Exhuma

“Qualcosa è venuto fuori da lì. Qualcosa di veramente malvagio”.

Presentato il 16 febbraio 2024 al 74esimo Festival del Cinema di Berlino e uscito nei cinema sudcoreani il 22 febbraio, in poco tempo Exhuma ha girato il mondo, le sale di cinema e teatri e le rassegne e i festival (in Italia, è stato proiettato in anteprima al Far East Film Festival di Udine) ed è diventato subito un vero e proprio caso, una pietra rara incastonata nel sempre più apprezzato cinema autoriale proveniente dall’Estremo Oriente, costituito da una recitazione perfetta, da una trama avvincente e soprannaturale e da una suspence crescente, che, in pochi tratti di ombra e di attesa, riesce a mettere a confronto lo spettatore non solo con gli incubi che affollano l’ancestralità delle maledizioni generazionali e dei riti misterici, ma direttamente con il Male, incarnato in strati di odio che si sono cementificati nella storia.

Avvertenza necessaria prima di proseguire con la lettura di questa recensione: se siete altamente impressionabili, suscettibili alle scene orride, facilmente portati a dormire sogni angoscianti e timorosi di assistere a ritualità esoteriche ed esorcismi, non andate avanti a leggere questo testo; se ci sono bambini nei dintorni o persone che possono rimanere scosse da simili racconti, non leggete questo testo a voce alta; se, tuttavia, sapete riconoscere, anche in una sola immagine, la bellezza di un’opera cinematografica, che sa essere terrificante e sublime, come solo la definizione di Burke sarebbe riuscita a descrivere, allora, dopo la lettura, inserite immediatamente questo film nelle prossime visioni – possibilmente cinematografiche.

Il figlio neonato di una famiglia coreano-americana vive dalla nascita sotto incubatrice, affetto da una malattia misteriosa, che sembra essere causata da una malformazione genetica inspiegabile e che non risponde ad alcuna cura. Pur non tralasciando mai le prestazioni mediche, i genitori del bambino, che hanno già vissuto il lutto di due figli, si rivolgono alla consulenza dell’esperta sciamana Lee Hwa-rim (interpretata da Kim Go-eun, protagonista anche di Goblin, The King: Eternal Monarch, Tune in for Love e molto altro). Hwa-rim si reca a Los Angeles per fare visita al bambino insieme al suo allievo sciamano Yoon Bong-gil (interpretato da Lee Do-hyun, visto anche in 18 Again, Sweet Home, The Good Bad Mother, Youth of May) e, dopo aver analizzato attentamente il malato, comprende che il piccolo è oppresso da una maledizione, denominata la “Chiamata della Tomba” e connessa a qualcosa commesso dal bisnonno paterno. Spiegando la situazione ai familiari del bambino, Hwa-rim ottiene il loro consenso a dissotterrare la bara del bisnonno per cremare il corpo e placare la vendetta del suo spirito.

Il titolo originale del film, Panyo (in hangul 파묘, in hanja 破墓) indica l’azione di riesumare e ricollocare altrove una tomba o il suo contenuto, attraverso una ritualità predefinita nelle tradizioni sciamaniche.

Per questo motivo, Hwa-rim torna in Corea e chiede aiuto ai becchini Yeong-geun (interpretato da Yoo Hae-jin, secondario d’eccezione di film come Tazza, A Taxi Driver e The Night Owl), direttore di cerimonie funebri, e Kim Sang-deok (interpretato da Choi Min-sik, indimenticabile nei film Oldboy, Lady Vendetta, I saw the devil, In our prime, ma anche nella serie Big Bet), maestro di Feng Shui.

“Sono un becchino. Scavo sia per i vivi che per i morti. Sono Kim Sang-deok, maestro di Feng Shui dell’Occhio della Tigre”.

Il Feng Shui, che letteralmente significa “acqua e vento”, ovvero le due energie vitali che muovono e assorbono l’energia vitale del pianeta, è un’arte geomantica e divinatoria taoista di origine molto antica, che studia l’armonia tra gli elementi del pianeta e le energie che determinano lo scorrere della vita, quell’incontro tra le due forze contrapposte dello yin e dello yang e l’energia vitale umana, che sta in sospeso tra il mondo dei vivi e quello dei morti, tra la realtà fattuale e quella nascosta delle creature oscure, il fragile equilibrio di vetro del mondo. Come viene detto nel film, per l’1% dei coreani, “il Feng Shui è sia religione che scienza“.

Hwa-rim, Bong-gil, Yeong-geun e Sang-deok, attraverso un rito che sposta le energie negative dalla terra alle carcasse di alcuni maiali e con un canto cadenzato dal ritmo dei tamburi tradizionali e dalla danza frenetica di Hwa-rim (in una delle scene, che, di diritto, entrerà nella storia del cinema), dissotterrano la bara del patriarca della famiglia maledetta. Tuttavia, la pioggia sopravvenuta impedisce loro la cremazione del corpo, secondo la credenza che un morto bruciato in una giornata di maltempo non può andare in un bel posto dopo la morte. La bara viene depositata presso l’obitorio dell’ospedale, ma la bellezza e la ricchezza della sua foggia, che in passato avevano attirato i predatori di tombe in cerca di tesori, spingono l’addetto alla camera mortuaria ad aprire un varco, che diventa presto un passaggio per l’anima carica di odio del defunto, deciso a vendicarsi nei confronti dei suoi familiari e a portare a termine il suo progetto di vendetta.

“E’ per il sangue. Non potrai liberartene nemmeno dopo la morte. In un gruppo di corpi e menti che condividono gli stessi geni, quando l’attività fisica umana si fermerà, si trasformerà in terra. Succhiamo la terra e calpestiamo il terreno, attraversando ripetutamente cicli di vita e di morte”.

Però, mentre Hwa-rim, Bong-gil e Yeong-geun cercano di avere un contatto con lo spirito vendicativo per legarlo nuovamente alla sua bara e Sang-deok tenta di mettere in salvo i componenti della famiglia maledetta, in cui l’anima malvagia si era già insediata, uno degli operai chiamati a scavare la fossa inizia a soffrire di incubi generati dalla visione di uno strano serpente-larva di colore rosato, sbucato durante l’esumazione e tranciato a metà dalla pala. Tornando sul luogo della sepoltura e raccogliendo i documenti di famiglia del defunto, infatti, si scopriranno molte più cose, come la collaborazione di quest’ultimo con i giapponesi durante l’occupazione, ma anche i suoi rapporti con riti antichi e di evocazione e, infine, la presenza di tombe impilate, dove la bara dissotterrata nasconde un enorme sarcofago verticale appartenente ad uno spirito demoniaco.

“La volpe ha sconfitto la tigre”.

Ciò che gli sciamani si trovano ad affrontare, in realtà, è il Male stesso, nella sua forma più arcaica e incontrollata, quella dell’odio che infrange qualsiasi armonia e che spezza la continuità dell’energia vitale, dei cinque elementi che costituiscono l’equilibrio del Feng Shui, dove legno, metallo, acqua, vento, terra e fuoco interagiscono tra loro. Il Male si attacca ai desideri umani, ai propositi di vendetta e alla collera degli ultimi momenti di vita, si imprime come su una pellicola fotografica e si unisce agli oggetti e ai materiali, sorge quasi da essi, se impregnati delle lacrime di odio umane. Il Male viaggia veloce e si diffonde, si adatta immediatamente e si trasforma in continuazione, catturando corpi e anime umane.

Il regista Jang Jae-hyun, che non è nuovo al genere horror misterico-soprannaturale e alle storie di possessione e di esorcismo (suoi anche i film House of Disappeared, Svaha: The Sixth Finger e The Priests), ha costruito un racconto moderno che riprende le tradizioni e l’antichità, ma anche la storia della vecchia e della nuova Corea (da cui i riferimenti sia all’invasione giapponese del 1592 sia all’occupazione del 1910-1945), mischiando leggende coreane e giapponesi (gli spiriti kitsune e i demoni ghoul) con una ricerca pedissequa e dettagliata delle vere pratiche sciamaniche. Per costruire la sceneggiatura sono stati consultati dei veri esperti di occulto, di geomanzia e di Feng Shui, così come dei consulenti sciamani hanno insegnato agli attori i canti, le movenze e le danze tipiche dei riti, che gli interpreti sono riusciti a rendere con una precisione incredibile.

Forse, è proprio per via di questo dettaglio maniacale e di questa eccellenza interpretativa che il film riesce a mettere tensione in ogni singolo momento della visione, diffondendo un’emozione e un terrore continuo, che sanno spaventare e incantare al tempo stesso e che rendono questa visione unica, come un viaggio per altre epoche e per antiche maledizioni, che diventano così vicine da toccarle con mano.

Laura

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A Good Day to Be a Dog – Una fiaba moderna

C’era una volta una ragazza, dall’espressione sognante, bella e dal carattere dolce e comprensivo, amata dalla sua famiglia e da tutti coloro che avevano avuto modo di conoscerla, ma la ragazza aveva addosso una maledizione che da generazioni e da secoli colpiva ogni componente della sua famiglia. La maledizione era causata da un bacio, ovvero ogni volta che un membro della famiglia veniva baciato o baciava qualcuno, allo scoccare della mezzanotte di quel suddetto giorno, come negli incantesimi più misteriosi e crudeli, si trasformava in cane fino alle sei del mattino dopo e così per cento giorni. Se entro i cento giorni la maledizione non veniva interrotta e il componente di quella famiglia sfortunata, sotto forma canina, non veniva baciato dalla stessa persona, allora la maledizione avrebbe preso il sopravvento trasformandolo per sempre in cane. La ragazza era consapevole di questo destino e cercava quindi di non innamorarsi e di non legarsi a nessuno per non soffrire disperatamente un amore impossibile.

C’era una volta un ragazzo, affascinante, dai modi gentili, ma anche schivo e introverso; corteggiato da molte donne, il ragazzo, però, cercava di restare nascosto, di non volersi legare a nessuno quasi per proteggere il proprio ricco mondo di emozioni e di sentimenti per la paura di essere colpito e non compreso nella sua sensibilità.

C’era una volta il dio della montagna, un dio malinconico, ferito a vita dalla perdita di una persona amata, straziato nell’anima a tal punto da scagliare una maledizione per far rivivere l’eterna sofferenza di un affetto stroncato nella propria genuinità e nella speranza di una luce futura.

C’era una volta una fiaba moderna, perché “A Good Day to be a Dog” ha tutte le caratteristiche di una fiaba e lo si capisce subito dal primo episodio. Tratto dall’omonimo webtoon, questo kdrama raccoglie in sé la bravura degli interpreti, delle scene memorabili e divertenti e anche le situazioni più “fumettistiche” tipiche del webtoon, che sono ritratte in modo impeccabile, impreziosiscono la storia per renderla più scorrevole possibile, perché la “semplicità” della narrazione nasconde anche degli spunti di riflessione, quali l’accettazione di sé, delle proprie paure e il perdono. Consiglio questa serie a tutti coloro che vogliono trascorrere del tempo distraendosi e abbandonando la propria stanchezza senza dover pensare, perché è questa la funzione terapeutica che ho trovato in questa storia: rilassare il proprio animo dalle preoccupazioni quotidiane, perdersi nei colori delle immagini, tenui, delicate e, perché no, pensando di accarezzare un morbidissimo cagnolino bianco che abbiamo lì vicino, anche se solo nel nostro immaginario, perché è questo il vero potere delle fiabe.

Han Hae-na (Park Kyu-young, “Sweet Home 1 e 2”, “Squid Game 2”) è la protagonista della nostra fiaba, un’insegnante di lettere di scuola superiore con un segreto, la maledizione familiare che la costringe a non poter frequentare ragazzi, la sua vita sentimentale è difatti un disastro perché sa che qualora qualcuno scoprisse il suo segreto verrebbe additata a vita come creatura strana e sarebbe costretta a cambiare casa, città e vita, come è successo tempo addietro ad altri componenti della sua famiglia, come anche nel caso della sorella con la quale vive, Han Yu-na (Ryu Abel, “Love Affairs in the Afternoon”) che tempo prima era stata costretta a pagare un ragazzo che aveva frequentato per mantenere il proprio segreto.

Hae-na ha degli ottimi rapporti con i colleghi a scuola e con tutti gli studenti che la adorano anche per i suoi modi di fare così solari, affettuosi e accomodanti. Un giorno, però, ad una cena di lavoro, si ubriaca e accidentalmente bacia il collega di matematica Jin Seo-won (Cha Eun-woo, “Rookie Historian”, “Wonderful World”, “My ID is Gangnam Beauty”) scambiandolo, con una memorabile brutta figura, per il collega di storia, Lee Bo-gyeom (Lee Hyun-woo, “Money Heist: Korea”, “Dream”, “Hero”) del quale è segretamente innamorata.

Da questa disavventura iniziano i guai per la povera Hae-na che crede di essere addirittura antipatica a Seo-won che ha sempre il suo modo di fare distaccato e schivo. I mille tentativi di conoscerlo meglio invitandolo a pranzo e coinvolgendolo nella sua missione di aiutarla a conquistare il cuore di Bo-gyeom sono vani, ma la ragazza ha cento giorni di tempo per interrompere la maledizione e far in modo da rubare un bacio a Seo-won, stavolta, però, sotto le sembianze di cane. Iniziano le notti agitate della ragazza che puntualmente a mezzanotte si trasforma in un delizioso e indifeso cagnolino bianco e alle sei del mattino ritrova la forma umana, ogni giorno sempre più stanca perché è difficile essere un cane!

Hae-na, però, non sa che la missione che l’attende è ancora più complessa. Seo-won, infatti, è un ragazzo introverso che vive con un segreto, la paura folle dei cani, riesce a mettere in gioco anche la sua aura affascinante quando vede un cane, sale terrorizzato sopra un cassonetto della spazzatura o sopra una scrivania, pur di stare lontano dall’animale e questo è dovuto ad un trauma del suo passato con il quale Seo-won convive, quello di aver subito bullismo ai tempi della propria vita scolastica e di essere stato preso di mira da un certo Kan Eun-hwan (Kim Min-seok, “Because this is My First Life”, “Delivery Man” che spero di trovare prossimamente in qualche ruolo positivo) che lo minacciava puntandogli contro un cane che abbaiava ferocemente. 

Riuscirà Hae-na a convincere Seo-won ad avvicinarsi ai cani? Con qualche espediente riuscirà a fargli interrompere la maledizione?   

Tutto ciò non posso svelarlo, ma i due si conosceranno meglio e vivranno insieme diverse avventure come la gita scolastica di classe dove la ragazza si trasformerà a mezzanotte in cane e sarà costretta a rifugiarsi in una cuccia all’aperto o il coinvolgimento del nipote di Seo-Won, il divertente Choi Yul (Yoon Hyun-Soo, “Seasons of Blossom”) che scoprirà il segreto di Hae-na che è anche sua insegnante a scuola.

Un drama che ci dona tanti archetipi tipici delle fiabe, la metamorfosi, la magia e gli incantesimi, il potere delle maledizioni anche generazionali, il potere di spezzare una maledizione tramite il segno distintivo del bacio che ha la funzione di porre lo spettatore di fronte alla situazione anomala (il bacio che incatena la protagonista a trasformarsi in cane), ma anche il potere salvifico ( è sempre tramite un bacio che la maledizione viene annullata), e, come tutte le fiabe, anche qui troveremo uno straordinario messaggio che ci viene trasmesso nella storia: l’accettazione di noi stessi, anche se possiamo sembrare agli occhi degli altri strani, siamo noi stessi, unici di fronte al mondo e, come dice la protagonista Hae-na a Seo-won, che si vergogna a svelare la sua debolezza, cioè la paura dei cani:

“Non siamo strani. E’ solo il nostro modo di essere!”.

Per questo credo che “A Good Day to Be a Dog”, dovrebbe essere considerato come un drama curativo, con la stessa caratteristica delle fiabe, perché insegna ad affrontare le paure, a sconfiggere i nostri traumi interiori, superando le barriere inconsce dell’”io” per trovare un “noi”, perché insieme è più facile abbattere gli ostacoli:

“Avere qualcuno con cui parlare delle proprie paure è per me un regalo più grande del superamento della paura stessa”.

Grazia

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Kiseiju or Parasyte – The Grey: le zone grigie degli ospiti indesiderati

“Non posso piangere ancora. Mi sento come se avessi perso qualcosa. Una parte importante della mia umanità”.

Quando Netflix ha annunciato che sarebbe stata prodotta una serie ispirata al manga/anime classico “Kiseiju – L’ospite indesiderato“, la curiosità di tanti fan si è messe immediatamente in moto. E questo non solo perché i due universi nerd di fumetto e drama televisivo andavano ad incontrarsi (cosa che, in fondo accade da sempre, visto che i manga sono le fonti dirette d’ispirazione dei live action), ma anche perché la serie prometteva la creazione di una storia parallela, quasi uno spin off che unisse l’antecedente giapponese alla rivisitazione coreana per andare a creare qualcosa di nuovo e diverso, con un esperimento che, a mio avviso, è stato riuscitissimo, tanto da promettere un ottimo sviluppo.

Per chi, però, si dovesse imbattere nella serie coreana senza conoscere precedentemente il fumetto, è necessario dire che la storia di Kiseiju (寄生獣, che letteralmente indica le “bestie parassitarie”) è stata sviluppata a partire dal 1989 da Hitoshi Iwaaki, figlio di un archeologo con la passione per i fumetti e la fantascienza, che è diventato presto uno dei padri del cosiddetto body horror, quel sottogenere tra fantasy e horror che prevede la trasformazione di corpi tramite la creazione di ibridi alieno-umanoidi-parassitari, tante scene gore e splatter, una leggera vena di ironia e una certa dose di interrogativi sulla natura umana. Il manga, serializzato dal 1989 al 1995, e trasformato immediatamente in serie anime, ha avuto così tanto successo da vincere il premio Kodansha per il fumetto e il premio Nebula per la narrativa fantascientifica, diventando una delle pietre miliari del genere e raccogliendo fama in tutto il mondo, tanto da metterlo al centro di una vera e propria guerra per i diritti nella realizzazione di un live action tra produzioni giapponesi e produzioni statunitensi e australiane. Nel 2005, la New Line Cinema (che, per intenderci, è la stessa casa di produzione dietro il successo del franchise de “Il signore degli anelli” e non solo) riuscì a garantirsi i diritti per un film cinematografico, la cui uscita fu annunciata a breve giro, grazie alla produzione di Don Murphy, attore caratterista, ma anche produttore di film controversi come “Natural Born Killer – Assassini Nati“. Sarà che Don Murphy era, al tempo stesso, impegnato per la creazione di remake Disney dei film dello Studio Ghibli, sarà che la New Line, col tempo, perse interesse, il film non vide mai la luce fino alla decadenza del diritti nel 2013, tornando nelle mani della produzione giapponese, che realizzò due pellicole in live action, interpretate da Shota Sometani (L’ultimo Yakuza – First Love). Del progetto di realizzare una serie televisiva, invece, non se ne parlò più fino all’acquisizione da parte di Yeon Sang-ho, leggendario regista e produttore sudcoreano a cui si devono “Train to Busan“, “Peninsula“, “Seoul Station“, “JUNG_E” e “Hellbound“.

Ma quali differenze e quali somiglianze esistono tra manga/anime giapponese e drama/live action sudcoreano?

Shinichi Izumi è un adolescente normale, con i suoi alti e bassi a scuola, la musica troppo alta nelle orecchie e tutte le insicurezze della sua età. Una notte, mentre dorme con le cuffie del suo MP3, una creatura aliena tenta di entrare dentro di lui attraverso le orecchie, ma, trovandosi la strada sbarrata, penetra nella sua mano destra. Izumi lega le cordicelle degli auricolari intorno al braccio per non permettere alla creatura di risalire e, così facendo, la indebolisce e la isola sotto l’avambraccio.

Quello che Izumi non sa è che quella creatura, da lui ribattezzata Destry, è un parassita, appartenente ad una specie ignota arrivata sulla terra con l’obiettivo di cibarsi dei cervelli degli esseri umani, per sostituirsi a loro e controllarli, fino a controllare tutta la società.

Tra Izumi e Destry sorge una cooperazione basata sul loro vivere in simbiosi, per cui ognuno aiuta l’altro in una lotta continua per la sopravvivenza personale, che, col tempo e con la perdita di persone care, inizia a diventare una lotta per la sopravvivenza del genere umano stesso. Perché, anche se Izumi e Destry vivono in una “zona grigia”, hanno ben chiaro cosa sia il concetto di umanità, ovvero quell’umana compassione tra gli esseri viventi, quel legame che va al di là della semplice e vuota esistenza. Mentre Izumi si abitua lentamente a Destry e, grazie alla sua presenza, si fortifica e riesce a capire le sue potenzialità, Destry non impara solo la cultura e le usanze umane, ma anche le emozioni e i sentimenti.

Nonostante col tempo il carattere di Izumi si incupisca, diventando freddo ed emotivamente distante, e la sofferenza della sua situazione e delle tristezze accumulate (il lutto per la morte della madre, ma anche il soccorso in extremis di Destry che gli ripara il cuore) gli impedisca di piangere, la convivenza forzata con il suo ospite aumenta lo sviluppo delle sue facoltà e dei suoi sensi, agendo sulla sua empatia nei confronti del genere umano.

Al suo fianco: Satomi Murano, compagna di scuola e amica di sempre, ragazza riflessiva e sensibile, ignara della situazione di Izumi, ma disponibile a comprenderlo e a superare insieme a lui, le sue paure; Hirama, detective della polizia perspicace e intuitivo, che indaga sulla questione dei parassiti e dei loro crimini e percepisce che c’è qualcosa di strano in Izumi.

ATTENZIONE: perché, se Izumi e Destry acquisiscono la capacità di unirsi e di separarsi per le battaglie, quando Destry ha riparato il cuore di Izumi ha infuso il 30% di sé e delle sue potenzialità all’interno dell’organismo e del sangue di Izumi, rendendolo a tutti gli effetti un mutante, in grado di esistere con le sue caratteristiche, anche al di là della scomparsa di Destry.

Jeong Su-in (Jeon So-nee di Our Blooming Youth) è una giovane donna con un triste passato. Una sera, dopo un alterco con un cliente del supermercato dove lavora, viene aggredita durante il ritorno a casa: spinta fuori strada col suo motorino e accoltellata ripetutamente, si accascia per terra in attesa del colpo finale, quando il suo aggressore muore, colpito brutalmente, come diviso in due nel corpo da una lama. Una creatura ignota entra nel suo orecchio, ma, trovando un corpo prossimo alla morte, decide di ripararlo, senza installarsi nel cervello.

Quello che Su-in non sa è che quella creatura, da lei ribattezzata Heidi, è un parassita, appartenente ad una specie ignota arrivata sulla terra con l’obiettivo di cibarsi dei cervelli degli esseri umani, per sostituirsi a loro e controllarli, fino a controllare tutta la società.

Tra Su-in e Heidi sorge una cooperazione basata sul loro vivere in simbiosi, per cui ognuna aiuta l’altra in una lotta continua per la sopravvivenza personale, che, col tempo e con la minaccia di perdere tutte le proprie sicurezze, inizia a diventare una lotta per la sopravvivenza del genere umano stesso. Perché, anche se Su-in e Heidi condividono lo stesso corpo e si incontrano a metà strada in un inconscio comune, una “zona grigia”, i loro cuori vanno all’unisono in un legame che si stringe sempre di più tra di loro e tra loro e il resto dell’umanità. Mentre l’una si abitua all’altra, l’una diventa anche la confidente dell’altra, aiutandosi a vicenda a comprendersi e a cercare un proprio posto nel mondo, senza sentirsi mai sole.

Nonostante i traumi accumulati sin dall’infanzia e le tristezze, che, una dopo l’altra, si affollano nella vita, portino Su-in a chiudersi sempre di più in se stessa, quasi ad abbandonarsi in una sorta di volontario coma per ritirarsi totalmente dalla vita, col tempo e grazie anche all’aiuto di Heidi, Su-in impara che sfogarsi è possibile, così come è possibile smettere di fuggire e fare una differenza nel mondo, sviluppando la sua empatia nei confronti del genere umano.

Al suo fianco: Seol Kang-woo (Koo Kyo-hwan di D.P. – Deserter Pursuit), piccolo truffatore e galoppino di una cosca mafiosa, che si ritrova quasi casualmente a proteggere il segreto di Su-in; Choi Jun-kyung (Lee Jung-hyun di Snowdrop), profiler della polizia e capo dell’unità speciale The Grey (una sorta di X-Files), nemica-amica di Su-in nella prevenzione della diffusione dei parassiti.

ATTENZIONE: perché, se Su-in, Kang-woo e Jun-kyung riescono a superare le proprie divergenze e ad unire le proprie forze l’unità The Grey sembra destinata a svilupparsi e a potenziarsi, occorre rimanere all’erta fino ai titoli di coda, quando sbuca un improvviso e inaspettato alleato giapponese di nome Shinichi Izumi (interpretato da Masaki Suda di Foto di Famiglia).

Che cosa sono i parassiti? E sono per davvero così malvagi come possono apparire? Ma, soprattutto, lottano per la sopravvivenza, uccidendo gli altri, oppure uccidono gli altri per diffondere il proprio genere? Sono interrogativi che si pongono sia l’anime/manga che il drama televisivo e, se Destry dice che, dopo accurate ricerche sul concetto dei demoni, ha notato che gli esseri umani sono quanto di più vicino a tale concetto possa esistere, Heidi fa notare la bellezza del mistero degli esseri umani, ma anche il loro più cupo pericolo esistenziale, visto che i parassiti non sono nati per propria volontà, ma sono connessi alla volontà degli umani di “parassitare” il mondo e le sue risorse. Al tempo stesso, sono gli umani a fornire ai parassiti le prospettive e le attrattive più interessanti, che consistono nel creare e comandare la peculiare caratteristica umana di organizzarsi socialmente e, quindi, di “parassitare” la società. E credo che gli sviluppi e le soluzioni migliori arriveranno dalla nuova creatura destinata a sorgere prossimamente dall’incontro di anime/manga e drama.

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Laura

Big Fish & Begonia

“Molto tempo fa, quando la terra era giovane, tutto ciò che esisteva era un vasto oceano popolato da grandi pesci primordiali. Questi pesci antichi erano le prime incarnazioni dell’anima umana: ecco perché, dal momento in cui nasciamo, l’oceano ci chiama, e alla fine torniamo da lui.
Il mio nome è Chun. Vengo da un mondo sotto l’oceano. Il cielo del nostro mondo è connesso agli oceani del mondo umano. Una volta liberate dalla morte, le anime umane vanno alla deriva del loro mondo fino al nostro, ed è nostro compito occuparci di loro e tenerle al sicuro. Noi siamo quelli che controllano il tempo, le maree e il cambiamento delle stagioni. Non siamo esseri umani, ma nemmeno siamo divinità: noi siamo gli Altri”. (…)

“Big Fish & Begonia” è un film d’animazione cinese del 2016 diretto da Liang Xuan e Zhang Chun e potrebbe essere considerata la trasposizione cinematografica di una vera e propria fiaba. Dodici anni di lavorazione e una campagna di crowdfunding da parte dei registi che hanno coinvolto moltissimi collaboratori per realizzare un film animato che riesce a fondere tecnica del disegno tradizionale e animazioni tridimensionali in computer grafica.

La storia è ispirata ad un antico classico taoista cinese “Zhuangzi”, una raccolta di storie e miti, ricchi di significati, metafore, aneddoti e aforismi e integra anche storie tratte da altri classici cinesi come “Il libro dei monti e dei mari” e “Alla ricerca del soprannaturale”, opera che si ritiene scritta da Gan Bao, storico alla corte dell’imperatore Yuan e che raccoglie leggende e racconti su divinità, fantasmi e fenomeni soprannaturali.

La storia è intrisa di misticismo e spiritualità e quello che ho gradito maggiormente è la scelta dei colori  e delle forme che hanno reso liriche le scene del film.

Ogni anno, dal mondo degli spiriti sotto il mare, vengono inviati sulla Terra, per sette giorni, dei giovani spiriti dai poteri magici che prendono le sembianze di delfini. Nei sette giorni gli spiriti inviati devono comprendere l’equilibrio del mondo e la sua armonia, osservare ogni fenomeno naturale, senza aver alcun contatto con gli esseri umani. Tra gli spiriti, la giovane Chun incontra e si affeziona ad un ragazzo umano che vive vicino al mare e venera le creature acquatiche. Un giorno, però, Chun rimane impigliata ad una rete da pesca e il ragazzo, mentre la salva, annega e muore. Chun ritorna nel suo mondo portando con sé l’ocarina del ragazzo e si reca dalla Signora delle Anime per riscattare l’anima di colui che l’ha salvata, la Signora delle Anime prende metà della sua vita in cambio della restituzione dell’anima del ragazzo che le viene consegnata sotto forma di un cucciolo di delfino. Viene anche detto a Chun di allevare il delfino fino ad età adulta così che potrà poi essere liberato nel mondo umano. Chun chiama il piccolo delfino, Kun in onore di un enorme pesce leggendario.

Qiu, amica d’infanzia di Chun aiuta la giovane a crescere Kun, ma in contemporanea, sulla Terra, si manifestano degli insoliti fenomeni naturali e degli sconvolgimenti. Quando Kun pian piano diventa grande ed è sempre più difficile nasconderlo, viene scoperto dagli spiriti che decidono di ucciderlo per ripristinare l’ordine del mondo sulla Terra, ma Chun cercherà di fare di tutto per salvarlo e per consentirgli di fare ritorno tra gli umani.

Qui il viaggio di formazione si fonde con il viaggio di salvezza e quindi di affetto e di riconoscenza, sentimenti che prova Chun per Kun. Nascita e morte non sono inizio e fine, ma lungo il cammino siamo disposti ad affrontare mille prove per coloro che amiamo? A cosa siamo disposti a rinunciare? Alla nostra famiglia, alle certezze, a noi stessi?

Questi sono gli interrogativi che solleva il film, una riflessione sul senso della vita e delle prove da superare. Donare una parte della propria vita, rinunciare anche a se stessi, condannandosi alla solitudine per il bene di una persona cara.

Chun sfiderà le leggi della natura e del suo mondo, così come quelle della Terra per far sì che il giovane Kun possa tornare nel mondo umano.

“Gli uomini sono in eterno viaggio verso casa”.

Ambientazione meravigliosa, mondi onirici e sommersi dall’acqua, magia che viene conservata e custodita solo per le occasioni speciali, per il resto, il tutto, è valorizzato dalla pazienza, dal senso di attesa e da quello di costanza, di cui è armata Chun, il cui nome significa “begonia”, e che identifica i suoi poteri legati alla cura degli alberi di begonia, donatrice di vitalità ed equilibrio.

Un film di animazione che incanta già dalla prime scene e che può piacere anche agli appassionati delle opere dello Studio Ghibli per la sensibilità delle immagini ricreate e dei personaggi presenti. “Big Fish & Begonia” è una storia delicata, un mito dove la tradizione si fonde con la speranza e dove i legami forti superano i confini dei mondi, sia quello umano che quello degli spiriti.  

Grazia

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Stranger Book Club – L’altra metà del Cielo

Un antico proverbio cinese dice: “Le donne sostengono la metà del cielo”. Significa che le donne sono parte stessa della volta celeste, che reggono silenziosamente e gentilmente, quasi in modo impercettibile, con la loro determinazione, la loro forza interiore, la tenacia e il coraggio che le contraddistingue e che le ha sempre contraddistinte nella storia. Il proverbio divenne famoso quando Mao Zedong, annunciando la parità di genere e l’eguaglianza tra donne e uomini nella Cina socialista, lo fece diventare la colonna portante del suo programma di democratizzazione, per cui tutto ciò che potevano fare gli uomini poteva essere fatto anche dalle donne. In un paese con forti e radicati sentimenti patriarcali, derivanti dalla cultura e dalla filosofia confuciana, innestare quest’inversione di visione nei confronti del genere femminile non fu facile. Eppure, le donne, quell’altra metà del cielo che nessuno mai notava, hanno sempre rappresentato la forza nascosta del popolo cinese, la memoria, la resistenza e l’adattabilità. Di seguito, abbiamo raccolto due consigli di lettura a tema.

“Cigni Selvatici. Tre figlie della Cina”

di Jung Chang

Edizioni TEA

“Cigni selvatici” è principalmente una storia di donne, delle loro fatiche, delle costanti sofferenze e delle loro speranze. La storia di tre generazioni di donne raccontate dalla voce narrante di Jung Chang, autrice del romanzo, che ripercorre la storia della Cina nel tumultuoso XX secolo partendo dalla vita della nonna, a quella della madre, per finire alla sua.

Nel 1909 nasce Yu-fang, nonna dell’autrice, in quel tempo la Cina è una società feudale e all’età di due anni alla bambina viene praticata la fasciatura ai piedi, all’età di quindici anni viene ceduta come concubina ad un “signore della guerra”, per poi ritrovarsi, alla morte di quest’uomo, libera, ma attorno a lei la storia sta travolgendo tradizioni e comportamenti.

Un nuovo mondo, un nuovo capitolo coinvolge la vita di De-hong, figlia di Yu-fang e madre dell’autrice che, cresciuta sotto l’occupazione giapponese e poi russa, allo scoppio della guerra civile tra i comunisti e il Kuomintang di Chiang Kai-shek, entra a far parte del movimento clandestino e diventa una rappresentante della rivoluzione nonché figura di spicco, simbolo della donna cinese emancipata.

I genitori dell’autrice Jung Chang diventano alti funzionari del regime di Mao Zedong garantendo alla figlia cure e privilegi fino a quando la ragazza, dopo essere stata “guardia rossa”, inizia a contestare il sistema, i genitori vengono reclusi ed esiliati, il padre morirà alcuni anni dopo essere stato dichiarato insano di mente.

Jung Chang, dopo un periodo di esilio, dove lavora come contadina, nel 1978 lascia il paese per trasferirsi nel Regno Unito, dove, grazie ad una borsa di studio, diventa la prima studentessa della Repubblica popolare cinese a conseguire un dottorato. 

“Cigni selvatici” è stato scritto in lingua inglese e successivamente tradotto in diverse altre lingue, nel 1992 raggiunse la celebrità e nel 1993 vinse il premio “Book of the Year”, in Cina venne bandito per diverso tempo, alcune versioni della traduzione, invece, sono reperibili a Taiwan e Hong Kong.

Storia di donne del Novecento, storie di coraggio, un viaggio intimo nel cuore di tre anime fiere e orgogliose, che hanno navigato i mari della vita scontrandosi contro eventi e incontrando nel loro cammino le vite parallele di altre persone.

“Ripensavo ai miei ventisei anni: avevo sperimentato il privilegio e la denuncia, il coraggio e la paura, e avevo visto la bontà e la lealtà così come gli abissi della bruttura umana. Fra sofferenze, rovina e morte, avevo conosciuto soprattutto l’amore e l’indistruttibile capacità umana di sopravvivere e perseguire la felicità”.

“Mulan. La ragazza che salvò la Cina”

di Isabella Doniselli Eramo

Luni Editrice

Le leggende sono sempre state una parte importante per la formazione culturale di ogni popolo. Così, il personaggio di Mulan, che ha forgiato intere generazioni di bambine con il suo esempio, complice anche la pellicola d’animazione della Disney e una meravigliosa colonna sonora.

Il libro scritto dalla sinologa Isabella Doniselli Eramo parte dalla ballata tradizionale cinese dedicata a Hua Mulan (o 木蘭辭, 木兰辞 o Mulan Chi, che nel libro è trascritta in doppia lingua con testo cinese a fronte), tramandata oralmente per secoli e trascritta per la prima volta solo nel VI secolo, ad opera di Liang Tao. Dalla ballata, l’autrice ricostruisce come un libro-game la storia della fanciulla che salvò la Cina dall’invasione degli “unni” (termine per identificare popolazioni turco-tibetane), sostituendosi al padre, troppo anziano e malato per il servizio di leva. Apprendendo le diverse varianti della leggenda Mulan, il lettore può leggere tutte le pagine di seguito (perché scorrono in modo meraviglioso) o saltare seguendo le indicazioni di lettura per focalizzarsi solo su una parte della storia (la Mulan soldato, stratega, maga o la sua storia d’amore con il capitano Li Jun).

Un’appendice finale ricostruisce gli eventi storici che fanno da sfondo alla leggenda di Mulan, raffigurata nel “Wu Shuang Pu” di Jin Guliang (无双谱, Tavola degli eroi incomparabili): comunemente sono fatti risalire alla dinastia Bei Wei (ca. 386-436 d.C.), ma, secondo alcuni, sarebbero antecedenti fino ad arrivare all’epoca Han (206-220 a.C.). Con la dovizia e la cura della studiosa appassionata di cultura cinese, l’autrice analizza anche la figura di Mulan, non tanto come proto-femminista, termine spesso abusato negli ultimi anni, ma come esempio di virtù e di pietà filiale confuciana, oltre che come concretizzazione dei valori alla base dell’etica e della cultura dell’Estremo Oriente, ricorrendo a citazioni di Sun Tzu e di altri studiosi.

Grazia (per “Cigni Selvatici”) e Laura (per “Mulan”)

Doctor Slump (ovvero ritrovarsi per superare gli ostacoli)

“Qualche volta capita di perdere improvvisamente l’equilibrio interiore e di sentirsi stanchi, soli ed esausti, di sentirsi depressi. Durante questi periodi di fatica emotiva, in cui qualcuno tenta di rovinarti la vita di proposito, in quei momenti la vita non va come vorresti: è quello che definiamo ‘slump'”.

Nella psicologia clinica, il termine “slump” è utilizzato per indicare una condizione psicologica aspecifica, causata da un’esperienza dolorosa e/o traumatica non ben tipizzata (generalmente classificata come “stress”), che aziona un blocco emotivo, quasi come una difesa automatica e non consapevole del soggetto sofferente nei confronti dell’esterno. Ne sono sintomo manifestazioni di ansia diversificate, crisi di panico, chiusura in diversi campi verso l’esterno, cambiamenti di stati d’animo, difficoltà ad esprimere sentimenti, depressione e senso di soffocamento. Sostanzialmente, è una modalità che la psiche mette in atto per affrontare un problema, ma, al tempo stesso, costruisce anche una trappola interiore da cui può risultare complesso uscire, se non se ne riconosce l’esistenza. Lo “slump” può essere una conseguenza di diverse azioni che si subiscono, di ingiustizie, di tradimenti, di insofferenza e porta quasi sempre ad una perdita della fiducia in se stessi, giudicandosi colpevoli di azioni mai commesse, non degni di meritare la serenità. Lo “slump” è una conseguenza normale del burnout lavorativo o, comunque, di tutti gli stress che minano la capacità energetica personale connessi al mondo del lavoro, a quello familiare, degli affetti e delle amicizie ed è un segno inequivocabile della sofferenza di un PTSD, ovvero stress da disturbo post-traumatico. Si tratta di una condizione sempre più frequente in una società, come quella odierna, che mira alla realizzazione degli obiettivi in modo asettico e spietato, tralasciando la dimensione umana. Ed è anche la condizione in cui si ritrovano i protagonisti di “Dr. Slump“, ognuno ferito nel proprio intimo, incerto di fronte al futuro e svuotato di qualsiasi sicurezza, come chiuso all’interno del proprio trauma, eppure capace di ammetterne l’esistenza per cercare insieme di superarlo, come vedere l’alba sul mare, nonostante le nubi.

Nam Ha-neul (interpretata da Park Shin-hye di Memories of the Alhambra, Sisyphus e The Heirs, che torna in grande stile dopo due anni di pausa) è sempre stata studiosa, seria e determinata sin dall’infanzia: considerata la migliore studentessa a Busan e una delle migliori del Paese, si trasferisce a Seoul con madre, fratello e zio per frequentare un liceo che ne riconosca i meriti e che le permetta di entrare all’università in Medicina. Qui, però, si imbatte in Yeo Jeong-woo (interpretato da Park Hyung-sik di Strong Woman Do Bong-soon, Happiness e Relumino), che, prima del suo arrivo, era considerato lo studente più promettente della scuola e che non ha intenzione di farsi minare il primato.

Passano gli anni e anche la competizione tra i due ex compagni di classe, che, col tempo, si sono persi di vista, mentre hanno iniziato a collezionare successi dai loro studi: Ha-neul, nonostante non sia riuscita ad entrare nell’università dei suoi sogni, è diventata anestesista, ha vinto i fondi per la ricerca in università e sembra avviata alla carriera accademica, mentre Jeong-woo, che non ha voluto seguire le imposizioni dei genitori chirurghi cardiotoracici, è diventato un rinomato chirurgo plastico, con un canale da milioni di iscritti, cartelloni pubblicitari a caratteri cubitali e una clinica piena di pazienti che vogliono farsi operare. Fino a quando non accade l’impensabile, una frattura nella loro routine che li porta a fare i conti con se stessi e con la società che li ha condizionati.

Ha-neul, infatti, è profondamente infelice: ha lavorato per una vita senza concedersi mai nulla (“Sai, io sono il tipo che lascia da parte il suo cibo preferito per mangiarlo alla fine. E così ho fatto anche con la mia felicità“) per ottenere minimi spunti di gratificazione professionale, che vengono erosi di giorno in giorno da un ambiente lavorativo che la umilia e la distrugge in ogni attimo. Durante una delle sue interminabili giornate in ospedale, dopo essere stata sgridata brutalmente dal suo professore ed essere stata derisa dai colleghi, attraversa la strada e inizia ad avvertire un dolore fortissimo alla coliciste, tanto da farla piegare in due e da immobilizzarla davanti ad un camion. Proprio in quel momento, quando si rende conto che forse non sarebbe stato brutto morire investita da quel camion e finire per sempre una vita che continua a svolgersi vuota e priva di significato, realizza di soffrire di qualcosa di molto più grave dei calcoli (“In ogni singolo momento, mi sento come se stessi lottando contro il senso di colpa, l’ansia e il senso di inadeguatezza. In ogni singolo momento della mia vita“): le viene diagnosticato un disturbo depressivo acuto, derivante soprattutto dal suo burnout mentale causato dal lavoro e che si manifesta in diverse manifestazioni di ansia e confusione emotiva.

Ma, mentre quel camion frenava per non investire Ha-neul, anche Jeong-woo entrava in un circolo di insicurezza e di panico: una paziente muore per emorragia durante un’operazione di routine a causa di una somministrazione sbagliata di anticoagulanti e Jeong-woo è chiamato a risponderne in tribunale per negligenza medica, mentre vede che la società lo abbandona e lo giudica senza processo, gli amici si allontanano e i media lo denigrano. In un attimo e senza riuscire a spiegarsi la situazione perde tutto: la fama, il successo, il denaro, la casa, la clinica, l’auto e la professione (“Diversamente dalla felicità, che ho sempre sentito vaga, la sfortuna è una presenza fissa nella mia vita“). Si ritrova, così, abbattuto e rifiutato dal mondo, a vivere in affitto nella mansarda della madre di Ha-neul, sotto lo stesso tetto con la sua ex acerrima rivale dei tempi della scuola, che, però, ha perso il lavoro e non vuole uscire da casa in preda alla depressione. “Diventiamo amici“, decidono i due, dopo aver compreso le proprie situazioni, perché, se è difficile uscire dal baratro, quando si ha già toccato il fondo, si può sempre stare insieme sul fondo per un po’, magari per trovare insieme la via d’uscita. “Qualsiasi sia il tuo problema, affrontiamolo insieme“.

Ed è così che la vecchia rivalità si trasforma gradualmente in una reciproca comprensione e in un capirsi a vicenda, che diventa presto amicizia, confidenza e complicità fino a trasformarsi in un amore attento e misurato, che salva le vite dei protagonisti e li indirizza verso un’unica strada da percorrere per affrontare insieme gli ostacoli che la vita continua a presentare. “Stavo aspettando che accadesse qualcosa di grandioso per confortarmi, ma, alla fine, i tteokbokki, la sala giochi e le sue parole ridicole, queste tre cose riuscirono a darmi serenità quella notte“, confessa Ha-neul pensando alla notte trascorsa a parlare e a giocare con Jeong-woo. “Il calore che mi diede quel giorno mi aiutò a superare qualsiasi difficoltà“, ammette Jeong-woo dopo il suo incontro con Ha-neul.

E ancora: “Tu sei la mia medicina. Sono riuscito ad affrontare tutto questo solo grazie a te, che sei riuscita a farmi stare bene e a spingere ad andare avanti“, parole di Jeong-woo ad Ha-neul, ma che potevano anche essere dette da Ha-neul a Jeong-woo, perché l’amore non è quella storia rosa e romantica dei film, ma vuol dire esserci l’uno per l’altra e supportarsi a vicenda, comprendersi ed empatizzare reciprocamente nel dolore per lasciarselo alle spalle, dirsi a vicenda “hai ragione”, “ti capisco”, “non hai fatto nulla di male” e tirare fuori la parte migliore di sé per affrontare le tenebre (“Abbiamo affrontato il dolore insieme, abbiamo superato le nostre paure e, finalmente, siamo guariti“). L’amore è come una preghiera, trovandosi fianco a fianco e sperando in un mondo migliore, perché, alla fine, la vita non è mai bella, né sarà totalmente felice, ma è costituita da tanta grigia uniformità incolore con voragini buie e momenti tristi e solo pochi momenti di lieta e luminosa serenità, come l’azzurro del cielo che si fonde con il blu del mare, e sta in noi la forza e l’opportunità di far fruttare questi momenti.

“Oggi il sole non è sorto, ma lo farà domani. Anche se non conoscevamo il nostro futuro, abbiamo atteso che il sole sorgesse”.

C’è un altro meraviglioso modo di sperare nel futuro ed uscire dalla solitudine e consiste nella capacità di creare legami e di sapersi appoggiare ad essi. Ne sono un esempio gli amici “veri” di Ha-neul e Jeong-woo, la ginecologa Lee Hong-ran (Kong Seong-ha) e il chirurgo plastico Bin Dae-yeong (Yoon Park di You Are My Spring, che onestamente vorrei vedere più spesso come protagonista), che meriterebbero un drama tutto loro, le infermiere della clinica La Beautè, capeggiate dalla capo-infermiera (Song Ji-woo di A Time Called You e che ritroveremo presto in Andante of Love), e soprattutto la chiassosa, colorata e ingombrante famiglia di Ha-neul, che tutti vorremmo avere come vicini di casa anche a costo di essere chiamati Miss/Mrs/Mr Mansarda: la madre (Jang Hye-jin, che, trasformatissima, è stata la governante di Parasite), lo zio con la bandana (il caratterista d’eccezione Hyun Bong-sik di Gyeongseong Creature, Strangers from Hell, Destined with You, Hyena e tanti altri) e il fantastico fratello Ba-da (Yoon Sang-hyeon di Under the Queen’s Umbrella), che non lavora e non studia, ruba i soldi alla sorella e allo zio e schiva i colpi di ciabatta della madre, salvo, poi, cadere rovinosamente, ma che, con la sua simpatia e la sua strafottenza, rimane uno dei migliori fratelli minori di sempre, anche perché sa gioire dei successi della sorella senza alcuna invidia, sa portare il sorriso anche quando nasconde le insicurezze del suo fallimento e che, per parafrasare le parole della madre, è come l’arcobaleno che spunta sull’oceano perché può brillare a modo suo.

Qualche volta, bisogna sapersi prendere una pausa e guardare al nostro piccolo mondo di affetti. Sono le piccole e insignificanti cose ordinarie, le banalità trascurate della vita di ogni giorno che fanno comprendere l’importanza stessa di vivere e di fronteggiare qualsiasi momento, anche i più bui e tristi che possono arrivare nella vita, perché felicità e infelicità sono solo due ingredienti dell’esistenza umana, due lati di noi stessi che dobbiamo riuscire a comprendere.

“Oggi potrei essere felice ed essere triste domani. Ma va bene così. Perché se c’è la tristezza, verrà sempre anche la felicità nella stesso modo. Ora abbiamo la forza per affrontare la tristezza e la sfortuna. Ed è già abbastanza”.

Laura

Come suona la recensione?

Consigli per ritrovare il sorriso in un fine settimana di primavera: mini-recensioni di “Chicken Nugget”, “Love to Hate You”, “My First First Love” e “Witch’s Love”

Brevemente, vi diamo quattro mini-consigli su k-drama che scorrono in fretta e che sono riusciti a comunicarci leggerezza, romanticismo e buon umore. In attesa di recensione “lunghe”, vi presentiamo dei mini spot a riguardo.

=”Chicken Nugget” (SK, 2004), comedy sci-fi di 10 episodi, interpretata da Ahn Jae-hong, Ryu Seung-ryeong, Kim Yoo-jung, Jung Ho-yeon, Kim Nam-heem Yang Hyun-min e Jung Seung-kil=

Come suona la recensione?

Ogni mattina Baek-joon indossa i suoi pantaloni giallo evidenziatore, la sua camicia rosa e il suo gilet turchese e, mentre canta e balla da solo per strada, si reca al lavoro presso la Macchine&Macchine, azienda (non) rinomata per le assurde costruzioni del suo capo, Choi Seon-ma. Un giorno, però, arriva uno strano armadietto viola che la figlia del capo decide di collaudare, salvo trasformarsi in una crocchetta di pollo fritto. Riusciranno i nostri eroi a riportare la fanciulla alla sua forma umana in mezzo a food blogger, scienziati pazzi, giovani vecchi e alieni del passato? Un’avventura assurda e comica che ipnotizza come se fosse un capitolo della “Guida Galattica per Autostoppisti”.

=”Love to Hate You” (SK, 2003), rom-com di 10 episodi, interpretata da Kim Ok-bin, Teo Yoo, Go Won-hee, Kim Ji-hoon e Kim Sung-ryung=

Come suona la recensione?

Un drama innovativo sotto molti aspetti con una OST molto curata. Una protagonista femminile Alfa, un protagonista maschile perso in un vortice emotivo di insicurezze. Tematiche: pregiudizi, crisi personali e accettazione di sé. Un messaggio molto forte per quanto riguarda il ruolo della donna nella società e nel mondo del lavoro.

=”My First First Love” (SK, 2019), slice-of-life romance, interpretato da Ji Soo, Choi Ri, Kang Tae-oh, Jung Jin-young, Jung Chae-yeon e Hong Ji-yoon=

Come suona la recensione?

Hang Song-i, Ga-rin e Hun si trovano per diversi motivi senza casa e senza soldi e chiedono ospitalità all’amico comune Yoon Yae-oh, che ha ricevuto dal padre una casa in cui vivere da solo. Tra risate e battibecchi, la convivenza forzata di questi 23enni, a cui si aggiunge anche Seo Do-hyun, migliore amico di Tae-oh, implica una graduale crescita, un passaggio da quel mondo legato alle paure e ai ricordi dell’infanzia e dell’adolescenza, al mondo adulto e alla scoperta della propria indipendenza e dell’amore. Un drama che sa regalare sorrisi e leggerezza, senza dimenticare di approfondire psicologicamente i personaggi.

=”Witch’s Love – Un amore di strega” (SK, 2018), rom-com fantasy di 12 episodi, interpretata da Yoon So-hee, Hyun Woo, Lee Hong-bin, Kim Young-dae e Go So-hee=

Come suona la recensione?

Tra le strade di Seoul in un edificio mattonato, vivono tre generazioni di streghe. Kang Cho-hong gestisce un ristorante di zuppa di riso insieme alle sue nonne. Le tre streghe cercano di vivere una vita ordinaria senza dare nell’occhio fino a quando non conoscono il nuovo proprietario dell’edificio, che, ossessionato da un ricordo traumatico d’infanzia, vuole scoprire la verità dietro a quel ristorante che è stato aperto cinquant’anni prima.

Grazia (per “Love to Hate You” e “Witch’s Love”) e Laura (per “Chicken Nugget” e “My First First Love”)

Yonder – Un luogo oltre la vita e la morte

“La sua assenza è come il cielo: si stende sopra ogni cosa”.

(“Diario di un dolore” – C. S. Lewis)

Quando ho iniziato a guardare “Yonder” mi sono ritornati in mente alcuni passaggi della meravigliosa e sofferente opera di C.S. Lewis, “Diario di un dolore”. L’autore, lontano dalle atmosfere fantastiche dei suoi romanzi famosi, “Le Cronache di Narnia”, dedica quest’opera alla moglie morta prematuramente e racconta con intensità e sofferenza la sua reazione e i suoi passaggi per l’accettazione della scomparsa della sua amata, le fasi del lutto sono percorse dando luce ai propri sentimenti, senza remore, ma solamente dando la voce ad un dolore universale, a tutti coloro che non riescono ad accettare la scomparsa di una persona cara. Nessun autore è stato più profondo e sincero di C.S.Lewis nel raccontare il senso di afflizione, di abbandono, in cui tutti noi ci ritroviamo in questa vita, una volta che ci scontriamo con la morte, nel reagire ponendosi mille interrogativi, nelle infinite illusioni per soffocare la sofferenza e per non riuscire, infine, a raccogliere alcuna risposta o spiegazione:

“Credevo di poter descrivere uno stato, fare una mappa dell’afflizione. Invece l’afflizione si è rivelata non uno stato, ma un processo”.

(C.S.Lewis)

Guardare “Yonder” per me è stato come leggere “Diario di un dolore”, tutto d’un fiato, senza dare pause, né spazi, per scendere fino in fondo in quella esperienza di mistero che avvolge un passaggio molto pesante nell’esistenza umana, un percorso duro, freddo e, per chi resta, senz’altro crudele.

“Yonder” è una serie sci-fi ambientata in un futuro non molto lontano, il 2032, in una Corea del Sud dove l’eutanasia è diventata legale e la tecnologia è talmente avanzata che vengono registrati gli atti a distanza in modo che coloro che si occupano di donazioni di organi possono arrivare il più tempestivamente possibile e si creano memoriali con raccolta di ricordi, di foto e di video delle persone defunte.

Kim Jae-hyun (un intenso Shin Ha-kyun “Beyond Evil”, “Mr. Vendetta”) e Cha Yi-hoo (la sempre brava Han Ji-min, “One Spring Night”, “Behind Your Touch”, “Two Lights: Relumino”) passeggiano a piedi nudi nei boschi, ricercando nella natura quella solitudine benefica e quel silenzio che possa rasserenare il loro animo e che li possa allontanare dal trambusto della città, sono una coppia sposata, non hanno figli, ma vivono l’uno per l’altra, sono due anime affini che si capiscono anche solo da uno sguardo, amano il campeggio sul lago e ritagliarsi i loro spazi senza distrazioni sociali, lasciando tutto il resto del mondo alle spalle.

Quando a Yi-hoo viene diagnosticata una malattia terminale, la donna fa tutto il possibile per prepararsi alla morte, programma la sua eutanasia e raccoglie i suoi ricordi. Jae-hyun, invece, cade in una depressione silenziosa quasi catatonica e non riesce a comprendere quell’elemento sconosciuto, scomodo che si è presentato nelle loro due timide esistenze, si accorge che entrambi avevano tutto davanti a loro e in un attimo non hanno avuto più niente.

Jae-hyun è ossessionato dalla morte, da quel manto nero che gli si è steso nel cuore.

“Alzo gli occhi al cielo notturno. Vi è qualcosa di più certo del fatto che in tutte quelle vastità di tempi e di spazi, se mi fosse dato di cercare, non troverei mai il suo viso, la sua voce, il tocco della sua mano? E’ morta. Morta. E’ così difficile imparare questa parola?”

(C.S. Lewis)

Jae-hyun non sa, però, che la moglie ha firmato, prima di morire, un contratto che le permette di mettersi in contatto con lui, in modo tangibile più di un ricordo o di una fotografia. Un giorno, infatti, si presenta a casa sua una certa Seiren (interpretata da Lee Jung-eun “Daily Dose of Sunshine”, “Parasite”, “Strangers from Hell”, “When the Camellia Blooms”), una rappresentante della compagnia con la quale la moglie ha firmato il contratto che le consente di contattare il marito dall’altra parte e di rivederlo, il luogo da dove lo contatta non è il paradiso e nemmeno l’inferno, è un luogo che conoscono entrambi, uno dei posti dove erano felici durante la loro vita insieme.

La compagnia, tenuta dal misterioso Dottor K., ha un motto preciso: “Se puoi progettare la tua vita, perché non progettare la tua morte?”. Jae-hyun viene invitato a sperimentare questa nuova realtà, perché morire non significa cessare di esistere, significa soltanto cessare di esistere per gli altri e, siccome la scienza non è ancora riuscita a risolvere il problema della morte, questa nuova realtà, questo nuovo mondo chiamato Yonder è la soluzione alla morte stessa e si basa su connessioni neurali, immagazzinare i ricordi delle persone defunte e renderli vivi.

Se all’inizio Jae-hyun è restio ad accedere a Yonder, pian piano la mancanza della moglie e il profondo dolore lo porteranno ad entrare in questa nuova realtà dove riuscirà a rincontrare Yi-hoo, che è come nei loro giorni felici, i due passeggiano insieme, mano nella mano, parlano, ricordano i loro momenti più belli, ma c’è qualcosa di strano che aleggia in tutta questa realtà di Yonder, un senso di estraniazione e di solitudine, quel sorriso della moglie così distante, come se entrambi si perdessero in due direzioni differenti, in spazi diversi.

Un confine tra le due realtà che Jae-hyun avverte, ma è combattuto con se stesso nell’illusione di una vita oltre la morte o meglio nell’annullamento della morte stessa.

“Yonder” è un drama molto profondo che ripercorre alcune tematiche importanti quali il significato della vita eterna, della morte, della dimenticanza, della memoria, dei ricordi e dell’oblio, quello in cui si incorre quando le persone non esistono più nel mondo reale. Durante la visione ci si pongono mille interrogativi esistenziali, la felicità nel rapporto tra la vita e la morte, ci si programma per tutta la vita a morire, ma se la tecnologia andasse avanti si potrebbe davvero vivere per sempre senza la morte e nella nuova realtà vi è una vita vera o si tratta di memoria programmata?

Insieme al protagonista vedremo che nella realtà di Yonder tutto rimane sospeso, in quel ricordo che è stato cristallizzato, nulla va avanti, resta tutto uguale, quasi artificiale, anche i desideri espressi durante la vita non si sviluppano oltre, è per questo motivo, forse, che i ricordi sono preziosi perché quel momento non tornerà più.

“Yonder” è un drama che trae ispirazione dal romanzo “Goodbye Yonder” di Kim Jang-hwan e che nelle meravigliose interpretazioni porta avanti un messaggio dal contenuto etico e profondo dove il genere della fantascienza aiuta lo spettatore ad entrare pienamente nelle realtà diverse e a chiedersi: “Cos’è la vita?” “E’ necessario morire?”. “E se non si accettasse la morte si potrebbe vivere diversamente?”.

“Lentamente, silenziosamente, come fiocchi di neve – quei fiocchi lievi che preannunciano una nevicata che durerà tutta la notte – sulla sua immagine si stanno depositando piccole scaglie di me, mie impressioni, mie scelte. E alla fine la forma reale ne sarà completamente nascosta. Dieci minuti, dieci secondi, della vera H. basterebbero a correggere tutto ciò. Ma anche se mi venissero concessi, un secondo più tardi i piccoli fiocchi ricomincerebbero a cadere. (…)”

“Come potrei pensare di innamorarmi del mio ricordo di lei, di un’immagine creata della mia mente?”.

(C.S. Lewis)

Grazia

Come suona la recensione?

Burn the House Down

“Mi sono gettata nell’oscurità per cercare un’unica verità”.

“Lì ho vagato tra le risposte numerose come le stelle. Sono inciampata, mi sono rialzata e sono caduta di nuovo. Ma devo affidarti alla tua bussola morale per raggiungere la stella che cerchi. Non farti influenzare dagli altri o manipolare dalle informazioni. Credi nella strada che scegli. Perché, lungo la strada, troverai sicuramente ciò che conta davvero”.

Se dovessi immaginare davanti a me un grande incendio, un fuoco che si estende senza dare requie, mi assalirebbe un senso di angoscia e di impotenza, il fuoco è così, brucia e cancella per sempre ogni cosa. “Burn the House Down” è una serie giapponese che ci pone di fronte a delle domande morali e, con l’andamento di una tragedia greca, va avanti con la stessa intensità e drammaticità dimostrate in particolar modo dalle due protagoniste femminili che per recitazione mi hanno ricordato le atmosfere di “Rebecca – La prima moglie”( film di Hitchcock ispirato al romanzo di Daphne du Maurier).

Si tratta di un drama tratto dal manga omonimo creato da Moyashi Fujisawa, la storia è un giallo e un racconto di vendetta e la prima immagine che vediamo è proprio una casa che brucia, da qui, il tutto viene raccontato attraverso flashback tracciando l’arco narrativo stabilmente a tredici anni dopo l’incendio.

La giovane Shizuka Yamauchi (la bravissima Mei Nagano) risponde all’annuncio di una governante a casa Mitarai dove la signora Makiko (una superba Kyoka Suzuki), modella e influencer cinquantenne di successo, cambia spesso collaboratori domestici perché capricciosa e insoddisfatta del lavoro degli altri, alla ricerca perenne della perfezione. Shizuka, però, da subito rivela il proprio talento, colpisce l’attenzione di Makiko e ne conquista la sua fiducia così, da un contratto di lavoro a giornata, viene assunta come governante a tempo indeterminato. Lavorando in casa Mitarai, Shizuka si accorge che la vita di Makiko è una intricata tela di bugie e di segreti che cerca di nascondere all’opinione pubblica, infatti, nel suo profilo social ufficiale la donna appare come una perfetta casalinga con la passione per la cucina e non fa che aggiornare con foto della casa pulita, di pranzi e cene perfette che in realtà non prepara lei. Makiko, infatti, che delega sempre più compiti a  Shizuka e verso la quale sembra essere dipendente per il buon successo dei suoi progetti, affida alla ragazza la preparazione di portate da cucina e la sistemazione impeccabile della casa.

Anche Shizuka Yamauchi, però, ha dei segreti, il suo vero nome è Anzu Murata e tredici anni prima la casa Mitarai era tutta sua e della sua famiglia.

Quando Anzu era solo una ragazzina, la casa di famiglia venne bruciata e distrutta, sua madre Satsuki si addossò la colpa ingiustamente per poi cadere in depressione dopo essere stata lasciata dal marito e aver vissuto sola con le due figlie Anzu e Yuzu (Yuri Tsunematsu, “Alice in Borderland 2”) con tanti sacrifici per sbarcare il lunario.

La vita agiata e distinta di Satsuki era diventata presto una vita piena di sofferenze e amarezze e aveva lasciato il suo ruolo alla ex migliore amica Makiko che nell’ombra aveva da sempre invidiato Satsuki e aveva sempre aspirato al posto dell’amica, ad indossare i suoi abiti, i suoi gioielli, le sue scarpe, ad appartenere alla classe dei privilegiati. Uno scambio di ruoli, un tradire l’amica che l’aveva cercata e fatta entrare nella sua cerchia di conoscenze, aveva curato il rapporto di amicizia tra i figli di entrambe e le aveva generosamente donato tempo e condiviso confidenze.

Quella drammatica notte dell’incendio, l’aura di Satsuki si era spenta definitivamente in una richiesta di perdono, in ginocchio davanti a tutti, gli occhi di Makiko si erano nutriti, invece, del fuoco della casa che bruciava davanti a sè e la certezza che finalmente la sua vita stava tracciando un cambiamento importante. Anzu aveva visto sorridere Makiko con lo sguardo infuocato, lo stesso che vede tredici anni dopo nelle dirette social della donna, nei servizi fotografici e nelle interviste, quella donna che ha sposato tredici anni prima suo padre Osamu e che ha sostituito in tutto e per tutto sua madre, quella donna che secondo la ragazza è la vera colpevole dell’incendio e della distruzione della sua abitazione e della felicità della sua famiglia.

Anche Anzu, che a casa Mitarai è conosciuta come Shizuka, nutre in sé un fuoco, quello della vendetta, del rancore e, per questo, determinata a dimostrare l’innocenza della madre, decide di entrare nella casa di Makiko, come Makiko aveva fatto a casa sua, conquistando la sua fiducia come quella donna aveva fatto con sua madre, per scoprire quanti più segreti possibili e raccogliere le prove necessarie per incastrarla.

In quella casa raffinata e invidiata da tutti, Shizuka scopre uno dei segreti più importanti, la presenza di Kiichi (Asuka Kudo), figlio maggiore di Makiko e suo vecchio compagno di giochi e di scuola, di lui la madre aveva sempre detto che lavorava all’estero. Kiichi, invece, è un ikikomori, vive recluso nella sua stanza, in compagnia dei suoi videogiochi, libri e musica, non esce mai di casa, ma alla vista di Shizuka riconosce la sua compagna di classe e inizia ad insospettirsi per la sua presenza.

Il secondo figlio di Makiko, invece, Shinji (Taishi Nakagawa, “You, Me and Bach”, “Eye Love You”) è coetaneo della sorella di Shizuka, Yuzu, studia medicina e ha un animo meno cupo di Kiichi anche se, entrambi i figli hanno un rapporto complesso con la madre con le sue scelte, con la sua vita.

 “Burn the House Down” è una serie che colpisce per la costruzione narrativa, per le interpretazioni, soprattutto quelle femminili, che sono le vere protagoniste della storia, incantano, lasciano i brividi, giganteggiano nella loro prepotente dualità che si impone in ogni scena, in particolar modo nelle parti più da suspence. Una serie che parla di vendetta, vista da un’unica prospettiva, accecata dal bagliore di quel gran fuoco che è bruciato nel cuore di ogni personaggio della storia, una serie che parla di invidia che, come un fuoco, arde nell’inconscio di Makiko dopo aver deciso che per diventare ricca e famosa doveva sacrificare un’amicizia, gettando tra le fiamme i doni ricevuti. Questo è uno dei punti più importanti che mi ha fatto riflettere e qui la serie denuncia un problema globale, quello della superficialità, ovvero come nella società odierna sia diventato indispensabile voler apparire agli altri come qualcun altro.  Makiko ruba l’identità della sua amica Satsuki, si appropria delle sue cose, ma anche e soprattutto del suo ruolo e lo fa perché dettata dall’invidia, quell’invidia che la rende una persona debole, alla continua ricerca di approvazioni da parte della società che potrebbe giudicarla male a primo errore.

Il ritmo incalzante della storia, i colpi di scena, le immagini quasi patinate della casa Mitarai dove la protagonista Shizuka/Anzu lavora quasi in punta di piedi per non destare alcun sospetto, per non disturbare nessuno, nemmeno il suo cuore che segue l’obiettivo della vendetta. La drammaticità della serie tocca alti livelli e la rende indimenticabile nella sua complessità espressiva che non è altro che l’animo umano nei momenti oscuri, quando si vuole nascondere qualcosa o quando si crede di detenere la ragione ed è qui che le scelte verranno affidate alla propria bussola morale. E’ giusto vendicarsi? E’ corretto impadronirsi dell’immagine degli altri per costruire qualcosa di meglio e affossare la concorrenza? Quando la torre di bugie crollerà o meglio brucerà come una casa in fiamme, quale sarà la scelta migliore da intraprendere e come non farsi male?

La casa che brucia, alla fine, rappresenta l’anima dei personaggi, il segreto più intimo nascosto nei meandri della propria coscienza soffocata dalla penetrante paranoia e dal timore di aver perso se stessi.

Grazia

Come suona la recensione?

Stranger Book Club – Storie dall’Indipendenza Coreana

Il primo marzo 1919, alle 2 del pomeriggio, 33 attivisti per l’indipendenza si incontrarono in un ristorante di Seoul, firmarono e lessero a voce alta la Dichiarazione d’Indipendenza coreana e inviarono il documento al governo centrale giapponese. Poi, si avviarono verso Tapgol Park (noto come Pagoda Park), dove diffusero nuovamente a voce il testo della Dichiarazione davanti ad una folla composta da coreani di ogni età, iniziando una manifestazione pacifica per le strade della città e sfidando le autorità giapponesi.
In contemporanea, anche altre cittadine coreane furono teatro di manifestazioni e proteste per tutto il mese di marzo. Si conta che in circa 1500 manifestazioni abbiamo partecipato più di 2 milioni di coreani.
La risposta dei dominatori fa terribile e implacabile: secondo i dati storici, 7509 manifestanti persero la vita, mentre 15849 furono feriti e 46303 vennero arrestati (molti dei quali furono giustiziati pubblicamente, senza processo e in modo scenico e brutale).
La giovane Yu Gwan-sun, considerata la martire dell’indipendenza coreana, arrestata, morì in prigione in seguito alle torture e ai maltrattamenti subiti.
I capi del movimento che riuscirono a fuggire formarono ad aprile 1919 il primo governo coreano in esilio in Manciuria, dove la Dichiarazione d’Indipendenza venne adottata formalmente come carta costituzionale (la prima della storia coreana, nonostante l’assenza di uno Stato).
L’eco del Movimento del Primo Marzo si diffuse in tutta l’Asia, influenzando il metodo della non-violenza di Ghandi in India.

La storia dell’indipendenza coreana contro il dominio giapponese è lunga e complessa. Vogliamo qui ripercorrerla con le recensioni di due grandi romanzi: uno, falsamente giallo e ambientato tra coloro che si sono attivati per la lotta e che hanno speso le proprie vite in prigionia nipponica; l’altro, un’epopea ricca di personaggi e di avvenimenti, che segue passo passo due bambini che crescono, diventano adulti e vivono sullo sfondo della tragedia della sottomissione di un popolo.

“La guardia, il poeta e l’investigatore”

di Lee Jung-myung

edito da Sellerio

“Le ragioni per cui non posso contare le stelle sono incise una ad una nel mio cuore: perché il mattino è vicino, perché domani calerà di nuovo la notte, perché sono ancora giovane”.

Prigione di Fukuoka, 1944. Mentre imperversa la guerra sul Pacifico, al giovane Watanabe Yuichi, di leva come guardia carceraria, viene chiesto di investigare sulla morte orribile della guardia Sugiyama Dozan, noto per la sua durezza e la sua ferocia verso i detenuti coreani. L’inchiesta, però, inizia a rivelare cose che nessuno poteva immaginare, il vero animo della guardia morta, quasi analfabeta, eppure con il desiderio di imparare e comprendere dai libri, i reali rapporti con i detenuti e quell’atto di sovversione celato nella creazione di una biblioteca segreta, l’aspirazione alla libertà racchiuso nel volo di un aquilone oltre le mura della prigione e nel canto del “Va’ pensiero” di Verdi.
Durante le indagini, Yuichi si incontra e si scontra in particolare con un detenuto, il n.645, registrato come Hiranuma Dozu, ma noto come Yun Dong-ju, uno dei più grandi poeti coreani del ‘900, autore di scritti sovversivi e di versi di libertà. Nonostante la Storia li abbia collocati su fronti diversi, Yuichi e Dong-ju hanno in comune lo stesso animo sensibile nel comprendere il potere della poesia e delle parole, dove è l’arte stessa a diventare libertà contro qualsiasi costrizione.
Un libro bellissimo, vincitore di numerosi premi sia in patria che all’estero (in Italia, del Premio Bancarella), che sembra iniziare come un’inchiesta gialla, ma che scava nelle profondità delle nostre coscienze, combattendo la brutalità con il chiarore di una libertà che è, anzitutto, spirituale e mentale. Il ritmo tra i dialoghi, gli eventi e l’inchiesta è spezzato da numerose poesie di Yun Dong-ju inserite all’interno del testo.

“Come tigri nella neve”

di Juhea Kim

Edito da Nord

“Tutti gli uomini del mondo rientrano in due categorie. Alla prima, di gran lunga la più numerosa, appartiene l’uomo che a un certo momento della sua vita si rende conto che non potrà avanzare oltre la sua condizione attuale, e dovrà allora trovare un modo per razionalizzare la sua sorte e accontentarsi. (…) Il secondo ed estremamente più raro tipo di uomo è colui che non smette mai di avanzare e crescere sino alla fine della sua vita”.

1917. Paesaggio immoto e innevato dell’estremo nord coreano. Un cacciatore vaga in cerca di qualche preda con cui poter sfamare la sua famiglia, ma si imbatte in un manipolo di soldati giapponesi, che si inerpicano per sentieri ghiacciati per scovare la leggendaria tigre, simbolo dell’antica fierezza di un paese in declino.

Jade è solo una bocca in più da mantenere per la sua povera famiglia, senza un futuro. Per questo motivo, viene venduta ad una gisaeng per essere avviata alla professione di cortigiana, pur sembrando priva di talenti. Jade cresce in bellezza e intelligenza, diventa una delle più acclamate gisaeng, ma, mentre gli anni scorrono, il suo talento canoro la fa entrare nel mondo del teatro e della lirica, delle romanze cantate in modo appassionato e dello spettacolo, ponendola sotto gli sgraditi riflettori degli occhi dell’invasore.
Jung-ho si chiama come la tigre che il padre ha cacciato e che ha segnato il destino della sua famiglia e approda in città senza soldi, né cibo, ma con la voglia di emergere e di diventare qualcuno. Con gli anni, resiste ad un sottobosco di attività criminali che lo ingoia e lo coinvolge, ma incontra uomini virtuosi che gli parlano dell’indipendenza coreana dal giogo giapponese e la sua vita inizia a prendere un’altra direzione.
Le loro infanzie strappate si incontrano in un istante di vita.
L’autrice ripercorre con una delicatezza unica 50 anni di storia coreana, costruendo un romanzo che ha il sapore dell’epopea e del riscatto di un popolo. Un libro bellissimo da leggere d’un fiato.

Laura