Beyond the Sorrow (Part I) – On a Starry Night & 366 Days

Esistono alcuni drama che hanno la capacità, già dalle prime scene, di parlare al cuore, esistono quei drama da vedere nella stagione malinconica dell’autunno o in quella fredda dell’inverno, semplicemente perché riescono a scaldare la nostra anima che percepisce ogni piccola emozione.

Ho scelto di parlare di due drama giapponesi che presentano alcune tematiche in comune, ma che infondono coraggio e voglia di vivere anche se si sta affrontando un momento buio o di incertezza.

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On a Starry Night

(Hoshi Furu Yoru ni, 星降る夜に)

Giappone, 2023 – Drama /Romance /Melo /Slice-of-Life

9 episodi

Cast: Yoshitaka Yuriko, Kitamura Takumi, Dean Fujioka, Chiba Yudai, Nekoze Tsubaki, Nagai Mijika

Scritto da: Oishi Shizuka

Diretto da: Fukagawa Yoshihiro, Yamamoto Daisuke

Una ragazza cammina lungo la riva del mare e ammira le stelle nella loro profonda infinita bellezza.

Un ragazzo cammina lungo la riva del mare e con una macchina fotografica cerca di imprimere il ricordo.

Suzu Yukimiya (Yuriko Yoshitaka, “Dearest”, “Kimi no me ga toikaketeiru”) è una ginecologa che lavorava presso un grande ospedale in città, ma a causa di un grave e spiacevole problema sul lavoro che l’ha costretta anche a doversi difendere legalmente, cade in depressione e nell’apatia. Per sopravvivere ad uno stato emotivo di sofferenza e di dolore si rifugia in una piccola città di mare, lavorando in una clinica privata ginecologica.

Il suo lavoro la porta ad accogliere per prima la Vita, nella nascita di un bambino coglie il calore dell’umanità a cui, però, spesso, cerca di distaccarsi, succube di una paura remota che la angoscia quotidianamente e che la pone di fronte alla morte come sconfitta per non essere riuscita a salvare qualcuno.

Issei Hiiragi (Takumi Kitamura, “Yu Yu Hakusho”, “Anti-Hero”) è un giovane ragazzo sordomuto che lavora per una società addetta a ripulire le case dei defunti e a raccogliere i loro ricordi. Issei Hiiragi è pieno di gioia di vivere, testardo, tenace, ma con tanta voglia di avvicinarsi ad ogni piccolo frammento di Vita.

Suzu Yukimiya e Issei Hiiragi sono l’opposto l’uno dell’altra: lui, nella vicinanza con la Morte e nel confrontarsi ogni giorno con le vite passate, i ricordi delle persone che non ci sono più, vede la continuità della Vita, come un tramonto che va ad affievolirsi, ma solo per dare la speranza di un nuovo giorno, lei nel vedere la Vita nei primi sussulti realizza anche le prime difficoltà e paure.

Entrambi vivono e assorbono il concetto di Vita e di Morte, mai così vicini, eppure così infiniti, come quel cielo stellato in una notte fredda quando i due ragazzi si incontrano e quasi per caso intrecciano le loro esistenze, cadenzando ogni loro momento insieme, lento, malinconico dove la lingua dei segni aiuta ad avvicinare i loro sentimenti.

 “Mi sembra che le stelle traccino un confine tra la vita e la morte, connettendo i due”.

“On a Starry Night” è una storia intimista che parla direttamente al cuore, sottovoce, quasi in silenzio, merito dei due protagonisti con i quali si empatizza da subito e intorno a loro tante vite con la propria sofferenza, dolore, paure, chi ha il timore di diventare genitore, chi nasconde il passato, chi grida vendetta per dare sfogo ad un sentimento di odio che non è altro che paura di smarrirsi, chi come il dottor Sasaki Shinya (Dean Fujioka) che intraprende una scelta professionale che stravolge e cambia la sua vita.

“On a Starry Night” appartiene a quei drama curativi che infondono coraggio e speranza, un cammino verso l’equilibrio emotivo, come preziosa possibilità di vita, come l’infinito cielo stellato di Van Gogh.

“In quel periodo pensavo di essere mediocre sia nella vita privata che in quella professionale. Oggi la penso diversamente. Stavo scalando la montagna della vita, ma un fiume mi ha risucchiata. Mentre la corrente mi trascinava, l’ambiente circostante è cambiato. Ho cominciato a capire che mi piaceva dove il fiume mi stava portando. Che, forse, questo era il posto a cui appartenevo. Nella vita non c’è un percorso esatto. Le persone possono stabilirsi ovunque; le possibilità sono infinite”.

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366 Days

(366 Nichi, 366日)

Giappone, 2004 – Drama/ Romance/ Melo/ Slice-of-Life

11 episodi

Cast: Hirose Alice, Maeda Gordon, Bando Ryota, Nagahama Neru, Tsuna Keito, Natsuko

Scritto da: Shimizu Yukako

Diretto da Hirakawa Yuichiro

Yukihira Asuka (Alice Hirose, “Il mio secondo HAROARU”) e Mizuno Haruto (Gordon Maeda, “La rivincita degli Astros”) non si vedono da più di dieci anni, ma dopo una rimpatriata di amici del liceo, i due giovani pensano al passato e scoprono che, ai tempi della scuola, entrambi provavano un sentimento l’uno per l’altra. Decidono, quindi, di recuperare quei momenti di gioia che non sono riusciti a vivere insieme e a risolvere le incomprensioni passate.

Yukihira Asuka lavora come receptionist in una scuola di musica, ha accantonato il suo sogno di suonare il clarinetto a livello professionale, ma resta ancora amante della musica e dei concerti e non manca a nessuna rappresentazione artistica organizzata dalla sua scuola. Mizuno Haruto, invece, è diventato una stella del baseball.

Quando iniziano a frequentarsi, decidono di condividere le loro passioni per conoscersi meglio, ma una tragedia colpisce Haruto che viene ricoverato in ospedale e finisce in coma.

I due ragazzi avevano iniziato ancora da poco a vedersi, ma Asuka si ritrova improvvisamente ad affrontare una situazione dolorosa e delicata. Mentre ricorda tutti i momenti passati, come studentessa che amava il suo compagno di classe, ma che non riusciva a manifestare i suoi sentimenti, adesso pensa ad un futuro che poteva aprirsi positivamente di fronte a loro, con tutto l’entusiasmo della gioventù, ma che è stato stroncato dalle controversie della vita.

La loro relazione inizia fugace, rapida, ma continua con quella lentezza dell’attesa, quasi a riprendere quegli anni interrotti, come se l’attesa stessa fosse la forza motrice di un sentimento duraturo e Asuka ne è la prima testimone, resta al capezzale del ragazzo per tutto il coma e, quando Haruto si risveglierà, apprenderà della sua lesione cerebrale e gli resterà accanto.

Quando Haruto, però, si accorgerà delle sue disfunzioni cerebrali, della sua memoria episodica compromessa e della costante aprassia di cui soffre, pian piano avrà difficoltà ad accettare la sua situazione e cercherà di allontanarsi anche dal cuore Asuka.

La preziosità di questo drama è la ricostruzione tramite flash back della vita passata e dei sentimenti dei protagonisti e anche dei secondari che affronteranno insieme ai ragazzi, in nome dell’amicizia, ogni cambiamento, infondendo loro speranza e voglia di vivere, uno degli aspetti più apprezzati della storia.

Altra tematica presentata con una delicatezza e una sensibilità rare è il percorso di uscita dalla malattia che il protagonista tenta di fare anche attraverso la ricerca della solitudine, una lotta interiore inequivocabile con il se stesso del passato così perfetto, così amato da tutti, un se stesso che vorrebbe cancellare perché non riconosce più, sa di non esserne più all’altezza e quasi vorrebbe che sparisse dal ricordo degli altri, un se stesso raccontato dai suoi cari che lui non ricorda, ma è così difficile apprendere della propria esistenza quando ci si aggrappa alla memoria degli altri, sembra quasi di non avere radici proprie.

Infine, c’è Asuka che si è sentita sola durante il coma di Haruto e che dopo il risveglio del ragazzo si sente ancora più sola, timorosa di dire o fare la cosa sbagliata, di non riuscire a infondere coraggio e che sa che prima deve ritrovare se stessa per essere forte e continuare ad essere presente.

Il drama affronta molti elementi di riflessione, ma la sua particolarità è proprio la capacità di far vedere da più punti di vista la storia e credo che questo sia uno degli elementi più incisivi, ma anche più commoventi.

“366” sono i giorni dell’anno, 366 opportunità di vivere!

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Grazia

Natsume Sōseki e gli haiku d’autunno

Ogni stagione ha da sempre ispirato poeti, artisti e letterati, ma credo che l’autunno sia riuscito a completare quella ricerca dell’io che ogni autore ha cercato di trasferire nella propria opera e così che il panorama dalle foglie rossastre, dei tramonti meravigliosi, delle prime brezze leggere è riuscito a connettere l’anima delle persone con il divenire della natura e della vita. L’autunno è la stagione che per eccellenza coglie quella malinconia che diffonde una luce preziosa nel nostro cuore e la rende universale nella percezione del tempo.

L’autunno ha di conseguenza ispirato anche molti haiku (俳句), componimenti poetici nati in Giappone nel XVII secolo, le cui tematiche sono in particolar modo la natura e gli stati d’animo ricollegati ad essa.

Natsume Sōseki, autore giapponese nato nel 1867 in un periodo di grandi cambiamenti per il Paese, la rivoluzione Meiji, è ritenuto uno degli scrittori che ha rappresentato meglio la crisi dell’uomo moderno. Da grande studioso della letteratura occidentale ha connesso elementi tipici della letteratura europea con la sensibilità di quella orientale, incentrando le proprie tematiche sul senso di vuoto e di incertezza, sulla difficoltà del pensare liberamente, sulla tensione fra individualismo e ricerca di appartenenza ad un gruppo, non limitando mai le proprie posizioni critiche nei riguardi della società e che sono ritratte in modo particolare nei due capolavori “Io sono un gatto” e “Kokoro” dove il rifiuto dell’omologazione e  la libertà di opinione e di scelte personali sono di attuale importanza, forse non completamente compresa all’epoca di Natsume Soseki.

Sōseki ci ha lasciato, oltre romanzi, saggi e poesie, anche un’ampia raccolta di haiku (più di 2500) che riescono a convogliare la sua indole ironica con quella nostalgica tipica della stagione autunnale e proprio per questo ho selezionato alcuni degli haiku che rappresentano meglio la stagione e l’anima dell’autore.

Cielo autunnale

– un monte senza nome

svetta più in alto che mai.

L’importanza del paesaggio e del cielo che avvolge la terra attraverso il caldo abbraccio dell’autunno, mentre un monte si erge in alto per cercare di toccare l’infinito.

Mentre mi lavo il viso,

nel catino si erge

l’ombra dell’autunno

Questo è forse uno degli haiku più belli mai scritti, qui il processo percettivo e sensoriale riesce ad essere universale perché il linguaggio è quello delle sensazioni, il tatto e la vista diventano un collegamento senza tempo con la stagione dell’autunno, una stagione che diventa in breve inverno, ma il catino sembra avere la funzione di una fotografia che cattura il momento.

 Vengono le oche selvatiche,

per chi resta nel mondo

e per chi lo abbandona.

Le oche selvatiche per i giapponesi sono simbolo dell’autunno, l’anima sensibile dell’autore coglie la delicatezza della Natura e il destino degli esseri umani nel loro passaggio terreno così effimero, fragile. La caducità della vita umana, un battito d’ali pari ad una intera esistenza, che dura, però, solo un attimo nel divenire del mondo. Il mondo che continua ad andare avanti nonostante le generazioni che se ne vanno.

Il concetto di caducità dell’esistenza umana è molto presente nel pensiero dell’autore che viveva in prima persona la malattia e che ha lasciato presto il mondo a soli 49 anni a causa di un’ulcera duodenale di cui soffriva da tempo.

Anche nel prossimo haiku la tematica della fragilità umana e della malattia dell’autore è rappresentata dalla figura dello spaventapasseri.

Lo spaventapasseri

somiglia a me 

che arrivo malato

e vado via malato.

La salute cagionevole dello scrittore condiziona la percezione del mondo, ma il simbolo dello spaventapasseri legato alla stagione autunnale è testimone del tempo che passa.

Desidero terminare questo excursus letterario con uno stralcio della sua opera “Guanciale d’erba”, per me uno dei suoi manifesti poetici ed esistenziali:

“Alla rugiada scesa

sui fiori di miscanthus

quando s’annuncia l’autunno

assomiglio,

io che devo svanire”.

Il miscanthus è una pianta graminacea originaria dell’Asia e fiorisce da settembre a novembre con numerose infiorescenze a forma di spiga color rame. Ancora una volta la bellezza effimera della rugiada, con la sua breve durata, sui fiori di miscanthus nella loro splendente maturità che corrisponde all’autunno. L’anima dell’autore (la rugiada) che conquista la sua piena maturità artistica (miscanthus) in una stagione destinata a finire, ma ad illuminare la poesia.

Grazia

Kim Sowol – Elegia per un’era perduta

“Il sole rosso era sospeso sulle colline occidentali.

Il branco dei cervi piange triste.

Sul monte che distaccatosi è ceduto

io invoco il suo nome.

Fino a essere catturato dalla passione dell’incertezza.

Fino a essere catturato dalla passione dell’incertezza.

Il suono della mia voce si affievolisce

ma la distanza tra il cielo e la terra è troppo immensa!

Anche se diventassi una roccia innalzata proprio qui

invocando il suo nome io morirò!

Lei che ho amato!

Lei che ho amato!”

(Kim Sowol, “Invocando uno spirito”)

Kim Sowol (김소월) è forse una delle figure che rappresenta meglio sia la poetica coreana (le sue poesie sono note e tradotte in numerosi Paesi del mondo), sia quel sentimento di nostalgia e di malinconia tipico di colui che vive da esule in patria, retaggio di un’antica nobiltà ridotta in schiavitù, simbolo di quella Corea oppressa durante il dominio coloniale giapponese e in cerca di mantenere una propria identità, sfumata come un ricordo.

Il senso della perdita di se stessi, della propria casa, della propria patria e dell’identità nazionale (che, nel piccolo, è anche l’identità personale) segna tutto il lavoro di Kim Sowol, poeta, unico e autentico, ma anche apripista nella lirica coreana di una poesia costituita da tratti delicati e scarni, carichi, però, di quell’emotività racchiusa nel proprio intimo e pronta ad esplodere, come una pioggia di petali e di foglie disseminati in aria e portati dal vento, e segnati da un ritmo incessante, quasi ripetitivo come un ritornello di un canto popolare. Il lessico intimista e quegli schizzi crepuscolari delle piccole cose entrano nella dimensione poetica accanto alle grandi tematiche tradizionali, collegate alla sofferenza del popolo sotto il giogo della dominazione, evolvendo l’epica antica della poesia coreana in un’elegia moderna e trasognata, rimasta sospesa nel tempo, più accorta a comprendere i reali sentimenti del popolo, che a voler intervenire a tutti i costi nell’attualità.

Ed è forse proprio questa visione al di sopra di ogni fatto, eppure partecipata nelle emozioni e nei sentimenti a descrivere la grandezza di questo poeta e a farlo rimanere eterno nella sua lirica.

“Se ti stancherai di me

E deciderai di andare

In silenzio io ti lascerò partire

A Yongbyon sul monte Yaksan

Vestirò il cammino tuo

dei fiori d’azalea raccolti.

E tu passo dopo passo andrai

calcando lievemente

quei fiori lì disposti.

Se ti stancherai di me

e deciderai di andare

pur morendo io non verserò una lacrima”.

(Kim Sowol, “Fiori d’azalea”)

La natura, come gli oggetti quotidiani, viene in soccorso della poetica di Kim Sowol, diventando uno specchio dei sentimenti e delle emozioni, intrisi della nostalgia del poeta, ma anche strumenti per costruire una metafora più complessa. Kim Sowol, infatti, non canta l’amore, come gran parte dei poeti, ma l’abisso della sua assenza, caratterizzato dalla consapevolezza della sua antica presenza come di un ricordo sopito e dal riconoscimento della sua perdita. L’amore sospirato e perduto è, quindi, immagine riflessa di un’epoca perduta, forse mai conosciuta, ma di cui si ha una costante consapevolezza: l’epoca dell’identità e della libertà, rappresentata dal fiore di azalea, uno dei simboli della Corea, ora staccatosi dalla pianta e disposto lungo il cammino dell’amata, che è sempre l’antica patria, pronto a raccoglierne la sua impronta, come il lieve passaggio di qualcosa che c’è stato ed ora non c’è più.

“Quanto è bianca e immensa l’acqua, più del cielo.

Certe nubi sono rosse più del sole.

Sconsolato, in mezzo a un campo di irte spighe,

Io girovagavo piangendo e penso a te.

La mia ombra, stiracchiata innanzi ai piedi,

ha di fronte la mia strada, dove avanzo,

mi dirigo sotto l’albero più alto

e nel borgo d’acqua affioran rami spogli.

Non promise mai nessuno di raggiungermi!

Non c’è alcuno che mi aspetti di vedere!

Ma girovago comunque sulla sponda

di un torrente solitario all’imbrunire.

(Kim Sowol, “Alla sera d’autunno”)

Ed ecco che il canto del poeta, costruito come un canto della tradizione (vedi il famoso “Arirang“) e ricco delle immagini evocative delle storie popolari, diventa un canto di solitudine, proprio perché, nella perdita dell’amata (patria) e nella confusione di sé, consapevole di non avere più un appiglio con se stesso, annegato e dimenticato nell’acqua della storia, girovaga in solitaria nel mondo, dove spazio e tempo si allungano e si restringono in un’unica dimensione, quasi come se fosse un mondo alienato e irreale, che è, poi, la dimensione del proprio inconscio.

La vita di Kim Sowol fu, in effetti, segnata da dolore e sofferenze, rappresentante tipico dei tempi che cambiavano e di quel popolo coreano abituatosi alla resilienza di fronte alle tempeste della storia. Nato a Kusong (oggi in Corea del Nord) il 7 settembre 1904, la sua vita è stata segnata da un’infanzia difficile, caratterizzata da problemi economici e dalla malattia del padre (sopravvissuto miracolosamente ad un terribile pestaggio da parte di un gruppo di giapponesi, ma rimasto intrappolato in un disturbo da stress post traumatico). La sua vita poetica fu breve, seppure molto intensa: tutte le poesie che ci sono arrivate sono state scritte in soli quattro anni di giovinezza, dal 1920 al 1924, racchiuse in un unico periodo del poeta, come se provenissero dalle pagine del suo diario, tanto da essere suddivise nella sua raccolta “Fiori d’azalea” (진달래 꽃) in fasi caratterizzate dal passare dei giorni e delle stagioni. Poi, improvvisamente, il suo canto si zittì, spegnendosi in un silenzio volontario, da cui uscì solo dieci anni dopo: Kim Sowol si tolse la vita il 24 dicembre 1934.

Secondo la critica letteraria (manuale di letteratura coreana, a cura di Antonetta L. Bruno e Maurizio Riotto): “Kim Sowol è un poeta che trasforma nello spazio profondo dell’anima le emozioni e la coscienza dell’uomo; egli gioca poeticamente con le parole e riesce a trasmettere forti e sorprendenti emozioni al ritmo di canti popolari”.

Emozioni che rimangono eterne anche oggi, perdendosi nei versi delle sue poesie e che, quando le sentiamo anche solo citate o recitate all’interno di film e drama (tra tutti, “The King: Eternal Monarch”), rimangono impresse come elegia per un’era perduta.

(le poesie qui riportate sono state tradotte da Jung Imsuk, che ha curato l’edizione italiana di “Fiori d’Azalea” edito da Orientalia)

Laura

Gyeongseong Creature 2 (ovvero: dell’attimo sospeso nel tempo di un sogno)

“A volte, faccio un sogno…”

Se siete qui, è perché siete rimasti sospesi in una frazione di tempo, un frammento breve, ma lungo quanto un’eternità. Se siete qui, vi siete catapultati dal 1945 e dagli orrori della guerra e dell’occupazione giapponese in Corea, descritta nella prima parte di “Gyeongseong Creature“, siete caduti nelle acque privi di sensi e siete stati distrutti dal dolore per la perdita di diverse persone, siete sopravvissuti al fuoco improvviso delle fiamme e avete assistito al disgelo del ghiaccio e alla discesa dei primi petali di ciliegio di un inizio primavera.

“La primavera stava arrivando inaspettatamente presto quest’anno a Gyeongseong. Ma il mio inverno non è ancora finito”.

Seoul non è più Gyeongseong, la città murata chiusa al mondo nei suoi orrori interni, dove la vita e la libertà erano sono chimere precarie e l’umanità un concetto astratto. Eppure è ancora la stessa Gyeongseong, nei suoi meandri oscuri e inavvicinabili, in quella corsa frenetica verso il progresso, dove la scienza e la tecnologia hanno distrutto finalmente l’umanità e dove impera un nuovo ideale di super uomo, al di là del bene e del male, conscio della sua natura mostruosa e abile ad usarla. L’ospedale degli orrori Ongseong è scomparso, eppure è rimasto sempre, celato nelle sue sperimentazioni, pronto ad adattarsi e a rinnovarsi per una nuova generazione di creature inumane. Tutto è diverso, anche se nulla è cambiato da quel lontano 1945.

L’inverno è stata un’infinita attesa per Yoon Chae-ok (Han So-hee), lasciata a morire nelle acque ghiacciate, colpita più volte da chi aveva combattuto, ma salvata in punto estremo da quel germe mostrifero che gli scienziati giapponesi avevano iniettato in sua madre, quasi come ultimo dono materno per ridarle, di nuovo, la vita. Solo che la vita di Chae-ok è incastrata tra il buio di un anonimato forzato e i lampi di una trasformazione mostruosa, che lacera il suo animo, trasformandola in una macchina assassina di esseri umani. Con il dolore per i propri cari lasciati andare e l’afflizione per il senso di colpa di essere rimasta in vita come creatura ibrida tra l’umano e il mostro, Chae-ok attraversa i decenni dal 1945 fino al 2024, vivendo in solitaria e nell’oscurità e lavorando come investigatrice di missioni impossibili. Non ha più un nome, né amici o famiglia, ma solo limitati contatti con coloro che le possono procurare un lavoro e agisce come un fantasma silenzioso, con la sua nuova forza sovrumana. Una notte, però, ingaggiata per ritrovare una persona scomparsa, si imbatte in Jang Ho-jae (Park Seo-joon), che lavora con il suo partner Kwon Yong-Gil (Heo Joon-seok) per una piccola agenzia investigativa e che le ricorda molto l’amato Jang Tae-sang.

Solo che Jang Tae-sang non dovrebbe più apparire in questo modo, visto che sono trascorsi settantacinque anni da quando i due si sono lasciati e da quando Chae-ok ha spiato la fine della guerra e i festeggiamenti dei suoi vecchi amici per l’indipendenza della Corea. Eppure, la possibilità che Ho-jae e Tae-sang sia la stessa persona è suffragata da diverse prove e da segnali disseminati, come quei frammenti di ricordi di una vita passata che affollano, di tanto in tanto, la mente di Ho-jae e che riempiono in modo confuso quei vuoti lasciati dall’incidente che gli ha causato l’amnesia. Ho-jae rivede il banco dei pegni, il suo vecchio amico Kwon Jun-taek (breve e intenso cameo di Wi Ha-joon), rivede la figura materna della signora Nawol (Kim Hae-sook), il maggiordomo Gu Gap-pyeong (Park Ji-hwan), il giovane Park Beom-o (Ahn Ji-ho) e la proprietaria del Moonlight Na Young-chun (Ok Ja-yeon). E risente addosso, come in un sogno destinato a svanire, il lungo sguardo d’addio di Chae-ok e il calore delle giornate trascorse con lei, fino a scoprire che nulla di questi ricordi sopiti e riaffiorati improvvisamente è dettato dal caso e che, in fondo, Seoul è rimasta ancora, nel suo cuore più oscuro e più nascosto, la Gyeongseong che Jang Tae-sang ha conosciuto, dove il sonno della ragione ha generato mostri destinati a sopravvivere ai cambiamenti politici e sociali, perché insediatisi negli incubi reali dell’umanità impazzita e devota ad una scienza senz’anima.

Così, se negli anni ’40, erano gli esperimenti da laboratorio giapponesi, convinti di generare un’arma nuova e potente, ad aver messo in discussione l’umanità per agire su trasformazioni di esseri umani inaccettabili, adesso esiste un’azienda che, nel nome del progresso scientifico e tecnologico, costruisce dei veri e propri ibridi umani, non più mostruosi come i primi esperimenti degli anni ’40, ma non per questo meno letali. In un mondo che ha inaridito la percezione dell’umanità e gli ideali, il fanatismo politico e filosofico dell’autoritarismo è stato sostituito dal capitalismo e dall’evoluzione sfrenata, rappresentata dalla Jeonseung Biotech, gestita dall’amministratore tuttofare Kuroro 01 (Lee Mu-saeng), dal presidente ed erede ufficiale Shin Ji-Oh (Park Sung-geun) e dalla ancora più temibile Lady Maeda (una rediviva e agghiacciante Claudia Kim), che è sopravvissuta in modo miracoloso all’esplosione durante il funerale del marito, conservando la bellezza e la giovinezza della sua versione degli anni ’40, ma anche tutta la fredda e cinica spietatezza.

In questo nuovo apparente equilibrio, però, in cui la Jeonseung Biotech sembra aver avuto il predominio per decenni, annullando la mente e il ricordo di Jang Tae-sang, si è insediato un elemento destabilizzante, una variabile delle precedenti sperimentazioni, diventato ora unico nel suo genere: Seung-jo (Bae Hyun-sun) ha l’apparenza di un giovane arrogante, che fa sfoggio delle sue abilità mostruose senza temere di passare per un assassino, afflitto da quell’innocenza maligna di un bambino cresciuto troppo in fretta e destinato a fermare la sua maturità, frenando anche le sue potenzialità per compiacere chi gli sta intorno. Si trova in quella posizione giudicante dei bambini selvaggi che criticano e giudicano il mondo adulto e tendono a sovvertirlo, salvo crearne uno ancora più orrido, dedito unicamente alla violenza, come i bambini de “Il signore delle mosche“. Seung-jo è il vero simbolo della sperimentazione malevola, del progresso che impazzisce in un’educazione fallita, dove la nuova generazione è disponibile ad uccidere la precedente per sostituirsi del tutto nel tentativo di creare un mondo nuovo, eppure al tempo stesso è molto più umano, nelle sue contraddizioni e nella sua scelta del male, di tutti coloro che lo indirizzano e gli affibbiano compiti all’interno della Jeonseung Biotech, diviso a metà tra i doveri imposti, la rabbia repressa e quei sentimenti che teme, perché emergono come un ricordo di umanità.

Chae-ok, Tae-sang/Ho-jae, Seung-jo – e, con loro, anche Lady Maeda, Kuroro e tutti gli altri personaggi che si trovano coinvolti in questa storia oscura, sospesa tra romanzo d’amore e racconto dell’orrore – sono incastrati in una giostra di vita e di morte, di passato e di presente, dove altri hanno preso le decisioni per conto loro, costringendoli a dimenarsi in una serie di conseguenze a catena, come marionette di un destino superiore. Eppure, tutti, in qualche modo, tentano di ribellarsi a quella forza centripeta che li incatena (e che li ha tenuti incatenati per decenni), scegliendo da soli le proprie azioni.

“Così come abbiamo le nostre ragioni per scegliere di vivere, abbiamo anche le nostre ragioni per scegliere di morire”.

Concepito come seconda parte di “Gyeongseong Creature”, pur a settantacinque anni di distanza, il drama è un seguito, ma anche un ipotetico punto di inizio di un franchise (guardare dopo i titoli di cosa per credere), che crea un universo horror/fantascientifico nuovo ponendo davanti la problematica del progresso e della scienza e di cosa è disponibile a fare l’essere umano per perdere la propria umanità in nome della potere, o, meglio, per uccidere la propria debolezza per andare al di là del bene e del male.

Chi mi conosce (e chi ha letto la mia prima recensione) sa che non sono stata clemente con la prima parte di questo drama. E questo per diverse ragioni, prima fra tutte per la legittima pretesa che avevo di trovarmi di fronte ad un prodotto storico, che indagasse su uno dei molteplici crimini della Seconda Guerra Mondiale (quello delle sperimentazioni sugli esseri umani) e che narrasse del movimento per l’indipendenza coreana. Il fatto di trovarmi di fronte ad un buon prodotto, ma che non soddisfaceva le mie aspettative, dove la trattazione dei personaggi risultava bloccata in mezzo alla creazione di un universo action/horror, molto più in stile “Sweet Home“. Ebbene, pur senza rinnegare nulla di quello che ho scritto in precedenza, adesso sarò più clemente per una semplice ragione: prima, mi aspettavo uno storico con tanti punti di forza (ad iniziare dal cast) e mi sono trovata di fronte ad un horror ben fatto, ma dove le scene d’azione avevano preso il sopravvento su tematiche che potevano essere approfondite meglio (e in più episodi); adesso, mi aspettavo un horror fantascientifico più in stile Netflix e ho ritrovato i personaggi e i loro ricordi. E, finalmente, la loro angoscia interiore, il loro dolore e le loro emozioni sono riuscite a superare quella pura azione in ostaggio degli effetti speciali, che aveva preso il sopravvento nella prima parte, unendo i puntini e dando la possibilità di sondare l’animo dei protagonisti e di seguire la loro evoluzione psicologica. In questo senso, penso che la vera bravura sia proprio degli interpreti (personalmente, Han So-hee ancora più di Park Seo-joon, ma senza escludere Bae Hyun-sun, che, con il suo volto angelico e gli occhi fissi, mi ha sorpreso nella costruzione del suo villain atipico, degno de “L’innocenza del diavolo“). Gli sguardi tormentati dei protagonisti sono riusciti a caricarsi qualsiasi scena ansiogena da cunicoli ininterrotti, a dimostrazione del fatto che la grandezza interpretativa vince sempre sulla spinta commerciale da effetti speciali.

Ed è proprio quell’ultimo sguardo di Chae-ok che riesce ad incarnare la parte più poetica. Quell’ultimo sguardo, che, nella prima parte, indugiava sotto la neve su Tae-sang o che inseguiva la breve danza dei primi petali di ciliegio, torna, nella seconda parte, dolente e fiero al tempo stesso, carico di intensità e di protezione, di tristezza e di speranza, bloccato nel passato, eppure in cerca del futuro, di un lieto fine come di un riscatto che possa lenire tutte le ferite rimaste ancora aperte, e ha lo spazio di un attimo sospeso nel tempo di un sogno. E’ un ultimo sguardo destinato a diventare il primo di una nuova vita e a rimanere fisso nell’eternità.

“Che ne sarà di noi? Pensi che arriveranno anche per noi momenti felici?” .

“Mi assicurerò che saremo felici e che torneremo a vivere”.

Laura

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Il meraviglioso mondo degli Yokai: Yu Yu Hakusho & My Undead Yokai Girlfriend

Esiste un mondo a metà tra la fiaba e la leggenda, che si muove in mezzo alle ombre e a strane creature che sembrano uscite dai libri. Esiste un Giappone tradizionale che, certe volte, sembra fare capolino anche dalle storie moderne. E, spesso, solo manga, anime e j-drama riescono a cogliere quest’intreccio fantastico che porta le creature magiche e i guerrieri ombra nella vita di tutti i giorni. Si tratta della dimensione degli yōkai (妖怪), il cui termine etimologicamente significa “maleficio” o “stregoneria” (dal giapponese yō), che si manifesta in modo inquietante (dal giapponese kai). Classificabili in modo errato come spettri o demoni, sono, in realtà, creature soprannaturali dell’antica mitologia giapponese, che amalgamano insieme sia creature malefiche come gli oni, sia creature semi-umanoidi o ex umani trasformati in esseri sovrannaturali (come il  futakuchi-onna, letteralmente una donna con due bocche), sia creature semi-animali dalle capacità metamorfiche e dai poteri magici immensi (come le famosissime kitsune, le volpi magiche della tradizione giapponese, o i tanuki, che possono trasformarsi in qualsiasi cosa), che sono ambivalenti, talvolta presenze cattive, talaltra aiutanti preziosi per gli esseri umani.

Per questo motivo, in quest’articolo troverete due brevi recensioni di due prodotti televisivi giapponesi che sono riusciti a creare un nuovo mondo dove gli yokai vivono insieme agli umani e che sono da recuperare tutti d’un fiato, magari fingendo di avere una katana appesa al fianco e recitando le formule magiche per allontanare i demoni.

Yu Yu Hakusho

(J-drama, fantasy/action/horror, 5 episodi, 2023)

con Takumi Kitamura, Keita Machida, Sei Shiraishi, Kotone Furukawa, Jun Shison, Kanata Hongo, Shuhei Uesugi, Kenichi Takito, Ai Mikami, Go Ayano e Meiko Kaji

Basato sul manga/anime omonimo, “Yu Yu Hakusho” (幽☆遊☆白書, letteralmente “Libro bianco sui fantasmi”), che aveva raggiunto l’Italia negli anni ’90 con il titolo di “Yu degli spettri” e un certo seguito di bambini appassionati agli spettri, il drama, marcato Netflix, è di fatto un live action dell’anime stesso e ricostruisce gli esordi della storia narrata nel manga, tentando forse quella mossa scaltra di live action in stile “One Piece“, che sta dando nuova linfa all’universo seriale.

Yusuke Urameshi (qui interpretato da Takumi Kitamura, anche protagonista del film ispirato all’anime di “Voglio mangiare il tuo pancreas” e apparso nelle serie “Anti-Hero” e “Tokyo Revengers“) è un giovane studente di 17 anni, noto per essere un po’ ribelle e scapestrato, quasi con la fama del teppista, una disperazione per la sua amica Keiko (Sei Shiraishi), anche perché è sempre pronto alla rissa, soprattutto con Kazuma Kuwabara (interpretato da Shuhei Uesugi), l’altro teppista di quartiere, che, alla fine, si rivelerà quanto di più vicino ad un amico ci possa essere. Solo che Yusuke Urameshi nasconde un cuore gentile e, mentre cerca di salvare un bambino, muore improvvisamente in un incidente stradale e si presenta al cospetto di Botan (interpretata da Kotone Furukawa), creatura fantastica, traghettatrice delle anime umane nel mondo dei morti, e del Piccolo Enma (interpretato da Keita Machida di “Alice in Borderland” e “Cherry Magic!“), figlio del Re Enma, il giudice dell’aldilà buddista, che cambia aspetto tra quello di un bambino e quello di un giovane ragazzo, ma sempre con un ciuccio magico in bocca. L’aldilà, però, non è ancora pronto ad accogliere Urameshi, per cui gli propone un accordo: il ragazzo può ritornare in vita, a patto di diventare il detective ufficiale del mondo degli spiriti sulla terra, iniziando ad indagare sui cosiddetti “yokai”, residui del mondo dei demoni e degli esseri fantastici, cristallizzati in presenze maligne o, comunque, non benefiche per i mortali che abitano la terra.

Ma non tutti gli yokai sono identici e, se la maggior parte somiglia a normali e spaventosi demoni maligni, pronti ad infestare case, possedere persone e nutrirsi della loro energia vitale, una piccola minoranza è molto più complicata e variegata di quanto ci si possa aspettare e, forse proprio per questo motivo, più temibile sotto diversi punti di vista. Tra questi, alcuni (come Hiei, interpretato da Kanata Hongo, o Kurama, interpretato da Jun Shison) diventeranno presenze fisse e costanti, aiutanti magici inaspettati, incastrati a metà tra il mondo dei morti e il mondo dei vivi e alleati per un fine più grande. Altri, invece, come Toguro minore e Toguro maggiore (il primo interpretato da un Go Ayano di “Tokyo Swindlers” e “The Journalist“, fisicamente trasformato e ingigantito da diventare irriconoscibile, e il secondo interpretato da un altrettanto irriconoscibile Kenichi Takito di “La via del grembiule – Lo yakuza casalingo“, trasfigurato in un Tremotino ferino), sono ex umani che hanno scelto la via del male, accettando di venire trasformati in demoni per godere di una vita eterna e di enormi poteri. Altri, ancora, come la fragile creatura delle nevi Yukina, sono emblema della connessione magica tra uomini e natura e diventano vittime inconsapevoli della malvagità e dell’ottusità di molti uomini. Perché, alla fine, il male non è confinato affatto solo nel mondo del soprannaturale, come imparerà Yusuke a sue spese.

Da segnalare, infine, l’apprendistato del protagonista con la maestra Genkai, che insegna a Yusuke Urameshi le tecniche per combattere contro i demoni, compresa la canalizzazione della sua forza nelle onde che fuoriescono dalle sue mani (e che, per gli appassionati della cultura giapponese, è interpretata da Meiko Kaiji, attrice, cantante, musa della controcultura anni ’60-’70 e artista di musica elettronica e kayokyoku).

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My Undead Yokai Girlfriend

(J-drama, fantasy/comedy/romance/horror, 8 episodi, 2024)

con Ai Yoshikawa, Hayato Sano, Yuna Taira, Dori Sakurada, Yukiya Kitamura, Takashi Sorimachi, Anthony, Louis Kurihara, Sakura Kiryu, Yoshihiko Hakamada, Anna Ishii

Un tempo un prodotto simile sarebbe stato classificato sotto quell’etichetta strana del “weirdo”. E, in effetti, è tutto tranne che classificabile propriamente, un mix tra romance, commedia, teen drama, action, crime, horror, magia e pure momenti imbarazzanti in puro stile “American Pie” e altri in stile “Big Bang Theory“. Nonostante tutto, in questa sua indefinita stranezza, che alterna risate a momenti orridi, senza alcun mezzo termine, “My Undead Yokai Girlfriend” (Boku no Itoshii Youkai Girlfriend, 僕の愛しい妖怪ガールフレンド) è una serie che va recuperata d’un fiato anche per riprendere il sorriso in una strampalata e scapigliata non-storia d’amore.

Nella Kyoto dei nostri giorni, il giovane studente universitario Inukai Tadashi (interpretato da Hayato Sano di “Trillion Game“), detto Hachi, passa la sua vita a studiare, accumulare materiale nerd di ogni tipo, navigare in rete, incontrarsi con gli amici per sfidarsi ai giochi al PC e cercare di passare inosservato nei confronti dei bulli che lo prendono sempre di mira. Nella sua normale routine quotidiana, inizia, però, ad inserirsi un elemento strano che lo turba in ogni momento: Hachi ha superato i vent’anni, ma, di fatto, non ha mai avuto una ragazza e, anzi, muore dal desiderio di frequentarne una. Per questo motivo, insieme al suo amico di sempre, Tanuki Yonagi (interpretato dal comico e musicista Anthony), inizia a fabbricare nella sua mente la ragazza dei sogni, che dovrebbe somigliare molto alla principessa kitsune protagonista di uno dei suoi videogame, formidabile, quanto spietato demone spadaccino. Hachi, però, ignora che, recitando una formula magica, la sua kitsune da videogioco prende forma in carne e ossa. O, meglio, quella che a lui sembra la sua fantasia sulla kitsune del videogioco non è altro che una vera e propria evocazione di una potente yokai dal nome di Izune Imiki (interpretata da Ai Yoshikawa di “Tomorrow, I will be Someone’s Girlfriend” e “Cinderella of Midsummer“), presto affettuosamente ribattezzata in Izzy, intrappolata per secoli in una terra degli spiriti, ma intenzionata a portare a termine la sua vendetta a suon di katana. Solo che, per poter rimanere sulla terra dei vivi, Izzy ha bisogno di unirsi materialmente ad un uomo, per cui rende Hachi il suo sposo, senza rendersi conto che quell’unione, improvvisata inizialmente per necessità, diventerà un vero e proprio legame sempre più profondo, che li unisce così tanto da dipendere l’una dall’altro.

Non che Hachi ci metta veramente molto ad innamorarsi. Non riescono a frenarlo né Tanuki, che teme la presenza inquietante di Izzy, o l’amica cacciatrice di demoni (interpretata da Yuna Taira), né le dicerie sulla possibile natura malvagia della sua ragazza, né le teste che la yokai fa saltare in un attimo quando trova i suoi secolari nemici di una setta segreta che continua a perseguitarla, capeggiata da uno strano individuo cadaverico e inaspettatamente comico (interpretato da Yukiya Kitamura), né gli avvertimenti dei monaci shintoisti (o presunti tali, visto che, anche lì, ci sono nascosti membri della setta o yokai), né l’inseguimento continuo di un ex youtuber dell’occulto, ora diventato una creatura oscura simile allo zombie (interpretato da Louis Kurihara), né, infine, le indagini del padre detective di polizia (interpretato da Takashi Sorimachi, che è stato popolarissimo negli anni ’90 con lavori come “GTO” e “Beach Boys“), a cui questa nuova strana vita del figlio sembra coincidere troppo con i nuovi delitti in città. Ma per Hachi nulla è malvagio e oscuro, se c’è l’amore, tanto da addolcire piano piano la sua terrificante ragazza.

Piccole curiosità finali: sembra tratto da un manga, ma, in realtà, è un’opera del tutto originale, creata dalla mente di Miki Takahiro, sempre bravo a dare le sfumature giuste ai suoi giovani personaggi nel percorso di formazione, come in “Drawing Closer” e “The Door into Summer“; c’è un guest role dell’amato attore giapponese Dori Sakurada (“Alice in Borderland“, “Atelier” e molti altri) nei panni di uno dei migliori amici del protagonista, capo del gruppo di gamer nerd e anche uno dei primi ad accogliere benissimo Izzy, che ha la possibilità di atterrare i suoi rivali gamer.

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Laura

What Comes After Love

Cosa significa innamorarsi? L’amore può anche finire? Ha sicuramente un inizio, ma allora siamo noi a porre un limite, un finale a tutto?

Chi ha inventato la parola “rimpianto”? Più profondo è l’amore, più grande diventa il rammarico.

Choi Hong (Lee Se-young, “A Korean Odyssey”, “The Law Cafè”) è una ragazza coreana che si reca in Giappone per finire i suoi studi di specializzazione in letteratura. Nel giorno del suo arrivo, incontra Aoki Jungo (Kentaro Sakaguchi, “The Parades”, “Only Just Married”), un ragazzo giapponese che l’aiuta a recuperare il bagaglio.

Lo sguardo di entrambi si sfiora in una dimensione al di là del tempo e dello spazio in cui vivono, è quasi come se le loro due anime si stessero aspettando.

“Un singolo istante può durare per sempre e per sempre può finire in un solo istate”.

Le vite dei due giovani sono, infatti, destinate ad incrociarsi e nei giorni seguenti si rivedono e si rincontrano e iniziano a sentirsi legati l’uno all’altra, poi ad essere complici di ogni giornata, condividendo insieme speranze, sorrisi, perle di felicità che costruiscono l’amore, un sentimento da proteggere, perché unico. Entrambi, infatti, vivono il sentimento d’amore con una propria unicità, Choi Hong è una ragazza dal carattere allegro e affida a Jungo ogni suo entusiasmo, Jungo è un ragazzo introverso, silenzioso e affida a Choi Hong ogni suo momento introspettivo: entrambi si completano.

“Era solo un altro giorno, il sole splendeva nel cielo, ci siamo svegliati dal nostro sonno felice, ci siamo guardati con gli occhi assonnati e abbiamo sorriso. Eravamo tanto a disagio, quanto felici”.

C’è, però, un momento nelle nostre vite che, pur essendo circondati da persone o sicuri dell’amore che stiamo vivendo, ci sentiamo soli e, nonostante i tentativi della nostra razionalità, facciamo parlare le emozioni e le nostre insicurezze inconsce, i nostri turbamenti e malesseri ed è compito di chi ci sta accanto rendersi conto della fragilità che ci inghiotte e che ci sta facendo cadere pian piano nell’incomprensione. E’ quello che avviene nella storia dei due protagonisti, quando Jungo inizia a  dedicare molto tempo al lavoro e poi finalmente quando viene assunto nella redazione di una casa editrice come era il suo sogno, la ragazza, però comincia a sentirsi sola, in un paese straniero, attorno a sé solo persone che parlano una lingua diversa e se ne accorge un mattino come altri, mentre va a correre come sempre, e prova un senso di desolazione e di solitudine che la soffoca e non riesce a trovare l’aiuto che le serve, nemmeno quello di Jungo.

 “Abbiamo solo parlato di un futuro luminoso insieme. Abbiamo fatto di tutto per evitare i nostri problemi e quelle incertezze inferiori si sono trasformate in una palla di neve che ci ha seppelliti dentro. Eravamo ciechi di fronte alla dura realtà del mondo quando eravamo al culmine della felicità. Non eravamo altro che una coppia di stelle che brillavano ingenuamente innamorate”.

Choi Hong capisce di non riuscire più a lottare e sopportare una situazione che ogni giorno la rattrista, la fa rantolare in un turbine di sconforto e una sera lascia Jungo, in un pianto disperato, straziante e carico di malinconia e di affanno, a metà discussione passa dal giapponese al coreano e anche quando il ragazzo cerca di calmarla e confortarla con un abbraccio, lei si allontana, non sente più una connessione fisica, non riesce più a spiegare se stessa in un’altra lingua se non la propria, il suo cuore è completamente distante e così torna in Corea.

La rottura è una presa di coscienza amara e il silenzio si fa sempre più doloroso.

“Eravamo fisicamente nello stesso spazio, ma nel profondo eravamo in due dimensioni diverse”.

Cinque anni dopo, Choi Hong lavora per la casa editrice del padre, è fidanzata con Song Min-jun (Hong Jong-hyun), suo amico d’infanzia che ha nutrito da sempre un sentimento d’amore per la ragazza, ma che non era mai riuscito prima a rivelarlo. La sua vita sembra aver preso un’altra svolta, ma nel suo cuore c’è qualcosa di incompleto e lo comprende solo quando le affidano il compito di andare a prendere in aeroporto uno scrittore giapponese al quale deve fare da interprete ed è solo nel momento in cui incrocia lo sguardo di Jungo in aeroporto che ricomincia nell’animo della ragazza quel turbamento che credeva di aver seppellito.

“Lo avevo capito solo in quel momento, non era Jungo che cercavo di dimenticare. Stavo cercando di dimenticare la versione di me stessa che lo amava. Quindi ho semplicemente sigillato tutto su di lui”.

 Lo scrittore giapponese a cui dovrà fare da interprete è infatti Jungo che si è recato in Corea per promuovere il suo ultimo romanzo, un romanzo che ripercorre un amore passato, ma che rivive costantemente nel cuore di lui, un amore a cui affida ancora tutta la sua speranza, l’amore per Choi Hong che il ragazzo non ha mai dimenticato e con la quale desidera scusarsi per averla fatta sentire da sola e trascurata.

In pochi giorni, Jungo e Choi Hong rivivono tutte le emozioni che avevano nascosto nel proprio cuore, in momenti di silenzio, di riflessione, di sguardi rubati, quei momenti felici scanditi dal tempo passato. Jungo, nonostante la presenza di Kanna Kobayashi (Anne Nakamura), sua redattrice responsabile, nonché innamorata non corrisposta di lui da ormai alcuni anni, non appena rivede Choi Hong capisce di aver fatto bene a scrivere quel romanzo perché solo così ha realmente compreso cosa abbia potuto provare la ragazza, scrivere per lui è stato un passo verso il suo cuore, lei che correva ogni mattina per superare la sua solitudine.

Le vite di Choi Hong e Jungo sono in realtà ancora legate, nonostante i rimpianti, le attese, le occasioni sfuggite, la lontananza; è come se già le loro anime si fossero scelte prima ancora di conoscersi.

“What Comes After Love” che è tratto dal romanzo “Things that Come After Love” di Gong Ji-yeong e Hitonari Tsuji e che racconta di un amore che va oltre la lingua e i confini nazionali, è uno dei migliori drama usciti quest’anno, complice una colonna sonora meravigliosa, una regia (Moon Hyun-sung) perfetta, delle atmosfere e delle scene che ritraggono gli stati d’animo dei personaggi e infine la coppia Lee Se-young e Kentaro Sakaguchi dei quali personalmente seguo da tempo le loro carriere artistiche e che mi piacciono molto. I due attori, bravissimi, sono riusciti a trasmettere anche nei silenzi, nei loro sguardi ed espressioni, nella chimica che sono stati capaci di creare, la malinconia di una coppia che si lascia, ma che ancora si cerca. Abbiamo percepito ogni emozione dei loro personaggi, il resto, solo poesia.   

“Una stella per i ricordi e una per l’amore. Una stella per la solitudine e una per il desiderio. Una stella per la poesia.

A quanto pare siamo tutti fatti di stelle. La terra è nata dall’esplosione di una stella e così siamo stati creati. Potremmo provenire da razze e paesi diversi, ma alla fine siamo fatti della stessa polvere di stelle”.

Grazia

Il castello errante di Howl

“Sophie, i tuoi capelli si sono tinti della luce delle stelle! Che splendore!”

Ogni cosa che appartiene al mondo de “Il castello errante di Howl” mi è cara, dall’ambientazione, ai personaggi, dalle tematiche ad una colonna sonora che è da sola un capolavoro, ma la prima volta che vidi questa indimenticabile opera del maestro Hayao Miyazaki mi rimase in mente l’immagine di Sophie, da giovane e umile ragazza dalla bellezza discreta ad anziana novantenne che, con forza e caparbietà, riesce ad attrezzarsi ai miracoli. Sophie, ovvero, la bellezza, proprio quella che salverà il mondo! Quella bellezza immutata, quella del cuore che non invecchia mai.

Era il settembre 2004 quando fu presentato “Il castello errante di Howl” in concorso alla 61° Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia dove conquistò il Premio Osella. Quest’anno l’opera di Miyazaki compie vent’anni e, come sempre, tutte le opere del Maestro, sono immortali e costantemente attuali.

“Il castello errante di Howl” è tratto dal romanzo omonimo della scrittrice Diana Wynne Jones, pubblicato nel 1986.   

La protagonista della storia è Sophie Hatter, una giovane ragazza che lavora presso il negozio di cappelli lasciatole in eredità dal padre. Sophie è una persona timida, schiva, ma con una tenacia encomiabile, lo è così anche sul lavoro dove non si arrende mai perché ha promesso che porterà avanti l’attività di famiglia. Un giorno, mentre si reca in pasticceria per trovare la sorella minore Lettie, viene importunata da due soldati che si trovano in città a causa dell’imminente guerra che sta per scoppiare, ma viene salvata da un giovane affascinante, il misterioso mago Howl che prova da subito simpatia per la ragazza.

Una volta tornata in negozio, Sophie riceve la visita della Strega delle Lande Desolate che, a causa delle attenzioni ricevute dal mago, scaglia sulla ragazza una maledizione, trasformandola in un’anziana e impedendole di rivelare la verità su quanto accaduto e sulla sua condizione. La strega da tempo ricerca il cuore di Howl per averlo tutto per sé ed è questo il motivo della sua invidia.

Non potendosi nascondere da nessuna parte, la povera Sophie, anziana, si mette in cammino per raggiungere le Lande e poter chiedere di sciogliere la maledizione, ma, mentre cerca un bastone che possa esserle di supporto, trova in una siepe uno spaventapasseri animato, dalla testa di rapa, che da qui in poi viene chiamato così. La ragazza chiede allo spaventapasseri se sa consigliarle un rifugio per la notte e lui la conduce presso un castello volante in grado di spostarsi da un posto all’altro, questo castello errante non è altro che la dimora del mago Howl.

All’interno del castello, Sophie fa conoscenza con Calcifer, il demone del fuoco che alimenta il castello stesso. Calcifer si accorge che Sophie è vittima di una maledizione, così i due stringono un patto: nel momento in cui la ragazza scioglierà la maledizione che lo lega al castello e ad Howl, il demone scioglierà la maledizione che la rende una donna anziana.

Il giorno successivo Sophie conosce il giovane apprendista Markl e capisce che attraverso una porta magica si possono visitare luoghi diversi dove il mago Howl è conosciuto con differenti identità, il primo luogo sono le Lande Desolate, il secondo è la capitale Kingsbury dove è conosciuto con il nome “Il mago Pendragon” e il terzo è una cittadina di mare, lontana dalla guerra, dove il tempo sembra sospeso e dove Howl è conosciuto con il nome di Jenkins.

Sophie si presenta ad Howl e a Markl come la donna delle pulizie del castello, assunta da Calcifer e inizia pian piano ad adattarsi a questa “strana famiglia” alla quale si unisce anche lo spaventapasseri Testa di Rapa, e ad un nuovo modo di vivere. Howl, in realtà, ha riconosciuto nella anziana donna, la giovane Sophie, incontrata qualche giorno prima, ma si sente in qualche modo sempre più attratto da lei.

La ragazza, nel frattempo, apprende che Howl e Calcifer sono legati da un patto di vita, se uno muore, morirà anche l’altro.

Un giorno il re convoca Howl per combattere in guerra e proprio in questo frangente Sophie capisce che le diverse identità del mago servono a nascondersi e a non dover obbedire alla corona, purtuttavia, Howl teme Madame Suliman, maga di corte sua ex maestra di magia, per cui chiede a Sophie di recarsi al posto suo presso la corte reale, presentandosi come la madre di Pendragon con lo scopo di presentare il figlio come un codardo per non farlo partecipare in guerra. A palazzo la ragazza incontra la Strega delle Lande che sta tentando di riconquistare la fiducia della casa reale, ma al posto dell’accoglienza, la maga Suliman riserba per la strega un trattamento severo, scaricando su di questa tutta la sua potenza e facendole assumere il suo reale aspetto, quello di un’anziana senza memoria. Suliman spiega a Sophie che anche Howl avrà lo stesso trattamento nel caso si rifiutasse di contribuire alla guerra, ma la ragazza, con animo schietto e rigoroso, protesta, indebolendo, con le sue parole piene d’amore, l’incantesimo della strega e tornando giovane per qualche secondo.

Da qui in avanti una serie di avventure, inseguimenti e magie stravolgeranno ancor di più la vita di Sophie che da tranquilla e monotona diventerà qualcosa di straordinario.

Per poter sfuggire a Suliman e per poter interferire nella guerra, Howl si trasforma in uccello rapace, ma ad ogni trasformazione è sempre più difficile per lui tornare alla forma umana. Vengono, poi, modificate le uscite della porta magica del castello, una corrisponde alla casa di Sophie e un’altra alla residenza di infanzia di Howl, un’abitazione in montagna che sorge su un lago circondata da prati in fiore che il mago regala alla ragazza. Per chi ha già visto l’anime sa che queste immagini sono tra le più poetiche e meravigliose del film e corrispondono a quella bellezza senza tempo che risiede nel cuore. 

Camminando sul prato fiorito, Sophie, infatti, cambia continuamente aspetto, da anziana a giovane e viceversa, per poi restare giovane dai capelli color argento.

Nel frattempo, sfuggire alla guerra non è facile e nemmeno agli inganni riservati a Sophie ed Howl, ma il sentimento crescente e la purezza del cuore riusciranno in qualche modo ad arrivare ad una soluzione.

“Il castello errante di Howl” è una pietra miliare per la storia dell’animazione, il maestro Miyazaki è riuscito ad affrontare tutte le tematiche a lui più care, la cura e il rispetto per la Natura, la condanna alla guerra, l’importanza della bellezza dell’anima, il rispetto degli esseri umani nelle proprie diversità ed è per questo che diventa un capolavoro universale e senza tempo.

Alcune piccole curiosità in merito al film. L’animazione è stata realizzata dalla fusione fra tecniche digitali e analogiche. La storia si svolge in un fantomatico paese che ricorda vagamente la Mitteleuropa, tra Alsazia e Austria, mentre per gli edifici Miyazaki si è ispirato alla città di Colmar. Il periodo è collocabile tra fine Ottocento e inizi Novecento, con atmosfere che ricordano lo steampunk.

La bellissima colonna sonora è stata composta dal genio musicale di Joe Hisaishi, nella sua ennesima collaborazione con lo Studio Ghibli. “Merry-Go-Round of Life” è ad oggi uno dei brani più emozionanti scritti per una colonna sonora.

Grazia

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Full Metal Alchemist

“Don’t forget 3 October 1911”.

Anche chi non è pratico di anime e manga e magari non ha mai letto/visto nemmeno un frame di “Full Metal Alchemist” (鋼の錬金術師,  Hagane no renkinjutsushi, che, letteralmente, significa “L’alchimista d’acciaio”) ha sicuramente sentito questa frase, come un ricordo apodittico da non cancellare, una memoria da far rimanere intatta nella mente perché serve come spinta per andare avanti. E, in effetti, quel 3 ottobre rimane impresso nella mente di tutti i fan di questa serie, che, con piacere, aumentano ogni anno, perché è il giorno in cui tutto è scaturito ed è anche il giorno in cui un universo steampunk, sognante e magico al tempo stesso è stato creato, cristallizzato così, in un immaginario Stato di Amestris, retto da un regime militare autarchico e in perenne guerra con i Paesi confinanti, nei primi decenni del XIX secolo, in una terra non tanto dissimile dalla nostra, ma solo alternativa, dove gli sviluppi tecnologici della Seconda Rivoluzione Industriale si incontrano e si scontrano con una tradizione culturale millenaria che fa capo all’alchimia, ovvero all’abilità di trasmutare la materia, comprendendola, scomponendola e ricomponendola, senza variarne le sue proprietà o la sua massa.

In uno sperduto paesino di Amestris, vivono Edward e Alphonse Elric, due fratelli che studiano l’alchimia e coltivano il sogno di diventare alchimisti di Stato, una delle massime cariche istituzionali, ma anche scientifiche. Il padre se ne è andato quando erano piccoli, lasciandoli quasi privi dei ricordi della sua presenza, mentre la madre, Trisha, si è sempre fatta carico del loro sostentamento e della loro educazione come alchimisti. Sul finire dell’estate del 1911, Trisha Elric si ammala e inizia a peggiorare velocemente, lasciando orfani i figli quando le prime foglie autunnali si staccano dagli alberi e toccano il suolo. Edward e Alphonse, che non riescono ad accettare l’improvvisa scomparsa della loro amata madre, fanno il patto di utilizzare le loro nozioni alchemiche per riportarla in vita dalla morte: è il 3 ottobre 1911, quando nei locali bui di casa Elric viene compiuto un rituale alchemico misterioso e proibito, un tabù perché non si limita ad agire sulla materia, ma profana i concetti stessi di vita e di morte. Per questo motivo, i due ragazzi vengono puniti: durante l’esperimento, Edward perde la gamba sinistra, mentre Alphonse perde tutto il corpo. Nel tentativo di tenere legata l’anima di Alphonse al mondo terreno, Edward decide di rinunciare anche al braccio destro (per il principio dello scambio equivalente, per cui in alchimia ogni cosa richiede un “sacrificio”), incastrando l’anima del fratello in una vecchia armatura.

Passano anni e i due fratelli non hanno mai abbandonato il sapere alchemico, che, in qualche modo, ha loro cambiato la vita: Alphonse, che non ha mai perso il suo carattere pacato e calma, sempre pronto ad aiutare il prossimo, vive e interagisce con il mondo nella sua armatura gigante, come un enorme robot; Edward, invece, ha mantenuto intatto il suo orgoglio e il suo piglio accigliato con tutto e con tutti, diventando rinomato per la sua profonda conoscenza delle scienze alchemiche come “l’alchimista d’acciaio”, nomignolo che ha guadagnato anche grazie alle parti meccaniche che la sua amica d’infanzia Winry Rockbell, riparatrice di automail, gli ha costruito per sostituire gli arti persi durante il rituale.

Col tempo, il valore di Edward viene riconosciuto e gli viene tributato il titolo di “Alchimista di Stato”, ma il suo vero obiettivo, in realtà, non è diventare famoso e glorificato, ma trovare l’unico elemento in grado di gestire la trasmutazione e di far riacquistare a suo fratello Alphonse il corpo perduto: la pietra filosofale. Così, i due fratelli si mettono in viaggio per Amestris e per i territori confinanti, conoscono persone di ogni tipo, incontrano gente da aiutare e nemici che non si aspettavano, vengono a contatto con la fame, la povertà, la guerra, l’oppressione e cercano di superare gli ostacoli che si frappongono al loro viaggio, che è crescita e formazione, ma è anche una lenta comprensione del proprio sé, racchiuso in quei sensi di colpa che condizionano, a volte, l’esistenza.

“Credevo che la pioggia avrebbe lavato via tutta la mia tristezza, ma ogni goccia che cade sul mio viso è una lacrima nel mio cuore”.

Mentre spesso uno dei fili conduttori spesso preponderanti nel mondo anime, quello del viaggio in solitario perché in cerca di vendetta, i protagonisti di “Full Metal Alchemist” non nutrono risentimento e rabbia nei confronti di nessuno, se non nei confronti di se stessi, con quel peso dell’errore che diventa quasi peccato originario, quel metallo che si portano addosso sull’anima. Il loro viaggio alla ricerca di qualcosa che possa farli tornare come un tempo e, quindi, ristabilire l’equilibrio che hanno infranto, è anche un viaggio per cercare di perdonare se stessi e la propria colpa. Per questo motivo, non cercano una solitudine estrema, ma una solidarietà comune in cui confrontarsi con persone che possono chiedere loro aiuto per espiare, continuamente senza sosta, quanto avvenuto anni prima. In questo, l’animo dei due fratelli sintetizza il senso di colpa e la ricerca di espiazione dell’animo giapponese dopo la Seconda Guerra Mondiale, oppresso dal marchio delle cattive azioni e guidato dall’etica della sconfitta, l’unica in grado di fornire quel codice di condotta morale per lavare le proprie colpe con la consapevolezza di non farcela.

I due fratelli non sono gli unici a rappresentare una parte dei traumi storici giapponesi, perché ogni personaggio in sé è immerso nel mare del senso di colpa che nutre l’inconscio e nell’autopunizione di non sentirsi adeguati. Così, ad esempio, i militari Maes Hughes, Riza Hawkeve, Danny Brosh e Maria Ross, che adombrano l’ex regime autoritario e la classe militare giapponese prima della guerra, con la sua aspirazione a realizzare il bene, ma le sue pratiche opprimenti; così, anche gli altri alchimisti, tra cui la maestra Izumi, che rappresentano il sapere scientifico e tecnologico, ma anche la sete di conoscenza che ammetteva terribili esperimenti sugli umani; così, ancora, uno dei personaggi meglio costruiti della serie, il criminale ishvaliano, che rappresenta l’anima del popolo Ainu di Hokkaido (l’isola a Nord del Giappone da cui proviene l’autrice stessa del manga e di cui abbiamo parlato qui) e, quindi, la sua lotta per la sopravvivenza e il suo risentimento nei confronti dell’omologazione con la cultura giapponese; così, infine, il cattivo supremo (Padre nel manga, Dante nell’anime per blandire certi aspetti troppo altisonanti e quasi blasfemi) che, con i suoi homunculus, rappresenta l’ideologia che si sparge e manipola le mente e le azioni umane.

“Full Metal Alchemist” è nato quasi per caso dalla mente della disegnatrice e mangaka di Hokkaido Hiromu Arakawa, che aveva intenzione di scrivere una storia one-shot (unico volume) sulla questione dell’alchimia, con personaggi fantastici in cerca della pietra filosofale, e che aveva pescato i due nomi dei protagonisti tra le sue passioni più grandi: Alphonse prende in prestito il nome da Alphonse de Toulouse-Lautrec, padre del pittore Henri de Toulouse-Lautrec ed uno dei personaggi più in vista della Belle Epoque, mentre Edward è chiaramente un omaggio a Tim Burton e ad uno dei nomi più utilizzati dai suoi personaggi (si pensi ad Ed Wood o ad Edward Mani di Forbice). Più la storia prendeva il largo, più la trama si animava di personaggi originali e del cuore della coscienza collettiva giapponese, dove l’alchimia rimane solo il filtro per comprendere il mondo e le sue contraddizioni umane.

“Questo mondo scorre seguendo delle leggi che riusciamo a malapena ad immaginare. Comprendere quel flusso, scomporlo e poi di nuovo ricomporlo: questa è l’alchimia”.

Il manga è stato serializzato e pubblicato sulla rivista Monthly Shonen Gangan di Square Enix a partire dal 2001 (in Italia a partire dal 2006) fino al 2010 per un totale di 27 tankobon ed è stato trasformato nella serie televisiva anime omonima dallo Studio Bones tra il 2003 e il 2004 (in Italia sempre a partire dal 2006). Nel 2009, è arrivata una nuova serializzazione anime, dal titolo “Full Metal Alchemist: Brotherwood“, che, di fatto, rilegge la stessa storia della prima, ma in modo più fedele al manga e con qualche accorgimento narrativo in più: in questo secondo caso, ad esempio, la storia inizia dal mezzo delle avventure dei fratelli Enric, mentre il tragico incidente del 3 ottobre 1911 è narrato in flashback, facendo aumentare anche l’impatto emotivo stesso. Esistono anche due film legati alla serie (“Fullmetal Alchemist – The Movie: Il conquistatore di Shamballa“, concepito come finale della serie animata, e “Fullmetal Alchemist – La sacra stella di Milos“, non basato sulla storia del manga, ma relativo ad una storia originale), sei OAV (tre riassuntivi della prima serie e tre della seconda) e un film in live action diretto da Fumihiko Sori e interpretato da Ryosuke Yamada. Dato che l’autrice si è ispirata a diversi scenari toscani e dell’Italia centrale per ricostruire l’ambiente del fantomatico Stato di Amestris, il film live-action è stato quasi interamente girato a Volterra e nei suoi dintorni, dando un sapore medioevole alla storia.

“Full Metal Alchemist” è una fiaba umana, che fa riflettere sul tempo, sul calore della famiglia, anche non di sangue, sul legame tra fratelli/sorelle, sull’umanità e la sua meravigliosa imperfezione (“Il mondo è imperfetto. È per questo che è così bello“), sul futuro e sul credere in se stessi e negli altri (“Credere nei bambini e proteggerli. Questo è il compito degli adulti“), sul senso del sacrificio e sul dolore, che cambia se stessi e insegna l’empatia che, poi, diventa coraggio, pronto a sopportare e ad affrontare le avversità.

“Non si impara nulla da una lezione senza provare dolore, proprio come non puoi guadagnare senza sacrificare qualcosa in cambio. Ma, quando superi il dolore e impari la lezione, ottieni in cambio un cuore forte ed insostituibile… un cuore d’acciaio”.

Laura

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Healer (ovvero: della verità, della giustizia e di un uomo solitario che cerca se stesso)

“Un corriere della notte. Esiste quel tipo di lavoro. Tutto quello che ho sentito su di lui erano solo voci. Ma sai come sono le voci. Sono esagerate ed enfatizzate. Ma, per me… Il mio cuore inizia a battere forte. Finisco con il fantasticare su di lui. Così è iniziato il mio secondo amore non corrisposto”.

Chiodo nero di pelle allacciato quasi fino alla gola, felpa con cappuccio, cappellino calato sugli occhi, sguardo nascosto da occhiali speciali, auricolari nelle orecchie, mentre veglia sulla città: così ci è apparso per la prima volta il personaggio protagonista di questo drama del 2014, “Healer” (힐러), ovvero il misterioso “fattorino” che viene incaricato di consegne e missioni particolari e che agisce come un vigilante notturno per la città di Seoul. Ed è stato subito amore eterno (o “Eternal Love”, come recita la canzone portante della colonna sonora, interpretata da Michael Learns to Rock). Perché quel fattorino vestito di nero rappresenta il senso di giustizia e la costante ricerca della verità ed è un eroe positivo in tutti i sensi, non solo per le sue doti e per le sue abilità nelle arti marziali, ma soprattutto per la sua umanità, che lo caratterizza in qualsiasi momento. E, naturalmente, qualsiasi spettatore, come la protagonista di questo drama, di cui sono le parole dell’incipit, ha compreso quanto fosse importante quell’amore non corrisposto con uno dei personaggi più leggendari di sempre.

Per tutti questi motivi, è giusto premettere che con questo drama ci stiamo confrontando con un pezzo classico e, al tempo stesso, uno dei prodotti più autentici dell’animo sudcoreano, scritto e girato quando ancora i k-drama non andavano di moda in Occidente e non vi erano particolari obblighi di apprezzamento con i canali di streaming, ma potevano trattare tutte quelle tematiche care alla cinematografia dell’Estremo Oriente (l’amore che parte da lontano e rimane persistente, il tragico passato dell’infanzia, l’inchiesta nella ricerca della verità, il filo conduttore della vendetta o, meglio, della punizione dei malvagi), portate avanti con quella narrativa costituita da soave lentezza e scatti veloci d’azione e nascondendo, al tempo stesso, le reali ferite di una terra che faceva i conti con il proprio passato. “Healer“, infatti, nel suo incastro perfetto tra action, crime e romance, non è altro che lo specchio stesso della Corea del Sud, che tenta di uscire dai decenni di regime e di costruire una democrazia lontana dalla corruzione, ponendo la propria fiducia nel futuro.

Seo Jung-hoo (interpretato da Ji Chang-wook di “Welcome to Samdalri“, “Suspicious Partner“, “The Sound of Magic” e tanti altri) non è un ragazzo comune: con il nome in codice di “healer” si finge un fattorino notturno, ma accetta, in realtà, diverse missioni pericolose per i suoi clienti, che possono andare dal recupero di soldi, alla ricerca di indagini, alla protezione di qualcuno e che sono portate avanti grazie alle sue abilità in tutti i tipi di lotta, al suo equipaggiamento hi-tech e al supporto di due donne particolari e sopra le righe, Jo Min-ja detta l’Ajumma Hacker (interpretata da Kim Mi-kyung) e Kang Dae-yong detta l’Assistente (interpretata da Taemi), le uniche due persone di cui Jung-hoo abbia mai registrato il numero di telefono nella rubrica del suo cellulare (“Ho solo tre numeri salvati sul mio cellulare. Quello dell’Ajumma, della mia subordinata e del mio ristorante preferito di pollo fritto“).

In realtà, Jung-hoo non è il primo “healer” che ha vegliato sui tetti di Seoul, visto che ha ereditato la sua professione dal cd. Master (interpretato da Oh Kwang-rok), figura a metà tra il paterno, il ferreo allenatore di arti marziali e il giustiziere misterioso che agisce da solo, e, come tale, è sempre tenuto sotto osservazione non solo dal suo maestro, ma anche dal detective della polizia Yoo Dong-wol (interpretato da Jo Han-chul di “The Law Café“), convinto della sua natura criminale.

Però, nonostante l’obiettivo di Jung-hoo sia quello di accumulare soldi per sparire dal consorzio umano e andare a vivere in solitaria su un’isola tropicale, la sua retta condotta di vita gli ha imposto di non accettare mai alcun lavoro che possa anche solo lontanamente includere comportamenti delittuosi e omicidi. Ed è così che finisce per accettare un incarico da Kim Moon-ho (interpretato da Yoo Ji-tae di “Money Heist Korea: Joint Economic Area“), uno dei più importanti e famosi giornalisti di Corea, che si sente intrappolato in un passato irrisolto (“La mia vita dipende dal passato. Di conseguenza, non ho un futuro“). L’incarico consiste nel trovare e, successivamente, proteggere Oh Ji-an, considerata scomparsa da bambina, dopo un terribile incidente che ha coinvolto la sua famiglia nel 1992, quando esplose un incendio in una radio libera. Si trattava di una di quelle piccole stazioni radiofoniche fastidiose e ferme nei propri ideali, che era stata fondata da cinque amici con la passione per la verità nel 1980 e aveva lottato contro il regime autoritario per favorire il ritorno alla democrazia. Moon-ho, che è il fratello minore di uno dei pochi sopravvissuti all’incidente, Kim Moon-sik (interpretato da Park Sang-won di “Signal“), si sente in colpa per quella notte che ha cambiato il destino di tante persone e persegue la carriera di giornalista proprio per trovare sempre la verità in ogni cosa (“Il mio sogno è non sognare. Da quel giorno, continuo a fare lo stesso sogno. Per alcuni mesi, quel sogno è rimasto quiescente. Ma poi è tornato ad ossessionarmi. Ho commesso un crimine. Il mio crimine è il mio silenzio“).

Jung-hoo scopre che Oh Ji-an è viva, ma ha perso le memorie del passato e, dopo diverse vicissitudini che l’hanno traumatizzata durante l’infanzia, ha assunto il nome di Chae Young-shin (interpretata da Park Min-young di “When the Weather is Nice“, “What’s Wrong With Secretary Kim?“, “Marry My Husband” e tanti altri), una giovane reporter idealista e romantica, fissata con Oriana Fallaci, desiderosa di una carriera giornalistica come quella di Kim Moon-ho e con un debole per i dinosauri (perché, quando è ubriaca, parla quasi esclusivamente come una mancata paleontologa), che vive insieme al padre adottivo avvocato (interpretato da Park Sang-myung) in una caffetteria gestita da ex detenuti redenti. Ma Jung-hoo, che, per avvicinarsi a Young-shin assume l’identità di Park Bong-soo, impacciato aspirante reporter in forza nella stessa testata online, scopre pure che Young-shin si dice innamorata non corrisposta del famigerato “healer” che salta sui tetti, pur senza averlo mai visto in viso, da quando, un giorno, è stata salvata da lui.

Ma la vita è più complicata rispetto al previsto e le vite degli esseri umani spesso sono così intrecciate e interconnesse tra loro da risultare impossibile occuparsi di una sola di queste senza aver cura delle altre. Così, gli incubi di infanzia di Young-shin sono parte integrante dell’eterno senso di colpa di Moon-ho e della solitudine di Jung-hoo, tre anime che vagano alla ricerca di risposte con cui placare quei traumi e quelle angosce del passato per poter trovare un vero futuro alla propria esistenza. E, nonostante tutti e tre siano delle piccole isole alla deriva, scoprono di poter diventare un arcipelago insieme, unendo le forze non solo per indagare e capire cosa sia successo in quella notte del 1992, ma anche per comprendere e ritrovare se stessi, la propria identità, mascherata e costretta ad indossare artifici per non essere colpita dal mondo. Come afferma Jung-hoo, condannato sin dall’infanzia a vivere nell’ombra della mitica figura di un vigilante senza nome, la cosa più importante di quando si cerca la verità è cercare di trovare il proprio io, soppresso e celato in un’oscurità imposta dal mondo:

“Da quando sono nato, fino ad ora, per me vivere era una cosa inutile. Nulla era divertente. “Poiché sono nato, devo per forza vivere”. Ecco come mi sentivo. Ogni giorno sembrava una forzatura. Ma, ora, penso che le cose stiano diventando interessanti. Il mio cuore sta battendo forte. È la prima volta.”

Sono tanti gli ingredienti che hanno reso questa serie non solo un successo, ma una vera e propria pietra miliare nel panorama dei k-drama: la colonna sonora, le interpretazioni magistrali di tutti gli attori (non c’è una sbavatura nella recitazione da parte di nessuno ed è una coincidenza veramente difficile e rara per qualsiasi prodotto), l’incastro perfetto tra la trama crime e la lettura romance, le scene d’azione girate da Ji Chang-wook senza controfigure per rendere più reale il suo fattorino notturno, la storia originale e la sceneggiatura ben elaborata, piena di colpi di scena. Però, su tutto campeggia quella sottotrama che è veramente parte della storia della democrazia sudcoreana: cinque amici, uniti dalla ricerca di giustizia e verità e aspiranti al cambiamento democratico di una nazione costretta a vivere decenni di autoritarismo, che, ad un certo punto, decidono di unirsi con un obiettivo comune, ovvero cambiare il mondo con la loro parola, fondando una radio libera. Perché la parola è tutto ed è creazione di fatti e di eventi, di idee e di speranze. Ed è così che i cinque amici hanno vissuto insieme quegli anni tumultuosi che hanno portato alla transizione democratica, convinti di essere determinanti per il cambiamento. Il nome di Min-ju, come fantomatico radioascoltatore delle loro notizie e persona della cui ricerca viene lanciato continuamente l’annuncio, suona in coreano in modo simile alla parola “democrazia” (minjujuhui 민주주의, abbreviato in minju 민주).

“A voi che state ascoltando questa diretta! Intendo voi! Sì, proprio voi! Le trasmetterete queste parole quando la vedrete? Che la stiamo cercando disperatamente. Ehi tu! Dove e cosa stai facendo esattamente?! Sai quanto disperatamente ti stiamo cercando? Eh?! Min Ju. Min Ju (democrazia). Dove sei?“.

Purtroppo, anche le idee più nobili possono essere tradite da chi le propugna e la recente storia della transizione democratica sudcoreana non è priva di fatti dolorosi e di tradimenti di ideali, così come non è stata scevra da fatti di corruzione e di appropriazione di potere con nuovi gruppi di pressione emergente, la strabordante influenza dei chaebol e la delusione che il nuovo assetto socio-politico ha generato (a partire soprattutto dalla crisi economica del fondo monetario internazionale del 1997).

Eppure, per quanto possa fare male, la verità è sempre l’unica soluzione plausibile in un mondo dove il senso della giustizia è contaminato spesso dagli stessi che lo hanno difeso. Ma la verità non può fare nulla, se non è illuminata dall’umanità, da quella profonda comprensione umana per il prossimo, che rimane schietta, conservando la propria umanità.

“Dobbiamo credere in qualcuno. Su cinquanta persone di cui ti fidi, sicuramente una ti pugnalerà alle spalle. Ma non devi vivere dubitando delle altre quarantanove, solo per quest’unica persona”.

Laura

Come suona la recensione?

Cronache dal Mondo Pop – Milano Comics & Games (settembre 2024)

Ma ciao a tuttiiiiiii! Sono Alessandra ed eccomi di nuovo alla tastiera per raccontarvi il Milano Comics & Games di Settembre 2024 (lo so è tipo in ritardo perché onestamente mi sono dimenticata di inviarlo alle fantastiche Admins). Cooooomunque, iniziamo!!!

Come già sappiamo troviamo gli stand di ogni cosa che ci rappresenta sia per il mondo nerd che per il mondo otaku, alcuni dei venditori sono quelli fissi che troviamo in ogni edizione e nello stesso posto, ho visto veramente molti lavoratori indipendenti che vendevano le loro creazioni e devo dire che da alcuni ne rimanevi veramente affascinata, ovviamente c’era anche l’area lego che non può mai mancare! Vedere tutti questi bambini che costruiscono mi riempie di gioia: tutti amano i lego!!!

Ci sono stati dei cambiamenti nel primo padiglione perché hanno spostato i videogiochi degli anni 80/90 e strutturato diversamente le postazioni da gaming e il ring per il wrestling, la seconda cosa che hanno cambiato è la postazione del palco principale che al posto di essere situato al centro del locale lo hanno messo di lato, la sezione autografi è stata trasferita nel padiglione inferiore perché al suo posto hanno deciso di fare l’area vietata ai minori di 18 anni chiamata area VUEMME18 dove per accedere bisognava mostrare i documenti d’identità: ora non so ben dirvi cosa c’era dentro perché non ci sono entrata (ahah!), gli ospiti che rappresentavano il settore ovviamente erano lì.

Anche l’area fotografica con i vari sfondi è stata trasferita all’interno del padiglione anziché nel corridoio d’ingresso, l’area esterna come sempre era dedicata al food e al mini palco che è dedicato al kpop.

Ed è esattamente quest’area la mia preferita, sempre rappresentata dal fantastico gruppo K.S.T; ho assistito alla giornata di sabato e sono riuscita a fare dei mini video dei partecipanti al contest, davvero tutti bravissimi!!!

Sono riuscita a vedere una piccolissima parte dell’intervista alla doppiatrice Rossa Caputo, mi spiace essermi persa Enzo Draghi e il doppiatore Davide Garbolino, ma sarà per il prossimo evento.

A fine serata, proprio come a maggio dalle 19,00, l’ingresso è diventato gratuito e l’unica area aperta era quella esterna dove vi era un complesso che suonava e potevi comprare da mangiare scegliendo dai furgoncini.

In questa edizione sono andata anche di domenica dove però mi sono dedicata a fare acquisti e vedere i vari ospiti che erano nel palco principale, uno dei miei preferiti è stato Edoardo Brugnoli (non so se lo conoscete, in tal caso andate subito a cercarlo) e Danilo Bertazzi: cioè, come non amare Tonio Cartonio, COMEEEE?.

Tantissimi ospiti e tantissimi cosplay davvero lavorati benissimo; andare in queste fiere mi emoziona davvero molto, scambiare parole, fare foto, trovare amici e fare nuove amicizie è sempre un’emozione che scalda il cuore, perché vedere persone che anche se non conosci, ma che hanno le tue stesse passioni fa camminare tutto il tempo con il sorriso e vedere che niente è impossibile e che alla fine tutti un pochino ci assomigliamo.

E anche per questa edizione è tutto!!! Ci si legge al prossimo articolo!!!

Ciauuuuuuuu

Alessandra