Il canto delle haenyeo, le sirene del mare coreano

“Il mare è il posto migliore dove essere, quando si ha qualche problema: è tranquillo e nessuno ti dà fastidio qui”. – Ko Mi-ja (interpretata da Kim Mi-kyung in “Welcome to Samdal-ri”)

Il successo del k-drama Benvenuti a Samdal-ri ha fatto emergere in tutto il mondo la figura della quasi leggendaria pescatrice subacquea dell’isola di Jeju, conosciuta con il nome haenyo e divenuta caratteristica non solo dell’isola a Sud della Corea, ma anche della forza e della resilienza tacita della donne coreane, adattatisi nei secoli a lavori ardui, spesso in sostituzione di uomini costretti ad emigrare.

Mentre l’origine di questa professione naufraga ancora parzialmente nella leggenda, il termine haenyeo (in hangul 해녀 e in hanja 海女) significa letteralmente “donne del mare”, contenendo in sé l’essenza femminile (il radicale 女) e l’immensità della distesa marina con tutta la sua ricchezza di vita e di risorse (il radicale 海) e ammanta queste figure di donne pescatrici quasi di una parvenza lirica. Le prime testimonianze di immersione in acqua, pesca subacquea e apnea sull’isola di Jeju risalgono storicamente al 400 d.C. circa, confermando la propensione degli abitanti dell’isola a mantenersi pescando molluschi, crostacei, alghe e frutti di mare direttamente dal fondo marino. Si reputa che, inizialmente, la maggior parte dei pescatori subacquei fossero uomini, anche in considerazione alla pericolosità del lavoro e alla collocazione marginale della figura della donna. Il cambiamento sociale e demografico, che destabilizzò la Corea durante il XVII secolo, dovuto principalmente alle invasioni giapponesi con relativo arruolamento forzato della popolazione maschile e, successivamente, al vassallaggio coreano nei confronti dell’impero cinese con relativa traduzione in prigionia di un certo numero di forza lavoro maschile, gravò pesantemente sull’isola di Jeju, trasformando la professione di pescatore subacqueo in una tradizione femminile, quasi un sacerdozio rituale e ben catalogato, che le haenyeo trasmettono di madre in figlia, con una rigida scuola. Già durante il XVIII secolo le testimonianze storiografiche citavano che il numero delle donne impiegate in tale attività aveva superato quello degli uomini, anche per presupposti motivi che le avrebbero rese più resistenti alle correnti marine e ai freddi e più propense al galleggiamento.

Tuttavia, la vita delle haenyeo era turbata da eccessive imposizioni fiscali, in quanto lo Stato era ritenuto proprietario di tutta la vita vegetale e animale dei mari e, quindi, doveva essere remunerato di un elevato tributo proveniente dalla pesca delle haenyeo. Questa condizione, da una parte, le rese più esposte ai rischi e a morti precoci (le haenyeo spesso erano costrette ad immergersi a temperatore fredde e a profondità enormi anche durante la gravidanza); dall’altra, contribuì a scardinare il rigido comportamento maschilista derivante dalle regole confuciane dell’entroterra, facendo sorgere un vero e proprio matriarcato, in cui le haenyeo non solo erano coloro che provvedevano al sostentamento della famiglia, ma erano anche coloro che dovevano prendere le decisioni fondamentali per la comunità e a cui era affidato il compito di custodire le tradizioni e i segreti, come i riti misterici dello sciamanesimo. La figura delle haenyeo in questa cultura matriarcale e decentrata, dipendente dalle turbolenze marine e del vento, divenne connessa alla figura della sciamana, che tramandava il proprio potere e la propria comprensione del divino in linea femminile in seno alla famiglia. Era l’haenyeo, in quanto donna del mare, pescatrice volitiva e coraggiosa e sciamana, che ogni anno invocava la Yeondeungsin (영등신), la dèa del vento, colei che contribuiva a rendere ricca o parca la pesca delle haenyeo e che, non a caso, era il fulcro dell’essenza femminile e della forza tacita delle haenyeo stesse. In tutto ciò, infatti, le haenyeo hanno sempre vissuto a contatto diretto con la natura e con i suoi elementi, prendendo solo il necessario, senza spogliare le risorse e mantenendosi in equilibrio perfetto, come delle vere sacerdotesse.

Il matriarcato delle haenyeo divenne preponderante durante il XX secolo, ovvero dopo l’invasione giapponese e la perdita dell’indipendenza coreana, sia per l’eliminazione di dazi e di tributi da versare all’apparato statale Joseon e l’aumento del prezzo di abaloni e altri molluschi di mare al centro del mercato gestito dall’Impero giapponese, sia per una nuova forza che caratterizzò le donne nella loro autoprotezione costante di fronte alle brutalità dell’esercito nipponico. Risalgono a quel momento tradizioni che sono rimaste tuttora intatte sull’Isola di Jeju (e in altre isole coreane, affette dalla cultura haenyeo), tra cui: il dovere per gli uomini di rimanere a casa a prestare le proprie cure ai figli, mentre le mogli si immergevano in acqua per lavoro, ma anche il sovvertimento della tradizione della dote, che non doveva accompagnare la sposa al momento delle nozze, ma lo sposo, lasciando la libertà alla donna di scegliere in base alla ricchezza che il matrimonio poteva portare, e, infine, l’utilizzo da parte delle haenyeo di indumenti molto leggeri e quasi “succinti” per pescare, senza alcuna reprimenda sociale (le mute da sub furono introdotte solo dagli anni ’70, per cui, prima, le haenyeo si immergevano indossando un leggero costume di cotone, oggi divenuto simbolo dell’Isola di Jeju, che, talvolta, non riusciva a nascondere appieno le nudità).

Ancora oggi, nonostante il loro numero sia diminuito fortemente, anche per l’evoluzione di strumenti meccanici e di allevamenti ittici intensivi, le haeneyo iniziano l’addestramento molto giovani (intorno agli 11 anni o, al massimo, 15, mentre è molto raro che possano cominciare da adulte). La scuola, che comprende esercitazioni molto ardue e prove di apnea ed è gestita dalla haenyeo più esperte, dura almeno 7 anni. Dopo l’addestramento, le haenyo si distinguono in base alla propria esperienza e alla propria bravura in hagun (grado inferiore), junggun (grado intermedio) e sanggun (grado superiore).

La cultura delle haenyo fa parte oggi del patrimonio culturale dell’umanità tutelato dall’UNESCO, iscritto dalla Repubblica della Corea del Sud nel 2016, ed è tutelata in un museo appositamente dedicato sull’Isola di Jeju (lo stesso dove si reca il personaggio interpretato da Ji Chang-wook nel drama Benvenuti a Samdal-ri). Potete consultare la scheda Culture of Jeju Haenyeo (women divers) qui per scoprire le pratiche e le tradizioni delle haenyo, che vanno dalla pesca subacquea, alla cura della natura marina, al confezionamento di ceste e alla raccolta di piante e alghe fino alla preparazione di rituali e alla preservazione di tradizioni locali, come i loro canti del mare, che riecheggiano le onde e il verso dei delfini di Jeju.

La figura delle haenyeo è oggi stata portata all’attenzione del grande pubblico anche per essere apparsi in diversi prodotti televisivi, tra cui il già citato drama Benvenuti a Samdal-ri, ma anche Our Blues e Pachinko, in film come My Mother The Mermaid (noto anche con il titolo italiano Mia Madre La Sirena), dove l’attrice Jeon Do-yeon (Crash Course in Romance, A Man and a Woman) interpreta il ruolo della figlia di una haenyeo di Jeju che tenta di ricostruire il passato della madre sull’isola e della stessa madre da giovane. Recentemente, le haenyeo sono diventate protagoniste anche di alcuni romanzi di grande successo, tra cui “Le madri di vento e di sale” di Lisa See e “Figlie del mare” di Mary Lynn Bracht (che tratta anche la tematica delle comfort women in tempo di guerra).

Ma le haenyo sono state anche muse e sirene della poesia tradizionale coreana, figure quasi leggendarie, depositarie della cultura tradizionale e di quel legame, tutto femminile, con la natura, che si trasfonde nella linea dell’orizzonte tra l’azzurro del cielo e il verde acqua del mare.

“A Tongpo vidi delle haenyeo catturare abaloni…in piedi, nella loro
nudità, addentrarsi nelle profondità marine come fossero rane ed
uscirne come fossero uccelli. Non ebbi la forza di osservarle a lungo”.

Disse così di loro lo storico di epoca Joseon Wi Paek Kyu (위백규) nel 1791 nel suo Storia di un viaggio in barca all’isola di Geumdang (in hangul 금당도선유기; in hanja 金塘島船游記). E le consacrò alla storia.

Laura

Benvenuti a Samdal-ri – Ritornare a casa

“Avere un posto a cui tornare è un sollievo incredibile”.

Qualche anno fa, in un giorno da pendolare, sul treno per Milano, si erano seduti accanto a me alcuni bancari che parlavano tra loro, improvvisamente, però, fui attirata da una delle frasi esclamate: “No, la panca non la costruisco qui, lo faccio quando torno a casa. Lì ho il legno che mi serve, tutte le mie cose, c’è anche mia nonna. Sono a casa mia”. Questa frase mi rimase scolpita nella mente perché nel suo tono di voce c’era una carica di speranza e di orgoglio che non immaginava nemmeno lui.

Quando ho iniziato a guardare il drama “Benvenuti a Samdal-ri” ho ripensato a questa frase ascoltata anni fa e pronunciata da uno sconosciuto, perché la bellezza di questo mondo è che siamo tutti diversi, ma alla fine i sentimenti e le emozioni sono davvero universali.

Ritornare a casa, tornare nella propria città natale, per ricaricarsi, per ritrovare se stessi, per pensare a quel tempo trascorso che ci ha allontanato dai nostri pensieri, ma il ritorno non è una resa, è una riconquista di noi stessi, ha una funzione terapeutica come lo è questo comfort drama.

“Voglio essere un drago che si leva da un ruscello. Da grande cercherò una perla magica sul continente”. (Cho Sam-dal)

Cho Sam-dal (la sempre bravissima, Shin Hye Sun “Thirty but Seventeen”, “See You in My 19th Life”, “Angel’s Last Mission Love”) è una fotografa affermata e conosciuta nel suo mondo del lavoro con lo pseudonimo di Cho Eun-hye, è arrivata all’apice della carriera dopo anni di gavetta e dopo anni in cui ha concentrato tutta la sua vita nel costruire la sua professione e realizzare il proprio sogno, anche dopo aver fatto mille sacrifici, aver sopportato rimproveri, ammonizioni, senza fermarsi mai, lavorando giorno e notte, saltando pasti e gravando sul sonno, perché Sam-dal, originaria di Jeju è il drago che si è levato dal ruscello e da grande è arrivata sul continente per cercare quella perla magica che sognava già da bambina.

Sam-dal a Seoul vive con le sorelle, la maggiore, Cho Jin-dal (Shin Dong-mi, “It’s Beautiful Now”), ex assistente di volo, divorziata, onesta e coraggiosa che ha causato una tempesta nella famiglia ricca dell’ex marito accusandola di abuso di potere  e  la minore Cho Hae-dal ( Kang Mi-na, “I misteri del Caffè Minamdang”, “Hotel del Luna”) , vedova e madre di una bambina di nove anni, Cha Ha-yu (interpretata dalla adorabile Kim Do-eun che ha impreziosito la storia del drama).

Un giorno, la vita di Sam-dal viene investita da un vortice di cattiveria, una pioggia di calunnie e di diffamazioni che dilagano nella sua vita e in quella delle sorelle in modo talmente violento da far prendere loro la decisione di andare via e allontanarsi da Seoul, prendere un volo e tornare al loro paese, Samdal-ri.

Nella sua casa natale Sam-dal spera di rifugiarsi, di allontanare quello stato di disperazione che l’ha fatta sentire inerme davanti a tutti, nel tentativo di ricaricare le forze e cercare di riuscire a dimostrare la propria innocenza, dopo l’accusa di abuso di potere e di maltrattamenti ai danni di una collega di lavoro che ha tentato il suicidio. Un’accusa ingiusta per Sam-dal che non ha mai trattato male nessuno dei suoi colleghi, anzi è sempre stata comprensiva anche perché ha vissuto in prima persona lo stress da lavoro e i sacrifici degli anni passati.

All’inizio crede di riuscire a nascondersi a casa, ma la comunità, quella di Samdal-ri, la riconosce e, dopo aver creduto alla sua innocenza, la protegge e la culla come le onde del mare di Jeju, come i colori e la natura che abbracciano ogni momento della giornata, scandito da un ritmo molto più sereno e rilassante di quello lasciato in città. La comunità rappresentata soprattutto dalle haenyeo, le donne di Jeju, sommozzatrici, dedite alla raccolta di molluschi e alghe che rappresentano da sempre la struttura familiare semi-patriarcale della provincia stessa e la madre di Sam-dal, Go Mi-ja (una splendida e toccante interpretazione di Kim Mi-kyung, “Healer”) ne è la testimonianza.

Sam-dal inizia a rilassarsi e a ristorare la propria anima nella sua permanenza, anche se, in realtà, c’è qualcuno che non vorrebbe incontrare, una persona con la quale ha interrotto ogni contatto otto anni prima, Cho Yong-pil (un perfetto e malinconico Ji Chang-wook in una delle sue interpretazioni più sentite), amico d’infanzia ed ex fidanzato della ragazza.

“Allora avevamo ancora la frivolezza dei bambini. Lei sognava di levarsi da un piccolo ruscello come un drago, Lui di diventare il piccolo ruscello di lei.  Ma quando quella frivolezza scompare, lui e lei se ne renderanno conto? Forse un sogno è più bello quando resta tale”.

Cosa è successo otto anni prima? Cosa ha diviso per sempre i due ragazzi che fin da piccoli sono sempre stati legati?

Yong-pil, che lavora presso il centro di meteorologia di Jeju, non ha mai dimenticato Sam-dal, ha trascorso ogni giorno degli ultimi otto anni tra il lavoro, lo stare accanto al padre, rimasto vedovo venti anni prima e l’amore per la sua terra, avendo premura della vita delle haenyeo, soprattutto di Go Mi-ja che lui tratta da madre e che era la migliore amica di sua madre, morta in un incidente in mare durante il lavoro. Da allora Yong-pil è come un custode delle haenyeo, ha deciso di specializzarsi in meteorologia per dare il proprio contributo e cercare di non sbagliare mai alcuna previsione per la sicurezza delle persone.

Yong- pil, “il piccolo ruscello di lei”, che conserva ancora un vecchio gomitolo di lana rossa (non a caso il colore) che rappresenta i giorni felici con Sam-dal, la quale non appena rivede il suo vecchio amico e fidanzato inizia a provare quei sentimenti che erano solo sopiti, ma che sono rimasti immutati. La chimica tra i due protagonisti dona alla storia un’intensità e un valore in più che ci faranno affezionare al loro presente, ma anche al loro passato e ci faranno sperare in un futuro insieme.

Pian piano Sam-dal si riavvicinerà a Yong-pil e così al gruppo dei suoi vecchi amici d’ infanzia che uno alla volta, negli anni passati, dopo aver cercato di realizzare i propri sogni sul continente, sono tornati nella propria casa natale per trovare quella serenità che ora sta provando la ragazza.

La sussidiarietà della comunità, l’affetto della famiglia e degli amici, l’amore di Yong-pil, contribuiranno alla guarigione di Sam-dal, alla riappacificazione con se stessa, a ritrovare la propria forza e il coraggio.

“Una volta Yong -pil mi ha detto che nessun drago può levarsi da un ruscello da solo. Gli serve aiuto dai cobiti, dai pesci mandarino e dalle rane. Ci vuole un villaggio per crescere un drago”.

E nel suo paese natale Sam-dal riprenderà in mano la macchina fotografica e lì organizzerà, con il suo vero nome, la mostra più intimista, più bella mai fatta, perché, finalmente, ha ritrovato il posto dove essere se stessa, la sua città, la sua gente. Guardandosi intorno trova in loro se stessa e il suo percorso dentro di loro. 

Una storia che riempie il cuore e che ci spinge a fermarci per un attimo in questo mondo che continua a cambiare ogni giorno, fermarci per pensare e tornare nella nostra casa, tra i nostri affetti che non ci hanno mai voltato le spalle e che quando si è stanchi e spossati ti capiscono e ti chiedono come stai, perché:

“Ogni volta che ci manca il respiro, torniamo al posto di sempre.

Al nostro piccolo ruscello, Samdal-ri”.

Grazia

Come suona la recensione?

Strangers from Hell (ovvero: l’inferno dei vivi)

“Gli umani sono gli esseri più spaventosi”.

Avvertenza necessaria: questo non è un drama per tutti i palati e/o per tutti gli stomaci. Tutt’al più che, a parlare di palati e di stomaci, mi sento quasi in colpa, a giudicare da ciò che avviene all’interno della trama. Ma, soprattutto, Strangers from Hell (타인은 지옥이다, anche noto col titolo Hell is Other People, ispirato all’omonimo webtoon di Kim Yong-ki) non è quel drama che può farvi passare piacevolmente notti insonni per scoprire se i protagonisti prendono quella determinata decisione per la propria felicità, perché, se di un’insonnia si può parlare qui dentro, si tratta di un lento e abissale incubo capace di trascinarvi nel ventre della notte e, poi, nei meandri più cupi della mente umana. Però, se non avete timore di horror/thriller inquietanti e psicologici, non vi sconvolge il sangue e le nefandezze umane e non vi hanno impressionato, in genere, saghe truculente in stile Hannibal, allora potete continuare a leggere questa recensione e iniziare a pensare ad un diversivo valido e di grande valore al classico romance che imperversa ovunque, supportato da due interpretazioni straordinarie di Im Si-wan (Run On, Summer Strike, Unlocked) e Lee Dong-wook (Goblin, Bad and Crazy, Tale of the Nine-Tailed), l’uno la nemesi dell’altro, l’opposto e il suo naturale completamento, che si fondono insieme e si annullano. E accendete alto lo stereo, ché la colonna sonora è composta dai The Rose e si ascolta a tutto volume.

Yoon Jong-woo (Im Si-wan) è un giovane laureato disoccupato, che arriva a Seoul, dove vive e lavora già la sua fidanzata Min Ji-eun (Kim Ji-eun di Again My Life e One Dollar Lawyer). Nonostante sia stato una promessa letteraria all’università, la carenza di conoscenze adeguate, la lunga pausa dovuta al servizio di leva e le ristrettezze economiche lo portano ad accontentarsi di un vessatissimo posto come stagista nella start-up di un vecchio compagno di studi, Shin Jae-ho (Cha Rae-hyoung di Hunt), mentre, non avendo soldi sufficienti per la caparra d’affitto, va ad alloggiare nel goshiwon della signora Eom Bok-soon (inquietante e comica, al tempo stesso, Lee Jung-eun di Parasite, Daily Dose of Sunshine e When the Camellia Blooms).

Penso che, a questo punto, tutti gli spettatori vorrebbero urlare a Jong-woo di fuggire lontano mille miglia, viste le condizioni del goshiwon, i bagni sporchi in comune, gli insetti e la cattiva pulizia delle stanze, le cose andate a male nel frigo, le pareti di carta e le porte che non si chiudono. Solo che Jong-woo è determinato a resistere almeno sei mesi, in modo da avere i soldi per affittare un vero appartamento, e, per questo motivo, decide di sopportare sia la strana ilarità della signora Eom, sia il fatiscente ostello, sia, infine, gli strani ospiti che lì vi vivono: i gemelli Byeon Deuk-jong e Byeon Deuk-soo (entrambi interpretati magistralmente da Park Jong-hwan, visto anche in Concrete Utopia), apparentemente due soggetti con un basso Q.I. e un riconosciuto ritardo mentale, noti al vicinato come piromani e uccisori anonimi di gatti; il maniaco Hong Nam-bok (altro personaggio inquietante interpretato da Lee Jong-ok, visto anche in Strong Girl Nam-soon), un imprenditore fallito, condannato agli arresti domiciliari – con tanto di braccialetto alla caviglia – per crimini sessuali e che guarda porno 24 ore su 24 con la porta aperta della stanza; lo schizofrenico Yoo Gi-hyeok (interpretato da Lee Hyun-wook, già villain di Song for the Bandits), che gioca con coltelli e accetta e minaccia continuamente il protagonista di morte assicurata; il malavitoso Ahn Hee-joong (il caratterista del momento Hyun Bong-sik, anche in Gyeongseong Creature e Destined with You), un noto criminale che si è rifugiato nell’anonimato per non farsi trovare da polizia e da bande che ha truffato.

In questo clima di pazzi, dove avvengono cose strane e aleggia un costante mistero, Jung-woo si sente continuamente minacciato, costantemente sulla difensiva e pronto ad attaccare chiunque gli voglia fare del male. Solo una persona sembra capirlo all’interno di questo oscuro goshiwon, Seo Moon-jo (grandioso nel bene e nel male Lee Dong-wook), un dentista pallido e allampanato, che ama vestirsi di bianco anche quando il suo lavoro non lo richiederebbe e che ha un’idea assolutamente estetica del crimine (e dell’antropofagia). Perché, naturalmente, tanto per non farsi ingannare dalle apparenze, in realtà, il dentista è il vero capo della piccola e squallida umanità criminale che vive nel goshiwon, tutti atrocemente emuli delle sue gesta, tutti riluttanti servitori dipendenti dalle sue richieste, ivi compreso il fatto di lasciare vivo Jung-woo, in cui il dentista vede un possibile allievo ed erede.

Perché forse nessuno vede quello che vede il dentista nell’esile e nervosa figura di Jung-woo e che risiede nelle oscurità della sua coscienza, in quelle plaghe buie dell’anima, in quel sottosuolo dostoevskjano che tutti vorremmo (e dovremmo) placare. Ci sono delle voragini profonde, insidiate nell’animo di Jung-woo e disseminate nei propri ricordi, delle forti emozioni di incosciente rabbia, quell’ira cieca che si vorrebbe urlare al mondo e che fa serrare i pugni e la mascella nel tentativo di trattenerla. Un vortice nascosto che solo il dentista riesce ad intuire: “In realtà, è meglio dire ciò che vuoi e comportarti come vuoi, invece di borbottare dentro te tutto: è molto più umano, non credi?”.

Nel frattempo, allertata da Jung-woo e unica a rendersi conto di strane e inquietanti sparizioni nei pressi di quell’oscuro goshiwon, la poliziotta So Jung-hwa (bravissima e sempre più convincente Ahn Eun-jin di The Good Bad Mother e My Dearest) inizia ad indagare sulle attività connesse agli abitanti del goshiwon e, in particolare, sul ruolo del dentista, intuendo in parte la sua ossessiva influenza verso Jung-woo.

Senza fare spoiler, posso dire che il finale è in parte quello che lo spettatore può aspettarsi e forse anche sperare. Perlomeno, così pare ad una primissima lettura, perché, in realtà, c’è molto di più, con quella dose di inaspettato e di sconvolgente che lascia senza parole e che dall’oscuro legame della rabbia fa passare a quell’altrettanto oscuro legame della creazione, quel filo di amore/odio che unisce il creatore alla propria creatura. Jung-woo è, anzitutto, uno scrittore o, perlomeno, tale vorrebbe diventare e tenta di portare avanti la stesura del suo romanzo giallo, ambientato in un goshiwon pieno di criminali e assassini: crea parole, fatti ed eventi, che sconfinano in uno spazio sospeso tra la finzione e la realtà, spazio occupato dalle pagine di un libro e dalle parole che scorrono veloci e senza comando (come quel “Muori” o “Uccidi” ripetuto nella schermata del suo portatile, come un ordine automatico che attiva il cervello). Moon-jo è, a modo suo, un creatore: costruisce protesi, ricostruisce denti e montature o le cambia completamente, ma, al tempo stesso, crea incubi che si insidiano nella psiche di coloro con cui vuole rapportarsi, tanto da diventare egli stesso un incubo, indipendentemente se sia o meno una figura reale, quel demone sospeso nel vuoto di un sogno tetro, che diventa costante oppressione, come nelle opere di Fuessli.

Ma è Jung-woo ad aver creato l’idea ipnotica di incubo che si personifica in Moon-jo o, al contrario, è Moon-jo a creare la nevrosi e la psicosi persistente destinate a trasformare per sempre l’animo di Jung-woo? In questo rapporto titanico che quasi riecheggia Frankenstein (soprattutto nel confronto tra i due durante l’ultimo episodio), creatore e creatura sfumano i propri contorni e si confondono fino a creare una quasi totale identificazione in un’etica malevola e agghiacciante, ma anche perfettamente estetica. “Lo so, tesoro. Sei il più grande capolavoro che abbia mai creato“, sussurra ogni notte Moon-jo a Jung-woo mentre sta dormendo.

Frankenstein, però, non è l’unico riferimento letterario che questo drama cela nella sua trama, anche se forse è quello che risalta di più agli occhi dello spettatore con quell’ossessivo rapporto morboso tra creatore e creatura. Il titolo che ha ispirato l’opera di Kim Yong-ki, infatti, si rifà ad una disambiguazione di una frase presente nell’opera teatrale di Jean-Paul Sartre A porte chiuse: “L’inferno sono gli altri” (ovvero “Hell is Other People“, il secondo titolo con cui è noto il webtoon, poi diventato drama). Per la verità, l’inferno sartriano è costituito da piccole cellette o stanze buie e prive di aria, in cui sono condannati a vivere per l’eternità i suoi tre protagonisti, in modo tale da essere l’uno carnefice e vittima al tempo stesso dell’altro, in un circolo vizioso di insofferente molestia, che rappresenta l’onnipresente giudizio della società, quel muro (per citare un’altra opera sartriana) che irrompe prepotente ad emarginare e limitare la libertà e che diventa, poi, il concetto stesso di condanna alla libertà (“Noi siamo condannati ad essere liberi“). Nelle parole di Garçin, uno dei personaggi dell’opera sartriana, sembra, in effetti, palese il rimando al ragionamento insonne e pieno di incubi di Jung-woo nel drama e la propria ammissione della tendenza buia del proprio carattere, quei meandri oscuri del sottosuolo della sua anima: “Niente palpebre, niente sonno, è un tutt’uno. Ma come farò a sopportarmi? Io ho un carattere molesto, e pensi un po’… ho l’abitudine di molestarmi. Ma io non posso molestarmi senza sosta. Laggiù, almeno, c’erano le notti. Avevo il sonno pesante. Per compensazione”.

Altro riferimento letterario molto palese è con il racconto lungo (o romanzo breve) La Metamorfosi di Franz Kafka, l’unico libro veramente citato all’interno del webtoon/drama, lettura costante del dentista Moon-jo, colui che ha già subito la metamorfosi del suo intimo e che è, al tempo stesso, scarafaggio e umano, mentre tenta di far realizzare a Jung-woo la sua vera natura: non a caso, la scena della lettura del libro alle sue vittime incatenate è segno di un auto svelamento di se stesso, una metamorfosi che si dispiega nelle pagine della letteratura, perché impossibile da notare nella società che è “sartrianamente” condannata ad una falsa e molesta libertà.

Nota finale: nella realtà, i goshiwon non sono dei luoghi così spaventosi come sembrano apparire in questo drama; più simili ad una via di mezzo tra pensione e ostello, di solito prevedono stanze molto piccole (di 8/12 metri quadri, se comprensive di bagno interno, anche di 4 metri quadri, se con i servizi in comune), una cucina accessibile da parte di tutti e alcuni spazi comuni (come le terrazze) e servono spesso da alloggi per universitari, per i più poveri o anche per coloro che si stanno preparando per il concorso pubblico, a causa delle loro condizioni economiche vantaggiose (quasi tutti gli affitti di case in Corea prevedono l’accensione di un vero e proprio mutuo in banca e il versamento di una caparra consistente, che possono essere evitate nei goshiwon) e anche a causa della loro fama di isolamento, per cui raramente gli abitanti socializzano fra loro e ciò permette momenti di solitudine per chi deve studiare. Ecco, forse non è la prima scelta che consiglio per un possibile soggiorno coreano, ma, in ogni caso, voglio tranquillizzare sul fatto che non c’è nulla da temere nei goshiwon. Negli studi dentistici, invece, un po’ sì.

P.S.: piccolo cameo di Noh Jon-hyun (Duty after School); si piange, ma ne vale la pena.

Laura

Come suona la recensione?

Heidi

Nel dicembre del 2016 intrapresi un viaggio di qualche giorno per andare a visitare alcuni mercatini di Natale in Germania e per vedere finalmente il famoso castello di Neuschwanstein. Durante il viaggio di andata il mio pullman fece sosta in un’area di servizio svizzera dove già l’aria rarefatta di montagna riempiva i polmoni di noi viaggiatori scesi dal mezzo. Quando entrai nell’area di servizio vidi che il bancone del bar, l’angolo dell’edicola e persino l’indicazione della toilette erano segnalati da grandi cartelli con le immagini dell’anime “Heidi” e così scoprii che ero a pochi chilometri dalla casa di Heidi o, per lo meno, dai luoghi che avevano ispirato la scrittrice Johanna Spyri per la creazione del suo romanzo più famoso e di un personaggio letterario rimasto nel cuore di moltissime persone e che, forse, la stessa Spyri non avrebbe mai immaginato che le avventure della sua Heidi avrebbero un giorno attirato l’attenzione di uno studio di animazione giapponese a più di settant’anni dalla sua morte.

Nell’estate del 1973 Isao Takahata e Hayao Miyazaki (che fonderanno più avanti lo Studio Ghibli) e il character designer Yoichi Kotabe (che sarebbe poi diventato famoso come illustratore ufficiale di “Super Mario”), per conto dello studioZuiyo Eizo, si recarono in Svizzera per poter studiare meglio le location per la serie che stavano preparando, si trattava di “Heidi” che già dalla fine degli anni ’60 era in progetto. Sostarono un paio di giorni a Maienfeld, comune di circa tremila abitanti nel Canton Grigioni dove oggi tra i monumenti visitati c’è la “Heididorf”, nella frazione Rofels, cioè la “casa- museo” di Heidi dove la scrittrice Johanna Spyri aveva la casa di vacanza dei nonni e che ha ispirato la storia del romanzo.

Miyazaki, Takahata e Kotabe alloggiarono presso il rifugio Heidialp che venne preso come ispirazione per la baita del nonno di Heidi. Si dice che, in quei giorni, in un negozietto di souvenir locale, Kotabe vide una statuetta di legno e abbozzò così l’immagine del nonno della protagonista. Qualche giorno dopo si recarono a Francoforte, luogo dove è ambientata una parte della storia del romanzo, il luogo di residenza di Clara dove Heidi abita per un periodo della sua infanzia.

Sembra che per la casa di Clara si siano ispirati alla casa di Goethe a Francoforte, così come il famoso campanile ripreso in una delle scene più delicate e nostalgiche dell’anime: quando Heidi sale fino a sopra per cercare di scorgere le sue amate montagne che le mancano tanto.

Nel 1880 la scrittrice Johanna Spyri pubblicò Heidi, il 6 gennaio 1974 in Giappone andò in onda su Fuji television il primo episodio della serie animata Heidi e fu un grande successo che era destinato a dilagare non solo in Giappone, ma in tutta l’Asia, in Europa e in Sud America e fu tradotto in tante lingue.

La storia di Heidi, ambientata sulle Alpi svizzere, è nota, ma fa sempre piacere rileggerla attraverso quelle che sono le immagini diventate iconiche. La piccola Heidi, rimasta orfana molto presto, viene cresciuta dalla zia materna Dete che si occupa di lei fino all’età di cinque anni, ma quando la zia trova lavoro a Francoforte, non potendo più curare la bambina, la lascia all’unico parente vivente, il nonno paterno, un anziano burbero e misantropo chiamato “il Vecchio dell’Alpe” che abita in una baita in montagna presso Maienfeld, lontano da tutti, scendendo in paese poche volte l’anno solo per fare provviste.

Il nonno di Heidi accoglie la bambina di controvoglia, ma presto si affezionerà alla sua presenza allegra, entusiasta, un’anima semplice che riempie le sue giornate monotone di domande, della meraviglia mai scontata, di affetto e di ricchezza di sentimenti. Heidi si affeziona da subito alle montagne, un richiamo ancestrale che la attrae e la fa abituare subito alla nuova vita, alla natura incontaminata, ai cieli infiniti, alla neve, agli animali, alla scoperta delle bellezze del creato. Conosce Peter, un pastorello che ogni giorno porta al pascolo le capre degli abitanti del paese compreso le due caprette del nonno. Heidi, incuriosita dell’attività di Peter, si impone nelle abitudini quotidiane del bambino, nelle sue attività di montagna, imparerà ad occuparsi del pascolo, a riconoscere fiori ed erbe, a leggere il giorno attraverso lo spostamento delle nuvole e la luce del sole.

Un giorno, però, la zia Date torna a riprendere la bambina per portarla con sé a Francoforte dove Heidi potrà vivere a casa della famiglia Sesemann e fare da “dama di compagnia” a Clara, una ragazzina di dodici anni costretta su una sedia a rotelle dopo aver contratto da piccola la poliomielite. Heidi viene costretta a lasciare in lacrime il nonno e le sue amate montagne e la sua vita a Francoforte, così diversa dagli spazi aperti ai quali si era abituata, diventa una sofferenza. Prova da subito simpatia per Clara, ma fa fatica ad abituarsi alla nuova vita cittadina, alla signorina Rottenmeier, arcigna governante e istitutrice di Clara che con il suo carattere severo non fa altro che riprendere e sgridare continuamente la bambina. 

Clara, invece, si affeziona molto alla presenza di Heidi, sua unica amica, suo sguardo nel mondo, in un mondo che non conosce se non solo nei suoi libri, le montagne descritte dalla sua piccola amica, invece, sono così vive e meravigliose che la fanno sognare, le fanno desiderare una vita diversa, un soffio di libertà, sensazione per Clara quasi impossibile da percepire nella sua vita ritirata e chiusa, dove anche un alito di vento potrebbe spezzarla. La nonna Sesemann, che ogni tanto viene a trovare la nipote per le due bambine, diventa subito una compagna di giochi, una persona che porta allegria in quella casa bellissima, grande, ma così immensamente grigia. Nonna Sesemann è tra le poche persone che comprende la sofferenza di Heidi per la lontananza e la nostalgia di casa. Ricordo da piccola di aver compreso il senso di nostalgia e di depressione per la lontananza di casa e degli affetti proprio in questi episodi di Heidi che mi avevano colpito moltissimo perché l’anime riesce a far percepire allo spettatore ogni emozione.  

Episodio molto toccante è quando Heidi, dopo che la signorina Rottenmeier le impedisce di esprimere la propria gioia nel raccontare del nonno, di Peter e dei pascoli, reprime i suoi pensieri e inizia a soffrire di sonnambulismo per la tanta sofferenza che implode in lei.

Così, come Heidi è stata da aiuto a Clara che si è sentita incoraggiata a vivere, arriverà anche il momento per la bambina delle Alpi di tornare a casa riuscendo a convincere il padre di Clara a lasciarla andare, per rivedere le sue montagne e per riabbracciare il nonno. La missione di Heidi continuerà perché Clara andrà a trovare in estate la sua piccola amica là dove non avrebbe mai immaginato, in montagna a imparare a respirare, a sentirsi libera, a trovare il coraggio di andare avanti e di migliorare per guarire.

Heidi è una storia di formazione, una storia che può sembrare semplice, ma che è ricca di bellezza, la bellezza della meraviglia, quella provata costantemente dalla piccola protagonista che cresce insieme alla natura e la sensibile regia di Isao Takahata come sempre è riuscita a cogliere la magia di questa storia e a renderla senza tempo perché anche oggi quando riguardiamo gli episodi dell’anime ci sembra di ritrovare una persona amica che è sempre un piacere rivedere.

Ambientazioni e fondali di “Heidi” hanno fatto scuola anche per i successivi lavori e autori che si sono cimentati a trattare serie animate ispirate a libri per l’infanzia, il progetto World Masterpiece Theater (che aveva lo scopo di recuperare opere mondiali di letteratura dell’infanzia) nasce a seguito del successo di Heidi che in Giappone venne trasmesso per un anno intero dal 6 gennaio al 29 dicembre 1974. In Italia, invece, abbiamo atteso il 1978, ma il successo fu talmente tanto che tra il 1978 e il 1979 sempre nel nostro Paese la serie fu rimontata in tre lungometraggi che uscirono al cinema con i titoli, “Heidi in città”, “Heidi torna tra i monti”, “Heidi a scuola”. La famosissima sigla di apertura fu cantata da Elisabetta Viviani e ancora oggi è conosciuta da intere generazioni.

Quest’anno Heidi compie 50 anni e volevo renderle omaggio con un articolo dedicato a questo anime senza tempo che ha incantato milioni di persone, che ha fatto ridere e commuovere gli spettatori di ogni età, che ci ha regalato il colore del cielo più bello mai visto in un cartone animato, dall’azzurro limpido al color carta da zucchero dove perdersi tra le nuvole bianche in mezzo alle montagne, in un momento della nostra infanzia in cui abbiamo lasciato il nostro cuore nella meraviglia del mondo osservato come solo un bambino sa fare, come solo lo sguardo incantato può percepire.

Grazia

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Witch at Court

I legal drama sono una delle mie passioni, mi piace conoscere casi e comprendere situazioni che non avrei l’opportunità di affrontare in altri drama e che mi permettono di capire ancora meglio l’animo delle persone, perché si dice che di fronte alla giustizia e alla morte ogni persona mostra davvero se stessa, le proprie paure e le proprie debolezze.

Quando mi sono imbattuta in “Witch at Court” ho capito subito che la trama mi avrebbe preso a tal punto da guardare un episodio dietro l’altro senza riuscire a smettere, perché il filo conduttore, di grande attualità, riguarda la tematica femminile e quella dei minori, si parla, infatti, di crimini e di violenze contro donne e bambini.

Ma Yi-deum, interpretata da una bravissima Jung Ryeo-won (“Wok of Love”) è una procuratrice schietta e determinata, dall’esperienza eccezionale che non si limita a usare tecniche e modi di agire drastici pur di vincere le cause, ricorrendo spesso a spergiuri, fabbricazione di prove e indagini particolari. E’ reputata da tutti come una persona preparata, ma dal carattere impossibile in quanto sarcastica, egoista, carrierista, ma nessuno sa che nel passato di Yi-deum c’è una tragedia che ha fatto indurire il suo animo: quando era adolescente la madre sparì, dopo aver fatto da testimone per degli abusi sul lavoro.

Da allora Yi-deum ha concentrato tutte le sue forze e le sue capacità nello studio, e, pur avendo umili origini e poco aiuto economico, è riuscita meritatamente a laurearsi e a fare carriera nel ramo della legge.

Un giorno, dopo una causa abbastanza travagliata, Yi-deum, viene trasferita in una divisione speciale che si occupa di casi delicati come quelli di violenza sessuale ai danni di donne e abusi su minori. La ragazza, che fino ad allora ha sempre dimostrato un comportamento distaccato nei confronti di ogni causa affrontata, dovrà, all’inizio in modo molto riluttante, fare i conti con delle situazioni che metteranno a dura prova sensibilità ed emotività.

A capo della divisione speciale, il procuratore Min Ji-sook (interpretata dalla sempre brava Kim Yeo-jin, “Vincenzo”, “Itaewon Class”) che ha creato lei stessa questa divisione speciale per aiutare sempre più vittime e che venti anni prima aveva indagato sul caso di violenze sul lavoro del sovrintendente Jo Gap-soo, ma che per mancanza di prove sufficienti non era riuscita a farlo condannare.

All’interno della divisione speciale Yi-deum dovrà interfacciarsi con nuovi colleghi, soprattutto con Yeo Jin-wook (interpretato da Yoon Hyun-min, “My Holo Love”, “Bo-ra! Deborah”), un ex psichiatra pediatrico che, dopo un’esperienza che lo ha sconvolto a livello umano, ha deciso di studiare giurisprudenza e intraprendere una nuova professione, per cui è ai suoi primi anni da procuratore. Yeo Jin-wook ha un atteggiamento diverso nei confronti dei casi, delle vittime e delle procedure rispetto a Yi-deum. Jin-wook si fa facilmente coinvolgere a livello emotivo e prova empatia nei confronti delle vittime, cercando di essere vicino loro in ogni momento di preparazione per affrontare il processo. Yi-deum e Ji-wook si scontreranno spesso, ma pian piano riusciranno a capirsi e da un rapporto di profonda stima crescerà anche un sentimento di fiducia e di comprensione, soprattutto dopo che Ji-wook verrà a conoscenza della storia drammatica nel passato della collega.

Quasi in ogni episodio una storia diversa in cui la tematica della violenza e degli abusi è affrontata in modo delicato, ma senza togliere la drammaticità e il dolore che ogni vittima deve affrontare fino in tribunale e le cicatrici che rimarranno a vita in ognuno di loro.

Il filo conduttore del drama, però, è quello legato alla protagonista, al suo passato, alla scomparsa della madre e a Jo Gap-soo (interpretato da Jun Kwang-ryul), personaggio spregevole a cui, a causa dell’attivismo del padre contrario al governo dell’epoca, è stato impedito di diventare pubblico ministero, così che, dopo la carriera in polizia e dopo anni di accuse e violenze ai danni di gente innocente senza prove e testimoni, viene eletto come membro dell’Assemblea nazionale e si candida alla carica di sindaco di Yeong-pa.

“Witch at Court” è un legal drama davvero spettacolare con delle interpretazioni meravigliose, dai protagonisti ai secondari, alcuni episodi sono davvero complessi, emotivamente devastanti e lasciano il magone, ma la coppia protagonista riesce anche a stemperare i momenti di profonda drammaticità e sofferenza che vengono presentati in molte situazioni affrontate, dove spesso violenza fisica e psicologica catalizzano l’attenzione dello spettatore che riflette e si addolora per le vittime. Personalmente sono stata molto turbata dall’episodio dove la protagonista è una minorenne, dai sadismi sul luogo di lavoro e dalla descrizione realistica del male e di una società pervasa da sentimenti di disillusione e distacco che anche noi possiamo tristemente vedere ogni giorno nelle cronache di femminicidi e di violenza.

Consigliato per sensibilizzare ancora di più su argomenti di grande attualità, ma anche per guardare un legal drama diretto bene e interpretato magistralmente.

Piccola nota, Jung Ryeo-won e Yoon Hyun-min sono stati premiati nel 2017 come migliore coppia dell’anno in un drama e, a mio parere, meritatamente.

Grazia

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Onimusha – La saga del samurai che lotta contro gli zombie

“Non esiste nessuna battaglia che abbia senso”.

Appassionati di videogiochi e PS2, è arrivato il vostro momento! Sicuramente non mancherà nelle vostre nozioni questa saga videoludica creata da Capcom nel 2001 e che ha venduto milioni di copie fino al 2017. Basata sulla storia di un Giappone feudale con la figura centrale di un samurai senza paura e senza remore che lotta contro qualsiasi creatura infernale, la saga fu inizialmente elaborata sullo stesso filone di Resident Evil, che spopolava tra gli anni ’90 e gli anni 2000, fino a raggiungere un’autonomia tutta sua con la trilogia Onimusha – Warlords, Onimusha 2 – Samurai’s Destiny e Onimusha 3 – Demon Siege, il seguito Onimusha – Dawn of Dreams e la raccolta Onimusha Essentials. In tutto ciò, però, sembrava che il prodotto dovesse rimanere confinato solo alla console dei giochi, fino a quando Netflix non ha annunciato una trasposizione in una serie anime, prodotta da Takashi Miike (che, per intenderci, è il regista di 13 Assassini e L’ultimo Yakuza) e con la colonna sonora dei Maneskin (la famosa “The Loneliest”).

La trama dell’anime Onimusha (鬼武者) inizia nel periodo Edo, dominato dalle lotte tra samurai, dal predominio dello shogunato e dalla frammentazione del Giappone feudale. Praticamente, il classico scenario conosciuto dai film di Akira Kurosawa e dalle leggende. Solo che, in questo caso, ci sono gli zombie. E non sono gli unici mostri, visto che il mondo magico e demoniaco sembrano trovare un ambiente proprio. Protagonista il leggendario samurai Musashi Miyamoto, personaggio storico realmente esistito che visse nel XVI-XVII secolo e che ha inspirato sia la letteratura giapponese classica, che quella pop moderna. Musashi può contare non solo sulla sua superiorità come spadaccino e sulle sue abilità, ma anche sull’utilizzo di un guanto magico, denominato Oni, che gli conferisce poteri sovrumani, perché forgiato con formule mistiche. Per questo motivo, i samurai che si oppongono a lui lo definiscono un demone e, in effetti, lo stesso Musashi non sa nemmeno più cosa è veramente, se può considerarsi ancora un samurai o uno spadaccino assetato di sangue che lavora su commissione, né sa se può essere definito umano o mostro.

Le sue discussioni esistenziali si intrecciano con l’avventura di una ragazzina, che, come in Léon, assume Musashi per fare luce sul mistero della morte dei suoi genitori e con le avventure di una serie di persone che domandano al samurai con l’Oni magico di prestare loro soccorso da un’orda malefica di creature non ben definite, che, in apparenza, all’inizio, sembrano zombie, salvo, poi, diventare dei veri e propri demoni (con quattro braccia, ma con un cervello diabolicamente umano e astuto per sterminare la popolazione), capeggiati dal super cattivo Iemon.

E qui devo ammettere che, ad un certo punto, al di là dei minuti di azione senza sosta e di rumori molesti ovunque, accompagnati da uccisioni e spargimenti di sangue, non ho più capito nulla. Nel senso che l’anime va a due velocità, lento e velocissimo, proprio come nei videogame. Solo che, a differenza di Resident Evil, le due velocità si alternano in modo sbagliato e la tecnica da videogioco, inserita all’interno dell’animazione non giova affatto, rendendo troppo lenti alcuni combattimenti e non permettendo di cogliere i momenti salienti della storia, né di far emergere per bene i protagonisti.

Soprattutto, non affezionatevi mai a nessuno dei personaggi! So che è una frase classica dei film di zombie e degli horror in generale, ma, talvolta, la sopravvivenza dura meno di due secondi in quest’anime e, paradossalmente, vanno più avanti i personaggi che hanno meno battute e parti dialogate, che gli altri.

Però, nonostante il pastiche (che magari si riprenderà con una prossima stagione), bisogna segnalare la qualità e il pregio degli sfondi, che s’ispirano al disegnatore e fumettista coreano Kim Jun-gi, su cui vorrei aprire un capitolo a parte (anche perché è forse uno dei motivi che mi ha spinto a questo recupero). Kim Jung-gi, recentemente scomparso proprio mentre era in tournée con alcune mostre in Europa, ha reinventato lo stile del “fumetto”, riprendendo il tradizionale manga/manhwa/manhua e trasformandolo in arte vera e propria. Con le sue chine e i suoi inchiostri, alternati alle pennellate a tratti decise e a tratti a tinte leggere, il rifiuto di schizzi preparatori e il suo potere dell’immaginazione, Kim Jung-gi si è distinto per aver inserito nuove forme di prospettiva, come la prospettiva curvilinea per i suoi fondali, tecnica che ha decisamente ispirato i disegnatori degli sfondi di quest’anime, un’opera d’arte a sé, e che giustamente hanno dedicato il loro lavoro all’opera del maestro Kim Jung-gi.

E, allora, godetevi un po’ di questi fondali di un antico Estremo Oriente, dove albe e tramonti si alternano nel rosso fuoco e nel bianco neve, e perdete la mente in un viaggio lontano come tra i paraventi.

Laura

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Gyeongseong Creature – La creatura di Gyeongseong (ovvero il sonno della ragione che genera mostri)

“Lei è un brav’uomo o un uomo cattivo?”. “Sono solo un uomo determinato a sopravvivere”.

1945. Gyeongseong è l’eponimo di una capitale anonima, che ha perso il suo nome originario e non ricorda nemmeno più di essere Seoul, svuotata della sua stessa vita e privata della libertà durante il dominio giapponese. Rimane solo la sua funzione di città capitale di una colonia straniera: Gyeong 경, che significa “capitale”, e seong 성, che indica la “città murata”, due parole che in hanja (o kanji) sono translitterate come 京城 e che, mentre la lingua nativa di Choson continua a leggere Gyeongseong, la lingua giapponese dei dominatori ha cambiato in Keijō. E’ una città che ha ormai cancellato la sua precedente grandezza e che vive nei ruderi e nella commiserazione dell’antica gloria e negli espedienti di un’esistenza che fatica ad andare avanti. 

In mezzo al lusso sfrenato della miseria umana e ai patti di quieto vivere e di (s-)leale collaborazione con il regime giapponese, prospera Jang Tae-sang (il sempre glorioso Park Seo-joon di What’s Wrong With Secretary Kim, Itaewon Class, Kill Me Heal Me e tanti altri), un uomo che ha fatto dell’avidità un’eleganza e che, come Rhett Butler in Via col vento, tiene a freno qualsiasi spirito nazionalista e patriottico per vivere bene, intrattenendo rapporti con i giapponesi nella sua Casa del Tesoro d’Oro (di fatto, il banco dei pegni più grande della città) ed elargendo la sua protezione in un sottobosco cittadino più o meno complesso (che comprende le gisaeng, prostitute d’alto bordo, di un locale dove si rifugiano sia i militari giapponesi in rottura con i propri ordini, che l’intellighenzia patriottica e indipendentista, in un reciproco ignorarsi). Jang Tae-sang, però, è anche noto per essere “l’uomo più informato della città”, per cui, se si vuole sapere qualcosa e/o si vuole trovare qualcuno, bisogna necessariamente rivolgersi a Jang del Tesoro d’Oro e acconsentire ai suoi mezzi più o meno leciti. Nozione che conosce bene il suo vecchio ex migliore amico (o, forse, tuttora migliore amico), Kwon Jun-taek (Wi Ha-joon di Squid Game e Bad and Crazy), figlio di ricca famiglia collaborazionista, ma aspirante alla libertà e all’indipendenza coreana, ma anche la terribile Lady Maeda (Claudia Kim, che, per intenderci era Nagiri nella nuova saga potteriana di Animali fantastici), spietata e compassata nobildonna giapponese che controlla tutta la capitale.

Quando Yoon Chae-ok (Han So-hee di My Name e Soundtrack #1) arriva in città clandestinamente dalla base dei socialisti indipendentisti in Manciuria, accompagnata da suo padre Yoon Jung-won (Jo Han-chul di The Law Cafè, Hometown Cha-cha-cha e Healer), con lo scopo di trovare una persona specifica, le viene detto che qualsiasi missione comprenda la ricerca di informazioni, di dettagli o di persone in mano ai giapponesi deve necessariamente passare da Jang del Tesoro d’Oro. Costretta, in modo riluttante, ad un’alleanza che vede quasi come un tradimento dei propri principi e dei propri valori, Chae-ok si lascia avvicinare lentamente da Jang e lo “contagia” con la sua umanità e i suoi ideali, smussando la pietra che lo circondava e facendo emergere in lui la speranza di un mondo migliore.

Fino a qui sembrerebbe un period drama sulla storia dell’indipendenza coreana, magari macchiata qua e là da venature crime e spy story che tanto convincono nei pieni anni ’40 del XX secolo, con un’impostazione scenografica e fotografica imponente e incredibile, degna da concorrere con Hollywood. Però, Gyeongseong nasconde nel sottosuolo un segreto di cui hanno conoscenza solo poche persone oltre all’onnipresente Lady Maeda, ovvero il tenente colonnello Kato (Choi Young-joon di Vincenzo e Flower of Evil) e il dottor Ichiro (Hyun Bong-sik di Strangers From Hell e Destined with You), e a cui viene introdotto il pittore giapponese Ryu Sachimoto (Woo Ji-hyun di A Piece of Your Mind e All of us are dead) con il compito di ritrarre i mostruosi esperimenti sugli esseri umani condotti presso l’ospedale Onseong, esperimenti che hanno dato vita ad una potentissima arma bellica, un mostro da horror che scatena presto il panico e la morte negli anfratti più bui: la Creatura di Gyeongseong.

Senza fare spoiler, ho cercato di sintetizzare in poche righe (nemmeno così poche) un drama complesso, che si presenta già come una strana creatura, a metà tra lo storico e l’horror, che cerca di creare cinema d’autore, ma strizza, poi, l’occhio alle produzioni americane (e a Netflix su tutto), che riprende la dialettica sugli esperimenti e sulle atrocità di guerra commesse dai giapponesi e le mischia con l’antologia dei kaiju (genere tutto giapponese che ha fatto sorgere Godzilla e altro), che struttura una storia d’amore, inerpicando rimandi poetici da Kim Suwol (il rimando alle fioriture), ma la fa vivere negli angusti spazi sci-fi di Alien. Però, avevo scommesso su questa visione, pur sapendo in anticipo, al contrario di altri, che non sarebbe stata semplice e che avrebbe osato un mix di generi e di contenuti quasi stridenti tra loro. E avevo scommesso per ben due motivi, connessi al retaggio culturale e cinematografico a cui sono sempre stata legata: la storia della lotta coreana per l’indipendenza e delle atrocità portate dalla guerra e dalla perversione mostruosa della mente umana e le storie di orrorifici sci-fi che sono metafora di noi stessi e che, dietro la costruzione di un mostro, riescono sempre ad aprire il baratro della coscienza.

Ecco, forse è per tutti questi motivi che la delusione nel vedere questo prodotto è stata grande. E, tanto vale scriverlo subito e togliermi questo pensiero, non posso dire che Gyeongseong Creature sia un prodotto brutto o che non mi sia piaciuto (e sono anche consapevole del fatto che non posso ancora dare un mio giudizio definitivo, visto che Netflix ha previsto un seguito, che, per fare un grosso non-spoiler, sarà ambientato ai giorni nostri), ma personalmente mi aspettavo molto di più e, in tutto ciò, non posso che leggere questo drama (che drama non è) come un’occasione mancata, una creatura a metà tra la narrazione orientale e la serialità occidentale, ma che ancora non sa se vuole essere un k-drama o un’ibridazione con Stranger Things. Purtroppo, è una sensazione che ho avvertito dopo i primi episodi (perché i primi erano davvero perfetti in sé), come un leggero fastidio che mi ha accompagnato per i cunicoli bui e le prigioni giapponesi e che ho tentato di tacere dopo il settimo episodio, diventando, invece, prorompente nel finale.

Cosa non ha funzionato del tutto in questa serie? Troviamo una recitazione curata e degli effetti tecnici, comprensivi di scenografia, costumi, fotografia e musica impeccabili, estetici e quasi rarefatti, un gioco di chiaroscuri da far invidia a certo cinema e tante (ma forse troppe) idee sparse e mischiate insieme. Perché, vedete, se la trama fosse stata esattamente quella che ho scritto sopra, seguendo quell’intreccio e quella narrazione, e se i personaggi avessero avuto (tutti) il loro spazio per esprimere se stessi, allora, si sarebbe raddrizzato qualcosa e tutto il prodotto ne avrebbe giovato. Al contrario, alla bellezza dei primi episodi e alla presentazione della causa per l’indipendenza coreana e dei due personaggi principali (con l’incontro delle loro anime), fanno seguito cunicoli dopo cunicoli, buio, oscurità, sparatorie (e, badate bene, sono una che con le sparatorie alla John Woo ci andava a nozze sin da ragazzina), soldati giapponesi che sparano e muoiono in modo insensato, ma, poi, si moltiplicano come per micosi, sparano e muoiono ancora, scienziati pazzi che litigano con soldati giapponesi, soldati giapponesi che tradiscono e cambiano causa, ma senza aver dato ancora la possibilità allo spettatore di afferrarne almeno il nome, buio, cunicoli dopo cunicoli, esplosioni… Tutto così, in un pot-pourri in stile Marvel, dove, alla fine, non si riescono nemmeno più a seguire i personaggi (quante volte entra ed esce dalla prigione Park Seo-joon e come fa Han So-hee a rimanere sempre miracolosamente viva, anche quando le sparano in testa?). In quest’azione che ha la meglio sulla trama e incombe tutto quasi a far ricordare che Netflix vuole fare una produzione propria e se ne frega di certi canoni da drama, i personaggi vivono e agiscono in modo perfettamente irrazionale e illogico, con una visione ancora più inquietante, se si pensa che fino ai primi episodi erano stati razionalissimi e coerenti con le proprie idee: senza fare spoiler, si tenga presente che, per organizzare un’esplosione al piano di sopra e salvare tutti al piano di sotto, bisogna prima accertarsi che le persone a cui si tiene siano effettivamente evacuate o si rischia di fare un sacrificio inutile (manuale di base imparato da un’innumerevole letteratura su resistenza e partigiani, che si poteva recuperare in un baleno); nello stesso modo, per liberare 13 coreani, ne muoiono una trentina, mentre un numero imprecisato viene fermato, bastonato e messo in carcere (e non erano galere da cui si sopravviveva gradevolmente); l’inesistenza di piani che, poi, si rivelano solo per colpi di fortuna (con l’utilizzo della Creatura, talvolta, come un vero e proprio espediente narrativo) o la decisione di attentati che prevedono già un finale tragico perché nessuno ha pensato a delle vie di fuga; personaggi secondari che potrebbero avere una grande eco, ma che vengono dimenticati nell’anfratto di qualche pagina della sceneggiatura (così un Wi Ha-joon usato, a mio parere, malissimo e al di sotto delle sue potenzialità, come se gli fossero state tagliate le battute, o il pittore che si sono ricordati di riprendere solo alla fine, abbandonato durante gli episodi in un luogo non precisato della prigione); la storyline principale tra i due protagonisti (molto bravi, per carità) lasciata in balia degli eventi e ripresa, poi, a forza nel finale senza aver dato il tempo e il modo di una costruzione degna, ma soprattutto cambiando totalmente il continuum e la coerenza del loro pensiero e delle loro azioni. In tutto ciò, l’unica coerenza logica, seppur nel male, che rimane intatta sembra essere quella della perfida Lady Maeda.

Il vero tasto dolente, però, è un altro. La serie ha il merito di essere uno dei rari prodotti che narrano le sperimentazioni atroci condotte dalle forze occupanti giapponesi ai danni di prigionieri di guerra e prigionieri politici (in prevalenza, coreani e cinesi) e ha avuto l’opportunità di uscire in un periodo temporale particolarmente favorevole: è di poco tempo fa la sentenza della Corte d’Appello coreana che ha riconosciuto la possibilità per gli eredi delle cosiddette “comfort women” di chiedere un risarcimento al governo giapponese (con non poche diatribe provenienti da parte giapponese, che fatica ancora a riconoscere un passato storico così gravoso) ed è ormai argomento di tutti i giorni parlare della lotta per l’indipendenza coreana, anche superando gli influssi politici che hanno contraddistinto molto parti in causa (a cominciare dai gruppi legati alle ideologie comuniste e socialiste, determinanti per l’indipendenza, ma messi a tacere fino a qualche decennio fa per la paura dei “rossi nordcoreani”). Era una bella occasione, che è stata sprecata per calcoli commerciali o che, forse, ha mancato di coraggio e non ha saputo osare per arrivare dove gli altri avevano solo accennato. Perché, nonostante la Creatura sembri solo un discorso di fantascienza, esperimenti di quel tipo erano effettivamente condotti da tante parti belligeranti e la Creatura non è altro che il prodotto di una ragione addormentata e traumatizzata, resa cieca dagli scoppi della guerra e dell’etica aggressiva di chi vuole vincere e prevaricare. La Creatura è una vittima, a cui si crede di togliere l’anima per trasformarla in arma da guerra, ma che diventa, al tempo stesso, il carnefice contro chi ha permesso ciò, rifugiandosi nei suoi affetti primordiali con la sicurezza di trovare casa. Ed ecco forse la mia delusione più grande in merito, perché gli errori di logica negli ultimi episodi si possono anche perdonare, ma la mancanza di coraggio per comprimere tutto in un prodotto gradevole al grande pubblico e garantirsi un seguito (o una saga?) ha spogliato delle vere motivazioni di libertà e lotta questo prodotto.

Sono in parte stata risarcita solo dall’attrice protagonista, Han So-hee, che forse ha accettato il lavoro per gli stessi motivi per cui ho visto il drama e che ha avuto il coraggio che è mancato alla produzione Netflix, pubblicando sul suo account personale Instagram un post in cui celebra la forza e la resistenza dei coreani contro i soprusi del regime giapponese: “Non era solo il romanticismo di Kyungsung, non le creature della forza giapponese, ma la storia delle persone in quel momento era brillante e oscura per affrontare i mostri nati in un esperimento che facilitava gli umani. L’anno in cui potevamo essere forti solo abbracciandoci con amore“.

Grazie anche solo per questo messaggio.

Laura

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2023 MBC Drama Awards + SBS Drama Awards + KBS Drama Awards

Brevemente, vi inseriamo un recap di due dei più famosi premi sudcoreani per la televisione e lo spettacolo che si sono svolti in chiusura dell’anno 2023. Manifestazioni che quest’anno sono state velate dalla tristezza per la recente scomparsa di Lee Sun-kyun, uno degli attori più celebri e più bravi dell’Hallyu sudcoreano, a cui la vita negli ultimi mesi non aveva dato requie. E proprio in sua memoria vogliamo iniziare quest’articolo con la performance di Hwasa che ha cambiato all’ultimo momento il brano e, modificando il testo di LMM, ha dedicato la sua struggente lirica a Lee Sun-kyun. “Even if we try harder to go further, we just wander in place. As the sun sets as if the world is ending, we feel like we’ll be abandoned in the long darkness”.

= 2023 MBC DRAMA AWARDS =

= 2023 SBS DRAMA AWARDS =

  • Grand Prize (Daesang): Lee Je-hoon – “Taxi Driver 2”; Kim Tae-ri – “Revenant”. Candidati anche: Han Suk-kyu – “Dr. Romantic 3”; Kim Rae-won – “The First Responders 2”: Prize (Daesang):  https://www.youtube.com/watch?v=hcLXatrMa1g
  • Top Excellence Award, Actor in a Miniseries Genre/Action Drama: Park Sung-woong – “The Killing Vote”. Altri candidati: Park Hae-jin – “The Killing Vote”; Um Ki-joon – “The Escape of the Seven”; Oh Jung-se – “Revenant” : https://www.youtube.com/watch?v=A7JyLlxtNmA
  • Top Excellence Award, Actress in a Miniseries Genre/Action Drama: Moon Chae-won – “Payback”. Altre candidate: Kim Tae-ri – “Revenant”; Lim Ji-yeon – “The Killing Vote”; Hwang Jung-eum – “The Escape of the Seven”: https://www.youtube.com/watch?v=cbxRRw9nhLI
  • Top Excellence Award, Actor in a Miniseries Romance/Comedy Drama: Song Kang – “My Demon”. Altri candidati: Park Hee-soon – “Trolley”; Kim Mu-yeol – “Trolley”: https://www.youtube.com/watch?v=XwZlWM6qL1w
  • Top Excellence Award, Actress in a Miniseries Romance/Comedy Drama: Kim Yoo-jung – “My Demon”. Altre candidate: Kim Hyun-joo – “Trolley”: https://www.youtube.com/watch?v=DdF4gA0TpS0
  • Top Excellence Award, Actor in a Seasonal Drama: Ahn Hyo-seop – “Dr. Romantic 3”. Altri candidati: Lee Je-hoon – “Taxi Driver 2”; Han Suk-kyu – “Dr. Romantic 3”; Kim Rae-won – “The First Responders 2”: https://www.youtube.com/watch?v=A8Y2Kqs1rHM
  • Top Excellence Award, Actress in a Seasonal Drama: Lee Sung-kyung – “Dr. Romantic 3”. Altre candidate: Gong Seung-yeon – “The First Responders 2”: https://www.youtube.com/watch?v=adqmm8wCTsU
  • Excellence Award, Actor in a Seasonal Drama: Shin Jae-ha – “Taxi Driver 2”. Altri candidati: Kang Ki-doong – “The First Responders 2”; Kim Min-jae – “Dr. Romantic 3”: https://www.youtube.com/watch?v=s43IfiM-ehY
  • Excellence Award, Actress in a Seasonal Drama: Pyo Ye-jin – “Taxi Driver 2”. Altre candidate: Woo Mi-hwa – “The First Responders 2”; So Joo-yeon – “Dr. Romantic 3”: https://www.youtube.com/watch?v=qV7K_aaqaLk
  • Excellence Award, Actor in a Miniseries Genre/Action Drama: Lee Joon – “The Escape of the Seven”. Altre candidate: Hong Kyung – “Revenant”; Park Hoon – “Payback”; Kim Kwon – “The Killing Vote”: https://www.youtube.com/watch?v=I4pyys-4r0w
  • Excellence Award, Actress in a Miniseries Genre/Action Drama: Lee Yu-bi – “The Escape of the Seven”. Altre candidate: Son Eun-seo – “Payback”; Kim Yoo-mi – “The Killing Vote”; Jo Yoon-hee – “The Escape of the Seven”: https://www.youtube.com/watch?v=gsDdzb2kT-k
  • Excellence Award, Actor in a Miniseries Romance/Comedy Drama: Ryeoun – “The Secret Romantic Guesthouse”. Altri candidati: Kang Hoon – “The Secret Romantic Guesthouse”; Jung Gun-joo – “The Secret Romantic Guesthouse”; Kim Tae-hoon – “My Demon”: https://www.youtube.com/watch?v=U71hMKFD_CU
  • Excellence Award, Actress in a Miniseries Romance/Comedy Drama: Shin Ye-eun – “The Secret Romantic Guesthouse”. Altre candidate: Jo Hye-joo – “The Secret Romantic Guesthouse”; Hwang Bo-reum-byeol – “The Secret Romantic Guesthouse”: https://www.youtube.com/watch?v=nrSAI7VW_AI
  • Best Supporting Performance in a Miniseries Genre/Action Drama: Kim Won-hae – “Revenant”. Altri candidati: Kim Hae-sook – “Revenant”; Park Ji-young – “Revenant”; Kim Hye-hwa – “Payback”; Shin Jung-geun – “The Killing Vote”; Yoon Tae-young – “The Escape of the Seven”: https://www.youtube.com/watch?v=WB3Vn5ZFqTA
  • Netizen’s Best SBS Drama of 2023: “Taxi Driver 2”: https://www.youtube.com/watch?v=_1kaqrcXUow
  • Best Supporting Actor in a Seasonal Drama: Bae Yoo-ram – “Taxi Driver 2”; Jang Hyuk-jin – “Taxi Driver 2”. Altri candidati: Oh Eui-shik – “The First Responders 2”; Yoon Na-moo – “Dr. Romantic 3”: https://www.youtube.com/watch?v=gkWnFyyWcm0
  • Best Supporting Actress in a Seasonal Drama: Son Ji-yoon – The First Responders 2. Altre candidate: Jin Kyung – Dr. Romantic 3; Jung Ji-ahn – Dr. Romantic 3: https://www.youtube.com/watch?v=-KwSSHZY148
  • Best Supporting Actor in a Miniseries Romance/Comedy Drama:Jeong Soon-won – “My Demon” and “Trolley”. Altri candidati: In Gyo-jin – “The Secret Romantic Guesthouse”; Heo Jung-do – “My Demon“: https://www.youtube.com/watch?v=DU9_Wq_oDjk
  • Best Supporting Actress in a Miniseries Romance/Comedy Drama: Seo Jung-yeon – “My Demon” and “Trolley”. Altre candidate: Ryu Hyun-kyung – “Trolley”; Lee Yoon-ji – “My Demon”; Han Chae-ah – “The Secret Romantic Guesthouse”: https://www.youtube.com/watch?v=Rw-qmM7QVrs
  • Best Couple Award: Song Kang and Kim Yoo-jung – “My Demon”. Altri candidati: Ahn Hyo-seop and Lee Sung-kyung – “Dr. Romantic 3”; Ryeoun and Shin Ye-eun – “The Secret Romantic Guesthouse”: https://www.youtube.com/watch?v=t2rRrzM58KM
  • Scene Stealer Award: Go Sang-ho – “Dr. Romantic 3” and “Taxi Driver 2” & Byun Jung-hee – “Dr. Romantic 3” and “Taxi Driver 2”. Altri candidati: Kim Cheol-jin – “My Demon”; Shim Dal-gi – “Revenant”; Jeon Sung-woo– “The First Responders 2”: https://www.youtube.com/watch?v=BaWXkiQY1mw
  • Best New Actor: Kim Do-hoon – “The Escape of the Seven”; Kang Yoo-seok – “Payback”; Lee Shin-young – “Dr. Romantic 3”; Lee Hong-nae – “Dr. Romantic 3”: https://www.youtube.com/watch?v=IoewccuNsjI
  • Best New Actress: Kwon Ah-reum – “The Killing Vote”; Yang Hye-ji – “Revenant”; Jung Soo-bin – “Trolley”
  • Best Young Actor: Choi Hyun-jin – “The Killing Vote”; Han Ji-an – “Dr. Romantic 3”
  • Best Young Actress: Park So-yi – “Revenant” & Ahn Chae-heum – “Taxi Driver 2”. Altri candidati: Ahn Se-bin – “The First Responders 2”; Lee Ga-yeon – “Dr. Romantic 3;” Choi Myung-bin – “Trolley”
  • Best Supporting Team: Dr. Romantic 3 : https://www.youtube.com/watch?v=5LVGvL4aTCo
  • Best Performance: Jin Seon-kyu – “Revenant”
https://www.youtube.com/watch?v=DH1CjHDr4rk

==KBS Drama Awards==

Grand Prize (Daesang) Choi Soo-jong – Korea-Khitan War

Top Excellence Award, Actor:

Kim Dong-jun – Korea–Khitan War

Rowoon – The Matchmakers

Top Excellence Award, Actress

Uee – Live Your Own Life

Excellence Award, Actor in a Miniseries

Jang Dong-yoon – Oasis

Excellence Award, Actress in a Miniseries

Choi Yi -hyun – The Matchmakers

 Seol In-ah – Oasis

Excellence Award, Actor in a Serial Drama

Ha Jun – Live Your Own Life

Ji Seung-hyun – Korea–Khitan War

https://www.youtube.com/watch?v=MU–nUNnGDg

Excellence Award, Actress in a Serial Drama

Baek Jin-hee – The Real Has Come!

Excellence Award, Actor in a Daily Drama

Seo Jun-young – Apple of My Eye 

Lee Shi-kang [ko] – Elegant Empire 

Excellence Award, Actress in a Daily Drama

Choi Yoon-young – Woman in a Veil

Nam Sang-ji – Unpredictable Family [ko

Best Actor in Drama Special/TV Cinema

Lee Jae-won – “No Path Back”

Best Actress in Drama Special/TV Cinema

Chae Won-bin – “Love Attack

Hong Seung-hee – “Behind the Shadows”

Best Supporting Actor

Jo Han-chul – The Matchmakers

Kim Myung-soo – Oasis

Lee Won-jong – Korea–Khitan War

Best Supporting Actress

Kang Kyung-hun – “Behind the Shadows” and Oasis

Best New Actor

Lee Won-jung – My Perfect Stranger

Cho Young-woo – Oasis

Best New Actress

Seo Ji-hye – My Perfect Stranger

Best Young Actor

Moon Woo-jin – “Dog Days of Summer

Best Young Actress

Kim Si-eun – Apple of My Eye

Popularity Award, Actor

Ahn Jae-hyun – The Real Has Come!

Ji Seung-hyun – Korea–Khitan War

Lee Sang-yeob – My Lovely Boxer

Rowoon – The Matchmakers

Popularity Award, Actress

Cho Yi-hyun – The Matchmakers

Seol In-ah – Oasis

Uee – Live Your Own Life

Best Couple Award

Ahn Jae-hyun and Baek Jin-hee – The Real Has Come!

Ha Jun and Uee – Live Your Own Life

Jang Dong-yoon and Seol In-ah – Oasis

Choi Soo-jong and Kim Dong-jun – Korea–Khitan War

Rowoon and Cho Yi-hyun – The Matchmakers

Scriptwriter Award

Lee Jung-woo – Korea–Khitan War

Grazia&Laura

La casa degli smarriti sul promontorio

“Prova a pensare e a smarrirti, in questo modo troverai la soluzione”.

Ci sono alcuni film anime che toccano il cuore già dalle prime scene, senza parole, dialoghi, ma solo la ripresa dei piedi stanchi di due ragazzine, in cammino tra gli sfollati dopo un tremendo sisma che ha distrutto città e seminato morte e tristezza.

Yui, una diciassettenne introversa e dal carattere chiuso, è in fuga da casa e incontra sulla sua strada la piccola Hiyori, una bambina di otto anni che ha perso genitori e parenti durante il sisma e che, a causa di questa tragedia non parla più, ha perso l’uso della parola per il forte trauma.

Le strade di Yui e Hiyori incrociano quella di Kiwa, un’anziana signora misteriosa, ma dagli occhi buoni e compassionevoli che offre ospitalità alle due ragazze nella sua casa di famiglia chiamata “Mayoiga” situata su una collina di fronte al mare. Il cammino verso la casa sul promontorio è l’inizio di un viaggio formativo, le due ragazze, che hanno perso il loro posto nel mondo; intraprendono questo viaggio con la speranza di raggiungere Casa, un luogo dover poter poggiare il proprio fardello, dimenticare per un attimo i momenti di inquietudine, un luogo ospitale dove trovare ristoro e dove poter alzare un muro di protezione da tutto il resto del mondo.

La “Mayoiga” nel folklore giapponese è una casa ben tenuta, ma abbandonata, che si trova in parti remote di una collina, di una montagna o in luoghi dispersi. Sarà proprio in questa misteriosa Mayoiga che le due ragazze troveranno ospitalità, i loro animi feriti saranno curati e riusciranno a ritrovare quella serenità che era mancata da tempo nel loro cuore anche grazie all’attenzione e alla premura di Kiwa che si comporterà come nonna nei loro confronti.

Kiwa rappresenta il senso di continuità  e il tramite con la casa e l’ambiente esterno, l’anziana custodisce il calore di famiglia, i valori e le tradizioni,  comunica con gli spiriti ed è un tutt’uno con la natura stessa, la nonna che offre protezione alle due nipoti, non consanguinee, ma da acquisizione perché una delle tematiche principali di questa storia è la famiglia, non quella dove si nasce,  ma quella che si sceglie, quella dove si sta bene, un concetto che va oltre i legami di sangue e che si basa sulle affinità spirituali.

Importanti le fiabe raccontate dall’anziana Kiwa che nell’anime vengono rese con un’altra tecnica di immagini e disegno per trasmettere l’essenza delle leggende tradizionali e intervallare la narrazione principale, infine, il rapporto con gli “yokai” gentili che sono chiamati “misterini”, custodi della natura e della casa.

La casa che vive con le tre protagoniste, che interagisce nella loro vita, che generosamente le cura e le nasconde, diventa un elemento vivo del racconto, le ragazze e la nonna, invece, si immergono nella sicurezza della casa dopo aver smarrito una parte di se stesse, nella casa ora trovano il focolare e il loro luogo dell’anima e imparano ad abitare intimamente ogni spazio dell’abitazione.

Potranno, però, superare il trauma del loro passato e proteggere l’unione che li ha legati come famiglia?

Come sempre ogni trauma viene a galla, anche dopo aver trovato una sicurezza. Le protagoniste, infatti, dovranno scendere in campo e affrontare il proprio oblio, immergersi completamente nel dolore per poi riemergere e riappropriarsi della loro abitazione. Il nemico da affrontare è il dolore e appare sotto le sembianze subdole del demone serpentino “Occhi rossi” che si nutre della tristezza e delle ferite dell’anima delle persone, per rinvigorirsi, ingigantire la propria forza, assumere nuove fattezze e creare illusioni che possano demolire ogni sicurezza e spegnere ogni speranza, per mandare via gli esseri umani dalle città, per far vivere nel costante senso di inadeguatezza e disperazione, per strozzare qualsiasi possibilità di liberazione.

Yui e Hiyori dovranno avere moltissima forza d’animo per affrontare, nell’ultimo atto dell’anime, questo nemico, perché: “Tutti noi possiamo unicamente fare ciò che è in nostro potere”.

Yui rappresenta la tenacia e la resilienza, Hiyori rappresenta l’empatia, il sostegno emotivo, l’anziana Kiwa è la protezione e il trait d’union tra presente e passato, mentre la casa è un posto in cui credere in sé.

“La casa degli smarriti sul promontorio” è uno degli anime più belli visti ultimamente, è ambientato nella prefettura di Iwate ed è legato ad una iniziativa nata per promuovere Miyagi, Iwate e Fukushima in un progetto commemorativo del terremoto e dello tsunami del 2011, il tono malinconico e delicato della storia, così come la colonna sonora, infatti, rendono partecipe lo spettatore del sentimento e dello stato d’animo rappresentato in questo meraviglioso film di animazione.

“La casa degli smarriti sul promontorio” è tratto dall’omonimo romanzo, vincitore nel 2016 del premio Noma, scritto da Sachiko Kashiwaba, autrice che anni prima aveva ispirato “La città incantata” diretta da Hayao Miyazaki. La sceneggiatura dell’anime, invece, è stata affidata a Reiko Yoshida che, con il suo tocco di rara sensibilità, ha impreziosito storie come “Violet Evergarden”, “La forma delle voce”, “Liz e l’uccellino azzurro”, “Okko’s Inn”.

Memoru Grace

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Death’s Game – Il gioco della morte (ovvero dell’opportunità di vivere)

“Che cosa ho mai fatto? Perché devo andare là, quando non ho mai fatto nulla di male?”.

“Sei colpevole di avermi trovata prima che io trovassi te”.

Lo ammetto: l’attendevo. Anzi, la cercavo quasi in modo spasmodico, non tanto questa serie, ma proprio La Serie, quella che potesse galvanizzarmi davanti allo schermo per ore di fila, senza sentire il peso della stanchezza, né il formicolio delle membra. La anelavo da tempo, come una boccata di ossigeno, in mezzo a tanti e variegati prodotti che mi hanno coinvolta con alti e bassi. La volevo tantissimo, per dimostrare quello stacco di qualità che la produzione artistica sudcoreana ha ormai intrapreso da anni, una lunga linea continua che incatena a sé titoli come Parasite e Squid Game. Eppure, al tempo stesso, quasi la temevo, rintanata impaurita in un angolino, come quando si aspettano i terribili temporali, conscia della grandiosità di quel temibile trailer, predominato dall’oscura e volatile presenza della Morte, assisa al suo tavolo come nella famosa scena de Il Settimo Sigillo di Ingmar Bergman, pronta a giocare la sua letale ultima partita contro l’umanità.

L’umanità (ovvero il cavaliere del Sigillo) in Death’s Game (tratto dal webtoon Yi-chae, you’re going to die soon – 이재, 곧 죽습니다 – di Lee Won-sik e Gguchan) è rappresentata da Choi Yi-chae (interpretato magistralmente da Seo In-guk di I misteri del Café Minamdang e Doom at Your Service). Sette anni prima, in anticipo sulla sua laurea, Yi-chae era stato selezionato per un colloquio con un’importante azienda, la Taekang, ma, al momento di recarsi sul posto di lavoro, era stato testimone dell’investimento di un uomo, che aveva agonizzato tra le sue braccia. Il fatto aveva condizionato per sempre la vita di Yi-chae: arrivato scosso e tremante al colloquio, non era riuscito a fare una bella figura e aveva fallito dall’ottenere il posto di lavoro, senza più avere alcuna possibilità di essere richiamato, mentre i debiti accumulati e il prestito universitario lo avevano costretto a fare tanti piccoli lavori e a rinunciare a qualsiasi carriera. Gli anni scorrono e lasciano Yi-chae sempre più triste e sconfortato, impossibilitato anche di sposare la sua fidanzata storica, la giovane scrittrice Lee Ji-su (interpretata da Go Youn-jung di Alchemy of Souls 2, Sweet Home e Hunt), e di costruirsi una vita, fino a quando non viene chiamato nuovamente per un colloquio presso la sua azienda dei sogni. Solo che, stavolta, la chiamata si rivela un gioco crudele del destino e durante il colloquio Yi-chae viene umiliato e sbeffeggiato dal figlio del CEO, Park Tae-woo (un cattivissimo Kim Ji-hoon di Money Heist Korea 1 & 2, Ballerina e Flower of Evil). Amareggiato dalla vita, senza più sicurezze, senza un lavoro o la possibilità di ottenerlo, senza casa e senza soldi, Yi-chae sale sul cornicione del tetto del suo palazzo e prende la decisione di togliersi la vita, perché la vita non ha più significato per lui e si è tramutato in un continuo dolore, mentre la morte è solo un mezzo per porre fine alle sue continue sofferenze umane. Abbraccia la morte, perché non la teme, e la sfida, perché ripudia la vita. Spegne il cellulare, chiudendo la telefonata alla madre (una bravissima Kim Mi-kyung di Healer, Welcome to Samdal-ri e tanti altri), e si butta.

La Morte emerge da un fondale tetro come un fumetto di Frank Miller in un mondo infernale che pare le acqueforti dantesche di Gustave Doré e, con il volto da elfo di Park So-dam (Parasite, Cinderella and Four Knights), spiega a Yi-chae che ha commesso spergiuro nei suoi confronti e nei confronti di Dio e che, pertanto, è destinato ad andare all’inferno. Ma, prima, è stato condannato a scontare la punizione richiesta dalla Morte stessa, offesa per il fatto che Yi-chae l’ha cercata senza che lei lo volesse e risentita per essere stata giudicata solo un mezzo per rimuovere le sofferenze. Yi-chae viene condannato a vivere 12 esistenze quasi in punto di morte, una per ogni proiettile che la Morte gli fa esplodere in testa e una per ogni battito d’ora, con l’obbligo di cercare la vita e sopravvivere nel corpo che gli è stato dato: solo così, infatti, può liberarsi della punizione e convincere Dio, nella sua infinita bontà, di non mandarlo all’inferno.

Ed è così che Yi-chae chiude gli occhi e si risveglia, di volta in volta, in tante diverse esistenze a lui ignote, possessore di corpi mai visti e capace di acquisirne i ricordi, ma anche di assorbirne le tristezze e i dolori: il milionario Park Ji-tae (Choi Siwon dei SuperJunior, anche visto in Work Later Drink Now 1 & 2), erede e figlio minore del CEO della Taekang; l’atleta di sport estremi Song Jae-seop (Sung Hoon di My Secret Romance e Perfect Marriage Revenge), che vuole lanciarsi senza paracadute; l’adolescente bullizzato Kwon Hyeok-su (Kim Kang-hoon, già giovane prodigio in When the Camellia Blooms, Mouse e Kingdom), che vorrebbe suicidarsi per la disperazione; l’agente criminale Lee Ju-hun (Jang Seung-jo di Encounter e Snowdrop) in cerca di un tesoro; il ventenne Cho Tae-sang (Lee Jae-wook di Alchemy of Souls 1 & 2, DoDoSolSolLaLaSol e Move to Heaven), che sconta in carcere minorile una condanna ingiusta; un bambino neonato con genitori orrendi; il giovane fotomodello Jang Geon-u (Lee Do-hyuk, che abbiamo già adorato in The Good Bad Mother, 18 Again, Youth of May e The Glory), che riesce ad incontrare il dolore provato dalla madre e dalla fidanzata di Yi-chae dopo la sua morte; il misterioso artista Jung Gyu-chul (Kim Jae-wook di Crazy Love e Coffee Prince), che crea opere dalle sofferenze umane; il detective di polizia An Ji-hyung (Oh Jung-se di It’s Okay to not be Okay, Jirisan e When the Camellia Blooms), che da uomo timoroso diventa presto un eroe; un barbone smemorato (Kim Won-hae di Strong Woman Do Bong-soon, Youth of May e tanti altri); un impiegato licenziato (il caratterista Kim Gun-ho); e un’ultima vita di cui non svelo nulla.

Tante vite, che, all’apparenza, sembrano non avere nulla in comune e che, invece, si scoprono intrecciate tra loro e legate, in qualche modo, al protagonista in una rincorsa alla vita che diventa sempre più pregnante, perché ogni esistenza porta con sé nuovo dolore e nuova sofferenza, ma anche la consapevolezza che la vita va affrontata con tutte le sue piaghe e con i suoi rari momenti lieti: “Le persone sono più felici quando possono essere se stessi. Alla fine, la vita sarebbe priva di significato se non puoi essere mai veramente te stesso“. E, infine, con la consapevolezza che ogni nostro atto umano è intersecato a tanti atti umani e ogni nostro più piccolo respiro assume significato alla luce e agli occhi delle emozioni di coloro che ci stanno vicino: “Perché non ho realizzato che avevo persone nella mia vita che potevano soffrire con me durante i momenti difficili?“.

La Vita non è mai bella, ma, come diceva tempo fa William Goldman, è solo un tantino meglio della Morte. Solo che la Vita è anche un dono prezioso che ci viene dato alla nascita e che tutti coloro che ci amano concorrono ad assicurare e confortare giorno per giorno, fino alla fine, incrementando quel valore che va a caratterizzare la vita stessa e a riempirla di significato. Perché la vita è un’opportunità che va vissuta sempre, va “giocata” fino in fondo e, anche se tutto può andare male, la vita va custodita per quella luce di speranza che la alimenta in sé, per quel dono che è stato concesso e che richiede il tempo necessario per farlo fiorire e far prendere il volo. Non esistono solo vite grandiose ed eroiche o vite felici e ricche. Tutt’altro. Gran parte di noi vive in modo grigio e anonimo, una macchietta di Magritte disseminata nel vuoto caotico e sovrappopolato dell’umanità, e, se tutto va bene, si chiede solo che la vita possa proseguire così, piatta e pacata, senza turbinii ed eccessi di qualsiasi sorta, per poter strappare la speranza di quei rari momenti di luce e di calore, che arrivano come una giornata di sole in mezzo alla tempesta. Vivere fa sempre paura, perché porta in sé tutto l’ignoto del mondo, tutte le variabili di cui si carica l’esistenza umana, eppure, nonostante tutto, vogliamo vivere, vogliamo portare avanti le nostre oscure e grigie esistenze per quei rari momenti, per quegli attimi diversificati che si alternano come i giorni di un calendario, brutti o belli che siamo, ma parte di noi stessi. Per cui, vorrei concludere con le parole dello stesso protagonista, dopo aver giocato contro la Morte:

“Non stai vivendo veramente, se vivi sempre nella paura. Ma siccome ero un codardo, vivevo nella paura costante. Preoccupato che il mondo non riconoscesse il mio dolore, che sarei rimasto indietro, e che sarei stato respinto, ho finito per togliermi la vita per questa paura, ancor prima che la vita potesse sbocciare davvero. Solo dopo essere morto, avevo capito che la vita stessa era un’opportunità. E il dolore che pensavo mi stesse divorando non era così grande. Belle giornate. Giornate in cui piove. Giornate in cui c’è vento. Ho imparato che la vita è fatta da giorni diversi e che va benissimo fallire, finché si continua ad andare avanti”.

Vivete e fallite. Cadete, fallite ancora più in grande e, poi, rialzatevi. Abbiate cura di voi stessi, ma continuate a vivere senza timore.

Captain-in-Freckles

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