Zombie 100 – Cento Cose da Fare Prima di Non-Morire

“Ti sei svegliato anche tu al mattino con la febbre alta? Ti sei sentito come se stessi per morire per il troppo lavoro? Dimmi: quando sei morto per davvero? Nessuno se ne andrà via finché non avremo finito”.

Questo è l’incipit del manga seinen ZOM 100: Bucket List of the Dead (ゾン100 -ゾンビになるまでにしたい100のこと,  Zon 100 ~ Zonbi ni naru made ni shitai 100 no koto, traducibile letteralmente come “Zom 100 – Cento cose che voglio fare prima di diventare uno zombie“), scritto da Haro Aso e disegnato da Kotaro Takata, serializzato e, poi, pubblicato in volumi tankobon in Giappone dal 2018 al 2023, fino all’arrivo del successo internazionale che ha interessato la sua trasformazione in una serie anime (prodotta da e trasmessa da Crunchyroll) e, in contemporanea, in un film live-action (con il patrocinio di Netflix), entrambi con il nome di Zombie 100 – Cento cose da fare prima di non-morire, e destinata a continuare fino ad esaurimento di tutte le storie contenute nel manga (e forse anche oltre). Perché, per parafrasare Douglas Adams, ZOM 100 nasce come una Guida galattica per emarginati sociali di ogni tipo che intendono sopravvivere ad un’apocalisse zombie, o, meglio ancora, alla degenerazione e all’alienazione della nostra umanità, ma con la leggerezza e il sorriso di un colorato video pop.

Akira Tendo (nel film interpretato da Eiji Akaso, Pending Train, Turn To Me Mukai-kun) è un giovane entusiasta che crede di aver trovato il lavoro dei suoi sogni, ma che presto si rende conto di affrontare l’amara realtà del mondo lavorativo e del suo sfruttamento: orari improponibili, mansioni da sfruttamento, sovraccarico emotivo, bullismo da parte dei capi coadiuvati dagli altri colleghi come co-mobber, gaslighting e senso di inadeguatezza che sminuisce la dignità dei lavoratori. Ogni giorno Akira si sveglia con le sue occhiaie che si fanno sempre più profonde e, come un automa, si reca al lavoro, pronto a ricevere umiliazioni non richieste, come se fossero il suo normale tributo da pagare al mondo, e mantiene il suo sorriso ebete e privo di vita sul volto; poi, torna a casa ad orari tardissimi e si chiude nel suo cubicolo abitativo ad attendere il passare della notte e la ripresa della prossima giornata lavorativa. Così, giorno dopo giorno, senza un’apparente fine. Una sera, Akira, che è arrivato al culmine della sopportazione e vorrebbe solo sparire dalla faccia della terra, va a dormire esprimendo il desiderio di non dover andare al lavoro il giorno dopo e, magari, anche quello dopo ancora, senza più preoccuparsi nemmeno del sostentamento quotidiano (“Per favore, lasciamo dormire e non farmi svegliare più“). Quando, il mattino dopo, si sveglia e si prepara per la giornata lavorativa, sente intorno a sé uno strano e spettrale silenzio: esce sulle scale del palazzo e nello spazio antistante, ma è come se ci fosse qualcosa di strano, quasi di elettrico nell’aria. Le persone camminano come in preda ad un incantesimo, senza parlare fra loro e ciondolando con gli arti; poi, si urtano e fanno versi strani, animaleschi, come in procinto di aggredirsi. Akira si rende conto di essere circondato da zombie o, meglio, si rende conto che l’ordine delle cose è stato sorprendentemente sovvertito e che è rimasto l’unico umano in zona con intorno un mare di zombie. E, tutto ad un tratto, come nessuno potrebbe mai immaginare, all’iniziale sorpresa, seguita da disgusto e da una punta di terrore, si sostituisce quell’irrazionale e grandioso senso di inaspettata libertà.

“Non devo più andare al lavoro! YATTAAAA!”.

Onestamente, non sentivo uno YATTA! urlato in modo così deciso e così convincente al cento di Tokyo dai tempi di Hiro Nakamura in Heroes (e, se non sapete di cosa parlo, pentitevi subito e andate a recuperare). Non solo Akira non si spaventa a trovarsi in mezzo agli zombie, ma, finalmente, esce fiducioso di affrontare il mondo e il futuro, o, meglio, il suo non-futuro, perché, in effetti, non sa nemmeno se e come sopravviverà all’apocalisse zombie, ma sa che non poteva più continuare a vivere in quel modo alienante con la sindrome da burn-out: “Non so nemmeno più perché lavoro. Adesso è arrivato il momento di riprendere il controllo sulla mia vita“. Ed è così che inizia a scrivere una lista di 100 cose da fare assolutamente prima di (non-)morire o di farsi trasformare in zombie, lista destinata ad allungarsi e a superare quota 100 perché i desideri umani sono infiniti e il desiderio di non morire li supera tutti: “Possiamo morire oggi o possiamo morire fra 60 anni. In ogni caso, non c’è mai abbastanza tempo per fare tutte le cose che si vogliono fare. Per cui scriverò una lista delle cose da fare per non-morire“. Anche perché, nella morte generale, Akira riesce finalmente a trovare una ragione di vita nelle proprie azioni: inizia a vivere e a diventare un supereroe (punto, peraltro, presente nella sua lista) e a salvare tutti dalla distruzione, che non è soltanto l’epidemia zombie che imperversa per le strade del Giappone, ma è la devastazione interiore, la perdita dell’anima, a cui tutti, di volta in volta, abbiamo rinunciato in nome di un’ignota obbedienza ad un macchinario onnisciente.

Nella sua lotta per riconquistare l’umanità interiore persa e per aprire gli occhi agli altri, si troverà a fianco l’amico di sempre Kenichiro Ryuzaki (Shuntaro Yanagi, che era Last Boss, il tizio tatuato con la lunga katana, in Alice in Borderland) e l’introversa e diffidente Shizuka Mikazuki (Mai Shiraisi, ex idol e componente della band femminile Nogizaka46 e apparsa nelle due stagioni di Stolen Identity e in Don’t Call It Mystery), ma troverà anche il suo ex capo che lo bullizzava al lavoro, Gonzo Kosugi (Kazuki Kitamura di Samurai Cat e Galileo), pronto a rivelarsi come la sua nemesi e a schiacciare la sua dignità, ma ad instaurare le regole della spietata gerarchia e della violenza lavorativa anche nel nuovo ordine post-apocalisse zombie. Per cui la missione da supereroe di Akira diventerà quella di aprire le coscienze degli altri e di non farli cadere nel baratro della disperazione, come viveva lui: “Sapete? Un tempo, anch’io ero come voi. Le lunghe e pesanti ore al lavoro mi avevano devastato e mi avevano fatto dimenticare come significasse vivere come un essere umano“.

Tutti viviamo come zombie, devoti a dire di sì e ad accettare le imposizioni che ci arrivano dalla società e dai contesti in cui vogliamo essere integrati, in primis dal piccolo mondo sociale che frequentiamo più spesso, il lavoro. Tutti viviamo di cieca e vuota routine quotidiana, sottostando a regole che crediamo di gestire e a ritagliando sempre di più il nostro mondo, la nostra fantasia e la nostra anima. Tutti ci copriamo il volto di un falso sorriso, per il buon vivere civile, senza mai palesare i nostri pensieri, ma siamo accondiscendenti con i cosiddetti capi, anche quando si tratta di uccidere noi stessi e la nostra umanità e, magari, pure di annichilire la dignità di un amico/conoscente/collega. Sragioniamo, credendo di essere nel giusto, seguiamo la corrente e ci divoriamo tra noi in un modo in cui non riusciamo nemmeno a distinguere i colori.

“Fino a ieri, vedevo il mondo con un unico colore, offuscato in una nube nera. I cieli azzurri, gli alberi verdi e il sangue rosso vivo! Avevo dimenticato che il mondo fosse così pieno di colori! Sono così felice da aver preso un giorno di riposo dal lavoro!“: afferma Akira in una verità che tutti conosciamo e che quasi ci imbarazza ammettere, quando cerchiamo quel riposo o quelle famigerate “ferie” per ritrovare noi stessi.

Divertente, allucinante e sopra le righe, nel suo mix di action. horror e comicità grottesca, Zombie 100 nasconde, in realtà, una forte critica alla società moderna e al mondo del lavoro, una società feroce e disumanizzata che porta all’annichilimento delle persone e a far perdere loro la salute fisica e mentale, senza un briciolo di compassione e senza mai fermarsi per dare spazio al fattore umano. In Giappone, Zombie 100 è calato come una vera e propria mannaia per colpire un mondo lavorativo degradante e da esaurimento, che pretende lavoratori sempre iper-efficienti e privi di orari, ma con una presenza e una disponibilità flessibile. Si calcola che, dal 2021 e dopo una parvenza di riduzione per 11 anni, il tasso di suicidi sia tornato a crescere in Giappone e gran parte di essi sono correlati allo stress e all’alienazione in ambito lavorativo (circa 30.000 suicidi l’anno, ovvero 80 al giorno e, quindi, uno ogni 15 minuti). Tuttavia, anche gli altri paesi della società capitalista stanno contando numeri e statistiche che dovrebbero portarsi a riflettere seriamente a quali soluzioni trovare per riparare una degenerazione che, per riprendere le parole di T.S. Elliott, ci rende degli “hollow-men”, dei gusci svuotati, in apparenza umani, ma privi di umanità e pronti ad annullarsi nel mondo.

Note sparse finali: a scena dello squalo zombie è sicuramente la più assurda in assoluto, ma per i fan di un certo tipo di genere e di splatter non è del tutto una novità, visto che appartiene agli elementi caratteristici e cita pure la saga di horror b-movie Sharkanado, un piccolo cult in rete; serie anime e film live-action ci mostrano che Akira, al momento, ha scritto solo 33 punti nella sua lista, per cui c’è ragione di credere che debba realizzare ancora molti desideri nel mezzo dell’epidemia zombie (consultare il manga per controllare).

Captain-in-Freckles

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Ma anche…

Behind Your Touch

Cos’è il Male? Perché siamo così terrorizzati se ne abbiamo spesso solo un concetto astratto? Che cos’è, quindi, il male? E’ l’assenza di bene, ma entrambi i concetti di bene e di male appartengono alla vita degli esseri umani dotati della capacità di scegliere di compiere determinate azioni e delle relative conseguenze.

Dopo la visione di “Behind Your Touch” mi sono posta tutti questi interrogativi. La cosa più incisiva, però, è il fatto che il drama, magistralmente, riesce a porci davanti scene di pura ironia, alle volte anche agli estremi del demenziale, in contemporanea a delle situazioni talmente verosimili e crudeli da farci accapponare la pelle.

Tutti i personaggi all’interno della storia giungono a delle scelte e decisioni che si ripercuotono sulla propria vita e su quella degli altri. Se nei primi due episodi siete riusciti a reggere e anche a ridere delle scene comiche e ironiche presentate, pian piano il drama scopre la vena del thriller cercando, però, di smorzare ogni tanto, quell’atmosfera che diventa oscura e orrida con dei siparietti simpatici anche grazie alla bravura dei protagonisti e di alcuni secondari che impreziosiscono l’andamento della storia.

Protagonista del drama è Bong Ye-boon (interpretata da una sempre bravissima Han Ji-min, “One Spring Night”, “Our Blues”, “A Year-End Medley”, “Two Lights: Relumino”), una veterinaria che vive nella pacifica e rurale città di Mujin e che, dopo una notte di pioggia di meteoriti, mentre è stata chiamata nella fattoria di un allevatore per curare la sua mucca, come per magia, diventa sensitiva e acquisisce un potere psicometrico: ogni volta che tocca il posteriore di persone e animali riesce a  vedere avvenimenti del loro passato o ricordi, questo perché, nel momento in cui il cielo si era riempito di pioggia di meteoriti, lei stava visitando la mucca e aveva posato la mano proprio in quella parte del corpo dell’animale, prima di essere colpita da una scheggia di meteorite.

Dopo aver preso coscienza del suo potere, Ye-boon soffre molto visto che avrebbe fatto a meno di possedere questa capacità; all’inizio, cerca, quindi, di usarlo solo nella sua professione perché, toccando gli animali che le portano in ambulatorio, riesce a capire le loro difficoltà, i loro malesseri e ad aiutare i rispettivi proprietari, ma quando si accorge che, tramite  i ricordi degli animali, può riuscire a vedere le azioni degli esseri umani registrate nella memoria degli animali stessi, la veterinaria va ancora più in apprensione per questo potere non richiesto. Ye-boon ha ereditato la clinica dal nonno, veterinario ormai in pensione che abita insieme alla figlia Jung Hyeon-o, zia di Ye-boon (interpretata da Park Sung-yeon, “Love Alarm”, “Never Give Up”, “Dodosolsollalasol” e “Bloody Heart”) divorziata e disillusa dell’amore, infermiera della clinica che sprona continuamente la nipote a guadagnare di più recandosi presso le fattorie del paese. Ye-boon vive con il nonno e la zia, ma non riesce ad avere una comunicazione diretta con il nonno ormai da quindici anni, da quando sua mamma è morta a causa di uno strano incidente, che è passato come suicidio; da allora il nonno, addolorato per la perdita della figlia e per le scelte che l’hanno portata alla morte, non parla più con la nipote che si sente sempre come un’estranea a casa dei familiari e non riesce a capire il comportamento ingiusto del nonno.

Un giorno, nella piccola stazione di polizia di Mujin arriva il detective Moon Jang-Yeol (interpretato da Lee Min-ki, “My Liberation Notes”; “Because this is My First Life”). Jang-Yeol, che apparteneva alla squadra investigativa sui crimini violenti a Seoul, è stato retrocesso a Mujin per via di alcuni fatti importanti e gravi avvenuti nell’ultimo anno di servizio che si collegano al suo comportamento sul lavoro. Il detective farà di tutto per tornare al suo dipartimento a Seoul, è abituato ad essere sempre in attività e, invece, a Mujin non succede mai niente, è tutto così monotono e tranquillo.

Le strade di Ye-boon e Jang-yeol si incrociano quasi subito e, direi anche male, visto che nei primi episodi i loro incontri sono molto agitati e strambi e i loro caratteri e modi di fare sono così diversi, per di più Jang-yeol inizia ad avere dei preconcetti sulla veterinaria soprattutto dopo essersi accorto dei suoi strani comportamenti e azioni, come ad esempio toccare il posteriore degli animali, e inizia, quindi, a considerarla una “pervertita”. Da parte sua, Ye-boon, che vorrebbe confidare a qualcuno questo suo potere, si sente a disagio nei confronti del detective che la guarda male e la tiene d’occhio continuamente credendola una persona svitata.

Quando, però, i due, dopo una serie di malintesi, riescono in qualche modo a capirsi e a trovare fiducia l’uno nell’altra, soprattutto da parte del detective che inizialmente non riesce a credere al potere della ragazza, in città avvengono alcuni omicidi spietati e la paura di un ipotetico serial killer entra nel cuore  e nella mente degli abitanti che fino ad allora si erano sempre sentiti al sicuro in una città dove l’unico problema poteva essere solo qualche animale fuggito da una fattoria.

A Mujin si inizia a sospettare di tutti, ma in modo particolare dei forestieri, come ad esempio del giovane Kim Sun-woo (Su-ho, cantante del gruppo EXO e interprete di “Rich Man, Poor Woman”) che ha un fascino e una dolcezza innati che colpiscono da subito Ye-boon, da quando il ragazzo, che si occupa di piccoli gattini randagi, li porta per le cure nella sua clinica. Ye-boon da subito nutre affetto per lui e per la sua generosità coperta da timidezza. Sun-woo lavora part time nel piccolo convenience-store vicino alla clinica veterinaria, è un ragazzo schivo e molto riservato che custodisce nel cuore un segreto che lo ha portato fino a Mujin e che lo renderà una delle prime persone sospettate da Jang-yeol e anche da altri abitanti del paese.

Quando gli omicidi aumentano e colpiscono personalmente anche la stessa Ye-boon, la ragazza insieme al detective iniziano a collaborare usando il suo potere psicometrico per cercare di battere in velocità la crudeltà della morte che sta infierendo nella piccola cittadina e per riportare quell’atmosfera serena che era tipica di Mujin. Riusciranno a trovare il colpevole tra tutti gli abitanti del paese oppure è una persona estranea che ha deciso di portare panico, paura e sofferenza?  

Tanti i personaggi interpretati da attori che arricchiscono il cast di questa serie, la migliore amica di Ye-boon, Bae Ok-hee, interpretata da Joo Min-kyung (“Something in the Rain”, “One Spring Night”, “Jirisan”) che è capace di regalare alla storia i momenti più comici, ma anche quelli emozionanti quando cerca di capire e di aiutare l’amica a venire a capo della sua depressione; l’estroso sciamano Park Jong-bae (interpretato da Park Hyuk-kwon (“Something in the Rain”, “A Time Called You”), abbandonato dalla moglie che è scappata in Australia con il figlio; l’avido politico Cha Ju-man (interpretato da Lee Seung-joon, “Doom at Your Service”, “Strong Girl Nam-Soon”, “All that We Loved”); il capo squadra di polizia ed ex innamorato della zia di Ye-boon, Won Jong-mook (interpretato da Kim Hee-won, “Unlocked”); l’allevatore Jeong Gwang-sik interpretato da Park-No-sik che supporterà i due protagonisti nella loro ricerca del colpevole degli omicidi seriali.

“Behind Your Touch” è un drama che inizia come una serie comica, si trasforma in giallo per poi prendere le tinte del thriller e spaventa, proprio in quella schietta crudeltà che coinvolge lo spettatore nel non prendere mai per scontato nessuno o meglio la maschera esterna che tutte le persone vestono quando si interfacciano con la società. L’amarezza che lascia la soluzione finale consiste proprio in questo, nel rendersi conto del male che spesso è forse troppo vicino ad ognuno di noi, un male che è privazione del bene e di alcun barlume di coscienza, un male che può inghiottire qualsiasi luce dell’anima. Mai, come in questo drama, ho provato la sensazione di vuoto che esiste nel rendersi conto come spesso il nostro piccolo mondo possa essere calpestato e capovolto una volta che ci si rende conto di aver giudicato non correttamente qualcuno, di aver sospettato della persona sbagliata e di aver riposto fiducia nella persona che, invece, ha tradito la nostra speranza.

Memoru Grace

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The King: Eternal Monarch (ovvero del destino delle scelte, della lirica del tempo incrociato e di un cavallo bianco)

“Se è destino, non ci sono coincidenze. Il nostro destino è la somma delle nostre scelte, ma certe volte… È il destino a scegliere per noi”.

Diciamo la verità: da bambine siamo state rovinate dalle fiabe o dai film Disney o, comunque, da tutti quei racconti fantastici in cui, così improvvisamente quasi dal nulla, compariva un bel principe azzurro vestito impeccabilmente e sul cavallo bianco, pronto in soccorso dell’eroina (in cui tendevamo a identificarci). Poi, siamo cresciute e abbiamo capito che, se andava bene, il nostro principe azzurro restava fermo in tangenziale e, con ogni probabilità, aveva pure lasciato a casa il suo cavallo bianco e anche parte della sua smagliante bellezza, della sua folta chioma e della sua incredibile eleganza. In definitiva, aveva lasciato a casa anche l’appellativo di principe azzurro ed era già tanto se era riuscito a liberarsi dal traffico in tangenziale. Ci siamo disilluse, abbiamo capito che le fiabe ci avevano nutrito di aspettative irrealistiche e siamo diventate grandi. Un giorno, però, abbiamo acceso la televisione e, nel mezzo di una metropoli notturna e fumosa, abbiamo visto apparire dal nulla Lee Min-ho, serio e regale sul suo cavallo bianco a guidare l’armata di cavalieri per soccorrere la donna amata, urlando forte: “Salvatela: è la futura regina di Corea!“.

Allora, abbiamo capito che le aspettative irrealistiche non sarebbero mai finite, ma che, anzi, avevano trovato alloggio e ormeggio in quella porta di congiunzione tra due mondi e in un tempo sospeso. E va bene anche così, perché è la terra ideale dove vengono costruiti i sogni e nessuno ha il diritto di scardinarla.

The King: Eternal Monarch (더 킹: 영원의 군주, Deo King: Yeong-won-ui gunju, che letteralmente vuol dire “Il monarca dell’eternità”) si colloca lì dove iniziano e si alimentano i sogni, in mezzo ad una foresta di bamboo fatata, sotto la prima neve che rende immobili tutte le cose, nelle luci soffuse della città addormentata di notte, in una lunga e sottile striscia di terra che travalica il mare per perdersi nell’orizzonte del tempo e dello spazio, perché il sogno costruisce sempre un’altra dimensione, che, per quanto onirica, forse è più reale di quanto si possa immaginare.

In un’altra dimensione parallela a quella a noi nota, la Corea ha vinto il Giappone all’inizio delle sue mire espansionistiche, reggendo il confronto durante la Seconda Guerra Mondiale e conservando la monarchia con tre capitali: Pyongyang è la capitale economica, dove hanno sede tutte le maggiori famiglie di chabeol; Seoul è la capitale politica, dove vive il primo ministro e si trovano il parlamento e il governo; Busan è la capitale culturale, dove è collocata anche la reggia del re, con l’istmo dominato dalla statua colossale dell’ammiraglio Yi Sun-sin a guardia del porto e di vedetta verso il vicino Giappone (chi è stato in Corea o conosce i più grandi monumenti, però, sa che la statua menzionata si trova a Seoul presso la Piazza Gwanghwamun). Tuttavia, la vita a corte non è delle più semplici: negli anni ’90, nonostante il potere sia stato ereditato in modo legittimo dal re Lee Ho (prezioso cameo di Kwon Se-in), il fratellastro Lee Rim (Lee Jung-jin, The K2, Pietà) muove contro una congiura di palazzo per prendere il potere. In una notte di sangue, riesce a uccidere il fratello e parte del suo seguito e a lasciare agonizzante il nipote, Lee Gon, un bambino di sei anni, fino a quando una figura misteriosa e vestita di nero non irrompe all’improvviso, salvando il giovane erede al trono e mettendo in fuga i congiurati. Lee Rim, però, riesce ad impadronirsi di una parte di un flauto magico di bamboo, che dà a coloro che lo possiedono il potere particolare di piegare il tempo e lo spazio. Vicino a Lee Gon, viene rinvenuto il tesserino di una detective della polizia di Seoul di nome Jeong Tae-ul, datato 11 novembre 2019 (11-11, data palindroma e speculare, che raffigura il doppio).

Passano gli anni, volge il 2019. Dalla sua traumatica infanzia, Lee Gon, ora divenuto re (e, tra l’altro, anche diventato Lee Min-ho, Pachinko, The Heirs, Boys Over Flowers), si è convinto che la sua misteriosa salvatrice proveniente dal futuro non sia altro che la sua donna ideale. Solo che trovarla nel suo regno è impossibile. Nel frattempo, continua a condurre ricerche sulla misteriosa scomparsa dello zio assassino e della metà del flauto magico, convinto che ci sia una spiegazione legata al suo potere e a variazioni infinitesimali nel tempo e nello spazio, variazioni che frangono il continuum e bloccano il mondo, seppure per attimi impercettibili a chiunque. I suoi studi matematici e scientifici lo conducono ad indagare in una misteriosa foresta di bamboo, la stessa che aveva fornito il materiale al flauto magico, cavalcando il suo destriero bianco e recando con sé la sua parte di flauto. E lì avviene la magia: improvvisamente, dal nulla, si apre un portale, che sembra uno specchio e che lo conduce in un’altra dimensione.

Autunno 2019. La detective Jeong Tae-ul (interpretata da Kim Go-eun di Goblin e Little Sisters) è bloccata nel traffico di una caotica Seoul serale, dopo una giornata pesante, impensierita da un’indagine complessa e dalla strana scomparsa e ricomparsa di persone dalla capitale. Giacché il traffico non accenna a muoversi, scende arrabbiata dall’auto per sincerarsi dell’impedimento per strada e trova Lee Gon sul suo cavallo bianco.

“Il tempo si è fermato per un momento. Però, grazie a questo, tutto è diventato più bello”.

Vorrei scrivere che il primo incontro è così idilliaco e poetico, come le immagini di una fotografia stupenda sembrano fare intuire, o che la logica del cavallo bianco abbia sortito effetto in una ragazza moderna, cresciuta a suon di fiabe e principi azzurri, ma non è così. Mentre Lee Gon rimane incantato da Tae-ul, anche perché riconosce la fisionomia della proprietaria del tesserino, Tae-ul scambia per pazzo un tale vestito di velluto, che si autodefinisce re di Corea e va a cavallo in mezzo alle automobili, e lo arresta immediatamente. Lee Gon si rende conto che i suoi sospetti sono fondati e che le antiche leggende sul flauto avevano ragione, giacché esistono tante e innumerevoli dimensioni parallele, che si inseriscono nello spazio infinitesimale tra gli oggetti reali e nel tempo di un fruscio d’ali di farfalla. Si rende anche conto che deve esserci un motivo se il portale ha aperto quel varco con una Repubblica della Corea del Sud, dove è presente la detective del suo salvataggio e dove tante tracce lo portano alla fuga dello zio, e che nessun elemento è a caso, ma sono tutti incastonati in una fitta tela di eventi concatenanti, di cui è necessario sbrogliare la matassa e che l’unica vera alleata può essere solo questa strana e determinata detective che, per qualche ignota ragione, è collegata al suo destino.

Perché le coincidenze non esistono, ma sono variabili ammesse in quell’enorme equazione matematica che è il tempo umano.

Le indagini di Lee Gon e Tae-ul si uniscono e si trovano ad essere speculari, facendo sorgere tra loro un’amicizia e una stima reciproca, che, col tempo, diventa un amore intenso, che travalica i confini dello spazio, del tempo e di qualsiasi dimensione, visto che i due iniziano a viaggiare tranquillamente tra le due dimensioni per aiutarsi e supportarsi a vicenda, ma anche perché non possono più fare a meno l’una dell’altro: “Ho atteso per 25 anni per incontrarti… Ho realizzato che non ti ho mai regalato un fiore. Ed è questa la ragione per cui ho attraversato l’universo per te. Ho realizzato anche che non ti ho mai detto di amarti. Ma io sono profondamente innamorato di te“.

Solo che Lee Gon e Tae-ul non sono gli unici viaggiatori nello spazio-tempo, visto che Lee Rim non solo è vivo e vegeto, ma, avendo scoperto che i due mondi sono perfettamente identici nelle persone che li costituiscono (per cui esiste una versione di ognuno di noi in ogni dimensione parallela), sfrutta la sua gestione del portale per operare una serie di delitti, che vanno da uccisioni, alla sostituzione di persone da un mondo all’altro, e mettere a compimento il suo piano di congiura, così bruscamente interrotto anni prima. Queste azioni non fanno altro che generare fratture a catena nel continuum spazio-temporale e a provocare un evento dietro l’altro, che, come un effetto farfalla, rischia di compromettere il genere umano e l’esistenza di entrambe le dimensioni, di riscrivere la storia, ma anche di far collassare il mondo, in un fragile e precario equilibrio matematico dove, come ne La Storia Infinita, il nulla può eliminare qualsiasi elemento numerico.

Intorno ai due protagonisti e ad un antagonista enorme e arcigno, un pletora di personaggi secondari e di tante storie ad incastro, che, talvolta, vanno a rubare la scena – meritatamente – alla storyline principale: c’è il Capitano Jo Yeong, la Spada Assoluta del re nella Corea monarchica, duro, ferreo e irreprensibile, che scopre di avere nel semplice e svagato Jo Eun-seob il suo doppio della Corea repubblicana e i siparietti tra i due doppi, ma anche gli assoli di ognuno di loro e gli improvvisi atti di coraggio sono una parte a sé in questo drama, che cementificano la bravura e la padronanza sulla scena di Woo Do-hwan (Bloodhounds), interprete di entrambi i ruoli; c’è il detective Kang Shin-jae (interpretato da un sofferente e melanconico Kim Kyung-nam di The One and Only e About Time), un personaggio che è chiave, ma anche effetto e vittima della congiunzione tra i due mondi e che reca su di sé le cicatrici delle flessioni spazio-tempo e delle decisioni umane; c’è la prima ministra della Corea monarchica Goo Sae-ryung (interpretata da Jung Eun-chae di Anna), una donna cinica e opportunista che unisce in sé tutte le caratteristiche del machiavellismo politico e qualcosa di più; c’è Myeong Na-ri (interpretata da Kim Yong-ji di Tale of the Nine-Tailed), la proprietaria di una caffetteria, che, in qualche modo, si trova più coinvolta di quanto possa pensare con le vicende dei due mondi; infine, c’è la mia preferita, la dama di corte Noh Ok-nam (interpretata da Kim Young-ok, anche definita la “nonna di Corea”, vista e amata in Hometown Cha-Cha-Cha, King The Land, Jirisan, Miss Hammurabi, Mouse, e molto altro), che, senza fare troppi spoiler, è unica nel suo genere, ma anche unica nei mondi.

A quest’ultima è demandata la lettura di diverse poesie di Kim Sowol, forse uno dei più grandi poeti coreani di sempre, morto prematuramente durante l’occupazione giapponese e creatore di una lirica malinconica e trasognata, che narra di decisioni umane e di altrettanto umane profonde rassegnazioni, di destini che si incrociano come fili intrecciati e che sono determinati da eventi più grandi, di coincidenze che nascono dal cuore e di emozioni che trascendono il tempo e lo spazio. E con i suoi versi vorrei terminare questa mia disamina di un drama fantasy romance, che non è perfetto e forse non raggiunge il livello di Goblin (degli stessi creatori), ma che ci apre un portale unico nella nostra anima poetica, perché il destino è la lirica del tempo incrociato i cui fili continuiamo a tirare ogni giorno con le nostre decisioni, seduti sul canale del tempo che scorre, custodendo i nostri ricordi.

“Per quale ragione facevi così? / Ti sedevi da sola presso il canale, / l’erba verde cresceva intorno / e l’acqua zampillava dalla sorgente. / Hai promesso che, anche se fossi andata via, / non saresti stata via per sempre, / questa era la tua promessa. / Io siedo ogni giorno presso il canale, / penso a qualcosa che non avrà mai fine. / Quando hai promesso che, anche se fossi andata via, / non saresti stata via per sempre, / mi stavi chiedendo di non dimenticarti?” . (traduzione mia)

Laura

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Mary e il fiore della strega

“Sembra che in passato pure le streghe ne andassero in cerca.” “Le Streghe?” “Già. È il fiore della strega”.

Lo Studio Ponoc nasce nel 2015 fondato da Hiromasa Yonebayashi e Yoshiaki Nishimura che avevano in precedenza lavorato per lo Studio Ghibli. Il nome dello Studio Ponoc deriva dalla parola serbo-croata “ponoc”, cioè “mezzanotte”, “il momento in cui finisce un giorno e ne inizia un altro”. Una delle primissime opere dello Studio è il lungometraggio animato, “Mary e il fiore della strega”.

Quando andai a vederlo al cinema nel 2018 speravo tanto di ritrovare in questo film la stessa magia e fascino delle opere dello Studio Ghibli e, seppur il raggiungere la perfezione dello Studio Ghibli sia un’impresa quasi impossibile, ricordo di aver promosso pienamente il film che era riuscito ad emozionarmi.

Il regista Hiromasa Yonebayashi (“Arietty”, “Quando c’era Marnie”) sceglie la trasposizione cinematografica della storia tratta dal romanzo di narrativa d’infanzia, “The Little Broomstick” (“La piccola scopa”), della scrittrice inglese Mary Stewart, famosa per il ciclo di romanzi “Le cronache di Merlino”, la storia di Re Artù vista dagli occhi di Mago Merlino.

La protagonista, Mary Smith, una ragazzina di dieci anni, dai capelli rossi che, fin dall’inizio, si lamenta della sua vita ordinaria, a partire dal suo nome così comune, viene mandata a trascorrere l’estate nella casa di campagna della prozia Charlotte. Peter, un ragazzo che abita nei pressi dell’abitazione della zia, inizia a prendere in giro Mary a causa dei suoi capelli rossi e ribelli e dei suoi atteggiamenti goffi. Mary cerca di trascorrere da sola ogni ora, senza stringere amicizia con nessuno. Un giorno, però, inseguendo due gattini di nome Tib e Gib si ritrova in un bosco vicino dove viene attirata da uno strano fiore azzurro che emana una luce particolare e Mary lo raccoglie. Di lì a poco trova anche una scopa che sembra come quella che usano le streghe per volare, Mary non crede a tutto ciò, ma, una volta salita sulla scopa per giocare, scopre che si tratta di una scopa magica che vola e così Mary inizia a viaggiare per il cielo e le nuvole e a dimenticare i propri dispiaceri e insicurezze, fino a quando la scopa non la porta all’Endor College, una vera e propria scuola di magia. Mary viene accolta dalla rettrice Madama Mumblechook e dal Dottor Dee che studiano magia metamorfica e sono attirati dal fiore raccolto dalla ragazza. Sembra che quel fiore molto ambito, che si chiama anche “Volo notturno”, sia un fiore raro che sboccia ogni sette anni e, per la sua rarità, è ricercato dalle streghe perché potenzia le loro abilità e poteri magici.

Quando Madama Mumblechook e il Dottor Dee tentano in tutti i modi di farsi lasciare da Mary il fiore azzurro, la ragazzina capisce che in quella scuola c’è qualcosa che non va, qualcosa che tutti nascondono, le metamorfosi di animali ed esseri umani, gli esperimenti nascosti e la sparizione improvvisa di Peter.

Riuscirà Mary a ricostruire tutti i pezzi mancanti per capire cosa possa essere accaduto? Sarà in pericolo dopo che non permetterà ai due di rubarle il fiore magico?

Vi anticipo solo che la piccola scopa condurrà Mary in una vera e propria avventura di vita e di crescita, la porterà anche in un cottage disabitato, situato su una piccola isola deserta e, all’interno della casa, troverà un libro di appunti di incantesimi e uno specchio grande da dove vede la prozia giovane che cerca di comunicare con lei.

A mio parere il punto di forza di “Mary e il fiore della Strega” è la critica alla magia stessa, cioè all’uso inappropriato della magia, come per esempio gli esperimenti di Madama Mumblechook e del Dottor Dee che prevaricano qualsiasi principio etico e per questo la storia è di una modernità incredibile anche se il libro a cui è ispirata è stato pubblicato nel 1971. Grazie alla magia, Mary riuscirà a liberarsi e a superare le difficoltà, ma la magia è solo un mezzo momentaneo e non lo scopo, il fine ultimo; Mary affermerà che gli esseri umani non hanno bisogno di magia, ma hanno bisogno di sentirsi a casa. Il messaggio del film è un messaggio di puro realismo all’interno di una storia fantastica ed è questa una delle caratteristiche che contraddistingue maggiormente questa storia e che il regista ha deciso di scegliere per lasciare al pubblico una riflessione senza tempo.

Da ricordare la colonna sonora affidata a Takatsugu Muramatsu, già compositore per il film “Quando c’era Marnie” e alla collaborazione di altri musicisti tra cui Joshua Messick, uno dei più famosi suonatori di dulcimer, strumento a corde pizzicate o percosse e appartenente alla famiglia dei liuti.

Se non avete mai visto “Mary e il fiore della strega”, vi consiglio di recuperarlo perché conserva la freschezza di un fantasy lineare che convoglia in sé tutti gli elementi magici e costanti del genere, oltre ad essere stato di ispirazione ad altre narrazioni fantastiche o di essersi ispirato a sua volta ad altre opere esistenti. Solo io ho pensato che il nome della protagonista, Mary, sia stato un omaggio alla scrittrice inglese Frances Hodgson Burnett e alla sua Mary Lennox, protagonista de “Il giardino segreto”? La scopa magica che accompagna la protagonista dell’anime è invece un omaggio del regista all’opera di Miyazaki, “Kiki, consegne a domicilio”. Il famiglio, che nell’anime è il gatto della protagonista, è di solito l’animale che accompagna ogni strega, non vi sembra un po’ un immergervi nell’atmosfera di Hogwarts?

Ogni elemento magico presente in questo film rende la storia una avventura incantevole e unica che affascinerà adulti e bambini.

Memoru Grace

Come suona la nostra recensione?

Song of the Bandits (ovvero il canto dell’acciaio, del fuoco e della libertà)

“Combatteremo. Se combatti per il tuo paese, sei considerato un soldato. Se combatti per proteggere la tua famiglia, sei, invece, un bandito. Non è così?”.

Polvere. Paesaggio assolato. Raggi luminosi che accecano gli occhi. Un alito di vento che solleva ancora più polvere e nasconde il sole. Stivali sporchi di fango e di terra ocra. Rumore di passi. Musica sottile che viene dal fondo. Occhi nascosti da un cappello. Piano sequenza lunghissimo. Stacco. Movimento di braccio fulmineo come in cerca di qualcosa. Una lama di luce sugli occhi. La canna di un fucile. Stallo alla messicana. Interminabile immutabilità. Fuoco.

Sembra un film di Sergio Leone quest’epopea un po’ romantica e decadente della storia dell’indipendenza coreana dalla supremazia giapponese. E, in effetti, la narrativa e lo stile ricordano in toto il genere western della ricerca della frontiera americana, ma riletto con la malinconia trasognata leoniana, che si appiccica ai personaggi come una seconda pelle e che sa scindere tra l’irraggiungibile eroismo dell’epica e l’umanità stropicciata e delusa della vita, ma che sa diventare grande da sola. Come i personaggi protagonisti dell’interpretazione western di Sergio Leone, non abbiamo di fronte degli eroi, dei guerrieri o dei patrioti, uomini buoni in tutto e per tutto, ma dei cosiddetti “banditi”, uomini feriti dalla vita e dal passato, che sanno di diventare fuorilegge, ma che vivono in tal modo per la loro patria più grande: la propria famiglia. E la terra di confine di Gando (Jiandao in cinese e Kanto in giapponese), una regione paludosa e desertica lungo il fiume Tumen, zona di confine tra Corea, Cina e Siberia, soggetta ai venti di sabbia del Deserto del Gobi e alla natura selvaggia della Manciuria, si presta benissimo come teatro di un dramma di frontiera che è, anzitutto, dramma di libertà.

All’indomani della fine della guerra russo-giapponese (1904-1905) e della perdita d’indipendenza della Corea (che divenne protettorato giapponese nel 1905 e ufficialmente sua colonia nel 1910), l’ex schiavo Lee Yoon (interpretato da Kim Nam-gil, perfetto action man anche in The Priest e Island part 1 e part 2) abbandona la truppa coreana nell’esercito giapponese e il suo ex padrone Lee Kwang-il (il segalino Lee Hyun-wook, visto anche in Matrimonio e Desideri e Strangers From Hell) ed emigra verso Gando, una terra di nessuno o, meglio, una terra “dove l’autorità è cinese, i soldi sono giapponesi e la popolazione è coreana“, come dice l’ex schiava Kim Seon-bok (Cha Chung-hwa, caratterista d’eccezione in Crash Landing on You, Hometown Cha-Cha-Cha, See You in 19th Life e tanti altri), liberatasi e diventata una ricca contrabbandiera in questa strana e polverosa no man’s land. Le strade di Gando, infatti, sono battute dalle truppe giapponesi, che, però, non possono intervenire in autorità, visto che il dominio governativo è cinese e lasciano il lavoro “sporco” a bande di banditi cino-mongoli, il cui compito è stanare ed eliminare ipotetici nemici dell’impero nipponico – coreani indipendentisti, in primis. In questo caos generale, si sopravvive, senza far mai trasparire le proprie idee e le proprie opinioni; si mantengono buoni rapporti con tutti, ma con il fucile nascosto sotto il tavolo; si guadagnano tanti soldi, se non si ha alcuno scrupolo, e ci si trasforma presto in fuorilegge.

Lee Yoon, però, vive dei sensi di colpa perché, nel passato, ha tracciato e indicato all’esercito nippo-coreano la strada del villaggio dove si rifugiavano i nazionalisti coreani e si considera, quindi, la causa indiretta di un massacro. Per lui, il viaggio a Gando è un incontro con se stesso e con il proprio destino, in cerca di una punizione letale, che non riesce ad infliggersi da solo. Ed è in questo stato d’animo che si imbatte in Choi Chung-soo (interpretato da Yoo Jae-myung, grandissimo attore, visto già come villain principale di Itaewon Class e avvocato idealista in Vincenzo), nobile Joseon ed ex generale invincibile dell’esercito reale coreano, ma anche capo dei Giusti, gruppo nazionalista e indipendentista di matrice cristiana che si opponeva alla prima invasione giapponese e che era stato massacrato anni prima (“Ho tentato di salvare il mio paese al di là delle mie possibilità e non sono riuscito a salvare la mia famiglia, la cosa più preziosa“). Lee Yoon, che si sente responsabile per le perdite di Choi Chung-soo, si confessa e chiede la morte. Al contrario, non solo trova misericordia, ma anche accoglienza, come se fosse parte non tanto di un gruppo di compatrioti sfollati, quanto di una vera e propria famiglia: “Vivi la tua vita in modo tale che tu non abbia rimpianti. Così, io vivrò la mia in modo tale che non abbia alcun rimpianto“.

Lee Yoon giura di proteggere la sua nuova famiglia e gli sfollati coreani ad ogni costo, anche diventando un bandito in quel mondo fatto solo di sparatorie e di violenza, dove la vita di ognuno è effimera e soggetta al cambiamento repentino di autorità. Per questo motivo, rafforza il suo piccolo gruppo di vigilanti con elementi degni da I Magnifici Sette, La Collina degli Stivali o altri elementi corali della migliore narrativa western: Chorang-y (Lee Jae-kyoon, Secret Royal Inspector and Joy), un acrobata da circo sempre su di giri e specialista di coltelli; Kang San-gu (Kim Do-yoon), un cecchino nevrotico e oppiomane, munito di occhialini; Geum-so (Cha Yeop), un gigante grande e grosso che non usa mai le armi, ma dà pugni in testa degni di Bud Spencer.

Gli anni passano, la famiglia di Lee Yoon trova il suo posto saldo a Myeongjeong contro esercito giapponese e banditi cinesi (capeggiati da Jang Ki-ryong, interpretato da un Han Gyu-won così feroce che sembra Gengis Khan). Iniziano gli anni ’20, storicamente i più complessi per la storia dell’indipendenza coreana. La morsa giapponese è diventata sempre più violenta in patria, soprattutto dopo il fallimento del Movimento del Primo Marzo (di cui abbiamo parlato a proposito del poeta Dong-ju e dell’attivista per l’indipendenza Yu Gwan-su), e gli indipendentisti si riorganizzano con il governo in esilio in Manciuria. Per portare avanti la propria missione richiedono una certa somma di soldi, custodita da Nam Hee-shin (Seohyun delle Girls’ Generation, vista anche in Love and Leashes, So I Married An Anti-Fan e Moon Lovers), nobile e funzionaria delle ferrovie dalla doppia vita di indipendentista e di fidanzata del maggiore del 37esimo reggimento di fanteria Lee Kwang-il, ora detto Miura. Compito di Hee-shin è fingere un viaggio di lavoro e portare i soldi dalla Corea alla Manciuria attraverso la terra di Gando, sfidando sia le autorità locali e l’esercito giapponese, sia gli innumerevoli banditi che, in qualche modo, vogliono impossessarsi del denaro, sia, infine, i nazionalisti coreani, che vogliono minare la ferrovia per non consentire il passaggio ai giapponesi. In mezzo alle insidie, però, si imbatte in Lee Yoon, che, non a caso, l’aveva conosciuta anni prima, quando era solo uno schiavo, e che, dal loro primo incontro, continua ad amarla silenziosamente: “Strano come mi sia venuta in mente non appena sono arrivato qui. Lei è stata la mia prima volta in molte cose: è stata la prima nobile che si è rivolta a me e ha chiesto il mio nome e non quello del mio padrone, la prima a prendermi la mano e a sorridermi ed è stata la prima persona che mi ha reso felice con un semplice sguardo“. Lee Yoon giura di proteggere Hee-shin e di farle portare a termine la sua missione “per la speranza e per il bene di Joseon“.

Le strade della vita trovano strani e complicati incroci e, mentre Hee-shin non riconosce Lee Yoon, ma si fida ciecamente di lui e Kwang-il la insegue come corriere indipendentista, ignorando che sia la sua fidanzata, ex schiavo ed ex padrone si incontrano e si scontrano, generando un duello che inizia e riprende a più fasi e che persegue tutto il drama, talvolta in solitaria (con momenti carichi di tensione, battute che suonano come minacce e fendenti sospesi e, infine, tanti stalli alla messicana, che farebbero impazzire di gioia Quentin Tarantino, e con rimando nemmeno tanto nascosto alla storia dell’ex schiavo Django), e talvolta portandosi dietro tutti i propri eserciti personali (con assedi da I Magnifici Sette e scontri epici da Sfida all’O.K. Corral, ma anche con assalti ai treni e corse a cavallo degne di Giù la testa) in un canto di spade e di fuoco che incanta e corre in modo dirompente in mezzo alle tempeste di sabbia: “Quello che abbiamo potuto sentire attraverso il suono delle nostre spade: è il momento che lasciamo sentire ai giapponesi questo canto. Il canto dei banditi“.

In tutta questa diatriba, s’inserisce quella piccola scheggia impazzita di Eon-nyeon (interpretata da Lee Ho-jung, secondaria in Nevertheless;), fuorilegge, assassina a pagamento e cacciatrice di taglie senza scrupoli e disillusa (“Per me, il vero paradiso sono i soldi“), che è il personaggio più leoniano di tutta la serie, una che sembra uscita direttamente da Il buono, il brutto e il cattivo, ma non come comparsa, quanto come protagonista (“Posso lavorare nella parte pericolosa, ma vivo la mia vita in quella sicura“). E, se, voi che leggete, avete una personale classifica di badass queens dei drama, fate molta attenzione, perché dovete rivederla completamente dopo aver conosciuto questo personaggio. Basti solo pensare a come si introduce senza sospetto nella storia, nelle vesti di una semplicissima figlia orfana di Joseon, povera e affranta, ma in attesa di Lee Yoon per ucciderlo; per non dimenticare la sua carneficina nella casa da tè, che supera in tutto e per tutto Kill Bill; per finire a come ricompare anni dopo, vestita perfettamente di nero come Lee Van Cleef (da vedere sia la scena del treno, che quella in cui divora letteralmente le patate bollite, rimodellate sul personaggio del Colonnello in Per qualche dollaro in più), con tanto di sigaro in bocca e risata sghemba e di traverso, più matura e pronta a prendere le proprie decisioni di vita, qualsiasi cosa potrà dire il destino (“Combattere con le unghie e con i denti per la propria vita mi ha cambiata. Credo che sia inutile nutrirsi di rabbia e di vendetta. Prendermi cura di me stessa è tutto ciò che m’importa“). Tra lei e Lee Yoon c’è un rapporto unico che parte dall’odio e dalla rivalità per arrivare alla reciproca stima e fiducia, un’amicizia e una cooperazione che solo in un’epica western era possibile trovare e che, credetemi, supera qualsiasi venatura romance (il momento del loro combattimento, soli contro tutti, per liberare gli ostaggi coreani è una delle sequenze più belle del genere).

Song of the Bandits (도적: 칼의 소리, traducibile con Thief: Sound of the Sword) è un period drama diretto da Hwang Jun-hyeo e scritto da Han Jeong-hoon, di genere action e western (o, meglio, eastern, come alcuni cultori del cinema amano definire questa rilettura in terra distante dalla frontiera americana), che s’inserisce benissimo in uno stile già bazzicato e curato in precedenza dal cinema coreano (vedi l’estroso Il buono, il matto e il cattivo, ma anche lo spy-crime The Assassination) e che ha il merito di rendere più fruibile una parte di storia, altrimenti poco nota, anche per l’ammassarsi di tragici eventi avvenuti.

Gando era, in effetti, una terra di confine in quel periodo o, meglio, era una regione che s’insinuava nel territorio cinese, ma era abitata da popolazione in prevalenza coreana: con l’arrivo del Giappone e la caduta del regno (nelle ultime fasi, impero) di Joseon sotto il suo dominio, Gando si riempì ancora di più di immigrati coreani (insediatisi anche in Manciuria) e il Giappone iniziò a rivendicarne la propria autorità (è del 1907 il cosiddetto Massacro di Gando, compiuto da un’infiltrazione dell’esercito giapponese nel territorio cinese ai danni dei nazionalisti coreani rifugiatisi e ben narrato all’interno del drama). Le frizioni tra il governo imperiale giapponese e l’impero cinese dei Qing produssero un accordo secondo il quale il Giappone riconosceva i diritti sul territorio della Cina in cambio di concessioni economiche e territoriali in Manciuria (Accordo di Gando del 1909). Di fatto, però, giacché il Giappone, dopo l’annessione totale della Corea nel 1910, iniziò a considerare tutti i coreani come propri cittadini, per diversi anni e fino alla drammatica conquista della Manciuria, pretese di avere giurisdizione sulla maggior parte degli abitanti di Gando di origine coreana (motivo per cui rimaneva di stanza sia l’esercito che la polizia del consolato e, come è possibile vedere nel drama, i due contingenti andavano spesso in scontro tra loro). Tuttora, la regione, che oggi appartiene alla Repubblica Popolare di Cina, conserva la sua caratteristica etnica e culturale coreana, tanto da essere diventata dal punto di vista amministrativo la Prefettura Autonoma Coreana di Yanbian nella Provincia di Jinlin. Nel drammatico periodo dell’occupazione giapponese, in Manciuria si nascondeva, in effetti, il governo in esilio della Corea, che scrisse, tra l’altro, la prima Costituzione coreana nel 1919 e Gando era una zona di passaggio per i corrieri di informazioni e denaro ai gruppi indipendentisti, sia di matrice conservatrice e nazionalista (per la restaurazione di Joseon), sia di ispirazione comunista (per l’instaurazione di una repubblica socialista). La comunità cristiana ha svolto un ruolo importante nella lotta per l’indipendenza della Corea, tanto da avere avuto una notevole influenza sul Movimento del Primo Marzo e sugli intellettuali del periodo, che univano le istanze di libertà comprese nel messaggio evangelico alla lotta contro il regime.

Consigliato: a tutti, perché, anche se ci sono scene violente (tra sparatorie e interrogatori-tortura, il drama non risparmia certo sangue), è un prodotto scorrevole e coinvolgente, che sa di cinema di una volta e che cattura l’attenzione sempre; ma, in particolare, a chi, come la sottoscritta, è cresciuto a pane e antologia western e sa a memoria tutti i film di Sergio Leone perché “Questo treno ferma [sempre] a Tucumcari”. E non c’è altro da aggiungere.

Captain-in-Freckles

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Lei e il suo gatto

“Era inizio primavera e quel giorno pioveva. Poi Lei mi ha trovato. Ecco perché sono il suo gatto”.

Nel 1999 Makoto Shinkai (“Your Name“, “Suzume“) non era ancora così conosciuto a livello mondiale ed era davvero molto giovane, ma in realtà con questo cortometraggio animato già imponeva la sua visione sensibile del mondo, con un’introspezione tale da riuscire in pochi minuti a regalare agli spettatori una storia meravigliosa.

“Lei e il suo gatto” è un cortometraggio in bianco e nero, ma non fatevi ingannare dalla semplicità del disegno, dai tratti, dalla storia che sembra quasi naif, l’anime è infatti un corto, ma è di una intensità incredibile e anche la scelta del bianco e nero riesce a renderlo unico.

La storia inizia un giorno di primavera quando Lei (che verrà chiamata così per tutto l’intero anime) raccoglie un gattino abbandonato per strada e lo porta a vivere nel suo appartamento. La storia, poi, è raccontata dal gatto. Lei vive da sola in un piccolo appartamento e ogni giorno la sua vita è scandita da gesti ordinari, fare colazione, uscire di casa e andare a lavoro, il gatto che da quando è stato salvato si è innamorato di Lei, apprezza la sua gentilezza, la sua bellezza che coglie in ogni piccola cortesia fatta nei suoi confronti, e ad ogni sua parola; d’altra parte anche Lei si affeziona immensamente al gatto.

In poche scene, accompagnate da una musica soffusa, viene descritta la loro dolce convivenza, vedremo scorrere le stagioni e il loro rapporto si rafforzerà, per Lei, il gatto diventerà una sicurezza, un amico con il quale poter dialogare, confidarsi e, anche in estate, quando il gatto troverà una fidanzata, la giovane gattina Mimi, non abbandonerà mai Lei, alla quale ha donato il suo cuore.

Poi con l’arrivo dell’autunno, Lei inizierà a piangere, dopo una telefonata e, per il gatto, infatti, sarà difficile capire il motivo della tristezza, ma le starà vicino in ogni momento di sconforto fino all’inverno, quando complice la neve, Lei ricomincerà a vivere ed entrambi inizieranno ad amare la vita e il mondo attorno a loro.

Non è facile descrivere in pochi minuti una manciata di polvere di sentimenti universali che tutti potremmo provare perché tutti possiamo essere Lei, ma il dono più prezioso è l’aver trovato un compagno fedele, il suo gatto.

E’ una storia che parla di affetto, una storia che parla di superare stati emotivi negativi, quali la depressione e il calo di autostima, una storia curativa che in pochi minuti riuscirà a rubarvi il cuore.

Né Lei capisce la lingua e il mondo del suo gatto, né il gatto capisce la lingua e il mondo di Lei, ma entrambi parlano lo stesso linguaggio dell’anima e si comprendono in qualche modo, perché è questo l’affetto.

“Lei e il suo gatto” è un corto del 1999, ma nel 2016 è stata prodotta una serie di quattro episodi ispirata alla storia originale, oltre ad essere un vero e proprio prequel. In Italia la Dynit ha pubblicato il manga, mentre nel 2022 è stato pubblicato da Einaudi il romanzo, a cura di Makoto Shinkai e del mangaka Naruki Nagakawa. Il romanzo narra la storia di quattro donne che pensano di salvare dei randagi e invece saranno loro ad essere salvate in qualche modo.

Makoto Shinkai è sempre una garanzia per l’originalità delle storie, per lo stile e per la poesia dei sentimenti che ogni sua opera ci regala.

Memoru Grace

Busan in… Cinema – BIFF & BUIL Film Awards 2023

Qualcuno sa che le nostre peregrinazioni sudcoreane ci hanno portato anche in una ridente e colorata cittadina della parte meridionale della Corea, anche nota come la città che ha dato i natali a Jimin, Jungkook e tantissimi altri artisti. Stiamo parlando di Busan, la seconda città più grande della Corea del Sud, estesa sul mare e circondata dalle montagne e considerata patria della cultura e del cinema. Ad ottobre, infatti, si svolgono ben due cerimonie dedicate al cinema nella città di Busan: il Busan International Film Festival e il Busan Film Awards. Il primo è una rassegna internazionale di film d’autore, che vede la presentazione di grandi nomi e una passerella di attori e artisti da tutto il mondo, con proiezioni disseminate in tanti cinema della città (e, se avete visto il drama One Day Off, ne avrete un’idea nell’episodio dedicato al festival del cinema di Busan). Il secondo, invece, è una cerimonia di premiazione del cinema sudcoreano in stile Baeksang (tra l’altro, la stessa cerimonia con cui si apre anche il drama Run On).

Allora, vi lasciamo alla carrellata di premiazioni e a tante informazioni in merito. E, se avete una lista lunga di film da recuperare, non temete: adesso si allungherà ancora di più!

Awards Winners – BIFF 2023 Busan International Film Festival

Sezioni:

New Currents Award:

The Wrestler – Iqbal H. CHOWDHURY┃ Director (Bangladesh / Canada) Link: https://www.youtube.com/watch?v=r497_AuRR-A

SEPTEMBER 1923 – MORI Tatsuya┃ Director (Giappone) Link: https://www.youtube.com/watch?v=QFkfD7ngkv0

Sonje Award

MYDEAR – JEON Dohee, KIM Sohee┃ Director (Corea del Sud) Link: https://www.youtube.com/watch?v=J6CZJn8xI7A

21 Weeks Later – Nasrin MOHAMMADPOUR┃ Director (Iran) Link: https://www.youtube.com/watch?v=3baS29zF0_I

FIPRESCI Award

That Summer′s Lie – SOHN Hyun-lok┃ Director (Corea del Sud) Link: https://www.youtube.com/watch?v=O55s8-KCoGg

LG OLED Vision Award

The Berefts – Jeong Beom, HUR Jang┃ Director (Corea del Sud) Link: https://www.youtube.com/watch?v=wg9dbNPCrNY

KBS Independent Film Award

House of the Seasons – OH Jung-min┃ Director (Corea del Sud) Link: https://www.youtube.com/watch?v=FTZAWtZH-j0

Aurora Media Award

House of the Seasons – OH Jung-min┃ Director (Corea del Sud)

FAQ – KIM Da-min┃ Director (Corea del Sud) Link: https://www.youtube.com/watch?v=dSBILxE9Nx8

Busan Cinephile Award

Yellow Door: ′90s Lo-fi Film Club – LEE Hyuk-rae┃ Director (Corea del Sud) Link: https://www.youtube.com/watch?v=-TcMWUFwWAI

KIM Jiseok Award

Paradise – Prasanna VITHANAGE┃ Director (Sri Lanka/India) Link: https://www.youtube.com/watch?v=uz2fx7g4I4g

Bride Kidnapping– Mirlan ABDYKALYKOV┃ Director ( Kyrgyzstan) Link: https://www.youtube.com/watch?v=Ka1oNC8Ed1k

Actor of the Year

JANG Sung-bum Work to Do┃ Actor (Corea del Sud) https://www.youtube.com/shorts/gTzKoznVXU8

OH Minae Concerning My Daughter┃ Actor (Corea del Sud) https://www.youtube.com/watch?v=RR9XEdYnwXo

FIPRESCI Award

That Summer′s Lie – SOHN Hyun-lok┃ Director (Corea del Sud) Link: https://www.youtube.com/watch?v=O55s8-KCoGg

DGK PLUS M Award

Work to Do – PARK Hong-jun┃ Director Link: https://www.youtube.com/watch?v=jpf-yJiaUKg

Isle of Snakes Eu-min KIM┃ Director (Corea del Sud) Link: https://www.youtube.com/watch?v=mxkOZrm0gqE

CGK Award

House of the Seasons – LEE Jinkeun┃ Cinematographer (Corea del Sud) Link: https://www.youtube.com/watch?v=vniePnD4Qfo

Watcha Short Award

MYDEAR – JEON Dohee, KIM Sohee┃ Director Link: https://www.youtube.com/watch?v=2BJa4TRHRjA

KARMA – CHOI Soohyuk┃ Director (Corea del Sud) Link: https://www.youtube.com/watch?v=JCiqoxyx4xc

BIFF Mecenat Award

The Voices of the Silenced– PARK Soo-nam, PARK Maeui┃ Director (Corea del Sud/ Giappone) Link: https://www.youtube.com/watch?v=bk6iVG6BtYo

Republic – JIN Jiang┃ Director (Singapore/ Cina) Link: https://www.youtube.com/watch?v=jXkMYE6G_Xc

KB New Currents Audience Award

Heritage – LEE Jong-su┃ Director (Corea del Sud) Link: https://www.youtube.com/watch?v=PLNP1oipdfE

The Dreamer – Anaïs TELLENNE┃ Director (Francia) Link: https://www.youtube.com/watch?v=Dsi2ISEAVsw

LG OLED New Currents Award

Solids by the Seashore – Patiparn BOONTARIG┃ Director (Thailandia) Link: https://www.youtube.com/watch?v=ZkMZFT3s594

CGV Award

Concerning My Daughter – LEE Mirang┃ Director (Corea del Sud) Link: https://www.youtube.com/watch?v=g_MHpBS0G1I

Critic b Award

Last Summer – CHOI Seung-woo┃ Director (Corea del Sud) Link: https://www.youtube.com/watch?v=awPwAkPof2w

Citizen Critics’ Award

The Berefts – Jeong Beom, HUR Jang┃ Director (Corea del Sud) Link: https://www.youtube.com/watch?v=i4isG8SnmE4

The Choon-yun Award

KIM Ji-yeon ┃ Producer, CEO of Crankup Film (Corea del Sud)

Questo è il link per vedere la cerimonia del Festival:

BUIL Film Awards 2023

BEST FILM: Concrete Utopia (winner), Next Sohee, The Night Owl, Smugglers, Walk Up

BEST ACTOR: Lee Byung-hun – Concrete Utopia (winner), Doh Kyung-soo – The Moon, Ryu Jun-yeol – The Night Owl, Yoo Hae-in – The Night Owl, Im Si-wan – Unlocked

BEST SUPPORTING ACTOR: Kim Jong-soo – Smugglers (winner), Kang Ki-young – The Point Men, Ko Kyu-pil, The Roundup: No Way Out, Kim Sung-cheol – The Night Owl, Park Jung-min – Smugglers

BEST NEW DIRECTOR: Lee Ji-eun – The Hill of Secrets (winner), Kim Sae-in – The Apartment with Two Women, Park Song-yeol – Hot in Day, Cold at Night, Ahn Tae-jin – The Night Owl, Choi Seung-yeon – Sprinter

BEST NEW ACTOR: Kim Seon-ho – The Childe (winner), Byeon Woo-seok – 20th Century Girl, Lee Soon-won – 6/45, Lee Shin-young – Rebound, Jung Il-woo – Highway Family

BEST CINEMATOGRAPHY: Cho Hyung-rae – Concrete Utopia (winner), Kim Young-ho – The Moon, Choi Young-hwan – Smugglers, Kim Tae-seong – Ransomed, Cho Sang-yoon – Hero

BEST MUSIC: Dalpalan – Phantom (winner), Chang Kiha – Smugglers, Hwang Sang-jun – Hero, Kim Joon-seok – Life is Beautiful, Kim Hae-won – Concrete Utopia

BEST DIRECTOR: Jung Ju-ri – Next Sohee (winner), Ryoo Seung-wan – Smugglers, Um Tae-hwa – Concrete Utopia, Yim Soon-rye – The Point Men, Hong Sang-soo – Walk Up

BEST ACTRESS: Kim Seo-hyung – Green House (winner), Bae Doona – Next Sohee, Yang mal-bok – The Apartment with Two Women, Yum Jung-ah – Smugglers, Jeon Do-yeon – Kill Boksoon

BEST SUPPORTING ACTRESS: Go Min-si – Smugglers (winner), Kim Sun-young – Concrete Utopia, Na Moon-hee – Hero, Park Se-wan – 6/45, Lee Yeon – Kill Boksoon

BEST SCREENPLAY: Kim Sae-in – The Apartment with Two Women (winner), Park Gyu-tae – 6/45, Lee Shin-ji e Um Tae-hwa – Concrete Utopia, Jung Ju-ri – Next Sohee, Hyeon Gyu-ri e Ahn Tae-jin – The Night Owl

BEST NEW ACTRESS: Kim Si-eun – Next Sohee (winner), Go Min-si – Smugglers, Kim Yong-ji – Doom Doom, Ahn Eun-jin – The Night Owl, Lim Ji-ho – The Apartment with Two Women

ART TECHNICAL AWARD: Jin Jong-hyun – The Moon [VFX] (winner), Lee Hu-kyung – Smugglers [art], Kim Bo-muk – Phantom [art], Cho Hwa-sung – Concrete Utopia [art], Shin Yu-jin – Killing Romance [art]

YU HYUN-MOK FILM ARTS AWARD: Bae Doona – Next Sohee

STAR OF THE YEAR AWARD: Doh Kyung-soo – The Moon (male), Park Bo-young – Concrete Utopia (female)

AVVERTENZA: articolo interattivo (cliccate sui link per vedere i trailer e i discorsi di ringraziamento).

Memoru Grace & Captain-in-Freckles

P.S.: E non si tratta delle uniche premiazioni di questo periodo. Seguite i nostri canali social e scoprite con Lor i Korean Drama Awards 2023.

Kimi ni Todoke – Arrivare a Te (ovvero della crescita e della scoperta del primo amore)

“Vorrei riuscire ad esprimermi e a mostrare quello che provo. Vorrei che tutti questi sentimenti che ho dentro possano arrivare da me a te”.

Se dovessi descrivere in qualche modo la narrativa di Kimi ni Todoke (君に届け) – Arrivare a Te o From Me To You, che è, anzitutto, manga shojo, scritto e disegnato da Karuho Shiina e pubblicato dal 2006 al 2017, ed è diventato successivamente, anime (in due stagioni dal 2009 al 2011), film in live action (2010) e drama tv (2023), potrei dire che è delicato e lieve, come la discesa della prima neve in inverno, il turbinio delle foglie secche in autunno, l’immota brezza marina di una mattina estiva o i petali di ciliegio che, cadendo, annunciano la primavera. Oppure come un haiku, dimenticato tra vecchie pagine ingiallite e tornato alla memoria, come una fotografia dell’adolescenza con i suoi timori e i suoi sogni, la crescita e la scoperta dell’amore. Potrei anche dire che i personaggi (proprio tutti, anche quelli che, a prima vista, possono sembrare più antipatici) sono una parte di ognuno di noi, una sfaccettatura del lungo e travagliato percorso di formazione e che la storia non è altro che un diario di tutti i giorni, una registrazione di eventi, come quelli che possono essere accaduti ad ognuno di noi durante la scuola, ma filtrati attraverso la sensibilità di un’adolescente in crescita, gli occhi della solitaria e falsamente fragile Sawako.

“Il mio nome è Kuronowa Sawako, ma tutti mi chiamano Sadako per quella di The Ring“.

In questo modo, si presenta la protagonista e voce narrante della storia, una ragazza magra e longilinea, con lunghi capelli neri e frangia fino agli occhi. Sawako è timida, riservata e introversa: va molto bene a scuola e cerca di aiutare tutti, compresi i professori, che la caricano di attività extra scolastiche, quali la cura delle aiuole dei fiori del giardino durante le vacanze estive. Tuttavia, Sawako non ha amici e, anzi, viene evitata continuamente da tutti (“Non so perché, ma tutti mi chiedono scusa quando mi vedono apparire improvvisamente“). Questo suo isolamento è dovuto in parte ad un vecchio fatto, quando un suo compagno di scuola elementare, sbagliando a pronunciare il suo nome, la chiamò Sadako, proprio come la fanciulla con i lunghi capelli corvini buttati sugli occhi che terrorizzava tutti nella saga horror di The Ring. Giacché anche Sawako porta un’acconciatura simile e non è brava a socializzare, questo episodio casuale è stato presto dimenticato per farla coincidere direttamente con la personalità di Sadako. Ed è così che a scuola credono tutti che parli con gli spiriti e con i morti, che pratichi la magia nera e mandi maledizioni con un semplice sguardo e porti sfortuna già solo nominarla. Sawako/Sadako cerca di fare il suo meglio per integrarsi con il gruppo scolastico e, nonostante tutti gli scherni, si mostra sempre disponibile e senza alcun risentimento nei confronti dei suoi compagni, convinta che una parte del suo isolamento è dovuta al suo carattere introverso: “E’ difficile interagire con le persone e non sono per niente brava in questo, ma, nonostante ciò, un giorno, spero di abbattere il muro che mi circonda“.

Quando il ragazzo più popolare e ammirato della classe, Shota Kazehaya, uno dei pochi che ha sempre rivolto la parola a Sawako senza prenderla mai in giro, organizza una prova di coraggio per l’intera classe (con tanto di missione notturna al cimitero e camminata in mezzo ai boschi e alle colline), Sawako si iscrive per tentare di socializzare con gli altri e di smussare la sua riservatezza: solo che, convinta da due compagne, si traveste da evanescente figurina bianca con chioma arruffata (proprio come in The Ring), comparendo improvvisamente tra le siepi e generando in ciascuno quei cinque minuti da fine del mondo. Tuttavia, la prova di coraggio diventa un successo per tutta la classe proprio grazie a lei, facendole guadagnare un certo riconoscimento da parte di tutti gli altri ragazzi e una stima sicura da parte delle sue compagne di classe, la bella e cinica Ayane Yano e la solare e maschiaccio Chizuru Yoshida detta Chizu, ma anche qualche prezioso minuto di dialogo da sola con Shota Kazehaya, che era rimasto nascosto con lei durante la serata e aveva avuto occasione di parlare liberamente di sé con qualcuno.

Tuttavia, quando inizia il nuovo anno scolastico e vengono estratti a sorte i numeri associati ai banchi per capire la nuova disposizione della classe, la leggenda horror continua e nessuno vuole stare vicino a Sawako: nella confusione generale dei soliti bulletti che cercano di evitare il numero affiancato a quello della famosa e malefica Sadako, Shota fa scambio con il suo posto e si siede al suo fianco, seguito subito dopo da Ayane e Chizu, oltre che dal migliore amico di Shota, il taciturno Ryu Sanada, che declinano l’offerta d qualsiasi numero per stare vicino alla nuova amica Sawako in una delle scene più delicate e toccanti: “Hai visto che bello? Quest’anno siamo seduti vicini, Kuronowa!“, le dice Shota con un sorriso raggiante, facendo rimanere allibiti tutti i compagni di classe e dando inizio ad un nuovo corso nella vita di Sawako. Non so da che mondo venite, ma da queste parti sul pianeta terra, sedersi vicino alla persona a cui si è interessati a scuola è uno dei più alti vertici di felicità che si possano raggiungere.

A Sawako, infatti, è sempre interessato Shota, anche se non lo ha mai capito o, forse, ha confuso questa sensazione con una forma di gratitudine perché Shota l’ha sempre trattata con gentilezza e umanità e non ha mai fatto differenze tra lei e gli altri o perché, quando lo ha incontrato per la prima volta, il primo giorno di scuola dell’anno precedente, lui le ha sorriso spontaneamente e l’ha ringraziata per l’informazione data senza fuggire impaurito: “La prima volta che ci siamo visti tu mi hai sorriso e ringraziato. Ero felice. Era come se tutto improvvisamente fosse diventato colorato“. Quello che Sawako ignora e che interpreta come estrema educazione e gentilezza di Shota è che il ragazzo, in effetti, è sempre stato attratto da lei, sin dal primo momento, l’anno precedente, in cui l’ha vista con i capelli scompigliati dal vento sotto i ciliegi in fiore e si è inventato la scusa di chiederle un’informazione solo per rivolgerle la parola: “Quella volta ho avvertito questa sensazione. Questo sentimento ora è diventato grande. Un giorno ti raggiungerà?“.

Sawako scopre la meravigliosa sensazione di non sentirsi più sola, ma di essere parte di un piccolo e coeso gruppo di amici, conosce la sorellanza con le altre ragazze e il sostegno reciproco nei momenti di sconforto e di tristezza, impara ad apprezzare i silenzi carichi di parole di Ryu (che, per la cronaca, è anche uno dei miei personaggi preferiti) e la sua profondità nello stare sempre vicino agli altri, capisce che ci sono persone di cui si può fidare ed altre da evitare nonostante la falsa mellifluità (sì, Ume Kurumizawa, sto parlando con te) e si avvicina, passo dopo passo, all’anima di Shota, quel ragazzo gentile e solare, che “con una sola parola, con un semplice sorriso, riesce sempre a dare la forza per agire“. Ed è così che, stagione dopo stagione, foglia dopo foglia, neve dopo neve, scopre che non può più fare a meno di lui (“Perché, senza cercarti, ti incontro ovunque, soprattutto quando chiudo gli occhi“), che è diventato una parte importante di lei, e analizza i suoi sentimenti e le sue emozioni, in un dialogo continuo con se stessa, costruito come le pagine di un diario, fino a comprendere la parola “amore”.

“Mi chiedo quando sia nato questo sentimento, più forte della stima e del rispetto, un sentimento molto più grande, un sentimento d’amore. […] Dato che per me era la prima volta, non riuscivo proprio a capire se fosse davvero diverso per me. Però, se provo a dare ascolto al mio cuore, questi sentimenti potrebbero essere amore. Anzi, vorrei che fosse amore. Tanto, tanto, io lo desidero. […] All’improvviso, non riesco più a parlare, non so più che fare: è come se il mio cuore fosse nel caos, è come se fossi rinata… Provo sensazioni sempre nuove. […] Nell’istante in cui mi ha chiamato per nome, io ero già innamorata”.

Come il crescendo di una sinfonia musicale, così crescono i sentimenti di Sawako e la consapevolezza che lei stessa ha di essi, e, di pari passo, arriva a comprendere se stessa, il suo tentativo di annullarsi di fronte alla società e di negare l’evidenza, la sua persistenza e il suo coraggio, la fermezza dei suoi principi e la sua empatia. Conosce se stessa attraverso il sentimento che prova per Shota, si innamora e cresce, fino a comprendere quanto sia Shota, con il suo perenne sorriso gentile che nasconde un’enorme sofferenza nell’animo e una fragilità mai esposta, ad avere bisogno di lei, dandogli quella dolce sicurezza che da solo non riuscirebbe ad avere e salvandolo dal baratro della depressione e della tristezza in cui rischia di cadere.

Cresce anche Chizu, che ha sempre costruito la sua immagine di donna forte e spavalda, contraria alla bellezza e alle convenzioni femminili, ma che nasconde una tenerezza e una emotività uniche e che comprende solo col tempo di chi è davvero innamorata. Cresce Ryu, il cui motto è sempre stato quello di “lavorare in silenzio” e che trova se stesso nell’uso delle parole (N.d.R.: è sua la dichiarazione d’amore più bella che potrete vedere nella storia) e nella capacità di empatizzare con gli altri. Cresce, infine, Ayane, che si libera del cinismo e della maschera da cattiva e da mangiauomini che le ha affibbiato la società, per raggiungere la sua indipendenza personale e le sue aspirazioni future, senza il bisogno di appoggiarsi ad un uomo.

Esistono piccole minuscole differenze tra anime, film e dorama, ma sono talmente esigue da non confliggere minimamente tra di loro e da non creare scompensi o storture: da appassionata del genere anime, infatti, sono sempre molto attenta alle trasposizioni in live action e, talvolta, anche molto critica, convinta che non riescano a raggiungere il livello del fumetto, anche da un punto di vista narrativo. In questo caso, però, devo ammettere che non ho nulla da recriminare su alcuna versione. L’anime segue fedelmente il manga di Kuroho Shiina, che ha vinto anche il premio Kodansha, ed è, naturalmente, un piccolo capolavoro nel genere shojo, mai sopra le righe, delicato e sensibile in ogni singolo momento, attento a dare voce ai monologhi di Sawako, ma anche degli altri personaggi, per far esprimere loro le proprie emozioni. Sembra quasi di avere a che fare con un romanzo, per la profondità con cui sono narrati gli argomenti, mai banalizzati e mai lasciati ad un approccio teen.

Nella stessa maniera, il drama prodotto recentemente ha seguito in modo pedissequo il testo del manga e ha saputo costruire dei personaggi che sembrano proprio essersi staccati dalle sue pagine: Sawako è interpretata dalla giovanissima Sara Minami, mentre Shota è interpretato da Oji Suzuka (già visto in un ruolo minore in Silent, ma anche in Rappongi Class, la trasposizione giapponese di Itaewon Class); il cast è completato da Kaito Sakurai (Ryu), Rinka Kumada (Ayane) e Riho Nakamura (Chizu).

Il film si distacca un tantino da anime e drama (e, forse per questo motivo, ha avuto il destino di essere o amato oppure odiato), perché, per ragioni di tempistica, deve condensare più episodi e più anni di vita in meno tempo, preferendo soffermarsi sulla prima parte (l’adolescenza dei protagonisti), che sulla seconda (il momento di scegliere l’università e di entrare nel mondo degli adulti). Tuttavia, a mio avviso, è un altro prodotto di grande pregio e di cui consiglio il recupero. Devo ammettere, anzi, che la Sawako del film, interpretata da Mikako Tabe (interprete anche di Midnight Dinner e doppiatrice di Rilakkuma e Kaoru), è la mia preferita per la bravura recitativa che si esplica anche solo dagli occhi, che cambiano gradualmente a seconda delle emozioni e della crescita del suo personaggio (N.d.R.: inoltre, è la Sawako più Sadako che si possa trovare, vedere per credere). Nel cast, anche: nel ruolo di Shota, Haruma Miura (che ha interpretato Eren Yaeger nel live action di Attack on Titan), nel ruolo di Ayane, Natsuna Watanabe, nel ruolo di Chizu, Misaku Renbutsu e nel ruolo di Ryu, Daisuke Sasaki.

Piccola curiosità: nel drama il personaggio dello sfasato e simpatico professore Kazuichi Arai, detto Pin, un po’ insegnante e un po’ fratello maggiore su cui tutti possono contare e trovare sostegno, è interpretato da Shohei Miura, attore famosissimo in Giappone per la partecipazione a diversi drama e film e che è stato un investimento sicuro anche per la visione di questo drama; al di là di questo particolare, però, forse si ignora che Shohei Miura ha accettato la parte quasi in modo amichevole, come suo tributo personale nei confronti della moglie Mirei Kiritani (protagonista di A Girl and Three Sweethearts), che nel film aveva interpretato il ruolo della perfida rivale Ume.

Non è l’unico richiamo incrociato. Infatti, l’opening della prima stagione dell’anime, dal titolo Kimi ni Todoke, è stata composta e interpretata da Tomofumi Tanizawa (qui il videoclip). La stessa canzone si sente come title song nel film omonimo e, infine, nel drama. Sorte simile ha avuto l’ending della prima stagione, Kataomoi, interpretata da Chara (qui il videoclip), una cantante che in patria è considerata quasi un’inventrice del J-Pop. La colonna sonora principale del film, tuttavia, è A Spring Breath, cantata dalla band rock flumpool (qui il videoclip), che hanno composto anche l’opening di Ajin, e che si sente anche del drama. L’opening del drama, invece, è Ai no Uta, cantatata da Takaya Kawasaki (qui il videoclip). Tuttavia, il titolo in inglese, From Me To You, s’ispira all’omonima canzone dei Beatles (e, se non l’avete mai ascoltata, dovete rimediare assolutamente qui). Un sottile legame di sentimenti, che percorrono tutti e tre i prodotti.

Consigliato per rivivere la propria adolescenza e la propria crescita, per riscoprire le proprie emozioni e la bellezza del primo amore, rivisto come se fosse la lirica di un haiku giapponese.

Captain-in-Freckles

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A Time Called You

Quando ho terminato la visione di questo drama, sono rimasta in silenzio, con me stessa, così come faccio di solito quando rielaboro qualcosa che mi ha fatto pensare o perdere nei meandri della memoria perché l’effetto di questa serie è quello di perdersi e non solo per i viaggi temporali, ma anche in tutte quelle emozioni che vengono presentate nell’arco della narrazione, emozioni che risvegliano sentimenti universali che abbiamo provato tutti quanti durante la nostra vita o che ancora stiamo provando, ma che soprattutto, se avessimo il potere di tornare indietro nel tempo, ci convincerebbero a cambiare qualche decisione presa troppo frettolosamente o alla leggera, o, ancor meglio, a salvare qualcuno che si ritrova in un baratro di infelicità o forse potremmo salvare solamente noi stessi e cambiare il nostro futuro. Qualche volta mi chiedo cosa farei se potessi tornare indietro nel tempo e la mia mente improvvisamente si riempie di possibilità, ma poi penso che anche altri sarebbero coinvolti nel mio tentativo di “aggiustare” il passato e cosa accadrebbe loro, soprattutto alle persone care? Questo è l’interrogativo principale che la serie ci pone fino alla fine. E se la nostra decisione compromettesse la vita degli altri? E se invece in qualche modo sei legata ad alcune persone o ad alcuni affetti e nell’arco della tua vita riesci ugualmente a ritrovarli?

“A Time Called You” è ispirata al drama taiwanese “Someday or One Day” che è stato un grande successo in patria e anche all’estero. Pensare di ispirarsi al drama taiwanese non è stato di certo semplice per la bellezza della trama e per il coinvolgimento emotivo che ha regalato allo spettatore la serie originale, ma decisamente nel drama sudcoreano sono riusciti a cogliere le idee innovative e a renderle uniche anche grazie ad una regia impeccabile (Kim Jin–won di “My Country: The New Age” e “Just Between Lovers”), a delle scene iconiche, ad una bellissima colonna sonora e a delle interpretazioni che restano nel cuore.

Per tentare di non fare spoiler o di creare confusione, visto che la trama spazia in più dimensioni temporali, ho deciso di focalizzarmi solamente su alcune tematiche o particolarità che mi hanno maggiormente colpita, spero così di incuriosire chi ancora non lo ha visto e di spiegare quella moltitudine di emozioni che mi ha lasciato questa serie.

Gather My Tears

Ho deciso di iniziare a parlare di questo drama partendo proprio dalla canzone “Gather My Tears” di Seo Ji Won (cliccate sul titolo per il link a questa meravigliosa canzone). “Gather My Tears” venne rilasciata postuma nel 1996, apparteneva al secondo album di Seo Ji Won che si tolse la vita tra la notte del 31 dicembre 1995 e la mattina del primo gennaio 1996. A mio parere non è stata scelta a caso questa canzone struggente di un meraviglioso cantante che ha lasciato delle bellissime canzoni che sono ancora ricordate e citate. “Gather My Tears” parla di un amore nostalgico, finito, ma l’autore scrive una lettera al cielo, raccogliendo tutte le lacrime per trasmettere le proprie emozioni e per ricordare una persona che se ne è andata, ma che rimane nel cuore e resta la speranza di poterla rincontrare nella vita. Una profondità di sentimenti che coinvolge chi ascolta la canzone in una dimensione nostalgica, un ritorno al passato così come, infatti, avviene ai protagonisti della storia.

Il drama inizia con Han Jun-hee (interpretata da una immensa Jeon Yeo-been, “Vincenzo”) che, a distanza di un anno dall’incidente aereo che ha causato la morte del fidanzato Koo Yeon-jun (Ahn Hyo-seop, “Business Proposal”), soffre moltissimo la sua mancanza e non vuole arrendersi perché avverte in qualche modo la presenza del ragazzo anche se le sue percezioni non sono fondate né dimostrabili. Un giorno le viene recapitato un pacchetto misterioso contenente un vecchio walkman con una musicassetta e la foto davanti a un negozio di dischi di una ragazza che le assomiglia, insieme a un ragazzo che sembra Yeon-jun e a un terzo ragazzo che non ha mai visto nella sua vita. Quando inserisce la cassetta nel walkman e parte la canzone “Gather My Tears”, si ritrova improvvisamente nel 1998.

Ritorno al 1998

Nel 1998 gli studenti, Nam Si-heon (Ahn Hyo-seop) e Jung In-gyu (Kang Hoon, “Meow, ragazzo segreto”, “Little Women”) sono amici fin dall’infanzia, condividono ogni confidenza e speranza per il futuro fino a quando Si-heo  non scopre che il suo amico è segretamente innamorato della ragazza che lavora part time al negozio di dischi, Kwon Min-ju (Jeon Yeo-been) che, però, è molto timida, riservata e non parla mai con nessuno, ma In-gyu ha visto in lei quella malinconia che solo lui può condividere, quell’estraniarsi dal mondo che lui comprende anche a causa della sua ipoacusia neurosensoriale bilaterale che lo accompagna fin da piccolo, lo ha reso insicuro in molte situazioni, ma che gli ha fatto sviluppare una sensibilità differente oltre a saper leggere le labbra delle persone, capacità di cui avvertiremo l’importanza nello svolgimento della storia. I due ragazzi iniziano a cercare di stringere amicizia con Min-ju che è, in realtà, innamorata di Si-heon, ma che non ha mai rivelato i propri sentimenti. Qualcosa accade una sera di giugno, dopo aver festeggiato il diciottesimo compleanno della ragazza, Min-ju, infatti, è vittima di un incidente e, quando si risveglia in ospedale, sorprende tutti perché il suo carattere silenzioso è stato sostituito da uno più estroverso e socievole. In realtà, si tratta di Jun-hee che dal 2023 si è risvegliata nei panni di Min-ju nel 1998 e ha visto tra le persone in ospedale un ragazzo che somiglia incredibilmente al suo fidanzato, ma si tratta di Si-heon.

Passano i giorni e Jun-hee regala a Min-ju, attraverso il suo carattere allegro, una nuova possibilità di farsi accettare dagli altri a scuola, di stringere facilmente amicizia e di imporsi nella vita scolastica come un’adolescente comune, anche Si-heon inizia ad essere attratto da lei e a provare dei sentimenti che prima non provava nei confronti dell’amica. Nel frattempo, Jun-hee scopre che l’incidente accaduto a Min-ju non è stato casuale, ma la ragazza è stata presa di mira ed è in pericolo di vita. Tornata nel 2023 Jun-hee inizia a fare ricerche sulla scuola di Mi-ju e degli altri due ragazzi e scopre che Min-ju è stata uccisa nell’autunno del 1998 e così cercherà di evitare in tutti modi l’omicidio e di avvertire i ragazzi per cambiare la storia.

A time called you

Cos’è il tempo? Possiamo mai ingannare il tempo o è il tempo che ci fa viaggiare più volte, ci permette di perderci, di far finta di non essere mai nati o di non aver vissuto alcuni periodi della vita? Nel cercare di evitare la morte di Min-ju, Jun-hee si lega sempre di più a Si-heon, ma anche lui non può fare a meno di cercarla e di parlarle anche se non comprende pienamente quando Jun-hee cerca di spiegare di non essere la vera Min-ju, ma di averle preso il posto in alcuni momenti.

Nella seconda parte del drama possiamo vedere come i due ragazzi si cercano, si incontrano più volte come due piccoli puntini che si muovono nel tempo. Si-heon cerca disperatamente Jun-hee, quella ragazza che in un momento preciso del 1998 gli ha rubato il cuore con la sua allegria, la sua voglia di vivere, Jun-hee, invece, è alla ricerca di spiegazioni per capire dove possa essere finito il fidanzato Yeon-jun , convinta di essere sulla strada corretta perché non crede di averlo perso per sempre. Il loro è in realtà un rincorrersi infinito per trovare quel piccolo briciolo di tempo, veloce come un sogno, dove ritrovarsi. Un tempo tutto loro.

Testimone dei salti temporali è Bae Chi-won (Park Hyuk-kwon, “Behind Your Touch”, “Something in the Rain”), zio di Min-ju e proprietario del negozio di dischi del 1998, mentre nel 2023 è proprietario di una caffetteria dove si recherà la nostra protagonista dopo aver raccolto informazioni sul passato.

Sopravvivere alla vita

Cosa accade quando forziamo qualcosa e quando cerchiamo di forzare il tempo? L’ultima parte della serie è decisamente un colpo al cuore per entrare in un contatto emotivo con lo spettatore, un rapporto tutto proprio. Il messaggio principale, che da subito ci sembrava essere solo l’importanza della forza e della persistenza dell’amore, si snoda in un’altra tematica forte, il suicidio, la depressione, il baratro di infelicità di cui parlavamo all’inizio, il sentirsi incastrati in una vita priva di soddisfazioni e mai riconosciuti da nessuno come esseri umani preziosi in un mondo indifferente delle sofferenze altrui, questo è quello che il personaggio di Min-ju vuole comunicarci. Qui mi soffermo un attimo per citare l’interpretazione meravigliosa ed encomiabile di Jeon Yeo-been, con nessun supporto, ma solamente grazie alle sue espressioni e gestualità riusciamo a capire quando veste i panni di Jun-hee o quelli di Min-ju, compreso nei primi episodi quando entrambe mostrano il loro lato di depressione. Jun-hee e Min-ju, come sorelle, nell’ultima parte del drama, l’una si interfaccia con l’altra, Min-ju ringrazia Jun-hee per averle regalato dei momenti di popolarità, Jun-hee si comporta come una sorella maggiore che cerca di evitarle ogni sofferenza, ma capisce di averle causato una frattura emotiva perché la ragazza non è riuscita più a confrontarsi con il mondo come Jun-hee aveva fatto quando aveva preso il suo posto.

“Min-ju, quando ero dove sei tu ora, ho potuto sbirciare per bene nel tuo cuore. Stavi lottando e volevi arrenderti, ma non perché eri debole e depressa, era perché avevi troppe speranze e aspettative per il mondo”.  

Ultime note personali, Jun-hee è la chiave interpretativa del tempo, Min-ju rappresenta il cuore della storia, Si-heon è la costanza e la persistenza, In-gyu è il sacrificio e la segretezza dei sentimenti. “A Time Called You” non è una serie perfetta, ma riesce a coinvolgere perché è un viaggio nell’inconscio più profondo che ognuno di noi percepisce, ma tenta di nascondere.

In una notte nevosa di inverno ci si può ritrovare, il tempo è un compagno di vita, la memoria non è rimpianto, ma è segno della propria esistenza.  

Memoru Grace

Come suona la nostra recensione?

C’è posta per te: Una Valle di Lacrime Special Edition!

Torna la rubrica “No Maria, io esco!”, questa volta incentrata sui migliori drama che sono riusciti nell’impresa di lasciare un segno indelebile dentro di noi, toccando le corde della nostra anima e facendoci finire in una valle di lacrime. Vi proponiamo quei drama da vedere con le istruzioni per la visione -ossia con la scorta di fazzoletti a portata di mano- scelti dalle amministratrici tra quelli recensiti da loro e che, a distanza di tempo, ancora sono in grado di emozionarci al solo ricordo per le tematiche affrontate.

Lor schiera ThirtyNine e Tomorrow… una nuova occasione per vivere

Non è stato facile scegliere i due drama dalla “lacrima sicura”. Partiamo dalla premessa che ci sono serie che entrano nel cuore in punta di piedi, piano piano, altre che ti travolgono fin dai primi secondi come un uragano. E c’è una cosa che accomuna questi due tipi di storie: entrambe riescono a commuoverci al punto che neanche Maria de Filippi riuscirebbe a resistere.

Il primo drama, forse quello che più mi ha scosso negli ultimi anni, è sicuramente Thirty-nine. Una storia delicata, dove fin dal primo episodio scopriamo che una delle protagoniste non arriverà alla fine e iniziamo a singhiozzare perché -volenti o nolenti- tutti noi ci siamo trovati ad un certo punto della vita in una situazione simile, con un familiare, un amico/a, costretto a lottare contro una malattia devastante, non sapendo come poterci muovere né come poterli aiutare. In questo caso, l’amica scopre durante il check-up annuale di esser malata di cancro al pancreas, già allo stadio terminale, e non vuole neanche provare alcuna terapia; la ragazza decide, infatti, di passare le ultime settimane che le restano a lasciare la sua impronta nel mondo, un bel ricordo di sè, realizzando i sogni delle sue amiche ma anche i propri. Questa è la parte che mi ha stesa, letteralmente. È inevitabile, ad un certo punto della propria vita, fare i conti con se stessi, confrontarci con ciò che sognavamo e quello che siamo diventati. E se alcuni di quei sogni sono impossibili (sì, sposare Babbo Natale è impossibile, sposare un IDOL ci si può sempre provare cit. Una delulu qualunque di nome Lor), altri possono invece trasformarsi da sassolini in pietre miliari, in piccole soddisfazioni che vanno a colmare i vuoti creati dalle nostre paure ed insicurezze che non ci hanno permesso di insistere a suo tempo nel provare a realizzarli (come cercare la madre naturale di una delle protagoniste o partecipare ad un’audizione come l’amica). Sappiamo tutti che la vita ha una durata limitata ma è solo quando ci ritroviamo in queste situazioni che prendiamo consapevolezza della sua fragilità, dello scandire del tempo e di quella data di scadenza a noi sconosciuta ma che c’è e bisogna prenderne atto. E allora forse è il caso di iniziare prima a realizzare quei piccoli sogni per cui vale la pena di lottare, anche solo per poter dire a noi stessi di aver provato e non avere rimpianti.

Più o meno sulla stessa lunghezza d’onda, con una tematica simile, si piazza Tomorrow, il drama che non mi aspettavo avesse una tale portata emotiva. Non c’è un singolo episodio nel quale non si può fare a meno di empatizzare con i protagonisti di turno, pronti a farla finita, che vengono salvati dal miglior team di Grim Reapers Anti-suicidio mai visto prima. È facile ritrovarsi nelle loro storie, commuoversi davanti all’episodio del cagnolino malato che vuole farla finita e per non far soffrire il suo “padrone” scappa di casa; o della storia delle “donne di conforto”; o, ancora quando trattano il tema della violenza sessuale che uccide la vittima lentamente, a più riprese, all’atto fisico e quando si arriva al processo con la stampa e l’opinione pubblica pronta a scagliarsi -la maggior parte delle volte- contro la vittima e non il carnefice.

Sono tematiche importanti, sempre attuali e familiari. Per questo vanno affrontate con il giusto spirito, prendendo consapevolezza che ci stanno dando la lezione più importante di tutte: la vita è una, va vissuta fino in fondo ma soprattutto non dobbiamo mai arrenderci con noi stessi e darci una nuova possibilità di esser felici e ricominciare a vivere. Questi sono i drama che più mi hanno fatto piangere, ho cercato di farmi la pelle dura nel frattempo ma non garantisco di non trovarne altri di questo genere in futuro! Siete avvisati….preparate un vagone di fazzoletti se volete guardarli!

Memoru Grace sceglie Just Between Lovers e Navillera… l’importanza dei ricordi

Entrambi questi drama hanno in comune una tematica a me molto cara, i ricordi. In entrambi i drama i protagonisti non sono dei vincenti, lottano, non si arrendono, vanno avanti attraverso sofferenze e quasi si annullano in quel dolore, in quel grido disperato di vita, perché hanno scontato la loro esistenza sopravvivendo al crollo di un centro commerciale, all’angoscia e al senso di colpa per essere sopravvissuti come in Just Between Lovers o alla vita in punta di piedi di un mite postino ormai in pensione che nutriva fin da piccolo il sogno della danza e che tanto la sua vita è stata ordinaria e monotona che adesso vuole cogliere ogni istante di lucidità e accelerare il ritmo per assaporare quel sogno accantonato in un cantuccio prima che l’oblio possa cancellare ogni memoria e inghiottire ogni ricordo, così uno dei due protagonisti di Navillera, dopo aver appreso di essere affetto da Alzheimer.

In Just Between Lovers, percorriamo un vero e proprio viaggio nelle anime di due ragazzi, Lee Kang-doo e Ha Moon-soo, sopravvissuti dodici anni prima al crollo di un centro commerciale in cui hanno perso rispettivamente il padre e la sorellina. Ha Moon-soo ha quasi voluto sotterrare i momenti più angoscianti del ricordo, mentre per Lee Kang-doo il ricordo è un incubo ricorrente, una ferita che sanguina e che ogni giorno gli rammenta che è vivo fisicamente, ma emotivamente qualcosa lo strozza in ogni momento, lo priva di qualsiasi sorriso, lo carica di collera e di dolore. I due ragazzi si incontrano dodici anni dopo il drammatico avvenimento, Kang-doo riconosce la ragazza, ma Moon-so non riconosce lui, l’incontro tra i due, però, è salvifico, inizia per entrambi un percorso di guarigione interiore, alla scoperta delle proprie ferite mai curate e al conforto delle proprie anime così sofferenti, ma così pure e splendide.

In Navillera, il tratto distintivo della storia è quello di partire dai propri sogni, proprio quelli che durante la vita non si sono mai realizzati. Il protagonista, Shim Deok-chul, un postino andato in pensione, ha dedicato tutta la sua vita al lavoro e alla famiglia, ma ha da sempre nutrito il sogno di danzare e decide di iscriversi ad un corso di danza classica, prima che la malattia di cui è affetto lo avvolga nelle tenebre della dimenticanza. Lee Chae-rok è un giovane ragazzo che ha abbandonato il mondo del calcio per esercitarsi a migliorare la danza e diventare un professionista, la madre ex ballerina di danza classica è morta anni prima e il padre, con il quale non va d’accordo, sta per uscire da prigione, ma per Chae-rok esiste solo la solitudine e il lasciarsi vivere con addosso solo una coperta di amarezza. Le strade di Shim Deok-chul e di Lee Chae-rok sono destinate ad incrociarsi, a capire l’uno i sogni dell’altro, a trovare un amico, quasi un nipote per Deok-chul e una famiglia per Chae-rok. La dignità della vita, il coraggio dei sogni, il rispetto tra generazioni, l’importanza della memoria, tutto in questo drama fa commuovere.

Il valore dei ricordi accomuna entrambi i drama, rendendoli dei piccoli preziosi capolavori indimenticabili.

Captain-in-Freckles opta per Move to Heaven e The Good Bad Mother… saper perdonare se stessi

Nella realtà, esistono diversi motivi per cui, talvolta, mi fiondo a guardare horror e thriller o quei prodotti in stile Squid Game, per cui servono stomaco, fegato, cuore e quant’altro, ma che preservano i dotti lacrimali. Uno dei motivi validi è proprio il fatto che non si è costretti a cadere in quel dolce e melanconico torpore che sanno trasmettere alcuni drama, che non solo riescono a farti piangere nel finale, ma ti fanno singhiozzare di filato dal primo all’ultimo frammento, costruendo delle scene quasi mute, che ti stringono in una morsa l’animo. E, per me, su tutti, eccellono il breve e intenso Move to Heaven (che, se avesse avuto anche solo due episodi in più, non mi avrebbe più fatto risalire dalla sedia) e l’indiscusso capolavoro The Good Bad Mother. Entrambi, inoltre, hanno l’aggravante di essere muniti di cast perfetti e di attori straordinariamente bravi, ma, soprattutto, di essere capeggiati da due interpreti che riescono a commuovermi non appena entrano in scena: Ji Jin-hee, che interpreta il padre del ragazzo nello spettro autistico protagonista di Move to Heaven, un attore che, quando caratterizza l’uomo probo, onesto e con alti principi morali, guarda con due occhi nostalgici da suscitare tutte le lacrime di questo mondo; Ra Mi-ran, che interpreta la pessima madre ideale del protagonista Lee Do-hyun in The Good Bad Mother, una di quelle rare attrici che, come Anna Magnani, non interpretano, ma vivono una storia, con lo sguardo, i gesti, le mani, le rughe, ogni più piccolo e intenso movimento e che iniziano a farti piangere dal primissimo momento in cui puntano gli occhi sulla cinepresa.

Entrambi i drama si aprono già con un tratto in comune, che garantisce quelle lacrime da primo episodio, per cui lo spettatore rimane allibito e attonito, conscio che sarà un momento iniziale, un forte sprone emotivo per dar il via alla storia e non potrà essere sempre tutto così (sbagliando di grosso, perché le lacrime prodotte successivamente saranno più copiose e variegate). Il primo episodio di Move to Heaven presenta l’agenzia della pulizia del lutto gestita da Han Joeng-woo (Ji Jin-hee, appunto) e da suo figlio Han Geu-ru (Tang Jung-sang) con un tatto e un’empatia unica e straordinaria, tanto da avvicinare immediatamente lo spettatore ai sentimenti e alle emozioni provate dai personaggi (il lutto dei genitori sordomuti che hanno perso il figlio per un incidente sul lavoro); in modo quasi speculare, anche The Good Bad Mother si apre presentando l’impresa agricola familiare della “fattoria felice” gestita da Jin Young-soon (Ra Mi-ran) e da suo marito Choi Hae-sik (Cho Jin-woong), due agricoltori ignari delle disonestà del mondo e ricchi solo di piccoli sogni, come quello di far crescere una famiglia felice. In entrambi i casi, il primo episodio si chiude con un grosso dramma che ridetermina e ricostruisce la trama, destabilizzando lo spettatore: in Move to Heaven, Han Jeong-woo, già sofferente di cuore, muore per un infarto improvviso e lascia il figlio orfano ad occuparsi del lutto degli altri; in The Good Bad Mother, Choi Hae-sik, credendo nella bontà intrinseca di coloro che volevano togliergli il terreno della fattoria, va a discutere con loro e viene barbaramente ucciso (con simulazione di un suicidio), lasciando da sola la moglie agli ultimi mesi di gravidanza. Quella squadra quasi familiare che era stata presentata da subito si frange e si spezza, sola di fronte al mondo e alla tristezza. Ed è qui che entra in gioco il terzo giocatore, lo zio Cho Sang-gu (Lee Je-hoon) in Move to Heaven e il figlio Choi Kang-ho (Lee Do-hyun) in The Good Bad Mother, due attori di una bravura tale che porteranno via un pezzo di anima e a cui sarà devoluto il carico della risoluzione della trama e una parte fondamentale del messaggio che il drama vuole portare avanti. Perché il trauma iniziale è solo il primo pretesto per la trama e porta ad immergersi nella ricerca di se stessi, ma anche della propria autoassoluzione e del proprio posto nel mondo (in Move to Heaven) e della capacità di perdonare e di tornare ad emozionarsi (in The Good Bad Mother).

Saper perdonare se stessi è forse la cosa più difficile da fare per qualsiasi essere umano, abituato a vestire una maschera di imperturbabile immutabilità e a nascondere i propri sentimenti e forse anche la propria umanità: in Move to Heaven, Cho Sang-gu, ex pugile, reo di omicidio colposo durante un incontro di boxe, si è automunito della maschera della persona abituata alla durezza e all’asprezza della vita, che ha eliminato qualsiasi fragilità umana, ma, incontrando il nipote, che, chiuso nel suo Asperger, ha difficoltà ad esprimere le proprie emozioni e che lo porta a conoscere il ricordo postumo di una fratellanza mancata, inizia a frangersi, mostrando la sua umanità; in The Good Bad Mother, Jin Young-soon, vedova, madre, imprenditrice lasciata da sola ad affrontare tutte le avversità, si veste della maschera della madre-drago, inflessibile e inamovibile nella sua severità nei confronti di un figlio, che deve essere educato ad essere un vincente e a non farsi prevaricare da nessuno, ma, quando il figlio torna bambino, dopo l’incidente, va a confliggere contro la se stessa del passato, pentendosi di non aver mai saputo porgere il proprio amore e boccheggiando per aggrapparsi alla sua seconda possibilità.

Tutti abbiamo vissuto dei traumi e la vita non è mai rosea, ma un lungo chiaroscuro costellato di qualche solitaria luce, ma tutti abbiamo diritto a fermarci, ritirarci in noi stessi e ripartire, scoprendo la possibilità di diventare persone nuove, ritrovando in noi l’empatia verso gli altri e l’amore per il futuro. Perché essere felici è la risposta migliore nei confronti di qualsiasi bruttura possiamo incontrare e la felicità dipende dalla capacità di riuscire a considerarci come esseri umani e di saperci auto-perdonare e chiedere perdono a coloro a cui abbiamo fatto del male. E anche dalla capacità di saper piangere ed emozionarci senza problemi, senza la paura di essere considerati piccoli e fragili, ma consapevoli della grandezza delle nostre lacrime, che sanno dire “mi dispiace”, “scusami”, “ti voglio bene”, che sanno mostrare risate e malinconia e che parlano di noi stessi, senza aver bisogno di parole. Piangere fa bene: aiuta la vista, attenua le sensazioni di dolore, tranquillizza l’animo e dà modo di liberarci dai pesi della tristezza e della depressione, ma soprattutto aiuta ad essere noi stessi con tutta la nostra effimera eppure splendida umanità.

Lor & Memoru Grace & Captain-in-Freckles