King the Land – Un sorriso sincero

Il sorriso è la manifestazione esterna della nostra anima, ma non sempre un sorriso è ciò che vogliamo comunicare agli altri, anzi spesso ci nascondiamo dietro un sorriso di convenienza, come dietro ad una maschera, un finto sorriso che ci serve per concludere un discorso che potrebbe travalicare le linee del buon vivere civile. Il sorriso è anche il protagonista di questa storia ed è il tratto fondamentale che contraddistingue Cheon Sa-rang (Im Yoon-a delle “Girls’ Generation”, vista anche in “A Year-End Medley”) e Goo Won (Lee Jun-ho dei 2pm, visto in “The Red Sleeve Cuff”, “Just Between Lovers”, “Wok of Love” ).

Cheon Sa-rang ha da sempre sognato di lavorare come concierge fin da piccola quando insieme alla sua mamma adorava entrare in albergo e cercare in quell’atmosfera la felicità. Crede, quindi, di avere realizzato il proprio sogno quando viene assunta al King Hotel, la sua arma vincente è proprio il sorriso che abbatte ogni ostacolo e ogni muro, ma che è anche quello che le chiedono di fare a lavoro e così, in sette anni, è stata nominata “miglior talento”. Goo Won è il figlio del proprietario del King Hotel, sa di avere potenzialità, di aver studiato e di essere capace, ma non è facile ottenere dalla propria famiglia credibilità e fiducia, soprattutto quando si viene allontanati da casa con la scusa di studiare all’estero. Goo Won non sorride quasi mai, odia i sorrisi, li reputa falsi da quando ancora bambino vedeva attorno a sé una schiera di persone, dai domestici ai familiari, che gli sorridevano e non gli davano le risposte alle sue continue richieste di sapere dove fosse finita la sua mamma. E’ sparita per sempre? Si è allontanata per colpa sua o per colpa di altri? Questo mistero, che ha da sempre assillato Goo Won, lo ha incastrato in un vortice di diffidenza e di ritrosia.

L’incontro tra i due non è promettente, ma in realtà entrambi cercano di nascondere il proprio lato interiore, quello che vorrebbero non fosse ferito dall’esterno.  Sa-rang e Goo Won si scontrano, credono di non aver feeling e di non sopportarsi per nulla al mondo. Goo Won chiede a Sa-rang di non sorridere in sua presenza perché è allergico ai sorrisi e soprattutto quelli che vede a lavoro in un ambiente pieno di persone che sorridono per essere condiscendenti con i clienti dell’albergo.

Intelligente, preparato, ma schivo e introverso, Goo Won; intelligente, preparata, ma solare e brillante, Sa-rang: due ragazzi molto diversi, ma entrambi in cerca di far capire quanto valgono. Goo Won deve riuscire a conquistare la fiducia del padre (Son Byong-ho) e a contrastare tutta la lotta che la sorellastra (Kim Seon-young) prepara contro di lui da tempo perché non vuole farlo avvicinare alla direzione del gruppo King. Unico suo amico, il segretario Noh Sang-sik (interpretato da Ahn Se-ha) che è stato aiutato alcuni anni prima da Goo Won e con il quale ormai ha instaurato un rapporto di fiducia e di collaborazione. Piccola nota sul segretario che mi è piaciuto moltissimo soprattutto per alcuni siparietti di cui è protagonista. Sa-rang, invece, sa di avere come spalla la nonna Cha Soon-hee (la nostra immancabile e adorabile nonna per eccellenza, Kim Young-ok, “Hometown cha cha cha, “Miss Hammurabi” e molti altri drama) e due amiche fedeli con le quali si confida e con le quali ha sempre condiviso momenti di felicità e momenti di sconforto, solo con loro può divertirsi e ballare liberamente per abbandonare lo stress di una giornata lavorativa.  Kang Da-eul (Kim Ga-eun, “Because this is my First Life”, “I Hear your Voice”) sposata con un uomo attento solo a se stesso e con una bambina più matura della sua età, lavora in un negozio duty-free affiliato a King Group, la sua situazione familiare ci fa pensare molto e si svilupperà soprattutto verso gli ultimi episodi. Oh Pyung-hwa (Go Won-hee, “Love to Hate you”), assistente di volo della King Air, è una ragazza disillusa dell’amore, ma di lei è innamorato il collega Lee Ro-woon (Kim Jae-ha) che le sarà accanto nei momenti difficili soprattutto sul lavoro.

Ad un certo punto, però, Cheon Sa-rang e Goo Won si avvicinano, anzi le loro anime si avvicinano, quasi senza accorgersene, e capiscono così di essere complementari, l’uno infonde fiducia all’altra, Sa-rang illumina con il suo sorriso e la sua vicinanza il cammino di Goo Won, mentre lui dimostra una fedeltà di sentimenti e di stima infinite. E’ così che inizia un prezioso sentimento d’amore tra i due che per tutti gli episodi non vacillerà mai, nonostante diversi tentativi di farli allontanare. Im Yoon-ah adorabile e solare e Jun-ho sempre bravissimo in ogni ruolo dal drammatico alla commedia, qui in stato di grazia.

Non ci sono particolari colpi di scena in questa storia, i clichè sono ben calibrati, la chimica tra i due protagonisti, però, rende credibile la loro storia d’amore, verranno premiati gli sforzi, la costanza e la dedizione al lavoro sia singolarmente che come lavoro di squadra. Impossibile non ricordare “i sei fratelli” costituiti da Sa-rang, Goo Won, il segretario, le amiche Da-eul e Pyung-hwa e il collega di lei, Ro-woon, quasi una squadra per rafforzare l’amicizia, la fiducia e il rispetto ognuno dei propri ruoli, perché tutti importanti, ed è questa una delle parti che ho apprezzato maggiormente nel drama. Il loro gioco di squadra diventa poi più incisivo nell’incantevole episodio ambientato in Thailandia dove i miei occhi si sono riempiti di bellezza e di luce.

L’amore secondo Sa-rang è non abbandonare mai la strada che dovranno percorrere insieme verso un orizzonte di futuro vincente, l’amore per Goo Won è dichiarare alla nonna di lei: “Grazie per avere cresciuto così Sa-rang, è una bellissima persona”.

“King the Land” è un drama romantico che ha il merito di farci perdere in una storia dove valori e sacrifici lavorativi e personali vengono premiati e dove finalmente viene riconosciuto e apprezzato il merito delle persone. Non succede così frequentemente nella vita reale, vero, ed è per questo che “King the Land” è una storia che fa bene al nostro cuore, ha una funzione di puro escapismo, di fuga mentale per riuscire a prenderci cura di noi stessi quando ci dimentichiamo che abbiamo anche bisogno di leggerezza e di conforto.

Memoru Grace

Come suona questa recensione?

Una tomba per le lucciole

“La sera del 21 settembre 1945 io morii”.

Il fantasma di un ragazzo si stacca da uno sfondo cupo, quasi grigiastro, e si avvicina per venire incontro allo spettatore, come se volesse uscire fuori dallo schermo della finzione scenica per sottolineare il suo doloroso epilogo e narrare la sua storia. Prende per mano una bambina, che ha raccattato per terra una vecchia scatola di latta di caramelle e guarda con malinconia il suo corpo macilento, che giace cadavere nell’atrio della stazione di Kobe.

La fotografia diventa rossa come il fuoco di un tramonto, quando il cielo è sereno, o come lo scoppio di una bomba, che piove impietosa sui piccoli umani. Due bambini salgono sul treno e guardano fisso davanti a loro con occhi vaghi e tristi. Il treno si muove, le ombre si disegnano sui volti dei due bambini, la loro espressione non muta, non c’è alcuna novità nel viaggio in treno che stanno per compiere, non c’è lietezza. Inizia una musica dolce e fatata, quasi da carillon, che accompagna lentamente l’incedere dei bambini come in un film neorealista.

Kobe, 5 giugno 1945. Il Giappone è ancora in guerra con gli Stati Uniti e non accenna alla resa. Le bombe esplodono sopra i cieli nipponici. Durante un attacco aereo, il quattordicenne Seita carica la sorellina di quattro anni Setsuko e riesce a trovare riparo in un rifugio antiaereo e a salvarsi. Il bombardamento, però, è impietoso e, pur risparmiando i due fratellini e una parte della popolazione che è riuscita ad arrivare in tempo ai rifugi, conta tra le vittime la madre. La donna, gravemente ustionata, viene ricoverata all’ospedale di Kobe, ma non ci sono abbastanza medicinali, né soccorsi per prestare aiuto a tutti i feriti e spira dopo qualche giorno. Seita e Setsuko vengono ospitati dalla zia e da suo marito, mentre Seita tenta di nascondere la verità sulla morte della madre alla sorellina. La convivenza con i parenti, però, si rivela presto asfissiante per i due fratellini: mentre la zia all’esterno si vanta della sua fedeltà alla causa imperiale giapponese e della bontà con cui ha accolto in casa i due orfani, verso i bambini inizia a mostrare segni di mal sopportazione, che vanno da semplici ammonimenti, alla rivelazione sulla morte della madre, alla costrizione a vendere le vesti della defunta per acquistare riso per la famiglia, fino a ritagliare sempre di più lo spazio vitale dei due bambini, che si sentono ospiti non voluti. Seita trova una grotta abbandonata ai margini del villaggio, una sorta di rifugio, che può tenere riparati lui e la sorella sia dalle bombe della guerra che dalla cattiveria degli esseri umani. Decide, quindi, di trasferirsi con Setsuko, presentandole la bellezza di questa nuova avventura, quasi un gioco, in cui possono costruire insieme una casa tutta per loro, dandole un’apparenza di normalità e di felicità, come se la vita continuasse tranquillamente e loro fossero solo in attesa del ritorno dei genitori per vivere di nuovo tutti insieme. Setsuko scopre la campagna, il rumore del mare e del vento sui fili d’erba, gli spazi aperti dove correre liberamente, l’immoto clima estivo che perdura l’attesa e le notti illuminate da mille piccole lucciole, creature meravigliose e quasi magiche, destinate, però, ad una vita breve come la stagione estiva. “Non è giusto. Perché le lucciole muoiono così presto?“, lamenta la bambina con il fratello, mentre tenta di catturare quelle effimere stelle che volano nell’aria notturna.

Volano come lucciole nella notte anche gli aerei kamikaze giapponesi con i loro radiofari rossi e blu, pronti a varcare l’Occidente per non fare più ritorno, verso quel paese dalle nevi argentate che stava per entrare in rotta di collisione con il proprio mondo. Chissà chi ha preso questa decisione, pensa Seita. E per quale motivo questa decisione doveva coinvolgere anche la sua famiglia, la sua sicurezza, la sua tranquillità, la sua sopravvivenza. Il tempo passa, il caldo si fa opprimente, i bombardamenti continuano e straziano il Giappone, mentre Seita e Setsuko finiscono lentamente tutte le provviste di cibo che hanno ricavato vendendo gli ultimi oggetti lasciati loro dalla zia. Mentre Setsuko inizia a stare male, Seita cerca in tutti i modi di sopravvivere, elemosinando la carità dei suoi concittadini, ma senza successo, perché i tempi sono arcigni e nessuno vuole rinunciare alle proprie riserve per venire incontro a bambini destinati a morire: la popolazione li condanna come un rifiuto della guerra, il residuo di una colpa storica e di un dolore, che si sta già preparando a cancellare. Tutti ragionano per assicurarsi un prossimo futuro dopo una sconfitta certa e Seita e Setsuko vengono abbandonati all’indifferenza e all’inedia. Setsuko muore di denutrizione, stringendo delle biglie in mano, che crede caramelle. Seita vede la fine della guerra e la resa del Giappone, apprende dell’affondamento dell’incrociatore dove si trova il padre, raccoglie il testimone di quella scatola di latta per caramelle e delle biglie colorate e si appresta a guardare un nuovo Giappone, che è deciso a dimenticare il passato e a ripartire, sordo al dolore dei suoi abitanti, come lo era stato prima di iniziare una guerra distruttiva. Il corpo di Seita di lascia morire in un luogo emblema della nuova frenetica corsa della società, la stazione di Kobe, ma la sua anima si stacca e incontra la sorella e lo spettatore a cui ha raccontato la sua storia, ferma nello spazio infinitesimale di una danza notturna delle lucciole sui campi d’estate, minuscolo ed impercettibile, eppure decorato di luce e di speranza in quell’unico momento di felicità delle loro brevi vite, durate quanto l’ultima estate di guerra del Giappone. Un flauto suona malinconico da solo nella notte, seguito dai tasti di un pianoforte. Ci congediamo.

L’amara e triste realtà della tragedia bellica è la vera protagonista del film “Una tomba per le lucciole” (火垂るの墓 Hotaru no haka), capolavoro d’animazione marcato Studio Ghibli e diretto dal compianto Isao Takahata (autore del più recente “La storia della Principessa Splendente” e della famosissima serie “Heidi“), basato sul racconto semi-autobiografico dello scrittore e politico giapponese Akiyuki Nosaka. La guerra, però, non è solo il male immediato, che porta a morti e distruzioni contemporanee, ma è la degenerazione della virtù umana. A differenza di un’altra grande pellicola sulla guerra, “Si alza il vento“, il film non ha l’obiettivo di mostrare come l’essere umano possa usare in modo sbagliato la tecnologia per farsi del male, né vuole narrare il periodo storico e l’ingresso giapponese in guerra per ricavarne un messaggio di pace, ma preferisce concentrarsi su una piccola e denigrata vicenda umana, in un’immagine da fine guerra, che reca con sé tutti i dolorosi postumi e le brutture del conflitto, senza mai scendere nel dettaglio. I due fratellini protagonisti non muoiono sotto le bombe, ma per mancanza di cibo e di cure, per indifferenza da parte di altre persone che hanno sofferto, ma che negano la sofferenza vissuta per cercare di andare avanti. Il dolore fa paura e, come tale, viene relegato in un angolo oscuro e sporco, cristallizzato come una macchia infamante su chi è stato preso come simbolo del dolore, perché non ha saputo o non ha voluto reagire alle circostanze fatali del destino, quasi un capro espiatorio che può liberare gli altri. I bambini protagonisti sono simbolo di un passato e di una sconfitta che il Giappone – ma questa logica potrebbe essere applicata a qualsiasi Stato – vuole rinnegare e che, come tale, rimane sempre impercettibile nelle coscienze individuali, pronto a sfociare nel momento meno opportuno: è la disumanità e la follia che ha portato (e che porta continuamente) alle guerre, quando “tutto il popolo impazzisce” (per prendere in prestito le parole di Tom Conti nel film “Furyo – Merry Christmas, Mr. Lawrence“) e sedimenta gli odi ancestrali in uno scoppio cieco e privo di morale. Quando Seita muore davanti agli occhi di tutti i passanti nella stazione di Kobe, la gente, funestata dalla sua visione, esclama: “Che spettacolo vergognoso! Stanno per arrivare gli americani e si fa trovare così, in modo indecoroso?“. Questa è la visione straziante e lucida che pone di diritto questo film tra i capolavori neorealisti sulla guerra da recuperare, accanto ad un film come “Roma Città Aperta” di Roberto Rossellini, capace di travolgere per l’intensità delle scene, anche non parlate e accompagnate solo dalla musica, e chiudere lo spettatore nella morsa del dolore, innegabile e sconvolgente, pronto a scavare nel profondo dell’animo.

La pellicola, che uscì nelle sale cinematografiche nel 1988 (quasi in contemporanea con “Il mio vicino Totoro” di Hayao Miyazaki), pur non facendo alcun riferimento aperto allo sgancio delle bombe atomiche sulle città giapponesi di Hiroshima e Nagasaki, mostra in modo molto chiaro gli ultimi mesi di guerra che si abbatterono sul Giappone prima della resa (e dell’atomica), costituiti non solo da bombardamenti feroci e impietosi, ma anche dall’utilizzo non di bombe esplosive, ma di bombe incendiarie, armi oggi vietate dalle convenzioni internazionali e quasi “testate” all’epoca nell’ultima fase bellica (il 75% dei carichi dei B-29 americani era costituito da bombe incendiarie, con attacchi che arrivavano a produrre più di 100.000 vittime in una sola notte di bombardamento, come accadde a Tokyo tra il 9 e il 10 marzo 1945). La scena dell’attacco alla città di Kobe nella notte del 5 giugno 1945, che produsse oltre 11.000 morti e numerosissimi feriti, è costruita con una meticolosità e una chiarezza storica impressionanti. La crudezza delle scene e delle verità narrate, raramente rappresentate in un film sulla Seconda Guerra Mondiale (solo Clint Eastwood nel film “Lettere da Iwo Jima” mostrerà con coraggio la potenza distruttiva delle bombe incendiarie americane) e che potevano compromettere l’immagine virtuosa degli Stati Uniti, resero difficile e controversa la distribuzione di questo film. A questo si aggiunga che il messaggio asciutto eppure così intenso e nitido di Isao Takahata è una chiara critica nei confronti della politica giapponese, passata e presente, della costruzione del mito imperiale a scapito dei più deboli, dell’etica della dimenticanza, la logica più sbagliata per non apprendere dai propri errori, persino della narrazione della sconfitta, tipica giapponese, che, comunque, ammanta di eroismo alcuni avvenimenti, cancellando l’umanità, e, infine, dell’indifferenza persistente della società in qualsiasi periodo storico, pronta a sacrificare sull’altare le vite di chi reputa inutili e insignificanti. Non proprio un messaggio facile da digerire per i contemporanei (e non solo), che, in qualche modo, ha reso complicata e quasi proibitiva la visione di questa pellicola, tanto da farla definire come il “capolavoro dimenticato”.

Tra l’altro, l’opera è nota anche per una piccola controversia relativa ai diritti d’autore e alla distribuzione sui canali streaming. Infatti, secondo una legge sul diritto d’autore giapponese (legge peraltro abrogata negli anni ’90), i diritti d’autore di un’opera ispirata a un’altra opera devono appartenere automaticamente a chi possiede già i diritti d’autore della prima opera. In questo caso, i diritti d’autore del film, che si ispira al racconto omonimo di Nosaka e che è stato prodotto nel 1988, appartengono alla società Shinchosha Co., la stessa che possiede i diritti d’autore delle opere letterarie di Nosaka, e non allo Studio Ghibli. Ciò ha implicato che qualsiasi diffusione e distribuzione dovesse seguire le direttive della società che amministrava il patrimonio letterario di Nosaka e che, ad esempio, ha stretto un accordo con la Yamato Video per la distribuzione in VHS e DVD, ma non con la Lucky Red per l’uscita al cinema e, soprattutto, non con Netflix per lo streaming. Ad oggi, “Una tomba per le lucciole” è uno dei pochi film Ghibli (insieme a “Lupin e il Conte di Cagliostro“) esclusi dai cataloghi Netflix e di altri servizi streaming. Poco male, perché per chiunque volesse guardare la pellicola, è disponibile gratis su YouTube sia in versione originale che in versione doppiata in italiano. Il libro, invece, è stato tradotto da qualche anno in italiano ed è disponibile in tutte le librerie.

Per la verità, quella definizione di “capolavoro dimenticato” è un’espressione errata, visto che “Una tomba per le lucciole” ha avuto un successo tutto suo nel tempo e, ad oggi, è valutata dalla critica come una delle pellicole migliori sulla Seconda Guerra Mondiale e uno dei film più belli di tutti i tempi da preservare. Nel 2015, in versione restaurata, ridoppiata e revisionata, il film è tornato nelle sale cinematografiche, stavolta con la distribuzione che all’epoca gli fu negata. Ho fatto la sua conoscenza così anch’io, quasi senza conoscere per davvero la trama e, soprattutto, ignorando l’emozione che ne suscitava. Sono uscita dal cinema in punta dei piedi e quasi in religioso silenzio, chiedendo congedo per sempre ai due fratellini e al loro sogno di lucciole danzanti, mentre le lacrime continuavano a rigarmi il viso (un po’ come adesso, che sto scrivendo questa recensione).

Chiedo congedo anche a voi, ringraziandovi per la lettura, e spero di aver trasmesso un po’ dell’emozione che ho provato quando ho visto questo film per la prima volta (e che provo, ogni qual volta mi cimento con la visione).

Laura

Come suona la recensione?

Rapsodia in agosto

Una anziana signora si incammina addentrandosi nella tempesta estiva con un piccolo ombrello, quasi a voler soccorrere qualcuno, a raggiungere qualcuno che vede solo lei, in sottofondo le note dello “Stabat Mater RV 6321” di Antonio Vivaldi su testo di Jacopone da Todi e solo questa scena finale potrebbe trasmetterci l’idea della meraviglia artistica espressiva che questo film di Akira Kurosawa del 1991 regala al pubblico.

Anni fa con mia mamma, una tarda sera d’estate, ci siamo imbattute nella visione di questo film che, purtroppo non conoscevo, anche per le poche volte che è stato trasmesso nei canali tv nazionali e solo così ho scoperto il capolavoro, “Rapsodia in Agosto”.

Kane (interpretata da un’immensa Sachiko Murase, alla sua ultima interpretazione, è morta, infatti, nel 1993) è una anziana hibakusha (termine giapponese che definisce i sopravvissuti al bombardamento atomico di Hiroshima e Nagasaki) che ha perso il marito nel bombardamento di Nagasaki del 9 agosto 1945.

Un giorno, la famiglia scopre che un fratello di Kane, Suzushiro, trasferitosi negli Stati Uniti prima della Seconda Guerra Mondiale, ha costruito negli anni una multinazionale di coltivazione e commercio di ananas e per questo è diventato molto ricco; ora, purtroppo, è sul punto di morire e i figli di Kane che fino ad allora non conoscevano nemmeno l’esistenza di questo zio, sfruttando le vacanze estive e con una qualche ragione opportunistica, decidono di recarsi alle Hawaii per conoscerlo e dargli l’ultimo saluto.   

Prima di partire per gli Stati Uniti, lasciano a casa di Kane i loro rispettivi figli, Tateo (Hidetaka Yoshioka), Minako (Mieko Suzuki), Shinjiro (Mitsunori Isaki) e Tami ( Tomoko Otakara); i ragazzi sono contenti di trascorrere del tempo con la nonna.

Con il tempo, infatti, i nipoti instaurano con la nonna un rapporto speciale, Kane scopre che, come molti ragazzi della loro età, anche i suoi nipoti non sanno molto dei bombardamenti di Hiroshima e Nagasaki e quanto siano stati pesanti per la comunità e soprattutto per i sopravvissuti come lei. Pian piano le emozioni dei nipoti si legano a quelle della nonna, dai suoi racconti scoprono una Storia che avevano ignorato, l’esistenza del nonno scomparso, comprendono la sofferenza delle persone che hanno vissuto quella tragedia e la tristezza dello sguardo della nonna ogni volta che fa riaffiorare il ricordo, l’essere sopravvissuti che ogni giorno spegne ogni tentativo di sorriso e fa riemergere una piaga sanguinante. Mi sono emozionata moltissimo nelle scene condivise tra nonna e nipoti, il passeggiare insieme, visitare la scuola e il Parco della rimembranza, dedicato alle vittime, l’ammirare la luna di agosto, mangiare una fetta di anguria fresca in un pomeriggio caldissimo d’estate sulla soglia di casa. Immagini poetiche che ancora a distanza di anni sono rimaste nella mia memoria, immagini che solo grandi registi riescono ad imprimere delicatamente in una memoria fotografica universale.

Tateo e gli altri nipoti iniziano una corrispondenza con i parenti americani, in particolar modo con il cugino Clark e, prima che i propri genitori ritornino a casa, tentano di convincere la nonna a recarsi negli Stati Uniti per andare a vedere un’ultima volta il fratello come da sua ultima volontà, ma sarà impossibile perché nel frattempo Suzushiro muore.

I genitori dei ragazzi tornano in Giappone e mostrano una certa insensibilità nei confronti di Kane, dei suoi sentimenti e del suo dolore, dopo aver appreso della perdita del fratello; i nipoti, al contrario, percepiscono le emozioni della nonna, vista la loro vicinanza e i momenti condivisi insieme quell’estate. Si scopre, così, che i figli di Kane, erano andati negli Stati Uniti per cercare di conoscere i parenti americani e sfruttare questa conoscenza con lo scopo di migliorare le proprie condizioni economiche, ma quando vengono a sapere che i ragazzi hanno scritto al cugino Clark e gli hanno raccontato della nonna, dei suoi ricordi di guerra, della scomparsa del nonno durante il bombardamento, capiscono che tutto è finito perché il rammentare l’evento del bombardamento ai giapponesi che vivono in America è quasi un tabù perché è fonte di disagio nei confronti dei loro altri connazionali.

Kane, quando apprende ciò che è successo, rimprovera i propri figli mettendoli di fronte alla propria coscienza, il riavvicinarsi ai parenti negli Stati Uniti doveva essere supportato da un legame di affetto che era stato interrotto per troppo tempo e non una questione utilitaristica e così, un giorno, con la meraviglia di tutti, arriva in Giappone il cugino Clark (interpretato da Richard Gere). Clark non è venuto per tagliare qualsiasi legame con il ramo della famiglia in Giappone, ma, mosso da curiosità e voglia di scoprire le origini anche grazie alla corrispondenza con Tateo e gli altri ragazzi, vuole conoscere Kane, la sua storia e porta gli omaggi della sua famiglia alla memoria del marito di Kane e degli altri defunti di Nagasaki. Ed è qui che, in una delle riflessioni più sentite all’interno del film, Clark, di fronte ad un gruppo di hibakusha, esclama: “Credevo di sapere, ma solo ora, vedendo queste persone, so cosa è stato”.

Dopo aver abbracciato il nipote e aver visto una foto da giovane del fratello Suzushiro che non è riuscita più a rivedere in tutta la sua vita, Kane ha un crollo psicologico e inizia a vedere i propri ricordi che quasi si materializzano davanti a sé. In una scena quasi surreale, Kane, dopo aver preparato i vestiti del marito defunto e addentrandosi nella tempesta estiva scambiandola per un bombardamento aereo, si perde nella nebbia del ricordo, rivive i momenti strazianti che ha dovuto quasi nascondere in tutta la sua vita e si incammina verso Nagasaki con un piccolo ombrello. Figli e nipoti seguono mesti questa piccola donna curva che si perde dentro la tempesta, quasi a voler riemergere da un incubo infinito: la scena è di una bellezza emotiva che non ha paragoni.

Dopo la visione del film, io e mia mamma, commosse, con gli occhi pieni di lacrime, ci alziamo dal divano, in silenzio, non c’è altro commento che il silenzio in queste occasioni. Ancora oggi credo che sia uno dei più bei film che ricordano la tragedia della bomba atomica vista dagli occhi dei sopravvissuti, perché anche quando si sopravvive ad una tragedia immane, il ricordo fa rivivere costantemente quell’ avvenimento che la memoria non potrà mai seppellire insieme ai morti.

Memoru Grace

Quando c’era Marnie

Quando i ricordi di due persone si fondono insieme in un’estate magica, cosa succede? E se quelle due persone hanno tante cose in comune senza saperlo?

“Quando c’era Marnie” è un film d’animazione del 2014 prodotto dallo Studio Ghibli e diretto da Hiromasa Yonebayashi (che noi abbiamo già conosciuto per aver parlato di “Arietty” e “Modest Heroes” che troverete nelle nostre recensioni).

La storia si ispira al romanzo di Joan G. Robinson, “Quando c’era Marnie”, mentre i disegni e le tematiche trattate sono quelle tipiche che abbiamo sempre apprezzato nei film di produzione Ghibli, ma quello che maggiormente incanta in questa storia è l’essere riusciti a creare quel rapporto di connessione di anime tra le due protagoniste del film.

Anna è una ragazzina di dodici anni, introversa, silenziosa, chiusa nel suo mondo di solitudine interiore, è rimasta orfana di genitori da bambina e ha perso anche la nonna che era ancora piccola, ora vive con la madre adottiva Yoriko a Sapporo con la quale ha un difficile rapporto causato anche dal fatto di aver scoperto che Yoriko percepisca un sussidio pubblico per l’adozione e che non glielo abbia mai detto. Yoriko, invece, lo ha tenuto nascosto ad Anna perché si sente sempre in difetto e in uno stato di continuo disagio nei confronti della ragazzina perché non è la sua madre naturale.

Su consiglio del medico, per combattere l’asma di cui soffre Anna e per cercare di farla staccare con la realtà apatica di tutti i giorni, Yoriko la manda a casa degli zii a trascorrere l’estate in un paesino marittimo di Kissakibetsu nell’Hokkaido. Gli zii sono gentili e premurosi con lei, ma Anna ha molte difficoltà a relazionarsi ed inserirsi nell’ambiente e nella comunità, così, durante la serata di Tanabata, scappa via dalla festa dopo un breve diverbio con una coetanea.

Sempre di più Anna si rifugia nel suo mondo e nel disegno, l’unica cosa che la fa rilassare uscendo di casa, contemplando il mare e la natura. Tra le mete di Anna vi è la grande villa disabitata dall’altra parte dell’acquitrino anche se una sera scorge delle luci accese dentro la casa ed intravede da dietro una finestra una ragazza dai capelli lunghi e biondi che le dice di chiamarsi Marnie. Le due ragazze stringono amicizia, Marnie si rivela un’amica dall’animo gentile, con la quale condividere segreti e riflessioni, una persona con la quale contemplare la solitudine della sera perché durante il giorno la villa sembra abbandonata, mentre sembra animarsi solo la sera. La loro amicizia diventerà davvero speciale, magica perché ad Anna sembra di conoscere Marnie da una vita.

Un giorno, però, mentre Anna si reca nei pressi della villa, vede che nella casa di Marnie si è trasferita una nuova famiglia; Marnie non c’è più, dove sarà finita? Avvicinandosi alla villa incontra una bambina di nome Sayaka, la figlia dei nuovi proprietari. Sayaka le chiede se è lei Marnie, Anna si sente sprofondare, come fa Sayaka a conoscere Marnie? La bambina le mostra un diario che ha ritrovato nella villa e che è scritto da una certa Marnie. Quando Anna apre il diario e inizia a sfogliarlo e a leggerne il contenuto, scopre alcune verità su Marnie, non un’amica immaginaria, ma qualcuno di molto più vicino a lei di quanto possa immaginare. Forse è per questo che le due anime si sono incontrate, tra loro vi è un rapporto atavico che va oltre la propria dimensione e realtà. Chi è Marnie e perché è così legata ad Anna?

L’estate di Anna è una stagione di formazione che aiuterà la ragazzina a superare i timori, le difficoltà della crescita e a trovare il suo ruolo nel mondo, a riappacificare il proprio animo con le persone e i ricordi, a tirare fuori il meglio di sé e a cercare nella propria sensibilità la ricchezza da donare agli altri. Anna è forse uno dei personaggi più introversi del meraviglioso panorama dello Studio Ghibli e ripercorreremo con lei ogni passo della sua lunga estate.

Non vi svelo il mistero di Marnie, ma vi invito a recuperare questo bellissimo capolavoro dello Studio Ghibli che nel 2016 è stato candidato agli Oscar come miglior film d’animazione. Amerete ogni personaggio del film e, alla fine, vorrete recuperare alcuni spezzoni per rendervi conto di quanta poesia è timidamente nascosta in questa storia che sembra sospesa tra due dimensioni.

Merita di essere ricordata la stupenda colonna sonora curata da Takatsugu Muramatsu che per Hiromasa Yonebayashi ha scritto anche le colonne sonore di “Modest Heroes” e “Mary e il fiore della strega”. All’interno della colonna sonora ricordiamo il brano “Fine on the Outside” composto e cantato dall’artista folk americana, nonché grande estimatrice dello Studio Ghibli, Priscilla Ahn e che funge da tema principale musicale del film.

Memoru Grace

Taxi Driver

“I won’t succumb to evil and use my own methods to win. I’ll collect all the garbage around us and quarantine them from the rest of the world forever. I’m going to reform them.“

Non tutti sanno che per le vie di Seoul si aggirano indisturbati i taxi della compagnia Rainbow Taxi, una piccola ed elegante azienda che si propone di accludere al servizio di trasporto passeggeri degli annessi molto particolari: se provate a chiamare la compagnia o ad intercettarla con i suoi terminali presenti nelle sale giochi, così come in alcuni punti ignoti della città, un operatore vi chiederà di quale tipo di vendetta necessitate e, soprattutto, se avete deciso di vendicarvi per i soprusi subiti. Così come alcune compagnie di taxi forniscono vetture d’élite, omaggi di ogni tipo e prodotti culinari, la Rainbow Taxi acclude il servizio vendetta al mezzo di trasporto (e, per la verità, si potrebbe anche fare a meno del mezzo di trasporto). Questa è la premessa per portarvi nel mondo di Taxi Driver, serie action/crime di grande successo e fortuna, che conta già due stagioni (ma si parla di una terza stagione per i prossimi anni) e che vede la presenza di un cast affiatato e perfetto: iniziando dal tassista e vendicatore, quasi uno spirito vigilante nella notte, Kim Do-gi (interpretato da Lee Je-hoon, protagonista di Signal e Move to Heaven, anche apparso in Finding Mr. Destiny e Fashion King), per continuare con il signor Jang, capo e nume tutelare della Rainbow Taxi (Kim Eui-sung di Black Knight, W, Memories of the Alhambra e Mr. Sunshine), la tosta procuratrice che indaga sulla Rainbow Taxi, Kang Ha-na (interpretata da Esom di Black Knight e Because This Is My First Life), all’hacker motociclista con desiderio personale di vendetta Ahn Go-eun (interpretata da Pyo Ye-jin di What’s Wrong With Secretary Kim?, Our Blooming Youth e Fight for Your Way), senza dimenticare i meccanici Choi Kyung-goo (Jang Hyuk-jin, visto in Vagabond, 18 Again, Now, We Are Breaking Up e Café Minamdang) e Park Jin-eon (Bae Yoo-ram, visto in Madame Antoine, D.P., Black Knight e Would You Like a Cup of Coffee?).

E, allora, per presentarvi quanto abbiamo amato questo drama, che è poetico e coraggioso, duro e ironico, al tempo stesso, ecco a voi un’intervista doppia sulla visione della prima stagione, con la partecipazione speciale anche di Barbara o B. (fatina nera di @attraversamentofatine). Vi lasciamo sotto il link del trailer e non dimenticate di recuperare il nostro video dedicato nelle pagine social.

Barbara – Fatina Nera

SOTTOTITOLO: “Quando cadono i grandi, tocca ai piccoli guidare” (Aragorn, Il Signore degli Anelli), ovvero quando il coraggio degli uomini comuni rimane l’unica luce nel buio.

IMPRESSIONI A CALDO: Se la Giustizia non fa il suo corso, c’è la giustizia; quella in minuscolo, quella non autorizzata e sottotraccia, accessibile solo ai derelitti; quella che non solo pareggia il conto, ma che chiede gli interessi per danni e che non si vergogna di usare la parola vendetta. Quando lo Stato ha abbandonato gli ultimi e quando chi ha subito abusi e ingiustizie chiede l’oblio e la pace della morte, ecco che nel buio un’etichetta color giallo-arancio, sapientemente collocata là dove solo un disperato può guardare, ferma improvvisamente il tempo e attira l’attenzione di chi sta per chiudere gli occhi per sempre: “Non ucciderti, vendicati. Lo faremo per te”. E di fronte alle porte dell’abisso, la vittima ha un fremito; si gira, si guarda intorno e decide di vivere per avere vendetta, o forse, semplicemente, per avere giustizia. Dietro a un messaggio, che è anche una promessa, ci sono loro, i membri della Rainbow Taxi Company, una squadra di cinque personaggi talmente ordinari da essere quasi invisibili, eppure tutt’altro che comuni. Dotati di straordinarie competenze in ambito ingegneristico e informatico e coordinati da un omino piccolo e dolce come il pan di zenzero, i vendicatori si battono, spiano, inseguono, intercettano, fingono, si travestono, finché i cattivi, ma cattivi senza possibilità di redenzione, non vengono implacabilmente accerchiati e le loro vittime finalmente vendicate. Potrebbero essere oscuri come i Nazgul o inesorabili come i Cavalieri dell’Apocalisse, invece sono buffi, simpatici e a loro modo fragili, un po’ Tartarughe Ninja, un po’ Avengers, affetti da una grande umanità e un profondo attaccamento alla vita. Sì, ciascuno di loro ha subito una grave perdita a causa del Male, ma la loro lotta travalica le motivazioni individuali per un fine universale e condiviso, ed è per questo che si apprezzano e si amano senza riserve. Le storie di vendetta sono tante, alcune piuttosto forti e urticanti, soprattutto in riferimento alla tematica degli abusi e dei soprusi a danno degli indifesi, ma il riscatto finale, per quel che vale, è davvero appagante. Il Male è feroce e mellifluo, ha mille facce, mille sfumature di nero, mille scuse da accampare di fronte all’indifendibile, mentre il Bene guarda davanti a sé e non tentenna, anche a costo di utilizzare vie buie e pericolose. E lo spettatore, di fronte a tanta determinazione, applaude incredulo (e contento).

PERSONAGGIO PREFERITO: Naturalmente Kim Do-ki, l’imperturbabile autista del taxi della vendetta, colui che riesce a trattenere la sua rabbia mentre picchia sodo e che non teme il travestimento e il ridicolo, pur di prendere in trappola l’avversario. Impassibile sì, ma non glaciale, Kim Do-ki si intenerisce di fronte alla disperazione e a volte sorride impercettibilmente dietro gli occhiali scuri, forse commosso. Quando entra in scena, i cattivi non hanno più scampo e la tensione emotiva si allenta, in attesa della resa dei conti. E poi, riservato e silenzioso, sa sorprendere lo spettatore con la sua sfrontatezza, indossando, come una maschera teatrale, una faccia da schiaffi che lo rende invincibile. Kim Do-ki, però, non è un eroe solitario; così come il ballerino sul palco non potrebbe danzare se non avesse i tecnici di sala, i musicisti e il corpo di ballo, allo stesso modo il nostro bel tassista non farebbe un chilometro e non darebbe neanche un pugno, senza l’organizzazione e la sincronia del gruppo alle sue spalle. Un applauso dunque a tutta la squadra, organizzata al millimetro ed egualmente divisa tra voglia di vendetta e delicata attenzione per i più esposti e i più vulnerabili. Insieme, i ragazzi della Rainbow Taxi Company sono imbattibili, come i migliori eroi dei fumetti.

PERSONAGGIO PIÙ ODIATO: Goo Seok-tae, lo scagnozzo della malvagia Baek Sung-mi: un vero orco, un uomo senza anima, volgare, lurido e violento, la cui ferocia è dettata solo dal guadagno e da un sadismo radicato. Mi ha fatto talmente ribrezzo che non vorrei sprecare per lui troppe parole. Un pensiero va però alla cattivissima Madam Lin: un’improbabile boss, turpe e senza scrupoli, sempre agghindata e ingioiellata come una cortigiana, che si innamora perdutamente di un uomo tanto bello quanto pacchiano e che, non ricambiata, suscita nello spettatore ilarità e perfino tenerezza. Diciamo che la sua fragilità un po’ la riabilita agli occhi di chi l’ha odiata.

COMMENTI SPARSI: Un vero thriller, sviluppato in maniera intelligente, senza cedimenti o sbavature nella trama. Ben affrontata la questione etica (chi ha il diritto di punire Caino?), senza buonismo inutile e con un certo coraggio. Personaggi principali e secondari ben tratteggiati, situazioni di degrado fin troppo verosimili e belle scene notturne. Più coraggiosa della seconda stagione (comunque straordinaria), questa prima stagione di Taxi Driver non fa sconti, non mette al riparo lo spettatore da vicende orrende e non si dilunga in chiacchiere che non siano funzionali alla trama, ossia non allunga il brodo solo per fare cassa. Diciamo onesta, oltre che bella, e non è poco.

VOTO: 9 1/2

Laura – Captain-in-Freckles

SOTTOTITOLO: “In ogni strada di questo paese c’è un nessuno che sogna di diventare qualcuno: è un uomo dimenticato e solitario che deve disperatamente provare di essere vivo” (Robert De Niro, Taxi Driver), ovvero piccoli e solitari eroi che non sanno nemmeno di esserlo, ma vedono la luce della giustizia sopra ogni cosa.

IMPRESSIONI A CALDO: Non c’è giustizia in questo mondo o, perlomeno, pare che esistano troppi modi per sviarne il suo corso e che, alla fine, siano veramente pochi coloro che pagano per i propri crimini. In teoria, questo è l’assunto di base, che porta il signor Jang a fondare la Rainbow Taxi con lo specifico scopo di elargire atti di giustizia o, meglio, di vendetta a coloro che non hanno trovato una protezione valida nelle istituzioni statali. Da giurista, devo ammettere che questa tematica mi ha interessata, ma mi ha anche sconvolta, perché, se da una parte non posso che concordare con la Rainbow Taxi, che cerca di ristabilire gli equilibri e di punire i crimini, dall’altra parte rimane assodato che tutti questi atti non sono altro che una giustizia privata e che, se ogni cittadino si arrogasse questo diritto, lo Stato cadrebbe nell’anarchia. E in quest’ossimoro stridente, in questa contrapposizione tra giustizia pubblica (la procuratrice interpretata da Esom) e vendetta privata (il tassista di Lee Je-hoon), si consuma l’afflato drammatico di questa serie, aprendo un baratro e scuotendo dal fondo diritto ed etica. In una costruzione elaboratissima, una trama più complessa (quella della tragica storia di Kim Do-gi e degli altri protagonisti) si intreccia a tante storie di ordinari soprusi e di terribili crimini rimasti impuniti (i vari “casi” di vendetta di cui la Rainbow Taxi si prende carico), per snodarsi in una serie di interrogativi che scavano nel profondo di una società ammalata e disumana nell’abusare dei deboli, cancellandone la presenza per sempre. E, allora, la Rainbow Taxi cerca di restituire non tanto la sete di vendetta e di giustizia, quanto quell’umanità che è stata negata a tutti coloro che hanno sofferto e che si sono visti ridere in faccia dalle istituzioni, che dovevano tutelarli. L’umanità è alla base del progetto di rifondazione del signor Jang, che, alla fine, sembra un normalissimo uomo di mezza età, un po’ ricco filantropo casuale, un po’ rintontito secondo i canoni della società, che si muove quasi in ragtime e si circonda di personaggi che potrebbero sembrare buffi e semplici (come i due meccanici, che riescono a restituire allo spettatore il sorriso, pur in una storia all’apparenza dura). Personalmente, nessuno darebbe due soldi alla squadra assortita della Rainbow (forse un po’ al tassista, ma solo perché soffre di introversione acuta). Eppure, ci si ritrova a tifare per loro dall’inizio alla fine.

PERSONAGGIO PREFERITO: Inutile dire che, nomen omen, il Tassista che dà il titolo al drama, interpretato da Lee Je-hoon, è effettivamente straordinario: catalizza lo spettatore dall’inizio alla fine, sia quando indossa la maschera del vendicatore (talvolta, letteralmente) e picchia senza pietà i cattivi di turno, sia quando si insinua negli ambiente in cui deve agire con i suoi travestimenti e i suoi personaggi (sono rimasta particolarmente colpita dal suo programmatore informatico fintamente svagato, ma ambizioso inserito nella realtà del canale streaming – forse i miei episodi preferiti della stagione -, ma è stato incredibilmente sopra le righe come il boss impellicciato e innamorato di Madame Lim), sia, infine, quando lentamente si apre e mostra se stesso, i suoi timori e le ferite dell’anima che si porta dietro come uno sfregio e vorremmo aiutarlo a guarire, come lui aiuta le vittime dei soprusi a non farla finita. Accanto al tassista, però, nell’Olimpo dei miei personaggi preferiti in assoluto c’è la procuratrice interpretata da Esom, schietta, leale, amante della giustizia e, per questo motivo, pronta a perseguire la Rainbow Taxi, ma anche a capirne le motivazione. Perché entrambi si scontrano contro il muro dell’ingiustizia e tentano di abbatterlo. Personalmente, non ho ancora digerito il fatto che non è presente nella seconda stagione.

PERSONAGGIO PIÙ ODIATO: Per la verità, non mancano i recettori di odio, visto che la serie abbonda di criminali e cattivi di ogni tipo. Però, se devo scegliere un solo personaggio odioso, forse ho odiato più di tutti Park Yang-jin (interpretato da Baek Hyun-jin, che avevo già odiato in Happiness, ma che si è fatto perdonare in The Good Bad Mother), il CEO della U-Data, mellifluo, falso, debole e prepotente, agisce senza scrupoli e con un atteggiamento abusivo sia nei confronti degli impiegati che verso coloro che finiscono nella sua rete di videostreming, utilizzando tutte le tecniche del gaslighting e del cyberbulling possibili e inimmaginabili e giocando con la vita e la stabilità mentale delle persone.

COMMENTI SPARSI: Ammetto che devo ancora recuperare la seconda stagione (e che lo farò presto, perché abbiamo un’altra intervista doppia in sospeso), ma già dalla prima stagione, Taxi Driver è una bomba ad orologeria che non sai mai quando potrebbe scoppiare, perché è costituita da tante molteplici micce, graffiante come pochi prodotti e capace di incendiare su tematiche di discussione scottanti. Come ho anticipato, ho adorato gli episodi dal 5 all’8, quelli della U-Data, dove è toccato un problema molto grave e ancora poco affrontato, quello del revenge porn e dei video postati in internet. Una serie coraggiosa e senza voglia di edulcorare nulla. Violenta, ma catartica.

VOTO: 9 1/2

E, visto che le interviste concordano sul voto, non possiamo che consigliare il recupero di questo bellissimo drama. Alla prossima con l’intervista doppia della seconda stagione!

Barbara (Fatina Nera) & Laura (Captain-in-Freckles)

Finland Papa – Un posto chiamato famiglia

Se qualcuno mi chiedesse dell’aurora boreale richiamerei in me quei pochi concetti scientifici studiati molti anni fa a scuola e cercherei di dare una spiegazione tecnica, anzi, no, se fosse qualcun altro a darla ne sarei più felice, non sono molto portata per le scienze, io rimarrei invece incantata davanti ad una fotografia dell’aurora boreale, di quelle belle da National Geographic, così come la nonna della protagonista di questo drama.

“Finland Papa” è una serie che mi ha stupito, una serie delicata, a tratti surreale, ma con una dolcezza pari a quella di un abbraccio caldo di una persona cara o di una persona importante nella nostra vita, che purtroppo non possiamo più vedere. E’ un drama la cui funzione è espressamente quella terapeutica e curativa, perché i protagonisti della storia si aiuteranno a vicenda per venire a capo dei loro dispiaceri, delle loro amarezze o delle tristi esperienze vissute, per ritrovare quella finestra aperta sul mondo e non aver paura di affacciarsi.

Lee Yu-ri (Kim Bo-ra) è una giovane ragazza alla quale è da poco morta la nonna, la persona che amava di più nella sua vita, e, ora, nella sua solitudine, ciondola per casa, senza neanche curare se stessa, senza trovare un motivo valido per continuare a vivere. Un giorno decide di cercare un lavoro e si reca in un bar dove ha letto in un annuncio che cercano personale. Il bar si chiama “Finland Papa”, il proprietario è sconosciuto e misterioso, si fa chiamare “Papà”, ma comunica solo tramite messaggi via cellulare. Quando Yu-ri arriva al bar, trova tre persone dello staff che le offrono da mangiare e consumano il pasto con lei, solo alla fine scopre che il colloquio consisteva proprio in questo, tra le dieci regole da rispettare per chi lavora al “Finland Papa Cafe” la prima è quella di mangiare insieme, così viene spiegato alla ragazza dagli altri membri dello staff. Yu-ri ricorda allora le parole della nonna che le diceva sempre che il cibo aveva un sapore migliore quando viene mangiato in compagnia.

“Anche quando non ci sarò più, non mangiare da sola”.

Da qui per la nostra protagonista inizia una svolta un po’ surreale della vita, si affezionerà al suo nuovo lavoro, al luogo, alle persone, ma restano molti aspetti strani e ancora senza spiegazione, il proprietario che non si fa mai vedere, alcune assonanze con degli episodi della sua vita, il nome d’arte che ogni membro dello staff deve scegliere per essere riconosciuto e richiamato dagli altri, c’è , però, una strana magia al Finland Papa, una magia che la ragazza avverte già dal primo momento e a cui vuole abbandonarsi.

Pian piano, dopo aver iniziato a lavorare assiduamente come part time al bar, Yu-ri, durante i pasti consumati insieme ai suoi nuovi colleghi, li conosce uno ad uno e capisce che non sono una famiglia, mentre a lei, a primo acchito, sembravano tre componenti della stessa famiglia, madre, padre e figlio. In realtà i tre si sono conosciuti sul lavoro, ma prima non si erano mai visti. Così, durante i pranzi o le cene, i quattro raccontano le proprie storie, a partire da Mari (Hwang Seok-jung, “Love Affairs in the Afternoon”), una donna che ha lasciato tempo prima la sua famiglia, una decisione dolorosa quella di allontanarsi, ma è stato l’unico modo per scongiurare la propria salvezza, è fuggita e ha trascorso del tempo alle Hawaii dove ha imparato la danza hula che ogni tanto cerca di insegnare ai colleghi perché la hula ha il potere di far abbandonare le tensioni del giorno e  far avvicinare ad un’armonia perfetta.

Kaka, invece, interpretato da Jung Min-sung (“Happiness”), è un uomo provato dalla malattia di suo figlio, un bambino che già da piccolo ha vissuto solo negli ospedali; Kaka vede lo sgretolarsi della sua famiglia d’origine e i cattivi rapporti con la moglie, oltre ad essere perseguitato dai creditori. La storia di Kaka è molto triste e subito cattura l’attenzione dei colleghi che cercano in tutti i modi di sostenerlo e di infondergli coraggio. Lavorando al bar e guadagnando uno stipendio, Kaka, inoltre, potrà estinguere i debiti e pagare tutte le spese dell’ospedale per il suo bambino.

L’ultimo componente dello staff è il giovane Toto (Jang Do-yoon ), più o meno coetaneo di Yu-ri, un ragazzo orfano che ha da sempre dei brutti rapporti con la sua famiglia adottiva. Toto è un vero asso in cucina e insegna anche agli altri la preparazione di piatti da inserire nel menu del bar.

Yu-ri capisce che ogni membro dello staff ha una storia triste alle spalle e ciò che viene richiesto dal proprietario del bar è quello di sedersi a tavola insieme, mangiare e raccontare le proprie vite per aiutarsi a vicenda, così, quando è il momento di Yu-ri, possiamo scoprire, tramite flash back, il suo passato.  La ragazza ha sempre vissuto con la nonna e con un padre non sempre presente, morto in circostanze drammatiche, da quel giorno, infatti, la vita della nonna era diventata sempre più triste. Nei ricordi raccontati da Yu-ri anche la presenza di due amici, Ji Yong-joon (Kim Joon-ho) e Baek Woo-hyun (Kim Woo-seok, “Bulgasal”, “The Forbidden Marriage”), ma soprattutto siamo testimoni della vicinanza con Woo-hyun da quando erano piccoli fino ad un momento in particolare in cui il ragazzo si è allontanato involontariamente dalla vita di Yu-ri, alla quale aveva promesso di starle accanto in ogni situazione spiacevole, così affezionato anche alla nonna, verso la quale non è mai stato avaro di complimenti ogni volta che era invitato a pranzo o a cena. A Yu-ri manca molto Woo-hyun, soprattutto in questo momento di grande prova e ripensa a come la nonna cercava di tirarla su di morale ogni qualvolta si rattristava e, avvicinatasi ad un poster di un’aurora boreale, sospirava alla nipote: “Quando sto passando un momento difficile sogno di essere in Finlandia. Solo pensarci mi fa stare meglio”.

Nel frattempo, al Finland Papa accadono delle cose importanti, i quattro membri dello staff sembrano una vera e propria famiglia e ognuno di loro, cercando di confortare l’altro, ritrova un proprio equilibrio interiore. Resta l’enigma del proprietario e qualcosa che non quadra perfettamente, sembra quasi di interpretare in una pièce teatrale un personaggio, ma è davvero così oppure è solo un sogno? C’è qualcuno dietro a questo progetto del Finland Papa? E se c’è qualcuno a che scopo ha progettato tutto questo? Per lo più ognuno dei membri dello staff è diverso dall’altro, proviene da situazioni diverse, da vite differenti, come mai adesso si sentono come in una famiglia? L’unica risposta è la capacità dei quattro di farsi forza e affrontare insieme ciò che è irrisolto per ognuno di loro. Tutti hanno in comune qualcosa legata ad un aspetto familiare, Kaka che si sente in colpa per il figlio malato, Mari che ha lasciato la propria famiglia, Toto che non si sente accettato dai genitori d’adozione e Yu-ri, alla quale non è rimasto più nessuno della sua famiglia d’origine, per ultima anche la nonna, con i suoi sogni strambi delle aurore boreali, è sparita in un soffio dalla sua vita.

Mi è piaciuta molto questa serie, mi è sembrata per certi aspetti un metateatro, inoltre l’idea di trovare una famiglia e di recuperare i propri sogni, di capire il potere del perdono, di non accumulare dispiaceri e serbarsene nel cuore per troppo tempo, sono tematiche validissime che scavano nell’animo umano. Così come mangiare insieme e non stare mai da soli.

“Ci siamo affezionati l’un l’altro mentre fingevamo di essere una famiglia?”.

Finland Papa è tutto questo, è famiglia, è un posto di conforto.

Piccola regressione sulle aurore boreali, se vi capita di recuperare questo drama, guardatelo fino alla fine, fino alle ultime scene. I Sami che vivono in Lapponia chiamano l’aurora “guovssahasat”, che significa “luce del mattino o “luce della sera”. Secondo una credenza degli antichi finlandesi, le aurore boreali erano considerate “spiriti dei defunti”. Solamente come mia interpretazione, la nonna della protagonista non ha mai abbandonato la nipote, anzi, credo che sia ormai un suo spirito guida. Se lo interpretate così come me, fatemelo sapere.

Memoru Grace

Ooku – Le stanze proibite

“Qualcuno ha qualcosa in contrario che io sia uno shogun donna?”

Generalmente, tendo a divorare la lettura dei manga e la visione degli anime, ma ci sono pochi casi in cui questa voracità mi accade quando si tratta di una narrazione storica, tematica che preferisco centellinarmi a rilento, magari ricorrendo a mie ricerche personali per inquadrare per bene il contesto. Ooku – Le stanze proibite non mi ha dato il tempo, trasportandomi con garbo e prepotenza, nello stesso momento, in un’ucronia storica, una rilettura dell’epoca dello shogunato, che mi ha portato a parecchie riflessioni attuali, perché, nonostante l’ambientazione nel Giappone feudale, la sua storia può essere veramente accostata a quella di “Il diario di un’ancella“, il famoso romanzo di Margaret Atwood che ha ispirato anche una serie televisiva. Come nel libro citato, anche la narrazione di Ooku segue solennità rituali e note stridenti, che confliggono tra loro e incantano al tempo stesso, con la fissità di vesti che diventano maschere e di generi che diventano prigioni. Solo che, diversamente dalle ancelle costrette a concepire in una società dispotica e maschilista, in questo anime/manga giapponese accade un’inversione dei ruoli (o, perlomeno, dei ruoli affibbiati solitamente dalla tradizione, ci tengo a precisare), ovvero sono protagonisti di questa sfasatura temporale e narrativa uomini costretti a servire come concubini o come banche del seme in una società dominata da un matriarcato. Eppure, la cosa strana è che, nonostante tutto, malgrado qualsiasi predominio e/o autorevolezza imposta dal genere femminile, domina sempre un latente e celato maschilismo, che cova alla radice, sotto strati di noiosa inattività e colorato belletto.

Come introdotto, la materia non è assolutamente di facile trattazione e necessita di una breve premessa. L’anime/manga può essere classificato sia tra le narrazioni di genere storico che tra i cosiddetti josei, ovvero manga destinati prevalentemente ad un pubblico femminile adulto, contenente rappresentazioni più realistiche e argomenti più espliciti rispetto al classico shojo per ragazze. Per questo motivo, i josei possono affrontare tranquillamente tematiche storiche, prendendo per assodato una conoscenza di base solida, ma anche tematiche politiche, sociologiche ed etiche e, infine, possono avere contenuti sessuali, senza troppe censure, sfiorando, talvolta, il confine dello yaoi.

Ooku parte dal presupposto che, ad un certo punto storico del Giappone feudale (coincidente con la fine del periodo Azuchi-Momoyama e l’inizio del periodo Edo), una strana pestilenza (definita “vaiolo dalla faccia rossa”) decimò in modo considerevole la popolazione maschile, l’unica ad essere soggetta alla malattia. Con il tempo, ciò ridefinì completamente la società giapponese: visto che gli uomini erano diventati un quarto della popolazione femminile, tutte le mansioni e i lavori venivano svolti dalle donne, ritenute di costituzione più robusta, mentre la fragilità maschile veniva preservata per mantenere la perpetuazione della specie. L’istituto della famiglia decadde completamente e le donne si abituarono ad avere figli da sole, magari pagando il seme dei pochi uomini rimasti. Del resto, solo le donne potevano essere legittimate ad ereditare e a succedere alla diverse cariche anche ereditarie, divenendo feudatari, baroni e, infine, shogun, instaurando, di fatto, un matriarcato, seppur lasciando l’apparenza dei nomi maschili per ereditare. Mentre poche donne ricche potevano permettersi l’esclusiva di un marito (acquistato a peso d’oro) e la maggior parte delle donne ricorreva semplicemente a fecondatori e amanti occasionali, talvolta pescati dal quartiere dei piaceri di Yoshiwara, dove gli uomini usavano mettere in offerta le proprie prestazioni, solo la shogun poteva concedersi il lusso di mantenere un ooku (大奥, lett. “grandi interni” o, meglio, “le stanze proibite”), ovvero un harem di soli concubini uomini, a cui era vietato uscire dalle mura del palazzo di Edo ed avere relazioni con altre donne, in quanto proprietà personale della shogun.

Qui inizia la narrazione dell’anime, che può essere divisa per comodità in due parti: la prima, corrispondente al solo primo episodio, di fatto della durata di un film e narrante la storia dell’ooku all’epoca dell’ottavo shogun (bene o male, durante il XIX secolo), quando il matriarcato era già radicato da tempo; la seconda, corrispondente agli episodi dal 2 al 10 e costruito come una sorta di flashback (o, meglio, di lettura di vecchi registri), narranti come è stato creato lo shogunato femminile e l’ooku di concubini.

Nella prima parte, il protagonista assoluto è Mizuno, un giovane nemmeno ventenne, che decide di impiegarsi nell’ooku dello shogun, a causa dell’impossibilità di sposare la donna che ama. Quello che sembra un semplice lavoro, forse quasi monastico, diventa presto un incubo per Mizuno, costretto ad iniziare dalle posizioni più basse, ovvero a fare le pulizie, imprigionato in un mondo di soli uomini da cui non è possibile evadere e soggetto a bassezze e vessazioni da parte degli invidiosi compagni di harem. Una notte, per sfuggire ad una violenza sessuale di gruppo proprio da parte di altri concubini, sfodera la spada e tutta la sua competenza da mancato samurai per minacciare i suoi assalitori. Questo fatto lo mette particolarmente in luce e lo fa scegliere dal gran ciambellano dell’ooku per iniziare una scalata che lo porta nella casta dei guerrieri, prima, e, in quella dei gentiluomini di corte, dopo, con maggiore possibilità di essere scelto come amante dalla shogun. Nel frattempo, però, l’attuale shogun, Tokugawa Ietsugu, una bambina di soli sette anni, muore senza eredi e le subentra nella carica una lontana parente, Tokugawa Yoshimune, donna pratica e priva di fronzoli, che nota come l’ooku sia solo una spesa morta e un fardello, in quanto priva il mondo esterno di uomini forza lavoro e di ipotetici padri, e come, di fatto, all’interno dell’ooku si sia creata una vera e propria élite istituzionale dominante la politica del paese. Un’élite nelle mani di pochi scelti e fidati concubini, capeggiati proprio dal ciambellano di corte, che, di fatto, gestiscono i veri poteri politici e gli equilibri di corte e mantengono lo stallo tra i feudatari e la stasi dalle guerre fratricide. Al contempo, la shogun nota come il matriarcato sia, in realtà, un’entità fatiscente, legittimata dall’esigenza dovuta alla riduzione della popolazione maschile e da un carattere di transitorietà, tanto che ogni donna erede è costretta a cambiare il proprio nome con un corrispondente maschile, e mai, quindi, da una volontà di eguagliare le posizioni dei generi e la loro capacità anche giuridica. L’illusione del potere è data anche dal possesso dei concubini, che toglie materialmente uomini dal riequilibrio dei generi e stabilizza lo status quo, retto da questa piccola e nascosta oligarchia. Inaugurando una politica quasi di austerity e tagliando le cariche a chi non è degno della sua fiducia (compreso consigliere di corte corrotte e dispendiose e concubini giovani e di bell’aspetto, inviati nel mondo a procreare), la shogun entra in possesso dei vecchi registri per capire come si sia arrivati a questo punto.

Qui, inizia la seconda parte, che fa un salto indietro nel tempo al XVII secolo, ovvero all’epoca dello scoppio della pestilenza che, tra le illustri vittime, uccide anche il terzo shogun, Tokugawa Iemitsu. Per non fare avvertire alcun vuoto di potere e mantenere il dominio della famiglia dei Tokugawa, la sua nutrice Kasuga (personaggio, tra l’altro, storicamente esistito, colei che ha di fatto instaurato lo shogunato dei Tokugawa e ha costruito l’ooku dello shogun, donna controversa, tradizionalista e machiavellica, balia, ma soprattutto politica e statista, amata e odiata al contempo in tutti i libri di storia) lo sostituisce con la figlia illegittima Chie, a cui impone il nome paterno e vesti maschili. La ragazza cresce, perseverando l’illusione che le ha imposto la nutrice, per cui non può ricevere nessuno direttamente, ma solo dietro un paravento (o facendosi sostituire da un sosia) e finge di essere suo padre. Nella prospettiva di dare una degna discendenza maschile alla sua shogun sostituta, Kasuga inizia a pescare diversi uomini celibi, perlopiù ronin, ovvero guerrieri samurai senza possedimenti e senza signore feudale a cui prestare fedeltà, e a chiuderli nel suo ooku in qualità di ipotetici padri del futuro shogun (di fatto, sono i primi concubini che daranno il via alla tradizione consolidata).

Tra di essi, appare, controvoglia, il giovane Arikoto, uno dei personaggi maschili più belli e meglio costruiti in generale negli anime/manga. Arikoto è erede di una famiglia nobile, ma, sin dalla più tenera età, avvertendo un afflato spirituale e un’esigenza di aiutare il prossimo, ha convertito la sua vita a diventare monaco buddista. In qualità di priore del monastero, si reca per un’ambasceria dallo shogun e qui viene notato da Kasuga per i suoi lineamenti aggraziati, quasi femminei, l’eleganza, la gentilezza e l’enorme cultura, tutte caratteristiche che avrebbero potuto colpire una shogun poco più che adolescente e ribelle. Di fatto, Arikoto viene minacciato e costretto a rimanere nell’ooku (pena la morte delle persone a lui vicino) e ad abiurare i propri voti (o, come afferma lui stesso, a rigettare la sua “tonsura”) e, così, scopre il grande inganno della shogun sostituta. Arikoto, però, ha la capacità della comprensione e del perdono: nonostante le umiliazioni a cui è costretto, accetta tutte le sofferenze, persino la più grande, quella di non portare avanti la propria missione come religioso, e decide che la sua vera vocazione sarà salvare anche solo una vita, quella della giovane shogun, apparentemente arcigna e selvaggia, incastrata in un ruolo maschile e in un nome che odia, ma, nella realtà, sofferente e percorsa da una continua tristezza. Avviene così, a lenti passi, con parole di umanità che la shogun non aveva mai sentito, come un abbraccio per consolarla di un aborto subito in passato e il tempo speso per ascoltarla parlare o per sentire insieme il manto soffice e caldo di un gattino, che Arikoto e Iemitsu si avvicinano e si scelgono, innamorandosi l’uno dell’altra con un sentimento così forte e omnicomprensivo da superare il giogo della vita nell’ooku. Iemitsu accetta il suo ruolo e, lentamente, si priva degli abiti maschili che le hanno imposto per esprimere se stessa in vesti femminili e concedersi il lusso di cambiare opinione. Arikoto accetta di accompagnarla, stando un passo dietro di lei, eppure sempre al suo fianco, in una vita che sembra scorrere sempre identica giorno dopo giorno, nella fissità di una prigione dorata, conscio che la sua esistenza vale per supportare Iemitsu. Ma non è la sola cosa che Arikoto è costretto ad accettare: non essendo in grado di dare figli a Iemitsu, accetta che vengano affiancati alla sua amata altri concubini e questi ultimi siano i padri dei suoi figli, così come accetta di crescere i bambini come se fossero figli propri e dimostra tutta la sua compassione e la sua misericordia nel prestare soccorso ai disagi e alle malattie altrui, rischiando anche la propria vita. Ed è quando chiede a Iemitsu di essere dispensato dai suoi doveri coniugali, ma di rimanerle accanto come confidente e come consigliere, che si nota quanto sia salito agli occhi di Iemitsu nel suo continuo amore e nel suo spirito di abnegazione e come quest’ultima non possa sostituire nessuno ad Arikoto, che considererà sempre il suo unico amore.

Storicamente, è vero che il Periodo degli Stati Belligeranti si è concluso con la fortificazione dello shogunato e della figura dello shogun, carica di fatto gestita dalla famiglia Tokugawa, che viveva nella fortezza di Edo, l’antica Tokyo, abbastanza vicino alla capitale Kyoto per mantenere i contatti con la corte imperiale e abbastanza lontano da gestire la sua influenza per riorganizzare i samurai. Così, come è vero che il terzo shogun Tokugawa Iemitsu riunì a sé i ronin privi di signoria per sedare le lotte per il potere tra i feudatari, coadiuvato in tutto ciò dalla nobile Kasuga, figlia di un nobile decaduto, che aveva divorziato per fare da nutrice al futuro shogun o, meglio, per avere la possibilità di formare la sua educazione militare e politica. Altra verità è proprio la creazione dell’ooku, le cosiddette stanze proibite, un harem creato dalla nobile Kasuga come proprietà esclusiva dello shogun e che, secondo la leggenda, contava anche 3000 concubine. Tendenzialmente, se, come ci dimostra l’anime, gli shogun e i samurai donne avessero cambiato il proprio nome in versione maschile e i concubini uomini avessero assunto nomi femminili, non c’è nulla di diverso da quello che la storia del Giappone feudale ci ha trasmesso. Ho trovato incredibile quest’attenzione al dettaglio e questa trasposizione fedele, con un espediente tecnico, peraltro confermato all’interno della narrazione dell’anime, che doveva servire a ingannare contemporanei stranieri e posteri giapponesi.

E, allora, che cosa può sembrare così stridente all’interno di quest’anime, se, di fatto, un ooku di concubine è realmente esistito? Forse che scardinare i generi come sono stati adoperati nella storia può scuotere la mente del lettore/spettatore? Nessuno rimane allibito quando la storia ci trasmette grandi figure maschili, guerrieri e regnanti o anche studiosi, con una o più spose e magari un nutrito gruppo di concubine. Tutti quanti, quasi in automatico, pensiamo che è normale, che la storia è andata così e che la strada per l’emancipazione femminile è stata lunga. Ma come mai restiamo impressionati se vediamo la storia di una donna da sola al potere, circondata da concubini uomini? Perché viene questo senso di fastidio, come forgiato nei secoli da un’imposizione quasi automatica di ruoli, di cui non riusciamo a liberarci nemmeno quando ci sforziamo? Non è facile liberarsi da tutti questi preconcetti che la nostra mente si è formata anche a livello ancestrale, quasi idola fori baconiani, perché, lo ammetto, pur con tutto il femminismo di cui mi sono sempre vantata, persino io sono rimasta quasi rintonata da note stridule, come camminare a piedi nudi sui vetri. E tutto ciò mi ha mosso la mia riflessione su uno scardinamento dei ruoli, per cui esiste sempre continuamente una severa e latente opposizione.

Tutt’al più, nell’anime/manga, viene inserita l’esigenza di mantenere la riproduzione e, quindi, la specie, nell’offerta di seme per le donne e la cosa quasi scandalizza, mentre è sempre sembrato normale che una donna garantisse la discendenza ad un uomo, come se fosse obbligata a diventare una macchina di riproduzione, e nessuno si rende conto che, in entrambi i casi, alla base sussiste sempre una strumentalizzazione del corpo femminile. Se la storia ci ha trasmesso la figura di consorti e concubine, in cui l’amore veniva sostituito dalla riconoscenza di diventare madri di futuri sovrani o personaggi importati per gli eventi storici perché uomini, anche la visione dell’anime ci restituisce la figura di una donna (la shogun) e di più donne costrette a mantenere e a perpetrare la specie e, pertanto, private di una vita e della possibilità di avere un amore per adempiere al ruolo di essere madri. Come riflette la shogun Tokugawa Iemitsu: “Non ho fatto nulla di diverso da quello che hanno fatto le altre donne che sono venute prima di me, costrette a sposarsi per dare una discendenza ai sovrani; perché, alla fine, è sempre la donna a soffrire“.

Non solo: come ho anticipato all’inizio di questo articolo, l’harem maschile, col tempo, si trasforma in una casta, nata a cerchi concentrici e gerarchizzati intorno alla figura di una shogun a cui rimane solo un potere formale. I fatti che aprono la narrazione dell’anime, ovvero l’arrivo del giovane concubino Mizuno, mostrano un ooku settario, dominato da alcuni uomini che hanno imposto una logica di gradi e di gruppi non solo per decidere chi può avvicinarsi alla shogun come futuro consorte e padre dei suoi figli, ma, di fatto, anche chi può entrare nella sua sfera di influenza. In questo mondo dove dominano le donne, sono le donne stesse ad autoannullarsi, vietando alle altre donne l’ingresso nell’ooku, e a depositare il potere nelle mani di pochi e selezionati uomini, separati dal resto della società maschile. Di fatto, la gestione che si va a creare è frutto di un doppio squilibrio: quello iniziale dell’inversione dei ruoli tradizionali e quello di eliminare la disponibilità maschile esterna e la presenza femminile interna. Ciò non fa altro che radicalizzare il potere di alcuni uomini per svuotare quello delle donne, seppure conquistato con nomi e panni maschili e in nome di un’emergenza “sanitaria”, trasformando l’ucronia di Ooku in un autoritarismo oligarchico, ancora più arcigno rispetto a quello tramandatoci dalla storia.

Ché, poi, per quale motivo una donna che raggiunge il potere debba fingersi un uomo è uno degli interrogativi che rimangono ancora nella società odierna, ogni volta che una donna si priva delle proprie caratteristiche per spersonalizzarsi in una non-identità, quasi giustificando il proprio potere in nome di una necessità momentanea, come se fosse una sostituta di una entità maschile assente e addirittura non esistente.

L’autrice di Ooku, Fumi Yoshinaga, è una delle più quotate e apprezzate mangaka del genere josei, premiata proprio per Ooku con numerosi riconoscimenti e ben valorizzata dalla critica sia per le sue opere seriali che per i one-shot (manga consistenti in un unico tankobon), sia, infine, per le sue incursioni anche nel genere yaoi/BL. La sua opera è considerata a tutti gli effetti un esempio di sociologia del genere, che, lentamente, sta scardinando e sovvertendo i canoni dei manga, aprendo una seria riflessione sul femminismo.

Postilla: esistono anche un film del 2010 (noto anche come The Lady Shogun and Her Men) e un drama del 2012, entrambi diretti da Fuminori Kaneko, entrambi dei gioiellini da recuperare.

Consigliato: sia agli amanti di anime/manga, che a chi ha poca dimestichezza con il genere, ma che, tuttavia, nutre una profonda passione per la storia, la riflessione e lo studio della società e ha voglia di vedere uno scenario ucronico mai affrontato, che è l’altra faccia della medaglia di forti storie femministe già raccontate.

Captain-in-Freckles

Blue Dragon Series Awards: Seconda Edizione

Ed eccoci alla seconda edizione dei Blue Dragon Series Awards, i premi creati nel 2022 dalla rivista Sports Chosun, dedicati alle serie televisive e varietà prodotti esclusivamente in Corea. L’anno scorso ve ne abbiamo parlato qui (cliccate sopra). Le premiazioni di quest’anno si sono tenute il 19 luglio 2023 al Paradise City di Incheon, presentati da Im Yoon-ah e Jun Hyun-moon. Andiamo a scoprire insieme i vincitori, scorrendo anche tutte le nomination (che sono state annunciate il 26 giugno). Non perdete i video e le foto sorpresa che abbiamo disseminato qua e là nell’articolo.

Miglior Drama

  • The Glory (2023)
  • Bargain (2022)
  • Narco Saints (2022)
  • Weak Hero Class1 (2022)
  • Big Bet (2022-23)
    • WINNER: Big Bet: La grande scommessa

Miglior Attore

  • Jin Sun Kyu in Bargain (2022)
  • Ha Jung Woo in Narco Saints (2022)
  • Doh Kyung Soo in Bad Prosecutor (2022)
  • Choi Min Sik in Big Bet (2022-23)
  • Lee Sung Min in Shadow Detective (2022)
    • WINNER: Ha Jung Woo in Narco Saints

Miglior Attrice

  • Jeon Yeo Been in Glitch (2022)
  • Song Hye Kyo in The Glory (2023)
  • Jung Ryeo Won in May It Please The Court (2022)
  • Bae Suzy in Anna (2022)
  • Kim Seo Hyung in Recipe for Farewell (2022)
    • WINNER: Bae Suzy in Anna

Miglior Attore Non Protagonista

  • Park Sung Hoon in The Glory (2023)
  • Jang Ryul in Bargain (2022)
  • Jo Woo Jin in Narco Saints (2022)
  • Kim Jun Han in Anna (2022)
  • Lee Dong Hwi in Big Bet (2022-23)
    • WINNER: Lee Dong Hwi in Big Bet

Miglior Attrice Non Protagonista

  • Lim Ji Yeon in The Glory (2023)
  • Lee Elijah in Decoy (2023)
  • Jung Eun Chae in Anna (2022)
  • Kim Joo Ryung in Big Bet (2022-23)
  • Kyung Soo Jin in Shadow Detective (2022)
    • WINNER: Lim Ji Yeon in The Glory

Miglior Attore Esordiente

  • Kim Ki Hae in Duty After School (2023)
  • Moon Sang Min in Duty After School (2023)
  • Cha Eun Woo in Island (2022-23)
  • Park Ji Hoon in Weak Hero Class 1 (2022)
  • Bae In Hyuk in Cheer Up (2022)
    • WINNER: Park Ji Hoon in Weak Hero Class 1

Miglior Attrice Esordiente

  • Shin Ye Eun in Revenge of Others (2022)
  • Cha Joo Young in The Glory (2022-23)
  • Kwon Eun Bin in Duty After School (2023)
  • Han Ji Hyun in Cheer Up (2022)
  • Ahn Hee Yeon (Hani) in Hit The Spot (2022-23)
    • WINNER: Shin Ye Eun in Revenge of Others

Miglior Varietà

  • SNL Korea 3
  • Siren: Survive the Island
  • PLAYou Level Up
  • Bloody Game 2
  • EXchange 2
    • WINNER: Siren: Survive the Island

Miglior Presentatore

  • Shin Dong Yup | SNL Korea 3
  • Lee Kwang Soo | The Zone: Survival Mission
  • Hwang Jae Sung | The Time Hotel
  • Hong Suk Chun | Me(a)rry Queer
  • Yoo Jae Suk | PLAYou Level Up
    • WINNER: Yoo Jae Suk | PLAYou Level Up

Miglior Presentatrice

  • Joo Hyun Young | SNL Korea 3
  • Girls’ Generation’s Yuri | The Zone: Survival Mission
  • Lee Eun Ji | Love Alarm Clap! Clap! Clap!
  • Jang Do Yeon | Change Days 2
  • Girl’s Day’s Yura | EXchange 2
    • WINNER: Joo Hyun Young | SNL Korea 3

Miglior Presentatore Esordiente

  • Nam Hyun Woo | SNL Korea 3
  • WEi’s Kim Yo Han | Love Catcher in Bali
  • Lee Yi Kyung | Zero-sum Game
  • DEX | Bloody Game 2
  • GOT7’s BamBam | EXchange 2
    • WINNER: DEX | Bloody Game 2

Miglior Presentatrice Esordiente

  • Kim Ah Young | SNL Korea 3
  • Gabee | Love Catcher in Bali
  • Chuu | Love Alarm Clap! Clap! Clap!
  • KARA’s Heo Young Ji | Change Days 2
  • Park Ji Min | Bloody Game 2
    • WINNER: Kim Ah Young | SNL Korea 3

OST Popularity Awards: DKZ’s Jaechan – Our Season

Why Not Award: Choi Hyun Wook – Weak Hero Class S1

Popularity Star Awards (TIRTIR Popularity Awards): ASTRO’s Cha Eun Woo, DKZ’s Jaechan, Lee Kwang Soo, Kim Yeon Koung

Daesang (Grand Prize) Award: Song Hye Kyo – The Glory

E, se volete rivivere le emozioni del red carpet, vi lasciamo di seguito il link dell’arrivo delle star e dei loro saluti al pubblico. Enjoy!

Memoru Grace & Miss Lor & Captain-in-Freckles

Once Upon A Small Town (ovvero ricordi futuri di infanzia)

I genuinely feel like everyone in this village is my family.
No one grows up alone, you know?

Pensiamoci bene: è esistita per ognuno di noi quell’infanzia infinita, quella che ricordiamo come un’unica lunga estate, perché c’è sempre sole durante l’infanzia e ci sono giornate lunghissime, accompagnate dal frinire dei grilli e dal gioco all’aperto, dall’odore della palla appena comprata e dalle ore di stasi pomeridiane, quando gli adulti riposano o sono al lavoro e il mondo è solo dei bambini. Per tutti, poi, è esistita quell’ultima e grande infanzia, quella che possiamo definire con la I maiuscola, l’ultimo momento in cui ci siamo resi conto di essere bambini e sapevamo di camminare sul crinale per diventare adulti. Il cambiamento era proprio lì a due passi, ad attenderci dietro l’angolo come una macchia oscura e informe, eppure, ben sapendolo, lo abbiamo ignorato o, perlomeno, ce ne siamo dimenticati per quei lunghi tre mesi estivi, che segnavano la fine della nostra età d’oro. E, allora, abbiamo giocato ancora più forte, abbiamo urlato con più convinzione, siamo andati in esplorazione sfidando il caldo e l’immutata solitudine, ci siamo costruiti un nostro mondo, inaccessibile a tutti, se non a quei piccoli e selezionati nobili del nostro castello, e, poi, abbiamo sigillato tutto, nei nostri ricordi, dove andiamo, di tanto in tanto, a pescarli come vecchie polaroid ingiallite. Se ricordate, abbiamo tutti avuto quell’ultima grande infanzia di gioco e di benessere, persi nel nostro mondo e convinti a non ritornare più, perché sapevamo che, finita l’estate, ci avrebbe aspettato il doveroso procedere della crescita. Per questo motivo, ricordiamo quella grande estate d’infanzia molto bene, come l’estate più bella, e tendiamo a fondere tutti i ricordi infantili precedenti in quel momento.

Questo è ciò che accade anche ad Ahn Ja-young e Han Ji-yul, che si conoscono da bambini e si incontrano ogni estate, quando Han Ji-yul va a trascorrere le vacanze in campagna nella casa dei nonni, e che si aspettano ogni anno, fino all’ultima grande estate della loro infanzia, quella in cui sanno che devono costruire una propria realtà in cui rifugiarsi e da proteggere dal mondo adulto. Solo che, con la naturalezza che hanno i bambini, mentre trascorrono insieme la loro ultima estate di gioco e confidano l’una con l’altro le proprie paure, i propri segreti e i sogni sul proprio futuro, non si scambiano mai il nome. Perché per i bambini è superfluo avere un nome, una sovrastruttura imposta da adulti che non ha nulla a che fare con il proprio mondo. La brusca frattura che li separerà per portarli nell’età adulta è già avvenuta e la crescita è dietro l’angolo: mentre Ahn Ja-young, che vive con la nonna, inizia a prendersi sempre più responsabilità delle persone del villaggio, Han Ji-yul rimane improvvisamente orfano di entrambi i genitori e viene catapultato nella grande città ad affrontare il proprio futuro.

Passano gli anni, Han Ji-yul (ora interpretato da Cho Yoong-woo, Oasis, School 2021) è diventato un abile veterinario in una clinica di Seoul per animali domestici, quando riceve una chiamata d’emergenza da parte del nonno, veterinario di animali di allevamento nel villaggio di campagna dove trascorreva le estati della sua infanzia, e si reca di corsa per prestare il proprio aiuto. Nella realtà, il nonno e la nonna hanno deciso di andare a fare un lungo viaggio intorno al mondo e, senza dire nulla al nipote, hanno preparato tutto per “incastrarlo” presso la loro clinica veterinaria di campagna per tutta l’estate. Non si capiscono le reali motivazioni che hanno portato i nonni ad agire in modo così sconsiderato e poco leale, ma, con il procedere degli episodi, iniziamo a conoscere un po’ meglio Han Ji-yul, che, a dispetto della sua brillante carriera lavorativa, non ha mai un sorriso in volto o, meglio, dalla morte dei genitori non ha mai sorriso, rinchiuso in una depressione e in una tristezza apatica per cui vive solo per il suo lavoro. Il suo arrivo in campagna genera subito un certo scompiglio, non solo perché snob, altezzoso e superbo, poco abituato a gestire animali di allevamento e di grossa taglia e per nulla aduso a comunicare con la gente semplice del villaggio, ma anche perché, per una serie di fraintendimenti, viene prontamente arrestato da Ahn Ja-young (Joy delle Red Velvet), poliziotta della piccola comunità.

Ahn Ja-young è diventata una ragazza gentile, empatica, ottimista, pronta ad aiutare il prossimo e impicciona, praticamente il contrario della riservatezza guardinga di Han Ji-yul e questa diversità di caratteri li porta spesso ad incontrarsi e a scontrarsi, con lo sfondo di una comunità di campagna dove tutti si fanno gli affari di tutti e dove anche i loro battibecchi iniziali e la loro successiva amicizia vengono letti e riletti al microscopio, magari durante una serata di festa improvvisata per la nascita di un vitellino o per un buon raccolto o durante una sessione di preparazione del kimchi da parte delle ajumma del villaggio, guidate dalla capo villaggio Jang Sae-ryon (Baek Ji-won, l’avvocata AD dello studio legale di Avvocata Woo, anche apparsa in Melancholia, Encounter e Mad for Each Other). E, mentre Ahn Ja-young tenta di proteggersi dalle frecciatine delle donne del villaggio e Han Ji-yul cerca di integrarsi e di contare i giorni che lo separano alla fine dell’estate e, quindi, della vacanza dei nonni, i due finiscono per avvicinarsi, diventare amici, scoprire il legame in quelle estati di gioco mai dimenticate (complice un libro) e, lentamente, innamorarsi. Ma, come in tutti i drama romantici, anche qui c’è un second lead di tutto rispetto, Sang-hyun (Baek Sung-chul, Inspector Koo), uno che conosce la protagonista sin dall’infanzia e che è sempre rimasto pazientemente in attesa che la sua amicizia si trasformasse in qualcosa di diverso. E, infine, esiste anche l’amico imbranato, quello che si trova involontariamente ad essere aiutante per caso del protagonista e che strappa al pubblico così tanti sorrisi da chiederci perché non gli abbiano affidato più battute: il veterinario collega di città Choi Yun-hyeong (interpretato dal compianto Na Chul, visto in Happiness e Vincenzo e rimasto impresso per il suo ruolo grandioso in Weak Hero Class 1).

Once Upon A Small Town (어쩌다 전원일기, noto anche come Accidental Country Diary o, in italiano, L’amore lontano dalla città) è una piccola produzione felice marcata Kakao TV e approdata su Netflix, che ha avuto un successo imprevisto. Basato sull’omonimo webtoon, il drama ha il pregio di presentarsi in modo fresco, senza grandi dilemmi né drammi, con personaggi piuttosto lineari e con una dinamica quasi da romanzo austeniano, dove lei è perfettamente immersa nel suo piccolo ambiente di campagna e cerca il vero amore e lui evita l’umanità, che trova fastidiosa e ridicola, e dove tutti si conoscono e si urtano quasi piacevolmente a vicenda come se tutti quanti vivessero in un piccolo villaggio inglese.

Non è il solo rimando letterario inglese che mi è venuto in mentre guardando il drama: il trasferimento di un veterinario dalla città in campagna per occuparsi di animali di grossa taglia e muoversi tra strade accidentate solo in bicicletta mi ha fatto venire in mente anche i racconti di James Herriot, come il suo romanzo Creature grandi e piccole (All Creatures Great and Small), che scoprii quasi per caso tanti anni fa in biblioteca e che riuscì a mettermi di buonumore e a darmi un senso di pace. Un po’ come questo drama, iniziato a guardare quasi senza pretese per riprendermi da visioni pesanti e cercare una lieve ondata di ottimismo e di gentilezza. Perché la vera unicità di questo prodotto è una narrazione gentile e pacata, che non scade mai in alcuna bruttura e che ti fa perdonare anche interpreti inizialmente un po’ ingessati e non eccezionali, ma che, con il procedere degli episodi, sanno donare quella timidezza di un nuovo sentimento che sboccia.

Però, siccome siamo in Corea del Sud e secondo i cliché dei drama tutti i personaggi si sono conosciuti in qualche modo da bambini, ecco che anche qui i protagonisti si sono incontrati e hanno giocato ai tempi di quell’ultima infanzia felice, quella che ha dato loro i ricordi e gli ultimi attimi di spensieratezza a cui fare affidamento per il futuro. Emblematico è il momento in cui si riconoscono e, consci della loro età d’oro, decidono di darsi appuntamento lontano dagli sguardi di tutti per giocare, nel vero senso della parola, arrampicandosi, correndo, saltando sui sassi, fischiando sui fili d’erba e ridendo, come quando erano bambini. Entrambi i protagonisti, insieme, crescono e capiscono se stessi, cosa sono e cosa vogliono essere nella vita, superano quella linea di confine tra infanzia ed età adulta, ma, questa volta, ricchi dei ricordi e delle meraviglie infantili che decidono di portare con sé per il resto della propria vita.

Infine, la fuga dalla città in cerca di una dimensione più ingenua e umile e anche in cerca di se stessi è una tematica affrontata spesso nei k-drama (vedi Hometown Cha-Cha-Cha, ma anche The Good Bad Mother), che ci propongono spesso una dicotomia tra quel mondo caotico e senza cuore cittadino e la purezza dei sentimenti della campagna, dove i ricordi sono custoditi dagli anziani e il futuro è nelle mani di un’infanzia che riesce a comprendere il passato.

Consigliato: a tutti e, in particolar modo, in estate, perché abbiamo bisogno di spezzare la routine della quotidianità e di fuggire, metaforicamente, dal rumore cittadino, per rifugiarci nella nostra infanzia, nella nostra lunga giornata estiva senza preoccupazioni né imposizioni, recuperare i ricordi e sdraiarci all’ombra di un albero con un buon libro o esercitarci a lanciare sassi nei fiumi, giocare, come quell’ultima estate in cui improvvisamente siamo diventati grandi.

Captain-in-Freckles

One Day Off – Un viaggio in solitaria alla ricerca di umanità

“C’è stata un’ondata di nomadi in Francia alla fine XIX secolo. Hanno lasciato il lavoro, la famiglia e si sono persino persi mentre andavano in giro. Questa condizione, soprannominata dromomania, turismo patologico e voglia di viaggiare, si diffuse in Europa come un’epidemia e quelli che si mettevano in viaggio venivano chiamati “viaggiatori pazzi”. Era davvero la follia ad alimentare quei viaggi? O è stata la paura di impazzire a farli partire? “

Con questa frase, che rappresenta il focus del drama, si aprono otto intensi episodi interpretati da una meravigliosa Lee Na-young (“Romance is a Bonus Book”), in una storia che resterà per sempre nel cuore, in cui mi sono rispecchiata moltissimo perché la capacità di questa bravissima attrice è di portarti con sé nella vita ordinaria di Park Ha-kyung, protagonista della storia, una donna comune, insegnante di lettere al liceo che trascorre le giornate sempre nello stesso modo, tra gli impegni del lavoro e della scuola. Spesso, però, la vita, seppur tranquilla, ci presenta degli ostacoli di cui non riusciamo a raccontare o a confrontarci con gli altri, situazioni che possono sembrare banali, ma che ci fanno stare in tensione, in ansia, oppure ci fanno ricordare di essere soli, di non riuscire a comunicare a nessuno il nostro stato di disagio emotivo, per cui tentiamo di trovare qualche sfogo, una via di uscita che ci permetta di staccare dal nostro iter quotidiano e di fare una piccola follia che possa darci l’opportunità di ritrovare la forza di vivere e di continuare.

Park Ha-kyung quando vuole staccare da tutto, quando desidera sparire dalla sua vita, dall’ordinarietà, scompare per un giorno, si mette in viaggio da sola, per mete diverse, non troppo lontane, raggiungibili quasi sempre con autobus o treni, senza strafare, ma solo per camminare, mangiare qualcosa e sentire il giorno scorrere in modo diverso, riuscire a sentire l’essenza della giornata e ricaricarsi, scoprire nuovi volti, immergersi, pur rimanendo sola, in una immensa e infinita marea di umanità.

“Quando desidero scomparire, faccio gite di un giorno. Cammino, mangio e lascio vagare la mente”.

Il suo giorno di riposo è il sabato e, per ciascuno degli otto episodi, Park Ha-kyung ci porterà con sé nel suo ricco mondo interiore e nello stato d’animo diverso per ogni meta che poi non saranno mai gite dettagliatamente organizzate, ma un puro vagare discreto per sbloccare la mente, come nel primo episodio, quando la camminata in mezzo al bosco riesce a rasserenare l’animo più di una seduta o di un ritiro o nel secondo episodio, ”Sogni e dolore gocciolanti”, quando si reca per la prima volta a Gunsan e la sensazione di nostalgia rende tutto piacevole, lì va a trovare una sua ex allieva (interpretata da Han Ye-ri di “Minari”) che si è trasferita aprendo una sua bottega d’arte alternativa e Ha-kyung capisce che la sua alunna ha bisogno di conferme e di supporto. Simpatica l’entrata della protagonista nel negozio particolare di fiori a Gunsan dove acquista la gipsofila gialla il cui significato è “continua così”. L’atmosfera all’interno della bottega d’arte che chiede ospitalità ad una caffetteria con lettura tarocchi è un’esperienza surreale dove, però, Ha-kyung intuisce il dolore  della sua giovane alunna e cerca di rendere quella giornata un valore aggiunto per ricaricare di fiducia la ragazza, senza farlo capire, Ha -kyung non è una chiacchierona, non disperde consigli, ma è una brava ascoltatrice, come qualcuno le dirà in un altro episodio, lo intuiamo dai suoi modi di fare, dalla sua gentilezza e discrezione e dallo stupore che prova ad ogni angolo del suo viaggio, per qualsiasi soffio di umanità che soffre o che sta vivendo un periodo di profonda incertezza.

Le gite raccontate in questo drama hanno la capacità di affrontare l’incertezza che proviamo ogni giorno in ogni cosa e quel clima di felicità illusoria che si sfalda in poco tempo nella società che viviamo e respiriamo quotidianamente. Può davvero aiutare se stessi scomparire per un solo giorno, per vagare senza uno scopo o un fine preciso?

“I pazzi viaggiatori sembrano nascere e scomparire con l’alba del 20° secolo. Hanno trovato qualche cura miracolosa? O non c’era niente di sbagliato per cominciare? L’inizio dell’umanità arrivò con un gruppo di nomadi. Il problema è che vogliamo sempre un posto nuovo e una volta raggiunto quel luogo, c’è un’incessante ricerca di un altro. Siamo destinati a perderci con il costante vagare”.

Mentre Park Ha-kyung si interroga costantemente sulla propria esigenza delle sue brevi gite dei sabati, capita anche di dover restare nella propria città a causa delle cattive condizioni metereologiche, per cui anche l’uscire da casa e camminare per le strade che conosce, ma a cui non si fa mai caso, può sembrare un viaggio. Si rifugia in un piccolo museo per ripararsi dalla pioggia e lì incontra un piccolo gruppetto di studenti accompagnati da un collega insegnante d’arte che rivaluta in modo differente, perché lontana dalla scuola e con il quale scambia considerazioni e riflessioni sulle nuove generazioni, su come poter accompagnare il loro percorso di crescita con dei consigli che abbiano un senso duraturo.

Tra i miei episodi preferiti vi è quello ambientato a Busan durante la rassegna dei film per il festival del cinema dove Ha-kyung vivrà un vero e proprio Meta-Romance con il personaggio interpretato da Koo Kyo-hwa (“D.P.”, “Kingdom”, “Avvocata Woo”) alla scoperta del romanticismo o forse della fantascienza romantica tra la visione del “Le Voyage Dans La Lune” e le riflessioni serali, scomparendo prima l’una poi l’altro come se fossero incastrati in due dimensioni diverse  e, negli attimi di incontro, parlando di amore e di come sia un concetto difficile per la società moderna per la paura di rovinare le relazioni e il dubitare sempre di se stessi, anche se la vita, in realtà, è sbagliarsi.  E, così, in un film senza fine, forse si rincontreranno ancora o forse è solo per un attimo che le loro strade si sono incrociate.

Altro viaggio indimenticabile è quello nei suoi ricordi d’infanzia a Sokcho, l’unica vera vacanza fatta con la famiglia dove Ha-kyung, dopo aver riflettuto sulle scelte fatte dagli adulti quando era piccola, quando i genitori e le persone di quella generazione hanno sfidato la tempesta facendo diversi sacrifici, rapporta la sua esperienza e la sua esistenza di adesso che ha raggiunto l’età che avevano i genitori in quel periodo. Cosa è cambiato? Cosa è successo? Ci sono lotte per ogni generazione, anche silenziose, quasi invisibili, ma non è mai facile vivere. Qui, sulla via del ritorno, incontra, alla stazione degli autobus, due coniugi anziani che attendono con lei il bus, il marito interpretato dall’immenso Park In-hwan (“Navillera”) inizia a criticare la politica del paese e il welfare, a voce altissima, quasi per avere testimoni della sua sofferenza e infelicità causata dall’appartenere ad una generazione che non viene più ascoltata, mentre le nuove stanno deteriorando la società e Ha-kyung verrà coinvolta in un discorso che non avrebbe mai voluto sostenere, ma invano. Quando poi sul bus ascolta i discorsi dei due coniugi a telefono con i nipotini si rasserena nuovamente, capisce lo stato d’animo dei due anziani, empatizza, e, all’arrivo alla stazione di casa, si avvicina a loro per chiedere perdono del suo eventuale comportamento irrispettoso. I due la guardano con tenerezza, le danno alcuni biscottini preparati per i nipoti e la signora le dice di non scusarsi perché tanto entrambi erano preoccupati nello stesso modo per il Paese, cambia solo il modo di agire.  Una prova meravigliosa di discussione e confronto tra generazioni!

Merita molto anche l’episodio ambientato al planetario dove alcune ore prima, in un ristorante vicino, la nostra protagonista ha riconosciuto la sua fumettista preferita, autrice de “Il canguro danzante” interpretata dalla bravissima Gil Hae-yeon (“Something in the Rain”, “One Spring Night”, “The Silent Sea”), a lei Ha-kyung confida che i suoi fumetti le hanno fatto una gran compagnia, l’hanno confortata e le sono stati d’aiuto in un momento in cui si sentiva sola e non capita e, ancora adesso, colleziona tutti i suoi fumetti.

Tanti altri personaggi e visi incontrati nelle gite dei sabati di Ha-kyung, interpretati da attori che donano alla storia una preziosa armonia, da Shim Eun Kyung (“The Journalist”), con un bellissimo ruolo nell’ultimo capitolo del drama, a Park Se-wan, da Cho Hyun-chul (“Hotel del Luna”, “D.P.”) a Seo Hyun-woo (“Flower of Evil”, “Adamas”) alla cantautrice Sunwoo Jung-a. Meravigliosa ost da ascoltare in un pomeriggio di pioggia o sulla strada per andare a lavoro.

Consiglio di recuperare questo drama che, seppur breve, comunica moltissimo al cuore dello spettatore e ci richiama ad un debito che abbiamo tutti quanti con noi stessi, “Resistere, vivere, non impazzire”.

“Credo ancora che viaggiare sia il paradiso degli sciocchi. Non è molto divertente o significativo. Dopo aver vagato senza meta, ci sono solo fugaci momenti di lucidità, ma è questo che lo rende divertente. Quindi se hai voglia di sparire, fallo. Se sei solo, in un posto strano, e non ti senti molto coraggioso, allora fallo durare solo un giorno. Se puoi camminare, mangiare e lasciar vagare la mente, starai bene comunque”.

Memoru Grace