Trillion Game – Strategie da business, puntando alle stelle

Non est ad astra mollis e terris via.

(“Non esiste una via semplice dalla terra alle stelle” – Lucio Anneo Seneca)

Avete presente quei grandi film d’azione dove la mente, l’arguzia e l’intelligenza sono i veri protagonisti? Vi sono piaciuti film come “Un colpo all’italiana” o “Ocean’s Eleven”, macchinosi, stravaganti e cerebrali?

Se questo genere di film è di vostro gradimento, vi consiglio, allora di recuperare “Trillion Game”, dove, mentre nei film citati, la preparazione della mossa decisiva coinvolge da subito molte persone, qui il tutto nasce in una cameretta, con una postazione discreta da otaku informatico autodidatta e con una sedia da gamer che vale quanto il sogno della storia che vi sto per raccontare.

E’ bene sottolineare da subito che la storia segue due linee temporali, quella del passato, dove si svolgono i fatti più importanti, la conoscenza dei due protagonisti, la fondazione della Trillion Game e l’ascesa dell’azienda, e quella del presente, dove vediamo solo uno dei due protagonisti che racconta come ha fatto ad arrivare fino a quel successo. Il drama, inoltre, spazia nella vita dei personaggi avvalendosi della tecnica del flashback che ci fa conoscere meglio i caratteri e le attitudini dei personaggi della storia.

Nella linea temporale del presente troviamo solo uno dei due protagonisti, Manabu Taira (Hayato Sano), detto “Gaku”, il vero narratore della maggior parte della storia che con Haru Tennoji (Meguro Ren, “Silent”) ha fondato la Trillion Game, ma che ora ricopre da solo il ruolo di presidente della società.

Gaku è una persona timida, goffa, solitaria, ma geniale, costante e volitivo nel suo lavoro, riesce a stare davanti al pc per giornate intere senza fermarsi o stancarsi, senza accorgersi del tempo che passa e senza nemmeno ricordarsi di mangiare, un genio dell’informatica che da autodidatta è riuscito ad entrare nel server della Dragon Bank scoprendo il guasto nel sistema di sicurezza dell’azienda e ammettendolo, involontariamente, durante il colloquio di lavoro per entrare in banca.

Gaku e Haru si sono già conosciuti ai tempi della scuola quando Gaku era stato salvato da Haru da un attacco di bulli, poi entrambi i ragazzi si sono rivisti durante i colloqui per entrare a lavorare alla Dragon Bank.

Haru, completamente diverso da Gaku, è carismatico e dotato di elevate capacità comunicative, intelligente e risoluto, non si arrende mai ed è disposto ad usare qualsiasi mezzo per raggiungere ciò che vuole, i propri obiettivi. Haru si proclama da subito “l’uomo più egoista del mondo” perché tutto il suo lavoro è concentrato a mirare ad un sistema che possa permettere di guadagnare trilioni di dollari che lo possano rendere ricco per il resto della propria vita. La sua attività in qualità di co-fondatore di Trillion Game è quella di rappresentante di vendita e decisore aziendale e, vista la sua natura sociopatica e una innata capacità a bluffare, riesce da subito a coinvolgere più persone e ad essere convincente a fare affidamento su di lui. Haru, che ha superato il colloquio di lavoro per entrare a far parte della Dragon Bank, si licenzia il giorno seguente e, dopo aver riconosciuto Gaku tra la folla di persone che si sono presentate al colloquio, insieme all’amico, decide di fondare un’azienda, la “Trillion Game”. Haru apprezza le capacità ingegneristiche di Gaku e cerca di supportarlo in qualsiasi momento, ha piena fiducia nell’amico e, a modo suo, cerca di essere presente ad ogni esigenza per garantire il successo dell’azienda.

L’azienda di Haru e Gaku nasce nella camera del piccolo appartamento di Gaku, dove il ragazzo non fa altro che studiare e lavorare al computer, ma il segno distintivo dell’inizio della loro collaborazione è una sedia da 200.000 Yen che Haru regala a Gaku con il fondo iniziale e che anche nella linea temporale del presente è ancora vicina alla scrivania di Gaku nel suo ufficio, ormai in un grande palazzo.

Antagonista dei due giovani imprenditori è la già citata Dragon Bank, il cui presidente Kazuma Kokuryū (Jun Kunimura) è una persona cinica, egoista che non vuole rivali, anzi, è pronto a schiacciare qualsiasi tentativo di business da parte di altri che possa interferire con il suo. La figlia del presidente, invece, è uno dei personaggi più significativi del drama, si chiama Kirika Kokuryū (Mio Imada), ma viene soprannominata “Kirihime” o “principessa Kirihime” tanto per sottolineare il suo atteggiamento distaccato da tutto e da tutti, persona brillante e arrogante, come suo padre, pensa agli affari e al business, ma ha un debole per l’impresa di Haru e Gaku, ne apprezza l’intelligenza, il coraggio e l’irriverenza, oltre ad essere attratta da Haru (la chimica tra i due personaggi è molto ben rappresentata e i due attori, che hanno già recitato insieme nel film “Il mio matrimonio felice”, sono stati molto bravi a rendere questa caratteristica).

Tanti personaggi meritano di essere ricordati, a partire da Rinrin Takahashi(Riko Fukumoto), studentessa universitaria in cerca di lavoro, dalla personalità rigida, ma grande lavoratrice, timida e sensibile ai piccoli dettagli, viene assunta da Gaku e Haru che la nominano presidente della Trillion Game. Rinrin, che fino ad allora aveva lavorato part time in un negozio di fiori, sfrutta la sua conoscenza dei fiori per dare consulenza on line alle persone che vogliono comporre dei bouquet particolari e si affidano al “falso sistema di intelligenza artificiale” della Trillion Game, uno dei primi escamotage di Haru per farsi conoscere nel mondo del business nazionale.

Altro personaggio indimenticabile è il primo investitore dei due ragazzi, nonché loro consigliere economico, Kazuki Kedōin (Kōji Kikkawa), che lavorava come manager presso l’agenzia di talenti God Production, ma che è stato inghiottito da uno scandalo industriale che gli ha reso la vita difficile. Kazuki Kedoin è lo strambo manager che indossa un cappello da cowboy, occhiali da sole e scarpe di pelle con accessori stravaganti.

“Trillion Game” è una serie ispirata al manga omonimo scritto da Riichiro Inagaki e illustrato da Ryoichi Ikegami che nel 2024 ha vinto il prestigioso Shogakukan Manga Award. Personalmente non immaginavo nemmeno io potesse piacermi così tanto, ma ho trovato molti punti di forza in questa storia che mi ha entusiasmata e mi ha fatto riflettere, primo fra tutti il valore dell’amicizia rappresentato da Haru e Gaku, così diversi di mentalità e carattere, tanto estroverso, intraprendente e dal sorriso contagioso il primo, quanto riservato, introverso e ipersensibile il secondo. Il carisma comunicativo di Haru e l’abilità tecnologica di Gaku applicati ad un piano strategico per costruire un’azienda da zero con un brivido del rischio che incuriosisce lo spettatore fin dall’inizio perché ci si chiede da subito come faranno i due ragazzi ad andare avanti e ad arrivare al successo.

Costruire il successo partendo dalla diversità che arricchisce le competenze e regala immenso valore allo scopo dell’impresa; se dovessimo considerare, infatti, tutte le persone che vengono coinvolte in Trillion Game, ci troveremmo di fronte a caratteri diversi, esperienze, preparazioni e abilità diversificate, ma che servono tutte ad uno scopo comune, far avverare il proprio sogno.

Costruire il successo attraverso le avversità, nutrire una fiducia incrollabile anche di fronte alle difficoltà e all’incertezza dell’esistenza, mettendosi in gioco quotidianamente e resistere, nonostante tutto: questa è un’altra delle tematiche che più mi ha colpito nel drama.

Raggiungere il trilione di dollari è il sogno di Haru e di Gaku, è la tematica centrale della storia, ma non è altro che il potere di fissare degli obiettivi sognati e anche ambiziosi perché l’ambizione non deve per forza avere una connotazione negativa, ma serve anche a ricaricarci mentalmente, a lottare per qualcosa che può sembrare impossibile, per superare i limiti, per sbalordire noi stessi e per sognare in grande, perché ne abbiamo bisogno, soprattutto nei momenti bui, quando è importante fissare degli obiettivi, anche se sembrano lontani come le stelle del cielo.

Riguardo, invece, la sparizione di Haru nella linea temporale del presente, vi lascerò con la curiosità e anche con una certa ansia, perché lo stesso Haru vorrebbe così!

Grazia

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La leggenda di Urashima Tarō

Dopo la visione al cinema dell’anime “The Tunnel to Summer: the Exit of Goodbyes”, l’ispirazione alla leggenda di Urashima Tarō ci ha coinvolto totalmente, perché, come nella storia dell’anime citato, il trascorrere del tempo è il vero protagonista di tutto.

Secondo un’antica fiaba giapponese Urashima Tarō era un abile pescatore che amava il suo lavoro ereditato dal padre e dal nonno, ma il giovane nel villaggio non era famoso solo per la sua bravura in mare, ma per la sua bontà d’animo e ogni giorno ne dava dimostrazione.

Una sera d’estate, mentre stava per rincasare dopo una giornata trascorsa in barca, vide dei ragazzini che maltrattavano una tartaruga, si avvicinò e li sgridò convincendoli a lasciargli la tartaruga che avrebbe riportato in mare. Il pescatore riuscì, quindi, a salvare e liberare la tartaruga in acqua dove l’animale scomparve tra le onde.

Il giorno dopo, Urashima si preparò, come sempre, a uscire in barca e, mentre si godeva la giornata mite estiva, sdraiato nella sua imbarcazione ferma in mezzo alle onde blu del mare, sentì qualcuno che pronunciava il suo nome. Quando si sporse dalla barca, vide la tartaruga che era stata salvata il giorno prima, l’animale parlava e lo chiamava ringraziandolo per avergli salvato la vita. Il pescatore, forse, un po’ confuso, cercò di capire come mai quella tartaruga parlasse, fino a quando non venne invitato dalla stessa tartaruga a visitare il palazzo del Re Dragone del mare. Urashima aveva sentito parlare del palazzo reale, ma nessuno lo aveva mai visto prima d’ora, per cui decise di seguire la tartaruga che lo portò sulla sua schiena direttamente alla meta.

Il palazzo era stupendo, lussuoso, Urashima Taro non aveva mai visto nulla di più bello in vita sua. Una volta raggiunto il palazzo, gli vennero incontro dei pesci che erano dei valletti reali e che condussero il pescatore impacciato all’interno della casa reale dove fu raggiunto da una bellissima principessa che gli diede il benvenuto nel regno del Mare.

La principessa si chiamava Otohime e non era altro che la tartaruga salvata il giorno prima. Il pescatore ne rimase affascinato e per ringraziamento la principessa gli chiese di diventare il suo sposo. La cerimonia si celebrò con grande entusiasmo di tutti gli abitanti del mare, la festa fu grande e regale e Urashima fu grato a tutti per essere stato trattato come un principe e per aver trovato felicità e gentilezza in quel regno lontano.

Un giorno, però, la malinconia riempì il cuore del ragazzo che aveva voglia di tornare nel suo paese natale per visitare i parenti e gli amici, la principessa non era d’accordo e avvertì Urashima che la sua scelta poteva essere pericolosa, poi, addolorata, rese al marinaio, come pegno d’amore, una scatola elegante chiusa con corda e fiocchi di seta e gli disse non aprirla per nessuna ragione al mondo; la scatola, infatti, conteneva qualcosa di prezioso, ma qualora il ragazzo l’avesse aperta, qualcosa di tremendo gli sarebbe accaduto.

Una tartaruga riportò il pescatore fino alla spiaggia da cui era partito, il ragazzo si diresse verso la sua casa, ma la vide cambiata, dentro abitava gente che non erano suoi parenti, iniziò a camminare confuso per il paese fino a quando apprese che dal giorno in cui era partito erano trascorsi trecento anni. Nel regno del mare, invece, erano passati solo pochi giorni che equivalevano a trecento anni terrestri.

Urashima, sconvolto e disorientato, si recò presso la spiaggia e, non avendo più nessuno, non sapendo nemmeno come tornare nel regno del mare, si ricordò di avere con sé la scatola, la guardò e, disperato, pensò di trovare la soluzione all’interno del dono della principessa, ma, quando sollevò il coperchio, da dentro la scatola uscì una nuvola che lo avvolse e la sua gioventù diventò presto vecchiaia. All’interno della scatola, infatti, erano conservati i suoi anni di vita e ora era il momento di lasciare per sempre il mondo.

La leggenda di Urashima Tarō è stata di ispirazione per l’anime “The Tunnel to Summer: the Exit of Goodbyes” e ci lascia riflettere sul valore del tempo e della vita, di come programmiamo le nostre giornate che possono sembrare brevi o infinite e di come riusciamo a percepire il mondo e la nostra stessa esistenza. Nel 1918 in Giappone venne girato un cortometraggio anime diretto da Seitaro Kitayama e ispirato al personaggio di Urashima Tarō. In Italia, purtroppo, il cortometraggio è inedito, mentre è possibile recuperare il corto del 2017 di Pauline Defachelles.

Grazia

Queenmaker (ovvero della teoria politica, ma declinata al femminile)

“La giustizia senza il potere è inutile, ma il potere senza giustizia è solo violenza”.

E’ un mondo di teilleur femminili e di spille appuntate sul bavero del cappotto, di completi maschili in giacca e cravatta e di pochette abbinate che escono dal taschino. E’ un mondo elegante, colto, che falsamente si preoccupa di democrazia, per gestirla a proprio piacere. E’ un mondo che aspira a raggiungere il potere, ma che parte al tempo stesso da esso, sbriciola e sciorina i dettagli della realtà alla luce e per conto di quel potere fondamentale per cui si diventa vincenti in politica, un mondo che si costruisce sugli ideali, ma che ha solide fondamenta reali. E, come ogni teoria politica che si rispetti, servono menti forti e machiavelliche, quelle eminenze grigie in grado di gestire alle spalle i propri campioni, ovvero in grado di far eleggere re e regine.

A questo mondo appartiene Hwang Do-hee (interpretata da una meravigliosa Kim Hee-ae di “The World of the Married” e “The Whirlwind“), un genio della comunicazione politica e della pianificazione strategica, capo dell’ufficio strategico della Eunsung Company, un conglomerato potentissimo che gestisce affari in tutto il paese e controlla numerosi politici nazionali. Conosciamo Do-hee già impegnata a “pulire” le malefatte della famiglia che controlla la Eunsung e a lottare contro un’insistente avvocata per i diritti umani, Oh Kyung-sook (interpretata da Moon So-ri), che ha fatto causa alla Eunsung per ingiusto licenziamento collettivo nei confronti di decine di lavoratrici donne e si è accampata con un sit-in sul tetto del loro centro commerciale. A Do-hee non importa da quale parte sia la giustizia e, pur stimando personalmente molto il lavoro di Kyung-sook, considera l’unico bene fondamentale solo preservare gli interessi del conglomerato per cui lavora, compreso la preparazione della campagna elettorale a sindaco di Seoul di Baek Jae-min (interpretato da Ryu Soo-young di “Bloodhounds“), genero della matriarca a capo della Eunsung, Son Young-sim (interpretata da Seo Yi-sook, vista anche in “Hotel Del Luna“, “Start Up” e “Do Do Sol Sol La La Sol“).

Solo che, ad un certo punto, qualcosa cambia nella vita di Do-hee, portandola a riflettere su se stessa e sulle conseguenze delle proprie azioni.

Una lavoratrice del suo ufficio, che ha lamentato di aver subito molestie sessuali da Baek Jae-min ed è stata richiamata e sospesa con l’accusa di essersi inventata tutto, si suicida, buttandosi dal tetto del palazzo. Mentre Do-hee si sente in colpa per non aver creduto alla ragazza e non aver compreso la sua angoscia, la Eunsung provvede immediatamente a “pulire” la vergogna del gesto, facendo passare la suicida per una ricattatrice con un oscuro passato compromettente e cercando di ottenere il massimo vantaggio dalla sua morte. Indagando sui fatti, però, Do-hee capisce che esiste una verità nelle parole della ragazza e che il conglomerato per cui ha lavorato a lungo, tacitando qualsiasi sua aspirazione futura e mandando a monte la sua vita privata, si è macchiato di tanti orribili crimini.

“ Lo distruggerò. Quel vostro mondo, costruito sul sangue e sulle ossa delle persone che avete seppellito. Renderò polvere davanti ai vostri occhi ogni cosa che amate”.

La vendetta di Do-hee è, in effetti, terribile, anche perché parte dalle sue competenze e dalle sue abilità prestate per tanto tempo alla Eunsung, conscia che è capace di creare monarchi, ma anche di affossare potenti. grazie alla sua intelligenza tattica e alle sue strategie. Ed è così che Do-hee si rivolge alla sua storica rivale, l’avvocata idealista che tanto aveva combattuto, Oh Kyung-sook, convincendola ad un patto di alleanza unico, che potrà vedere realizzata la sua vendetta personale, ma anche l’ansia di giustizia sociale e le aspirazioni per migliorare il futuro di Kyung-sook. Nella corsa a sindaco di Seoul di Baek Jae-min, contro i classici candidati supportati dai partiti, si inserisce ora una nuova regina, Oh Kyung-sook, una che sa come far saltare la scacchiera della politica.

“Come un leone che non si tira indietro davanti ai rumori molesti, come un vento che non può essere intrappolato da una rete, come un fiore di loto che non viene contaminato nemmeno dal fango. Supererò l’avidità e l’odio e continuerò il mio cammino senza timore, come il corno di un rinoceronte”.

Oh Kyung-sook è quel rinoceronte, forte e resistente, fermo nei suoi valori e nelle sue convinzioni, che Do-hee da tempo cercava e che concretizza effettivamente il suo sogno ideale: una politica empatica e di prossimità, che si avvicina agli altri, dialoga senza intransigenze e radicalismi, ma senza farsi prevaricare nei valori fondamentali, che sa distinguere potere e giustizia, tenendo lontano la bieca violenza e l’avidità. Il progetto iniziato come una mera vendetta e quasi un’esibizione di potenzialità diventa una riscoperta della politica nel senso più puro e ancestrale del termine, in quella dimensione che sta al servizio dei cittadini e del bene comune e che cerca di costruire una società più retta. Do-hee inizia per un piano determinato, ma va avanti perché viene coinvolta a livello personale, ma soprattutto a livello ideale.

Naturalmente, non solo la Eunsung non è un gigante facile da abbattere, sostenuto nella sua strategia da un genio della politica come Carl Yoon (Lee Geung-young, abituato a questi ruoli “scomodi” e deliranti, come in “Stranger“, “Vagabond” e altri) e anche dall’ex collaboratrice di Do-hee, Guk Ji-yeon, che si mette in gioco personalmente (Ok Ja-yeon, vista anche in “Gyeongseong Creature“), ma le vie delle politica sono infinite e molto più oscure di quanto non si possa immaginare, popolate da politici ben navigati e senza scrupoli, come la candidata Seo Min-jeong (Jin Kyung di “Avvocata Woo” e altri) o il leader del partito progressista Yang Sun-dong (Kim Byeong-ok di “Il suono del tuo cuore” e “Because This is My First Life“), simbolo della politica che usa il popolo per raggiungere il potere, e gestite da abili specialisti di strategia come l’ex marito di Do-hee, Ma Joon-seok (Kim Tae-hoon, visto in numerosi drama, tra cui “Navillera“, “Chicken Nugget” e “My Dearest“). Ma Do-hee, per quanto aspiri al bene e alla giustizia, non è esente da colpi di scena plateali e scenici, inversioni di rotta, ridefinizioni politiche e vere e proprie tattiche belliche, utilizzando una classica strategia machiavellica, con il discrimine che, se non è necessario che il machiavellico creda nella bontà dei propri fini, ma solo nella loro realizzazione, Do-hee ha investito tutti i suoi mezzi sulla certezza di un futuro migliore.

Si parla poco di “Queenmaker” (퀸메이커) ed è un peccato perché, personalmente, l’ho ritenuta una delle serie politiche più belle degli ultimi anni, che (finalmente!) si allontana dagli oscuri disegni in stile “House of Cards“, ipotecando sul fatto che un futuro migliore è possibile e che esistono anche donne e uomini capaci di fare la differenza, retti e onesti, con ideali incontaminati. Perché, purtroppo, la politica è talmente bistrattata e demonizzata da una certa antologia di film e serie tv americane, da risultare falsa, fittizia e avida, mostrando quell’aspetto di puro odio sociale, che tende ad allontanare popolo e istituzioni.

Che la politica nasconda insidie è indubbio e, del resto, come ogni cosa umana, vive della sua imperfezione. Che, però, tutta la politica debba essere ritratta come qualcosa di oscuro e di malvagio è un concetto che dovremmo tentare di allontanare e/o, perlomeno, di ribaltare, tornando a valorizzare quella che dovrebbe essere la vera politica aristotelica, ovvero la “politèia“, il governo del popolo, in cui ognuno ha la possibilità e la capacità di perseguire il raggiungimento della virtù. Ché, poi, la maggiore virtù umana risiede proprio nella “giustizia”  perché, sempre secondo le parole di Aristotele nell’Etica Nicomachea, “chi la possiede è in grado di usare la virtù anche verso gli altri e non soltanto verso se stesso“.

Laura

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The Rational Life – Storia di una donna moderna

Ogni sera Shen Ruo Xin (Qin Lan, “Story of Yanxi Palace”) torna a casa, si affaccia dalla sua finestra dove le luci di Shangai riflettono la stanchezza di una giornata piena di lavoro, di corse e di fatiche, ma la giovane abbandona il suo sguardo al cielo e non alla terra, alla quale ha già affidato il tempo della sua giornata, vivendo tutti i giorni con stress ogni minuto della sua esistenza. Tutto il tepore che serve a scaldare il suo cuore è immerso nelle stelle che osserva a telescopio, quelle stesse stelle che raccoglie nelle foto astronomiche che colleziona da sempre e che coprono le pareti del suo salotto, perché il riposo di Ruo Xin è una sala planetario dove abbandonare lo stress e il peso di una vita dove indossa la maschera di donna in carriera, razionale e capace di affrontare e risolvere ogni tipologia di problemi e difficoltà lavorative.

Ruo Xin lavora nell’ufficio legale di una grande multinazionale, ma il suo sogno sarebbe stato quello di laurearsi in astronomia, per questo motivo ritaglia quel piccolo spazio serale tutto per sè dove poter nutrire il suo desiderio di evadere dalla solita routine di tutti i giorni. Ruo Xin ha trentacinque anni, è stata appena lasciata dal fidanzato che non provava grande affetto per lei e, da quando è stata lasciata, la sua vita a lavoro è diventata più difficile, perché per una donna gli ostacoli sono sempre interminabili e vanno dal campo lavorativo a quello personale, al doversi scusare o dover motivare ogni azione, come quella di scegliere di attendere di sposarsi che ha da sempre causato malumore nel rapporto con sua madre che la vorrebbe vedere sistemata con accanto un marito. Guadagnarsi da vivere da sola e portare avanti con orgoglio la propria intelligenza è una scelta che spesso si ripercuote nella serenità d’animo di una donna e Ruo Xin lo vede ogni giorno, non potendo far trasparire neanche il proprio dolore, ma dando agli altri la visione di una persona intransigente e fiera.

Quando nella vita di Ruo Xin entra per caso il giovane assistente Qi Xiao (Dylan Wang, “Love Between Fairy and Devil”) qualcosa cambia, forse quella spalla, quel supporto necessario per affrontare un momento e una situazione molto critica nell’ambiente lavorativo dovuta ad un complotto interno per bloccare la sua carriera e costringerla alle dimissioni. Superata in qualche modo la crisi, la ragazza viene, però, trasferita al dipartimento amministrativo quasi per punizione, Ruo Xin, con orgoglio e senso di responsabilità, accetta il trasferimento, anche se a malincuore, e, con suo stupore, si trova accanto ancora una volta Qi Xiao che, in qualità di suo assistente, si fa trasferire nello stesso reparto.

Nel nuovo reparto si presenteranno altre difficoltà compreso la responsabile del settore dello stesso livello lavorativo di Ruo Xin che, a causa della grande invidia che prova per la ragazza, le renderà la vita difficile anche sottoponendola a dei lavori più umili come piegare le brochure, imbustare o far allestire il salone per il meeting, nessuna solidarietà femminile, anzi, è anche questo uno degli aspetti più realistici del drama.

Un giorno, dalla filiale di Pechino, arriva in azienda Xu Ming Jie (Calvin Li), nuovo responsabile che porta con sé delle novità aziendali per attuare delle modifiche importanti nel campo lavorativo. Xu Ming Jie, immediatamente, riconosce le capacità e il potenziale di Ruo Xin, provando per lei stima e anche un sentimento di affetto.

E’ importante nella storia di questo drama riconoscere la vera tematica di fondo che è quella femminile, il ruolo della donna nel luogo di lavoro, nella vita sociale, in quella di tutti i giorni e nella vita domestica, in questo caso come la donna possa dedicare del tempo a se stessa, ai propri interessi, alle attività che più la possano rilassare, come nel caso della protagonista, l’amore per l’astronomia.

Ruo Xin è una donna moderna che affronta ogni giorno le difficoltà che la società le pone davanti, la sua battaglia per emergere, rispettando se stessa e la propria intelligenza, la rende libera, ma non per questo la sua vita è facile, anzi, spesso è agitata da correnti che la rimbalzano e dalle quali deve riuscire a sopravvivere. In una delle conversazioni più significative che Ruo Xin ha con la sua migliore amica, la ragazza rivela che metaforicamente la loro esistenza è come quella delle anatre che nuotano: alcune persone vedono solo la superficie dell’acqua, l’apparente tranquillità, ma nessuno sa cosa succede sott’acqua, come i loro piedi disperatamente faticano a remare.

Non importa, però, la difficoltà, perché Ruo Xin, insieme ad altre donne protagoniste e secondarie del drama, rispecchiano la resistenza, la tenacia, la costanza e la forza femminile di andare avanti, nonostante tutto. L’amica di Ruo Xin che incastrata in un matrimonio dove l’apparente felicità di coppia è osteggiata dalla continua insistenza da parte della famiglia del marito ad avere presto un figlio, come se la maternità dovesse essere qualcosa di imposto. Una delle assistenti di Ruo Xin che, avendo iniziato a lavorare come stage presso l’azienda, trova nel suo fidanzato un atteggiamento di imbarazzo perché si sente in inferiorità per non aver trovato un lavoro in contemporanea a lei, anche questo caso mi ha fatto riflettere molto, perché la ragazza fatica a far accettare il suo successo lavorativo in un ordine di pensiero per cui non deve essere per forza l’uomo a trovare per prima il lavoro.

La madre di Ruo Xin che è rimasta sola a crescere la figlia, a dedicarsi a lei e alla sua istruzione, così come la madre di Qi Xiao che da sola si è caricata del peso di una famiglia, a tutte queste donne è dedicato un pensiero speciale nella storia di questo drama.

Infine, la figura di Qi Xiao che personalmente ho apprezzato per il suo modo entusiastico di percepire la vita, di dedicarsi al suo tempo libero, alla sua passione di creare gioielli e alla speranza di aprire un giorno un’attività tutta sua. Qi Xiao non si arrende mai nella storia, neanche per la differenza d’età con Ruo Xin che all’inizio limita molto la protagonista, ma che la vicinanza del giovane assistente le regalerà un vento nuovo di fiducia e di entusiasmo. Con la compagnia di Qi Xiao, infatti, Ruo Xin si rende conto che l’amore non è uno scambio di debiti e di doveri, ma la scelta di vivere e di appoggiare vicendevolmente i sogni dell’altro.

“The Rational Life” è un drama dalla fotografia sofisticata ed elegante, dalle recitazioni coinvolgenti e ha la capacità di descrivere uno spaccato di vita moderna dal punto di vista femminile che potrebbe avvicinarsi a quella di ognuno di noi, ma per questo vi auguro anche di trovare nella vostra vita la compagnia di una persona come Qi Xiao!

Grazia

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The Tunnel to Summer, The Exit of Goodbyes

“Anche un mondo incolore non è male”.

Esistono quelle piccole storie che da sempre ci fanno ripensare, nei giorni seguenti la visione, ai momenti più significativi, e anche questa volta abbiamo avuto la percezione di essere entrate in un vortice di emozioni che un anime formativo ci ha lasciato.

“The Tunnel to Summer, The Exit of Goodbyes”( 夏へのトンネル、さよならの出口 – Natsu e no Tonneru, Sayonara no Deguchi) appartiene a quegli anime dove ci si affeziona immediatamente ai personaggi principali con i quali si entra da subito in sintonia e si vive con loro tutta la storia.

L’anime prende ispirazione dall’omonimo manga del 2020 che a sua volta è tratto dalla light novel omonima di Mei Hachimoku.

Cosa ci ha attratto maggiormente di questa storia ricca di significati e dai tratti delicati? Scopritelo nella nostra intervista doppia.

=TRAMA=

Secondo una antica leggenda il tunnel di Urashima permette a chi lo attraversa di ritrovare ciò che è stato perso o di esaudire un desiderio, ma all’interno del tunnel il tempo passa molto più lentamente rispetto al mondo fuori. Kaoru Tono è uno studente del liceo di una piccola cittadina rurale in Giappone dove ogni giorno torna a casa sulla linea ferroviaria Oosara- Sugimori, famosa per avere sempre dei ritardi causati da qualche incidente con cervi di montagna. Un giorno piovoso, Kaoru incontra Anzu Hanashito alla stazione del treno, cerca di darle il suo ombrello vedendo che la ragazza è bagnata e non riesce a  ripararsi in nessun modo, Anzu accetta l’ombrello e i due si scambiano i numeri di telefono.

Il giorno successivo nella classe di Kaoru viene presentata una nuova compagna di classe che si rivela essere proprio Anzu, trasferitasi da Tokyo.

Anzu è una ragazza schiva, appassionata di manga, non fa altro che leggere vecchie edizioni, ma non condivide mai con gli altri le sue emozioni e passioni. Una sera, dopo aver litigato con il padre ubriaco, Kaoru scappa di casa, vicino alla stazione cade da un dirupo e si ritrova davanti a un tunnel che sembra magico a vedere le luci che riflette. Un po’ incuriosito, ma anche dubbioso, vi entra, percorre qualche tratto e poi esce, solo che mentre per lui sono passati pochi minuti all’interno del tunnel, per il mondo è passata una settimana, per cui Kaoru è scomparso da una settimana.  Il giorno seguente si reca nuovamente presso il tunnel, ma qui viene seguito da Anzu che lo scopre e decide di dargli una mano, prima per capire come passa il tempo all’interno del tunnel e con quale cadenza e, poi, pian piano, tra i due ragazzi inizia un rapporto di complicità che li porta a scambiarsi consigli e a raccontarsi le proprie vite. Kaoru, dopo aver scoperto il tunnel, ha deciso che lo percorrerà fino a ritrovare e a riportare indietro la sua sorellina Karen, morta in un incidente qualche anno prima. Kaoru si sente responsabile e in colpa per la morte della sorella, perché prima dell’incidente avevano litigato per ragioni banali. Anzu, invece, vuole percorrere il tunnel per trovare quel talento che le manca e che vorrebbe far vedere al mondo, quel talento che la collega al suo amato nonno, disegnatore di manga. Anche Anzu vorrebbe diventare una disegnatrice, farsi conoscere e portare alla luce anche i lavori del nonno spesso ignorato proprio dalla sua stessa famiglia.

Riusciranno i due ragazzi a percorrere il tunnel e ritrovare quello che cercano?

=CHE SENSAZIONE TI HA TRASMESSO QUESTO FILM?=

GRAZIA: Si tratta di un film anime che, abbracciando il genere scifi romance, lo avvicina al filone delle narrazioni di Makoto Shinkai e per prima cosa ho apprezzato molto questa caratteristica. In secondo luogo, una delle particolarità della storia sono proprio i due protagonisti, due ragazzi che si sentono incompleti nella loro stessa vita, nelle loro esistenze. Kaoru si sente svuotato dopo la morte della sorella, la separazione dei suoi genitori e l’eterno clima di fragilità che si ripercuote giorno dopo giorno nella propria vita, Kaoru vorrebbe perdersi in quel tunnel, vorrebbe ritrovare la sua amata sorella e vivere nascosto dal mondo perché tutto il suo affetto è lì. Anzu, invece, vive il suo clima di abbandono e di fragilità perché, dopo la morte del nonno, i genitori, che nei suoi confronti sembrano quasi anaffettivi, l’hanno lasciata sola ad affrontare le difficoltà di ogni giorno. Anzu crede di somigliare al nonno e si prepara per riuscire anche lei a ritrovare ciò che ha smarrito o che forse non ha mai avuto, il talento, affinché suo nonno e chiunque tenga a lei possa apprezzarla per le sue capacità, perché per volersi bene si cerca costantemente anche la fiducia degli altri.

LAURA: Lento, malinconico viaggio nella notte del tempo, dove il tempo è il nostro inconscio e il futuro consiste nel passato dei ricordi, nella loro riesumazione, nella loro rivitalizzazione in speranze per il futuro. Ecco come mi sono sentita al termine della visione e come sono uscita dalla sala del cinema. Concordo con il fatto che Makoto Shinkai abbia fatto scuola, legando finemente una storia romance e una trama fondamentalmente sci-fi (o, perlomeno, con elementi e innesti fantastici e fantascientifici) con l’evoluzione e la formazione anche psicologica dei personaggi, un vero e proprio romanzo incentrato sui singoli protagonisti, su ciò che desidera e su ciò che vogliono diventare, dove la fantascienza è solo un pretesto per farli “scoprire” e narrare i loro animi, costruendo quei legami che sono unici e indistruttibili. Anzu e Kaoru mi sono sembrati Mitsuha e Taki (protagonisti di Your Name) o Suzume e Souta (protagonisti del film Suzume). Si esce sempre un po’ sospesi nel vuoto, camminando sul filo dell’acqua dove si riflettono le foglie rosse autunnali, nonostante il clima immoto di un’estate piovosa.

=L’ELEMENTO O L’EMOZIONE RICORRENTE NEL FILM?=

GRAZIA: Sicuramente ciò che ricorre spesso nell’anime è il tentativo di superare il lutto che è quello che Kaoru vorrebbe fare, entrando nel tunnel, perché in realtà è un’anima sensibile che non si è mai ripresa dalla scomparsa della sorella, fonte di gioia e voglia di vita, il suo netto contrario che invece vive la vita chiuso in casa a crogiolarsi nella sua malinconia con addosso le immancabili cuffie. La tematica del lutto e del superamento del dolore è molto importante e serve a capire anche l’altra protagonista, Anzu che vive l’angoscia di Kaoru e cerca di proteggerlo facendosi coinvolgere nell’avventura del tunnel. Anzu è una ragazza che teme di non riuscire perché è sempre stata interrotta in ogni occasione che poteva essere quella sua, quella importante.

GRAZIA: Elementi significativi, le luci nel tunnel, l’uso della tecnologia solo come supporto, i messaggi e le mail scambiate dai due protagonisti per valutare lo scorrere del tempo dentro e fuori il tunnel ed infine la vegetazione e i luoghi attorno al tunnel che cercano di offrire la prima separazione tra il mondo terreno e quello soprannaturale, tra il mondo emotivo e introspettivo dei due protagonisti e quello reale.

LAURA: Il film è come una fiaba, perché elementi tipici fiabeschi o, meglio ancora, onirici, appartenenti alla dimensione inconscia sono inseriti all’interno della storia di formazione dei due protagonisti. Il tunnel, con il suo buio e la progressione continua, senza uscite, è chiaramente simbolo del perdersi all’interno di se stessi, in una dimensione dove il tempo non esiste o è quasi sospeso, scorrendo con una velocità diversa rispetto al mondo “di fuori”, quello esterno al tunnel. Mentre fuori il tempo corre senza pietà, nel tunnel trascorrono solo una manciata di secondi: è quel tempo che ci sembra sempre insufficiente per maturare i nostri ricordi e superare i nostri dolori, infinitesimale, mentre il mondo divora attimi come se fossero anni, senza dare modo di chiudersi in se stessi e nel silenzio.

LAURA: Si comunica in questo tunnel con messaggi, mail e rare telefonate (perché l’immediatezza della voce non è pari alla riflessione della corrispondenza epistolare), perché la comunicazione verbale e non si riflette nei sentimenti e nelle emozioni e riesce a trascendere sempre gli eventi e il tempo stesso (espediente utilizzato anche in Steins; Gate e mi è piaciuto particolarmente).

=FORMAZIONE, MAGIA O RICORDO?=

GRAZIA: Tutte e tre le caratteristiche sono fondamentali e arricchiscono molto la storia. “The Tunnel to Summer, the Exit of Goodbyes” è principalmente un racconto di formazione, un “coming of age” che si avvale dell’uso della magia per introdurre il valore del ricordo (il tempo passato) e la costruzione del ricordo (il tempo che sta passando e quello che passerà). I due ragazzi sanno di essere diversi dagli altri, è come se il loro mondo fosse incolore e percepito solo da se stessi, poi capiscono di comprendersi l’un l’altra e da qui il valore accresce, perché, insieme al ricordo, si rendono conto di essere cari ad un’altra persona, di non essere soli e accettano la propria unicità e si supportano. Meravigliose le scene dell’ombrello e del girasole.

LAURA: Credo che i tre siano indissolubilmente legati in questa storia, senza che uno possa fare a meno dell’altro. Come più volte evidenziato, si tratta anzitutto di un romanzo di formazione per entrambi i protagonisti che vivono nel ricordo di ciò che sarebbe potuto accadere (la non morte della sorella per Kaoru, che lo avrebbe portato ad una vita differente, e il successo anche tardivo del nonno fumettista per Anzu, che l’avrebbe supportata a credere nel proprio sogno e a convincere la propria famiglia). E, infine, la magia, che non è altro che il modo personale di percepire la realtà, filtrandola nel ricordo, unire le imposizioni del mondo adulto incolore a quel mondo proprio, unicamente colorato e custodito nelle proprie emozioni.

P.S. La leggenda del tunnel di Urashima è ispirata ad una fiaba popolare. Urashima Taro era il protagonista di una fiaba giapponese che in una versione moderna era un pescatore ricompensato per aver salvato una tartaruga e averla portata al Palazzo del Drago. Al Palazzo trascorse del tempo in compagnia della principessa Otohime, ma quelli che credeva fossero pochi giorni in realtà erano molti di più e quando tornò nel suo villaggio natale scoprì che era scomparso da almeno 100 anni.

Grazia & Laura

Come suona la recensione?

Honjok – L’arte di vivere da soli con se stessi

“Essere single non è un gioco di attesa, ma è uno stile di vita“: così recita la frase di presentazione del film “Single in Seoul“, presente in tutte le locandine internazionali, e quasi potrebbe trarre in inganno con quella che può sembrare la solita trattazione brillante e comica della vita da scapoli refrattari alla coppia e portati unicamente al godimento dei sensi di tante pellicole americane. Nulla di più sbagliato, visto che a correggere interviene già quel titolo scritto in hangul, ma letto in inglese, che campeggia in grande sopra l’immagine dei protagonisti e fa confondere la mente. “싱글 인 서울” non è una traduzione coreana, ma è letteralmente la trasposizione, con i caratteri dell’alfabeto coreano, del corrispondente inglese “Single in Seoul”, traslitterato pari pari, senza rispetto della grammatica coreana. Se non fosse che quel carattere lì nel mezzo, cerchiato dalla grafica della locandina, è 인, che leggiamo come “in” e che sembra introdurre il complemento di stato in luogo, non è altro che la trasposizione in hangul dell’hanja 人, che indica la persona nella sua unità singola e nella sua unicità e interezza, nel proprio intimo di essere se stessi. La persona come monade, come complementarietà di corpo e anima, come individuo.

Quella persona che si staglia da sola nel centro rende l’idea dello stile di vita da single annunciato, ovvero di saper vivere da soli, o, meglio, in solitaria, facendo silenzio attorno e richiamando se stessi in mezzo all’affollato rumore del mondo, un’accortezza riflessiva che in Corea del Sud esiste da tempo e che è diventato quello stile di vita dell’Honjok (혼족), ovvero la consapevolezza di stare da soli, di fare attività da soli e di ricaricarsi riscoprendo se stessi.

Secondo le statistiche, questo movimento silenzioso è andato per la maggiore a partire dal 2010, ma ha trovato grande respiro e affermazione nel periodo post-COVID, coinvolgendo soprattutto la generazione dei Millennials e degli Z, ma anche di molte frange della X, rileggendo il mondo e il tempo libero in chiave introversa e solitaria, ma più concentrata sulla propria salute mentale. 혼족 indica una “tribù di un solo componente”, per cui vuol dire “fare attività volontariamente da soli”, con consapevolezza, lucidità e autodeterminazione e si pone in contrasto con la società “di gruppo”, formata sull’affermazione della validità della regola “dei più” e dell’autorità di una sociologia tribale.

Spesso, infatti, la società tende a condannare chi è solo, quasi a demonizzare i comportamenti degli individui che non sono legati in coppia e/o che non si riconoscono in gruppi specifici e determinati, relegandoli ad una forma esasperata di narcisismo egoista o, addirittura, ad una colpa data dal cattivo carattere e dalla mal sopportazione. E ciò rischia di costringere le persone ad entrare mutamente in branchi, perdendo se stessi e la propria unicità, per, poi, precipitare completamente quando ci si ritrova negati dalla società.

L’honjok contesta questo tribalismo e sostituisce il comportamento di gruppo a quello dell’individualità, non per escludersi dalla società (coloro che seguono la filosofia honjok non sono degli hikikomori), ma per comprenderla meglio senza farsi cannibalizzare. L’honjok vive perfettamente in società, dialoga, sa interagire con colleghi, amici e conoscenti, può anche legarsi in una relazione, ma antepone se stesso e la propria salute alle imposizioni esterne. Nasce single, non perché attende l’anima gemella, ma perché sa che la prima anima che deve amare appartiene a sé e, come tale, impara a darsi un appuntamento con se stessa/o.

Per quale motivo molte attività vengono precluse se non si è in coppia o in gruppo?

Ad esempio, spesso si esce di casa per andare a mangiare fuori, perché il pranzo o la cena implicano un incontro con altri. L’honjok è anche honbap (혼밥), ovvero la bellezza di scoprire che si può uscire di casa per andare a mangiare da soli, come se si avesse un impegno per pranzo/cena. Ed è così che i giovani coreani escono e vanno a mangiare da soli nei convenience store (a qualsiasi ora, anche di notte, credetemi), nelle caffetterie e nei bar (spesso con l’immancabile smartphone davanti agli occhi per non incrociare nessuno con lo sguardo o, ancora meglio, con un buon libro per rimanere in silenzio con se stessi), nei fastfood (meta generica di famiglie e di comitive chiassose) o anche nei ristoranti e nei grill (livello di honjok piuttosto alto).

Oppure è normale pensare che si esca di casa per andare a bere con amici, ma l’honjok è anche honsul (혼술), ovvero la bellezza di bere da soli, con tanto di sbornia in solitaria (come vediamo spesso nei drama), o ancora è difficile pensare di uscire per andare al cinema o al karaoke o in un locale a divertirsi senza qualcuno al fianco, ma l’honjok è anche honnol (혼놀), cioè la capacità di divertirsi da soli, magari cantando in un coin-nurebang (i karaoke coreani a gettone) per un tempo predeterminato.

Stare bene con noi stessi vuol dire imparare a conoscerci e ci si conosce col tempo, piano piano, frequentandoci nel nostro tempo libero, senza la restrizione di sentirsi limitati a cosa dire o non dire in società. Conoscersi, allietarsi e calmarsi: rivendicare il diritto di stare da soli, comprendendo la solitudine e accogliendola, quasi analizzandola in ogni suo piccolo aspetto per capirla e per lasciarsi cullare da essa. Nessuno ama la solitudine, ma chi entra in sintonia con essa ha una marcia in più, perché la pratica e non si fa intimorire, la frequenta a tratti e sa quando cercarla e quando allontanarla.

Il fenomeno honjok è stato indagato e messo su carta dalla giornalista italiana Silvia Lazzaris e dall’autrice sudcoreana Jade Jeongso An nel saggio “HONJOK: Il metodo coreano per vivere felici con se stessi” (edito da Vivida), una di quelle lettura che bisognerebbe sempre tenere in libreria e tornarci di volta in volta per scoprire noi stessi e praticare la solitudine senza timore. Perché saper stare da soli ci libera dai ruoli imposti dalla società e ci rende più consapevoli di riuscire ad affrontarla, a viverci senza farci inglobare e senza farci spersonalizzare, un diritto al tempo libero da vivere da sé.

E, voi, avete mai provato ad uscire di casa, andare a mangiare da soli, organizzarvi una serata al cinema e, magari, programmare un viaggio in solitaria da soli con voi stessi? Posso garantire che è un’esperienza unica, ci si sente più forti e più carichi. Più se stessi, insomma.

Laura

Single in Seoul

Camminare da soli – Il single, la vita e l’amore

Parte prima: Il dilemma del single

Ci sono molti film e molti romanzi che parlano d’amore, di matrimonio, ma poco si parla di “singletudine”, termine che personalmente ho sentito per la prima volta in un film, citato da Bridget Jones nella indimenticabile interpretazione di Renée Zellweger.

Cosa significa essere single? Ha davvero una connotazione negativa come alcuni sostengono oppure è una interpretazione dell’esigenza di carpire un po’ di tempo per se stessi? L’essere single è un dilemma per la persona che vive da sola oppure per il resto della società?

L’essere single significa camminare da soli e imprimere così la propria esistenza.

“Single in Seoul” è una storia semplice, delicata, come le tenui  luci serali della città viste dalla finestra di casa dove il protagonista Park Yeong-ho (interpretato da un malinconico e bravissimo Lee Dong-wook, “Strangers from Hell”, “Scent of a Woman”, “Goblin”, “A Shop for Killers”) posa i suoi pensieri  e li scandisce tra i tasti del computer nascondendo le sue opinioni contrastanti tra la vita di ogni giorno e quella ritratta nelle sue foto di piccoli particolari o luoghi nascosti della città pubblicati nel suo profilo Instagram “Single Almighty”, seguito da trecento mila follower, dove condivide suggerimenti per chi vive da solo. 

Quando il responsabile di una casa editrice, Jin Pyo (Jang Hyun-sung, “Angel’s Last Mission Love”, “Signal”) coinvolge la caporedattrice Joo Hyeon-jin (la bravissima Im Soo-jung, “Melancholia”, “Finding Mr. Destiny”)  a curare il progetto editoriale per una collana di libri la cui tematica è quella dell’essere single in varie città del mondo, viene segnalato il nome di Park Yeong-ho che insegna all’università e che cura la sua pagina Instagram dove dispensa consigli alle persone che vivono da sole, che si sono appena trasferite in una grande città e che hanno bisogno di conoscere luoghi dove poter trascorrere del tempo da soli.

Il compito di Yeong-ho sarà quello di descrivere la sua vita da single a Seoul, in contemporanea a lui, un’altra persona porterà avanti il capitolo dell’essere single a Barcellona.

Per Hyeon-jin, che lavora assiduamente in redazione dove trascorre giorno e notte per garantire la pubblicazione di opere di valore e innovative, relazionarsi da subito con Yeong-ho non è semplice, lei chiede di scrivere in modo intuitivo, Park Yeon-ho, invece, scrive in modo risoluto, senza giustificare le proprie opinioni:

“Viviamo accanto agli altri tutto il giorno, come clienti, colleghi di qualcuno o insegnanti. Svolgiamo talmente tanti ruoli che non c’è abbastanza tempo per se stessi. Se vuoi essere te stesso, restare single è la risposta! “.

Gli scambi di opinione, di esperienze, il collaborare alla riuscita di un libro sono tutti elementi importanti che avvicinano i due, così diversi di carattere, lui ordinato, elegante, ma suscettibile e diffidente del mondo, lei, invece, persa nel suo mondo letterario, disordinata, che nel suo sogno romantico presta attenzione a qualsiasi ragazzo la possa guardare e possa lasciare in un bar un promemoria piegato sul vassoio che poi si rivela essere solo una ricevuta scartata.  L’intesa tra i due giovani diventa sempre più intensa e non priva di malinconica nostalgia.

Joo Hyeon-jin e Park Yeong-ho, due monadi destinate ad incontrarsi.

Parte seconda: La scrittura è come una traccia dell’amore

Per Park Yeong-ho immergersi nella scrittura del libro è pian piano un immergersi nei suoi ricordi del passato, anche dolorosi, come la rottura con il suo primo amore Joo-ok (Esom, “Because this is My First Life”, “Taxi Driver”). Alcuni ricordi passati, infatti, possono creare fratture o ferite sempre pronte a riaprirsi e a sanguinare e solo da questo punto focale che la visione del protagonista prende finalmente atto, la sua attitudine a vivere da single, a bastare a se stesso, credere in se stesso per potersi amare e colmare quel bisogno di affetto che non si riesce a trovare in un’altra persona o anche nel resto dell’umanità.

“Ironicamente, mentre scrivevo sull’essere soli, ho pensato alle relazioni più che mai. Essere veramente soli significa non essere vincolati da relazioni e non fuggire. L’ho capito grazie a questo libro”.

Ancora una volta la scrittura diventa per entrambi un vero percorso di formazione e, se, l’essere single all’inizio era un portare avanti un proprio status di vita, pian piano riflette quella necessità che è insita in tutti noi, stare da soli con se stessi, dare un appuntamento a se stessi, perché così ci si prende cura di sé.

Anche in una relazione si può essere single, arricchendo del proprio essere l’altra persona accettando l’un l’altro i propri spazi di solitudine. Questo concetto viene spiegato bene nelle parole della fidanzata del padre della protagonista che, rispondendo alla ragazza sul perché abbia scelto suo padre, afferma:

“Ho incontrato qualcuno con cui posso sentirmi libera e a mio agio. Qualcuno che mi accetta così come sono”.

Perché, in fondo, siamo noi la prima e vera salvezza di noi stessi, solo così possiamo sconfiggere paure e timori e accettare di vivere il più serenamente possibile. Il nostro spazio è importante, la nostra libertà è fondamentale ed è solo quando anche le altre persone la accettano che apriamo agli altri la nostra fiducia.

“Single in Seoul” è un film che riesce a comunicare allo spettatore, in chiave ironica, un argomento non facile, non sempre analizzato, ma che in questa storia viene impreziosito grazie ad un cast di tutto rispetto, Lee Sang-yi (“Youth of May”, “Bloodhounds”) nel ruolo dello stagista della casa editrice (non perdetevi la sua performance musicale cantata e suonata con la chitarra), la brava Lee Mi-do (“Oh My Baby”, “18 Again”) nel ruolo della collega di lavoro della protagonista e molti altri.

Tre cose importanti da segnalare, anzi anche quattro: la colonna sonora molto bella, le visioni degli scorci nascosti di Seoul sono meravigliosi, il riferimento inaspettato, in più occasioni all’interno del film, al romanzo “Norwegian Wood” e, infine, per chi ama come me Notting Hill, qualche scena è stata girata anche lì.

“Non esiste nessuno a cui piaccia la solitudine. È solo che odio le delusioni”.

(Norwegian Wood – Haruki Murakami)

Grazia

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Divorce Attorney Shin – Il divorzista (ovvero andante moderato con moto legale, ma di Beethoven)

“La mia strategia è il Concerto n.3 per pianoforte di Beethoven”.

Esiste un pianista che è diventato avvocato, ma ragiona come un musicista, dirige la sua orchestra di atti legali, coordinando diesis e bemolle nella stessa sinfonia, dipinge un acino d’uva su un quadretto per dilettanti ad ogni causa vinta o, comunque, risolta in modo imprevedibile, non segue alcun criterio voluto dalla normalità e, soprattutto, canta a squarciagola girando per la casa in camicia bianca alla Risky Business, così indiscriminatamente e senza pudore da sollevare più dubbi che lamentele nei suoi vicini di casa. Esiste un avvocato, che conserva un animo da musicista, ma è intuitivo e caparbio come solo un genio del diritto può esserlo, perché, dove gli altri vedono solo quesiti giuridici, lui vede connessioni e sa tracciare quelle linee immaginarie corrette per ricostruirli. Ma, soprattutto, esiste un avvocato che accetta un solo caso alla volta, perché troppo stanco e pigro per dedicarsi a troppi casi.

“Dovresti cambiare il tuo nome da Shin Sung-han a Mr. Competenza”. “Salve, sono il suo avvocato competente, Mr. Competenza. Il suo avvocato competente, Mr. Competenza”.

Shin Sung-han (interpretato magistralmente da Cho Seung-woo, protagonista di “Sisyphus: The Myth” e “Stranger“) è un ex brillante pianista di musica classica, che ha vissuto a lungo in Germania, ma che torna in Corea, dopo la morte drammatica della sorella minore, apparentemente sofferente di una depressione acuta e vittima di un incidente automobilistico. La tragedia familiare colpisce in modo profondo la sua iper-sensibilità e, avendo appreso che la sorella stava vivendo da tempo una lotta in seno alla famiglia che si era formata, incentivata, in particolare, da marito e amante del marito, prende la decisione di scoprire la verità su quanto è successo. Cerca, così, di liberare se stesso dal senso di colpa che lo opprime per non aver capito la sofferenza della sorella e, al tempo stesso, tenta di liberare anche il nome della sorella, quasi un tributo per rendere pace alla sua anima. Per questo motivo, decide di abbandonare la musica, riprendere in mano i suoi studi giuridici e dedicarsi alla legge, diventando un avvocato divorzista. O, ancor meglio, decide di lasciare i tasti del pianoforte e impugnare i codici per aiutare tutte quelle persone, incastrate in matrimoni infelici e abusivi, ad uscirne fuori, supportandole nel venire a capo delle proprie vite prima che sia troppo tardi. Ed è così che, nel giro di qualche anno, l’avvocato Shin Sung-han si trasforma nel “divorzista” per eccellenza.

“Questo è il prezzo da pagare per essere diventati famosi”.

A dispetto della sua “fama”, seppur incastonata nella sua stranezza e nelle sue peculiarità, che lo hanno reso un personaggio, e nonostante la sua ricchezza ereditata da generazioni, l’avvocato Shin Sung-han non appare mai superbo e altezzoso. Piuttosto, si potrebbe definire il suo studio abbastanza modesto, quasi da legale di quartiere, con quella porta che non si riesce ad aprire perché fuoriuscita dai cardini, le montagne di carte e documenti sparsi ovunque e una squadra di impiegati così stralunata e particolare, che risulta pure difficile metterla insieme: c’è il fedele para-legale, amico di una vita e confidente fidato, Jang Hyung-geun (interpretato da Kim Sung-kyun di “D.P. – Deserter Pursuit” e “Weak Hero Class“), che è stato lasciato dalla moglie “perché lavorava troppo”, ma che compra ancora regali per i figli avuti da questa con il nuovo marito; c’è l’impiegata con abilità investigative Lee Seo-jin (interpretata da Han Hye-jin di “Man in Love“), ex brillante conduttrice radiofonica, difesa proprio dall’avvocato Shin in una burrascosa causa di divorzio; c’è la segretaria Yoo Sae-bom (interpretata da Lee Eun-jae di “18 Again“), che, per la verità, perde almeno le prime due ore lavorative a recuperare videoclip di K-pop; c’è il giovane avvocato Choi Joon (interpretato da Han Jae-seok di “Benvenuti a Samdalri“), che, per qualche strana ragione, vorrebbe somigliare proprio al suo mentore e che nel tempo libero fa lo youtuber. E, tanto per completare la squadra, ci sono anche gli aiuti “non richiesti” del migliore amico perennemente squattrinato (ma con fuoriserie sportiva) Jo Jung-sik (interpretato da Jung Moon-sun di “Hospital Playlist“), della padrona del ristorante di ramen vicino Kim So-yeon (interpretata da Kang Mal-geum, l’urlo più iconico di “Squid Game“) e della produttrice radiofonica Jin Young-joo (interpretata da Noh Susanna di “To All the Boys who loved me“).

“L’interpretazione del musicista è importante, ma prima viene sempre l’ispirazione del compositore”.

“Divorce Attorney Shin” (신성한 이혼), in italiano “Il divorzista“, è concepito effettivamente come una composizione di musica classica in 12 tempi (ovvero in 12 episodi), che alternano andante moderato e allegro, “musicati” in modo straordinario da tutti gli interpreti e “orchestrati” senza mai perdere un colpo da Lee Jae-hoon (regista che ci ha dato delle vere perle come “Run On” e “Page Turner” e che ha dimestichezza con note musicali e stati d’animo). Come una grande opera musicale, anche il drama si può scomporre in storie differenti, con una narrativa diversificata, che hanno in comune, però, l’aspetto umano da cui si parte per ricostruire il caso e capirne, poi, la soluzione da adottare. L’umanità è un tratto distintivo del modus operandi del protagonista ed è quell’ingrediente che rende musica il diritto, che dona armonia agli articoli di legge, togliendone la presunta aridità. Proprio da quel profondo senso di umanità, che lo mette in connessione con i suoi clienti, parte l’avvocato Shin, caso per caso, cliente per cliente, riducendo sempre di più anche lo spazio tra spettatore e personaggi e facendo vivere ogni singola storia in un crescendo unico per ricostruire la storia personale del protagonista, la sua ricerca sul colpevole della morte della sorella e la sua lotta per l’affido del nipote.

“Gocce di pioggia. Concerto per piano n. 23 di Mozart, secondo movimento. Quelle parole senza cura. Ma il tocco delle chiavi… Come posso definirlo? Una sofferenza profonda. Come un adagio”.

Si apre così, lentamente, come un adagio, anche l’animo dell’avvocato Shin, la sua vita in perenne e volontaria solitudine, quasi colorata da un acquarello blu, ma che si sfuma agli angoli, diventando via via più turchese e celeste, fino a trasformarsi in trasparente nella lealtà delle amicizie vere, quelle che non hanno bisogno di grandi discorsi e che non devono essere rassicurate sempre della propria esistenza, ma che sono lì presenti a vegliarsi reciprocamente, come in una notte di insonnia alternata per far la guardia che il fuoco che non si spenga mai, provocando il buio, e che la musica possa continuare, nonostante tutto.

Io me lo immagino sempre in questo modo, questo strano avvocato divorzista un po’ stralunato e vestito di tweed marrone, con i suoi occhiali cerchiati dorati, una bottiglia di vino appena stappata, mentre pensa a come può aiutare una donna vessata dalla famiglia del marito o una moglie abusata da un marito violento o un uomo troppo di buon cuore da essere truffato e, intanto, suona vivace e a tutto volume una canzone folk-trot, accogliendo nel suo cuore una piccola e variegata comunità di isole alla deriva, che, grazie a lui, si è trasformata in arcipelago.

Laura

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Welcome to Wedding Hell – Matrimonio a Ostacoli

Può la preparazione ad un matrimonio essere così devastante per due promessi sposi? Forse questo drama è molto più veritiero del solito e, anzi, ci presenta una situazione realistica e normale a cui molte coppie possono andare incontro, perché, spesso, il sogno romantico della preparazione del matrimonio copre silenzi, incomprensioni, stress e stati d’umore che cambiano come le stagioni.

Seo Jun-hyeon (Lee Jin-wook, “Sweet Home 1, 2, 3”, “Bulgasal”, “A Year-End Medley”) e Kim Na-eun (Lee Yeon-hee, “The Package”) sono due fidanzati che hanno una relazione sana e duratura già da qualche anno, sono finanziariamente stabili e maturi ormai per decidere di sposarsi e coronare il proprio sogno.

I problemi arrivano, però, quando danno l’ufficialità della loro decisione di sposarsi che darà inizio ad un estenuante processo di preparazione e aprirà una crepa importante nella loro relazione, perché nei 12 episodi che costituiscono questo kdrama vengono descritte tutte le fasi di pianificazione dell’evento, i ribaltamenti di scelte che sembravano ferme e salde dall’inizio, le crisi di nervi e il farsi trascinare ad ascoltare le esperienze di altri o i consigli non richiesti di colleghi, amici e anche delle stesse famiglie d’origine.

Se all’inizio l’affetto che provano l’uno per l’altra cerca di sorreggerli da qualsiasi scossa dovuta alle difficoltà incontrate nella preparazione, pian piano i due giovani comprendono di essere diversi, di non aver mai riscontrato e affrontato le loro differenze di carattere e di approccio alla vita, ad iniziare dalla gestione del proprio denaro, a concentrarsi solo sulle spese utili per poter risparmiare in previsione del futuro (che la nostra protagonista pone come una delle cose più importanti da prendere in considerazione) o la costruzione dei ricordi nei mesi di preparazione al matrimonio (a cui, invece, il protagonista tiene a tal punto da organizzare alla fidanzata un addio al nubilato non richiesto). Entrambi capiscono di essere ingombranti nella vita l’uno dell’altra e in ogni fase di preparazione vengono travolti da incertezze e da dubbi fondamentali in merito al funzionamento e al successo del loro futuro matrimonio.

Seo Jun-hyeong e Kim Na-eun, dopo la prima fase di entusiasmo, iniziano, con il passare del tempo, a provare disorientamento e nausea anche solo ad andare a scegliere mobili o la sala per il ricevimento, così, nel momento di massima fragilità per la coppia, intervengono le due famiglie d’origine, soprattutto le madri che, con sottili e sofisticati ricatti affettivi, riversano sui propri figli quel malumore, quelle tensioni e quelle increspature del passato che non sono riuscite ad affrontare nella loro vita o a sua volta nei rapporti con le proprie famiglie d’origine ai tempi dell’organizzazione dei loro matrimoni.

Le due suocere, Park Mi-sook, madre dello sposo (interpretata dalla bravissima Yoon Yu-seon di “My Girlfriend is a Gumiho” e “Bloodhounds“) e Lee Dal-yeong, madre della sposa (interpretata dalla meravigliosa Kim Mi-kyung di “Welcome to Samdal-ri“, “Death’s Game“, “Healer” e tanti altri) giganteggiano nei loro rispettivi ruoli, rubando spesso la scena anche ai due promessi sposi.

Mi soffermo solo a ricordare la preziosa importanza dei personaggi secondari in questo drama perché tutti significativi nella creazione della storia, le amiche e colleghe della protagonista, interpretate da Kim Ju-yeo (“Hometown Cha cha cha”, “Dodosolsollalasol”, “Move to Heaven”) e Hwang Seung-eon (“Madame Antoine”) e il collega del protagonista interpretato da Song Jin-woo “Lovely Liar”) e i padri, interpretati rispettivamente da Im Ha-ryong visto in “Strong Girl Nam-soon” e Kil Yong-woo di “Backstreet Rookie”.

“Welcome to Wedding Hell” ha il potere di essere un drama realistico, privo di cliché e senza colpi di scena, che affronta quelle difficoltà della vita che potrebbero sembrare banalità, ma che spesso costituiscono dei limiti o, come dice il titolo in italiano, degli ostacoli fondamentali alla felicità della scelta di scegliersi e di trascorrere insieme la propria esistenza perché, come diceva lo scrittore Rainer Maria Rilke, amare è un esercizio di solitudine:

“Un buon matrimonio è quello in cui ognuno dei due nomina l’altro guardiano della propria solitudine, e gli mostra fiducia, la più grande possibile… Una volta che si accetta che anche fra gli esseri umani più vicini continua ad esistere una distanza infinita, può crescere una forma meravigliosa di vivere uno a fianco all’altro, se si riesce ad amare quella distanza che permette ad ognuno di vedere nella totalità il profilo dell’altro stagliato contro un ampio cielo”.

Grazia

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Ready, Set, Love (ovvero distopie orwelliane, ma con i fiori di pesco)

“Qualsiasi cosa la vita ti darà, vivila sempre, fino in fondo. Sii felice, sii te stesso e vivi la tua vita”.

E’ verità universalmente riconosciuta che uno scapolo in possesso di un buon patrimonio debba necessariamente cercare una moglie. Iniziava così la penna sobria e ironica di Jane Austen nelle prime battute del suo romanzo “Orgoglio e Pregiudizio” o sbaglio? Ebbene, sotto sotto, forse la società non è cambiata davvero molto da quella di epoca Regency, quando un giovane uomo ricco e di buona famiglia diventava l’oggetto di numerosi corteggiamenti e interessamenti vari delle signorine nubili del circondario (e delle loro madri) durante feste, balli e convenevoli sociali e, se ci spogliamo da tutte le sovrastrutture e dall’educazione odierna, questa situazione può regnare nuovamente sovrana, magari con giri di valzer diversi e con il potere dei social che sostituisce quello delle crinoline, ma con quel medesimo sarcastico e terribile savoir faire, concepito per la distruzione delle rivali (e non solo).

In qualche modo, la serie thailandese “Ready, Set, Love” (เกมชนคนโสด, anche noto come “Game Chon Khon Sot”) riprende la danza del corteggiamento e del matrimonio, ma lo fa in un modo tutto particolare, colorato, esagerato, musicale, spregiudicato e, soprattutto, distopico. Non siamo a Pemberley per vedere se finalmente Elizabeth e Darcy ballano insieme, ma sono iniziati gli Hunger Games del matrimonio e non si fanno prigionieri.

All’inizio degli anni ’70 del XX secolo, una terribile epidemia ha decimato la popolazione maschile della Thailandia, particolarmente debole e soggetta a cadere ammalata di questo virus misterioso. Lentamente le donne hanno sostituito gli uomini in tutte le categorie professionali, nelle arti, in politica e in economia, il virus è stato stabilizzato e il governo ha incentivato la fecondazione assistita. Solo che le nuove nascite non sono riuscite a ripristinare l’equilibrio dei numeri: per qualche arcano motivo, continuano a nascere più donne che uomini, tanto da far crollare la popolazione maschile ad uno scarso 1%. Per tale ragione, il governo prese un ultimo drastico provvedimento per preservare i pochi uomini, ovvero quello di proteggerli, rinchiudendoli nella Fattoria in un ambiente ameno e distante dal mondo comune, destinati a diventare futuri consorti delle giovani eredi delle famiglie più ricche. Certo, sempre a patto che queste ultime fossero in grado di superare il terribile Ready, Set, Love che si svolge ogni anno.

E’ in questo universo alternativo dominato dal matriarcato che vive Day (Belle Kemisara Paladesh), una ragazza in gamba che mangia troppo e in fretta, beve come una spugna e cerca di sbarcare il lunario con diversi lavori, anche per pagare le spese mediche alla sorella minore May (Neen Neennara Boonnithipaisit), che lotta contro un brutto male con la sua grande energia e la sua solare vitalità. May è appassionata dello show Ready, Set, Love e si prepara a vedere la nuova competizione, seguendo passo passo la vita dei Gentiluomini attraverso tutti i canali social, con tanto di dirette, raccolta di photocard, poster pubblicitari e materiale vario, un po’ come i k-pop stan con gli idol.

E, in effetti, i Gentiluomini da sposare sembrano usciti da una boy-band, belli e perfetti, ognuno con il suo colore di vestito e il suo fandom, sempre pronto a conoscere le passioni del proprio beniamino: c’è l’intellettuale e maturo Almond (Man Trisanu Soranum), che fa da fratello maggiore a tutti e passa il tempo a cucinare; c’è l’ingenuo e artistico Paper (New Chayapak Tunprayoon), che nasconde un carattere da rockstar ribelle; c’è l’atletico ed esagerato Max (P-U Tharanthorn Bhumirat), che cela la sua sensibilità dietro l’apparente sicurezza; c’è l’imbranato ed eccentrico Jin (Ohmi Ryota), che forse vorrebbe solo essere lasciato in pace a studiare; e, infine, c’è il bello e dannato con gli occhi malinconici Son (Blue Pongtiwat Tangwancharoen), che risponde male a tutti, ama isolarsi, odia essere un divo di un programma assurdo e pilotato, ma che è soprattutto il preferito di May.

Forse è proprio per questo motivo che, quando vede che la competizione è stata straordinariamente aperta anche alle ragazze non ricche, con la complicità dell’amica Valentine (Jane Jaytiya), iscrive di nascosto Day all’estrazione, costringendola ad entrare nella folla in divisa rosa delle Damigelle, pronte alle sfide più assurde per chiedere la mano dei Gentiluomini.

D’altronde, i soldi in palio sono molti e, nonostante non sia interessata a sposarsi, Day ha bisogno di recuperare denaro per far operare sua sorella, per cui accetta di impegnarsi in quella gara contro l’élite delle ragazze di buona famiglia, capeggiate da Chanel (Lily Apichaya Thongkham) e da Bovy (Anongnart Yusananda) e contro qualsiasi previsione negativa nei suoi confronti, diventando presto la preferita del pubblico e la più votata sui social e attirando l’interesse anche dei Gentiluomini. Anche perché, col tempo, la stessa Day non sembra più tanto estranea al gioco e alle sue dinamiche, inglobata da quelle forti emozioni che tentava di negare e che si riflettono guardando gli occhi di Son, come se lo conoscesse da sempre.

Ma non dobbiamo dimenticare che, nonostante le gaffe e le battute spigliate di Day, la scontrosa attrazione di Son, la dolce comprensione di Almond, ma anche i colori vorticosi di un musical teatrale e il tifo da stadio che riesce a coinvolgere lo spettatore, tutti i personaggi sono sempre intrappolati in una distopia, che, matrimoniale o meno, non è altro che la distorsione della società. E, come in ogni distopia che si rispetti, c’è una mente occulta che gestisce tutto questo, un occhio del Grande Fratello che controlla, monitora e manipola gli avvenimenti, non limitandosi solo al gioco, ma andando a modificare completamente anche la società. Per quale motivo, il governo mantiene questa protezione? Che cos’è realmente la Fattoria? Dove sono finite le madri dei ragazzi che vi vivono? Esiste un mondo diverso, al di fuori di questa separazione tra Città e Fattoria, dove uomini e donne possono vivere accanto gli uni con le altre senza preoccupazioni e senza giochi di società di intento predatorio, che mortificano la dignità umana?

“Ready, Set, Love” è un pastiche unico, ma anche una felice intuizione che riesce ad unire insieme gli ingredienti di una commedia brillante e di una storia romantica con gli elementi di un mystery sci-fi, permettendo allo spettatore di ridere e, il minuto dopo, di temere per la vita dei protagonisti, coinvolgendo con abilità ed eleganza, quasi adornando George Orwell con i fiori di pesco di una cerimonia nuziale primaverile. E, soprattutto, “Ready, Set, Love” invita a riflettere e a pensare su diverse tematiche di grande attualità: dalla cosiddetta “repubblica delle donne” di platoniana memoria, al rovesciamento dei ruoli, alla trattazione della questione di genere e del persistente maschilismo anche di una società matriarcale (tematica che ricorda molto la narrazione dell’anime/manga “Ooku – Le stanze proibite“), al divario sociale ed economico presente nella popolazione thailandese (e non solo), al problema della ricchezza e della difficoltà delle cure mediche, fino ad affrontare anche la salute mentale.

Si tratta, insomma, di un vero esperimento di sociologia, ma vestito di rosa, perché il rosa è il colore della gentilezza, della protezione, della giovinezza, dell’affettività, della tranquillità, ma è anche la sintesi additiva del rosso con il bianco, della ribellione e della passione del rosso, moderate con quel senso di pace e di libertà che sa dare solo il bianco, nella ricerca di un nuovo inizio di possibile purificazione della società.

Spoiler: attenzione alle immagini dopo i titoli di coda, perché potrebbero presumere un’ipotetica seconda stagione.

Laura

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