Il meraviglioso mondo degli Yokai: Yu Yu Hakusho & My Undead Yokai Girlfriend

Esiste un mondo a metà tra la fiaba e la leggenda, che si muove in mezzo alle ombre e a strane creature che sembrano uscite dai libri. Esiste un Giappone tradizionale che, certe volte, sembra fare capolino anche dalle storie moderne. E, spesso, solo manga, anime e j-drama riescono a cogliere quest’intreccio fantastico che porta le creature magiche e i guerrieri ombra nella vita di tutti i giorni. Si tratta della dimensione degli yōkai (妖怪), il cui termine etimologicamente significa “maleficio” o “stregoneria” (dal giapponese yō), che si manifesta in modo inquietante (dal giapponese kai). Classificabili in modo errato come spettri o demoni, sono, in realtà, creature soprannaturali dell’antica mitologia giapponese, che amalgamano insieme sia creature malefiche come gli oni, sia creature semi-umanoidi o ex umani trasformati in esseri sovrannaturali (come il  futakuchi-onna, letteralmente una donna con due bocche), sia creature semi-animali dalle capacità metamorfiche e dai poteri magici immensi (come le famosissime kitsune, le volpi magiche della tradizione giapponese, o i tanuki, che possono trasformarsi in qualsiasi cosa), che sono ambivalenti, talvolta presenze cattive, talaltra aiutanti preziosi per gli esseri umani.

Per questo motivo, in quest’articolo troverete due brevi recensioni di due prodotti televisivi giapponesi che sono riusciti a creare un nuovo mondo dove gli yokai vivono insieme agli umani e che sono da recuperare tutti d’un fiato, magari fingendo di avere una katana appesa al fianco e recitando le formule magiche per allontanare i demoni.

Yu Yu Hakusho

(J-drama, fantasy/action/horror, 5 episodi, 2023)

con Takumi Kitamura, Keita Machida, Sei Shiraishi, Kotone Furukawa, Jun Shison, Kanata Hongo, Shuhei Uesugi, Kenichi Takito, Ai Mikami, Go Ayano e Meiko Kaji

Basato sul manga/anime omonimo, “Yu Yu Hakusho” (幽☆遊☆白書, letteralmente “Libro bianco sui fantasmi”), che aveva raggiunto l’Italia negli anni ’90 con il titolo di “Yu degli spettri” e un certo seguito di bambini appassionati agli spettri, il drama, marcato Netflix, è di fatto un live action dell’anime stesso e ricostruisce gli esordi della storia narrata nel manga, tentando forse quella mossa scaltra di live action in stile “One Piece“, che sta dando nuova linfa all’universo seriale.

Yusuke Urameshi (qui interpretato da Takumi Kitamura, anche protagonista del film ispirato all’anime di “Voglio mangiare il tuo pancreas” e apparso nelle serie “Anti-Hero” e “Tokyo Revengers“) è un giovane studente di 17 anni, noto per essere un po’ ribelle e scapestrato, quasi con la fama del teppista, una disperazione per la sua amica Keiko (Sei Shiraishi), anche perché è sempre pronto alla rissa, soprattutto con Kazuma Kuwabara (interpretato da Shuhei Uesugi), l’altro teppista di quartiere, che, alla fine, si rivelerà quanto di più vicino ad un amico ci possa essere. Solo che Yusuke Urameshi nasconde un cuore gentile e, mentre cerca di salvare un bambino, muore improvvisamente in un incidente stradale e si presenta al cospetto di Botan (interpretata da Kotone Furukawa), creatura fantastica, traghettatrice delle anime umane nel mondo dei morti, e del Piccolo Enma (interpretato da Keita Machida di “Alice in Borderland” e “Cherry Magic!“), figlio del Re Enma, il giudice dell’aldilà buddista, che cambia aspetto tra quello di un bambino e quello di un giovane ragazzo, ma sempre con un ciuccio magico in bocca. L’aldilà, però, non è ancora pronto ad accogliere Urameshi, per cui gli propone un accordo: il ragazzo può ritornare in vita, a patto di diventare il detective ufficiale del mondo degli spiriti sulla terra, iniziando ad indagare sui cosiddetti “yokai”, residui del mondo dei demoni e degli esseri fantastici, cristallizzati in presenze maligne o, comunque, non benefiche per i mortali che abitano la terra.

Ma non tutti gli yokai sono identici e, se la maggior parte somiglia a normali e spaventosi demoni maligni, pronti ad infestare case, possedere persone e nutrirsi della loro energia vitale, una piccola minoranza è molto più complicata e variegata di quanto ci si possa aspettare e, forse proprio per questo motivo, più temibile sotto diversi punti di vista. Tra questi, alcuni (come Hiei, interpretato da Kanata Hongo, o Kurama, interpretato da Jun Shison) diventeranno presenze fisse e costanti, aiutanti magici inaspettati, incastrati a metà tra il mondo dei morti e il mondo dei vivi e alleati per un fine più grande. Altri, invece, come Toguro minore e Toguro maggiore (il primo interpretato da un Go Ayano di “Tokyo Swindlers” e “The Journalist“, fisicamente trasformato e ingigantito da diventare irriconoscibile, e il secondo interpretato da un altrettanto irriconoscibile Kenichi Takito di “La via del grembiule – Lo yakuza casalingo“, trasfigurato in un Tremotino ferino), sono ex umani che hanno scelto la via del male, accettando di venire trasformati in demoni per godere di una vita eterna e di enormi poteri. Altri, ancora, come la fragile creatura delle nevi Yukina, sono emblema della connessione magica tra uomini e natura e diventano vittime inconsapevoli della malvagità e dell’ottusità di molti uomini. Perché, alla fine, il male non è confinato affatto solo nel mondo del soprannaturale, come imparerà Yusuke a sue spese.

Da segnalare, infine, l’apprendistato del protagonista con la maestra Genkai, che insegna a Yusuke Urameshi le tecniche per combattere contro i demoni, compresa la canalizzazione della sua forza nelle onde che fuoriescono dalle sue mani (e che, per gli appassionati della cultura giapponese, è interpretata da Meiko Kaiji, attrice, cantante, musa della controcultura anni ’60-’70 e artista di musica elettronica e kayokyoku).

Come suona la recensione?

My Undead Yokai Girlfriend

(J-drama, fantasy/comedy/romance/horror, 8 episodi, 2024)

con Ai Yoshikawa, Hayato Sano, Yuna Taira, Dori Sakurada, Yukiya Kitamura, Takashi Sorimachi, Anthony, Louis Kurihara, Sakura Kiryu, Yoshihiko Hakamada, Anna Ishii

Un tempo un prodotto simile sarebbe stato classificato sotto quell’etichetta strana del “weirdo”. E, in effetti, è tutto tranne che classificabile propriamente, un mix tra romance, commedia, teen drama, action, crime, horror, magia e pure momenti imbarazzanti in puro stile “American Pie” e altri in stile “Big Bang Theory“. Nonostante tutto, in questa sua indefinita stranezza, che alterna risate a momenti orridi, senza alcun mezzo termine, “My Undead Yokai Girlfriend” (Boku no Itoshii Youkai Girlfriend, 僕の愛しい妖怪ガールフレンド) è una serie che va recuperata d’un fiato anche per riprendere il sorriso in una strampalata e scapigliata non-storia d’amore.

Nella Kyoto dei nostri giorni, il giovane studente universitario Inukai Tadashi (interpretato da Hayato Sano di “Trillion Game“), detto Hachi, passa la sua vita a studiare, accumulare materiale nerd di ogni tipo, navigare in rete, incontrarsi con gli amici per sfidarsi ai giochi al PC e cercare di passare inosservato nei confronti dei bulli che lo prendono sempre di mira. Nella sua normale routine quotidiana, inizia, però, ad inserirsi un elemento strano che lo turba in ogni momento: Hachi ha superato i vent’anni, ma, di fatto, non ha mai avuto una ragazza e, anzi, muore dal desiderio di frequentarne una. Per questo motivo, insieme al suo amico di sempre, Tanuki Yonagi (interpretato dal comico e musicista Anthony), inizia a fabbricare nella sua mente la ragazza dei sogni, che dovrebbe somigliare molto alla principessa kitsune protagonista di uno dei suoi videogame, formidabile, quanto spietato demone spadaccino. Hachi, però, ignora che, recitando una formula magica, la sua kitsune da videogioco prende forma in carne e ossa. O, meglio, quella che a lui sembra la sua fantasia sulla kitsune del videogioco non è altro che una vera e propria evocazione di una potente yokai dal nome di Izune Imiki (interpretata da Ai Yoshikawa di “Tomorrow, I will be Someone’s Girlfriend” e “Cinderella of Midsummer“), presto affettuosamente ribattezzata in Izzy, intrappolata per secoli in una terra degli spiriti, ma intenzionata a portare a termine la sua vendetta a suon di katana. Solo che, per poter rimanere sulla terra dei vivi, Izzy ha bisogno di unirsi materialmente ad un uomo, per cui rende Hachi il suo sposo, senza rendersi conto che quell’unione, improvvisata inizialmente per necessità, diventerà un vero e proprio legame sempre più profondo, che li unisce così tanto da dipendere l’una dall’altro.

Non che Hachi ci metta veramente molto ad innamorarsi. Non riescono a frenarlo né Tanuki, che teme la presenza inquietante di Izzy, o l’amica cacciatrice di demoni (interpretata da Yuna Taira), né le dicerie sulla possibile natura malvagia della sua ragazza, né le teste che la yokai fa saltare in un attimo quando trova i suoi secolari nemici di una setta segreta che continua a perseguitarla, capeggiata da uno strano individuo cadaverico e inaspettatamente comico (interpretato da Yukiya Kitamura), né gli avvertimenti dei monaci shintoisti (o presunti tali, visto che, anche lì, ci sono nascosti membri della setta o yokai), né l’inseguimento continuo di un ex youtuber dell’occulto, ora diventato una creatura oscura simile allo zombie (interpretato da Louis Kurihara), né, infine, le indagini del padre detective di polizia (interpretato da Takashi Sorimachi, che è stato popolarissimo negli anni ’90 con lavori come “GTO” e “Beach Boys“), a cui questa nuova strana vita del figlio sembra coincidere troppo con i nuovi delitti in città. Ma per Hachi nulla è malvagio e oscuro, se c’è l’amore, tanto da addolcire piano piano la sua terrificante ragazza.

Piccole curiosità finali: sembra tratto da un manga, ma, in realtà, è un’opera del tutto originale, creata dalla mente di Miki Takahiro, sempre bravo a dare le sfumature giuste ai suoi giovani personaggi nel percorso di formazione, come in “Drawing Closer” e “The Door into Summer“; c’è un guest role dell’amato attore giapponese Dori Sakurada (“Alice in Borderland“, “Atelier” e molti altri) nei panni di uno dei migliori amici del protagonista, capo del gruppo di gamer nerd e anche uno dei primi ad accogliere benissimo Izzy, che ha la possibilità di atterrare i suoi rivali gamer.

Come suona la recensione?

Laura

What Comes After Love

Cosa significa innamorarsi? L’amore può anche finire? Ha sicuramente un inizio, ma allora siamo noi a porre un limite, un finale a tutto?

Chi ha inventato la parola “rimpianto”? Più profondo è l’amore, più grande diventa il rammarico.

Choi Hong (Lee Se-young, “A Korean Odyssey”, “The Law Cafè”) è una ragazza coreana che si reca in Giappone per finire i suoi studi di specializzazione in letteratura. Nel giorno del suo arrivo, incontra Aoki Jungo (Kentaro Sakaguchi, “The Parades”, “Only Just Married”), un ragazzo giapponese che l’aiuta a recuperare il bagaglio.

Lo sguardo di entrambi si sfiora in una dimensione al di là del tempo e dello spazio in cui vivono, è quasi come se le loro due anime si stessero aspettando.

“Un singolo istante può durare per sempre e per sempre può finire in un solo istate”.

Le vite dei due giovani sono, infatti, destinate ad incrociarsi e nei giorni seguenti si rivedono e si rincontrano e iniziano a sentirsi legati l’uno all’altra, poi ad essere complici di ogni giornata, condividendo insieme speranze, sorrisi, perle di felicità che costruiscono l’amore, un sentimento da proteggere, perché unico. Entrambi, infatti, vivono il sentimento d’amore con una propria unicità, Choi Hong è una ragazza dal carattere allegro e affida a Jungo ogni suo entusiasmo, Jungo è un ragazzo introverso, silenzioso e affida a Choi Hong ogni suo momento introspettivo: entrambi si completano.

“Era solo un altro giorno, il sole splendeva nel cielo, ci siamo svegliati dal nostro sonno felice, ci siamo guardati con gli occhi assonnati e abbiamo sorriso. Eravamo tanto a disagio, quanto felici”.

C’è, però, un momento nelle nostre vite che, pur essendo circondati da persone o sicuri dell’amore che stiamo vivendo, ci sentiamo soli e, nonostante i tentativi della nostra razionalità, facciamo parlare le emozioni e le nostre insicurezze inconsce, i nostri turbamenti e malesseri ed è compito di chi ci sta accanto rendersi conto della fragilità che ci inghiotte e che ci sta facendo cadere pian piano nell’incomprensione. E’ quello che avviene nella storia dei due protagonisti, quando Jungo inizia a  dedicare molto tempo al lavoro e poi finalmente quando viene assunto nella redazione di una casa editrice come era il suo sogno, la ragazza, però comincia a sentirsi sola, in un paese straniero, attorno a sé solo persone che parlano una lingua diversa e se ne accorge un mattino come altri, mentre va a correre come sempre, e prova un senso di desolazione e di solitudine che la soffoca e non riesce a trovare l’aiuto che le serve, nemmeno quello di Jungo.

 “Abbiamo solo parlato di un futuro luminoso insieme. Abbiamo fatto di tutto per evitare i nostri problemi e quelle incertezze inferiori si sono trasformate in una palla di neve che ci ha seppelliti dentro. Eravamo ciechi di fronte alla dura realtà del mondo quando eravamo al culmine della felicità. Non eravamo altro che una coppia di stelle che brillavano ingenuamente innamorate”.

Choi Hong capisce di non riuscire più a lottare e sopportare una situazione che ogni giorno la rattrista, la fa rantolare in un turbine di sconforto e una sera lascia Jungo, in un pianto disperato, straziante e carico di malinconia e di affanno, a metà discussione passa dal giapponese al coreano e anche quando il ragazzo cerca di calmarla e confortarla con un abbraccio, lei si allontana, non sente più una connessione fisica, non riesce più a spiegare se stessa in un’altra lingua se non la propria, il suo cuore è completamente distante e così torna in Corea.

La rottura è una presa di coscienza amara e il silenzio si fa sempre più doloroso.

“Eravamo fisicamente nello stesso spazio, ma nel profondo eravamo in due dimensioni diverse”.

Cinque anni dopo, Choi Hong lavora per la casa editrice del padre, è fidanzata con Song Min-jun (Hong Jong-hyun), suo amico d’infanzia che ha nutrito da sempre un sentimento d’amore per la ragazza, ma che non era mai riuscito prima a rivelarlo. La sua vita sembra aver preso un’altra svolta, ma nel suo cuore c’è qualcosa di incompleto e lo comprende solo quando le affidano il compito di andare a prendere in aeroporto uno scrittore giapponese al quale deve fare da interprete ed è solo nel momento in cui incrocia lo sguardo di Jungo in aeroporto che ricomincia nell’animo della ragazza quel turbamento che credeva di aver seppellito.

“Lo avevo capito solo in quel momento, non era Jungo che cercavo di dimenticare. Stavo cercando di dimenticare la versione di me stessa che lo amava. Quindi ho semplicemente sigillato tutto su di lui”.

 Lo scrittore giapponese a cui dovrà fare da interprete è infatti Jungo che si è recato in Corea per promuovere il suo ultimo romanzo, un romanzo che ripercorre un amore passato, ma che rivive costantemente nel cuore di lui, un amore a cui affida ancora tutta la sua speranza, l’amore per Choi Hong che il ragazzo non ha mai dimenticato e con la quale desidera scusarsi per averla fatta sentire da sola e trascurata.

In pochi giorni, Jungo e Choi Hong rivivono tutte le emozioni che avevano nascosto nel proprio cuore, in momenti di silenzio, di riflessione, di sguardi rubati, quei momenti felici scanditi dal tempo passato. Jungo, nonostante la presenza di Kanna Kobayashi (Anne Nakamura), sua redattrice responsabile, nonché innamorata non corrisposta di lui da ormai alcuni anni, non appena rivede Choi Hong capisce di aver fatto bene a scrivere quel romanzo perché solo così ha realmente compreso cosa abbia potuto provare la ragazza, scrivere per lui è stato un passo verso il suo cuore, lei che correva ogni mattina per superare la sua solitudine.

Le vite di Choi Hong e Jungo sono in realtà ancora legate, nonostante i rimpianti, le attese, le occasioni sfuggite, la lontananza; è come se già le loro anime si fossero scelte prima ancora di conoscersi.

“What Comes After Love” che è tratto dal romanzo “Things that Come After Love” di Gong Ji-yeong e Hitonari Tsuji e che racconta di un amore che va oltre la lingua e i confini nazionali, è uno dei migliori drama usciti quest’anno, complice una colonna sonora meravigliosa, una regia (Moon Hyun-sung) perfetta, delle atmosfere e delle scene che ritraggono gli stati d’animo dei personaggi e infine la coppia Lee Se-young e Kentaro Sakaguchi dei quali personalmente seguo da tempo le loro carriere artistiche e che mi piacciono molto. I due attori, bravissimi, sono riusciti a trasmettere anche nei silenzi, nei loro sguardi ed espressioni, nella chimica che sono stati capaci di creare, la malinconia di una coppia che si lascia, ma che ancora si cerca. Abbiamo percepito ogni emozione dei loro personaggi, il resto, solo poesia.   

“Una stella per i ricordi e una per l’amore. Una stella per la solitudine e una per il desiderio. Una stella per la poesia.

A quanto pare siamo tutti fatti di stelle. La terra è nata dall’esplosione di una stella e così siamo stati creati. Potremmo provenire da razze e paesi diversi, ma alla fine siamo fatti della stessa polvere di stelle”.

Grazia

Il castello errante di Howl

“Sophie, i tuoi capelli si sono tinti della luce delle stelle! Che splendore!”

Ogni cosa che appartiene al mondo de “Il castello errante di Howl” mi è cara, dall’ambientazione, ai personaggi, dalle tematiche ad una colonna sonora che è da sola un capolavoro, ma la prima volta che vidi questa indimenticabile opera del maestro Hayao Miyazaki mi rimase in mente l’immagine di Sophie, da giovane e umile ragazza dalla bellezza discreta ad anziana novantenne che, con forza e caparbietà, riesce ad attrezzarsi ai miracoli. Sophie, ovvero, la bellezza, proprio quella che salverà il mondo! Quella bellezza immutata, quella del cuore che non invecchia mai.

Era il settembre 2004 quando fu presentato “Il castello errante di Howl” in concorso alla 61° Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia dove conquistò il Premio Osella. Quest’anno l’opera di Miyazaki compie vent’anni e, come sempre, tutte le opere del Maestro, sono immortali e costantemente attuali.

“Il castello errante di Howl” è tratto dal romanzo omonimo della scrittrice Diana Wynne Jones, pubblicato nel 1986.   

La protagonista della storia è Sophie Hatter, una giovane ragazza che lavora presso il negozio di cappelli lasciatole in eredità dal padre. Sophie è una persona timida, schiva, ma con una tenacia encomiabile, lo è così anche sul lavoro dove non si arrende mai perché ha promesso che porterà avanti l’attività di famiglia. Un giorno, mentre si reca in pasticceria per trovare la sorella minore Lettie, viene importunata da due soldati che si trovano in città a causa dell’imminente guerra che sta per scoppiare, ma viene salvata da un giovane affascinante, il misterioso mago Howl che prova da subito simpatia per la ragazza.

Una volta tornata in negozio, Sophie riceve la visita della Strega delle Lande Desolate che, a causa delle attenzioni ricevute dal mago, scaglia sulla ragazza una maledizione, trasformandola in un’anziana e impedendole di rivelare la verità su quanto accaduto e sulla sua condizione. La strega da tempo ricerca il cuore di Howl per averlo tutto per sé ed è questo il motivo della sua invidia.

Non potendosi nascondere da nessuna parte, la povera Sophie, anziana, si mette in cammino per raggiungere le Lande e poter chiedere di sciogliere la maledizione, ma, mentre cerca un bastone che possa esserle di supporto, trova in una siepe uno spaventapasseri animato, dalla testa di rapa, che da qui in poi viene chiamato così. La ragazza chiede allo spaventapasseri se sa consigliarle un rifugio per la notte e lui la conduce presso un castello volante in grado di spostarsi da un posto all’altro, questo castello errante non è altro che la dimora del mago Howl.

All’interno del castello, Sophie fa conoscenza con Calcifer, il demone del fuoco che alimenta il castello stesso. Calcifer si accorge che Sophie è vittima di una maledizione, così i due stringono un patto: nel momento in cui la ragazza scioglierà la maledizione che lo lega al castello e ad Howl, il demone scioglierà la maledizione che la rende una donna anziana.

Il giorno successivo Sophie conosce il giovane apprendista Markl e capisce che attraverso una porta magica si possono visitare luoghi diversi dove il mago Howl è conosciuto con differenti identità, il primo luogo sono le Lande Desolate, il secondo è la capitale Kingsbury dove è conosciuto con il nome “Il mago Pendragon” e il terzo è una cittadina di mare, lontana dalla guerra, dove il tempo sembra sospeso e dove Howl è conosciuto con il nome di Jenkins.

Sophie si presenta ad Howl e a Markl come la donna delle pulizie del castello, assunta da Calcifer e inizia pian piano ad adattarsi a questa “strana famiglia” alla quale si unisce anche lo spaventapasseri Testa di Rapa, e ad un nuovo modo di vivere. Howl, in realtà, ha riconosciuto nella anziana donna, la giovane Sophie, incontrata qualche giorno prima, ma si sente in qualche modo sempre più attratto da lei.

La ragazza, nel frattempo, apprende che Howl e Calcifer sono legati da un patto di vita, se uno muore, morirà anche l’altro.

Un giorno il re convoca Howl per combattere in guerra e proprio in questo frangente Sophie capisce che le diverse identità del mago servono a nascondersi e a non dover obbedire alla corona, purtuttavia, Howl teme Madame Suliman, maga di corte sua ex maestra di magia, per cui chiede a Sophie di recarsi al posto suo presso la corte reale, presentandosi come la madre di Pendragon con lo scopo di presentare il figlio come un codardo per non farlo partecipare in guerra. A palazzo la ragazza incontra la Strega delle Lande che sta tentando di riconquistare la fiducia della casa reale, ma al posto dell’accoglienza, la maga Suliman riserba per la strega un trattamento severo, scaricando su di questa tutta la sua potenza e facendole assumere il suo reale aspetto, quello di un’anziana senza memoria. Suliman spiega a Sophie che anche Howl avrà lo stesso trattamento nel caso si rifiutasse di contribuire alla guerra, ma la ragazza, con animo schietto e rigoroso, protesta, indebolendo, con le sue parole piene d’amore, l’incantesimo della strega e tornando giovane per qualche secondo.

Da qui in avanti una serie di avventure, inseguimenti e magie stravolgeranno ancor di più la vita di Sophie che da tranquilla e monotona diventerà qualcosa di straordinario.

Per poter sfuggire a Suliman e per poter interferire nella guerra, Howl si trasforma in uccello rapace, ma ad ogni trasformazione è sempre più difficile per lui tornare alla forma umana. Vengono, poi, modificate le uscite della porta magica del castello, una corrisponde alla casa di Sophie e un’altra alla residenza di infanzia di Howl, un’abitazione in montagna che sorge su un lago circondata da prati in fiore che il mago regala alla ragazza. Per chi ha già visto l’anime sa che queste immagini sono tra le più poetiche e meravigliose del film e corrispondono a quella bellezza senza tempo che risiede nel cuore. 

Camminando sul prato fiorito, Sophie, infatti, cambia continuamente aspetto, da anziana a giovane e viceversa, per poi restare giovane dai capelli color argento.

Nel frattempo, sfuggire alla guerra non è facile e nemmeno agli inganni riservati a Sophie ed Howl, ma il sentimento crescente e la purezza del cuore riusciranno in qualche modo ad arrivare ad una soluzione.

“Il castello errante di Howl” è una pietra miliare per la storia dell’animazione, il maestro Miyazaki è riuscito ad affrontare tutte le tematiche a lui più care, la cura e il rispetto per la Natura, la condanna alla guerra, l’importanza della bellezza dell’anima, il rispetto degli esseri umani nelle proprie diversità ed è per questo che diventa un capolavoro universale e senza tempo.

Alcune piccole curiosità in merito al film. L’animazione è stata realizzata dalla fusione fra tecniche digitali e analogiche. La storia si svolge in un fantomatico paese che ricorda vagamente la Mitteleuropa, tra Alsazia e Austria, mentre per gli edifici Miyazaki si è ispirato alla città di Colmar. Il periodo è collocabile tra fine Ottocento e inizi Novecento, con atmosfere che ricordano lo steampunk.

La bellissima colonna sonora è stata composta dal genio musicale di Joe Hisaishi, nella sua ennesima collaborazione con lo Studio Ghibli. “Merry-Go-Round of Life” è ad oggi uno dei brani più emozionanti scritti per una colonna sonora.

Grazia

Come suona la recensione?

Full Metal Alchemist

“Don’t forget 3 October 1911”.

Anche chi non è pratico di anime e manga e magari non ha mai letto/visto nemmeno un frame di “Full Metal Alchemist” (鋼の錬金術師,  Hagane no renkinjutsushi, che, letteralmente, significa “L’alchimista d’acciaio”) ha sicuramente sentito questa frase, come un ricordo apodittico da non cancellare, una memoria da far rimanere intatta nella mente perché serve come spinta per andare avanti. E, in effetti, quel 3 ottobre rimane impresso nella mente di tutti i fan di questa serie, che, con piacere, aumentano ogni anno, perché è il giorno in cui tutto è scaturito ed è anche il giorno in cui un universo steampunk, sognante e magico al tempo stesso è stato creato, cristallizzato così, in un immaginario Stato di Amestris, retto da un regime militare autarchico e in perenne guerra con i Paesi confinanti, nei primi decenni del XIX secolo, in una terra non tanto dissimile dalla nostra, ma solo alternativa, dove gli sviluppi tecnologici della Seconda Rivoluzione Industriale si incontrano e si scontrano con una tradizione culturale millenaria che fa capo all’alchimia, ovvero all’abilità di trasmutare la materia, comprendendola, scomponendola e ricomponendola, senza variarne le sue proprietà o la sua massa.

In uno sperduto paesino di Amestris, vivono Edward e Alphonse Elric, due fratelli che studiano l’alchimia e coltivano il sogno di diventare alchimisti di Stato, una delle massime cariche istituzionali, ma anche scientifiche. Il padre se ne è andato quando erano piccoli, lasciandoli quasi privi dei ricordi della sua presenza, mentre la madre, Trisha, si è sempre fatta carico del loro sostentamento e della loro educazione come alchimisti. Sul finire dell’estate del 1911, Trisha Elric si ammala e inizia a peggiorare velocemente, lasciando orfani i figli quando le prime foglie autunnali si staccano dagli alberi e toccano il suolo. Edward e Alphonse, che non riescono ad accettare l’improvvisa scomparsa della loro amata madre, fanno il patto di utilizzare le loro nozioni alchemiche per riportarla in vita dalla morte: è il 3 ottobre 1911, quando nei locali bui di casa Elric viene compiuto un rituale alchemico misterioso e proibito, un tabù perché non si limita ad agire sulla materia, ma profana i concetti stessi di vita e di morte. Per questo motivo, i due ragazzi vengono puniti: durante l’esperimento, Edward perde la gamba sinistra, mentre Alphonse perde tutto il corpo. Nel tentativo di tenere legata l’anima di Alphonse al mondo terreno, Edward decide di rinunciare anche al braccio destro (per il principio dello scambio equivalente, per cui in alchimia ogni cosa richiede un “sacrificio”), incastrando l’anima del fratello in una vecchia armatura.

Passano anni e i due fratelli non hanno mai abbandonato il sapere alchemico, che, in qualche modo, ha loro cambiato la vita: Alphonse, che non ha mai perso il suo carattere pacato e calma, sempre pronto ad aiutare il prossimo, vive e interagisce con il mondo nella sua armatura gigante, come un enorme robot; Edward, invece, ha mantenuto intatto il suo orgoglio e il suo piglio accigliato con tutto e con tutti, diventando rinomato per la sua profonda conoscenza delle scienze alchemiche come “l’alchimista d’acciaio”, nomignolo che ha guadagnato anche grazie alle parti meccaniche che la sua amica d’infanzia Winry Rockbell, riparatrice di automail, gli ha costruito per sostituire gli arti persi durante il rituale.

Col tempo, il valore di Edward viene riconosciuto e gli viene tributato il titolo di “Alchimista di Stato”, ma il suo vero obiettivo, in realtà, non è diventare famoso e glorificato, ma trovare l’unico elemento in grado di gestire la trasmutazione e di far riacquistare a suo fratello Alphonse il corpo perduto: la pietra filosofale. Così, i due fratelli si mettono in viaggio per Amestris e per i territori confinanti, conoscono persone di ogni tipo, incontrano gente da aiutare e nemici che non si aspettavano, vengono a contatto con la fame, la povertà, la guerra, l’oppressione e cercano di superare gli ostacoli che si frappongono al loro viaggio, che è crescita e formazione, ma è anche una lenta comprensione del proprio sé, racchiuso in quei sensi di colpa che condizionano, a volte, l’esistenza.

“Credevo che la pioggia avrebbe lavato via tutta la mia tristezza, ma ogni goccia che cade sul mio viso è una lacrima nel mio cuore”.

Mentre spesso uno dei fili conduttori spesso preponderanti nel mondo anime, quello del viaggio in solitario perché in cerca di vendetta, i protagonisti di “Full Metal Alchemist” non nutrono risentimento e rabbia nei confronti di nessuno, se non nei confronti di se stessi, con quel peso dell’errore che diventa quasi peccato originario, quel metallo che si portano addosso sull’anima. Il loro viaggio alla ricerca di qualcosa che possa farli tornare come un tempo e, quindi, ristabilire l’equilibrio che hanno infranto, è anche un viaggio per cercare di perdonare se stessi e la propria colpa. Per questo motivo, non cercano una solitudine estrema, ma una solidarietà comune in cui confrontarsi con persone che possono chiedere loro aiuto per espiare, continuamente senza sosta, quanto avvenuto anni prima. In questo, l’animo dei due fratelli sintetizza il senso di colpa e la ricerca di espiazione dell’animo giapponese dopo la Seconda Guerra Mondiale, oppresso dal marchio delle cattive azioni e guidato dall’etica della sconfitta, l’unica in grado di fornire quel codice di condotta morale per lavare le proprie colpe con la consapevolezza di non farcela.

I due fratelli non sono gli unici a rappresentare una parte dei traumi storici giapponesi, perché ogni personaggio in sé è immerso nel mare del senso di colpa che nutre l’inconscio e nell’autopunizione di non sentirsi adeguati. Così, ad esempio, i militari Maes Hughes, Riza Hawkeve, Danny Brosh e Maria Ross, che adombrano l’ex regime autoritario e la classe militare giapponese prima della guerra, con la sua aspirazione a realizzare il bene, ma le sue pratiche opprimenti; così, anche gli altri alchimisti, tra cui la maestra Izumi, che rappresentano il sapere scientifico e tecnologico, ma anche la sete di conoscenza che ammetteva terribili esperimenti sugli umani; così, ancora, uno dei personaggi meglio costruiti della serie, il criminale ishvaliano, che rappresenta l’anima del popolo Ainu di Hokkaido (l’isola a Nord del Giappone da cui proviene l’autrice stessa del manga e di cui abbiamo parlato qui) e, quindi, la sua lotta per la sopravvivenza e il suo risentimento nei confronti dell’omologazione con la cultura giapponese; così, infine, il cattivo supremo (Padre nel manga, Dante nell’anime per blandire certi aspetti troppo altisonanti e quasi blasfemi) che, con i suoi homunculus, rappresenta l’ideologia che si sparge e manipola le mente e le azioni umane.

“Full Metal Alchemist” è nato quasi per caso dalla mente della disegnatrice e mangaka di Hokkaido Hiromu Arakawa, che aveva intenzione di scrivere una storia one-shot (unico volume) sulla questione dell’alchimia, con personaggi fantastici in cerca della pietra filosofale, e che aveva pescato i due nomi dei protagonisti tra le sue passioni più grandi: Alphonse prende in prestito il nome da Alphonse de Toulouse-Lautrec, padre del pittore Henri de Toulouse-Lautrec ed uno dei personaggi più in vista della Belle Epoque, mentre Edward è chiaramente un omaggio a Tim Burton e ad uno dei nomi più utilizzati dai suoi personaggi (si pensi ad Ed Wood o ad Edward Mani di Forbice). Più la storia prendeva il largo, più la trama si animava di personaggi originali e del cuore della coscienza collettiva giapponese, dove l’alchimia rimane solo il filtro per comprendere il mondo e le sue contraddizioni umane.

“Questo mondo scorre seguendo delle leggi che riusciamo a malapena ad immaginare. Comprendere quel flusso, scomporlo e poi di nuovo ricomporlo: questa è l’alchimia”.

Il manga è stato serializzato e pubblicato sulla rivista Monthly Shonen Gangan di Square Enix a partire dal 2001 (in Italia a partire dal 2006) fino al 2010 per un totale di 27 tankobon ed è stato trasformato nella serie televisiva anime omonima dallo Studio Bones tra il 2003 e il 2004 (in Italia sempre a partire dal 2006). Nel 2009, è arrivata una nuova serializzazione anime, dal titolo “Full Metal Alchemist: Brotherwood“, che, di fatto, rilegge la stessa storia della prima, ma in modo più fedele al manga e con qualche accorgimento narrativo in più: in questo secondo caso, ad esempio, la storia inizia dal mezzo delle avventure dei fratelli Enric, mentre il tragico incidente del 3 ottobre 1911 è narrato in flashback, facendo aumentare anche l’impatto emotivo stesso. Esistono anche due film legati alla serie (“Fullmetal Alchemist – The Movie: Il conquistatore di Shamballa“, concepito come finale della serie animata, e “Fullmetal Alchemist – La sacra stella di Milos“, non basato sulla storia del manga, ma relativo ad una storia originale), sei OAV (tre riassuntivi della prima serie e tre della seconda) e un film in live action diretto da Fumihiko Sori e interpretato da Ryosuke Yamada. Dato che l’autrice si è ispirata a diversi scenari toscani e dell’Italia centrale per ricostruire l’ambiente del fantomatico Stato di Amestris, il film live-action è stato quasi interamente girato a Volterra e nei suoi dintorni, dando un sapore medioevole alla storia.

“Full Metal Alchemist” è una fiaba umana, che fa riflettere sul tempo, sul calore della famiglia, anche non di sangue, sul legame tra fratelli/sorelle, sull’umanità e la sua meravigliosa imperfezione (“Il mondo è imperfetto. È per questo che è così bello“), sul futuro e sul credere in se stessi e negli altri (“Credere nei bambini e proteggerli. Questo è il compito degli adulti“), sul senso del sacrificio e sul dolore, che cambia se stessi e insegna l’empatia che, poi, diventa coraggio, pronto a sopportare e ad affrontare le avversità.

“Non si impara nulla da una lezione senza provare dolore, proprio come non puoi guadagnare senza sacrificare qualcosa in cambio. Ma, quando superi il dolore e impari la lezione, ottieni in cambio un cuore forte ed insostituibile… un cuore d’acciaio”.

Laura

Come suona la recensione?

Ma anche:

Healer (ovvero: della verità, della giustizia e di un uomo solitario che cerca se stesso)

“Un corriere della notte. Esiste quel tipo di lavoro. Tutto quello che ho sentito su di lui erano solo voci. Ma sai come sono le voci. Sono esagerate ed enfatizzate. Ma, per me… Il mio cuore inizia a battere forte. Finisco con il fantasticare su di lui. Così è iniziato il mio secondo amore non corrisposto”.

Chiodo nero di pelle allacciato quasi fino alla gola, felpa con cappuccio, cappellino calato sugli occhi, sguardo nascosto da occhiali speciali, auricolari nelle orecchie, mentre veglia sulla città: così ci è apparso per la prima volta il personaggio protagonista di questo drama del 2014, “Healer” (힐러), ovvero il misterioso “fattorino” che viene incaricato di consegne e missioni particolari e che agisce come un vigilante notturno per la città di Seoul. Ed è stato subito amore eterno (o “Eternal Love”, come recita la canzone portante della colonna sonora, interpretata da Michael Learns to Rock). Perché quel fattorino vestito di nero rappresenta il senso di giustizia e la costante ricerca della verità ed è un eroe positivo in tutti i sensi, non solo per le sue doti e per le sue abilità nelle arti marziali, ma soprattutto per la sua umanità, che lo caratterizza in qualsiasi momento. E, naturalmente, qualsiasi spettatore, come la protagonista di questo drama, di cui sono le parole dell’incipit, ha compreso quanto fosse importante quell’amore non corrisposto con uno dei personaggi più leggendari di sempre.

Per tutti questi motivi, è giusto premettere che con questo drama ci stiamo confrontando con un pezzo classico e, al tempo stesso, uno dei prodotti più autentici dell’animo sudcoreano, scritto e girato quando ancora i k-drama non andavano di moda in Occidente e non vi erano particolari obblighi di apprezzamento con i canali di streaming, ma potevano trattare tutte quelle tematiche care alla cinematografia dell’Estremo Oriente (l’amore che parte da lontano e rimane persistente, il tragico passato dell’infanzia, l’inchiesta nella ricerca della verità, il filo conduttore della vendetta o, meglio, della punizione dei malvagi), portate avanti con quella narrativa costituita da soave lentezza e scatti veloci d’azione e nascondendo, al tempo stesso, le reali ferite di una terra che faceva i conti con il proprio passato. “Healer“, infatti, nel suo incastro perfetto tra action, crime e romance, non è altro che lo specchio stesso della Corea del Sud, che tenta di uscire dai decenni di regime e di costruire una democrazia lontana dalla corruzione, ponendo la propria fiducia nel futuro.

Seo Jung-hoo (interpretato da Ji Chang-wook di “Welcome to Samdalri“, “Suspicious Partner“, “The Sound of Magic” e tanti altri) non è un ragazzo comune: con il nome in codice di “healer” si finge un fattorino notturno, ma accetta, in realtà, diverse missioni pericolose per i suoi clienti, che possono andare dal recupero di soldi, alla ricerca di indagini, alla protezione di qualcuno e che sono portate avanti grazie alle sue abilità in tutti i tipi di lotta, al suo equipaggiamento hi-tech e al supporto di due donne particolari e sopra le righe, Jo Min-ja detta l’Ajumma Hacker (interpretata da Kim Mi-kyung) e Kang Dae-yong detta l’Assistente (interpretata da Taemi), le uniche due persone di cui Jung-hoo abbia mai registrato il numero di telefono nella rubrica del suo cellulare (“Ho solo tre numeri salvati sul mio cellulare. Quello dell’Ajumma, della mia subordinata e del mio ristorante preferito di pollo fritto“).

In realtà, Jung-hoo non è il primo “healer” che ha vegliato sui tetti di Seoul, visto che ha ereditato la sua professione dal cd. Master (interpretato da Oh Kwang-rok), figura a metà tra il paterno, il ferreo allenatore di arti marziali e il giustiziere misterioso che agisce da solo, e, come tale, è sempre tenuto sotto osservazione non solo dal suo maestro, ma anche dal detective della polizia Yoo Dong-wol (interpretato da Jo Han-chul di “The Law Café“), convinto della sua natura criminale.

Però, nonostante l’obiettivo di Jung-hoo sia quello di accumulare soldi per sparire dal consorzio umano e andare a vivere in solitaria su un’isola tropicale, la sua retta condotta di vita gli ha imposto di non accettare mai alcun lavoro che possa anche solo lontanamente includere comportamenti delittuosi e omicidi. Ed è così che finisce per accettare un incarico da Kim Moon-ho (interpretato da Yoo Ji-tae di “Money Heist Korea: Joint Economic Area“), uno dei più importanti e famosi giornalisti di Corea, che si sente intrappolato in un passato irrisolto (“La mia vita dipende dal passato. Di conseguenza, non ho un futuro“). L’incarico consiste nel trovare e, successivamente, proteggere Oh Ji-an, considerata scomparsa da bambina, dopo un terribile incidente che ha coinvolto la sua famiglia nel 1992, quando esplose un incendio in una radio libera. Si trattava di una di quelle piccole stazioni radiofoniche fastidiose e ferme nei propri ideali, che era stata fondata da cinque amici con la passione per la verità nel 1980 e aveva lottato contro il regime autoritario per favorire il ritorno alla democrazia. Moon-ho, che è il fratello minore di uno dei pochi sopravvissuti all’incidente, Kim Moon-sik (interpretato da Park Sang-won di “Signal“), si sente in colpa per quella notte che ha cambiato il destino di tante persone e persegue la carriera di giornalista proprio per trovare sempre la verità in ogni cosa (“Il mio sogno è non sognare. Da quel giorno, continuo a fare lo stesso sogno. Per alcuni mesi, quel sogno è rimasto quiescente. Ma poi è tornato ad ossessionarmi. Ho commesso un crimine. Il mio crimine è il mio silenzio“).

Jung-hoo scopre che Oh Ji-an è viva, ma ha perso le memorie del passato e, dopo diverse vicissitudini che l’hanno traumatizzata durante l’infanzia, ha assunto il nome di Chae Young-shin (interpretata da Park Min-young di “When the Weather is Nice“, “What’s Wrong With Secretary Kim?“, “Marry My Husband” e tanti altri), una giovane reporter idealista e romantica, fissata con Oriana Fallaci, desiderosa di una carriera giornalistica come quella di Kim Moon-ho e con un debole per i dinosauri (perché, quando è ubriaca, parla quasi esclusivamente come una mancata paleontologa), che vive insieme al padre adottivo avvocato (interpretato da Park Sang-myung) in una caffetteria gestita da ex detenuti redenti. Ma Jung-hoo, che, per avvicinarsi a Young-shin assume l’identità di Park Bong-soo, impacciato aspirante reporter in forza nella stessa testata online, scopre pure che Young-shin si dice innamorata non corrisposta del famigerato “healer” che salta sui tetti, pur senza averlo mai visto in viso, da quando, un giorno, è stata salvata da lui.

Ma la vita è più complicata rispetto al previsto e le vite degli esseri umani spesso sono così intrecciate e interconnesse tra loro da risultare impossibile occuparsi di una sola di queste senza aver cura delle altre. Così, gli incubi di infanzia di Young-shin sono parte integrante dell’eterno senso di colpa di Moon-ho e della solitudine di Jung-hoo, tre anime che vagano alla ricerca di risposte con cui placare quei traumi e quelle angosce del passato per poter trovare un vero futuro alla propria esistenza. E, nonostante tutti e tre siano delle piccole isole alla deriva, scoprono di poter diventare un arcipelago insieme, unendo le forze non solo per indagare e capire cosa sia successo in quella notte del 1992, ma anche per comprendere e ritrovare se stessi, la propria identità, mascherata e costretta ad indossare artifici per non essere colpita dal mondo. Come afferma Jung-hoo, condannato sin dall’infanzia a vivere nell’ombra della mitica figura di un vigilante senza nome, la cosa più importante di quando si cerca la verità è cercare di trovare il proprio io, soppresso e celato in un’oscurità imposta dal mondo:

“Da quando sono nato, fino ad ora, per me vivere era una cosa inutile. Nulla era divertente. “Poiché sono nato, devo per forza vivere”. Ecco come mi sentivo. Ogni giorno sembrava una forzatura. Ma, ora, penso che le cose stiano diventando interessanti. Il mio cuore sta battendo forte. È la prima volta.”

Sono tanti gli ingredienti che hanno reso questa serie non solo un successo, ma una vera e propria pietra miliare nel panorama dei k-drama: la colonna sonora, le interpretazioni magistrali di tutti gli attori (non c’è una sbavatura nella recitazione da parte di nessuno ed è una coincidenza veramente difficile e rara per qualsiasi prodotto), l’incastro perfetto tra la trama crime e la lettura romance, le scene d’azione girate da Ji Chang-wook senza controfigure per rendere più reale il suo fattorino notturno, la storia originale e la sceneggiatura ben elaborata, piena di colpi di scena. Però, su tutto campeggia quella sottotrama che è veramente parte della storia della democrazia sudcoreana: cinque amici, uniti dalla ricerca di giustizia e verità e aspiranti al cambiamento democratico di una nazione costretta a vivere decenni di autoritarismo, che, ad un certo punto, decidono di unirsi con un obiettivo comune, ovvero cambiare il mondo con la loro parola, fondando una radio libera. Perché la parola è tutto ed è creazione di fatti e di eventi, di idee e di speranze. Ed è così che i cinque amici hanno vissuto insieme quegli anni tumultuosi che hanno portato alla transizione democratica, convinti di essere determinanti per il cambiamento. Il nome di Min-ju, come fantomatico radioascoltatore delle loro notizie e persona della cui ricerca viene lanciato continuamente l’annuncio, suona in coreano in modo simile alla parola “democrazia” (minjujuhui 민주주의, abbreviato in minju 민주).

“A voi che state ascoltando questa diretta! Intendo voi! Sì, proprio voi! Le trasmetterete queste parole quando la vedrete? Che la stiamo cercando disperatamente. Ehi tu! Dove e cosa stai facendo esattamente?! Sai quanto disperatamente ti stiamo cercando? Eh?! Min Ju. Min Ju (democrazia). Dove sei?“.

Purtroppo, anche le idee più nobili possono essere tradite da chi le propugna e la recente storia della transizione democratica sudcoreana non è priva di fatti dolorosi e di tradimenti di ideali, così come non è stata scevra da fatti di corruzione e di appropriazione di potere con nuovi gruppi di pressione emergente, la strabordante influenza dei chaebol e la delusione che il nuovo assetto socio-politico ha generato (a partire soprattutto dalla crisi economica del fondo monetario internazionale del 1997).

Eppure, per quanto possa fare male, la verità è sempre l’unica soluzione plausibile in un mondo dove il senso della giustizia è contaminato spesso dagli stessi che lo hanno difeso. Ma la verità non può fare nulla, se non è illuminata dall’umanità, da quella profonda comprensione umana per il prossimo, che rimane schietta, conservando la propria umanità.

“Dobbiamo credere in qualcuno. Su cinquanta persone di cui ti fidi, sicuramente una ti pugnalerà alle spalle. Ma non devi vivere dubitando delle altre quarantanove, solo per quest’unica persona”.

Laura

Come suona la recensione?

Cronache dal Mondo Pop – Milano Comics & Games (settembre 2024)

Ma ciao a tuttiiiiiii! Sono Alessandra ed eccomi di nuovo alla tastiera per raccontarvi il Milano Comics & Games di Settembre 2024 (lo so è tipo in ritardo perché onestamente mi sono dimenticata di inviarlo alle fantastiche Admins). Cooooomunque, iniziamo!!!

Come già sappiamo troviamo gli stand di ogni cosa che ci rappresenta sia per il mondo nerd che per il mondo otaku, alcuni dei venditori sono quelli fissi che troviamo in ogni edizione e nello stesso posto, ho visto veramente molti lavoratori indipendenti che vendevano le loro creazioni e devo dire che da alcuni ne rimanevi veramente affascinata, ovviamente c’era anche l’area lego che non può mai mancare! Vedere tutti questi bambini che costruiscono mi riempie di gioia: tutti amano i lego!!!

Ci sono stati dei cambiamenti nel primo padiglione perché hanno spostato i videogiochi degli anni 80/90 e strutturato diversamente le postazioni da gaming e il ring per il wrestling, la seconda cosa che hanno cambiato è la postazione del palco principale che al posto di essere situato al centro del locale lo hanno messo di lato, la sezione autografi è stata trasferita nel padiglione inferiore perché al suo posto hanno deciso di fare l’area vietata ai minori di 18 anni chiamata area VUEMME18 dove per accedere bisognava mostrare i documenti d’identità: ora non so ben dirvi cosa c’era dentro perché non ci sono entrata (ahah!), gli ospiti che rappresentavano il settore ovviamente erano lì.

Anche l’area fotografica con i vari sfondi è stata trasferita all’interno del padiglione anziché nel corridoio d’ingresso, l’area esterna come sempre era dedicata al food e al mini palco che è dedicato al kpop.

Ed è esattamente quest’area la mia preferita, sempre rappresentata dal fantastico gruppo K.S.T; ho assistito alla giornata di sabato e sono riuscita a fare dei mini video dei partecipanti al contest, davvero tutti bravissimi!!!

Sono riuscita a vedere una piccolissima parte dell’intervista alla doppiatrice Rossa Caputo, mi spiace essermi persa Enzo Draghi e il doppiatore Davide Garbolino, ma sarà per il prossimo evento.

A fine serata, proprio come a maggio dalle 19,00, l’ingresso è diventato gratuito e l’unica area aperta era quella esterna dove vi era un complesso che suonava e potevi comprare da mangiare scegliendo dai furgoncini.

In questa edizione sono andata anche di domenica dove però mi sono dedicata a fare acquisti e vedere i vari ospiti che erano nel palco principale, uno dei miei preferiti è stato Edoardo Brugnoli (non so se lo conoscete, in tal caso andate subito a cercarlo) e Danilo Bertazzi: cioè, come non amare Tonio Cartonio, COMEEEE?.

Tantissimi ospiti e tantissimi cosplay davvero lavorati benissimo; andare in queste fiere mi emoziona davvero molto, scambiare parole, fare foto, trovare amici e fare nuove amicizie è sempre un’emozione che scalda il cuore, perché vedere persone che anche se non conosci, ma che hanno le tue stesse passioni fa camminare tutto il tempo con il sorriso e vedere che niente è impossibile e che alla fine tutti un pochino ci assomigliamo.

E anche per questa edizione è tutto!!! Ci si legge al prossimo articolo!!!

Ciauuuuuuuu

Alessandra

Suspicious Partner

Se c’è una frase di questo drama che mi è particolarmente rimasta nel cuore è quando la protagonista motiva la sua decisione di intraprendere la carriera forense per aiutare coloro che nella vita vengono accusati ingiustamente:

“Innocenti che sono stati fraintesi dal mondo e incastrati ingiustamente”

Eun Bong-hee (Nam Ji-hyun di “Good Partner”, “Piccole Donne”) sogna di diventare avvocato ed è apprendista presso la “Judicial Research and Training Institute”, nella sua vita ha come desiderio quello di dedicarsi a questa carriera per riscattare il padre morto, ma accusato, molti anni prima, dell’incidente che ha portato alla morte alcune persone. La caparbietà e la persistenza sono due preziose abilità di cui è dotata la ragazza.

Un giorno, in metropolitana, mentre si reca a lezione, Bong-hee scambia Noh Ji-wook (Ji Chang-wook di “Welcome to Samdal-ri, “The Sound of Magic”, “Healer”) per un molestatore e così il loro primo incontro non è perfettamente dei migliori, per di più la giornata della ragazza prende ancora più una svolta negativa quando scopre di essere tradita dal proprio fidanzato.

Bong-hee rincontra nuovamente Ji-wook che, in un determinato momento di imbarazzo, a causa dell’effetto di una sbornia, le evita una brutta figura proprio davanti al suo ex fidanzato.

Qualche tempo dopo, Bong-hee, prima di iniziare il suo tirocinio, scopre di essere stata affidata al procuratore Noh Ji-wook, proprio colui che aveva sbagliato ad accusare come molestatore. All’inizio l’impatto è difficile, ma pian piano Bong-hee, nel suo periodo di affiancamento, riesce, invece, ad apprendere e a stimare le metodologie di lavoro di Ji-wook, la sua preparazione e il suo profondo senso di giustizia che spesso mette a disagio i colleghi, vista la sua imperturbabile determinatezza ad affrontare i casi.

La vita di Bong-hee, però, sarà presto sconvolta dall’omicidio del suo ex fidanzato che viene trovato morto pugnalato proprio a casa di Bong-hee dove si era recato, ignaro dell’assenza della ragazza, per tentare di riavvicinarsi a lei.

Chi ha deciso di uccidere l’ex fidanzato e perché? Visto il movente plausibile e in mancanza di prove precise, Bong-hee viene arrestata per omicidio. La ragazza giura di non aver commesso alcun crimine, ma in pochi le credono e così inizia il suo periodo di prigionia. Ji-wook diventa il procuratore del suo caso e, riconoscendo il profondo senso etico della ragazza e il suo buon cuore, decide di crederle e di dimostrare che non è stata lei ad aver commesso l’omicidio, così riesce a scagionarla, ma, a causa di ciò, è costretto a dimettersi da procuratore e ad aprire un suo studio privato di avvocato.

Bong-hee si sente in colpa per quel che è accaduto e non sa darsi pace nel tentativo di trovare la persona che ha ucciso il suo ex fidanzato e che le ha rovinato la vita, rendendola per sempre, agli occhi di tutti, una persona sospetta e compromettendo l’esistenza anche di altre persone accanto a lei.

 Bong-hee e Ji-wook inizieranno a collaborare insieme, avendo come obiettivo comune quello di far luce sulla verità. Con determinazione e con l’aiuto di persone fidate e collaborative formeranno un ottimo team, tra loro si creerà un rapporto di complicità unico che li avvicinerà molto nella vita e nel lavoro, soprattutto dopo che la vita di Bong-hee sarà minacciata dal killer del suo ex fidanzato che ha in realtà lasciato dietro di sé una scia di sangue e un movente alquanto misterioso, qualcosa che lo lega ad una conoscenza o forse ad un evento passato.

“Suspicious Partner”, è un legal drama e per questo presenta tutti gli elementi perfetti, tipici di un legal drama, ma con il prezioso inserimento della commedia e del romance, affidando ai due protagonisti sia le parti drammatiche che quelle più “leggere”. Bravissimi gli attori che riescono pienamente a coinvolgere lo spettatore all’interno della storia nel susseguirsi di momenti di suspense e di tensione a momenti emozionanti e commoventi o a piccoli attimi romantici che non guastano per niente la continuità della narrazione.

Nel cast altri interpreti da ricordare: Choi Tae-joon (“So I Married an Anti-Fan”) nei panni di Ji Eun-hyuk, ex migliore amico di Ji-wook che, dopo un fatto personale molto rilevante, viene allontanato da Ji-wook, anche se lui non fa altro che cercarlo. Dietro il suo sorriso, la sua allegria quasi forzata, si nasconde un grande senso di colpa nei confronti dell’amico d’infanzia per averlo tradito nella sua fiducia. Personalmente mi è piaciuto molto il personaggio di Ji Eun-hyuk, ho apprezzato il suo graduale miglioramento, l’umiltà nel chiedere scusa e la perseveranza, oltre alla capacità di realizzare e comprendere i propri limiti.

Da ricordare anche il procuratore Cha Yoo-jung (Kwon Na-ra di “Itaewon Class”,”Bulgasal”), ex fidanzata di Noh Ji-wook, che ha tradito il ragazzo in un momento in cui si sentiva esclusa dalla sua vita e non più importante. Il suo personaggio non suscita da subito simpatia, ma durante gli episodi lo si comprende nei comportamenti e nel suo lato emotivo, in un continuo tentativo di farsi accettare, anche solo cercando di aiutare dall’esterno il team di Ji-wook.

Infine, la presenza di due interpreti come Lee Deok-hwa (“Business Proposal”) nei panni di Byun Young-hee, avvocato e padre adottivo del protagonista, amico, insieme a sua moglie, dei genitori di Ji-wook e Jang Hyuk-jin (“Dr. Romantic”) nei panni di Bang Eun-ho, fedelissimo collaboratore. Ad entrambi è affidato un ruolo chiave, sdrammatizzare alcuni momenti, ma ragionare anche di cuore, due figure adorabili che vorremmo avere accanto a noi per supportarci.

Tematica che ho davvero apprezzato è quella delle ferite d’infanzia rivissute dai due protagonisti, entrambi derubati da quelle che sono le sicurezze di un bambino: i genitori. Ji-wook ha perso entrambi i genitori morti in circostanze drammatiche, Bong-hee ha perso il padre e, con grande impegno, vuole riscattarlo da qualcosa che non ha mai fatto. I ricordi d’infanzia in entrambi i protagonisti entrano prepotentemente nelle loro vite da adulti e saranno testimoni della loro crescita interiore e nel superamento degli ostacoli.

Altra tematica affrontata all’interno della storia è quella della fragilità che ogni personaggio porta con sé, dal senso di colpa di Eun-hyuk, alla paura di essere accusati ingiustamente che tormenta Bong-hee e la sua famiglia, quasi una maledizione generazionale, al timore dell’abbandono di Ji-wook, al bisogno di affetto e di amore di Cha Yoo-jung e, persino l’amnesia dissociativa di cui soffrirà il killer ricercato da tutti.

“Suspicious Partner” ha il merito di entrare in sintonia con lo spettatore che, alla fine della visione, proverà un senso di nostalgia nel dover lasciare tutti i protagonisti ai quali ci si affeziona con tutto il cuore, alle loro storie e al loro futuro.

Grazia

Come suona la recensione?

Serendipity’s Embrace

Nella vita quante coincidenze incontreremo?

A volte, le coincidenze ci passano accanto senza che ce ne accorgiamo.

Nella vita quante coincidenze accadono?

A volte queste semplici coincidenze cambiano la direzione della nostra vita. Ciò che è chiaro è che dietro ogni coincidenza si nasconde una decisione che abbiamo preso.

Quando parliamo di serendipità potremmo aprire un capitolo dedicato a questo termine che fu coniato nel 1754 dallo scrittore inglese Horace Walpole e che lo trasse direttamente dalla fiaba “The Three Princes of Serendip”, antico nome dell’isola di Ceylon, oggi Sri Lanka.

Cos’è la serendipità? La capacità di scoprire cose inaspettate e inattese mentre si sta cercando altro, ma è anche la condizione perfetta per far accadere quelle sincronicità o quelle coincidenze importanti e significative che cambiano la vita.

Ed è così che in questa storia il concetto di serendipità, richiamato nel titolo del drama, diventa un tutt’uno con le vite dei protagonisti e contribuisce in qualche modo alla consapevolezza dei loro sentimenti. Per poter sfruttare positivamente le influenze della serendipità bisogna, infatti, affrontare la vita come un viaggio ed essere pronti a trasformare ogni avvenimento e ogni casualità in una nuova opportunità, perché dal concetto di serendipità nasce la felicità che è già racchiusa in qualche antro della mente, basta riuscire a liberarla.

“Serendipity’s Embrace” è una serie abbastanza breve, composta da 8 episodi che alterna due piani temporali, il presente e il passato, caratterizzato dai vari flashback di entrambi i protagonisti e devo ammettere di aver apprezzato molto questa scelta narrativa che ha impreziosito la storia e che è stata utile per capire meglio i personaggi, il loro carattere nel passato e come la vita li ha trasformati dopo dieci anni.

Lee Hong-joo (Kim So-hyun, “Love Alarm”, “My Lovely Liar”) lavora come produttrice di animazioni, ha un atteggiamento cinico nei confronti dell’amore e soprattutto dell’innamoramento, ferita da una relazione sofferente con lo scrittore Bang Jun-ho (Yoon Ji-on, “Love Next Door”, “Tomorrow”). Bang Jun-ho è stato il primo amore di Hong-joo che lo ha seguito fin dagli esordi come scrittore, ma l’atteggiamento egoistico del fidanzato e la rottura della loro relazione, nella quale la ragazza aveva riposto sogni e aspettative, hanno causato nel cuore di Hong-joo un’ansia e una paura tali da impedirle di aprire nuovamente il suo cuore.

Nei flashback del passato Lee Hong-joo, studentessa delle superiori, era, invece, una ragazza innamorata del concetto d’amore che con entusiasmo, incanto e una carica di energia desiderava aiutare l’amica Kim Hye-ji (Kim Da-som) a dichiararsi con Kang Hoo-yeong consegnandogli una lettera d’amore.

Kang Hoo-yeong (Chae Jong-hyeop, “Eye Love You”, “Castaway Diva”, “Sisyphus: The Myth”) ritorna in Corea del Sud, dopo dieci anni trascorsi negli Stati Uniti dove si è trasferito con la famiglia, è diventato un manager e consulente finanziario e ha sempre nutrito quell’affetto nostalgico per il suo primo amore, proprio Lee Hong-joo.

Nei flashback del passato, infatti, Kang Hoo-yeong, bravo e talentuoso studente di scuola superiore, è sempre stato innamorato di Hong-joo, ma la ragazza credeva di essere coinvolta solamente da Bang Jun-ho e non aveva preso in considerazione eventuali sentimenti nei confronti di Hoo-yeop.

Un giorno, per caso, dieci anni dopo essersi allontanati, in seguito al trasferimento negli Stati Uniti, i due ragazzi si incontrano a Seoul. Nel cuore di Kang Hoo-yeong, quel sussulto per aver visto il suo primo amore dei tempi della scuola superiore lo trasporta in un clima di nostalgia e malinconia sospesi e si chiede come mai non sia riuscito a confessare i suoi sentimenti alla ragazza. Anche nel cuore di Lee Hong-joo accade qualcosa che nemmeno lei sa spiegare, forse, però, la ragazza lo ha sempre compreso, ma non pienamente accettato, credendo di essere destinata ad una storia d’amore con Bang Jun-ho, non prevedendo altro. Le emozioni e i sentimenti, però, sono imprevedibili come i sorrisi e le lacrime e, in questa storia, il potere dei ricordi perduti riesce a conquistare il presente e a cambiare le premesse per un futuro diverso, così tra i protagonisti inizierà una delicata storia d’amore. Ed ecco il concetto di serendipità di cui abbiamo accennato nell’incipit, il potere di sfruttare la casualità a nostro vantaggio, così come fa il protagonista dopo aver incontrato il suo primo amore, così come la protagonista che trova in questo incontro casuale la possibilità di guardare dentro il suo cuore e di risvegliare quella personalità che aveva nascosto dopo le delusioni d’amore. L’imprevisto che si trasforma in fortuna e che trasforma l’andamento delle vite. 

Il punto di forza di questo drama è l’aver presentato una storia normalissima, senza colpi di scena, ma con dei personaggi con i quali chiunque potrebbe immedesimarsi, una serie che parla in modo delicato di consapevolezza emotiva, ovvero riconoscere, comprendere e gestire le proprie emozioni e farle interagire con la realtà, anche all’interno di una relazione che richiede rispetto ed equilibrio.

La storia dei due protagonisti è molto dolce e rappresenta proprio la consapevolezza dei loro sentimenti, Lee Hong-joo che deve ricominciare a credere in se stessa e alla propria emotività, Kang Hoo-yeong che deve, invece, imparare a fare della propria costanza il vero punto di forza. Accanto ai due protagonisti tanti altri personaggi che hanno arricchito il drama, a partire dall’amica di Hong-joo, la timida e imbranata Kim Hye-ji, ormai diventata insegnante d’inglese, che persegue la sua idea di amore, l’amicizia tra le due ragazze che si sostengono nelle delusioni e nelle avversità della vita è molto ben rappresentata; Kwon Sang Pil (Lee Won-jung), amico d’infanzia del protagonista che gestisce, dieci anni dopo, un ristorante dove Hong-joo e Hye-ji sono clienti abituali; Gyeong-taek (Hwang Seong-bin), insegnante di educazione fisica e collega di Kim Hye-ji per la quale ha una cotta, Baek Wook, lo zio di Kang Hoo-yeong, sempre presente ad aiutare il nipote e gli altri ragazzi e molti altri.

“Serendipity’s Embrace” è tratto dall’omonimo webtoon scritto da Nam Ji-eun e disegnato da Kim In-ho, la serie, invece, è stata diretta da Song Hyun-wook, noto per “Another Miss Oh” e “The King’s Affection”.

Nella vita quante coincidenze incontreremo?

A volte, le coincidenze ci passano accanto senza che ce ne accorgiamo.

A volte, queste semplici coincidenze cambiano la direzione della nostra vita.

Grazia

Come suona la recensione?

Sperimentalismo, dimensione onirica e metateatro: Seven Orifices & Memories

“La realtà è una semplice illusione, sebbene molto persistente“

(Albert Einstein)

Che cos’è la realtà? Esistono davvero momenti in cui realtà e finzione si confondono, o, meglio, in cui la realtà appare come una mera illusione, mentre l’illusione stessa diventa realtà? Sono domande su cui si sono spesso interrogati autori e artisti di ogni genere e che trovano sfogo in due vie, per così dire, sospese a metà tra illusione e realtà perché hanno in sé le caratteristiche dell’una e dell’altra. Si tratta della via dei sogni, dove la dimensione onirica prende il sopravvento e si sostituisce alla realtà fenomenica perché la prima esprime l’essere di contro all’esistere della seconda, e della via del teatro, dove il sipario stesso crea una voragine e una finzione, mette in scena commedie che potrebbero essere reali e incrementa l’identificazione dello spettatore con i personaggi (o, forse, per usare un artificio degno da Pirandello, di questi ultimi con gli spettatori/lettori).

Il metateatro (ovvero “il teatro nel teatro”) è un espediente teatrale con il quale la finzione scenica rimanda direttamente al mondo del teatro, offrendo l’azione di personaggi consapevoli della finzione che essi stessi stanno agendo e rompendo, così, la cosiddetta “quarta parete”, quel muro illusorio tra palco teatrale e realtà, creando un nuovo spazio teatrale, consapevole della sua illusorietà, ma anche molto più reale della realtà.

Abbiamo deciso di raccogliere qui due piccoli prodotti di nicchia, che sono dei veri e propri esperimenti, dove dimensione onirica ed espediente metateatrale si incrociano in uno spazio tutto nuovo, illusorio e reale al tempo stesso. Si tratta del drama giapponese “Seven Orifices” e del mediometraggio coreano “Memories“.

SEVEN ORIFICES

8 episodi (Giappone, 2024)

Cast: Hirahara Tetsu, Kokoro Morita, Tomoko Nakajima, Kanji Furutachi, Shota Sometani, Taishi Nakagawa, Shin’ichi Tsutsumi, Moka Kamishiraishi, Masataka Kubota

Diretto da: Takuya Kato

“Quando ci si trova davanti a un ostacolo, la linea più breve tra i due punti può essere una linea curva”.

(Bertold Brecht)

Improvvisamente, si materializzano nel cielo o in diverse zone della terra sette enormi voragini, che sembrano quasi esseri viventi, creature pulsanti e misteriose, che si presentano agli umani come orifizi incastrati nella natura e che sembrano essere una porta per altri mondi. Nessuno sa da dove vengano, né che cosa siano e tutte le spedizioni inviate al loro interno hanno fatto perdere le loro tracce, pur senza dare segnali di morte. Si inizia a diffondere la credenza che possa trattarsi di un cancello per una vita migliore, un posto di beatitudine dove si possa riposare e costruire un mondo alternativo. Prese da questa credenza, nel mese di dicembre, annunciato come il mese del festival di celebrazione per gli orifizi, otto persone di riuniscono in una casa sotto l’egida del cosiddetto Professore Ozawa, figura misteriosa a metà tra il filosofo onnisciente e il capo-setta, emersa come da un film di Takeshi Kitano, che sembra sapere tutto di ogni cosa, ma non si sbilancia mai in alcuna convinzione, permeando tutto con la sua aura di autorevolezza. Gli otto volontari si decidono ad organizzare la loro partenza verso quei buchi, secondo date prestabilite nello stesso mese di dicembre, ma, prima, scelgono di narrare le proprie vite e la ragione per cui si sono offerti per questo esperimento.

Quella che, in un primo tempo, sembrava una storia sci-fi surreale e atipica (a metà tra la serie classica “Ai confini della realtà” e la più moderna e disturbante “Black Mirror“), narrata con una voce esterna non onnisciente, ma a tratti sarcastica e ironica, come un fumetto anni ’60, si sviluppa, poi, come un’opera ibrida tra fiction e teatro brechtiano. I fatti narrati da ogni personaggio, infatti, prendono vita in una rimessa spoglia e priva di scenografia, di trucchi scenici e di cambio di costumi, dove le case sono tratteggiate, le porte sono invisibili e i mobili sono sospesi (un po’ come nel film “Dogville” con Nicole Kidman) e dove i personaggi rimangono gli stessi, dall’infanzia alla maturità, in tutte le fasi della propria vita, interpretati dal volontario a cui è dedicato ogni singolo episodio e che svolge il doppio ruolo di interprete della propria storia e di voce narrante, staccandosi dal fondo teatrale per spiegare direttamente al suo pubblico.

“Ma, alla fine, tu non entrerai nei buchi, vero?“, è la domanda che pone al Professore Okamoto (Masakataka Kubota), incaricato di registrare le memorie e i racconti dei volontari e, pertanto, investito del compito di partire per ultimo. Domanda che viene accolta da una risposta di silenzio del Professore, ma un silenzio profondo che sa scavare nell’animo. Esiste davvero una salvezza e una redenzione in quei buchi o la vera salvezza è contenuta dentro noi stessi, in quella voragine della coscienza depositaria di memorie, ricordi ed emozioni che vi sono associati? Come sentire l’aroma del caffè sotto la neve e ricordarsi di un frammento di passato, una memoria sopita che riemerge per aiutare ad affrontare il futuro.

Non è un’opera semplice da vedere, ma è uno degli esperimenti televisivi più interessanti e particolari degli ultimi anni, dove le riflessioni e le interpretazioni di fondo sarebbero molteplici e forse anche infinite, visto che il mistero dei sette orifizi rimane intatto per tutti gli episodi, mai svelato da nessuno dei personaggi, ma dove il dubbio si insinua nelle menti umane come uno sviluppo del loro pensiero cartesiano e una risoluzione dei propri problemi. Filosofico e psicologico al tempo stesso, il drama è di fatto un teatro intellettuale che fonde l’assurdo di Harold Pinter, l’essenzialità di Bertold Brecht e la sontuosità del kabuki, senza dimenticare un’interfaccia con la cultura tradizionale dell’Estremo Oriente. Nella medicina tradizionale, infatti, gli orifizi del corpo umano sono sette (i due occhi, le due orecchie, le due narici del naso e la bocca).

Per menti curiose e fini, è una scoperta bellissima e diversa dal solito.

MEMORIES

Mediometraggio (Corea del Sud, 2019)

Cast: Kim Mu-yeol, Han So-hee, Oh Jung-se, Park Ji-young, Park Mi-soo, Shin sung-kyun

Diretto da: Kim Jong-kwan

“Nothing happens unless first a dream“.

(Carl Sandburg)

Un chip di memoria pieno di sogni, un viaggio verso un sogno indimenticabile. Una speciale capacità di ricordare i sogni in modo chiaro.

L’illustratore Hyun Oh (Kim Mu- yeol, “La giudice”, “Sweet Home, 2,3”, “Eungyo”) ha un dono, quello di ricordare perfettamente i sogni in ogni particolare e di non dimenticarli. Viene, quindi, contattato da due ricercatori per un esperimento di studio sui sogni. Qui riconosce una donna, un’attrice teatrale (Ahn So-hee) che ha già incontrato nei suoi sogni, ma la realtà e la dimensione onirica si intrecciano, così come i ricordi.

“Non è facile rendersi conto che è un sogno quando ci sei dentro”.

All’interno di questa realtà o finzione Hyun Oh e l’attrice incrociano i loro pensieri, ma c’è anche un pubblico che li sta osservando, anche se nessuno parla con loro. Il pubblico saranno altre persone nella loro stessa condizione?

Non è facile ricordare i sogni e neppure completarli, ma se i nostri sogni fossero solo polvere di ricordi di sogni di altri? E se vi fossero altri modi di scambiare informazioni o nozioni attraverso il metodo sperimentativo del sogno?

Scopo dello studio è un chip di memoria pieno di dati ricavati dai sogni, per codificare le immagini, le esperienze e i ricordi attraverso le onde cerebrali che possano essere raccolti ed essere di aiuto per trattare amnesie, traumi e comprendere ogni linguaggio.

Le immagini nel sogno sono convertite in codice, ma decodificare i dati dei sogni non è semplice e implica molto lavoro e inoltre i dati salvati possono essere rievocati nel sogno di un’altra persona. Pian piano si arriverà anche a condividere sogni di cani e gatti e così facendo si riuscirà  a comprendere il linguaggio degli animali.

“Memories” è un mediometraggio sudcoreano del 2019 dalla tematica affascinante e coinvolgente, moderna e attualissima, con degli interpreti perfetti. Piacerà sicuramente a chi è appassionato di psicanalisi, significato e lettura dei sogni.

Piccola chicca, il cameo di Oh Jung Se.

Laura (“Seven Orifices”) & Grazia (“Memories”)

Sweet Home 3 (ovvero il mostro che vive nell’animo)

“Quando qualcuno è sicuro di fare una promessa che è difficile mantenere, è quasi certo che stia mentendo”.

Se siete qui, siete già passati da “Sweet Home 1” e “Sweet Home 2“, avete vissuto il lockdown nella casa verde e ne avete conosciuto uno ad uno i suoi abitanti; avete sorriso e avete sofferto con loro, avete percepito la pausa e quel senso di precarietà ogni volta che qualcuno di loro si ammalava e avete compreso che non è sempre così semplice distinguere i mostri; siete fuggiti dalla casa verde, quando non c’era più altra alternativa di sopravvivenza al suo interno e avete visto nevicare a settembre; avete iniziato un cammino senza meta e senza scopo e avete perso amici e compagni di lotta lungo il cammino, conoscendo il panico disperato negli occhi di ogni singolo umano incontrato in un eterno esodo; vi siete rifugiati in uno stadio abbandonato e siete stati costretti a vivere con altri umani che non vi andavano a genio; siete caduti e vi siete risollevati, avete conosciuto un mondo nuovo, di cui aver paura, eppure avete tentato di sopravvivervi al suo interno; siete diventati più forti e forse anche più duri con voi stessi, ma vi siete legati di più ai vostri vecchi affetti e ai vostri ricordi.

Se siete qui, è perché anche voi, come la sottoscritta, avete compiuto lo stesso viaggio nel silenzio e nella fortezza di Lee Eun-yu, l’aspirante ballerina interpretata da Go Min-si, i cui occhi sono diventati il filtro per capire cosa sia accaduto in questo mondo stravolto dalla presenza di mostri-umani e disseminato di terrore.

Questa recensione non conterrà spoiler. Non è mia intenzione narrarvi passo per passo quello che accade nella serie, né dirvi chi muore e chi sopravvive o come si incrociano gli eventi per ogni singolo personaggio, ma mi limiterò semplicemente a tracciare qualche breve pennellata, qualche emozione disseminata qua e là in questo viaggio circolare ed estraniante che è stato tutto “Sweet Home”.

La seconda stagione ha rappresentato proprio questa transizione per un nuovo mondo e, forse, se lo sguardo di Lee Eun-yu non ci avesse accompagnato, ci saremmo sentiti sperduti e incompresi in questo salto temporale e spaziale e in una prospettiva dove si sono persi completamente i contatti e non si sa più di chi ci si possa fidare. Ma dove eravamo rimasti?

Gli umani sopravvissuti nel rifugio dello stadio si trovano protetti dalle loro due anime, la fiera e controversa Capo Ji (Kim Shin-rok di “Hellbound“) e dal glaciale capitano del plotone Corvo Tak In-hwan (Yoo Oh-sung di “Welcome to Samdalri“), che convive con il segreto della sua graduale “mostrificazione”, ma che ha messo come primo obiettivo la salvezza dei suoi umani del rifugio. Per questo motivo, quando Nam Sang-won, sempre nel corpo di Pyeon Sang-wook (Lee Jin-wook di “Matrimonio a ostacoli“) fa irruzione con i suoi per mettere sotto scacchi i sopravvissuti e cercare nuove possibilità di vittoria, è il sempre il capitano Tak In-hwan che cerca di mantenere l’equilibrio, proponendo una convivenza difficile e provando ad assorbire la cieca violenza del gruppo di mutanti che vi ha fatto irruzione. Solo che Nam Sang-won ha piani più elevati, che consistono nell’espandere l’egemonia della sua nuova specie in tutto il mondo, destinata a soppiantare la debole umanità, e nel vendicarsi per le sofferenze subite durante la sperimentazione (che, comunque, scopriamo essere stata volontaria e decisa dallo stesso Sang-won), condotta da scienziati folli come il Dr. Lim (Oh Jung-se di “It’s Okay to not be Okay“). Ma il piano prevede anche che il proprio corpo raggiunga la perfezione, non garantita dal vecchio Pyeon Sang-wook, che mantiene un barlume di coscienza nella possessione e cerca in tutti i modi di prevalere sul suo occupante. La vera perfezione per Sang-won può essere data solo dal corpo della giovane figlia, Seo Yi-su (Kim Shi-ah di “The Silent Sea“), concepita proprio quando era già trasformato nella creatura mutante attuale e, quindi, potenziato in ogni cosa come anello di congiunzione tra mutanti e umani.

Seo Yi-su ha abbandonato la madre, Seo Yi-kyeong (Lee Si-young), dopo averla sottoposta ad un processo di mostrificazione per salvarla, ignara della differenza tra bene e male, per seguire quel richiamo che sente nell’aria dal sangue paterno. Nella piccola comunità sparuta e in esilio nell’ospedale, Cha Hyeon-soo (Song Kang di “Navillera“) riesce ad inabissarsi nella coscienza di Seo Yi-kyeong per risvegliarla dalla sua trasformazione in mostro e riportarla all’umanità, confermando, così, non solo che ogni mostro nasconde ancora una coscienza umana viva, anche se intrappolata, ma che un processo reversibile è sempre possibile, quando rimangono intatte la speranza e la volontà di riprendere in mano tutta la propria umanità. Solo che, mentre Seo Yi-kyeong si risveglia, Cha Hyeon-soo rimane intrappolato in quella dualità che lo caratterizza da quando umano e mostro albergano in contemporanea nel suo animo, dove il mostro riesce a prendere sopravvento sull’umano, nonostante gli sforzi di Lee Eun-yu, di Park Chan-young (Jung Jin-young di “My First First Love“) e di Ha-ni (Chae Won-bin) per riportarlo alla realtà. Fino a quando qualcosa o, meglio, l’arrivo di qualcuno non li sconvolge, recando le sembianze di Lee Eun-hyuk (Lee Do-hyun di “A Good Bad Mother” e tanti altri), il fratello maggiore di Lee Eun-yu, disperso dopo il crollo della casa verde, quasi certamente mostrificato e con ogni probabilità dato per deceduto da tutti. Portato da Kim Yeon-hu (Kim Mu-yeol di “La giudice“), unico del battaglione di soldati sopravvissuto miracolosamente dalla ferocia dei mutanti di Nam Sang-won, Lee Eun-hyuk irrompe nelle loro vite con quella freddezza glaciale e calcolatrice che già lo caratterizzava nella prima stagione, quel sorriso accennato e quel sarcasmo leggero e tagliente, che nasconde molto di più di un semplice saluto di benvenuto, e apporta il messaggio che una via alternativa tra umani, mostri e mutanti che vogliono distruggere l’umanità è possibile ed è rappresentata da lui, un nuovo umano, ovvero un umano che si è mostrificato solo come transizione verso un ulteriore passaggio, quello di una umanità in perfetta “atarassia”, priva di emozioni e di sofferenze, dove l’empatia ha fatto il posto alla calma ascetica e talvolta apatica. Sebbene, come ricorda la sorella, anche da umano Lee Eun-hyuk fosse privo di empatia e non in grado di esprimere i sentimenti, questa trasformazione inquieta un po’, perché nel tentativo di ottenere la pace e la libertà, priva anche di quelle memorie e di quei ricordi che costituiscono l’umanità.

Ma che cos’è l’umanità, questo tratto distintivo che ci mostra la compassione per il prossimo, le forti emozioni, l’odio, il desiderio ma anche la salvezza? La coscienza umana è qualcosa di così meravigliosamente complesso da salvarci ogni giorno e da rischiare di condannarci, composta di tanti piccoli tasselli così perfettamente ad incastro e minata da flussi costanti di emozioni, perché è fatta di gioia e di dolore ed entrambe le cose sono così connesse e dipendenti l’una dall’altra dal diventare intimamente connesse, ossatura della personalità e della coscienza di ognuno. Quello che più si temeva nella prima stagione, ovvero quelle emozioni umane e quel desiderio cieco sopito, che sembrava attaccato dal processo di mostrificazione, è forse anche quell’ultimo brandello di umanità a cui trovare appiglio per emergere e ri-emergere dal buio. Con quel brandello di umanità, Lee Eun-hyuk è riuscito a monitorare la sua trasformazione e a raggiungere il nuovo stadio di umano, aggrappandosi ai ricordi sommersi per vincere il turbamento delle emozioni (vedi la fotografia lisa e insanguinata che osservava alla fine della prima stagione e che continua a seguirlo ovunque), ed è sempre attraverso quel brandello di umanità che Cha Hyeon-soo si sveglia dal suo coma di coscienza e riprende il controllo sul suo mostro interiore, rendendolo solo uno strumento in grado di essere gestito in nome di quel profondo amore che prova per gli umani che intende proteggere, in primis per Lee Eun-yu (non a caso le battute di Lee Eun-hyuk nella scena del combattimento sull’autobus servono proprio a quello e ci confermano come tutto quel suo atteggiamento faccia parte di un piano già premeditato). Ma è sempre quel brandello di umanità, quel frammento ridotto al lumicino di coscienza umana, che riesce ancora ad aggrapparsi ad ricordi e alle emozioni, che sopravvive nel corpo di Pyeon Sang-wook, l’unico in grado di riuscire ad eliminare Nam Sang-won.

Ciò di cui abbiamo paura, a volte, ci salva. Quell’inondazione continua di emozioni a cui gli umani sono soggetti, talvolta, ci regala il vero tratto distintivo della nostra umanità, forse il vero “monstrum” che alberga in noi, l’unico in grado di eliminare il “monstrum” imposto dalla cattiveria e dalla brutalità, che sempre fanno parte di quel complicato e strano mondo della natura umana. E la vera chiave di lettura per sapere come e quale emozione far emergere è data dai ricordi, da quei piccoli momenti di vita che riusciamo a costruire giorno per giorno con le persone care che ci sono vicino e che imprimiamo in vecchie fotografie scolorite per tirarle fuori dal cassette nella nostalgia della memoria. Sono sempre i ricordi che salvano, perché ci portano alla mente, in qualsiasi momento, le nostre emozioni, sia quelle buone che quelle cattive, e le sanno indirizzare e incanalare nelle azioni dell’esistenza.

Con questa chiave di lettura, “Sweet Home” termina laddove ha iniziato, da quella casa verde dove tutti i personaggi si erano sentiti minacciati, ma anche protetti, usando per tutta la costruzione della trama una narrativa di ricordi e di frammenti, un po’ flashback disseminati delle vite passate di ogni personaggio (in quello stile alla “Lost“), un po’ voci che riemergono dalla prima perfetta stagione (ripercorrere quelle memorie è stata la cosa più bella di questa terza stagione). E, come il ricordo, anche questa serie, pur con le diversità di ogni stagione, ha seguito quella circolarità della memoria, che riesce a farci affrontare ogni ostacolo, puntando su noi stessi e sulle emozioni rimaste come quel “monstrum” che ci ha forgiati.

Grazie per questo viaggio dentro di noi.

Laura

Come suona la recensione?