniti, dove ha finito una specializzazione universitaria e ha trovato lavoro presso una prestigiosa azienda, stava per sposarsi, eppure qualcosa non è andato come previsto, oppure è solo un’esigenza di ritornare per un po’ nella sua casa natale. Presto la sua famiglia cerca di capire cosa possa essere accaduto e di metterla alle strette perché non riescono a capacitarsi del comportamento inusuale della ragazza, soprattutto dopo che vengono a sapere che si è licenziata e il suo matrimonio è stato annullato.

Seok-ryu inizia a vivere da disoccupata, ma soprattutto ricomincia a vivere, a prendere le cose più lentamente, a respirare e a guardare il cielo con gli occhi incantati della bambina e inizia a piangere e a dare sfogo ad un magone represso per molto tempo, a liberarsi da una serenità forzata per trovarne una nuova, una felicità dimenticata anni fa, deliziosa come preparare un pasto nel silenzio della propria creatività tacitata da tempo:

“Mi sembrava come se la mia vita si stesse surriscaldando. Sai quanto ho lavorato sodo. Sono andata sempre a tutto gas… e ho sovraccaricato la CPU. Lo schermo si spegne e i tasti smettono di funzionare. Non avevo altra scelta che riavviarmi”.

La  famiglia, però, non riesce subito a capire l’esigenza vitale della figlia, la ricerca di serenità come unica medicina di sopravvivenza, anche gli amici non comprendono del tutto cosa possa essere capitato nel cuore di Seok-ryu a partire dalla sua amica d’infanzia Jeom Mo-eun ( Kim Ji-eun, “Again My Life”), ragazza altruista, sempre pronta ad aiutare gli altri e di professione paramedico, per non parlare di Choi Seung – hyo (Jung Hae-in, “Something in the Rain”, “DP”), amico di Seok-ryu da quando erano piccoli e figlio della migliore amica di sua madre.

Choi Seung-hyo, all’inizio sembra quasi infastidito dal ritorno dell’amica, credeva quasi di averla dimenticata, lasciata lontana con il pensiero, lui che ne è da sempre stato innamorato, non corrisposto, perché non si è mai proposto, per non sconvolgere il loro rapporto d’amicizia.

Seung-hyo, diventato un promettente architetto e che, da quando è rientrata Seok-ryu, non ha che occhi per lei, ma nasconde le sue emozioni nel vederla entrare nel suo ufficio all’inaugurazione del nuovo studio, a vederla passeggiare sulla strada che porta alle loro case così vicine, sensazione che aveva quasi dimenticato, a scrutare i suoi movimenti quasi per riuscire a percepire cosa possa averla riportata a casa dopo molti anni.

Seung-hyo nasconde i propri sentimenti a se stesso e agli altri, per proteggere quell’affetto che ha sempre nutrito per l’amica, per non deludere le aspettative dei genitori, soprattutto della madre che lo ha sempre visto come primo in ogni cosa, ma cercare di proteggere quel filo invisibile che tiene legati i genitori e che lo coinvolge completamente, quasi conscio fin da bambino che la loro unione continuasse per la presenza del figlio. Seung-hyo è carico di responsabilità nei confronti della serenità della sua famiglia.

Seok-ryu che nasconde le lacrime e un malessere dettato dalla voglia di fuggire, di dare una svolta alla propria vita, per dare un taglio alla vecchia, quella vita che l’ha portata lontana dove ha trovato affermazione, ma solo dopo tanto sacrificio, lavoro e sofferenza e dopo aver dovuto affrontare da sola un peso e una situazione che travolgono l’esistenza. Seok-ryu, ragazza sicura di sé, del proprio futuro fin da bambina, rappresentante di una generazione che vuole crescere professionalmente, superare le proprie aspettative, lavorando e studiando, cercando sempre di migliorare per rendere orgogliosa la propria famiglia che ha sempre creduto in lei e nelle sue capacità e che l’ha sostenuta nello studio con sacrifici, nonostante la propria condizione economica dignitosa, ma non benestante.

Seung-hyo e Seok-ryu due amici d’infanzia, vicini di casa, cresciuti insieme soprattutto a causa dei lavori all’estero della madre del ragazzo. Due giovani che si sono affacciati al mondo con tante speranze, ma che sono rimasti vittime dell’ossessione del non riuscire ad essere abbastanza, del far dispiacere le persone accanto a loro.

 “Love Next Door” è una serie che parla di “atelofobia”, ovvero il disturbo ansioso da persistente timore di non essere abbastanza, di essere imperfetto, di deludere gli altri, la cosiddetta “paura del passo falso”. Ho apprezzato moltissimo questo aspetto che è stato affrontato all’interno della storia e lo si vede quasi in ognuno dei personaggi, dal fratello di Seok-ryu, Bae Dong-jin (Lee Seung-hyub ) che non si è mai sentito intelligente come la sorella e che ha sempre cercato di fare qualcosa di nuovo per distinguersi ed essere notato soprattutto dalla sua famiglia, dall’amica della protagonista,  Jeom Mo-eun che, nonostante faccia un lavoro lodevole come quello di salvare vite, crede di non essere abbastanza brava, di fare sempre qualcosa di sbagliato al momento sbagliato, e poi c’è Il giornalista, Kang Dan-ho (Yoon Ji-on, “Lovely Liar”, “Serendipity’s Embrace”), giovane sensibile alle tematiche sociali e al rispetto delle persone, che vive con la piccola nipote che lo tratta come padre e di cui il ragazzo si sente responsabile come da promessa. Dan-ho che nutre mille dubbi e incertezze sul riuscire a crescere la bambina e sul comunicarle valori e insegnamenti,  visto anche il poco tempo da poter trascorrere insieme a causa del lavoro.

Mo-eun e Dan-ho così semplici e impacciati nei loro modi di interagire, così segretamente coraggiosi nell’affrontare dure realtà, l’uno completa l’altra e viceversa. Una coppia che ho amato molto durante la visione del drama.

Capitolo a parte, ma non meno importante, è quello dei genitori dei ragazzi, a loro vengono affidate diverse parti comiche, ma anche momenti di drammaticità, dalle madri dei due ragazzi che scoprono la preziosità dei figli nella loro tenera imperfezione, ai padri che affrontano le prove della mezza età, cercando una fratellanza che li possa unire nel superamento delle prove. Le amiche, il “club della lavanda”, composto anche da Na Mi-sook (Park Ji-young, “Wok of Love”), madre di Seok-ryu e Seo Hye-sook (Jang Young-nam, “Il re e la spia”, “It’s Okay to not to Be Okay”), madre di Seung-hyo, giovani di ieri che ora si supportano nel far fronte ai segni del tempo e a nuove sfide.

“Love Next Door” è una serie da guardare perché è un comfort drama che ci regala scene emozionanti, dialoghi da annotare e dei personaggi che potremmo essere anche noi, nelle speranze, nei fallimenti, nei timori, ma anche nella gran voglia di vivere, sognando di stare bene.

“Sogni? Pensi che i sogni possano essere semplicemente realizzati?

Solo coloro che hanno il lusso di cercarli possono sognare.

Coloro che hanno la possibilità di risorgere dopo un fallimento possono perseguire i loro sogni”.

Grazia

Come suona la recensione?

Jeong-nyeon – The Star is Born (ovvero nascita di una stella, formazione di una donna)

“Quello che ho visto oggi era al di là delle stelle”.

Rumore di passi sulle assi di legno del palco, attutito a tratti da quella moquette che non riesce a nascondere le difformità del parquet. Luci che si spengono e si accendono, ombreggiando solo le prime file e lasciando un cono di luminosità su quelle figure centrali che emergono dal buio e dal silenzio. Odore di abiti nuovi, di abiti chiusi nelle teche del magazzino, di cera e di cipria, con le loro polveri volatilizzate nell’aria, di qualcosa di antico, eppure anche così nuovo e inaspettato, che lascia gli sguardi nella meraviglia.

Non mi sbilancio affatto con l’affermare che questo drama è uno dei migliori prodotti nell’anno 2024 e non solo per la finezza e la cura della ricostruzione storica, la sensibilità della sceneggiatura e la ricchezza delle interpretazioni di un cast quasi totalmente al femminile. “Jeong-nyeon – The Star is Born” è teatro che diventa televisione per avvicinarci al sipario, è cinema che si frammenta in atti e in capitoli per spezzare la storia del percorso artistico e personale dei personaggi, ma è soprattutto un grande romanzo di formazione che prende per mano lo spettatore e lo immette passo passo nel mondo del teatro Gukgeuk e del canto Pansori, ma anche nel piccolo mondo di Jeong-nyeon, protagonista testarda, ostinata, creativa e piena di vita, energia pura che trascende dal femminile e dal maschile, segno di emancipazione di una donna in un periodo storico conservatore, ma anche simbolo della sintesi più perfetta tra arte esteriore ed arte interiore, perché quello che Jeong-nyeon riesce a fare sul palco trasla dalle sue emozioni e dai suoi sentimenti, passa dalle sue risate e dalle sue lacrime, coglie la memoria dei suoi ricordi e li proietta nel futuro. Ed è per questo motivo che Jeong-nyeon è riflesso di tutti noi, che riusciamo a seguire le sue vicende con incanto e meraviglia, comprendendo le sue fasi di crescita e di formazione come giovane donna e come grande artista.

Lontano, nel sud della penisola coreana, su una spiaggia non trafficata, la giovane Yoon Jeong-nyeon (splendida Kim Tae-ri di “25 21” e “Mr. Sunshine” nei panni della protagonista) raccoglie le vongole e i frutti di mare lasciati sul bagnasciuga dal ritiro della marea, mentre intrattiene col canto le altre donne intente al lavoro. La sua voce è calda, piena e potente, così perfetta per quei canti tradizionali che la giovane sembra conoscere da sempre, con quella metrica che la sua memoria riprende da antichi ricordi di una vita non sua. Jeong-nyeon non sa di essere un vero genio della tradizione Pansori, ma sa solo che il suo canto attira l’attenzione, diverte e intrattiene e, qualche volta, salva pure dai guai, come quando intona una canzone al mercato per salvare la bancarella gestita con la sorella dalle razzie dei criminali locali, ai quali rifiuta di pagare una tangente alta. Jeong-nyeon non sa quale musicalità nasconde per davvero il suo canto, né quali corde del cuore la sua interpretazione improvvisata possa toccare, fino a quando non si imbatte in un principe in carne e ossa, che sa vestire quei panni eroici sia sul palco teatrale che nella vita di tutti i giorni.

Moon Ok-gyeong (Jung Eun-chae di “The King: Eternal Monarch” e “Pachinko” nella sua interpretazione più perfetta) è giunta ad un bivio nella sua vita. Lei è, a tutti gli effetti, il principe di Maeran, la compagnia di Gukgeuk più famosa a Seoul, e, come tale, deve condurre la propria esistenza. Il suo sguardo intenso e le sue interpretazioni vibranti fanno emozionare e innamorare donne di ogni età e si accompagnano ad un aspetto androgino, asciutto, privo di qualsiasi caratteristica di genere, ma così fermo e sicuro nella sua mascolinità filtrata da quella luce e quell’eleganza femminile, che la caratterizzano come un personaggio uscito fuori da un libro di fiabe. Eppure, Ok-gyeong è profondamente infelice, assalita dal tedio della vita che conduce, asfissiata da quella maschera ingombrante che non le permette di cambiare, ma soprattutto oramai non in grado di sapere davvero chi è, tanto da essere giunta quasi alla conclusione di abbandonare la compagnia, fino a quando non sente la voce di Jeong-nyeon in quel mercato sconosciuto di Mokpo e riconosce se stessa e la passione che l’ha condotta al percorso artistico. Ed è così che invita la giovane a seguire uno spettacolo di Gukgeuk, per, poi, proporle di intraprendere la sua strada e di presentarsi ad un provino per tirocinanti presso la compagnia teatrale Maeran. Perché Ok-gyeong è la prima a vedere in Jeong-nyeon qualcosa di raro e introvabile e a capire che impronta possa avere nel suo teatro.

“Tu sei nata con il cheonguseong. Hai una voce pura e vibrante che contiene il aewonseong, ma è anche profonda e in grado di entrare nel cuore. Ed è per questo motivo che è chiamata cheonguseong, perché la tua voce è un dono del cielo. In altre parole, tu sei nata per cantare pansori”.

Jeong-nyeon approda a Maeran con la meraviglia negli occhi, il sorriso di Ok-gyeong che la incoraggia e la curiosità di conoscere il mondo, come una bambina davanti all’ignoto. Ed è così che si imbatte in Kang Seo-bok (interpretata da una straordinaria Ra Mi-ran di “The Good Bad Mother“), la direttrice della compagnia teatrale, che ha devoluto la sua vita all’arte e non cede un millimetro sull’importanza che pansori e gukgeuk possono avere nella sua vita (e in quella delle sue discenti) e in due compagne di studio, che diventano due figure importanti per la sua crescita personale: la competitiva e rivale Heo Yeong-seo (interpretata da Shin Ye-eun di “The Glory” e “Mew – Il Ragazzo Segreto“), destinata a recitare e cantare da protagonista, afflitta da un conflitto interiore tra il suo orgoglio e la sua elevata autostima e la disistima che ne provano i familiari, certa di eliminare Jeong-nyeon e, al tempo stesso, la sua più grande sostenitrice, perché l’altra faccia di se stessa; la dolce ed empatica Hong Joo-ran (interpretata da Woo Da-vi), che le mostra per prima amicizia, grata di aver ricevuto da Jeong-nyeon quell’energia per sognare e brillare, solo falsamente fragile, in grado di andare oltre l’apparenza e di studiare i personaggi, ma anche di sentire le storie sulla sua pelle, tanto da non separare la realtà dalla finzione nel momento in cui entrano in gioco i suoi sentimenti.

“Per me, tu sei stata il mio sogno, il mio atteso, solo ed unico principe. Ora sono tornata dove ero all’inizio, ma non potrei mai ritornare indietro al momento in cui ti ho incontrata”.

Tuttavia, la strada del canto pansori e del teatro Gukgeuk non è così facile da intraprendere, né così immediata, nemmeno per una persona nata con il talento di Jeong-nyeon, e diversi ostacoli si presentano nel tempo lungo il suo percorso e la sua maturazione artistica, anche (o, forse, sarebbe meglio affermare soprattutto) quando supera il provino ed entra nella compagnia Maeran, prima come quasi tirocinante in prova e, infine, come tirocinante vera e propria: l’opposizione della madre (interpretata da Moon So-ri di “Little Forest” e “Queenmaker“, in grado di far versare tutte le lacrime di questo mondo già solo con un canto straziato davanti ad un’alba sul mare), ex cantante pansori, che ha perduto la voce ed è rimasta amareggiata e offesa dal suo stesso sogno, consideratasi come una sconfitta dalla vita; la non benevola accoglienza delle sue compagne di Gukgeuk, esercitatesi da una vita per intraprendere quel percorso artistico e con la percezione di essere defraudate da una sconosciuta (anche se, con il tempo, le cose cambieranno molto e Jeong-nyeon riuscirà ad ottenere il loro sostegno e la loro stima, compreso l’amicizia della terribile Park Cho-rok, interpretata da Seunghee delle Oh My Girl); l’inimicizia sottile e crudele dimostrata da subito dalla prima attrice della compagnia, Seo Hye-rang (interpretata da Kim Yoon-hye, vista anche in “Vincenzo“), nota come la principessa di Maeran e restia a qualsiasi cambiamento che possa influenzare sia la compagnia che la sua vita fittizia con Ok-gyeong; le regole ferree e le imposizioni che la disciplina di Maeran impone e a cui lo spirito libero di Jeong-nyeon mal si adatta (come il divieto di cantare per soldi fuori dalle mura della compagnia teatrale); le esercitazioni complesse per trovare il proprio personaggio, comprenderlo e farlo diventare parte di sé, ma anche per arginarlo, quando fuoriesce e sconfina dai propri limiti, invadendo gli spazi altrui; la percezione della fama, del clamore e degli applausi, che gratificano l’artista, ma rischiano di portare fuori dalla strada dell’arte, dove ognuno nella compagnia è importante, per accecare con un successo individuale; fino all’umiliazione e alla sventura più grande per qualsiasi artista di pansori, quello di perdere la propria voce.

“Riempi gli spazi vuoti della tua voce rotta. Cosa userai tu, Jeong-nyeon, per riempire quegli spazi vuoti?”

Crescere vuol dire riempire spazi vuoti e bui, colmare il suono di una felicità interrotta con piccoli momenti chiave che riescono a restituire la continuità della vita e che derivano da tutte le emozioni provate giorno per giorno, sia quelle positive e liete, che quelle tristi e intrise di pianto, perché ogni lacrima è carica di pensieri e ricordi e ogni lacrima si trasforma in un mattone fondamentale per poter andare avanti ed emergere, senza avere paura di mostrare se stessi.

Ed è quello che impara Jeong-nyeon ogni giorno, che il dolore può essere la chiave per comprendere se stessi e che aprire uno spiraglio di sé sul palco è necessario, perché la sua recitazione possa arrivare al cuore di ognuno e aprirne, lentamente, quelle serrature che tutti pongono per bloccare le proprie emozioni. Non solo piangere, ma anche urlare il proprio dolore e, quando la voce manca, sussurrarlo con tono roco, dichiararlo e porgerlo come un dono che vada direttamente a raggiungere l’anima di chi assiste. Non sono gli applausi e il successo ad essere importanti, ma è quanto il messaggio possa arrivare al cuore degli altri, è quella comunione silenziosa e netta che elimina il gradino del palcoscenico e fa sentire la platea come se fosse parte di quella scena, un comune sentire in cui chiunque possa gridare con i soli occhi “Anch’io“.

“Jeong-nyeon – The Star is Born” (in originale: 정년이) è tratto dal webtoon/manhwa omonimo, scritto da Seo Ireh e illustrato in dieci volumi da Namon per Naver nel 2019, un’opera di enorme successo tra critica e pubblico che ha dato vita anche a un musical teatrale e a diverse performance in programmi e talent show e che ha portato alla riscoperta del pansori e del teatro Gukgeuk (di cui abbiamo parlato in un articolo qui). La figura della protagonista, la vivace ed energica Jeong-nyeon, si è ispirata alla figura di Cho Young-sook, artista di Gukgeuk di prima generazione, vera leggenda vivente teatrale, che ha iniziato la sua carriera nel 1951 proprio interpretando il ruolo di “Soldato 1” (come la protagonista di questo drama), ma ha raggiunto il successo con il ruolo del buffo servitore Bangja in “Chunhyangjeon” (ancora una volta, trovate il riferimento all’interno del drama con la performance della medesima opera e la protagonista nei panni del comico Bangja). La figura del principe di Maeran Moon Ok-gyeong (per cui servirebbe un approfondimento da sola, vista la complessità non solo del ruolo, ma anche delle antitesi che vive sulla sua pelle il personaggio) è molto probabilmente ispirata a Lee Ok-cheon, artista di Gukgeuk di seconda generazione e anche uno dei principi più amati in assoluto. Secondo un aneddoto narrato dalla stessa Ok-cheon, infatti, pare che un giorno sia stata rapita da una fan, mentre un’altra fan simulò con lei un matrimonio fittizio.

Non sappiamo quale aneddoto sia vero, perché quando si tratta di arte è giusto confondere per un momento quella linea di demarcazione tra finzione e realtà e varcare i confini del palco, salvo, poi, depositare sul palco le proprie emozioni e tornare indietro nel proprio con quel senso di ricchezza interiore che solo la bellezza artistica può dare.

“Il sentiero di un artista è molto lungo. Andrai incontro a numerose discese e salite nella tua vita. E, quando sopravviverai a tutto ciò, ti troverai alla vetta più alta pronta per guardare più oltre di chiunque altro”.

Laura

Come suona la recensione?

Come un canto disperso nel vento: Pansori e teatro Gukgeuk

“Siamo negli anni ’50, dopo la devastante guerra di Corea. Il gukgeuk femminile, o teatro tradizionale, cattura il cuore del pubblico e molte ragazze sognano di diventare principi”.

Con queste parole e la voce altisonante di Cho Yeon-geuk, attrice di gukgeuk di prima generazione, che presenta uno ad uno i personaggi e gli interpreti sul palco teatrale, inizia il drama “Jeong-nyeon: The Star in Born“, uno dei prodotti più innovativi e particolari della televisione sudcoreana, ma, al tempo stesso, uno dei più “tradizionali”, nel senso più vero e intrinseco della parola, che mette le radici nella traditio storica e culturale di un popolo e ne fa sentire l’anima, con la presenza di un monumento culturale della Corea, il teatro di gukgeuk.

Il grande successo del drama ha rinnovato l’interesse non solo per il teatro tradizionale coreano, il Changgeuk (창극) e la sua variante femminile Gukgeuk (국극), entrambi considerati al pari dell’opera lirica coreana, e per il Pansori (판소리 ), il metro lirico dei canti, ma anche il genere narrativo che li caratterizza.

Il Pansori, dichiarato Patrimonio Culturale Immateriale Coreano dal 1964 e riconosciuto il 7 novembre 2003 dall’UNESCO come Patrimonio Culturale Immateriale dell’Umanità, è un genere musicale narrativo coreano, interpretato da un cantante (detto sorikkun), che si esibisce tenendo nella mano destra un ventaglio, e da un percussionista (detto gosu), che suona il buk, il tamburo tradizionale coreano, per accompagnare il canto. Il termine “pansori” deriva dall’unione della parola pan (판), la cui etimologia è complessa e ha diversi significati, indicando sia il luogo di incontro, che una situazione che coinvolge diverse persone, che, infine un canto con tonalità diverse e combinate, con la parola sori (소리), che indica il suono. Nonostante le radici storiche del Pansori si perdano nella tradizione orale delle fiabe e dei racconti tramandati dai cantastorie e dal popolo, è possibile denotare la nascita reale di questo genere in epoca Joseon nel XVII secolo, ovvero quando le storie popolari e il canto ritmato incontrarono la poesia in metrica del sijo (시조), nata già in epoca Goryeo e rimasta prima appannaggio dei colti studiosi confuciani. Dal XVII secolo il Pansori ebbe un’evoluzione tutta sua, raggiungendo l’apice della bellezza e della perfezione nel XIX secolo, considerato davvero l’età d’oro di questo genere, il momento delle innovazioni, degli aggiornamento metrici e tecnici, dello stile del canto e delle tecniche vocali più complesse e anche il momento della massima diffusione tra tutto il pubblico, senza conoscere differenze tra classi più abbienti e classi popolari.

Da quel momento, lo stile del Pansori ebbe una vera e propria codificazione, individuando cinque elementi, che dovevano sempre comporre all’unisono un pezzo musicale: il jo (조), la melodia; il jangdan (장단), il ritmo; il buchimsae (붙임세), la combinazione tra storia e musica; il je (제), la scuola musicale); e, infine, la produzione vocale, ciò che caratterizzava il cantante di Pansori e lo distingueva dagli altri cantanti di Pansori.

Anche le storie cantate, i cosiddetti madang, divennero codificate e fisse in dodici storie, di cui oggi rimangono solo cinque testi (Chunhyangga, Simcheongga, Sugungga, Heungbuga e Jeokbyeokga).

Tuttavia, dopo l’epoca d’oro, il Pansori subì una forte frenata all’inizio del XX secolo con la colonizzazione giapponese, in quanto colpevole di essere parte del patrimonio culturale coreano e, quindi, soggetto al totale sradicamento. Sarà forse per questo motivo che, all’indomani della conclusione della dominazione giapponese e della Seconda Guerra Mondiale, il Pansori tornò in modo prepotente e dominante sulla scena popolare, rinnovato e rivestito di una nuova dimensione teatrale, che riallaccia la narrativa poetica tradizionale direttamente con il pubblico, interagendo con esso. Ed è così che tornò in vita non solo il canto Pansori, ma anche il teatro Changgeuk, nato nella semi-oscurità agli inizi del XX secolo e diffusosi nella seconda parte del secolo, tanto da far sorgere nel 1962 la Compagnia Nazionale di Changgeuk, con il compito di rivitalizzare la bellezza e l’arte della poesia e della musica tradizionali coreane e di istituire il genere come un vero e proprio genere d’opera.

Ma, prima che questo tipo di teatro d’opera diventasse un’istituzione nazionale e sulla strada della rinascita del genere, si colloca un esperimento unico della tradizione coreana, un’arte tradizionale che riesce a mischiare canto, danza e recitazione e che è stata devoluta unicamente alle donne: il Gukgeuk, il teatro di Pansori al femminile, dove tutti i ruoli (dalle comparse, ai protagonisti maschili, alle protagoniste femminili, al narratore) sono ricoperti solo ed esclusivamente da donne.

Il documentario “The Girl Princes” diretto da Kim Hyejeong nel 2011 (di cui potete vedere un’anteprima qui) ha ricostruito la nascita e l’incredibile popolarità del teatro Gukgeuk, che raggiunse l’apice proprio negli anni ’50 del XX secolo (ovvero quando è ambientato il drama) e che, nonostante il declino successivo, continua a conservare un fascino tutto suo, che si mantiene intatto fino ad oggi. Perché quest’arte teatrale non è solo un caso unico, ma vede anche un’emancipazione femminile a sé in una società e in un contesto storico non favorevoli allo sviluppo dei diritti delle donne.

Forse sarà merito del fatto che il genere sorse proprio alla fine degli anni ’40, una volta ottenuta l’indipendenza dal Giappone, indipendenza di cui donne e associazioni e organizzazioni femminili sono state drammaticamente fautrici, pagando un alto prezzo al regime autoritario degli invasori. O forse sarà per il fatto che il Pansori era cantato e drammatizzato fino agli inizi del XX secolo dalle gisaeng, che, col tempo e l’abolizione della loro figura, si riconvertirono spesso in artiste, per la padronanza acquisita in musica, canto e danza durante la loro formazione. Oppure potrebbe essere merito della leggenda di Jin Chae-seon, considerata durante il XIX secolo il genio del Pansori, ma anche la prima cantante donna ad essere ammessa a questo genere, rinomata per la sua voce ricca di tonalità e potente e chiamata alla corte Joseon per la sua abilità artistica (alla sua figura è stato dedicato il film “Dorihwaga – The Sound of a Flower” con Suzy, Ryu Seung-ryeong e Kim Nam-gil, di cui potete recuperare il trailer qui).

Esistono tre generazioni di teatro Geukgeuk. La prima è collocabile tra la fine degli anni ’40 e l’inizio degli anni ’60, la generazione d’oro del genere, che è, poi, la stessa ritratta nel drama “Jeong-nyeon – The Star is Born“) e che, durante gli anni, ha dovuto affrontare l’ascesa, ma anche il declino del Pansori, la preponderanza del cinema e di altre arti performative e il cambiamento degli stereotipi di genere, che vedevano oscurare il ruolo delle donne nella società e aumentare il maschilismo. La seconda generazione, oggi considerata quella delle veterana, è collocabile nel periodo che va dagli anni ’60 agli anni ’80, la generazione resiliente, che ha vissuto il periodo più brutto della storia coreana moderna, ma anche del proprio teatro, ma ha affrontato la crisi inserendo nelle opere teatrali metafore nascoste contro il regime. Infine, c’è la terza generazione, iniziata a fiorire negli anni ’80, che oggi lotta per la preservazione storica e culturale del teatro di Gukgeuk e che, per la prima volta, ha iniziato a portare il Pansori al di fuori dei confini coreani e anche al di fuori dei testi tradizionali, con tour che hanno toccato anche l’Australia e l’Europa e con copioni originali o tratti da opere occidentali (come il Cyrano de Bergerac). Nel 2000, infatti, la consegna del Premio Nobel per la Pace all’ex Presidente sudcoreano Kim Dae-jung fu accompagnata da una piccola performance di Gukgeuk come parte della cultura tradizionale coreana.

Sebbene oggi non esista una Compagnia Nazionale di Gukgeuk paragonabile a quella del Changgeuk e le attrici del genere continuino a domandare una maggiore tutela da parte dello Stato, questo tipo di teatro sta avendo una nuova vita, legato anche alle rappresentazioni annuali al Jongno Cultural Diversity Theatre Festival.

In ogni caso, è nel Gukgeuk che le donne hanno potuto esprimersi e trovare una propria voce, sia come attrici che come pubblico, nella libertà acquistata dalla maschera e dal canto, per essere se stesse mentre interpretavano altre figure, ma anche per rispondere a quelle tendenze conservatrici che la società coreana post-guerra (o, meglio, post-guerre) andava acquisendo, dove la figura della donna rientrava nelle mura domestiche di una costruzione patriarcale.

Ed è proprio questa leggerezza di essere se stesse, senza legarsi ad alcun stereotipo e ad alcuna convenzione di genere, la libertà di sognare di essere principi e principesse senza che il ruolo sia imposto dalla società e senza alcun giudizio, che rende il teatro di Gukgeuk così universale e necessario anche nel mondo odierno, perché le donne sappiano di essere, e non solo di esistere, capaci di salvare se stesse, principi del proprio regno. Senza alcuna fastidiosa etichetta.

Laura

Per approfondire: il teatro esclusivamente femminile non è un’esperienza solo coreana; un esempio simile è riscontrabile nel teatro della Takarazuka Revue (宝塚歌劇団) in Giappone, nato all’inizio del XX secolo e che prevede che tutti i ruoli siano interpretati solo da donne, mentre le drammatizzazione fondono insieme elementi della tradizione giapponese con elementi del musical e dell’opera musicale occidentale moderna. Un altro esempio simile è lo Yueju (越劇) della tradizione cinese, nato all’inizio del secolo nella provincia di Zhejiang come teatro misto e sviluppatosi, poi, ulteriormente prevedendo compagnie e drammatizzazioni solo al femminile, con tematiche e storie tratte dalla tradizione popolare e dalle leggende della storia cinese. Infine, una traccia simile al Gukgeuk risiede anche nella tradizione teatrale vietnamita.

Drawing Closer – Sei mesi e un anno

“Il colore dell’amore dà significato alla vita e all’arte”.

(Marc Chagall)

Quando guardo un film inevitabilmente la mia mente associa dei colori e delle musiche alle immagini che scorrono, in questo caso in “Drawing Closer”, ho associato il blu, proprio quello di Chagall, quello dei sogni, quello della malinconia, un blu che sembra un regalo dal Paradiso a cui le anime sensibili tendono e si perdono nel cielo, tra i tetti, in una notte senza tempo dove lo spazio è una pennellata di stelle qua e là.

Mi sono stupita quando, dopo i titoli di coda, ho letto questa frase di Chagall che ho riportato sopra e sono rimasta felice di aver percepito una comunanza di pensieri e il messaggio delicato di questa storia di cui parlerò, una storia che è anche un omaggio all’arte, alla speranza e alla vita.

Hayasaka Akito (Ren Nagase, “Hold my Hand at Twilight”) è un diciassettenne con la passione per l’arte e per questo si sta preparando per partecipare al concorso per la mostra Nika, ma, nel pieno della sua gioventù, gli viene diagnosticato un tumore raro al cuore e gli viene detto che gli resta solo un anno di vita.

La diagnosi è un duro colpo per il ragazzo che nella sua esistenza ha sempre pensato di “pescare la pagliuzza più corta” in ogni cosa, così come la sorte più spietata che si accanisce su di lui, mai stato fortunato in niente.

Akito si chiude in se stesso e non vuole parlare con nessuno della sua condizione, poi, un giorno, sul tetto dell’ospedale, incontra Sakurai Haruna, che sta dipingendo il cielo.

“Che cosa stai disegnando?”

“Il Paradiso”.

Il ragazzo nato in autunno, malinconico, pensieroso, schivo, incontra la ragazza nata in primavera che scalpita per vedere il Paradiso, per raggiungere un posto al di là della Terra.

“Così colui che temeva la morte incontrò colei che la agognava”.

A Sakurai Haruna (Natsuki Deguchi, “Makanai”) restano solo sei mesi di vita e ha trascorso più tempo negli ospedali che fuori, purtuttavia ha una calma placida, insolita per una ragazza giovane malata e un rapporto con la morte personale che trascende dalle cose terrene e superficiali.

“Posso coprire la malattia con i colori e volare dove voglio!”.

Akito è attratto dal pensiero della ragazza, dal suo modo di apprezzare la vita e di conseguenza la morte e decide così di andarla a trovare ogni giorno in ospedale, senza mai raccontarle delle sue condizioni. Il suo desiderio è usare il tempo che gli resta per renderla felice.

Nelle piccole cose, in un sorriso, in una visita, nel parlare della passione comune per l’arte, per i colori, in questo consiste la perfezione, una perfezione che è nascosta in un fiore.

“L’arte è lo sforzo incessante di competere con la bellezza dei fiori – e non riuscirci mai.”

(Marc Chagall)

Akito decide ogni giorno di portare alla ragazza un piccolo segno che colora i loro incontri pomeridiani, un mazzo di gerbere, cinque, poi sei e infine tre. In natura esistono circa 2000 specie di gerbere, ognuna richiama un sentimento diverso, positivo, dipende proprio dal colore. La gerbera di colore giallo rappresenta la felicità, quella arancione la gioia di vivere, la gerbera rosa è simbolo di ammirazione, ma rappresenta anche la giovinezza, mentre quella dai petali rossi esprime l’amore. Per i popoli antichi, la gerbera era il simbolo della vicinanza del cielo alla Terra e sembra proprio rispecchiare la situazione dei due ragazzi.

Per Akito aggrapparsi a Haruna e ai loro incontri è un motivo per vivere, così come l’essere incoraggiato dalla mitezza della ragazza che è anche la sua forza nell’affrontare le sfide e i dolori di ogni giorno. Anche per Haruna, però, la presenza di Akito diventa importante:

“Da quando ti ho conosciuto credo di aver disegnato solo per te.

Grazie a te il luogo in cui provavo solo dolore è diventato caldo e luminoso. In questo luogo ho versato lacrime per una vita intera. Un tempo volevo sbrigarmi a morire, ora voglio vivere più che posso. Grazie a te sono stata davvero felice. E un giorno, quando sarai vecchio, ci incontreremo di nuovo oltre il Cielo”. 

“Drawing Closer”, nonostante la tematica della malattia e della morte, è un film che parla, invece, di vita, in un mondo immaginifico ed evocativo come quello delle emozioni, la vita di due giovani ragazzi che hanno anticipato il cammino per l’Aldilà e che affrontano ogni momento con una pennellata di colore rubato al cielo.

“Le pennellate nere di questo mondo sono diventate colori tanto brillanti da accecarmi”.

Un film delicato, un amore puro come le tre gerbere che Akito porta a Haruna e che significano “ti amo”.

Interpretazioni commoventi per un film che è anche un omaggio all’arte, per cui la vita dei due ragazzi sembra un’opera di Chagall, dal colore del cielo azzurro come le loro anime.

“Se la vita va inevitabilmente verso una fine, dobbiamo, durante la nostra, colorarla con i colori dell’amore e della speranza”.

(Marc Chagall)

Grazia

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Beyond the Sorrow (Part II) – Amanza & The Universe’s Star

Le giornate autunnali che degradano velocemente nel buio invernale, gli ultimi tepori che svaniscono e i colori brillanti che si perdono in un mare di stelle: avverto sempre in questo modo il passaggio dalla stagione autunnale a quella invernale, un cambiamento quasi impaziente, eppure inaspettato, che porta a chiuderci un po’ di più nel nostro angolino solitario della memoria e delle emozioni. Ed è forse proprio per questo motivo che, in questa stagione, abbiamo bisogni di comprendere di più il calore umano che ci circonda e di sentirlo da vicino, percependolo con tutte le nostre capacità sensoriali perché possa entrare nel nostro animo, scaldando l’inverno.

Questo è anche il momento ideale per recuperare due drama coreani brevi, ma molto intensi, che riescono a coinvolgere completamente lo spettatore, tanto da renderlo partecipe alla storia stessa, e con sfumature fantasy perfettamente inserite per comprendere l’essenza del dolore: “Amanza” (2020) e “The Universe’s Star” (2017). Ma occorre avvertire da subito: non sono drama da guardare senza una bella scorta di fazzoletti, una tazza calda e una coperta morbida e avvolgente. Perché piangere fa bene, scalda il cuore e ci fa sentire tutti un po’ più piccoli e più vicini ai nostri simili.

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Amanza

(Amanza, 아만자)

Corea del Sud, 2020 – Drama/ Melo/ Slice-of-Life/ Fantasy/ Animazione

10 episodi

Cast: Ji Soo, Lee Seol, Oh Hyun-kyung, Yoo Seung-mok, Lee Jong-won, Shin Joo-hwan, Park Se-joon, Park Hyung-soo

Scritto da: Kwak Jae-min, Kim Dong-ha

Animazioni di: Kim Bo-tong

Diretto da: Han Ji-won

“Non lo avevo notato quando sono venuto qui la prima volta, ma la vista da qui è adorabile. Spero che siate felici…”

Esiste una parola nella lingua coreana, che indica un malato grave, classificato dai medici come “terminale”, per cui le vie di guarigione sono remote. Si pronuncia “amanza” (아만자) e assume le caratteristiche di una condanna, ma anche di una nuova identità, impregnata di quella presenza scomoda e ingombrante che è la malattia.

Park Dong-myung (Ji Soo di “Strong Woman Do Bong Soon” e “My First First Love“) deve compiere 27 anni e tutto quello che sogna è riuscire a costruire una vita tranquilla, con un lavoro stabile, con i proprio affetti saldi e con la sua passione per la musica, custodita come in una nicchia. Mentre è impegnato in una serie di colloqui di lavoro, si sottopone ad un check-up medico di controllo, senza darsi grande pensiero per l’esito, fino a quando, una mattina, viene chiamato dal dottore per ricevere una notizia, che suona come una sentenza: cancro al quarto stadio, con metastasi diffuse in tutto il corpo e ben localizzate al midollo, inoperabile e quasi privo di cure. La notizia lo trova stupito e impreparato ad affrontare la malattia che si trova davanti, ma soprattutto a condividere quel futuro incerto che non riesce ancora a distinguere con i genitori (Oh Hyun-kyung e Yoo Seung-mok), il fratello ribelle e girovago (Lee Jong-won di “Ghostderella” e “The Night’s Flower“), i suoi amici e compagni fidati di rock band sin dal liceo (Shin Joo-hwan e Kang On) e la sua fidanzata (Lee Seol di “D.P.” e “One Ordinary Day“).

“Il dottore mi ha detto di costruire nuovi ricordi, ma probabilmente non diverrò mai nessuno…”.

Cosa significa costruire nuovi ricordi, quando tutte le memorie della vita, così come da sempre conosciute, iniziano a lasciare e ad andare via, volando sospesi nell’aria come sogni infranti? Cosa significa farsi coraggio e prepararsi al dolore, quando si soffre più per coloro che si lasciano e per i loro ultimi sguardi, che rimangono impressi nella mente, come marchiati a fuoco?

Dong-myung inizia le cure chemioterapiche, pur sapendo che la loro riuscita sarà difficile, quasi impossibile, e, mentre si prepara mentalmente a dire addio a tutti coloro che ama e a sentirli vicino per l’ultima volta, si addormenta per risvegliarsi in un mondo nuovo e fantastico, dove c’è una grande foresta magica, popolata da animaletti buffi e parlanti e dove con l’immaginazione si può fare tutto, come volare e trasformare i sogni in miracoli. Solo che, in questo nuovo mondo, non ricorda più il suo nome, né la sua identità. Sa solo che, per qualche strano motivo, tutti lo chiamano Amanza. Ed è così che, aiutato dai suoi nuovi amici magici, si imbarca in un viaggio avventuroso all’interno della sua immaginazione per cercare il suo nome e incontrare il Re del Deserto, l’unico in grado di aiutarlo e di reintegrarlo nella propria identità. Fin quando un giorno non incontra Kim Cheol-gyu (Park Se-joon), un ragazzo in coma che si è smarrito nel mondo fantastico di Amanza e forse colui che può riuscire a capire dove Amanza ha nascosto il suo nome nel mondo reale, in quella nicchia segreta dove ha custodito i suoi affetti e i suoi ricordi, per non rischiare di smarrirli.

I miracoli, in effetti, accadono, anche se non sempre nel modo in cui speriamo e preghiamo, e spesso consistono in un frammento di sorriso recuperato, in una lacrima carica di amore o in una chiavetta nascosta in un angolo, contenente tutti i rumori che le persone della nostra vita fanno, quando passano vicino a noi. Perché la musica è composta propria da quella sinfonia di rumori che segnano il passaggio di ognuno, come impronte nella sabbia, e rimangono sempre, malgrado possa soffiare un vento contrario.

“Amanza” è un drama piccolo e concentrato tutto in quei 10 episodi che scorrono come un film e che mischiano realtà e immaginazione, riprese vere e animazione, perché, ogni volta che Dong-myung diventa Amanza, tutto il mondo intorno a lui si trasforma in cartone animato. La storia è stata tratta dall’omonimo webtoon di Kim Bo-tong, noto per aver creato “D.P.“, da cui l’omonimo drama militare con Jung Hae-in. Il dolore, gli ultimi sguardi, quel senso di non aver vissuto, salvo, poi, rendersi conto che la vera vita avviene quando si lasciano le proprie emozioni agli altri, la sofferenza di lasciare ciò che si conosce e la libera leggerezza di volare sono tutti incarnati perfettamente da quegli occhi tristi e trasognati di Ji Soo, che ti scavano dentro l’anima. Da non perdere il piccolo e intenso cameo di Park Se-joon nel ruolo di un altro paziente oncologico, con tutte le contraddizioni avvertite solo da chi vive davvero momenti simili.

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The Universe’s Star

Noto anche come “Star of the Universe” o “Three Colours Fantasy Series: The Universe’s Star (White)

(Woojooui Byeoli , 우주의 별이)

Corea del Sud, 2017 – Drama/ Romance/ Melo/ Fantasy/ Musicale

21 episodi

Cast: Suho, Ji Woo, Se Mi, Shin Hyun-soo, Na Hae-ryung, Go Gyu-pil, Lee Si-eon, Joo Jin-mo, Lee Dae-yeon, Lady Jane, Lee Ji-hoon

Scritto e diretto da: Kim Ji-hyun

“Una stella che sorge durante il giorno. Una stella che ti protegge anche se non la puoi vedere”.

Guardare questo drama e ascoltare la voce dolce di Suho che, accompagnata dal pianoforte, intona queste parole è come perdere lo sguardo nel cielo notturno trapunto di stelle. E, in effetti, i protagonisti di questo drama sono così: lei, la stella luminosa che brilla e protegge, scaldando col suo amore anche quando non viene vista; lui, l’universo solitario, che si sente vuoto e buio, ma che è rischiarato dall’armonia delle stelle.

Byul (Ji Woo di “Fantasy Sonata“), il cui nome significa “stella”, è una triste mietitrice un po’ svagata e particolare: non riesce mai a portare a termine per bene i suoi lavori, concedendo l’ultima possibilità di vita a tutti, protegge i bambini dalle morti improvvise e, soprattutto, è una ascoltatrice fanatica di k-pop. Il suo cantante preferito in assoluto è Woo Joo (Suho degli EXO, anche interprete di “Behind Your Touch” e “Rich Man Poor Woman“), che rappresenta per lei anche l’unico legame vero con la sua vita passata, visto che ricorda che stava ascoltando la sua musica nel momento in cui quell’auto, investendola, le toglieva la vita e crede anche di ricordare il suo volto tra coloro che le avevano prestato soccorso. Mentre Woo Joo vive un momento di crisi e depressione, incapace di scrivere nuova musica, perché gli viene concesso di provare emozioni, Byul viene ad apprendere che il cielo ha deciso di far morire Woo Joo, perché la sua voce è richiesta in paradiso e la sua vita è stata già spesa sulla terra. Byul, però, ha deciso che proteggerà in ogni caso il suo idol preferito e non concederà ad alcun triste mietitore di portare via la sua vita. Così, ottiene un accordo con il suo capo (Lee Ji-hoon), si fa concedere del tempo e una vita mortale per salvare Woo Joo e si improvvisa angelo custode perenne e spirito guida, fino a quando Woo Joo non riesce a vederla e la scambia effettivamente per una fan molesta che lo segue ovunque.

Tuttavia, dopo i primi contrasti e le prime liti, Woo Joo, anche supportato dal suo manager-autista (Go Gyu-pil), inizia a pensare che la vicinanza con questa ragazza potrebbe essere, in qualche modo, benevola: visto che non ha mai frequentato nessuno e non sa cosa vuol dire innamorarsi, non riesce a scrivere canzoni d’amore e la presenza di quella strana ragazza, che si professa sua protettrice, può essergli d’aiuto. Più il tempo passa, più Woo Joo si apre con Byul, che diventa confidente dei suoi problemi, delle sue paure e delle sue ansie, e i due ragazzi si avvicinano sempre di più e lasciano che quell’iniziale amicizia quasi forzata si trasformi lentamente in altro. L’amore tra Woo Joo e Byul cresce piano piano, come tante stelle che si illuminano nel cielo, creando un legame unico, una luce nuova in grado di spezzare le tenebre della solitudine.

“Le stelle nel cielo sembrano come le luci nella folla durante un concerto. Mi sono sempre chiesto che cosa potesse accadere se queste stelle ci lasciassero. Alla fine, sarei di nuovo da solo in mezzo al buio”.

In realtà, le stelle brillano in cielo anche quando non le vediamo. Sono sempre lì, luminose e chiare, a vegliare sulle vite umane come un’armonia costante, tanto da non lasciare mai che cada il buio, anche quando i momenti della vita sembrano oscurarsi. Così è Byul per la vita d Woo Joo e così anche Woo Joo per vita di Byul, in un’armonia perfetta come una sonata a quattro mani, che dà loro la possibilità anche di recuperare i ricordi passati, compreso quelli della vita umana di Byul, e di superare le difficoltà.

Ma il cielo ha le sue regole che gli umani faticano a comprendere, persino i tristi mietitori, e, quando concede qualcosa, reclama altro, per mantenere l’armonia e l’equilibrio, al di là del tempo e dello spazio. Byul e Woo Joo potrebbero non avere il tempo che desideravano, ma possono riuscire ad avere l’eternità, conservando ogni istante dei ricordi.

In contemporanea, si svolge la storia della dottoressa Yeon So-ri (Na Hae-ryung), l’angelo dell’ospedale e anche la più odiata dai tristi mietitori, perché si intestardisce a salvare ogni vita umana, e il paramedico Ko Se-joo (Shin Hyun-soo di Welcome to Waikiki 2), che reca in sé la sofferenza della colpa e vive tentando di espiarla.

“The Universe’s Star” è un drama costituito da tanti piccoli episodi e fa parte del progetto “Three Colous: Fantasy“, una trilogia costituita da tre miniserie prodotte da Naver, il cui obiettivo è quello di descrivere le emozioni connesse ai tre colori della fantasia, il bianco, il verde e il dorato (il progetto è stato completato dai drama “Queen of Ring“, a cui è associato il colore dorato, e “Romance Full of Life“, a cui è associato il colore verde). Il bianco della luce delle stelle è il colore fondante di “The Universe’s Star” e si adatta, in effetti, al calore che la storia dei due protagonisti riesce ad infondere, oltrepassando i confini della dimensione fantastica e soprannaturale. Da non perdere il fantasma aiutante interpretato da Se Mi, ovvero Yoon Jin-sol, ex componente delle Jewelry.

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Laura

Beyond the Sorrow (Part I) – On a Starry Night & 366 Days

Esistono alcuni drama che hanno la capacità, già dalle prime scene, di parlare al cuore, esistono quei drama da vedere nella stagione malinconica dell’autunno o in quella fredda dell’inverno, semplicemente perché riescono a scaldare la nostra anima che percepisce ogni piccola emozione.

Ho scelto di parlare di due drama giapponesi che presentano alcune tematiche in comune, ma che infondono coraggio e voglia di vivere anche se si sta affrontando un momento buio o di incertezza.

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On a Starry Night

(Hoshi Furu Yoru ni, 星降る夜に)

Giappone, 2023 – Drama /Romance /Melo /Slice-of-Life

9 episodi

Cast: Yoshitaka Yuriko, Kitamura Takumi, Dean Fujioka, Chiba Yudai, Nekoze Tsubaki, Nagai Mijika

Scritto da: Oishi Shizuka

Diretto da: Fukagawa Yoshihiro, Yamamoto Daisuke

Una ragazza cammina lungo la riva del mare e ammira le stelle nella loro profonda infinita bellezza.

Un ragazzo cammina lungo la riva del mare e con una macchina fotografica cerca di imprimere il ricordo.

Suzu Yukimiya (Yuriko Yoshitaka, “Dearest”, “Kimi no me ga toikaketeiru”) è una ginecologa che lavorava presso un grande ospedale in città, ma a causa di un grave e spiacevole problema sul lavoro che l’ha costretta anche a doversi difendere legalmente, cade in depressione e nell’apatia. Per sopravvivere ad uno stato emotivo di sofferenza e di dolore si rifugia in una piccola città di mare, lavorando in una clinica privata ginecologica.

Il suo lavoro la porta ad accogliere per prima la Vita, nella nascita di un bambino coglie il calore dell’umanità a cui, però, spesso, cerca di distaccarsi, succube di una paura remota che la angoscia quotidianamente e che la pone di fronte alla morte come sconfitta per non essere riuscita a salvare qualcuno.

Issei Hiiragi (Takumi Kitamura, “Yu Yu Hakusho”, “Anti-Hero”) è un giovane ragazzo sordomuto che lavora per una società addetta a ripulire le case dei defunti e a raccogliere i loro ricordi. Issei Hiiragi è pieno di gioia di vivere, testardo, tenace, ma con tanta voglia di avvicinarsi ad ogni piccolo frammento di Vita.

Suzu Yukimiya e Issei Hiiragi sono l’opposto l’uno dell’altra: lui, nella vicinanza con la Morte e nel confrontarsi ogni giorno con le vite passate, i ricordi delle persone che non ci sono più, vede la continuità della Vita, come un tramonto che va ad affievolirsi, ma solo per dare la speranza di un nuovo giorno, lei nel vedere la Vita nei primi sussulti realizza anche le prime difficoltà e paure.

Entrambi vivono e assorbono il concetto di Vita e di Morte, mai così vicini, eppure così infiniti, come quel cielo stellato in una notte fredda quando i due ragazzi si incontrano e quasi per caso intrecciano le loro esistenze, cadenzando ogni loro momento insieme, lento, malinconico dove la lingua dei segni aiuta ad avvicinare i loro sentimenti.

 “Mi sembra che le stelle traccino un confine tra la vita e la morte, connettendo i due”.

“On a Starry Night” è una storia intimista che parla direttamente al cuore, sottovoce, quasi in silenzio, merito dei due protagonisti con i quali si empatizza da subito e intorno a loro tante vite con la propria sofferenza, dolore, paure, chi ha il timore di diventare genitore, chi nasconde il passato, chi grida vendetta per dare sfogo ad un sentimento di odio che non è altro che paura di smarrirsi, chi come il dottor Sasaki Shinya (Dean Fujioka) che intraprende una scelta professionale che stravolge e cambia la sua vita.

“On a Starry Night” appartiene a quei drama curativi che infondono coraggio e speranza, un cammino verso l’equilibrio emotivo, come preziosa possibilità di vita, come l’infinito cielo stellato di Van Gogh.

“In quel periodo pensavo di essere mediocre sia nella vita privata che in quella professionale. Oggi la penso diversamente. Stavo scalando la montagna della vita, ma un fiume mi ha risucchiata. Mentre la corrente mi trascinava, l’ambiente circostante è cambiato. Ho cominciato a capire che mi piaceva dove il fiume mi stava portando. Che, forse, questo era il posto a cui appartenevo. Nella vita non c’è un percorso esatto. Le persone possono stabilirsi ovunque; le possibilità sono infinite”.

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366 Days

(366 Nichi, 366日)

Giappone, 2004 – Drama/ Romance/ Melo/ Slice-of-Life

11 episodi

Cast: Hirose Alice, Maeda Gordon, Bando Ryota, Nagahama Neru, Tsuna Keito, Natsuko

Scritto da: Shimizu Yukako

Diretto da Hirakawa Yuichiro

Yukihira Asuka (Alice Hirose, “Il mio secondo HAROARU”) e Mizuno Haruto (Gordon Maeda, “La rivincita degli Astros”) non si vedono da più di dieci anni, ma dopo una rimpatriata di amici del liceo, i due giovani pensano al passato e scoprono che, ai tempi della scuola, entrambi provavano un sentimento l’uno per l’altra. Decidono, quindi, di recuperare quei momenti di gioia che non sono riusciti a vivere insieme e a risolvere le incomprensioni passate.

Yukihira Asuka lavora come receptionist in una scuola di musica, ha accantonato il suo sogno di suonare il clarinetto a livello professionale, ma resta ancora amante della musica e dei concerti e non manca a nessuna rappresentazione artistica organizzata dalla sua scuola. Mizuno Haruto, invece, è diventato una stella del baseball.

Quando iniziano a frequentarsi, decidono di condividere le loro passioni per conoscersi meglio, ma una tragedia colpisce Haruto che viene ricoverato in ospedale e finisce in coma.

I due ragazzi avevano iniziato ancora da poco a vedersi, ma Asuka si ritrova improvvisamente ad affrontare una situazione dolorosa e delicata. Mentre ricorda tutti i momenti passati, come studentessa che amava il suo compagno di classe, ma che non riusciva a manifestare i suoi sentimenti, adesso pensa ad un futuro che poteva aprirsi positivamente di fronte a loro, con tutto l’entusiasmo della gioventù, ma che è stato stroncato dalle controversie della vita.

La loro relazione inizia fugace, rapida, ma continua con quella lentezza dell’attesa, quasi a riprendere quegli anni interrotti, come se l’attesa stessa fosse la forza motrice di un sentimento duraturo e Asuka ne è la prima testimone, resta al capezzale del ragazzo per tutto il coma e, quando Haruto si risveglierà, apprenderà della sua lesione cerebrale e gli resterà accanto.

Quando Haruto, però, si accorgerà delle sue disfunzioni cerebrali, della sua memoria episodica compromessa e della costante aprassia di cui soffre, pian piano avrà difficoltà ad accettare la sua situazione e cercherà di allontanarsi anche dal cuore Asuka.

La preziosità di questo drama è la ricostruzione tramite flash back della vita passata e dei sentimenti dei protagonisti e anche dei secondari che affronteranno insieme ai ragazzi, in nome dell’amicizia, ogni cambiamento, infondendo loro speranza e voglia di vivere, uno degli aspetti più apprezzati della storia.

Altra tematica presentata con una delicatezza e una sensibilità rare è il percorso di uscita dalla malattia che il protagonista tenta di fare anche attraverso la ricerca della solitudine, una lotta interiore inequivocabile con il se stesso del passato così perfetto, così amato da tutti, un se stesso che vorrebbe cancellare perché non riconosce più, sa di non esserne più all’altezza e quasi vorrebbe che sparisse dal ricordo degli altri, un se stesso raccontato dai suoi cari che lui non ricorda, ma è così difficile apprendere della propria esistenza quando ci si aggrappa alla memoria degli altri, sembra quasi di non avere radici proprie.

Infine, c’è Asuka che si è sentita sola durante il coma di Haruto e che dopo il risveglio del ragazzo si sente ancora più sola, timorosa di dire o fare la cosa sbagliata, di non riuscire a infondere coraggio e che sa che prima deve ritrovare se stessa per essere forte e continuare ad essere presente.

Il drama affronta molti elementi di riflessione, ma la sua particolarità è proprio la capacità di far vedere da più punti di vista la storia e credo che questo sia uno degli elementi più incisivi, ma anche più commoventi.

“366” sono i giorni dell’anno, 366 opportunità di vivere!

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Grazia

Natsume Sōseki e gli haiku d’autunno

Ogni stagione ha da sempre ispirato poeti, artisti e letterati, ma credo che l’autunno sia riuscito a completare quella ricerca dell’io che ogni autore ha cercato di trasferire nella propria opera e così che il panorama dalle foglie rossastre, dei tramonti meravigliosi, delle prime brezze leggere è riuscito a connettere l’anima delle persone con il divenire della natura e della vita. L’autunno è la stagione che per eccellenza coglie quella malinconia che diffonde una luce preziosa nel nostro cuore e la rende universale nella percezione del tempo.

L’autunno ha di conseguenza ispirato anche molti haiku (俳句), componimenti poetici nati in Giappone nel XVII secolo, le cui tematiche sono in particolar modo la natura e gli stati d’animo ricollegati ad essa.

Natsume Sōseki, autore giapponese nato nel 1867 in un periodo di grandi cambiamenti per il Paese, la rivoluzione Meiji, è ritenuto uno degli scrittori che ha rappresentato meglio la crisi dell’uomo moderno. Da grande studioso della letteratura occidentale ha connesso elementi tipici della letteratura europea con la sensibilità di quella orientale, incentrando le proprie tematiche sul senso di vuoto e di incertezza, sulla difficoltà del pensare liberamente, sulla tensione fra individualismo e ricerca di appartenenza ad un gruppo, non limitando mai le proprie posizioni critiche nei riguardi della società e che sono ritratte in modo particolare nei due capolavori “Io sono un gatto” e “Kokoro” dove il rifiuto dell’omologazione e  la libertà di opinione e di scelte personali sono di attuale importanza, forse non completamente compresa all’epoca di Natsume Soseki.

Sōseki ci ha lasciato, oltre romanzi, saggi e poesie, anche un’ampia raccolta di haiku (più di 2500) che riescono a convogliare la sua indole ironica con quella nostalgica tipica della stagione autunnale e proprio per questo ho selezionato alcuni degli haiku che rappresentano meglio la stagione e l’anima dell’autore.

Cielo autunnale

– un monte senza nome

svetta più in alto che mai.

L’importanza del paesaggio e del cielo che avvolge la terra attraverso il caldo abbraccio dell’autunno, mentre un monte si erge in alto per cercare di toccare l’infinito.

Mentre mi lavo il viso,

nel catino si erge

l’ombra dell’autunno

Questo è forse uno degli haiku più belli mai scritti, qui il processo percettivo e sensoriale riesce ad essere universale perché il linguaggio è quello delle sensazioni, il tatto e la vista diventano un collegamento senza tempo con la stagione dell’autunno, una stagione che diventa in breve inverno, ma il catino sembra avere la funzione di una fotografia che cattura il momento.

 Vengono le oche selvatiche,

per chi resta nel mondo

e per chi lo abbandona.

Le oche selvatiche per i giapponesi sono simbolo dell’autunno, l’anima sensibile dell’autore coglie la delicatezza della Natura e il destino degli esseri umani nel loro passaggio terreno così effimero, fragile. La caducità della vita umana, un battito d’ali pari ad una intera esistenza, che dura, però, solo un attimo nel divenire del mondo. Il mondo che continua ad andare avanti nonostante le generazioni che se ne vanno.

Il concetto di caducità dell’esistenza umana è molto presente nel pensiero dell’autore che viveva in prima persona la malattia e che ha lasciato presto il mondo a soli 49 anni a causa di un’ulcera duodenale di cui soffriva da tempo.

Anche nel prossimo haiku la tematica della fragilità umana e della malattia dell’autore è rappresentata dalla figura dello spaventapasseri.

Lo spaventapasseri

somiglia a me 

che arrivo malato

e vado via malato.

La salute cagionevole dello scrittore condiziona la percezione del mondo, ma il simbolo dello spaventapasseri legato alla stagione autunnale è testimone del tempo che passa.

Desidero terminare questo excursus letterario con uno stralcio della sua opera “Guanciale d’erba”, per me uno dei suoi manifesti poetici ed esistenziali:

“Alla rugiada scesa

sui fiori di miscanthus

quando s’annuncia l’autunno

assomiglio,

io che devo svanire”.

Il miscanthus è una pianta graminacea originaria dell’Asia e fiorisce da settembre a novembre con numerose infiorescenze a forma di spiga color rame. Ancora una volta la bellezza effimera della rugiada, con la sua breve durata, sui fiori di miscanthus nella loro splendente maturità che corrisponde all’autunno. L’anima dell’autore (la rugiada) che conquista la sua piena maturità artistica (miscanthus) in una stagione destinata a finire, ma ad illuminare la poesia.

Grazia

Kim Sowol – Elegia per un’era perduta

“Il sole rosso era sospeso sulle colline occidentali.

Il branco dei cervi piange triste.

Sul monte che distaccatosi è ceduto

io invoco il suo nome.

Fino a essere catturato dalla passione dell’incertezza.

Fino a essere catturato dalla passione dell’incertezza.

Il suono della mia voce si affievolisce

ma la distanza tra il cielo e la terra è troppo immensa!

Anche se diventassi una roccia innalzata proprio qui

invocando il suo nome io morirò!

Lei che ho amato!

Lei che ho amato!”

(Kim Sowol, “Invocando uno spirito”)

Kim Sowol (김소월) è forse una delle figure che rappresenta meglio sia la poetica coreana (le sue poesie sono note e tradotte in numerosi Paesi del mondo), sia quel sentimento di nostalgia e di malinconia tipico di colui che vive da esule in patria, retaggio di un’antica nobiltà ridotta in schiavitù, simbolo di quella Corea oppressa durante il dominio coloniale giapponese e in cerca di mantenere una propria identità, sfumata come un ricordo.

Il senso della perdita di se stessi, della propria casa, della propria patria e dell’identità nazionale (che, nel piccolo, è anche l’identità personale) segna tutto il lavoro di Kim Sowol, poeta, unico e autentico, ma anche apripista nella lirica coreana di una poesia costituita da tratti delicati e scarni, carichi, però, di quell’emotività racchiusa nel proprio intimo e pronta ad esplodere, come una pioggia di petali e di foglie disseminati in aria e portati dal vento, e segnati da un ritmo incessante, quasi ripetitivo come un ritornello di un canto popolare. Il lessico intimista e quegli schizzi crepuscolari delle piccole cose entrano nella dimensione poetica accanto alle grandi tematiche tradizionali, collegate alla sofferenza del popolo sotto il giogo della dominazione, evolvendo l’epica antica della poesia coreana in un’elegia moderna e trasognata, rimasta sospesa nel tempo, più accorta a comprendere i reali sentimenti del popolo, che a voler intervenire a tutti i costi nell’attualità.

Ed è forse proprio questa visione al di sopra di ogni fatto, eppure partecipata nelle emozioni e nei sentimenti a descrivere la grandezza di questo poeta e a farlo rimanere eterno nella sua lirica.

“Se ti stancherai di me

E deciderai di andare

In silenzio io ti lascerò partire

A Yongbyon sul monte Yaksan

Vestirò il cammino tuo

dei fiori d’azalea raccolti.

E tu passo dopo passo andrai

calcando lievemente

quei fiori lì disposti.

Se ti stancherai di me

e deciderai di andare

pur morendo io non verserò una lacrima”.

(Kim Sowol, “Fiori d’azalea”)

La natura, come gli oggetti quotidiani, viene in soccorso della poetica di Kim Sowol, diventando uno specchio dei sentimenti e delle emozioni, intrisi della nostalgia del poeta, ma anche strumenti per costruire una metafora più complessa. Kim Sowol, infatti, non canta l’amore, come gran parte dei poeti, ma l’abisso della sua assenza, caratterizzato dalla consapevolezza della sua antica presenza come di un ricordo sopito e dal riconoscimento della sua perdita. L’amore sospirato e perduto è, quindi, immagine riflessa di un’epoca perduta, forse mai conosciuta, ma di cui si ha una costante consapevolezza: l’epoca dell’identità e della libertà, rappresentata dal fiore di azalea, uno dei simboli della Corea, ora staccatosi dalla pianta e disposto lungo il cammino dell’amata, che è sempre l’antica patria, pronto a raccoglierne la sua impronta, come il lieve passaggio di qualcosa che c’è stato ed ora non c’è più.

“Quanto è bianca e immensa l’acqua, più del cielo.

Certe nubi sono rosse più del sole.

Sconsolato, in mezzo a un campo di irte spighe,

Io girovagavo piangendo e penso a te.

La mia ombra, stiracchiata innanzi ai piedi,

ha di fronte la mia strada, dove avanzo,

mi dirigo sotto l’albero più alto

e nel borgo d’acqua affioran rami spogli.

Non promise mai nessuno di raggiungermi!

Non c’è alcuno che mi aspetti di vedere!

Ma girovago comunque sulla sponda

di un torrente solitario all’imbrunire.

(Kim Sowol, “Alla sera d’autunno”)

Ed ecco che il canto del poeta, costruito come un canto della tradizione (vedi il famoso “Arirang“) e ricco delle immagini evocative delle storie popolari, diventa un canto di solitudine, proprio perché, nella perdita dell’amata (patria) e nella confusione di sé, consapevole di non avere più un appiglio con se stesso, annegato e dimenticato nell’acqua della storia, girovaga in solitaria nel mondo, dove spazio e tempo si allungano e si restringono in un’unica dimensione, quasi come se fosse un mondo alienato e irreale, che è, poi, la dimensione del proprio inconscio.

La vita di Kim Sowol fu, in effetti, segnata da dolore e sofferenze, rappresentante tipico dei tempi che cambiavano e di quel popolo coreano abituatosi alla resilienza di fronte alle tempeste della storia. Nato a Kusong (oggi in Corea del Nord) il 7 settembre 1904, la sua vita è stata segnata da un’infanzia difficile, caratterizzata da problemi economici e dalla malattia del padre (sopravvissuto miracolosamente ad un terribile pestaggio da parte di un gruppo di giapponesi, ma rimasto intrappolato in un disturbo da stress post traumatico). La sua vita poetica fu breve, seppure molto intensa: tutte le poesie che ci sono arrivate sono state scritte in soli quattro anni di giovinezza, dal 1920 al 1924, racchiuse in un unico periodo del poeta, come se provenissero dalle pagine del suo diario, tanto da essere suddivise nella sua raccolta “Fiori d’azalea” (진달래 꽃) in fasi caratterizzate dal passare dei giorni e delle stagioni. Poi, improvvisamente, il suo canto si zittì, spegnendosi in un silenzio volontario, da cui uscì solo dieci anni dopo: Kim Sowol si tolse la vita il 24 dicembre 1934.

Secondo la critica letteraria (manuale di letteratura coreana, a cura di Antonetta L. Bruno e Maurizio Riotto): “Kim Sowol è un poeta che trasforma nello spazio profondo dell’anima le emozioni e la coscienza dell’uomo; egli gioca poeticamente con le parole e riesce a trasmettere forti e sorprendenti emozioni al ritmo di canti popolari”.

Emozioni che rimangono eterne anche oggi, perdendosi nei versi delle sue poesie e che, quando le sentiamo anche solo citate o recitate all’interno di film e drama (tra tutti, “The King: Eternal Monarch”), rimangono impresse come elegia per un’era perduta.

(le poesie qui riportate sono state tradotte da Jung Imsuk, che ha curato l’edizione italiana di “Fiori d’Azalea” edito da Orientalia)

Laura

Gyeongseong Creature 2 (ovvero: dell’attimo sospeso nel tempo di un sogno)

“A volte, faccio un sogno…”

Se siete qui, è perché siete rimasti sospesi in una frazione di tempo, un frammento breve, ma lungo quanto un’eternità. Se siete qui, vi siete catapultati dal 1945 e dagli orrori della guerra e dell’occupazione giapponese in Corea, descritta nella prima parte di “Gyeongseong Creature“, siete caduti nelle acque privi di sensi e siete stati distrutti dal dolore per la perdita di diverse persone, siete sopravvissuti al fuoco improvviso delle fiamme e avete assistito al disgelo del ghiaccio e alla discesa dei primi petali di ciliegio di un inizio primavera.

“La primavera stava arrivando inaspettatamente presto quest’anno a Gyeongseong. Ma il mio inverno non è ancora finito”.

Seoul non è più Gyeongseong, la città murata chiusa al mondo nei suoi orrori interni, dove la vita e la libertà erano sono chimere precarie e l’umanità un concetto astratto. Eppure è ancora la stessa Gyeongseong, nei suoi meandri oscuri e inavvicinabili, in quella corsa frenetica verso il progresso, dove la scienza e la tecnologia hanno distrutto finalmente l’umanità e dove impera un nuovo ideale di super uomo, al di là del bene e del male, conscio della sua natura mostruosa e abile ad usarla. L’ospedale degli orrori Ongseong è scomparso, eppure è rimasto sempre, celato nelle sue sperimentazioni, pronto ad adattarsi e a rinnovarsi per una nuova generazione di creature inumane. Tutto è diverso, anche se nulla è cambiato da quel lontano 1945.

L’inverno è stata un’infinita attesa per Yoon Chae-ok (Han So-hee), lasciata a morire nelle acque ghiacciate, colpita più volte da chi aveva combattuto, ma salvata in punto estremo da quel germe mostrifero che gli scienziati giapponesi avevano iniettato in sua madre, quasi come ultimo dono materno per ridarle, di nuovo, la vita. Solo che la vita di Chae-ok è incastrata tra il buio di un anonimato forzato e i lampi di una trasformazione mostruosa, che lacera il suo animo, trasformandola in una macchina assassina di esseri umani. Con il dolore per i propri cari lasciati andare e l’afflizione per il senso di colpa di essere rimasta in vita come creatura ibrida tra l’umano e il mostro, Chae-ok attraversa i decenni dal 1945 fino al 2024, vivendo in solitaria e nell’oscurità e lavorando come investigatrice di missioni impossibili. Non ha più un nome, né amici o famiglia, ma solo limitati contatti con coloro che le possono procurare un lavoro e agisce come un fantasma silenzioso, con la sua nuova forza sovrumana. Una notte, però, ingaggiata per ritrovare una persona scomparsa, si imbatte in Jang Ho-jae (Park Seo-joon), che lavora con il suo partner Kwon Yong-Gil (Heo Joon-seok) per una piccola agenzia investigativa e che le ricorda molto l’amato Jang Tae-sang.

Solo che Jang Tae-sang non dovrebbe più apparire in questo modo, visto che sono trascorsi settantacinque anni da quando i due si sono lasciati e da quando Chae-ok ha spiato la fine della guerra e i festeggiamenti dei suoi vecchi amici per l’indipendenza della Corea. Eppure, la possibilità che Ho-jae e Tae-sang sia la stessa persona è suffragata da diverse prove e da segnali disseminati, come quei frammenti di ricordi di una vita passata che affollano, di tanto in tanto, la mente di Ho-jae e che riempiono in modo confuso quei vuoti lasciati dall’incidente che gli ha causato l’amnesia. Ho-jae rivede il banco dei pegni, il suo vecchio amico Kwon Jun-taek (breve e intenso cameo di Wi Ha-joon), rivede la figura materna della signora Nawol (Kim Hae-sook), il maggiordomo Gu Gap-pyeong (Park Ji-hwan), il giovane Park Beom-o (Ahn Ji-ho) e la proprietaria del Moonlight Na Young-chun (Ok Ja-yeon). E risente addosso, come in un sogno destinato a svanire, il lungo sguardo d’addio di Chae-ok e il calore delle giornate trascorse con lei, fino a scoprire che nulla di questi ricordi sopiti e riaffiorati improvvisamente è dettato dal caso e che, in fondo, Seoul è rimasta ancora, nel suo cuore più oscuro e più nascosto, la Gyeongseong che Jang Tae-sang ha conosciuto, dove il sonno della ragione ha generato mostri destinati a sopravvivere ai cambiamenti politici e sociali, perché insediatisi negli incubi reali dell’umanità impazzita e devota ad una scienza senz’anima.

Così, se negli anni ’40, erano gli esperimenti da laboratorio giapponesi, convinti di generare un’arma nuova e potente, ad aver messo in discussione l’umanità per agire su trasformazioni di esseri umani inaccettabili, adesso esiste un’azienda che, nel nome del progresso scientifico e tecnologico, costruisce dei veri e propri ibridi umani, non più mostruosi come i primi esperimenti degli anni ’40, ma non per questo meno letali. In un mondo che ha inaridito la percezione dell’umanità e gli ideali, il fanatismo politico e filosofico dell’autoritarismo è stato sostituito dal capitalismo e dall’evoluzione sfrenata, rappresentata dalla Jeonseung Biotech, gestita dall’amministratore tuttofare Kuroro 01 (Lee Mu-saeng), dal presidente ed erede ufficiale Shin Ji-Oh (Park Sung-geun) e dalla ancora più temibile Lady Maeda (una rediviva e agghiacciante Claudia Kim), che è sopravvissuta in modo miracoloso all’esplosione durante il funerale del marito, conservando la bellezza e la giovinezza della sua versione degli anni ’40, ma anche tutta la fredda e cinica spietatezza.

In questo nuovo apparente equilibrio, però, in cui la Jeonseung Biotech sembra aver avuto il predominio per decenni, annullando la mente e il ricordo di Jang Tae-sang, si è insediato un elemento destabilizzante, una variabile delle precedenti sperimentazioni, diventato ora unico nel suo genere: Seung-jo (Bae Hyun-sun) ha l’apparenza di un giovane arrogante, che fa sfoggio delle sue abilità mostruose senza temere di passare per un assassino, afflitto da quell’innocenza maligna di un bambino cresciuto troppo in fretta e destinato a fermare la sua maturità, frenando anche le sue potenzialità per compiacere chi gli sta intorno. Si trova in quella posizione giudicante dei bambini selvaggi che criticano e giudicano il mondo adulto e tendono a sovvertirlo, salvo crearne uno ancora più orrido, dedito unicamente alla violenza, come i bambini de “Il signore delle mosche“. Seung-jo è il vero simbolo della sperimentazione malevola, del progresso che impazzisce in un’educazione fallita, dove la nuova generazione è disponibile ad uccidere la precedente per sostituirsi del tutto nel tentativo di creare un mondo nuovo, eppure al tempo stesso è molto più umano, nelle sue contraddizioni e nella sua scelta del male, di tutti coloro che lo indirizzano e gli affibbiano compiti all’interno della Jeonseung Biotech, diviso a metà tra i doveri imposti, la rabbia repressa e quei sentimenti che teme, perché emergono come un ricordo di umanità.

Chae-ok, Tae-sang/Ho-jae, Seung-jo – e, con loro, anche Lady Maeda, Kuroro e tutti gli altri personaggi che si trovano coinvolti in questa storia oscura, sospesa tra romanzo d’amore e racconto dell’orrore – sono incastrati in una giostra di vita e di morte, di passato e di presente, dove altri hanno preso le decisioni per conto loro, costringendoli a dimenarsi in una serie di conseguenze a catena, come marionette di un destino superiore. Eppure, tutti, in qualche modo, tentano di ribellarsi a quella forza centripeta che li incatena (e che li ha tenuti incatenati per decenni), scegliendo da soli le proprie azioni.

“Così come abbiamo le nostre ragioni per scegliere di vivere, abbiamo anche le nostre ragioni per scegliere di morire”.

Concepito come seconda parte di “Gyeongseong Creature”, pur a settantacinque anni di distanza, il drama è un seguito, ma anche un ipotetico punto di inizio di un franchise (guardare dopo i titoli di cosa per credere), che crea un universo horror/fantascientifico nuovo ponendo davanti la problematica del progresso e della scienza e di cosa è disponibile a fare l’essere umano per perdere la propria umanità in nome della potere, o, meglio, per uccidere la propria debolezza per andare al di là del bene e del male.

Chi mi conosce (e chi ha letto la mia prima recensione) sa che non sono stata clemente con la prima parte di questo drama. E questo per diverse ragioni, prima fra tutte per la legittima pretesa che avevo di trovarmi di fronte ad un prodotto storico, che indagasse su uno dei molteplici crimini della Seconda Guerra Mondiale (quello delle sperimentazioni sugli esseri umani) e che narrasse del movimento per l’indipendenza coreana. Il fatto di trovarmi di fronte ad un buon prodotto, ma che non soddisfaceva le mie aspettative, dove la trattazione dei personaggi risultava bloccata in mezzo alla creazione di un universo action/horror, molto più in stile “Sweet Home“. Ebbene, pur senza rinnegare nulla di quello che ho scritto in precedenza, adesso sarò più clemente per una semplice ragione: prima, mi aspettavo uno storico con tanti punti di forza (ad iniziare dal cast) e mi sono trovata di fronte ad un horror ben fatto, ma dove le scene d’azione avevano preso il sopravvento su tematiche che potevano essere approfondite meglio (e in più episodi); adesso, mi aspettavo un horror fantascientifico più in stile Netflix e ho ritrovato i personaggi e i loro ricordi. E, finalmente, la loro angoscia interiore, il loro dolore e le loro emozioni sono riuscite a superare quella pura azione in ostaggio degli effetti speciali, che aveva preso il sopravvento nella prima parte, unendo i puntini e dando la possibilità di sondare l’animo dei protagonisti e di seguire la loro evoluzione psicologica. In questo senso, penso che la vera bravura sia proprio degli interpreti (personalmente, Han So-hee ancora più di Park Seo-joon, ma senza escludere Bae Hyun-sun, che, con il suo volto angelico e gli occhi fissi, mi ha sorpreso nella costruzione del suo villain atipico, degno de “L’innocenza del diavolo“). Gli sguardi tormentati dei protagonisti sono riusciti a caricarsi qualsiasi scena ansiogena da cunicoli ininterrotti, a dimostrazione del fatto che la grandezza interpretativa vince sempre sulla spinta commerciale da effetti speciali.

Ed è proprio quell’ultimo sguardo di Chae-ok che riesce ad incarnare la parte più poetica. Quell’ultimo sguardo, che, nella prima parte, indugiava sotto la neve su Tae-sang o che inseguiva la breve danza dei primi petali di ciliegio, torna, nella seconda parte, dolente e fiero al tempo stesso, carico di intensità e di protezione, di tristezza e di speranza, bloccato nel passato, eppure in cerca del futuro, di un lieto fine come di un riscatto che possa lenire tutte le ferite rimaste ancora aperte, e ha lo spazio di un attimo sospeso nel tempo di un sogno. E’ un ultimo sguardo destinato a diventare il primo di una nuova vita e a rimanere fisso nell’eternità.

“Che ne sarà di noi? Pensi che arriveranno anche per noi momenti felici?” .

“Mi assicurerò che saremo felici e che torneremo a vivere”.

Laura

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